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catálogo de obras
centro león santiago de los caballeros, república dominicana octubre 2014 / Febrero 2015
Cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexiones 4
dra. MarÍa aMalIa leÓN de Jorge directora, Fundacion eduardo león Jimenes y centro león
Las travesías redefinen todas las representaciones mentales 8
eNtreVIsta a aNdrea gIUNta Jurado
La construcción de significados colectivos 14
eNtreVIsta a soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY Jurado
Para poder repensar nuestro país desde el arte 18
eNtreVIsta a Jorge PINeda Jurado
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes 23jurados
Artista Selecionados y Obras 24XXV concurso de arte eduardo león jimenes
laura castro 26
Fermín ceballos 34
Queury dicent 42
patricia encarnación 50
andrés Farías cintrón 58
mónica Ferreras de la maza 66
marie Jiménez 74
Joiri minaya 82
randy morales (rands) 90
Jochi muñoz 98
gustavo peña 106
david pérez (Karmadavis) 114
Freddy pérez (prandy) 122
maurice sánchez 130
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes 139opiniones XXV concurso de arte eduardo león jimenes 142 English translations
Contenido
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexionesdra. MarÍa aMalIa leÓN de Jorge Directora, Fundación Eduardo León Jimenes y Centro León
Así como se expresó Víctor Hugo a propósito de París, así quiero hablar de esta no-
che, en la que celebramos desde la cultura, la vida: el Arte enseña siempre sus dien-
tes, cuando no gruñe, ríe.
Conmemoramos hoy, en esta vigésima quinta edición del Concurso de Arte Eduar-
do León Jimenes, 50 años de un certamen que desde su primera convocatoria en
1964, se ha hecho cita ineludible para la comunidad de artistas de República Domi-
nicana. En su incesante búsqueda de libertad, como reto existencial que les permi-
te estremecerse, trascenderse y lograr transformarse, los artistas dominicanos, una
generación tras otra, han podido aquí, en las sucesivas celebraciones de este even-
to, cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexiones y rupturas
que han definido el arte dominicano en las últimas décadas.
Este Concurso surge de la visión y compromiso solidario de los hermanos y her-
manas León Asensio, quienes tuvieron el interés de propiciar, a través de sus
iniciativas empresariales, un marco de estímulo y reconocimiento a la creati-
vidad de los artistas dominicanos.
Ese proyecto, incluía la constitución de un espacio para exponer y ha-
cer accesible a todo público las obras que fueran siendo premiadas en
cada edición, anhelo que fue cumplido en el año 2003, cuando la
familia León entregó a la nación el Centro Cultural Eduardo León
Jimenes que hoy nos acoge.
Como en cada edición de este Concurso, nuestros pensamien-
tos primeros van dirigidos para nuestros artistas, que una
vez más creyeron en nosotros y concurrieron entusias-
tas a la convocatoria realizada. Nuestro reconocimiento
y gratitud sincera por la minuciosa y responsable labor realizada por el jurado inte-
grado en esta vigésimo quinta edición por Andrea Giunta, Sofía Hernández Chong
Cuy y Jorge Pineda.
Para conmemorar de manera significativa este cincuentenario tan especial para no-
sotros, la Familia León, a través de la Fundación Eduardo León Jimenes y el Centro
León, quiere rendirle un solemne y merecido homenaje a la comunidad de artistas de
República Dominicana, que en estos cincuenta años de vida cultural, ha sabido impri-
mirle a nuestros días y noches, sus creaciones tan vitales para la vida colectiva y per-
sonal de los dominicanos. Para celebrar este medio siglo de creación, de aspiracio-
nes sublimes y de experimentación del arte en nuestro país, el Centro León inaugura
esta noche una nueva versión de su exposición permanente Génesis y Trayectoria.
Esta nueva propuesta asume por primera vez un proceso museológico participativo,
que incorpora en sus perspectivas curatoriales y museográficas, recursos expositi-
vos múltiples, con el objetivo de establecer acercamientos y diálogos con el público
que nos visite. La nueva museología del Centro León pretende hacer más accesible
y pedagógica la aproximación a la intencionalidad artística, utilizando formas de en-
contrar y sentir el arte a la vez políglotas y polisémicas.
Para su concepción y diseño, se escucharon las voces de especialistas, artistas, edu-
cadores y colaboradores, con el fin de dar a luz una exposición que favorezca mira-
das diversas a las artes visuales dominicanas, tomando en cuenta los diversos con-
textos sociales, culturales y políticos en que se han desarrollado.
imagen del acto de premiación del XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.
octubre 2014
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Esperamos que Génesis y Trayectoria no sea una simple exhibición, sino una verda-
dera experiencia, un encuentro con más 50 años de cultura dominicana y caribeña,
es decir universal. La exposición comprende una selección de obras de la Colección
Eduardo León Jimenes de Artes Visuales que se ha venido formando desde 1964,
con obras participantes en el Concurso de Arte, así como con obras donadas por ar-
tistas y coleccionistas.
De igual manera, estamos esta noche inaugurando la vibrante exposición temporal
que contiene las obras seleccionadas y premiadas de este vigésimoquinto Concurso
de Arte Eduardo León Jimenes. Un espacio lúdico y muy caribeño.
Para finalizar, quiero expresar nuestra más profunda gratitud a la Cervecería Nacio-
nal Dominicana y al Banco BHD León por el valioso y sostenido respaldo para la ce-
lebración de este certamen bienal. A la Fundación Cisneros, en especial a la señora
Patricia Phelps de Cisneros y al Ayuntamiento de Cádiz, por su apoyo al arte y a los
artistas dominicanos. A nuestro equipo de colaboradores del Centro León, nuestra
profunda gratitud por su dedicación y esmero en hacer una entrega de rigor y pro-
fesionalismo para este Concurso.
Hemos aprendido de la historia de este Concurso de Arte, que la clave del Caribe
al asumir con tanta dignidad y belleza los rigores de su clima, está en la flexibilidad
hermosa de sus palmeras. Este Concurso ha preservado su vitalidad y vigencia pre-
cisamente porque ha ido tomando en cuenta los cambios en las artes y la cultura, a
lo largo de estas cinco décadas. Así mismo quiero expresar, en nombre de la tercera
y venideras generaciones de la familia León, nuestro compromiso inextinguible por
las artes en este país.
Honor a los creadores, honor a quienes han sido luz de cultura para esta nación. El
gran maestro de maestros, Fradique Lizardo, cuyos archivos fueron generosamente
confiados al Centro León, escribió una vez: “…allí una palabra, aquí una costumbre, la
manera de preparar una comida, una forma peculiar de tocar el tambor, formas de
cantar, todo debe de analizarse, con mucho trabajo, con esfuerzo, con dedicación,
pues se trata de una importante tarea patria”.
Fue al leer a Fradique que pude entender aquellos versos de Borges que iniciaban
diciendo “Nadie es la Patria”.
Gracias Fradique y contigo, a todos nuestros artistas e intelectuales, por mostrarnos
que es verdad, “Nadie es la Patria”, porque Patria es lo que hacemos EN ella, lo que
hacemos POR ella, lo que hacemos DE ella.
Palabras de María Amalia León de Jorge, Directora de la Fundación Eduardo León Jimenes y del Centro León, en el acto de premiación del lV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. Centro León, Santiago, 16 de octubre de 2014.
entrada del centro león con banderola alusiva al
XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.
mesa de honor en la inauguración del XXV
concurso de arte eduardo león Jimenes.
6 7
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Las travesías redefinen todas las representaciones mentaleseNtreVIsta a aNdrea gIUNta Jurado
dialoguemos sobre el reto que ha sido la XXV versión del concurso
de arte eduardo león Jimenes para el Jurado
Como sucede en estas instancias en las que se reúne un jurado que proviene de dis-
tintas trayectorias y de distintos espacios, implica el proceso de conocerse entre el
jurado y conocer una cantidad de obras que son todas aquellas que se presentan al
premio. Y sobretodo, establecer una dinámica de comunicación para el jurado. Un
ámbito de debate de ideas, de expansión de los propios presupuestos, a fin de ela-
borar tomas de decisión que después serán consensuadas. Es el desafío de conocer
a personas que van a actuar como jurado que uno no conocía, y al mismo tiempo, a
una cantidad de obras, de artistas. Lo que uno siempre experimenta en estas situa-
ciones es que le gustaría poder ir a ver a todos esos artistas, y no simplemente ver
un dossier. Pero como muchos son proyectos, es decir, son obras que tampoco
existen realmente sino que van a ser realizadas si son seleccionadas, el proce-
dimiento es adecuado a la circunstancia que va a caracterizar el certamen.
Y para mi también... tu sabes, yo soy profesora de arte latinoamericano en
Estados Unidos, en la Universidad de Texas, en Austin; y también en la
Universidad de Buenos Aires, entonces, soy escritora, curadora, inves-
tigadora. Pero como investigadora y profesora tener la posibilidad
de estar en un país de América Latina, del Caribe; del cual, desde
Buenos Aires, no necesariamente sabemos mucho, cómo en-
tenderlo, no lo conocemos mucho históricamente, y artística-
mente es una gran oportunidad.
Es muy positivo que tengamos el espacio para poder hacerlo.
Yo he documentado todo y esa documentación la voy a compartir en la clase que
tengo el próximo viernes, y les voy a contar a mis estudiantes que es lo que vi, cómo
fue el certamen, les voy a explicar algunas obras. Y esa difusión de ideas no tiene un
efecto inmediato, pero sí en el largo plazo, y permite que estos estudiantes en el fu-
turo van a estar definiendo temas de investigación para sus maestrías y doctorados
desde Buenos Aires, quizás contemplen la posibilidad de hacer un trabajo de inves-
tigación sobre el Caribe, sobre República Dominicana, sobre un artista que vieron en
la clase y que les impactó. Así que son como efectos en la larga duración que son
colaterales, que uno no puede anticipar efectos inmediatos, pero que así se va con-
tribuyendo a esto que todos queremos, que es que el arte de América Latina y de
nuestros países se conozca afuera.
son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiende que es el resultado
de este colectivo? ¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?
Digamos que una de las formas en las cuales uno evalúa el criterio de un ju-
rado es la amplitud de selección. Entonces yo no diría que hay una forma
de comprender la selección. Más bien hay un arco de propuestas. Sin
embargo, uno sí encuentra en forma recurrente, y creo que es muy
interesante, una preocupación por pensar la condición de isla, pen-
sar la condición de Caribe, pensar la condición de frontera, pensar
la condición de hábitos alimentarios específicos, arquitecturas
específicas, estereotipos a partir de los cuales se ve qué es
la República Dominicana desde el exterior; y desordenar
esos estereotipos. Se trata de artistas jóvenes y cultos
imagen de un momento del performance Siboney
de Joiri minaya en su presentación al jurado
del XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
98
con conocimientos profundos de la historia del arte universal también, que no es-
tán haciendo una obra en un aislamiento, sino a partir de conocimiento y que dialo-
gan con otros lenguajes, con otras construcciones. Se trata de artistas que exploran
las relaciones con las diásporas, es decir, el que se queda y el que se va; y cómo se
ven mutuamente, y cómo es imposible fijarlos en una única imagen, porque ni el que
se queda ni el que se va, continúan siendo los mismos durante el tiempo en el que
están distanciados. Ni tampoco, cuando el que se fue vuelve, va a encontrar lo que
dejó. Porque las travesías redefinen todas las representaciones mentales y todas las
experiencias. Entonces, obras que tienen que ver con esas experiencias, obras que
tienen que ver con el lenguaje, con un lenguaje formal que busca anudar cierta ma-
gia, busca impactar en las percepciones del espectador, lenguajes que se basan en
la abstracción, pero que van hacia la percepción emocional, que involucran al cuer-
po. En muchos artistas la idea es, casi como de sacrificio. Sacrificio de la obra, sacri-
ficio del propio cuerpo. Llevar al cuerpo propio al límite de las experiencias, llevar-
lo hasta el borde. Hay una gran entrega. Eso es algo que se ve en los artistas. Una
gran entrega, un llevar al límite su propio cuerpo. Artistas que experimentan con la
luz, que experimentan con la fotografía. Artistas que retoman métodos constructi-
vos de la ebanistería y plantean formas totémicas. Artistas que retoman los dichos
populares, de la sabiduría popular caribeña y dominicana; y que retoman también su
propia historia, su propia biografía, sus experiencias de vida, su propio archivo, el ar-
chivo de su propia vida filmado, construido con el cariño de la familia. La comida, la
comida específica; o sea, hay un recorrido por una cantidad de cuestiones que tie-
nen que ver con los lenguajes universales y con los lenguajes propios del Caribe. Hay
un color que a una persona que viene de una ciudad como Buenos Aires también le
llama la atención. Pero, no es aislamiento. Contrariamente a lo que yo sé que siente
montaje de la obra de mónica Ferreras de la maza en el
XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.
un dominicano, se siente aislado, yo por el contrario veo artistas que no están aisla-
dos. Pueden sentir que no tienen los recursos para estar en la escena internacional,
pero están dialogando con la escena internacional.
¿Qué tendría que decir sobre la vida profesional y el trabajo
de los artistas contemporáneos?
Que es difícil. Es muy difícil en todas partes. Y creo que una de las obras que están
aquí muestra cuan difícil es. Y que no por el hecho de vivir en Nueva York, o vivir en
Berlín uno tiene garantizado el acceso al mundo global del arte. A veces las cosas se
producen de manera inesperada. Sin embargo, yo creo que tanto los artistas como
aquello que constituye el mundo del arte y que tiene que ver con la investigación his-
tórica, con la escritura sobre el arte, con las prácticas curatoriales, con las formas de
pensar las relaciones entre las obras; me parece que son trabajos que aparentemen-
te no están muy desarrollados todavía, pero que hay que darles impulso. Porque no
se trata de un artista solo en el mundo. Se trata de una comunidad intelectual, una
comunidad de aquellos que aman el arte y que se sienten gratificados con una ex-
hibición, que no necesariamente es un coleccionista. El público en general es el po-
seedor también de todas las obras. Y que si esas redes, digamos, de personas que
conforman el mundo artístico empezaran a trabajar interrelacionadamente, eso da-
ría más posibilidades para que el arte se conociera en el exterior y para que los ar-
tistas tuvieran más acceso y más aceite en los canales para poder fluir en el mun-
do internacional del arte.
¿cómo entiende que influye el quehacer artístico y estos espacios de
concurso, en el fomento del desarrollo de alguna nación?
Evidentemente, desde el mundo en el que yo he trabajado siempre no
creo que los modelos tecnocráticos garanticen el desarrollo de un país.
Creo que la educación es el punto de partida. Es decir, en la medida
en que las personas tienen más capacidad para conocer sus opcio-
nes, pueden encontrar las maneras de realizar sus convicciones.
De la misma forma, creo que el arte es fundamental. Y que in-
corporar la enseñanza sobre el arte, el contacto con el arte
desde la escuela básica, desde la escuela primaria, es fun-
damental. Porque, en una obra, lo que sucede no es so-
lamente lo que está representado, lo que está sobre la
pared o lo que está en el espacio. En una obra se com-
pacta un mundo. Es decir, hay un universo de expe-
riencias, de vivencias colectivas, personales del
artista, relaciones con el espacio, diálogos con
la historia del arte, diálogos con la literatura
10 11
nacional e internacional; que es como si se apretaran, es como si fuera un comprimi-
do. Eso está ahí. Está en el espacio, está en la pared, es una cosa, es algo que existe.
Cada persona que se aproxima a esa obra con su propia sensibilidad, o con una sen-
sibilidad informada; es decir, con sus gustos, sus preferencias, pero también con co-
nocimiento, conocimiento sobre ese artista, conocimiento sobre como se gestó esa
obra, con todo aquello que brinda la estructura pedagógica de un museo, hacen que
ese mundo explote. Es decir, que se abra, estalle, se multiplique y se expanda. Como
si uno le pusiera agua a esas toallitas comprimidas y se inflan. Y esa obra pasa a ser
cientos de obras. Ya no es más la obra del artista. Es la obra de todos aquellos que
están frente a la obra. Entonces, yo creo que como esa obra tiene un concepto del
mundo comprimido, la posibilidad que le brinda a una persona a acceder a ese mun-
do es un privilegio para el conocimiento. Yo le doy mucho valor a la sensibilidad. Yo
creo que no se desarrolla tecnológica o industrialmente un país sin sensibilidad. Una
sensibilidad que es una sensibilidad social, una sensibilidad que es una sensibilidad
emocional, estética. Y que el trabajar en todas estas áreas de una manera coherente,
pensar los museos, pensar las exposiciones, pensar cómo crear buenas condiciones
para los artistas y para los públicos, es parte del crecimiento de un país. Y que no se
conquista la libertad, no se conquista el futuro, sin el arte. Entonces para mí es una
pieza que es parte de un engranaje complejo, pero que es indispensable.
montaje de la obra Bosque tallado de maurice
sánchez en el salón del XXV concurso de
arte eduardo león Jimenes.
montaje de la obra Better de laura castro en el salón del XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
12 13
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
La construcción de significados colectivoseNtreVIsta a soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY Jurado
¿Qué retos te ha planteado esta XXV versión del concurso de arte
eduardo león Jimenes como miembro del Jurado?
A mí me parece que el jurado, al menos en esta edición del Concurso, tuvo dos mo-
mentos de trabajo, dos etapas. Una ellas fue haber hecho la selección de los artistas
que participaron en el Concurso, que viene con sus propios retos. Y la segunda eta-
pa es la de haber tenido la experiencia de ver la obra realizada en la sala de exposi-
ción, lo cual presenta otro tipo de situación o conversación, al menos entre el jurado,
que se debe de generar con distintos criterios. Creo que los retos que se presentan
en la primera etapa, que es en la selección de los artistas de una convocatoria, es el
reto de muchas de estas convocatorias. Que es cómo realmente conocer el trabajo,
o comprender el trabajo, a partir de una serie de diapositivas digitales y de infor-
mación presentada en una solicitud de aplicación. Me parece que los retos que
eso presenta, que es una acumulación de portafolios, unos mejores desarro-
llados que otros, lo cual no significa que sea que la obra de arte o la trayec-
toria artística, o que los problemas en cuestión elaborados en la plástica,
sean mejores o peores realizados. Simplemente, que el portafolio ha sido
mejor o peor armado. Entonces, creo que los retos ante un jurado es,
por una parte, comprender que no todos los artistas saben formar
un buen portafolio. Y uno debe de, hasta cierto punto, suspender
eso como un juicio o como un criterio para llegar a un juicio de
comprender la obra o de adentrarse a la obra. Y por otra par-
te, queda claro también que luego se reintroduce ese tema
de si la calidad del portafolio es buena o no, precisamen-
te por la elaboración o el trabajo que se ha puesto ahí.
Un tema ahí de meritocracia que entra en la selección, por más o menos interesados
que estemos en utilizar eso como uno de los criterios de selección. Así es que el reto
principal creo que tiene que ver con el poder hacer sentido de información en vez
de obra. Información que es un portafolio o una solicitud, y que no es la experien-
cia ante la obra completa o ante una obra de arte de un artista. Entonces me parece
que hacer sentido de información, la cual esta hecha de mejor presentada, o mejor o
menos calidad, es un tema de este, así como de todos los demás concursos que son
en base a convocatoria. Los retos de la segunda etapa me parece que son distintos.
La exposición presenta las obra ya desarrolladas, o al menos algunas de ellas toda-
vía en los inicios de la instalación, pero que se van a terminar para su exposición. En-
tonces, creo que ahí los retos son más, al menos en la conversación entre el jurado,
sobre como también suspender el tema del gusto para poder realmente enfocarse
en los temas que hacen a la obra importante o relevante hoy en día.
¿cómo fue ese proceso de selección en el que se pasó de 141 participantes
a decidir a la decisión final de 14 artistas?
Me parece que cada uno, individualmente, analizó. Cada miembro del jurado ana-
liza los portafolios, y cada quien presentó un grupo de artistas de los cuales que-
ría conversar más, para a partir de ahí poder hacer una preselección de los artistas
a participar en el Concurso. Entonces, por una parte hay un análisis individual que
se hace del portafolio, una preselección que cada quien pone al frente para que el
tiempo que tengamos como jurado de dialogar, de conversar en conjunto, sea uno
dirigido específicamente sobre aquellos artistas que en principio nos intrigaron, o
cuya obra dejó algo de que hablar, para poder elaborar conjuntamente una discu-
sión de ese trabajo.
Vista de la sala de exposiciones del XXV
concurso de arte eduardo león
Jimenes.
1514
son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiendes que es el resultado de este colectivo?
¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?
A mí me parece que varias de las obras en la exposición, y creo que es un indicador
más amplio de la escena artística dominicana, la presencia del cuerpo o el interés en
el performance como una de las técnicas o modalidades en que se desarrolla el arte
contemporáneo nacionalmente, es importante. Me parece que no solamente esta ex-
posición incluye varias obras que involucran performance o una acción, sino, si anali-
zas la historia de los concursos recientes de los últimos años, verás que también hay
un gran interés en el evento o en el cuerpo como material propio de desarrollo de la
obra. Me parece que es uno de los aspectos interesantes en la producción del arte
nacional, el lugar del cuerpo.
¿Que opinión merece la producción artística contemporánea dominicana?
Me parece que hay muchas ideas que se están trabajando. Ciertamente, no solamen-
te porque es performance, aunque fuera una obra pictórica o escultórica, claramente
hay un gran interés en procesos. Y me parece que procesos conceptuales y técnicos
son parte de lo que se puede notar en la exposición aquí mismo en el Centro León.
Creo que eso está asociado con preocupaciones filosóficas mucho más amplias, y
que tiene que ver con un querer estar en relacionamiento en vez de en aislamiento,
y eso es una construcción de significados colectivos más que individualmente.
sofía, en una entrevista que fue publicada para una revista de arte
contemporáneo, usted planteó: “el coleccionismo debe funcionar hoy y tener
una mirada para el futuro”. ¿Podría abundar más en este sentido?
En el contexto de esa entrevista, al decir yo eso, era precisamente porque me enfo-
caba o hacía todo un desarrollo sobre la importancia de estar adquiriendo o desa-
rrollando propuestas de adquisición a partir de comunidades de pensamiento, en vez
montaje de la obra Acción para Buonarrotti de
Fermín ceballos en el XXV concurso de
arte eduardo león Jimenes.
de simplemente ciertas figuras en el arte, ciertos artistas. Entonces era ver, más bien,
grupos de artistas que están trabajando, o grupo de ideas que se están poniendo
en trabajo, en vez de seguir la carrera simplemente de un artista y coleccionar de el
o de ella con profundidad. La propuesta y la forma en la que, de alguna manera, se
está desarrollando la obra de arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de
Cisneros es a partir de comunidades de pensamiento, grupos de artistas que están
trabajando y que están dialogando ya por muchos años juntos. Y que la obra obvia-
mente está respondiendo, algunas veces, a ciertos temas compartidos, con ciertos
procesos también compartidos; cada quien haciéndolo de forma singular, pero no
dejando de mirar que en un futuro uno, para poder también tener sentido de lo
que se está creando, va a ser a partir de comunidades de pensamiento y no,
como decía, en aislamiento.
¿algún otro comentario sobre toda la experiencia de
haber participado como jurado en el concurso de arte eduardo
león Jimenes?
A mí me parece, como jurado, una gran oportunidad para darme
cuenta de qué es lo que está pasando aquí en las artes. La con-
vocatoria, como dijiste, y las solicitudes o las aplicaciones, los
portafolios que se reciben son vastos. Es un número gran-
de. Eso te puede dar, al menos, un panorama de las pre-
ocupaciones artísticas; y también, para alguien como
yo que no vive aquí, dar una introducción a algunas
de las preocupaciones artísticas y a algunos de los
artitas que están trabajando y a quienes yo de-
bería ponerle una mirada más allá como miem-
bro de un jurado.
montaje de la obra Fantasía de mi retrato familiar de randy morales (rands) en el XXV concurso de
arte eduardo león Jimenes.
16 17
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Para poder repensar nuestro país desde el arteeNtreVIsta a Jorge PINeda Jurado
¿Qué retos te ha planteado esta XXV versión del concurso de arte eduardo león
Jimenes como miembro del Jurado?
Creo que es un reto de alegría. Primero, porque es entrar en una serie de reflexio-
nes sobre lo que es el sistema del arte, sobre lo que es el arte y cómo se desarrolla y
produce aquí. Y yo, como artista, me hago preguntas y aprendo muchísimo de todo
este proceso. Yo creo que es, para mí a nivel personal, una situación ideal. Ha sido
una alegría. No me crea angustias, sino que me crea la excitación de que sé que voy
a aprender. Y eso siempre da placer.
¿cómo fue ese proceso de selección en el que se pasó de 141 participantes a de-
cidir a la decisión final de 14 artistas?
Fue un proceso muy arduo. Muy arduo porque requiere un trabajo físico de tiem-
po y de espacio para leer las propuestas enviadas y para darle a cada artista
el espacio de respeto que merece el hecho de que haya estado trabajando
sobre tal o cual proyecto. Pero he tenido unas compañeras de trabajo ex-
cepcionales, tal como me pasó en la vez anterior, y eso evidentemente,
facilita cualquier proceso. Porque si bien puede uno entrar en postu-
ras opuestas, estás en el momento de llegar a un consenso, entras
en ese proceso de conocimiento de cómo se plantean los proyec-
tos hoy día, de cómo el artista entra en un diálogo y se hace las
preguntas correctas o no sobre lo que está sucediendo a su
alrededor. Es estupendo.
son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiendes que es el resultado de este colectivo?
¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?
Cuando uno ve la exposición va a encontrar discursos en cierto momento muy di-
símiles. Sin embargo, cuando tratas de encontrar una narrativa dentro de la ex-
posición, hay una cantidad de conexiones y de puntos comunes que de una ma-
nera muy panorámica, te dan una visión de lo que está sucediendo en el país no
solamente a nivel plástico, sino de lo que está sucediendo, que es la esencia del
arte porque te cuestiona, desde la plástica, te da una explicación del mundo, de
lo que está sucediendo en República Dominicana y en relación a la totalidad de
nuestro planeta. Esa particularidad de poder repensar nuestro país desde el arte
yo creo que es una ventaja maravillosa, así como lo planteamos desde la litera-
tura, o se plantea desde la política, poder replanteárnoslo y cuestionárnoslo y
aprenderlo desde otra perspectiva nos amplía todos nuestros horizontes y
eso es fantástico.
tocando ese mismo punto, el replanteamiento, y ya más en base a tu
experiencia como artista y lo vivido como jurado en esta oportuni-
dad, ¿cuál sería tu opinión sobre la vida profesional, el trabajo que
realizan los artistas contemporáneos en nuestro país?
Creo que de acuerdo a las premiaciones, hay un nivel de com-
promiso y de honestidad que queda palpado de una manera
muy impresionante en la exposición. Yo estoy muy feliz por
Visita de escolares a la sala de exposición del
XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
1918
la calidad formal de las obras, pero lo que más me encanta es como esa calidad for-
mal acompaña una reflexión conceptual profunda, decidida y desafiante. Yo creo que
estamos en un momento maravilloso para el arte.
eres artista y has fungido en dos ocasiones de Jurado del concurso de arte eduar-
do león Jimenes ¿cómo sucede la transición de artista a Jurado?
Primero, es un rol de mucha responsabilidad. Creo que lo primero fue que me obligó
a entender algo que yo, filosóficamente había seguido hasta ahora, y es que cuan-
do veo una obra yo no intento como artista tratar de resolverla, sino tratar de reci-
bir esa alegría y ese mundo que me ofrece el artista que ha hecho esta obra. Enton-
ces yo creo que el reafirmar esto ha sido para mí el mayor regalo que me ha dado el
concurso, y lo que me ha hecho sentir mejor que nada.
montaje de la obra Comedor familiar de david pérez
(Karmadavis) en el XXV concurso de
arte eduardo león Jimenes.
montaje de la obra Better de laura castro en el salón del XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
20 21
soraya abu Naba´a
Yoel bordas
carlos de león
Polibio díaz
evelyn espaillat
Marie Jiménez
Hulda guzmán
sayuri guzmán
citlally Miranda
Jochi Muñoz
raquel Paiewonsky
david Pérez, Karmadavis
José Pión
Francisco (Pancho) rodríguez
Juan Zapata
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesjurados
los integrantes del Jurado del XXV concurso de arte eduardo león Jimenes hicieron dos viajes al centro león y permanecieron en él durante dos semanas. estos diálogos sucedieron en ese periodo de tiempo.
Jorge PINeda, república dominicana
Artista visual. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo y estudió Litografía en el Taller Bordas, París. En 1985 realiza su primera exposición personal en la Galería de Art Nouveau. Desde entonces, ha presentado varias muestras individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas en República Dominicana, Perú, Francia, España, Puerto Rico, Alemania, Estados Unidos, entre otros. Al tiempo que ha sido merecedor de premios y reconocimientos por su labor creativa.
soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY, méXico
Escritora, curadora y viajera. Es curadora de arte contemporáneo
de la Colección Patricia Phelps de Cisneros desde el año 2011. Entre 2000
y 2010 se desempeñó como Directora del Museo Tamayo de la ciudad de México
y ocupó cargos de curaduría artística en Art in General y en Americas Society,
ambas organizaciones en la ciudad de Nueva York. Ha trabajado como agente curatorial para
DOCUMENTA (13) en Kassel, Alemania. Es miembro del consejo de Kunstverein en Ámsterdam, desde
2009. Sus textos sobre arte y cultura se publican regularmente en revistas y catálogos.
aNdrea gIUNta, argentina
Escritora, investigadora y curadora. Directora fundadora del Center for Latin American Visual Studies (CLAVIS) y del Seminario Permanente en Arte Latinoamericano. Profesora de Historia del Arte, dirige la Cátedra de Historia y Crítica de Arte Latinoamericano, del Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Texas en Austin. Es autora de numerosos libros, entre los que se destacan Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y latinoamericano (2011), Objetos mutantes. Sobre arte contemporáneo (2010), Poscrisis. Arte argentino después del 2001 (2009), Vanguardia, internacionalismo y política. Arte argentino en los años sesenta (2008, trad. al inglés en 2007, 1ª ed. 2001), editó también El Guernica de Picasso: el poder de representación. Europa, Estados Unidos y América Latina (2009).
2322
laura castro
Fermín ceballos
Queury dicent
Patricia encarnación
andrés Farías cintrón
Mónica Ferreras de la Maza
Marie Jiménez
Joiri Minaya
randy Morales (rands)
Jochi Muñoz
david Pérez (Karmadavis)
Freddy Pérez (Prandy)
gustavo Peña
Maurice sánchez
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Artistas Selecionados y Obras
conversaciones con los artistas
según michael diers, “en las últimas tres décadas, el
género literario de la entrevista ha desarrollado una
trayectoria inusual en las artes visuales, y a juzgar por
la práctica contemporánea, podríamos considerarla
la forma textual favorita de crítica de arte.”
a partir del proceso curatorial y las
conversaciones con el Jurado, salió a relucir
una común preocupación ante la inexistencia
de publicaciones que se enfocaran
esencialmente en la producción artística
y conceptual de los artistas desde su
propia perspectiva.
coincidimos en que la mayoría de
publicaciones de arte tiene un
tono “panorámico” e histórico,
que limitan a sus lectores
al evaluar el fenómeno
de la producción de
arte contemporáneo
dominicano en su
especificidad e
individualidades.
igualmente,
reconocimos
que la
mayoría
de estas publicaciones estaban realizadas desde el
único punto de vista del crítico o historiador que las
escribía y que muchas veces los propios artistas
no eran consultados.
de aquí que consideráramos la idea de hacer el
catálogo del XXV concurso de arte eduardo
león Jimenes a partir de diálogos con los
artistas contemporáneos dominicanos
seleccionados.
mientras los artistas trabajaban en la
realización de sus obras, el equipo
del centro león sostuvo estas
conversaciones con ellos.
transcribimos aquí lo esencial.
esto no debe tomarse
como un punto de
partida para acercarse
a sus obras, sino
como un modo
de continuar
reflexionando
junto a
ellas.
24 25
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Laura Castro santo domingo, 1982
“ el interés por entender las
dinámicas del espacio que habito
me ha llevado en los últimos años a
desarrollar obras que parten de una
profunda investigación visual del mismo.
Better es el resultado de un ejercicio
de observación de los códigos estéticos
populares que se manifiestan en la arquitectura
y la urbanidad, y que a mi entender revelan
importantes cuestiones sociológicas y culturales
locales. alude a un espacio de adquisición de
conocimiento que explora y revalúa la imitación como
instrumento humano elemental en la aprehensión de su
entorno, a través de mobiliario que comúnmente ambienta
salas de lectura y bibliotecas, cuyas superficies serán
intervenidas pictóricamente y su estructura alterada, imitando
una selección de situaciones formales, accidentes comunes y
técnicas populares que han sido encontradas y documentadas
durante numerosos recorridos citadinos y rurales.
entendiendo la sensibilidad, capacidad crítica y creativa como
valores a defender en el momento social y cultural que vivimos,
mi práctica tiene como punto de partida la observación y
apreciación de mi contexto. mi producción parte en todos los
casos del ejercicio del pensamiento crítico y la apreciación
sensible de la fisicidad que producen las condiciones
culturales de mi entorno. ”
Es egresada de Bellas Artes e
Ilustración y Diseño de Modas de La
Escuela de Diseño Altos de Chavón,
La Romana, República Dominicana.
Realizó estudios complementarios
de dibujo en The Cooper Union,
Nueva York, Estados Unidos y
concluyó la licenciatura en Artes
Visuales en la Escuela Nacional de
Artes Plásticas de la Universidad
Nacional Autónoma de México
(UNAM), México D.F., México.
Vive y trabaja en Santo Domingo,
República Dominicana.
laura castro
Better 2014 mobiliario de madera medidas variables
2726
laura castro
Better 2014 mobiliario de madera medidas variables
composiciones parten de los objetos que
colecciono. Por mucho tiempo estuve
interesada en las miniaturas y en conjunto
con mis investigaciones teóricas lo que
hacía era crear metáforas de cuestiones
humanistas de una forma muy ligera, muy
sugerida.
Pero luego, cuando regresé al país, que uno
recorre un poco, y hay menos miniaturas
y cositas que en México sí encontraba,
comencé a coleccionar pedazos de blocks y
retazos de cambios urbanos. Y poco a poco
me fui interesando más en lo que podemos
ver de humano en lo urbano.
Recolectar y pintar.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
La obra se llama “Better”. Comenzó
como un simple interés por imitar unos
materiales locales sobre mobiliario usado
de madera, refiriéndome así a la pretensión
y el estatus. Son maderas sin mucho valor,
e imitar encima de ellas mármoles y otros
materiales que tuvieran cierto estatus. Es un
ejercicio de aprendizaje mimético.
Partir de la observación de mi entorno
a través de la imitación y así crear una
empatía con mi hábitat. Siguen siendo
muebles de madera, sobre los cuales estoy
imitando la textura de piedra. Incluyo una
serie de fotografías donde muestro ese
desarrollo de toda la observación que he
ido realizando a través de los años de mi
entorno, y muestro esa empatía con lo que
tengo alrededor a través de ejercicios de
imitación de cosas puntuales, elementos
arquitectónicos, situaciones urbanas, etc.
entonces hay un trasfondo, no solo social,
sino de investigación en el proceso de la
obra.
Más que filosófico, pretendo que sea
algo propositivo. Creo que tuve un
tiempo de conflicto con el hecho de
volver al país, por unas cuestiones
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Empecé mis estudios de arte en Altos de
Chavón. Hice la carrera de Bellas Artes, allá
es nivel técnico. Justo terminando Bellas
Artes e Ilustración, como se llama la carrera
allá, hice diseño de modas. Luego ocurrió
un intercambio con la UNAM, en México,
para terminar la licenciatura en artes
visuales y lo aproveché.
Me fui a México, terminé la carrera y estuve
tres años más allá. En México también
empecé una maestría en teoría crítica.
De exhibiciones, lo más reciente, el año
pasado participé en la Bienal Nacional en
una pieza colectiva con Engel Leonardo.
Ahora mismo estoy trabajando para
Storefront for Art and Architecture
en un proyecto sobre los cambios
sociológicos que acompañan a
los cambios arquitectónicos y
urbanos de la modernidad y la
postmodernidad.
¿cómo son tus procesos
de trabajo y en que
temarios te basas?
Fundamentalmente
trabajo pintura,
realismo. La
mayoría
de mis
que para las personas con intereses
culturales generales o intelectuales siempre
están presentes, que es la falta de opciones
en ese sentido.
Y en un momento decidí, más bien, crearme
soluciones en ese sentido. Entonces, la
pieza yo la veo más como eso. Por eso es
un ejercicio de empatía. Es como soltar esa
actitud crítica que se queda en la crítica y,
más bien, hacer un ejercicio de apreciar y
de aprender de lo que está. Mi investigación
visual tiene ya como 4 ó 5 años.
¿consideras que esta obra tiene un
público puntual al que le emites el
mensaje, o esto es para que cada quien
genere su propia percepción?
Sí, siempre es genial hablarle a la mayor
cantidad de gente posible. Pero creo que
hay varias cosas pasando, porque en un
sentido habla de la pretensión; pero en
otro sentido también habla de otro tipo de
conocimiento, que no es lo que típicamente
se conoce como la adquisición de cultura,
sino que es un conocimiento que viene más
de algo más esencial. Y yo creo que eso
puede hablarle a cualquiera, o así lo espero.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conlaura castro
32 33
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Fermín Ceballos san cristobal, 1978
“ en mi primer año de escultura
en la escuela de bellas artes
recuerdo una frase de miguel Ángel
buonarroti pegada en la pared del
aula: “cada bloque de piedra tiene una
estatua en su interior y es la tarea del
escultor descubrirla”. desde entonces la
he escuchado y leído en diversas ocasiones.
¿Qué tal si dentro de una piedra no hay
ninguna escultura o simplemente el escultor no la
encuentra? ¿Qué tal si no le interesa descubrir nada y
sin más propósito que cincelar la piedra, persiste hasta
desintegrarla totalmente, reduciéndola a un montón de
pequeños fragmentos, aniquilando irremediablemente la
posible escultura en su interior?
el arte es para mí un refugio existencial, solo a través de este
medio puedo lidiar con el mundo aunque no estoy seguro si es
el arte una manera de contender mis conflictos o si es el conflicto
mismo… tal vez ambas cosas. siempre he tenido intereses diversos,
una curiosidad que me lleva a experimentar y explorar posibilidades,
incursionar en diferentes disciplinas, técnicas, aspectos formales y
conceptuales del arte. no puedo ni me interesa aferrarme a una
sola disciplina, medio o temática. ”
Estudió en la Escuela Nacional
de Bellas Artes, Santo Domingo,
República Dominicana. Sus
exposiciones individuales más
recientes son “Sueños persistentes”,
en La Galería, Altos de Chavón, La
Romana (2014) y “Perturbación”,
en el Centro Cultural de España,
Santo Domingo (2012). En 2013
participó en el 11th World Cultural
Art Simposium, Mosan Art Museum,
Corea del Sur; la Bienal Nacional de
Artes Visuales, en Santo Domingo,
e Independence Do Encuentro
Internacional de Performance,
Puerto Plata, República Dominicana.
Fue galardonado en 2012 con el
segundo premio del Concurso
Nacional de Escultura Luichy
Martínez Richiez, organizado por la
Embajada de Francia en República
Dominicana.
Premio XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes
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0
Fermín ceballos
Acción para Buonarroti 2014 performance
contradicción y negación de lo aprendido
para plantearse sus propias posibilidades.
Recientemente, estuve en el “World Cultural
Art Simposium”, en el Mosan Museum,
Corea del Sur, tallando un bloque de
granito. Luego, en Nueva York, hice un
proyecto de grabados en Coronado Studio
y, posteriormente, hice una residencia
artística en altos de Chavón, donde en abril
de este año presenté la exposición “Sueños
persistentes”. Actualmente estoy en Nueva
York, haciendo una residencia de grabado
por invitación de Julio Valdez.
¿cómo son tus procesos de trabajo y en
que temarios te basas?
Constantemente tengo la necesidad de
experimentar algo nuevo, por lo que mis
procesos siempre varían, además trabajos
en varias disciplinas. Siempre depende de
la disciplina y las características de la obra
que esté desarrollando en el momento.
En mi pintura, que es lo que más he
trabajado siempre, hay un marcado interés
por los valores matéricos y técnicas no
tradicionales. En el performance siempre
hay un marcado interés por el tiempo y la
persistencia.
Aunque abordo diversos temas, mi obra
en general está marcada por un carácter
introspectivo, podemos decir que a nivel
temático es una obra íntima pero universal
a la vez, porque surge a partir de mis
conflictos y reflexiones personales, pero
plantea cosas con las que el espectador
también se puede sentir identificado o
construir su propia historia, como un espejo
en el que todos se pueden ver reflejados.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
La obra está conceptualmente basada en
una frase de Miguel Ángel Buonarroti:
“Cada bloque de piedra tiene una
estatua en su interior y es la labor
del escultor descubrirla”. A
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Me inscribí en la Escuela de Dibujo del
Liceo Musical de San Cristóbal cuando
tenía 13 años, por sugerencia de Sexfraín
Linares (un pintor de paisajes amigo de mis
padres), quien al ver mi habilidad e interés
por el dibujo me estimuló y me recibía en
su casa para iniciarme en la pintura.
Paralelamente, también me inscribí en la
escuela del profesor Miguel Mella. En ese
punto ya todo mi mundo era la pintura. A
los 15 años ingresé en la Escuela Nacional
de Bellas Artes, donde estudié de 1993 a
1998. En el 98 conozco a Thimo Pimentel,
con quien tomo varios talleres de cerámica
y trabajo por varios años en los Talleres
Igneri. Posteriormente he tomado
talleres de escultura, performance y
grabado, entre otros.
Pero siempre he considerado
determinante para el desarrollo
de un artista la formación
autodidacta y la capacidad
de desaprender todo lo
que te han enseñado
para encontrar tu
propio modo de
ver y hacer las
cosas, hay que
entrar en
conflicto,
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conFermín ceballos
partir de esa frase me hago una serie de
cuestionamientos en los que planteo y
exploro posibilidades alternativas a esta
afirmación.
También me inquieta la situación de la
escultura en el país y esta obra de algún
modo la refleja. La idea de transmitir
el performance en vivo vía internet es
porque era una manera prácticas de darle
seguimiento al proceso en tiempo real.
No resultaba factible plantearse una obra
de esta naturaleza con la presencia del
público. Y tampoco funcionaba como video
o foto-performance porque era importante
la vivencia del proceso.
40 41
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Queury Dicent san cristobal, 1978
“ Mis dos yo trata de develar
una mujer que no sabe a bien
quién es o quién debe ser, muestra
la disociación de ella misma en su
eterna pelea por satisfacer un entramado
social que le pide, que le exige aparentar
ser deseable, exitosa, apetecible, delicada,
y un largo listado de cualidades. Mis dos yo
es una obra que trata de retratar el culto a la
belleza y sus implicaciones sociales y psicológicas.
los seres humanos han desarrollado múltiples
técnicas para ornamentar sus cuerpos, sin embargo,
desde hace no mucho tiempo se ha desarrollado todo
un mundo de técnicas de embellecimiento que apuntalan
una filosofía de ser bello para triunfar o sentirse mejor con
uno mismo, empleando estándares establecidos que cambian
frecuentemente. al final se podría decir que es una vanidad
dosificada que nos remite a un supuesto éxito en cualquiera de
sus formas. Mis dos yo trata de develar una mujer que no sabe a bien
quién es o quién debe ser, muestra la disociación de ella misma
en su eterna pelea por satisfacer un entramado social que le
pide, que le exige aparentar ser deseable, exitosa, apetecible,
delicada, y un largo listado de cualidades.
con mi trabajo trato solo de expresar como veo el mundo,
desde mi punto, con su lado negativo y su lado positivo,
y quiero evidenciar como vamos interactuando en una
sociedad que cambia a un ritmo vertiginoso. ”
Es egresada de Mercadeo de la
Universidad APEC. Se desempeña
profesionalmente como fotógrafa.
Fue artista seleccionada en el
segundo Premio Joven de la Imagen
y Video del Centro de la Imagen en
Santo Domingo. En la actualidad es
miembro del Colectivo Charlie Atlas.
4342
Queury dicent
Mis dos yo 2014 Fotografía digital a color sobre papel 138.3 x 138.6 x 16.7 cm
44
Qeury dicent dialoga con los públicos sobre su obra.
Y es como un reclamo, una forma de
preguntar ¿por qué?, ¿por qué esto es
así?, ¿por qué tengo que cambiar mi forma
de ser?, ¿mi pelo? O sea, yo ahora tengo
el pelo recortado así porque ya estoy
independiente. Pero cuando yo tenía que
trabajar, tenía que estar con mi pelo liso.
Es increíble.
Eso es de lo que viene a hablar la obra.
Después fue creciendo más, ya no
solamente te habla del pelo, no solamente
te habla de lo que es el maquillaje, de lo
que es tu forma de ser, de tu nariz, de tus
ojos; o sea, de todo lo que tiene que ver son
tu físico, que ahora mismo en el momento
que vamos nos van exigiendo más cosas,
hay que cambiar más cosas. Mis trabajos,
normalmente, son autorretratos.
conversación conmigo
–¿Y ese nombre que tienes ahora? Hasta
eso cambiaste, ya ni me llaman por
mi nombre, con el cual fui bautizada.
¡Sí, fui, no fuimos! Es increíble, como
fuiste transformándome en alguien
completamente diferente, ya ni me
reconozco cuando me paro frente al espejo.
¿Qué hiciste con mi pelo, con mi nariz que
era igual a la de mi abuela? ¿Qué has hecho
de mi sonrisa que era tan natural y honesta?
–Ya ni mis fotos de adolecente quieres ver y
te molesta cuando mamá las enseña, ¿Qué
fue lo que pasó? ¿Por qué hiciste esto? ¿No
estás orgullosa de lo que eras?
–¡Ah! Ahora vienes a reclamar que no
te conoces cuando nos miramos en el
espejo. Sí, cuando ¡Nos miramos en el
espejo! Porque sé que estás ahí, para bien
o desgracia mía. Por más que lo intento
aún sigues ahí. ¿Es que no recuerdas las
veces que llorabas cuando se burlaban
de tu nariz? O cuando te ponían apodos
por tu espantoso pelo, o el trabajo que no
conseguiste “porque están buscando otro
tipo de persona”. ¡Ah, qué fácil es reclamar!
Recuerdas cuanto sufrías porque todas tus
amigas tenían novio, pero tú no, por fea, sí,
perdona que te lo diga, pero eres fea, ahora
míranos, sí míranos, te dejo compartir esto
conmigo.
–Desde que nos operamos la nariz,
arreglamos nuestro pelo, y nos realizamos
unos retoques por aquí y otros retoques por
allá, tuvimos los hombres que queríamos a
nuestros pies. Ya éramos suficientemente
buenas para cualquier trabajo, sin contar
otros beneficios que llegaron bien rápido…
Así que no vengas con tu moral barata, que
esta transformación nos costó mucho, sí,
mucho. Ve acostumbrándote. Si quieres
reclamar, búscate a alguien más.
¡Ah! Y si te sientes incómoda porque mis
fieles, sí, mis fieles, vengan a adorarme,
lo siento por ti, yo si tomé la decisión de
cambiar. Por eso ahora soy la Señora de
los Dos Yo. Ahora soy muy feliz… No sé tú…
Q.D.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Soy mercadóloga. Llegué a interesarme
en la fotografía a través de mi esposo,
porque él es fotógrafo. A través de él me
comencé a involucrar en la fotografía y el
arte. Pertenezco a un colectivo y de ahí
comenzamos los trabajos. Fui seleccionada
en el Premio Joven de la Imagen y Video
del Centro de la Imagen de Santo Domingo.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
La fotografía se llama “Mis dos yo”. Es una
fotografía que nació por una problemática
muy personal, que con el tiempo fui
descubriendo que es una problemática
de muchas mujeres en el país, y no
solamente en el país, sino en todas
partes.
Yo estuve en México y me di
cuenta que es lo mismo, con
ciertos grados de diferencia,
pero es lo mismo. De ahí
nació esa fotografía, de
una problemática en
mi casa, en el área de
trabajo. Por tener
que cambiarte
físicamente
para poder
escalar o
hacer
algo.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conQueury dicent
48 49
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Patricia Encarnación santo domingo, 1991
“ el proyecto titulado El negro detrás
de la oreja tiene como objetivo realzar
la cultura dominicana, rechazando las
creencias raciales y clasistas que existen en
nuestro país. mediante una serie de objetos
populares vaciados en porcelana y composiciones
fotográficas basadas en frases populares, se
crea una sátira que pretende identificarnos como
dominicanos. resaltando así, que ni el color ni la
clase social son determinantes importantes de nuestra
identidad. el objetivo de convertir en piezas de porcelana
estos objetos considerados “ordinarios”, es colocarlos en
un contexto que le añada el significado y la importancia que
realmente tienen en la cultura de nuestro país.
parte de la identidad de un individuo es definida por factores
externos a sí mismo, elementos que han sido demarcados por la
sociedad y/o el ambiente al cual él ha estado expuesto durante su
vida. por mucho tiempo negué esa parte de mi identidad, la que fue
definida por el lugar donde crecí, república dominicana. después de
haber sido descontextualizada de dicho lugar, tuve la oportunidad
de ver desde otra perspectiva mis orígenes y poder apreciar lo que
soy: dominicana. en el momento que acepto lo que soy e inicio mi
exploración de esta parte de mi identidad, descubro como he
arrastrado conmigo problemas raciales y clasistas que han sido
inculcados por mi propia cultura, que me han mantenido todo
este tiempo sesgada, fragmentada. ”
Inicia sus estudios en La Escuela
de Diseño Altos de Chavón, La
Romana, República Dominicana,
donde realiza un técnico en
Ilustración y obtiene un grado
asociado en Diseño Gráfico.
Posteriormente, culmina su
licenciatura en Bellas Artes en
Parsons The New School for Design,
Nueva York, Estados Unidos.
Premio Ciudad de Cádiz. Ayuntamiento de Cádiz, España
5150
patricia encarnación
El negro detrás de la oreja 2014 imágenes digitales sobre papel y cerámica políptico de 15 piezas 5 piezas, 122 x 152.5 x 10.5 cm c/u y 10 con medidas variables
patricia encarnación
El negro detrás de la oreja 2014 imágenes digitales sobre papel y cerámica políptico de 15 piezas 5 piezas, 122 x 152.5 x 10.5 cm c/u y 10 con medidas variables
en frases dominicanas populares y las cinco
piezas de cerámica que son: la yuca, el
plátano, el rosario, rolo y peine, y el ron.
La razón por la que las visualizaba en
vitrinas es que, si uno se fija en la casa de tu
abuela, siempre van a tener esas vitrinas de
caoba con todas sus piezas de porcelana
fina que nunca nadie las usa. Es como que
en esas vitrinitas me imaginé, obviamente
no iba a estar tan ornamentada como la
vitrina de mi abuela, pero me imaginé como
mi abuela lo pondría.
Es como parte de la misma cultura de
nosotros, como que todo el mundo que va
para la casa de la abuelita ve esa porcelana
bella o piezas de cerámica en esa vitrina.
Esa fue la razón que me hizo como el click.
Porque parte de la razón por la que estoy
utilizando el medio es también analizar
como la gente coloca y utiliza diariamente
las piezas de cerámica, o sea, sus objetos
de diario de cerámica. Y así fue que hice
esa conexión.
El objetivo que ando buscando con mi
pieza es que la gente vea estos objetos
que consideramos ordinarios en un
contexto diferente, y los vean como estas
piezas hermosas que conforman parte
de nosotros. Ya no lo van a ver como
un plátano, lo van a ver como una pieza
de cerámica en una fotografía, con una
apreciación estética.
No sé si antes mencioné las frases populares
que estoy utilizando. Por ejemplo, el de la
composición del ron, la frase es: “No hay
mujeres feas, sólo poco romo”. Esa es la
frase mía, pero es una frase que realmente
es súper popular, pero tu ves la fotografía,
tu ves la pieza de cerámica, y todo se ve
tan bello y tan estético, que ya tu no ves
esa frase como “¡Hay poco romo! ¡denme
romo!”; lo ves como: “¡Que lindo!”. Como
que le das una nueva apreciación.
Ese es el objetivo de mi proyecto, darle la
oportunidad al público de ver esos objetos
en otro nivel.
Háblanos sobre tus obras en el XXV
concurso de arte eduardo león Jimenes.
El título de mi obra, “El negro detrás de
la oreja”, surge por el poema de Juan
Antonio Alix. Es la crítica dirigida al pueblo
dominicano por la falta de apreciación de
sus raíces. Eso ha sido lo que a mí siempre
me ha ocupado. No lo he entendido, no he
podido entender por qué tenemos esa falta
de apego a nuestra cultura. Obviamente,
existen razones raciales, clasistas.
Mi obra está conformada por fotografía y
cerámica. Todo empieza en el momento en
que yo leo sobre la cerámica, lo mucho que
ha influido en la conformación de diferentes
culturas. Paralelamente me encuentro
estudiando el problema de racismo y
las raíces de nuestra cultura, y veo las
relaciones existentes entre todos los temas.
Es fundamental mi estudio sobre la
representación de todos los elementos
que conforman la base de nuestra cultura:
africano, europeo y aborigen. Ahí es que
decido iniciar el proyecto “El negro detrás
de la oreja”. Cuando trato de combinar esta
investigación que tengo, y este problema
de clases y razas, me dirijo a la base de
la cultura dominicana y a sus elementos
cotidianos, que mucha gente los considera
ordinarios.
Elementos alimenticios, como el plátano,
la yuca. Elementos musicales, como la
güira, la tambora. Elementos religiosos,
como el rosario... Entonces trato de tomar
esos elementos ordinarios y, basándome
en mi investigación de la cerámica, los
recontextualizo y los convierto en estas
piezas de cerámica.
Ese es mi proyecto. Mi proyecto es la
recontextualización a través de la media,
o sea de la media de cerámica, de estos
objetos que nosotros consideramos
ordinarios. Que no son ordinarios, son
parte de lo que nosotros somos.
En resumen, son una serie de cinco
fotografías de la piezas, basadas
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Mi educación inició en 2009, cuando
decidí entrar a Chavón. Inicio Chavón,
hice tres años, que es el año Básico,
después Ilustración y luego terminé con
Diseño Gráfico. En el tercer año consigo
la oportunidad de ir a Parsons The New
School of Design en Nueva York, Estados
Unidos.
Ahí completo mis dos años. Mi desarrollo
profesional ha sido un trayecto todavía
corto pero siempre con el mismo
entusiasmo desde el primer día que inicié
Chavón. Siempre tuve en mi mente lo
que quería hacer. Desde el principio me
desarrollé en bellas artes, en ese proceso
aprendí que los medios técnicos no te
definen, que tu concepto va a definir
los medios técnicos que utilices.
Mi obra ha salido reproducida en
diversas publicaciones como la
Zip Magazine. También tuve
la oportunidad en exponer
en La Galería de Altos
de Chavón. En Parsons
The New School of
Design realicé una
presentación de
mi fotografía.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conpatricia encarnación
56 57
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Andrés Farías Cintrón santo domingo, 1985
“ en mi obra utilizo la imagen
como un vehículo crítico que
coloca en tela de juicio el camino
que hemos elegido como sociedad
caribeña insular en el siglo XXi, a
través de la contraposición de imágenes
fragmentadas de la ciudad, el campo y el
individuo. asimismo, en mis piezas intento
retratar la deshumanización a la que nos
vamos encaminando en la actualidad, además
de cuestionar el papel del artista, su creación y
la reinterpretación de la imagen como agente de
cambio social y resistencia a través de la absorción de la
realidad y su reinterpretación. un calidoscopio de símbolos
transformados una y otra vez, ejemplo del bombardeo
constante de imágenes fatuas en las que nos vemos inmersos
diariamente en las distintas pantallas que nos rodean, articuladas
cada vez más como deidades divinas.
creo que el ‘método’ del artista es el auto-descubrimiento y el
medio para alcanzar y dominar el medio es la confrontación. por
esto trato de crear piezas que me enfrenten y reten a cambiar
los significados, romper realidades y experimentar libremente.
intento forjar con cada nueva pieza mi propio discurso
y mirada, a la vez que establezco un estilo personal
y diferenciador sin dejar de ser fiel a mis valores y
principios. intento, con mi obra, desmantelar el caos
que parece rodearnos utilizando la cámara, narrativa
y experimentación para engrandecer, desmenuzar y
potenciar la cotidianidad. ”
Egresado de Publicidad de la
Universidad APEC. Cuenta con un
máster en Cine, Televisión y Medios
Interactivos en la Universidad
Rey Juan Carlos, así como una
especialidad en Guión y Dirección
de Cine Digital en la Escuela de
Nuevas Tecnologías en Madrid,
España. Actualmente cursa la
especialidad de Dirección de Ficción
en la Escuela Internacional de Cine
y Televisión de San Antonio de los
Baños, Cuba, y trabaja su primer
largometraje: “Candela”.
andrés Farías cintrón
Honeypot 2014 Videoarte blanco y negro con audio proyección en bucle
Premio Colección Patricia Phelps de Cisneros. Fundación Cisneros
5958
60 61
andrés Farías cintrón
Honeypot 2014 Videoarte blanco y negro con audio proyección en bucle
6362
me interesa son las incomunicaciones de
las personas y la insularidad, sobretodo
el Caribe. Aunque no necesariamente
presente un tipo en el mar pescando.
Subliminalmente, siempre estoy hablando
sobre eso. Sobre como estar rodeado de
agua por todas partes, porque de una u
otra manera ese hecho te va formando y te
hace pensar y actuar de una manera u otra.
cuéntanos sobre la obra con la que estás
concursando. ¿Qué implica esta pieza?
Mi pieza es básicamente un videoarte
que se llama “Honeypot”, que en sería
en español “Tarro de miel”. La realicé en
Cuba en diciembre. Lo rodé con película
vencida de 16 mm, con una cámara Bolex,
que son estas cámaras con las que puedes
rebobinar y volver a filmar sobre el material
ya filmado.
Fue la primera vez, yo siempre he trabajado
en digital y alguna cosa en 16 mm, pero
esto fue bastante particular porque esta
cámara te ofrece efectos que las otras no.
Tiene muchos defectos que se usan como
virtudes. O sea, que se mete un rayo de
luz, que si tú estás filmando y quitas el ojo
entra la luz y se vuelve negativo; fue un
proceso bastante divertido, porque fue muy
experimental.
Partí de una idea, como soy de la ciudad y
he vivido toda mi vida en ciudades, y es la
primera vez que vivo en el campo, estuve
reflexionando mucho sobre la vida en el
campo. Sobre lo distantes que estamos de
los árboles, puede parecer muy hippie, pero
no. De cómo estamos más pendientes a ver
pantallas que a mirar hacia arriba.
Partiendo de esa idea, aproveché todas las
áreas verdes de donde vivo y los animales,
porque vivo como en una finca, y filmé
con esa pequeña idea y llevándome de la
intuición, y experimentando qué pasaría
si rebobino y filmo al revés ahora,
como jugando, básicamente.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Estudié publicidad, me fui a Madrid, España,
para hacer una maestría en televisión y
medios interactivos. A través de los medios
interactivos fue que empecé a pensar en
instalaciones. Y de Madrid, donde viví tres
años, me fui a Cuba, donde estoy viviendo
actualmente.
Estudio en la Escuela Internacional de
Cine de San Antonio de los Baños, en la
especialidad de Dirección de Ficción. Es
una escuela que tiene una forma de enseñar
bastante particular cine. Por un lado,
vengo de la ficción, de hacer cortometrajes
sobretodo. Y los cortometrajes han
estado en festivales nacionales en Santo
Domingo.
Fuera de República Dominicana he
podido presentar mis trabajos en
Francia (en Clermont-Ferrand),
en España (en Madrid y en
Barcelona), en Cuba y en
Uruguay.
¿en qué temarios
te basas para tus
obras?
Generalmente,
por lo menos
a nivel
consciente,
lo que
más
Fue también la primera vez que seguí todo
el proceso de revelado. Y en el revelado en
sí también comencé a experimentar con
químicos y a rayar la película y ese tipo de
cosas, para luego terminarlo de manera
digital, que también fue la primera vez que
hago como este híbrido.
El que el título de la obra esté en inglés
no responde a nada en particular. Estuve
leyendo un libro sobre la vida de las abejas,
porque leí que Buñuel se obsesionó con un
libro de la vida de las abejas y me dije: ¿Por
qué Buñuel habrá leído sobre abejas?
Comencé a leer sobre abejas, de alguna
manera el proceso de hacer miel se
relaciona con otro mundo que ya no existe,
que era donde el tipo venía y cogía el panal
y tenía sus abejas. Había una relación más
directa entre la naturaleza, el hombre y sus
abejas.
Creo que el tema mío, el “Honeypot”, el
tener miel, iba un poco sobre esto. Mi idea
de ir en contra de toda esta maquinaria,
todas estas pantallas negras, todo este
Internet; y me acordaba a mi infancia, a
mi abuelo que me daba miel, y ese tipo de
cosas.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conandrés Farías cintrón
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Mónica Ferreras de la Maza santo domingo, 1965
“ esta propuesta es basada en una serie
de dibujos llamada Hope. estos dibujos
son una reflexión sobre aquellos momentos
difíciles y oscuros de la vida donde no parece
haber luz al final del túnel. como si miráramos
un álbum de fotos, desde una mirada en el
presente y fuera del túnel, nos damos cuenta que en
realidad siempre hubo luces a nuestro alrededor. luces
manifestadas en el apoyo de los amigos, familiares, en un
libro, en un compartir con un extraño, etc. luces grandes y
pequeñas que siempre han estado ahí pero, como pasa con
las estrellas, que muchas veces las damos por sentadas. estas
luces las resalto en tinta negra como queriéndome decir: “mónica
ahí está…no te olvides”.
mi cuerpo de trabajo en los últimos años ha tenido un componente
autobiográfico muy marcado. si es visto de manera cronológica, se
pueden capturar diferentes momentos de mi vida: mis interrogantes;
momentos difíciles y tensos; períodos de crecimiento y de luz. en el
aspecto formal, algunos símbolos son recurrentes como la espiral, el
laberinto y las mándalas. además de estos símbolos, hay un uso obsesivo
de líneas, puntos y círculos. Yo construyo mis pinturas y dibujos usando
múltiples capas de pigmentos que van desde las más ligeras hasta
las más sólidas, creando así una atmósfera bien densa con muchas
transparencias y profundidades. paralelamente a este cuerpo de
trabajo, también he venido haciendo instalaciones y videoarte
en los que predomina el componente social. estas obras están
basadas en situaciones de mi entorno cotidiano que llaman mi
atención y me motivan. ”
Sus medios de expresión son la
pintura, el dibujo, la instalación
y el videoarte. En sus 21 años de
trayectoria artística ha realizado 12
exposiciones individuales en galerías
y centros culturales del país y el
extranjero. En 2013 fue ganadora de
la primera residencia del Davidoff
Art Initiative que se realizó en el
International Studio and Curatorial
Program de Brooklyn, Nueva
York, Estados Unidos. En 2010 fue
ganadora del XXII Concurso Eduardo
León Jimenes. Ha participado en
exposiciones colectivas entre las
que se cuentan: “Inside and Out,
Recent Trends in the Arts of the
Dominican Republic”, organizada por
el Inter-American Development Bank
Cultural Center en Washington D. C.,
Estados Unidos.
mónica Ferreras de la maza
Nunca es tarde si la dicha es buena 2014 acrílica sobre tela. 245 x 137.5 cm
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mónica Ferreras de la maza
Son solo burbujas de la vida… espejos de preguntas y esperanzas 2014 instalación de hilo nylon y fotocopias 500 x 500 cm detalle y maqueta
mónica Ferreras de la maza
Nunca es tarde si la dicha es buena 2014 acrílica sobre tela. 245 x 137.5 cm
social, más de lo que es mi entorno, el
país y las cosas que yo veo que quiero
denunciar y hablar sobre temas que son
más comprometidos ideológicamente.
En las instalaciones es igual, pero hay
algunas instalaciones que se pueden,
al día de hoy, conectar con mi proceso
de vida. Estuve por muchos años
trabajando con algunos de los conceptos
‘junguianos’, como el laberinto, el proceso
de individualización, el mandala, lo que
le llaman “la persona”, que es lo que
comúnmente llamamos “la máscara”, y
algunos otros conceptos.
En ese momento no podría decir que lo veía
como que también hablaba de mí, pero con
el tiempo mirando hacia atrás, puedo ver la
conexión y el componente personal dentro
de esas instalaciones.
Háblanos sobre tus obras en el XXV
concurso de arte eduardo león Jimenes.
Hay una pintura que se llama “Nunca
es tarde si la dicha es buena”, es una
manifestación de cómo me siento al día
de hoy: feliz y agradecida de la vida. Es
un pequeño homenaje a esta etapa de mi
vida. La otra, “Son solo burbujas de la vida…
espejos de preguntas y esperanzas”, es una
pieza que trata sobre la memoria.
Las dos tienen el componente que son
piezas autobiográficas. Una, más que nada,
mirando al pasado, que es la instalación;
donde hay unas burbujas que están
hechas basadas en unos dibujos. Esos
dibujos se reproducen, rasgan, y vuelvo a
ensamblarlos formando las burbujas.
Esas burbujas se conectan entre ellas en un
espacio determinado, en una habitación.
Y lo que estoy hablando con esa pieza
es de la memoria, de como yo veo la
memoria, como yo la asimilo; y con el
otro componente de cuando hay etapas
difíciles en la vida o momentos de
caos, turbulencia o incertidumbre;
los dibujos tienen un componente
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Estudié en la Escuela de Diseño en Altos
de Chavón, hace muchísimos años, en la
primera promoción. De ahí me fui a La
Haya, en Holanda, a la Escuela Nacional de
Bellas Artes, con una beca que me gané por
un año. Luego regresé al país.
Esa es mi formación. He expuesto en
colectivas en varios países. En Estados
Unidos, en Rhode Island, Nueva York,
Massachusetts, Colorado y Miami. En
Europa he participado en colectivas en
Berlín, Oslo, en París y en algunas ciudades
de España. No me acuerdo de más...
¿cómo son tus procesos de trabajo y en
que temarios te basas?
Mi obra la he dividido a nivel
conceptual. Manejo dos cuerpos
de trabajo. Porque cuando pinto
y dibujo, generalmente es
una obra más íntima, que
habla más de mí, de lo
que son mis procesos
de vida. Y cuando
hago instalaciones
o videoarte,
muchas veces,
sobretodo en el
videoarte, el
componente
ha sido
más
que tiene puntos de luz, y yo con eso hablo
de que siempre ha habido luz en la vida de
nosotros, o mía.
Esta pieza habla en término personal. Y
cuando yo miro y entiendo que todas esas
experiencias que yo he vivido, las buenas y
las que no son tan buenas, no han sido mas
que aprendizajes que forman y conforman
lo que es Mónica al día de hoy. De eso es
que esa pieza se trata.
Recurro al rasgado como recurso formal,
pero que me aporta a la parte conceptual.
Porque como yo veo la memoria es ese
proceso de reconstruir sobre pedazos
de cosas que uno recuerda y luego, al
momento justo de yo recordar, lo que
hago es unirlas de nuevo pero no dejan de
ser pedazos. Por eso yo rasgo, o en buen
dominicano, ripeo los originales de los
dibujos.
¿cómo evalúas el panorama nacional en
materia artística?
Voy a hablar a partir de mi generación y de
la de los que vienen. Siento que ha habido
cambios importantes y positivos. ¿Qué
uno siempre quiere más? Sí. Creo que eso
es parte de la naturaleza humana, querer
siempre más. Pero han sucedido cambios
positivos en diversos sentidos: tenemos una
serie de artistas que tienen una presencia
a nivel internacional, en exposiciones
importantes, colectivas, que los curadores
los están tomando en cuenta. Eso es muy
positivo.
También me alegra mucho ver que hay un
relevo de artistas que andan entre finales de
los 20 y principios de los 30 años de edad
que yo. Particularmente, me alegro mucho
de verlos porque son artistas que ya están
demostrando que tienen mucho talento,
que están tomando su carrera con una
seriedad y una responsabilidad que es muy
importante porque el talento per se no es
suficiente.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conmónica Ferreras de la maza
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Marie Jiménez santo domingo, 1991
“ este video instalación consta
de un video y una pintura que
muestran, a la vez, a un pintor como
marginalizado y privilegiado social; al
mismo tiempo que sugiere analizar el rol
del video ante el lenguaje tradicional de la
pintura. el video como centro de la instalación
muestra el vínculo entre dos artistas emergentes
que viven en contextos diferentes: edward y
marie. esta parte de la instalación muestra a edward
como el artista en la periferia; a través de relatos de
su evolución como pintor en un contexto donde no se
le presentan oportunidades para que su producción sea
valorada. la instalación utiliza esta paradoja del pintor para
cuestionar si el marginalizado tiene una voz y si puede uno
reconocerse como tal.
mi práctica se fundamenta en el uso del video como herramienta
para trasladar la periferia hacia el centro. exploro las problemáticas
que generan este interés; entre ellas la relación que existe entre la
marginalización y la felicidad, el conocimiento y el centro, y los límites
que separan el centro de la periferia. mi trabajo muestra estos
temas a través de la documentación de sujetos en situaciones
ficticias o reales, presentándoles de forma que aborde su
intimidad y confronte la del espectador. usualmente trabajo a
partir de experiencias personales que voy moldeando con
un tamiz que permita dar prioridad a los sentimientos. ”
Egresada de Bellas Artes de La
Escuela de Diseño Altos de Chavón,
La Romana, República Dominicana.
Fue artista seleccionada en la Bienal
Nacional de Artes Visuales del
Museo de Arte Moderno de Santo
Domingo, República Dominicana, en
2011. Luego de concluir sus estudios
en Parsons The New School for
Design, de Nueva York, Estados
Unidos, exhibió sus videos y cuerpo
de trabajo pictórico en una variedad
de espacios culturales. Fue artista
seleccionada en el XXIV Concurso
de Arte Eduardo León Jimenes.
marie jiménez
Sin título 2014 Videoarte a color con audio proyección en bucle medidas variables
A la luz de la sombra 2014 acrílica sobre tela autoría de edward salcedo 101.6 x 152.7 cm
Premio XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes
7574
marie jiménez
Sin título 2014 Videoarte a color con audio proyección en bucle medidas variables
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Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
Esta obra se produce desde la amistad
y habla del artista dentro de la industria
del arte y la marginalidad en la República
Dominicana. La pieza comenzó a tomar
forma cuando empecé a cuestionar la
posición de mi amigo como pintor.
Mi amigo Edward y yo empezamos a
intercambiarnos asignaciones como un
tipo de ejercicio para entender por qué
decidíamos trabajar en el medio que
trabajamos. Diariamente hablábamos sobre
su condición socio-económica, lo que
representa la educación, y las posibilidades
de crecer profesionalmente como artista en
el contexto en el que él se encuentra.
Yo le pedía a Edward que grabara vídeos
con temas de su interés, mientras yo lo
ayudaba a verbalizar lo que él estaba
haciendo con sus pinturas. Para tener un
mejor entendimiento de su trabajo, decidí
llevarme una de sus pinturas a New York.
Allí, fuera de su contexto de origen, la
habilidad técnica captaba la atención del
espectador más que el tema de la pintura.
Esta reacción me hizo pensar en lo que
provoca la de este medio, y que la historia
que existe detrás de ella es crucial para
crear un discurso sobre el tema y no sobre
la pintura.
Empecé a trabajar con texto impreso,
conformado por la recopilación de
conversaciones entre Edward y yo. El texto
se prestaba para ‘una historia’ y el acto de
leer podía crear un espacio de intimidad
con el espectador. Pero su forma física,
semejante a un libro, me creaba frustración
por su pasividad en relación a la pintura,
cuando estos se encuentran en un mismo
espacio.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Estudié Bellas Artes en Altos de Chavón
y luego en Parsons The New School of
Design, donde recibí mi licenciatura en
Bellas Artes. He tenido la oportunidad
de mostrar mi obra en el Museo de Arte
Moderno y en el Centro León de República
Dominicana. En Nueva York, he mostrado
mi trabajo en espacios alternativos como
galerías, cafés y en un contexto más
tradicional como en el Hudson River
Museum, en la galería St Paul’s Chapel, de
Columbia University, y en Parsons The New
School of Design.
¿cómo son tus procesos de trabajo y en
que temarios te basas?
Mi trabajo siempre habla de la
identidad a través de la intimidad.
Empiezo por la investigación,
que para mí es un proceso
de entendimiento personal
(punto de vista,
perspectiva) y luego
social (teórico,
analítico) que me
conduce a la forma
que tomará la
obra.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conmarie jiménez
La pintura de Edward, objeto trabajado
a mano, pincelada por pincelada, y en
tamaño grande, con las dimensiones del
cuerpo humano, llamaba más la atención
que el texto. Tratando de llevar el texto
a un plano físico, como el de la pintura,
superpuse las conversaciones con los
sonidos y videos que Edward grababa con
su celular, creando así una pieza audiovisual
que se pudiera proyectar y tuviera una
presencia más dominante en el espacio.
Tratar de llevar el video a un plano físico
y místico, más cercano a la pintura y lo
que esta genera en el espectador, era
necesario para seguir el discurso de la
marginalización hasta el punto que los
medios tuvieran un diálogo en paralelo al
diálogo que Edward y yo tenemos en el
video.
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Joiri Minayanueva york, 1990
“ Siboney es un performance en dos
partes que explora las construcciones
estereotípicas del caribe y la mujer caribeña
basadas en fantasías elaboradas desde la
alteridad del foráneo. el performance medita
sobre cómo dichas construcciones son luego
interiorizadas y laboriosamente reproducidas por el
sujeto en que se originan. una tela con un estampado
“tropical” genérico encontrado por la artista y la canción
Siboney interpretada por connie Francis son los elementos
de partida para esta investigación. el estampado tiene un
carácter de souvenir estereotípico o diseño de producción
masiva. al copiarlo y pintarlo manualmente sobre una pared,
simbolizo proceso de interiorización de algo determinado por
alguien más. la canción Siboney, compuesta en 1929 por el cubano
ernesto lecuona en un momento de añoranza al estar lejos de su
patria, fue popularizada en 1931 al interpretarla el barítono dominicano
eduardo brito y luego grabada por varios artistas, incluyendo a connie
Francis en 1960. con esta grabación Francis se unía a la tendencia de cantar
boleros en español de muchos artistas norteamericanos de entonces,
reflejando con sus acentos anglosajones las políticas imperialistas y
actitudes de exotismo en la época.
me intereso en temas de identidad, alteridad, auto-conciencia y
desplazamiento. mi trabajo navega sistemas binarios tratando de
encontrar hibridez; investiga cómo nuestras identidades, espacios
sociales y jerarquías han sido construidos en su mayoría a
partir de desigualdades históricas que aún se perpetúan, y
el cuerpo como un receptor condicionado e intérprete de
estas distinciones. en mi obra, como una alternativa a
tales denominaciones jerárquicas, intento crear varias
posiciones de poder, muchas veces contradictorias
pero operando simultáneamente. ”
Egresada de la Escuela Nacional de
Artes Visuales, de Santo Domingo;
de La Escuela de Diseño Altos de
Chavón, en La Romana, y Parsons
The New School for Design, en
Nueva York. Ha participado en las
residencias artísticas Skowhegan
School of Painting and Sculpture,
en Maine, Estados Unidos, y L-EST
European Performing Arts and
Transmedia Lab at MA Scène
Nationale en Montbéliard, Francia.
Fue ganadora del gran premio en la
XXVIII Bienal Nacional del Museo de
Arte Moderno en Santo Domingo.
Vive y trabaja entre Nueva York y
Santo Domingo.
joiri minaya
Siboney 2014 performance
Premio XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes
8382
joiri minaya
Siboney 2014 performance
cabello así!”, y la curiosidad de no saber
de otra cultura y querer entenderla, que es
lógico.
Pero también, Bélgica particularmente tiene
una historia de colonización e imperialismo
con el Congo, y las ideas que ellos tienen
de una persona que se ve como yo pueden
estar informadas de esa historia. Entonces
yo, en el momento no estaba consciente,
pero viendo atrás supongo que ahí empezó
mi interés por el estereotipo que yo puedo
representar para otra persona.
Luego en Nueva York es mucho más
diverso, pero todavía tengo ocasiones que
la gente dice cosas como “¡ay! you look
so exotic!, where are you from?” y “oh,
Dominican!”, entonces por el tono con el
que la gente te lo dice, me pregunto cuales
son las ideas que circulan por su cabeza de
lo que yo debo de ser.
Me interesé en el patrón y en la canción
porque yo asocio ambos elementos con una
época específica que es tal vez como los
años 50 o antes, un poco después cuando
Estados Unidos tenía relación con Cuba,
que Cuba era como el lugar vacacional de
los americanos y todos los intercambios
que se dieron allí, y no solamente en Cuba,
luego en el resto de las antillas, pero
supongo que Cuba es el ejemplo más sólido
que yo relaciono con la construcción de ese
estereotipo de la mujer caribeña.
Déjame hablar de la canción entonces…
“Siboney” fue compuesta por Ernesto
Lecuona en 1929 y, supuestamente, la
escribió estando lejos de Cuba, extrañando
su tierra natal. Luego fue popularizada
por Eduardo Brito, que fue un barítono
dominicano, y ha sido interpretada supongo
que por numerosos intérpretes como
muchas canciones de esa época, y boleros
aún más.
Y Connie Francis tiene una versión. La
primera vez que yo oí esa versión fue en
una película de Hong Kong; se llamaba
“2046”. Pero también la he visto en
anuncios de perfume, con una mujer en
una tierra tropical, y todos los usos de
esta canción también responden a ese
estereotipo de lo que la gente se imagina
con la canción.
La canción es muy sensual, tiene como
unos tambores y unas cosas que también
te hacen pensar en algo exótico o en algún
lugar lejano, si tú no vienes de ese lugar, y
me interesó talvez primero por eso. Luego
también me interesó el asunto de que
cuando Connie Francis la canta se convierte
en algo como de necesidad o, en este caso,
de género porque es una mujer que está
cantándole a un hombre y le dice: “Siboney,
yo te quiero, yo me muero por tu amor”.
Y como muchas canciones de amor, pero
particularmente esa metáfora de necesidad
de la mujer de este hombre, o del Caribe
con las naciones del primer mundo. Como
esa relación le interesa como metáfora
a esas políticas o a esas cuestiones
económicas que se dan en contextos más
amplios, y por eso esa versión. También
porque lo relaciono con ese momento
histórico de imperialismo en que Estados
Unidos estaba muy metido, bueno
todavía está muy metido, en el Caribe y
Latinoamérica.
Regularmente trato muchas cosas sobre
la mujer o la idea de la construcción del
género femenino. La relación entre el yo y
el otro, y como ambas partes se determinan
una a la otra. Y jerarquías, cómo se
establecen jerarquías con relación a género,
o la sociedad, o políticas.
sentir que tu puedes hacerlo también.
También es escuela, es un espacio para
tu experimentar. Esa es mi experiencia
educativa en las artes.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
La pieza del XXV Concurso de Arte Eduardo
León Jimenes se llama “Siboney”. Es una
pieza multidisciplinaria. Consta de un
mural que pinté a mano, y lo que pinté
está basado en un patrón que encontré
cuando estaba en Parsons. Había un
centro de reciclaje donde los estudiantes
ponían materiales que no usaban y otros
estudiantes podían tomarlos, y yo fui ahí
un día y encontré esta tela que tiene un
estampado de flores tropicales que para mí
es bellísimo y súper sensual visualmente.
Para mí el patrón representa como otras
culturas pueden ver la cultura de nosotros,
y la idea de pintarlo repetitivamente y
exhaustivamente en una pared enorme
tiene que ver con ese proceso de
internalizar la idea de otra persona sobre
lo que yo debo ser. Entonces se relaciona
con esta identidad caribeña o de mujer
caribeña, para mí.
La segunda parte de la obra es un evento
de performance en el cual yo voy a lavar la
pared. Y esta parte se refiere a la negación
de la idea de que yo tengo que cumplir con
un estereotipo. Voy a estar lavando la pared
mientras suena la canción “Siboney”.
Con esta pieza me refiero a los estereotipos
de la mujer caribeña. Yo me interesé en
eso más por mi experiencia de vivir en
el extranjero, cuando viví en Bélgica y el
tiempo que tengo viviendo en Nueva York.
En Bélgica vivía en un pueblito donde no
había mucha diversidad. Yo estaba en un
colegio por un año y mis compañeros de
clase, después que tenían la confianza
de haberme tratado un poco, fue
como “¡Ay! ¿yo puedo tocar tu
cabello?”, “¡yo nunca he visto un
Háblanos sobre tu formación como artista y
los escenarios en que has mostrado tu obra.
Cuando tenía 14 años entré a Preparatoria
en Bellas Artes. Para mí Bellas Artes fue
un momento clave para adquirir más
independencia en cuestionar las cosas
más. Después, a los 17 años, me fui de
intercambio a Bélgica a vivir un año allá.
Cuando volví a República Dominicana, fui a
La Escuela de Diseño de Altos de Chavón.
Chavón también fue increíblemente
influyente. Es admirable lo que ellos hacen
ahí. Luego, en Chavón, me gané una beca
para terminar los estudios en Parsons.
En Parsons empecé a entender otras
formas de hacer arte como válidas también.
Formas que tienen que ver más con
procesos, como performance, instalación
y video. Eran medios que desde aquí
conocía y veía, pero no pensaba
que era algo en lo que yo podía
meterme, porque no tenía ni
siquiera una entrada a ese
mundo o un lenguaje con
que entrarle a eso.
Tener el espacio para
explorar eso en clases,
tener una guía sobre
eso con profesores,
y aprender de la
historia sobre
eso te da una
validación
y te
permite
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conjoiri minaya
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Randy Morales (Rands) santo domingo, 1987
“ trabajo imágenes que narran
las historias de momentos pasados;
que crean un extracto de los instantes
olvidados e iluminan la inconsciencia de
aquellos tiempos, evocando una colisión
de nostalgia y emociones que resulta en el
autodescubrimiento. durante esta exploración
me muestro tal como soy, visualizando mi futuro,
consecuente al entorno que me rodeaba mientras
crecía y a la influencia de lo que fue mi familia. en los
videos que soportan mi trabajo, las imágenes ilustrativas
se involucran con los elementos ya establecidos, sirviendo
como un estudio cognitivo de un niño curioso.
mi obra se centra en historias secretas de mi vida, creadas
a partir de vagos recuerdos, momentos reales, impresiones y
sueños que he retenido a/desde/de mi vida temprana, que se han
ido alimentando hasta la madurez. ”
Estudió Bellas Artes e Ilustración
en La Escuela de Diseño Altos de
Chavón, La Romana, República
Dominicana, y en Parsons The New
School for Design, Nueva York,
Estados Unidos. En la actualidad
realiza su maestría en Animación
y Artes en Movimiento en el Pratt
Institute. Actualmente vive y trabaja
en Brooklyn, Nueva York, Estados
Unidos.
randy morales
Fantasías de mi entorno familiar 2014 Videoarte a color con audio y objetos domésticos proyección en bucle
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randy morales
Fantasías de mi entorno familiar 2014 Videoarte a color con audio y objetos domésticos proyección en bucle
randy morales
Fantasías de mi entorno familiar 2014 Videoarte a color con audio y objetos domésticos proyección en bucle
al tema que decida trabajar. Me gusta
mucho que mi trabajo tenga espontaneidad
e improvisación al solucionar problemas
durante el proceso de creación.
Al crear no me gusta la idea de solo
centrarme en ciertos temas. Pero me
he dado cuenta que inconscientemente
siempre están presentes temas o elementos
relacionados a la intimidad, familia, muerte,
abyección y ambigüedad de realidades.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
“Fantasías de mi retrato familiar” es la pieza
final de una serie que empecé a trabajar
hace más de un año. Esta es una pieza de
nivel personal donde hago una exploración
cognitiva de mi niñez, por medio de
videos grabados en eventos familiares,
intervenidos por animaciones, como un
dispositivo para ilustrar mi forma de ver las
cosas en ese entonces.
Al principio la pieza fue concebida como
solo un video pero tuvo la necesidad de
expandirse del formato bidimensional al
de instalación, para recrear el espacio más
importante de una familia tradicional: la
sala, donde se reúnen a ver estos videos
de memorias y de esa forma invitar a los
espectadores a participar y formar parte de
mi mundo en el momento.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Todo comenzó cuando mi madre nos
inscribió a mí y mi hermano menor en
clases de pintura. Al graduarme del colegio
no tenía idea de que estudiar, solo sabía
que tenía que ser algo relacionado con las
artes. Estudie un tiempo diseño gráfico en
APEC y fue allí donde conocí lo que era la
ilustración.
Me di cuenta que estaba en la carrera
equivocada inmediatamente. Pasé un año
fuera del país decidí volver para estudiar en
la Escuela de Altos de Chavón donde me
gradué de Bellas Artes e Ilustración. Luego
me transfiero a Parsons en Nueva York y
termino mi licenciatura en ilustración.
Actualmente me encuentro cursando
una Maestría en Animación y Artes
Digitales en el Pratt Institute.
¿cómo son tus procesos de
trabajo y en que temarios te
basas?
La mayoría de las veces
todo sale de garabatos
no necesariamente
teniendo una
idea concreta.
Después de
eso empiezo
a refinar
todo de
acuerdo
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conrandy morales
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Jochi Muñoz san Francisco de macorís, 1964
“ de entre varios textos que
hablan sobre caminos, uno en
particular: Permanencia del llanto,
del poeta haitiano Jacques Viau, me
ayudó a precisar tanto el concepto
como la forma que habría de tomar la
pieza. permanencias, idas, amor, desamor,
odio, apego, libertad, temor, arraigo, logros,
extrañeza… son cosas que, en dosis distintas,
son apuradas por todo transeúnte de la vida.
durante esta, cada individuo va siguiendo las huellas
de otros, a la vez que deja su impronta sobre la que,
quizás, cabalgarán otros que vengan después. recurro
al empleo del trazado circular del camino, como metáfora
de las constantes y perennes búsquedas del individuo; como
metáfora de las constantes y perennes apatías del individuo.
la cantera de donde me nutro para realizar mi obra está en mi
cotidianidad. tomo un hecho cualquiera que descontextualizo,
fragmento, sobrevaloro en parte, desestimo en otra, recompongo,
para, finalmente, ofrecer mi versión personal del mismo. lo que
resulte puede que no sea comprendido de inmediato por el
espectador. lo que espero es que se marche con el gusanillo
de la interrogante, y que, eventualmente, pueda extrapolar
lo dicho, a planos alejados de lo meramente personal del
artista. ”
Vive y trabaja en Santo Domingo,
donde desarrolla su labor de
profesor de danza, creador
independiente de artes escénicas y
de performance. Fue merecedor de
premio en la XXV Bienal Nacional
de Artes Visuales del Museo de
Arte Moderno en Santo Domingo,
República Dominicana.
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jochi muñoz
¿...en qué recodo del camino? 2014 performance
jochi muñoz
¿...en qué recodo del camino? 2014 performance
jochi muñoz
¿...en qué recodo del camino? 2014 performance
He participado con ellas varias veces. He
participado aquí en la Bienal Nacional de
Artes Visuales del Museo de Arte Moderno
de Santo Domingo en tres oportunidades
y en el Centro León en la edición pasada,
además de otros proyectos individuales en
eventos diversos.
¿cómo son tus procesos de trabajo y en
que temarios te basas?
Casi toda mi obra se deriva de mi biografía,
de mi vida. Son elementos que tomo de
mi entorno o de las personas allegadas a
mí y los voy resignificando, cambiando,
modificando. Y de ahí surgen las piezas.
Algo similar me pasaba también cuando
estaba en danza. En las piezas que yo
coreografié tomaba elementos, muchas
veces no reconocibles, pero no importa.
Soy el que tengo que tener en cuenta eso
y modifico hasta que surge la pieza que
muestro.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
El nombre es “¿En qué recodo del camino?”.
Su título viene de un verso de un poema de
Jacques Viau, el poeta haitiano que peleó
aquí en la Revolución de 1965, y es uno de
los primeros versos del poema. Después
de haber leído un sinnúmero de poemas
y de textos que hablaban de caminos, ese
fue el texto que dije: “¡este es el título de la
pieza!”.
Hace un tiempo venía trabajando en una
pieza que habla del camino, del tránsito
mío por la vida y por los trabajos que había
hecho, y quería articular esta pieza. Cuando
leí el poema en extenso dije: “¡pero esta es
la pieza mía hecha poema!”, ahora me toca
a mí llevar esto al medio del performance.
Es muy simple, son 60 lajas, piedras lajas
amontonadas. El performance empieza
así, yo parado sobre ellas. A partir de
ese punto empiezo a construir un
camino con esas 60 piedras, que
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Vengo del mundo del teatro, de la danza
específicamente. Empecé con ballet, con
Fradique Lizardo en el Ballet Folklórico, de
ahí pasé a tomar clases de ballet clásico
con Irmgard Despradel. Posteriormente, con
Eduardo Villanueva hice técnica Graham, de
danza moderna.
Además de una serie de cursos y talleres
de danza contemporánea y de algunos
métodos. Duré muchos años bailando hasta
que, buscando cómo expresarme mejor, no
tanto como intérprete, sino como creador,
me encontré con un diplomado de Estudio
de Performance que Flacso impartió en el
2006.
Lo tomo, y me doy cuenta que por
ahí debía encaminar mi búsqueda
creativa. He presentado
performances en el festival
que Charo Oquet desarrolla
en Miami, me invitó en dos
oportunidades, y aquí en
Santo Domingo en los
festivales y encuentros
de Arte Estudio, que
es un colectivo
que tienen Clara
Caminero
y Sayuri
Guzmán.
es mi edad, la edad que voy a tener cuando
realice el performance.
Hago un arco de un círculo, tan pronto
termine con esa cantidad de piedras,
retomo las primeras que puse y voy
amontonándolo de nuevo al final del
camino. Esto se repite seis veces, que es la
cantidad de décadas de mi vida.
Voy de manera contraria a las manecillas
del reloj, como un devolverme por mi vida,
hacer un recuento del transcurso mío, de
lo que he hecho, de lo que no he hecho, de
las cosas que debía hacer pero por temor
o por cualquier otro motivo nunca realicé;
entonces es esencialmente repasar mi vida
hasta volver al punto de partida.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conjochi muñoz
104 105
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Gustavo Peña santo domingo, 1979
“ inspirado en la era industrial
que vivimos, en la que el lema muy
bien pudiera ser “que trabajen las
máquinas”, he conceptualizado este
tríptico de gran tamaño con el cual busco
conseguir ese efecto sublime que nos
produce el arte, utilizando la computadora y
la impresión digital. estos diseños de módulos
dan paso a la vez a ser construibles y repetibles
de manera mecánica e industrial sin la intervención
del artista.
recientemente he estado investigando la abstracción,
fundamentalmente la relacionada con el arte minimalista
y conceptual. todo comenzó como un ejercicio en el cual
exploro formas, color y espacio pintando directamente
de la imaginación al soporte. luego, estos ejercicios se
volvieron obras per se y más adelante en esculturas. en estos
diseños busco no intervenir en la realización final de las piezas, en
cambio, producirlas en talleres de personas hábiles en las diferentes
disciplinas que lo requieran. algunos de estos diseños funcionan
modularmente, otros, como pequeños sistemas cerrados en sí, en
los cuales las pequeñas partes, a pesar de ser diferentes, forman
un todo. ”
Estudió Bellas Artes en La Escuela
de Diseño Altos de Chavón, La
Romana, República Dominicana.
Culmina la licenciatura en Artes
Visuales, con especialización en
Pintura Mural, en la Escuela Nacional
de Artes Plásticas, de la Universidad
Nacional Autónoma de México.
Actualmente trabaja y reside en
Santo Domingo.
gustaVo peña
Exploraciones de forma, color y espacio 2014 óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media díptico 126.7 x 126.3 x 3.8 cm 126 x 125 x 5.8 cm
107106
gustaVo peña
Investigaciones abstractas y figuración 2014 madera 161 x 138 cm
gustaVo peña
Exploraciones de forma y línea 2014 tinta inkjet sobre papel. tríptico 124.7 x 125 x 5.1 cm, 125 x 124.7 x 5.3 cm, 125 x 124.6 x 5.3 cm
ver imágenes y figuración, todo lo que sea
reconocible a la vista. Quise trabajar directo
de la mente.
Trabajo con diferentes medios, pero de
alguna manera todo va hacia lo mismo,
porque la pintura ilustra la escultura y los
trabajos que son impresiones digitales en
inkjet a modo de dibujo son los modelos o
los planos de las piezas.
Al final todo está estrechamente
relacionado. Las piezas resultan como
juegos, como algo sistemático, seriado,
que exploro a partir de cubo, el triángulo
y formas básicas; como restando partes
y haciendo composiciones diferentes. Es
como una especie de juego.
El elemento digital no es necesariamente
para alejarme de lo tradicional, sino que al
hacer los diseños digitales yo los vi como
tal: bellos, y simplemente los vi como obra.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Estudié en La Escuela de Diseño de Altos
de Chavón dos años, y estudié después
en México, en la UNAM, donde terminé la
carrera con una especialidad en fotografía
y pintura mural. Después, la formación se
complementa con mucho trabajo de taller.
He presentado piezas en Corea, Inglaterra,
Estados Unidos y Francia.
¿cómo son tus procesos de trabajo y en
que temarios te basas?
Me gusta experimentar mucho. Primero
comencé como fotógrafo, luego pasé a la
pintura. En la pintura probé varias áreas,
tamaños, técnicas. Y más reciente
estoy experimentando cosas más
conceptuales: geometría, y algo más
sistemático.
Háblanos sobre tu obra del
XXV concurso de arte
eduardo león Jimenes.
Comencé trabajando
de la mente directo
al lienzo, y ha sido
un proceso muy
abstracto. Yo
lo que quería
era alejarme
de ver la
realidad
y de
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación congustaVo peña
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Exploraciones de forma, color y espacio 2014 óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media díptico 126.7 x 126.3 x 3.8 cm 126 x 125 x 5.8 cm
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
David Pérez (Karmadavis) santo domingo, 1976
“ la isla de Quisqueya es un
cuerpo dividido en dos partes.
dos países que tienen una
historia en común y un presente
compartido. de la fusión de ambos
vienen los domínico-haitianos, grupo
minoritario producto de la descendencia
de ambas naciones. este sector de la
sociedad dominicana vive en una plataforma
irregular, condicionada por intereses políticos
y raciales. la obra es una acción del proyecto
culinario contemporáneo Morisoñando. un ambiente
performático y degustativo para el deleite de los
sentidos, con una intención crítica y funcional. el proyecto
se plantea en formato multimedia, donde se instala una
cocina y un comedor en un área fronteriza de la isla, en
donde se desaparezca la línea divisoria. la degustación es el
resultado de una investigación sobre fusiones e ingredientes que
tengan relación con la gastronomía de ambas naciones y como
resultado primordial, la comunidad domínico-haitiana. una forma
de legitimar a este grupo de dominicanos en la sociedad, es a
través de la comida. sin caer en romanticismo y viéndolo más
con una actitud funcional dentro lo que ocupa y concierne a
la isla. la representación del equipo de trabajo se plantea
en un escenario de diálogo y ayuda mutua. en el vacío
de la tensión queda una chispa de lenguaje. un buda
de fuego. ”
“ cuando el diálogo aún es posible,
existe el misterio de la esperanza. ”
Artista visual, sonoro y culinario
dominicano que reside y trabaja en
Guatemala. Creador y productor del
proyecto de arte contemporáneo
Morisoñando. Recetas del Caribe.
Ha expuesto en Exit Art en Nueva
York (2010), en la Universidad
Essex en Londres (2013) y en los
proyectos Ultravioleta y NuMu en
Guatemala (2013). Ha participado
en el Pabellón del Instituto Ítalo-
Latinoamericano, LIV Exposición
Internacional de Arte de la Bienal
de Venecia, Italia (2011), Unresolved
circumstances, Museum of Latin
American Art de Los Ángeles,
Estados Unidos (2011), Don’t
call it performance/no lo llames
performance Muestra Internacional
de 60 artistas de performance,
Museo del Barrio de Nueva York,
Estados Unidos (2004), entre otros.
Mención de Honor XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes
115114
daVid pérez (KarmadaVis)
Comedor familiar 2014 performance documentación fotográfica proyectada dibujos, objetos medidas variables
117
donde cada elemento depende uno del
otro.
En cada trabajo lo que hago es poner en
paréntesis a un haitiano y a un dominicano
en una simbología de ambas naciones. En
un conjunto, para ver cómo se relacionan,
como se pueden generar nuevos formatos
de comunicación. Mi obra en sí, en ese
momento se basaba en eso, en generar
formas de comunicación.
Después me voy a Guatemala. En
Guatemala empiezo a hacer una serie de
trabajos llamados “Acciones Estáticas”,
donde yo contrato grupos de personas,
de 40 a 100, y los oriento a hacer una
forma geométrica, una forma que tenga un
contenido relacionado con el grupo. Hago
este tipo de trabajo y después empiezo a
vincularme con personas discapacitadas
haciendo composiciones y estructuras de
cóncavo y convexo.
Pensando más que todo en una forma
escultórica a partir del performance, donde
yo puedo utilizar varios cuerpos y una
estructura que encaje. Pensando en diseño,
y contenido por supuesto. Junto a eso
también hago otro tipo de trabajo: presento
pinturas... y todo, claro, como proyectos de
arte. No es que hago performance y pinto,
sino que hago varias cosas en diferentes
medios.
Siempre he cocinado, pero nunca lo he
tomado como algo muy en serio... era,
como la gente dice, un hobbie. Pero de
hace un tiempo para acá, he querido
hacer otro tipo de cosas, que ya no sea el
mismo trabajo del cuerpo, del performance,
de la atención; sino ir explorando otros
medios. Y estoy trabajando con la cocina, la
gastronomía.
Tengo un proyecto que se llama
“Morisoñando. Recetas del Caribe”, que es
un proyecto culinario contemporáneo
donde utilizo medios de arte
contemporáneo y los mezclo
simplemente con la gastronomía
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Yo estudié en Bellas Artes, en la Universidad
Autónoma de Santo Domingo, y después
terminé mi formación en Altos de Chavón.
Cuando salí de Chavón empecé a hacer
grabados y performance. En ese tiempo
hacía performances que eran de carácter
ritual, basados en la experimentación con el
cuerpo.
Casi ni los documentaba, eran más bien
acciones performáticas, sin otro sentido
más allá del formal. Con el tiempo me fui
desplazando a un contexto más político,
donde empiezo a utilizar el arte como
herramienta para poder decir cosas que
otros medios no me permitían.
En ese momento empiezo a trabajar
con la temática dominico-haitiana.
Con la temática del haitiano
presente en la República
Dominicana, o sea, yo no hablo
de Haití sino del haitiano que
está aquí en la República
Dominicana. Y empiezo
a hacer un tipo de
trabajo donde
planteo a la isla
como un cuerpo
dividido en dos
partes,
del Caribe. Si te das cuenta, la gastronomía
del Caribe no es muy conocida, no hay
muchas variantes y es muy limitada.
La idea del proyecto es eso, buscar una
manera de que esa comida pueda generar
diálogos. Que no sea alimentación nada
más, sino que a partir de la comida puedas
tener otra forma de comunicación.
dialoguemos sobre la obra que presentas
en el XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
La obra se llama “Comedor familiar”. Desde
el principio la idea de la obra era legitimizar,
a partir de la comida, a una parte de la
sociedad dominicana que ha sido excluida:
la dominico-haitiana. Lo que hago es
generar un menú con alimentos de ambas
naciones y lo presento en un formato en un
conjunto fusionado.
Sé que la palabra fusión aquí es terrible,
pero en la cocina si se vale. ¡Las fusiones
me parecen increíbles! Si en la cocina
funciona, ¿por qué no puede funcionar en
la vida real? Lo que hago en este proyecto
es que ubico una familia domínico-haitiana
y les construyo una especie de comedor,
con cocina y mesa y todo; en un lugar de la
frontera donde ambas partes estén juntas,
o sea, Haití y República Dominicana.
La mesa está en un lugar que, como quien
dice, no pertenece a ninguno, pero a la vez
está en los dos lados, un lugar un poco
inhóspito, como un lugar fantasma. Yo les
cocino en vivo a esas personas ese menú.
¿Quién más que no sea la misma familia
domínico-haitiana para degustar ese menú?
Porque para ellos es el menú.
Ellos se alimentan, les hago una especie de
degustación de pequeño formato, y la idea
de la obra es esa, que se pueda legitimar un
menú de ambas naciones y que se pueda
tener una base sobre la gastronomía del
Caribe.
Creo que el artista tiene que explorar
con los medios. No sólo limitarse a las
mismas cosas de siempre: la pintura, el
video, el performance. Y la gastronomía
contemporánea es increíble, se hacen
muchas cosas y se pueden conseguir
muchas otras.
Es un medio ya muy establecido. Lo que
yo estoy tratando es de introducirlo en
el contexto artístico contemporáneo. Mis
eventos son un proyecto, más que todo,
pensando en el ambiente. En un espacio,
como te digo: pongo la mesa, pongo la
cocina, hay un paisaje, hay un entorno. Ya
no enfocado a un punto, sino algo más
abierto, más expansivo.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación condaVid pérez (KarmadaVis)
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XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Freddy Pérez (Prandy)duvergé, 1962
“ en esta nueva cultura visual el código
fotográfico y sus fronteras desaparecen.
esta propuesta innovadora se enmarca
dentro del arte óptico, como nomenclatura
visual, que también se aproxima a la corriente
cinética y el realismo mágico. allí, en todos esos
espacios, intento develar los misterios del cosmos
y lo terrenal a través de símbolos y colores, la luz y
las formas. en el desarrollo de esta técnica fotográfica
tuve la necesidad de crear lo que he denominado un
prandiscope y otros accesorios que permiten trabajar
con mayor eficacia en la obtención de mis imágenes. con
ellos puedo emplear objetos y materiales de distintos orígenes
y diferentes diseños; todos se pueden emplear haciendo distintas
combinaciones de manera metódica o espontánea para conseguir
efectos ópticos especiales, como son los movimientos, reflejos y
degradaciones. en mi estilo fotográfico, lo emocional tiene su espacio y
la influencia tropical se manifiesta a través de los colores que caracterizan
todo lo caribeño.
mi formación artística y cultural me ha permitido orientar el sentido de
la creatividad y la innovación en direcciones que a veces difieren, pero
armonizan y se enriquecen cuando se conjugan en el aspecto científico,
tecnológico y artístico. desde una primera formación en pintura y
dibujo tuve la necesidad de evolucionar hacia la fotografía como
medio de expresión artística, porque es justamente ahí, donde
confluyen todas mis inquietudes creativas e innovadoras. es
por ello que en mis imágenes fotográficas se manifiesta ese
dualismo expresivo: el fotógrafo-pintor y viceversa. se trata
de un estilo propio, logrado mediante el desarrollo de una
técnica experimental. ”
Estudió Artes Plásticas, en la
Escuela Nacional de Bellas Artes, y
Técnicas Fotográficas en el Instituto
de Estudios Superiores, ambos
en Santo Domingo, República
Dominicana, y Restauración de
Obras de Arte en la Escuela de
Artes Aplicadas y Oficios Artísticos
de Madrid, España. Es fotógrafo
e inventor. Fue reconocido por la
Comunidad de Manhattan para
las Artes y el Departamento de
Asuntos Culturales de la ciudad de
Nueva York (1994). Merecedor del
primer premio en la categoría Ideas-
Varias de la II Feria Nacional de
Ideas e Inventos de Santo Domingo,
en 2000, y de la medalla de bronce
en la Feria Internacional Ideas e
Inventos y Nuevos Productos de
Núremberg, Alemania, en 2001.
123122
Freddy pérez (prandy)
Metáfora I Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm
Freddy pérez (prandy)
Metáfora II Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm
Freddy pérez (prandy)
Metáfora III Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm
Fui becado por la Organización de Estados
Americanos (OEA), en el año 1983, para
estudiar en una escuela de Artes Aplicadas
y Oficios Artísticos en Madrid. Y ese curso
fue como una especialidad de lo que yo
ya había estudiado aquí porque fueron,
precisamente, los mismos profesores que
nos dieron clases aquí, los profesores
españoles, los que me daban clases allá.
Entonces, para mí ya no era nada nuevo.
Eso me permitió dedicarme también
a hacer investigaciones. Empecé a
curiosear acerca de las investigaciones,
hice aportes, pues recuerdo que en esa
época nosotros apenas estábamos en
una etapa embrionaria respecto a lo que
es la restauración y la conservación de
fotografías.
En el centro donde me enseñaron aquí,
inserté esa dinámica también de restaurar
fotografías. Me invitaron a dar una charla
en la Escuela de San Fernando de la
Universidad Complutense de Madrid. Eso
a un mes de yo llegar a Madrid. Eso a
ellos les impactó tanto que me invitaron a
dar clases, de una manera algo informal,
a estudiantes que querían aprender a
restaurar fotografías.
Así puedes apreciar que es como un
seguimiento, una cadena de cosas que
también me motivaban, y seguía indagando
en asuntos de aportar, de hacer inventos,
de innovar. En Madrid tuve una etapa bien
interesante en términos creativos, porque
ahí fue el inicio de la máquina de restaurar
que yo inventé.
Que luego, al pasar en el año 1986 me fui
a los Estados Unidos, la idea creció más,
hasta el punto que yo consideré que sí, y
también personas me recomendaron que
si debía registrarla, debía patentarla como
tal lo hice. En el año 1994, después de
ocho años de investigación y tres años
de búsqueda, decidieron otorgarme la
patente como inventor.
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Mi formación artística la inicié por el año
1968, en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Soy de la barriada de San Carlos, en la
Capital, aunque nacido en Duvergé, en el
Sur Profundo. Llegué a Santo Domingo a la
Escuela Nacional de Bellas Artes, hice casi
todos los cursos que se impartían hasta un
cuarto o quinto nivel.
Me inicié en artes, luego me formé en la
Universidad Autónoma como estudiante
de Artes Publicitarias. Fui de la segunda
promoción de Artes Publicitarias en la
Universidad Autónoma. Era una época
en la que tenía muchas inquietudes, de
publicidad pasé al magisterio mención en
Artes Plásticas.
Todas mis cosas tienen que versar
sobre arte. Todo lo que yo hago,
he hecho y estoy haciendo
por algún lado tiene que ver
con arte. Entonces seguí
evolucionando, ninguno
de esos cursos que hice
los completé. Llegué
hasta el último
nivel y seguía
esa búsqueda
incesante hasta
llegar a ser
inventor.
dialoguemos sobre la obra que presentas
en el XXV concurso de arte eduardo león
Jimenes.
Eso tiene una historia un poco larga, pero
igual de interesante. Parece mentira, esa fue
una etapa que yo tenía mucha iluminación
creativa. Estaba haciendo una cosa y me
surgía otra, y a todas le dedicaba su tiempo
en su momento.
Una tarde estaba en Madrid en un parque, y
veo unos niños jugando con un artefacto, y
miraban al sol con el juguete. Yo les dije que
me permitieran mirar, y yo también miré.
Era un caleidoscopio. Esa fue la primera vez
que vi un caleidoscopio. A mí me intrigó
tanto esas maravillas visuales que sucedían
una tras otras, que dije “esto es una obra de
arte”, “esto con poca cosa se puede hacer
experimentalmente cosas que tengan que
ver con arte”.
Como tal lo hice, y eso fue una trayectoria
de por lo menos 29 o 30 años que tengo
yo en eso. Esto no es nada nuevo. Es nuevo
ahora para muchos de ustedes que lo están
viendo, pero no es novedoso. Novedoso
en el sentido de que es mucho tiempo que
tengo en esto. En Estado Unidos empecé
también a hacer mi propio “Prandiscope”.
Yo lo llamé “Prandiscope”.
Algo diferente, que las cosas no fueran
tan parecidas, tan repetitivas, donde uno
puede inventar y agregar, quitar, añadir.
Uno busca objetos cualesquiera, que fueran
transparentes, sobretodo que permitieran y
fueran refractarios, que puedan dejar pasar
la luz.
Así fui recolectando piececitas hasta
que me dedico a eso sobretodo, a una
recolección de piezas. Luego, cuando
empiezo la etapa experimental, puedo
durar seis meses dedicado solamente
a eso. Es algo también que yo tuve que
construir un aparato para yo hacer esa
técnica fotográfica que yo llamo “El sistema
Prandi de fotografía experimental”. Es una
fotografía de taller y laboratorio, no una
fotografía cotidiana de salir a un sitio a
hacer fotos
Titulé “Metáfora” a las tres obras con las que
estoy participando en este Concurso. Las
llamé así porque veo varios mundos en esta
foto. Yo, las cosas del cosmos, lo terrenal,
los misterios, yo cuestiono los misterios.
Albert Einstein dijo: “Lo más bello que
podemos experimentar son los misterios.
Es el acto de toda ciencia verdadera y todo
arte”.
Como él agrupaba esa ambivalencia de arte
y ciencia. Y a mí esa frase siempre me gustó
mucho, siempre la recuerdo. Entonces,
al permitirme descubrir y explorar esos
mundos, por eso esta pieza la titulé así,
“Metáfora”.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conFreddy pérez
128 129
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Maurice Sánchez santo domingo, 1972
“ la caoba, hoy el Árbol nacional
de la república dominicana, ha
sido usada para diversas prácticas
utilitarias desde tiempos prehispánicos.
con Bosque tallado evalúo la accidentada
historia del “mueble criollo” o vernáculo y la
situación actual de nuestros bosques. esta es
una conversación que inicia con el duho taíno y
la llegada de colón, continúa con el comercio de
madera con europa y nuestros años de abandono,
desconexión y desfase. apunta a la era republicana y
sus promesas, la era de trujillo-balaguer y ahora la llegada
ilumel e ikea. una canción de despedida para nuestros
recursos naturales y para el mueble criollo, un adiós para la
víctima y el verdugo.
como artista exploro y trabajo varios medios, desde piezas
gráficas, fotografía e instalación. soy diseñador de productos,
diseñador gráfico, fotógrafo y publicista. me apasionan los temas de
identidad, lo ‘dominicano’, sabiendo que ambas cosas no son estáticas
ni absolutas. parto siempre de la observación y la curiosidad, voy a
lo documental, a recolectar datos y generar información. me gusta
conocer nuestras costumbres, símbolos, técnicas, materiales y
representaciones porque siento que ahí estamos, en lo que se
ve, todas estas cosas son mi lenguaje. me gustaría pensar que
mi trabajo habla desde un punto de vista lúdico, con juego
y con humor, porque siento que así somos y que así nos
entendemos mejor. busco más que encontrar respuestas
generar nuevas preguntas a través de la celebración
de lo ‘nuestro’, lo de antes, lo de hoy, lo de mañana y
como se relacionan estos tres planos. ”
Es artista visual y fotógrafo. Ha
formado parte de los colectivos
artísticos “Shampoo” y “Biscuit”,
con los que ha participado en
exposiciones en el Museo de Arte
Moderno de Santo Domingo,
República Dominicana; Trienal
Poligráfica de San Juan, Puerto
Rico; Museo de Bellas Artes de la
Habana, Cuba; Brooklyn Museum
de Nueva York, Estados Unidos,
entre otras. Ha organizado
las exposiciones Arte Urbano
Sarmiento y Típicográfico junto a
Modafoca, y Gráfica Independiente
Dominicana, junto a Rossy Ramos
y Ángel Rosario. Actualmente es
director creativo general de la
agencia publicitaria Capital DBG.
maurice sánchez
Bosque tallado 2014 madera torneada 500 x 550 cm
131130
a dialogar diversos intereses que tengo,
como el tema del diseño industrial, diseño
gráfico, la comunicación o la publicidad,
el arte en general, la expresión. Uno va
transitando de cosa en cosa.
En algún momento hice algo con una silla
de plástico, porque me llaman mucho la
atención y es parte de este mismo discurso
la presencia de este objeto. ¿Cuántas
mecedoras se van perdiendo y cuántas
sillas plásticas se van acumulando?
Lo que significa que deje de haber una cosa
y haya otra. Lo que pasa cuando se apilan
todas estas cosas. Son muchos temas al
mismo tiempo, y uno en el tiempo que le
queda va buscando la forma, no de intentar
buscarle una respuesta, sino quizás lo
contrario, plantearse más preguntas e ir
moviéndose por la curiosidad.
Viendo qué pasa con eso y pasando de un
sitio a otro, viendo lo que hace la gente en
la calle, lo que está pasando todo el tiempo
alrededor de uno, y viendo también cómo
las cosas van caminando, y qué dicen esas
cosas y qué no dicen.
En lo expositivo he participado, como
miembro del colectivo Shampoo, en varias
Bienales Nacionales, y con otros colectivos
también. Por ejemplo, en la Bienal 2005,
hicimos una pieza que se llama “La plástica
dominicana”, que era precisamente un
montón de sillas plásticas apiladas que
magnificaban eso que sucede en un
colmado o en una casa, que apilan tres,
cuatro, diez, doce sillas. Esto, intentando
llegar a una dimensión muchísimo mayor,
y viendo qué pasaba cuando se apilaban
todas esas sillas y cuál es el planteamiento
plástico, valga la redundancia, qué deja esta
obra al final, el mensaje.
En otro momento, trabajando con Engel
Leonardo, hicimos una pieza de cerámica,
un ‘bicuí’ en forma de ‘picapollo’
abierto. Viendo también cómo otro
producto de fabricación artesanal,
de fabricación vernácula, que
Háblanos sobre tu formación como artista
y los escenarios en que has mostrado tu
obra.
Soy diseñador industrial. Lo que me llamaba
la atención del diseño industrial era,
precisamente, el diseño de muebles. Soy un
apasionado del mueble. Me gusta mucho el
mueble, investigo mucho sobre el mueble
y, sobretodo últimamente, sobre el mueble,
la vivienda, todo lo que tiene que ver con
el entorno local, el mueble del trópico, el
mueble del Caribe.
Lo vernáculo es otra de las cosas que
siempre me han interesado, ya sea en
el mundo gráfico, en el que también me
desenvuelvo, fotográfico... Investigo de las
cosas que hace la gente en su entorno.
¿Cómo la gente visualiza un letrero?,
¿cómo visualiza una casa?, ¿qué es
para una gente una silla?, ¿qué
significaba una mecedora y por
qué ese objeto deja de existir en
esta sociedad?, ¿qué perdimos
con la mecedora?
Todo ese tipo de
conversaciones son
cosas que de alguna
manera me llaman
mucho la atención,
me generan
mucha
curiosidad, y
son cosas
que
ponen
antes ocupaba el centro de todas las mesas
dominicanas. En aquel momento con un
tema más tropical como una canasta de
frutas, un aguacate, un tomate, cómo
hoy, ese centro de mesa, y la cerámica se
cambió por foam y el contenido de frutas se
cambió por pollo frito y por tostones en un
sitio que hace tanto calor.
Cómo una cosa pasó de ser centro de
mesa a ser el nuevo centro de mesa. Es,
básicamente, ese tipo de cosas. Hay otro
proyecto que también, en su momento, fue
muy enriquecedor. Fue el de “D’ La Mona
Plaza”, que fue para la Trienal Poligráfica de
San Juan y después estuvo en el Museo de
Brooklyn y varias veces en otros puntos del
país también se ha exhibido.
El tema era la migración dominicana en
general, y nosotros íbamos de Santo
Domingo a Puerto Rico, el tema obligatorio
iba a ser la migración dominicana. La
obra tenía que ser gráfica y ninguno de
los miembros del colectivo, de manera
particular, porque todos transitamos obra
gráfica, pero de manera diferente.
Entonces, decidimos hacer algo que
no hiciéramos ninguno de nosotros y
comisionamos a una firma de arquitectos
el diseño de un parador en el Canal de la
Mona. O sea, una “Plaza Jacaranda” en el
medio del agua, donde los dominicanos,
en el medio de su trayecto de República
Dominicana a Puerto Rico, iban a poder
parar y hacer cosas.
Eso lo llevamos un poco al medio
publicitario, hicimos una página web,
sacamos una línea de teléfono, pusimos
una contestadora, publicamos un anuncio
en los clasificados del periódico, porque
fue para lo único que nos dio el dinero, y al
otro día nos dimos cuenta que eso fue una
noticia de primera plana de Diario Libre;
que también dejaba ver muchas otras capas
temáticas que no eran ni siquiera las que
estábamos entonces...
Pasó eso. Se abrió esa conversación de
qué pasaría si una compañía o alguien
decide poner un parador en el Canal de la
Mona. Y ahí tuvimos, desde la compañía
de teléfonos que quería que sacáramos
una línea de teléfono, hasta empresarios
turísticos interesados en alquilar locales,
Adriano Miguel Tejeda comentándolo en su
programa…
El otro, que está ahora en Telemicro,
también comentándolo en su programa de
muchísimas maneras. Fue súper interesante.
Eso nos dejó a nosotros una cantidad de
contenido, o sea, el video que recuenta
el proyecto es un video extenso, lleno de
cosas, y eso dejando fuera muchísimas
opiniones que nosotros recibimos vía
correo, vía llamadas, y que la misma
publicación de la noticia de Diario Libre
generó. Esos son proyectos por momentos
que a mi me parecen que se ha aprendido
mucho de ellos.
Háblanos sobre tu obra del XXV concurso
de arte eduardo león Jimenes.
La pieza se llama “Bosque tallado”, y tiene
un poco que ver con dos cosas: toca el
tema ambiental, el irrespeto al medio
ambiente que tiene un país que lo único que
tiene es su medio ambiente, que no debería
tener ninguna otra cosa; y, por otro lado,
trabaja también sobre el tema del diseño
vernáculo, cómo nosotros visualizamos aquí
esos objetos, en este caso muebles, y cual
ha sido la historia de eso que comienza
con la explotación del medio ambiente,
de lo que hoy es este país de parte del
conquistador, y el mismo conquistador
importa un modelo de mobiliario que es el
que se queda aquí hoy.
Uno ve una silla Acapulco, y uno ve una
mecedora de aquí y uno dice: “Allá hace
calor, en este sitio no sé exactamente qué
es lo que pasa, porque aquí el miedo al
vacío, la cantidad de detalles que tienen
que tener las cosas... Yo siempre he dicho
que si se tiene que resumir la idiosincrasia
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
Conversación conmaurice sánchez
134 135
de este pueblo completo en una sola
palabra, la palabra sería “pretender”. Y si es
dominicana, la palabra sería “privar”.
Entonces, siempre es algo que parece
que es otra cosa. Eso venía con el tema
del mueble republicano, cuando la gente
aquí empezó a salir de la “olla” que se vivió
aquí tan grande, se vio y dijo: “Mi casa
tiene que parecer otra cosa. Vamos a darle
importancia a como se ve lo de adentro”. Y
de esa personalidad todavía queda hoy, esa
cultura de fachada. Uno entra a una casa
que es del tamaño de un closet, pero esa
casa está llena de cosas al punto que no
cabe ninguna otra cosa.
Y hay muebles que no pueden faltar, pero
que no es un tema de funcionalidad, sino
que no pueden faltar porque es un tema de
representación. O sea, aquí tiene que haber
un mueble para la televisión. La televisión
es gigante. Ese mueble tiene que tener
unos adornos, ese mueble tiene que tener
esto, aquí tienen que haber cuatro sillas
alrededor de una mesa, aquí tienen que
haber una serie de cosas que, no sé, pero
los suecos no tienen ese problema.
Los suecos dicen: Bueno, si el espacio es
este, aquí tenemos que comer, dormir,
etcétera, aquí vamos a tener esto, aquí
donde se come se duerme, donde se
duerme se come, la cama se convierte en
una cafetera. Pero aquí no. Aquí es como
que tenemos que tenerlo todo. Todo tiene
que ser de caoba, porque lo de caoba es
lo aprobado, lo que tiene casi dos siglos
aprobado.
Y tiene que tener esta forma, porque esta
forma aunque no concuerda con el día de
hoy, sigue siendo lo que ‘representa’. O sea,
si alguien se pone a ver la silla presidencial
de este país, parece que fue, de verdad, la
primera silla presidencial de este país. Y
todo ese caso de una silla que viajaba de
un sitio a otro.
¿A quién se le ocurre montar una silla en
un helicóptero y llevársela para un sitio,
si en el otro sitio hay sillas? Es ese tema
de representación y de esa búsqueda. La
silla presidencial de este país y una silla
de Villa Consuelo no distan mucho. No
distan en hechura, no distan en factura, en
imagen; y las dos representan lo mismo,
el que se sienta en una silla de las otras se
siente también como que el es el dueño
del universo, que el está bien, que a todo el
mundo nos está yendo bien, y que este país
sigue en el trayecto del progreso.
maurice sánchez
Bosque tallado 2014 madera torneada 500 x 550 cm
137136
soraya abu Naba´a
Yoel bordas
carlos de león
Polibio díaz
evelyn espaillat
Marie Jiménez
Hulda guzmán
sayuri guzmán
citlally Miranda
Jochi Muñoz
raquel Paiewonsky
david Pérez, Karmadavis
José Pión
Francisco (Pancho) rodríguez
Juan Zapata
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesopiniones
La edición de este XXV Concurso ELJ, de la que fuimos todos testigos es extraordinaria. Una de las mejores ediciones que se han realizado, a mi juicio, en los últimos años del concurso. Se advierte el gran trabajo que realizaron los curadores del concurso, una exquisita selección de jóvenes artistas que mostraron la polivalencia y riqueza de nuestro arte contemporáneo, la cual puede ser apreciada en esta muestra; un montaje excepcional acorde a los nuevos tiempos y acorde a una generación ávida e identificada con el arte contemporáneo. Muy acertado el cambio de sala, importante innovar y transformar las propuestas, como lo es el arte mismo.
tHelMa leoNor esPINal, artistadirectora de la escuela de bellas artes de santiago de los caballeros
El conjunto de obras recibidas en el XXV
Concurso Eduardo León Jimenes confirma la voluntad
de poner en evidencia el arte como conductor de reflexión y
pensamiento, pero también como hilo que se extiende de lo individual
a lo colectivo, de lo psíquico a lo social, utilizando todas las herramientas
semánticas del arte actual. El despliegue de las obras muestra una libertad de temas
e inquietudes en el mundo de hoy y de aquí en República Dominicana; como los sueños, la
diversidad de identidades y de clases, de género; siempre con un coqueteo inteligente entre lo ideal
y lo real, la aventura y la angustia que quedan por resolver en nuestra trayectoria terrestre.
Este XXV Concurso conjuga perfectamente las investigaciones y las expresiones artísticas del momento:
instalaciones, video, fotografía, pintura, dibujo, un conjunto comprometido en señalar las alarmas que nos invitan a re-
cuestionar la humanidad en este siglo XXI.En este sentido el Concurso cumple con el destino del arte, poner en evidencia a la
ciudadanía los miedos y las esperanzas con un llamado óptico a la conciencia.
delIa blaNco, crítica de arte y literaturainVestigadora sobre las artes del caribe
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soraya abu Naba´a
Yoel bordas
carlos de león
Polibio díaz
evelyn espaillat
Marie Jiménez
Hulda guzmán
sayuri guzmán
citlally Miranda
Jochi Muñoz
raquel Paiewonsky
david Pérez, Karmadavis
José Pión
Francisco (Pancho) rodríguez
Juan Zapata
Fiel al constante proceso de evaluación del concurso, en esta veinticincoava versión se han realizado cambios importantes, tanto en las bases, en la forma del montaje, como en las características del programa de formación continua. Entre los temas que llaman la atención están, la nueva forma de selección de obras, en base a un texto justificativo e imágenes que debería contemplar una mirada más concienzuda a los procesos y obras de los artistas; la escasa información sobre los criterios utilizados por el jurado, tanto para la selección como para la premiación; y que casi en su totalidad, la muestra gire en torno a la problematización del arte, por ejemplo: “la capacidad crítica y creativa son los valores a defender…” (Laura Castro), “…he estado investigando abstracción, la relacionada con el arte minimalista y conceptual…”(Gustavo Peña).Algunas obras, seleccionadas de forma independiente, deberían hablar por sí mismas pero en el montaje se muestran como una instalación, como las exploraciones de Gustavo Peña o las tres fotografías de metáforas de Freddy Pérez, que dejan fuera la mesa con equipos. Por otro lado, las dos obras de Mónica Ferreras parecen pertenecer al mismo conjunto.Es destacable el hecho de que las obras no pueden encasillarse en tipologías artísticas, quedando los medios rezagados a herramientas de comunicación. Un excelente ejemplo es la obra “Siboney” de Joiri Minaya, que si bien está catalogada como performance, utiliza la pintura y el video como medios expresivos.
MIgUel rIVas, arQuitectoartista Visual y gestor cultural
Un Concurso para la historia. El Centro León muestra los
resultados de su concurso de arte. Son obras que se inscriben
en lo mejor del talento dominicano de las últimas décadas. Un esmerado
trabajo de curaduría acompaña el evento.
lUIs beIro escritor y periodista
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesopiniones
140 141
their initial project included the creation of a space to exhibit and offer accessibility to the public to the works of art that were awarded in each edition, longing that was fulfilled in 2003, when the león family presented the nation the centro cultural eduardo león Jimenes, our host institution tonight.as in every edition of this contest, our first thoughts go to our artists, who once again believed in us and in enthusiam attended the appeal to partic-ipate. our appreciation and sincere gratitude to the careful and responsible work of the jury con-formed in this twenty-fifth edition by andrea giun-ta, sofía Hernández chong cuy and Jorge pineda.to significantly commemorate this very special fiftieth anniversary, the león family, through the Fundación eduardo león Jimenes and the centro león, wants to pay a solemn tribute to the artistic community of dominican republic, which in the past fifty years of cultural life, had managed to in-form our days and nights with their creations, so vital for collective and personal life of dominicans.to celebrate half a century of creation, of lofty as-pirations and experimental art in our country, cen-tro león opens tonight a new version of its per-manent exhibition Genesis y trayectoria.For the first time, in this new exhibition proposal we undertook a museological participatory pro-cess, which incorporates multiple exhibition re-sources in its curatorial and museologic perspec-tives in order to establish interactions and dialogue with the publics that visit us. the new museology of the centro león aims to make accessible and pedagogical the approach to the artistic intent, using multilingual and multidimensional ways to discover and experience art.For its conception and design, we heard the voices of scholars, artists, educators, and staff, in order to deliver an exhibition that encourages different guises to dominican visual arts, taking into account the various social, cultural and political contexts in which it developed.We hope Génesis y trayectoria comes across not as a mere exhibition, but an experience, an encoun-ter with over 50 years of dominican and carib-bean culture, as well as universal. the exhibition includes a selection of works from the colección eduardo león Jimenes de artes Visuales that has been forming since 1964, with participant works
in the concurso de arte and pieces donated by artists and collectors.
at the same time, we are opening a vibrant temporary exhibition that contains artworks
selected and awarded in this twenty-fifth concurso de arte eduardo león Jimenes.
To FosTEr THE gEnEsis, THE ConsTruCTions, THE PATHs, THE rEFLECTionsspeech delivered by maría amalia león de Jorge, director of the Fundación eduardo león Jimenes and centro león, in the inauguration of the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes. Centro León, Santiago, October 16th, 2014
i want to talk to you tonight, a night in which we celebrate life from the perspective of culture, as Victor Hugo spoke about paris: art is always show-ing its teeth; when it is not scolding it is laughing.today, with the twenty-fifth edition of the concurso de arte eduardo león Jimenes we commemorate 50 years since its first edition in 1964, an event that has become unavoidable for the community of artists dominican republic.in its relentless pursuit of freedom, in an existen-tial challenge that allows them shudder, transcend
and transform, dominican artists, generation af-ter generation, have in the successive celebra-
tions of this event, cultivated the genesis, the constructions, the paths, the reflections and
the ruptures that have defined the do-minican art in recent decades.
this contest arises from the vision and commitment of the león asensio
brothers and sisters, who had the awareness to promote, through its
business initiatives, a framework for encouragement and ap-
preciation of the dominican artists’ creativity.
an exhibition that is an energetic and exceptional caribbean space.Finally, i want to express our deepest gratitude to the cervecería nacional dominicana and to the banco bHd león for the valuable and sustained support for the celebration of this biennial com-petition. thanks also to the cisneros Foundation, especially to mrs. patricia phelps de cisneros and the city of cadiz, for their support of art and do-minican artists. to our colleagues from the centro león, i want to express our deepest gratitude for their dedication and hard work in delivering an edi-tion of the contest with rigor and professionalism.We have learned from the history of this art con-test that the key of the caribbean region to assume with such dignity and splendor the rigors of its cli-mate, lays in the beautiful flexibility of their palm trees. this contest has preserved its vitality and force precisely because throughout these five de-cades it has been taking into account the changes in the arts and culture. also, i want to express our undying commitment to the arts in this country, on behalf of the third and succeeding generations of the león family. Honors to the creators, honors to those who have been the cultural light for this na-tion. the great teacher of teachers, Fradique liz-ardo, whose archives were generously entrusted to centro león, once wrote: “...there a word, here a habit, how to prepare a meal, a peculiar form of drumming, singing styles: everything must be an-alyzed, analyzed with much work, effort and ded-ication, because it is an important national task.” it was while reading Fradique i could understand those Jorge luis borges’ verses that started stat-ing “no one is the homeland.” thanks, Fradique, and with you, to all our artists and intellectuals, for showing that is true, that “no one is the home-land” because homeland is what we do in it, what we do For it and what we do oF it.
DiALoguEs WiTH THE JurorsJury members of the XXV concurso de arte edu-ardo león Jimenes made two trips to centro león and stayed there for two weeks. these dialogues happened in those periods.
andrea giuntaandrea giunta (argentina). Writer, researcher and curator, andrea is the director of the center for latin american Visual studies (claVis) and the seminario permanente en arte latinoamericano. art History professor, she directs the latin-ameri-can art and History of the arts department at the university of texas in austin. she is the author of
numerous publications among which are: Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y lati-noamericano (2011), Objetos mutantes. Sobre arte contemporáneo (2010), Poscrisis. Arte argentino después del 2001 (2009), Vanguardia, internacio-nalismo y política. Arte argentino en los años se-senta (2008, trad. al inglés en 2007, 1ª ed. 2001), she also edited El Guernica de Picasso: el poder de la representación. europa, estados unidos y américa latina (2009).
journeys oVerride any mental representationsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.as in many of the instances in which a jury meets coming from different backgrounds and different spaces this implied a process of engaging between the jury and a number of works that are presented to the contest. and above all, this edition meant establishing a dynamic communication amongst the jury. We develop an area of ideas debate, of expansive notions, to develop a decision-making process which will then be agreed. it represent-ed the challenge of meeting new people who will act as jury with you, and at the same time, to get to know a number of works by dominican artists.What one always experiences in these situations is the desire to go and see all these artists, not just study a dossier. but many of the proposals were projects, i.e. works that are not really there but that will be executed if selected, so the procedure is appropriate to the circumstance that will char-acterize the event.and it is appropriate for me too. i am a professor of latin american art at the university of texas at austin, and at the university of buenos aires. so, i’m a writer, curator and a researcher. but as a researcher and teacher having the possibility of being in a country of latin america, of the caribbean, which, from buenos aires, we culturally don’t know much, it’s a great opportunity. it is very positive that we have the space to do so. i have documented everything and that documentation i will share in the class that i have next Friday, and i will tell my students what i saw, how was the contest, i will explain some works.and that dissemination of ideas have no immedi-ate effect, but in the long term, will allow these students in the future to define research topics for their masters and doctorates from buenos aires, and perhaps consider the possibility of doing a job research on the caribbean, in the dominican re-public, about an artists who they in met in class.
XXV concurso de arte
eduardo león jimenes
English translations
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so these are effects in the long term that are col-lateral, one cannot expect immediate effects, but in this way it contributes to all we want, which is the art of latin america and our country to be known outside of its frontiers.
There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?let’s say that one of the ways in which one evaluates the criterion is the extent of the jury selection. so i would not say there is a way to understand the selection. rather there is an arc of proposals. However, one does find on a recurring basis, and i think it this is very interesting, a concern in thinking the condition of island, the status of the caribbean, thoughts on the condition of its boundaries, notions about cultural elements like specific eating habits, specific architectures, stereotypes from which the dominican republic is seen from abroad; and disarray those stereotypes.We are talking about young cultivated artists with a deep knowledge of the history of universal art, that are not doing an artwork in isolation, but from the understanding and dialogue with other languages, other constructions. these are artists who explore the relations with diasporas, i.e., the people who stays and who goes; and how they see each other, and how it is impossible to fix them in a single image, because neither one nor the other remain the same during the time when they are apart. nor, when the people that left comes back, will find what they left because journeys override any mental representations and all experiences. then, we could see works that deal with these experiences, artworks that deal with language, with a formal language that seeks to tie some magic, seeks to impact on perceptions of the viewer, languages that are based on abstraction, but going towards emotional perception that involves the body. in many of these artists there’s the idea almost of sacrifice. sacrifice of the artwork, sacrifice of their own body. they take the body to the limit of the experiences, take it to the edge. there is a sense of compromise. that’s something that you see on the artists. You can witness a great deal of compromise, to push the boundaries of their own body. there are artists who experiment with light, that experiment with photography. You see artists that take on construction methods of woodwork and position totemic forms. artists who take on the popular sayings, the caribbean and dominican wisdom; and that also continue their own history, their own biography, their life experiences, their own
records; the archives filmed of their own life, built with loving family. they also take on the gastronomy, the specific food; that is, there is a tour of a number of issues that have to do with universal languages and the caribbean own languages.there is a color that calls the attention of a person who comes from a city like buenos aires. but, it is not isolation. contrary to what i know the dominican artists may feel, a sense of isolation, i see artists who are not secluded. they may feel they do not have the resources to be on the international stage, but they are for sure in a dialogue with the international scene.
What would you say about the professional life and work of contemporary artists?that is difficult. it is very difficult everywhere. and i think one of the works that are exhibited in the contest shows how difficult it is. and not for the fact of living in new York, or live in berlin you have guaranteed access to the global art world. some-times things occur unexpectedly. However, i be-lieve that both artists and what constitutes the art world and that has to do with historical research, with writing on art, with the curatorial practic-es, with the ways of thinking the relationship be-tween the works; i think there are jobs that are ap-parently not very developed yet, but you have to give them momentum. because, we are not talk-ing about a single artist alone in the world. it is an intellectual community, a community of those who love art and feel gratified with an exhibition, people that are not necessarily collectors.the general audience is also the owner of all art-works. and if those networks, say, people who con-form the art world began working intertwined, that would give more possibilities for art to be known abroad and for artists to have more access and more fluid channels to flow in the international art world.
How do you understand that the artistic work and these spaces like the Contest influence in promot-ing the development of any nation?evidently, in the world in which i have always worked we don’t think the technocratic models ensure the development of any country. i think education is the starting point. that is, to the extent that people are better able to understand their can find ways to make their convictions. likewise, i believe that art is fundamental. and that to incorporate teaching about art, contact with art since elementary school, from primary school, is fundamental. because, in an artwork, what happens is not only what is represented, or what is on the wall or what is in the space. in an artwork a world is compacted. that is, there is a
universe of experiences, individual artist experiences, collective experiences, relationships with space, dialogue with art history, dialogues with national and international literature; it’s like it clenches, as is becomes a capsule. that is there. it is in space, is on the wall, is a thing, it is something that exists.each person approaches an artwork with its own sensibility, or an informed sensibility; i.e., their tastes, preferences, but also with knowledge, knowledge of that artist, and knowledge of how that work was generated with all the elements that provides the pedagogical structure of a museum, all these ele-ments make its world detonate. that is, to open, bursts, multiply and expand. it is like to put those compressed wipes that inflate in water.and that work becomes hundreds of works. it is no longer the artist’s work. it is the work of all those who confront the work. so i think the work has a concept of the comprised world, the possibility that gives people to access that world is a privi-lege for knowledge. i give much value to sensibil-ity. i think that a country will not develop techno-logical or industrial resources without sensitivity. a sensitivity that is at the same time a social sen-sibility, a sensibility that is an emotional sensitivi-ty, and also an aesthetic one. and that working in all these areas in a coherent way, thinking on mu-seums, thinking on exhibitions, thinking on how to create good conditions for artists and the au-diences, is part of the growth of a country. and no freedom is won, no future conquest, without art. so for me it’s a piece that is part of a com-plex system, but it is indispensable.
soFía hernández chong cuysofía Hernández chong cuy (mexico). sofia is a writer, curator and a traveler. since 2011 she is the curator of contemporary art of the patricia phelps de cisneros collection. between 2000 and 2001 she was the director of the museo tamayo in mex-ico city and held various artistic curator positions in art in general and americas society both insti-tutions in new York city. she has worked as part of the curatorial team of documenta (13) in Kas-sel, germany. since 2009 she is part of the council of the Kunstverein in amsterdam. Her texts about arts and culture are regularly published in maga-zines and catalogues worldwide.
the construction oF collectiVe meaningsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.it seems to me that the jury, at least in this year’s
edition of the contest had two moments of work: two stages. one of it was to have made the selection of the artists who participated in the contest, which comes with its own challenges. the second step is to have had the experience of seeing the work executed in the exhibition space, which presents another type of situation or conversation, at least among the jury, which must be generated with different criteria. i think the challenge presented in the first stage, which is in the selection of artists is the real test of many of these calls. that is to really know the work, or understand the work, from a series of digital slides and information submitted in an application request. i think the challenges that this presents, which is to review a great number of portfolios some better developed than others, which doesn’t mean that the artwork or career, or that the problems in question developed in an art form, are better or worse. simply that the portfolio has been better or worse prepared. so i think that the challenges that a jury confront are, first, to understand that not all artists know how to make a good portfolio. and one must, to some extent, append it as a judgment or criteria to reach a judgment to understand the work or to venture into the work. and moreover, it is also clear that after the issue of whether the quality of the portfolio is good or not it’s reintroduced, precisely from the execution of the work that was there. there is one issue of meritocracy that leaks your selection, even thou we were less or more interested in use that as one of the selection criteria. so i think the main challenge has to do with being able to make sense of information rather than works. information that is a portfolio or an application, and that is not the experience of the complete work of art or an artist.so i think that to make sense of the information, which is made or presented, with better or less quality is an issue of this, and all other competi-tions that are based on call. the challenges of the second stage are different. the exhibition pres-ents the work already developed, or at least some of them still at the beginning of the installation, but that will end its installation for exhibition. so i think there are more challenges, at least in the con-versation between the jury on how to also avoid the issue of taste to really focus on the issues that make the work important or relevant today.
How was this process of selecting which went from 141 participants to decide the final choice of 14 artists?i think each of the jurors individually analyzed. each juror analyzed portfolios, and everyone pre-sented a group of artists who they wanted to talk
144 145
more about, to take it from there to make a short-list of artists to participate in the contest.then, on the one hand there is an individual anal-ysis made based on the portfolio, a shortlist that everyone presents so that the time that we as a jury have to talk, to converse together, is one spe-cifically targeted on those artists who in principle we are intrigued by, or whose work left something to talk, to draw together a discussion of this work.
There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?it seems to me that several of the works in the ex-hibition, as well as in many other competitions, are a broader indicator of the dominican art scene, and that shows the presence of the body or the interest in the performance as one of the medi-ums or ways in which contemporary art is devel-oped nationally, is important.i think that not only this exhibition includes sever-al works that involve performance or action, but if you analyze the history of recent competitions in recent years, you’ll see that there is also great interest in the event or body as their own materi-al for development of the work. i think it’s one of the interesting aspects in the production of na-tional art: the place of the body.
What is your opinion on the Dominican contem-porary artistic production?i think there are many ideas that are being worked. indeed, not only because it is performance, albeit a pictorial or sculptural work, clearly there is great interest in processes. and i think that conceptual and technical processes are part of what can be seen in the exhibition right here at centro león.i think that is associated with much broader phil-osophical concerns, and that has to do with want-ing to be in relationships rather than in isolation, and that’s a collective construction of meanings rather than individually.
In an interview that was published in a contempo-rary art magazine, you stated that: “Collectionism has to operate today and have a look to the fu-ture.” Could you elaborate more on this regard?in the context of that interview, i precisely stat-ed that because i focused to a whole develop-ment on the importance of being acquiring or developing acquisition proposals from commu-nities of thought, rather than just certain figures in art, certain artists.
then, it was seeing groups of artists who are working, or group of ideas that are being put into work, instead of following the trajectory of just an artist and collect his or her in depth. the way in which, somehow, we are developing the work with contemporary art at the patricia phelps de cisneros collection is from thought communities, groups of artists who are working and are already dialoguing together for years. and its artwork is obviously responding, sometimes, to certain shared themes, certain processes that are also shared; everyone doing it in a singular way, but not without seeing that in the future one have to make sense of what is being created, will be from communities of thought and not, as i said, in isolation.
You have any other comments about the whole experience of having participated as a juror in the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes?it seems to me, as a juror, that this is a great op-portunity to realize what is happening here in the arts. the call, like you said, and requests or ap-plications that are received as portfolios are vast. it’s a big number.that can give you at least an overview of the ar-tistic concerns; and also, for someone like me who does not live here, give an introduction to some of the artistic concerns and some of the artists who are working and whom i should look at be-yond my work as a juror.
jorge pinedaJorge pineda (dominican republic).Visual artist. Jorge studied architecture in the universidad autónoma de santo domingo and lithography in the bordas workshop in paris, France. in 1985 he made his first exhibition in the galería de arte nouveau. From then on he has exhibited individually and collec-tively in numerous exhibitions in dominican repub-lic, peru, France, spain, puerto rico, united states among other places. He has been the recipient of many prices for his creative work.
to rethinK our county From the artsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.i think this is a challenge of joy. First, because it means to engage in a series of reflections on what the system of art is, what is art, and how artists develop and produce from here. and i as an art-ist i’m asking questions and learning a lot from this process.i think, for me personally, it is an ideal situation.
it has been a joy. it doesn’t generate anguish; in-stead, it generates the excitement of the learning process. and that always gives pleasure.
How was this process of selecting which went from 141 participants to decide the final choice of 14 artists?it was a very arduous process. Very hard physical work that requires time and space to read the pro-posals and to give each artist the space and re-spect it deserves because he/she has been work-ing on this or that project.i’ve had some exceptional work colleagues as it happened the last time, and that obviously makes any process easier. because while we may go in opposite directions, at the time of reaching con-sensus, you are entering into this process of knowl-edge of how today’s projects, how the artist en-ters a dialogue and ask the right questions about what is happening around them. it’s great.
There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?When you see the exhibition you will find very different discourses. However, when you try to find a narrative within the exhibition, there are a number of connections and common points in a panoramic way, you get a view of what is happening in the country not only at the artistic level, but what is happening, which is the essence of art because you questions from art, give an explanation of the world, of what is happening in dominican republic and in relation to the entire planet.that particularity to rethink our country from the arts, i think art is a wonderful advantage, the same way we raised questions from literature, or it is stated from politics, to revisit that and question it and learn from another perspective broadens our horizons to us all and that’s fantastic.
Discussing the same point, the rethinking, and ba-sed on your experience as an artist and lived as a juror in this opportunity, what would your opinion be about the professional life, the work done by contemporary artists in our country?i think that according to this contest, there is a level of commitment and honesty that is imprinted in a very impressive way in the exhibition. i am very happy for the formal quality of the works, but what i love is how formal quality accompanies a deep, purposeful and challenging conceptual reflection. i think we’re in a wonderful moment for art.
You are an artist and have served twice Jury Art Contest Eduardo León Jimenes What happens in the transition from artist to Jury?First, it is a role with a huge responsibility. i think first, it forced me to understand something i had philo-sophically followed so far, that when i see works i don’t try as an artist trying to solve it, but try to get the joy and the world that is offered to me by the artist. so i think that reaffirm why this has been for me the greatest gift i have been given by the con-test, and what made me feel better than nothing.
ConVErsATion WiTH THE ArTisTsaccording to michael diers, “in the last three decades, the literary genre of the interview has grown unusually in the visual arts, and judging by the contemporary practice, we could consider it the favorite textual form of art criticism.” From the curatorial process and discussions with the jury, emerged a common concern about the lack of publications that focused mainly on the production of artistic and conceptual artists from their own perspective. We agreed that most art publications have a “panoramic” and historical tone, limiting its readers to assess the phenomena of dominican contemporary art production in its specificity and individuality. likewise, we recognized that most of these publications were made from the unique perspective of the art critic or historian who wrote them and often the artists themselves were not even consulted. Hence, we considered the idea of making the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes’ catalog from dialogues with selected contemporary dominican artists. the team of centro león had these conversations while the artists worked in their projects and artworks. Here, we quote the essential. this should not be taken as a starting point to approach their work, but as a way to continue to reflect with all of them.
laura castroSanto Domingo, 1982.graduated in Fine arts and illustration and Fashion design from the school of design at altos de chavón, la romana, dominican republic. she had complementary drawing studies at the cooper union, new York, usa and completed her degree of Fine arts in the universidad nacional autónoma de méxico (unam), méxico d.F., méxico. lives and works in santo domingo, dominican republic.
better. 2014Intervened wood furniture and photographicdocumentation. Variable dimensions
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artist statementthe interest in understanding the dynamics of the space i inhabit has led me in recent years to develop pieces that are based on a deep visual investigation of the space itself. Better is the result of an exercise in observation of the popular aesthetic codes that are manifest in architecture and urbanity, which i believe reveals important local sociological and cultural issues. it refers to an area of knowledge acquisition that explores and reassesses imitation as an elemental human instrument in the apprehension of their environment through furniture that would commonly acclimate reading rooms and libraries, whose surfaces will be pictorially intervened and the structure altered, imitating a selection of formal situations, common accidents and popular techniques that have been encountered and documented during many city and rural tours.
“understanding the sensibility, critical and creative capacity as values to guard in the social and cul-tural time we are living, my practice has as a start-ing point the observation and appreciation of my context. my production starts in every case from the exercise of critical thinking and the sensible appreciation and the physicality that the cultural conditions produce in my environment.”
conVersation with laura castroTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i started studying art in altos de chavón. i en-rolled in Fine arts and illustration, in a technical level there. Just finishing Fine arts and illustration, i studied Fashion design. then there was an ex-change with unam, in mexico, to finish the degree in visual arts and i went there. i went to mexico, finished the degree and spent three years there. in mexico i also started a master’s in critical the-ory. exhibitions wise, the most recent, last year i participated in the bienal nacional in a collective piece with engel leonardo. right now i’m work-ing for storefront for art architecture in a project based on the sociological changes that accom-pany the architectural and urban changes of mo-dernity and post-modernity.
How are your working processes and issues you work with?i primarily work in painting, in realism. most of my compositions are based on the objects i col-lect. For a long time i was interested in miniatures, and along with my theoretical research, what i did was to create metaphors of humanistic issues in a
very light way, in a suggested manner. but then, i returned to the dominican republic from mexi-co, and one walks around a little, and there is less miniatures and dainties than in mexico, i started collecting pieces of construction blocks and frag-ments of urban change. and little by little i be-came more interested in the humanity we can de-tect in urban spaces. to collect and paint.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is called Better. it began as a simple interest to imitate some local materials used in wooden furniture, and refer to the pretension and status of society. those are woods with not much value, and to imitate on them marble and other materials that have a certain status was a learn-ing mimetic exercise. it was an experience derived from observing my surroundings through imita-tion and creating an empathy with my habitat. it is still wooden furniture, on which i am imitating stone textures. i included a series of photos, which show the development of the whole observation i have been making over the years of my surround-ings, and i show that empathy with what i have around through exercises of imitation of specific things, architectural, urban situations, etc.
Then there is a background, not only social but of research in the process of the artwork.more than philosophical, i pretend it to be pur-poseful. i think i had a time of conflict with the fact of returning to my country, because of some issues of lack of options for people with cultural or intellectual interests. and at one point i decid-ed, to create solutions for myself. then, i see this piece more like that. that is why it is an empa-thy exercise. it’s like dropping this analytical atti-tude that remains in the critic and rather exercise its appreciation and learning processes. my visu-al research has already been on for 4 or 5 years.
Do you think that this work has a specific audi-ence to whom you direct the message, or this is for everyone to generate their own perception?Yes, it’s always great to speak to as many people as possible. but i think there are several things going on, because in a sense it deals with pre-tension; but in another sense it also deals with another kind of knowledge, which is not what is typically known as the acquisition of culture, but
a knowledge that comes along in a more essential way. and i thing that it’s possible to talk to any-one, at least i hope.
Fermín ceballosSan Cristóbal, 1978studied in the escuela nacional de bellas artes, santo domingo, dominican republic. His most re-cent solo exhibits are Sueños persistentes in la galería, altos de chavón, la romana (2014) and Perturbación in the centro culturar de españa, san-to domingo (2012). in the year 2013 he was part of several national and international events such as: the 11th World cultural art simposium, mosan art museum in south Korea, the bienal nacional de artes Visuales in santo domingo and the in-dependence do encuentro internacional de per-formance in puerto plata, dominican republic. He was awarded in 2012 with the second price of the concurso nacional de escultura luichy martínez richiez, organized by the French embassy in the dominican republic.
acción para buonarroti. 2014Performance
artist’s statementin my first year studying sculpture in the escuela de bellas artes i remember a quote of miguel Ángel buonarroti that was on the classroom wall: “every block of stone has a statue inside it and it is the task of the sculptor to discover it”. since then, i have heard and read it on several occasions. What if inside a stone there is no sculpture or simply the sculptor can’t discover it? What if he is not interested in discovering anything and without any other purpose rather than to chisel the stone, he persists until disintegrating it all, reducing it to a pile of small fragments, irrevocably annihilating the possible sculpture inside it?“For me, art is an existential refuge, only through this medium i can deal with the world, although i’m not sure if art is a way to contend my con-flicts or if it is the conflict itself… maybe both. i have always had diverse interests, a curiosity that leads me to experiment and explore possi-bilities, to practice different disciplines, techni-cal, formal and conceptual aspects of art. i can’t and i’m not interested on holding to a single dis-cipline, medium or theme”.
conVersation with Fermín ceballosTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i enrolled in the escuela de dibujo of the liceo musical of san cristóbal when i was thirteen, at the suggestion of sexfrain linares (a landscape painter that was friends of my parents), who saw
my ability and interest in drawing and stimulat-ed me and received me in his home to initiate me into painting.in parallel, i also enrolled in the school of the teach-er miguel mella. at that point my whole world was painting. at age 15 i joined the escuela nacional de bellas artes, where i studied from 1993 to 1998. in 98 i met thimo pimentel, with whom i took several ceramics courses and worked for several years in the igneri Workshops. i have subsequently taken sculpture, performance and print making cours-es, amongst others.but i’ve always considered crucial to the devel-opment of an artist the self-training and the abili-ty to unlearn everything you have been taught to find your own way of seeing and doing things, you have conflict, contradiction and denial of learning to consider its own possibilities. recently, i was in the “World cultural art sympo-sium” in the mosan museum, south Korea, carv-ing a block of granite. then in new York, i did a project of printmaking in coronado studio and later did an artist residency in altos de chavón, where in april of this year i presented the exhi-bition Sueños persistentes. i am currently in new York, making a printmaking residence by an invi-tation of Julio Valdez.
How are your working processes and the issues you work with?constantly i have the need to experience something new, so my processes always vary; i also work in various disciplines. it always depends on the dis-cipline and the characteristics of the work that i’m doing at the moment. in my painting, which is what i’ve always worked, there is a marked inter-est in the material and nontraditional techniques. in the performance there is always a strong inter-est in time and persistence.although i address various issues, my work in gen-eral is marked by and introspective character, we can say that in a thematic level is an intimate work yet universal at the same time, because it arises from my conflicts and personal reflections, but raises things that the viewer may also feel identi-fied or build its own history as a mirror in which everyone can see themselves reflected.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is conceptually based on a quote from michelangelo buonarroti: “every block of stone has a statue inside it and it is the task of the sculptor to discover it”. From that statement i made a series
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of questions in which i raise and explore alterna-tive possibilities to this statement. i am also con-cerned about the status of sculpture in the coun-try and this work somehow reflects it. the idea of streaming the performance live in the internet is because it was a practical way to follow the pro-cess in real time. it was not feasible to consider a work of this nature with the presence of the public. nor functioned as video or photo-performance be-cause the experience of the process was important.
Queury dicentSan Cristóbal, 1978dominican artist graduated from the universidad apec with a marketing degree. she works profes-sionally as a photographer. she was selected in the second concurso Joven de la imagen y Video of the centro de la imagen in santo domingo. cur-rently she is a member of colectivo charlie atlas.
mis dos yo. 2012-2014Digital photography 138.3 x 138.6 x 16.7 cm
artist’s statementMis dos yo tries to reveal a woman who does not know who she is or who she should be, shows the dissociation of herself in her eternal struggle to please a social network that requires her to look desirable, successful, wanted, sensitive, and a long list of qualities. Mis dos yo is a work that tries to portray the beauty cult and its social and psycho-logical implications. the human beings have de-veloped many techniques to ornament their bod-ies, however, since not long ago, there has been a development of a whole world of embellishment techniques that reinforce a philosophy of being beautiful to succeed and feel better about you, using established standards that change frequent-ly. at the end, you could say it’s a metered vani-ty that refers to an alleged success in any form.
“With my work i try to express just how i see the world, from my point of view, with its downsides and upsides, and i want to show how we inter-act with a society changing at a dizzying pace”.
conVersation with Queury dicentTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied marketing. i became interested in pho-tography through my husband, since he is a pho-tographer. through him i began to engage in pho-tography and art. i belong to a collective of artists.
i have had very few exhibitions. i was selected in the premio Joven de la imagen y Video of the cen-tro de la imagen of santo domingo.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is called Mis dos yo. it is a photography that was born from a very personal issue, that even-tually i discovered that it is a problem for many women in the country, not only in the dominican republic, but everywhere. in mexico and i real-ized that the issue is a little different, but at the end it’s the same. thus the photograph was done, from a problem in my home, in the workplace. it’s the fact that you have to physically change your-self to be able to grow or do anything. and it’s like a claim form to ask why? Why is this like this? Why do i have to change my personality? Why do i have to change my hair? i mean, i have this haircut because i’m independent now. but when i had to work, i had to wear my hair straight. that’s incredible. that’s what this work deals with. but the piece evolved, and not only speaks about the hair, the makeup, your personality, your nose, your eyes; that is, everything that has to do with your physical ap-pearance, it deals with the many more things that have to change. my works are usually self-portraits.
patricia encarnaciónSanto Domingo, 1991begun her studies in la ecuela de diseño of altos de chavón, la romana, república dominicana, where she got her title in illustration and Fine arts and an associate degree in graphic design. then she finishes her studies of Fine arts in parsons the new school for design, new York, usa.
el negro detrás de la oreja. 2014Digital photography, porcelain122 x 152.5 x 10.5 cm
artist’s statementthe project titled el negro detrás de la oreja aims to celebrate dominican culture, rejecting the racial and classist believes that exist in our country. the piece consists of a series of popular objects made in porcelain and photographic compositions based on popular sayings, a satire that aims to identify us as dominicans. therefore highlighting that nei-ther color nor social class is important to deter-mine our identity. the objective of transforming these objects that are considered “ordinary” into porcelain is to put them in a context that will add
the meaning and the importance that they really have in our culture.
“part of the identity of an individual is defined by externals factors, elements that have been de-marcated by the society and/or the environment to which the person has been exposed during its lifetime. For a long time i denied that part of my identity, which was defined by where i grew up, the dominican republic. after being decontextu-alized from that place, i was able to analyze my origins from another perspective and appreciate what i am: dominican. From the moment that i accept who i am and start the exploration of this part of my identity, i discover how i have dragged racial and class issues that have been inculcated by my own culture, that have kept me this whole time prejudiced, fragmented”.
conVersation with patricia encarnaciónTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.my education began in 2009 when i decided to go to altos de chavón. i studied there for three years, which are the basic, following Fine arts and illustration and then ended up with graphic de-sign. in the third year i got the chance to go to parsons the new school of design in new York, united states where i completed my degree. my professional development is still short but al-ways with the same enthusiasm from the first day i started chavón. i always had in my mind what i wanted. From the beginning i concentrated in fine arts, in the process i learned that the tech-nical means do not define you, your concept will define the technical resources you use. my work has been reproduced in various publications such as Zip magazine. i also had the opportunity to ex-hibit at la galería of altos de chavón, as well as in parsons the new school of design where i pre-sented my photography.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the title of my work, El negro detrás de la ore-ja, comes from the poem by Juan antonio alix. it deals with the criticism directed to the dominican people for their lack of appreciation of their roots. that is what has always interested me. i have not understood, i could not understand why we have such a lack of attachment to our culture. obviously, there are racial reasons, classist reasons for that.my work consists of photography and ceram-ics. the process started when i researched about
ceramics, how much it has influenced in the for-mation of different cultures. at the same time i found myself studying the problem of racism and the roots of our culture, and i saw the relationship between those issues.my studies about the representation of all the el-ements that form the foundation of our culture: african, european and aboriginal is also funda-mental. that’s where i decide to start the project El negro detrás de la oreja. When i tried to com-bine the research that i did, and the class and race problem, i was directed to the roots of the do-minican culture and its everyday items that many people consider ordinary.Food items, such as bananas, cassava. musical el-ements, such as the güira and the drums. reli-gious elements, such as the rosary… then i tried to take these ordinary items, based on my research on ceramics, re-contextualize and turn them into these objects.that’s my project. my project is the recontextual-ization through the media –ceramic being the me-dia- of these objects we consider ordinary. they are not ordinary; they are part of who we are. in summary, it is a series of five photographs of the pieces, based on popular dominican sayings and five pieces of porcelain that are: cassava, plantain, rosary, roller and comb, and rum.the reason why i visualized them in showcases is that if you look at your grandmother’s house, they will always have those mahogany cabinets with all the pieces of fine porcelain that nobody ever uses. i imagined those showcases as if my grand-mother had organized them, obviously not as or-nate. it’s like a part of our culture, everyone going to grandma’s sees that beautiful porcelain or pot-tery pieces in that glass-door cabinet. the goal i’m looking for with my piece is that peo-ple see these objects that we consider ordinary in a different context, and see them as this beautiful pieces that are part of us. they are not going to see it like a plantain, but as a piece of ceramic in a photograph, which has an aesthetic undertone. i do not know if i mentioned earlier the popular phrases that i am using. For example, in the piece of rum, the quote is: “there are no ugly women, only little rum”. that is my phrase, but it is a phrase that really is popular, but you see the picture, you see the title, and everything looks beautiful and so aesthetic, now you do not see that phrase “only little rum!” you see it as: “how nice!”. and it gives you it a new appreciation. that is the goal of my project; to give the public an opportunity to see those objects on another level.
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andrés Farías cintrón (Santo Domingo, 1985)graduated in literature from the universidad apec. andrés has a ma in Films, television and interac-tive media from the universidad rey Juan carlos, and a specialty in screenplay and digital Film-making from the escuela de nuevas tecnologías in madrid, spain. currently he is studying Fiction Filmmaking in the escuela internacional de cine y televisión of san antonio de los baños and is working in his first feature film, Candela.
Honeypot. 2014Black and white videoLoop projection
artist’s statementin my work i use the image as a critical vehicle that drags into the question the path we have chosen as an insular caribbean society in the XXi century, through the juxtaposition of fragment-ed images of the city, the countryside and the in-dividual. likewise, in my pieces i attempt to por-tray the dehumanization to which we are going trough, in addition to questioning the role of the artist, his creation and the reinterpretation of the image as an agent of social change and resistance through the absorption of reality and reinterpreta-tion. a kaleidoscope of symbols processed again and again, such as the constant barrage of fool-ish images in which we are immersed daily in the screens that surrounds us, increasingly articulat-ed as divine deities.
“i think that the ‘method’ of the artist is self-dis-covery and the means to achieve and master the medium is confrontation. therefore, i try to create pieces that address and challenge me to change the meanings, break realities and experiment free-ly. With each new piece i attempt to forge my own discourse and gaze, while establishing a personal and distinctive style and still remaining true to my values and principles. With my work, i try to disman-tle the chaos that seems to surround us, using the camera, the narrative and the experimentation to magnify, crumble and enhance the everydayness”.
conVersation with andrés Farías cintrónTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied advertising, went to madrid, spain, for a masters degree in television and interactive me-dia. i started to think of installations through in-teractive media. and from madrid, where i lived
for three years, i went to cuba, where i am cur-rently living. i study at the escuela internacional de cine in san antonio de los baños, specializ-ing in Fiction directing. it is a school that has a very particular way of teaching cinema. i have al-ways done fiction, especially in short films, and the shorts have been screened in national festi-vals in santo domingo. outside of the dominican republic i have been able to present my work in France (clermont – Ferrand), spain (madrid and barcelona), in cuba and uruguay.
Which issues are you interested in?generally, at least on a conscious level, what inter-ests me the most is the lack of communication of people in the insular territories, especially in the caribbean. although i will not necessarily repre-sent a fisherman in the sea, subliminally, i’m always talking about the caribbean i’m talking about be-ing surrounded by water everywhere, because in one way or another that shapes you and makes you think and act in a particular manner.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.my piece is basically a video art called Honeypot. it was shot it in december in cuba. i rolled it with an expired film of 16 mm, with a bolex camera, which is the one you can rewind and re-shoot on the material that is already filmed. it was my first time, i have always worked in digital and some other times in 16 mm, but this was quite particular because this camera offers effects that no other equipment does. it has many flaws that are used as virtues. like, if a ray of light gets in and you are filming and you remove the eye, the light gets in and becomes negative; it was quite a fun process because it was very experimental.i started from the idea that since i am from the city and have always lived in cities, and this is the first time that i live in the countryside, i was think-ing a lot about life in the countryside. about how distant we are from the trees, it can seem very hippie, but no. it deals on how we are more con-cerned to see screens than to look up. From that idea, i took all the green areas from where i live and the animals, because i live like in a farm, and started filming with that small idea and letting the intuition lead, and experiencing what if i rewind and filmed backwards now, basically like playing. it was also the first time that i followed the whole development process. in the development pro-cess i also began experimenting with chemicals and scratching the film and that sort of things, to
then finish it digitally, which was also the first time i do this hybrid composition. the fact that the title of the work is in english does not respond to anything in particular. i was read-ing a book about the life of bees, because i read that buñuel became obsessed with a book about the life of bees and i said: Why would buñuel read about bees? i started reading about bees; some-how the process of making honey is related to an-other world that almost doesn’t exists anymore, that was when a person took the hive and nur-ture his bees. there was a direct relationship be-tween nature, a man and his bees. i think that my theme, Honeypot, having honey, was a bit about this. my idea is going in opposition to the machin-ery, to all these black screens, to this whole inter-net thing; and then i remembered my childhood, my grandfather who gave me honey as a treat, and that sort of thing.
mónica Ferreras de la maza (Santo Domingo, 1965)Her means of expression are painting, drawing, in-stallation and video art. in her 21 year career she has made 12 solo exhibitions in galleries and cul-tural centers in the country and abroad. in 2013 she won the first residence of davidoff art initia-tive held at the international studio and curatori-al program in brooklyn, new York, united states. in 2010 she won the XXii concurso eduardo león Jimenes. she has participated in group exhibitions among which are: Inside and Out, Recent Trends in the Arts of the Dominican Republic, organized by the inter-american development bank cultural center in Washington dc, united states.
nunca es tarde si la dicha es buena. 2014Acrylic on canvas245 x 137.5 cm
son solo burbujas de la vida…espejos de pregun-tas y esperanzas. 2014Installation. Nylon thread and photocopies. 500 x 500 cm
artist’s statementmy project is based on a series of drawings called Hope. these drawings are a reflection of those difficult and dark moments in life where there seems as if there was not light at the end of the tunnel. as if we looked at a photo album at the present, we realize that in fact there were always lights around us. light, expressed in the support of friends, of family, light expressed in a book, in
a shared a moment with a stranger, etc. large and small lights that have always been there but, as with the stars, that are often taken for granted. i highlight these lights in black ink as if to let me know: “mónica there it is… don’t forget yourself.
“my body of work in the last years has had a very strong autobiographical component. if seen in chronological order, you can capture different moments of my life: my questions; difficult and tense moments; periods of growth and light. Formally, some symbols are recurrent such as the spiral, the labyrinth and mandalas. in addition to these symbols, there is an obsessive use of lines, dots and circles. i build my paintings and drawings using multiple layers of pigments ranging from the lightest to the strongest, creating a dense atmosphere with many transparencies and depths. parallel to this body of work, i have also been doing installations and video art in which the social component is predominant. these works are based on everyday situations that call my attention and motivate me”.
conVersation with mónica FerrerasTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied at the escuela de diseño of altos de chavón, many years ago in the first group of students. From there i went to the Hague, netherlands, to the national school of Fine arts with a scholarship i won for a year. then i returned to the dominican republic. that’s mainly my training. i have exhibited in group shows in several countries. in the united states: in rhode island, new York, massachusetts, colorado and miami. in europe i was part of a group show in berlin, oslo, paris and in spain. i do not remember more…
How is your working process, and in what are the issues you are interested in?i have divided my work conceptually. i’m handling two bodies of work. because when i paint and draw, is usually a more intimate work that tells more about me, about my life progression. and when i make installations or video art, often, especially in video art, the component is more of social com-ment, more about my surroundings, the country and the things that i see, the issues i want to ac-count for and discuss and that are more ideologi-cally committed. With the installations is the same, but there are some that can be connected with my life process. i spent many years working with some of carl Jung’s concepts, such as the laby-rinth, the process of individuation, the mandala,
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what he called “the person”, which is what we commonly call “mask” and some other concepts. at that time i couldn’t say that it was also speak-ing about me, but eventually, looking back, i can see the connection and the similar components.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.there is a painting called Nunca es tarde si la dicha es buena, it is an expression on how i feel today: happy and grateful for my life. it is a tribute to this stage of my life. the other piece, Son solo burbu-jas de vida… espejos de preguntas y esperanzas, deals with memory. both of the works have auto-biographical components. the installation more than anything; where there are bubbles that are based on some of my drawings. these drawings are reproduced, torn, and again reassembled to form bubbles. these bubbles are connected to each other in a room. and what i’m stating with that piece deals with memory, as i see memory, as i understand it; and the other component is about the difficult stages in life or times of chaos, tur-bulence or uncertainty; the drawings have a com-ponent of points of light, and with that i’m refer-ring to the always present light in our lives, or in my life. this work speaks in a personal manner. i look back and understand that all these experienc-es i have lived, good and not so good, have been learning experiences that shape and form what mónica is today. that’s what this piece is about.i opt to tearing as a formal resource, but it con-tributes to the conceptual element of it. because as i see memory as the process of rebuilding on fragments you remember, at the right time for me to remember what i do is join them again… but they are still fragments. so i tear, or in good do-minican, i “ripeo” the original drawings.
How do you evaluate the national panorama in artistic mater?i will speak from my generation and those who come after us. i feel that there have been signifi-cant and positive changes. that you always want more? Yes. i think that’s part of human nature to always want more. but there have been positive changes in several maters: we have an internation-al presence in important group exhibitions, which curators are taking into account. that is very posi-tive. i am also glad to see that there is a new med-ley of artists between the late 20s and early 30s. i am particularly glad to see them because they are artists who are already demonstrating that they are very talented; these are taking their career
with a seriousness and responsibility that is very important because talent per se is not enough.
marie jiménez (Santo Domingo, 1991)graduated in Fine arts from la escuela de dis-eño of altos de chavón, la romana, dominican republic. she was a selected artist in the bienal nacional de artes Visuales of the museo de arte moderno in santo domingo, dominican republic in 2011. after completing her studies at parsons the new school for design in new York, unit-ed states, she exhibited her videos and pictorial work in a variety of cultural venues. she was se-lected artist in the XXiV concurso de arte edu-ardo león Jimemes.
sin título. 2014VideoartLoop projectionVariable Dimensions
a la luz de la sombra. 2014Acrylic on canvas by Edward Salcedo101.6 x 152.7 cm
artist’s statementthis video installation consists of a video and a painting displayed in a room. it shows a painter
socially marginalized and at the same time privileged; while suggests to analyze the role of video in opposition to the traditional language of painting. the video as the center of the installation depicts the link between two emerging artists living in different contexts: edward and marie. this part of the installation shows edward as the artist in the periphery; through stories of his evolution as a painter in a context where he was not been offered with opportunities for his production to be valorized. the installation uses this painter’s paradox to question whether the marginalized has a voice and if one can be recognized as such.
“my practice is based on the use of video as a tool to move the periphery to the center. i explore the issues that generate this interest; including the relationship between marginalization and happiness, knowledge and center, and the boundaries between the centers of the periphery. my work shows these issues through documentation of subjects in fictitious or real situations, presenting them in a way that addresses their privacy and confronts the viewer. i usually work from personal experience that i shape with a screen that allows me to prioritize feelings”.
conVersation with marie jiménezTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied Fine arts at altos de chavón and then at parsons the new school of design, where i re-ceived my bachelor of Fine arts. i have had the opportunity to show my work at the museo de arte moderno and the centro león in the domin-ican republic. in new York, i have shown my work in alternative spaces such as galleries, cafes and more traditional contexts as in the Hudson river museum, st paul’s chapel gallery, columbia uni-versity and parsons the new school of design.
How is your working process and in which issues are you interested?my work always deals with issues of identity through privacy. i start with the research, which for me is a process of personal understanding (point of view, perspective) and then social understanding (theo-retical, analytical) that leads me to shape the piece.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.this work comes from friendship and deals with the artist within the art industry and marginal-ization in the dominican republic. the piece be-gan to take shape when i started to question my friend’s position as a painter. my friend edward and i started to exchange assignments as a kind of exercise to understand why we decided to work in the field we work. We talked daily about socio-economic status, what education represents, and the opportunities to grow professionally as an art-ist in both contexts.i asked edward to record videos with his topics of interest, while i was helping him to verbalize what he was doing with his paintings. to have a bet-ter understanding of his work, i decided to take one of his paintings to new York. there, out of its original context, the technical ability caught the attention of the viewer more than the subject of the painting. this reaction made me think about what causes this, the story behind it is crucial to create a discourse on the subject and not on the painting.i started working with printed text, produced by the collection of talks between edward and me, the text was fit for ‘a story’ and the act of reading could create a space of intimacy with the viewer. but in its physical form, as a book, made me feel frustrated because its inaction in relation to paint-ing, when they are in the same space.the painting of edward, a manufactured object,
brushstroke by brushstroke, and in large size, the dimensions of a human body, draws more attention than the text. trying to bring the text to a physical plane, such as the painting, i overlaid the conver-sations with sounds and videos that edward was recording with his cell phone, creating an audiovi-sual piece that could be projected and had a more dominant presence in the space. trying to bring the video to a physical and mystical level, closer to the painting and what it generate in the view-er, it was necessary to continue the discourse of marginalization to the point that the media have a dialogue in parallel with the dialogue that ed-ward and i have in the video.
joiri minaya (New York, 1990)graduated from the escuela nacional de artes Visuales in santo domingo, the escuela de dis-eño altos de chavón in la romana and parsons the new school of design in new York. she has participated in residencies such as skowhegan school of painting and sculpture in maine, usa and l –est european performing arts and trans-media lab in scène nationale ma in montbéliard, France. she was the winner of the grand prize at the XXViii bienal nacional de artes Visuales at the museo de arte moderno in santo domingo. lives and works between new York and santo domingo.
siboney. 2014Performance
artist’s statementSiboney is a performance in two parts that ex-plores the stereotypical constructions of the ca-ribbean and caribbean women based on fantasies drawn from foreign otherness. the performance reflects on how these constructs are then inter-nalized and thoroughly reproduced by the sub-ject in which they originate. a fabric with a “trop-ical” generic pattern found by the artist and the song “siboney” sang by connie Francis are the el-ements of departure for this research. the print has a stereotypical souvenir design character or a mass production design. When is manually copied and painted on a wall, symbolizes a process of in-ternalization of something determined by some-one else. the song “siboney”, composed in 1929 by cuban composer ernesto lecuona at a time of longing home, was popularized in 1931 by the in-terpretation of the dominican baritone eduardo brito and then recorded by several artists, includ-ing connie Francis in 1960. With this recording,
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Francis joined the trend of many north ameri-can artists of the time of singing songs in span-ish, with their accents reflecting imperialist poli-cies and attitudes of exoticness.
“i am interested in issues of identity, otherness, self-awareness and movement. my work navigates in the binary systems trying to find hybridity; i in-vestigate on how our hierarchies have been built mostly from historical inequalities that are still per-petuated, and the body as a conditioned receptor and interpreter of these distinctions. in my work, as an alternative to such hierarchical denomina-tions, i try to create several positions of power, of-ten contradictory but operating simultaneously”.
conVersation with joiri minayaTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.When i was 14 i went to high school in the escuela nacional de bellas artes. For me Fine arts was a key to gain more independence in questioning things. then, at age 17, i went abroad to belgium for one year. When i returned to the dominican republic, i went to the escuela de diseño of al-tos de chavón. chavón was also incredibly influ-ential. it is admirable what they do there. then in chavón, i won a scholarship to finish school in par-sons. in parsons i began to understand other val-id ways of making art. i began to understand me-diums that have more to do with processes such as performance, installation and video. media that i knew and saw, but did not think it was some-thing i could do, because i had not even an entry to that world or language. i had the space to ex-plore those issues in class, i had the guidance of teachers, and learnt from history, and that gives you the needed validation and lets you feel that you can do it too. that is also a school, a space of experience. that’s my educational experience in the arts.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece of the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes is called Siboney. it is a multidisci-plinary piece. it consists of a hand-painted mural, based on a pattern i found when i was in parsons. there was a recycling center where students dis-card not used materials and other students could use them, and i went there one day and found this fabric that has a pattern of tropical flowers that for me was beautiful and visually sexy. For me, the pattern represented how other cultures may see
our culture, and the idea of painting it repeatedly and exhaustively in a huge wall has to do with the process of internalizing the idea of what i should be for someone else. For me, it relates to the ca-ribbean identity or caribbean woman identity. the second part of the work is a performance in which i wash the wall. and this part refers to the denial of the idea that i have to meet a stereotype. i wash the wall while the song “siboney” plays.With this piece i refer to the caribbean women stereotypes. i became interested in it more from my experience of living outside: when i lived in belgium and the time i have lived in new York. in belgium i lived in a town where there was not much diversity. i was in a school for a year and my classmates, after they were a little closer to me, were like “oh! can i touch you hair?” “i’ve never seen hair like that” and the curiosity of not knowing and wanting to understand another cul-ture is logical. but also, belgium in particular has a history of colonization and imperialism in con-go, and the ideas they have of a person who looks like me can be informed from that history. then, i was not conscious about that, but looking back i guess there began my interest in the stereotypes that i can represent to another person.then, in new York, is much more diverse, but there are still times that people are like “oh! You look so exotic! Where are you from?” and “oh, domin-ican!” then, by the tone in which people say it, i wonder what ideas were circulating in their head of what i must be.i became interested in the pattern and the song because i associate the two elements with a spe-cific era that is perhaps the 1950s or earlier, in which cuba was like a vacation spot for north americans and many interactions took place there, and not only in cuba, but the rest of the antil-les, but i guess cuba is the strongest example of the construction of the stereotype of the carib-bean women.now let me talk about the song… “siboney” was composed by ernesto lecuona in 1929 and sup-posedly wrote it being away from cuba, missing his homeland. eduardo brito, who was a domin-ican baritone, then popularized it and i guess it has been interpreted by many singers like many songs from that era. and connie Francis has a ver-sion. the first time i heard that version was in a Hong Kong film; titled 2046. but i’ve also seen it in perfume ads, with a woman in a tropical land, and all uses of this song also respond to the ste-reotype of what people imagine the song is about.the song is very sensual, it has some drums and
other things that make you think of something ex-otic or somewhere far away if you do not come from that place… perhaps that’s what interested me in the first place. then what also interested me is that when connie Francis sings it, it becomes like a need, or in this case, of gender, because she is a woman singing to a man: “siboney, i love you, i am dying for your love”. and as many love songs, but particularly this metaphor, presents the wom-an in need of this man, or the caribbean needing the first world nations. regularly i address many issues about the woman or the idea of the con-struction of the female gender, the relationship between self and other and how both side deter-minate each other. i also address hierarchies, how hierarchies are established in relation to gender, society or politics.
randy morales (rands) (Santo Domingo 1987)He studied Fine arts and illustration at the la es-cuela de diseño altos de chavón, la romana, do-minican republic, and parsons the new school fro design, new York, united states. He is current-ly doing his ma in animation and movement arts at pratt institute. He currently lives and works in brooklyn, new York, united states.
Fantasías de mi entorno familiar. 2014Installation. Videoart, furnitureLoop projectionVariable Dimensions
artist’s statementi work with images that tell stories of past times; that create an extract of the forgotten moments and illuminate the unconsciousness of those times, evoking a collision of nostalgia and emotions that results in self-discovery. during this exploration, i show myself as i am, visualizing my future ac-cording to my growing up environment, and the influence of my family. in the videos that support my work, illustrative images engage with estab-lished elements, serving as a cognitive study of a curious child.
“my work focuses on secret stories of my life, cre-ated from vague memories, real moments, impres-sions and dreams that have retained to / from / in my early life, which have been nurtured to maturity”.
conVersation with randy moralesTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.
it all started when my mother enrolled us, me and my younger brother, in painting classes. When i graduated from college, i had no idea of what to study; i just knew it had to be something related to the arts. For a while, i studied graphic design at apec and there i learned what illustration was. immediately, i realized that i was in the wrong ca-reer. i spent a year outside the country and decid-ed to return to study at the the school of design of altos de chavón where i graduated in Fine arts and illustration. i then transfer to parsons in new York and finish my degree in illustration. i am cur-rently pursuing a master of animation and digital arts at pratt institute in new York.
How is your working process and what issues are you interested in?most of the time my work comes from scribbles, not necessarily having a concrete idea. after that, i start to refine everything according to the theme i choose to work. i love that my work has spon-taneity and improvisation to solve problems dur-ing the production process. When creating, i don’t like the idea of only focusing on certain subjects. i have noticed that unconsciously there are always present topics or elements related to intimacy, family, death, abjection and ambiguity of realities.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León JimenesFantasías de mi retrato familiar is the final part of a series i started working more than a year ago. this piece is personal; i do a cognitive exploration of my childhood through recorded family events, intervened by animations such as a device to il-lustrate my way of seeing things back then. ini-tially the piece was conceived only as a video but i had the need to expand from a two-dimension-al format to a four-dimensional format, to recre-ate the most important space of a traditional fam-ily, the living room, where they gather around to watch these videos of memories and thus, invite viewers to participate and be part of my world at that moment.
jochi muñoz (San Francisco de Macorís, 1964)artist who lives and works in santo domingo, where he develops his work as professor of dance, inde-pendent creator of performing arts and perfor-mance. He was awarded the prize in the XXV bi-enal nacional of the museo de arte moderno in santo domingo, dominican republic.
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¿...en qué recodo del camino? 2014Performance
artist’s statementamong several texts that talk about paths, one in particular: Permanencia del llanto, by the Haitian poet Jacques Viau, helped me to clarify both con-cept and the way that i would make the piece. stays, trips, love, hate, hatred, attachment, freedom, fear, roots, achievements, strangeness… these are things that in different doses, are rushing to every pass-er of life. during this, each individual is following the footsteps of others, while leaving their mark on which, perhaps, will ride others who come af-ter. i resort to the use of the circular path of the road, as a metaphor for the constant and peren-nial search of the individual; as a metaphor for the constant and perennial apathy of the individual.
“the quarry from which i nourish to make my work is done in my daily life. i take any fact and decon-textualize it, fragment it, in a way overestimate it and in other way undervalue it, recompose, to fi-nally offer my personal version. Whichever results may not be immediately understood by the view-er. What i hope is that you leave with the bug of question, and can possibly extrapolate the above, to spheres away from the merely personal issues of the artist”.
conVersation with jochi muñozTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i come from the world of theater, from dance, specifically. i started in ballet, with Fradique lizardo in the Folkloric ballet; from there i went to study classical ballet with imgard despradel. later on and lead by eduardo Villanueva i studied the graham technique on modern dance. i spent many years dancing until when looking for a way to better express myself not as an interpreter but as a creator, i did a certified program on performance in 2006. taking the course i realized that was my creative path. i have presented performances in miami, and here in Festivals and performance events. at the same time in three occasions i have been part of the bienales nacionales de artes Visuales at museo de arte moderno in santo domingo, and in the XXiV concurso de arte eduardo león Jimenes among many other solo projects.
How are your working processes and in what top-ics you base your work?i think that all my work derives from autobiography.
i take elements from my surroundings and the peo-ple that are close to me and i try to give it other meanings, changing and modifying. that’s where the pieces come from. in the dances that i cho-reograph i include some elements sometimes not even recognizable but that doesn’t matter.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled en qué recodo del camino? (in which bend of the road?). its title is taken from a verse of a poem by Jacque Viau, the Haitian poet that fought in the civil war in 1965. the title is in one of the first verses of the poem. after read-ing many texts and poems that dealt with paths, that was the text that make me said: that’s the ti-tle of the piece!From sometime i have been working in pieces that deal with paths, with my transit through life and the changes i have made, and i wanted to artic-ulate it in a performance. When i read the whole poem i said: but that’s my piece in a poem, now it’s my turn to take that into performance.it’s simple, there are sixty slabs, stone slabs piled at the moment the performance starts, and i’m standing in top of the pile. From that point i start to build a road with these sixty stones, a number that is also my age. i make an arc, and as soon as i’m finished with that amount of stones i retake the first i laid down and pile it back. this action is repeated six times, which is the number of decades of my life.i go counterclockwise, as if to rewind my life, make a recount of my trajectory, what i have done, what i haven’t done, recounting the things i should have done and didn’t because of fear or other reasons; this is essential to revisit my life and go back to the starting point.
gustaVo peña (Santo Domingo, 1979)studied Fine arts at la escuela de diseño altos de chavón, la romana, dominican republic. He fin-ishes his degree in Visual arts, majoring in paint-ing mural in the escuela nacional de artes plásti-cas at the universidad autónoma de méxico. He currently works and resides in santo domingo.
exploraciones de forma, color y espacio. 2014Óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media. Díptico126.7 x 126.3 x 3.8 cm, 126 x 125 x 5.8 cm
exploraciones de forma y línea. 2014 Tinta inkjet sobre papel. Tríptico124.7 x 125 x 5.1 cm, 125 x 124.7 x 5.3 cm, 125 x 124.6 x 5.3 cm
investigaciones abstractas. 2014Madera161 x 138 cm
artist’s statementinspired by the industrial era we live in, where the motto could well be “let the machines to the work” i conceptualized this large triptych with which i seek to achieve this sublime effect that art causes in us, using computer and digital printing. these module designs give way to be constructible and repeatable mechanically and industrially without the intervention of the artist.
“recently i have been researching abstraction, pri-marily the related to the minimalist and conceptu-al art. it started as an exercise in which i explore shapes, color and space painting directly from imagination. then these exercises became work per se and later sculptures. in these designs i seek to not intervene in the final realization of the piec-es, however, produce them in workshops of skilled people in the different disciplines required. some of these designs work modularly, others, like small closed systems, in which small parts, despite be-ing different, form a whole”.
conVersation with gustaVo peñaTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied two years in the school of design of al-tos de chavón; then in mexico at unam, where i finish the degree with a mention in photography and mural painting. later on my education is com-pleted with lots of studio work. i have show in Ko-rea, england, united states and France.
How are your working processes and in what top-ics you base your work?i like to experiment with media. i started as a pho-tographer and then came the painting. in paint-ing i explore different areas, dimensions and tech-niques. recently i’m exploring more conceptual grounds like geometry and more systemic forms.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesi started working directly from my mind to the can-vas and it has resulted in a very abstract process.
i wanted to distance myself from reality, from fig-urative imagery and everything that could be rec-ognizable to the gaze. i wanted to work automat-ically from the mind. i work with different media, but at the end everything ends up in the same ground, because the painting depicts the sculp-ture and the inkjet drawings are models of the tridimensional pieces. at the end everything is tightly linked. the pieces come out as games, as a systematic, serial something that i explore part-ing from the cube, the triangle and many basic forms; as if i add and delete parts to make differ-ent compositions. is like a game. the digital ele-ment is not only to distance myself from the tra-ditional but to portray it as i saw, as a work of art.
daVid pérez (KarmadaVis) (Santo Domingo, 1976)Visual, sound and culinary dominican artists who lives and works in guatemala. creator and produc-er of contemporary art project Morisoñando rece-tas del Caribe. He has exhibited at exit art in new York (2010), in essex in london (2013) and the ul-travioleta y numu projects in guatemala (2013). He has participated in events such as: pabellón del instituto Ítalo-latinoamericano, liV interna-tional art exhibition of the Venice biennale, ita-ly (2011), Unresolved circumstances, museum of latin american art in los Ángeles, united states (2011), Don’t call it performance/no lo llames per-formance, international exhibition of 60 perfor-mance artist, museo del barrio in new York, unit-ed states (2004).
comedor familiar. 2014PerformanceDocumentación fotográfica proyectadaDibujo, objetosMedidas variables.
artist’s statementthe island of Quisqueya is a body divided into two parts. two countries with a common histo-ry and a shared present. From the merge of both comes the Haitian-dominicans, a minority group product of the offspring of both nations. this sec-tor of dominican society lives in an irregular plat-form, conditioned by political and racial interests. the work is an action of the contemporary cu-linary project Morisoñando. a performative and organoleptic environment for the delight of the senses, with a critical and functional intent. the project arises in multimedia format, with a kitch-en and a dining room installed in a border area
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of the island, where the divisory line disappears. the tasting will be the result of an investigation about fusions and ingredients that are related to the cuisine of both nations and as a primary out-come, the dominican-Haitian community. one way to legitimize this group dominicans in society, is through food. Without falling into romanticism and seeing it more with a functional attitude in what concerns and worries the island. the representa-tion of the group arose in a context of dialogue and mutual aid. in the vacuum of the tension is a spark of language. a fire buddha.
“When dialogue is still possible, there is the mys-tery of hope”.
conVersation with daVid pérez (KarmadaVis)Tell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied in the escuela nacional de bellas artes, in the universidad autónoma de santo domin-go, and the finished my education in altos de chavón the school of design. When i finished chavón i started doing prints and performanc-es. at that time i did ritual performances mainly based in the experimentation with the body. i al-most didn’t document it; there were performatic actions without more sense beyond the formal. as the time passed i was displaced to a more polit-ical ground in which i start to use art as a tool to be able to say things that other media would not allow it. at that moment i started working with the subject of dominican-Haitian relations. i start-ed working mainly with the issues of the Haitian that lives in the dominican republic; i didn’t talk about Haiti, but about the person that lives in the dr. i start to work in a series in which the island is a body divided in two and where each element is codependent. in each work what i do is to frame each person, the dominican and the Haitian within parenthesis as a symbolism of both nations. as a whole the mean was to see how they relate, and how i could generate new formats of communication. at that moment my work was mainly based in generat-ing forms of communication.after that series i leave for guatemala. there, i start doing a series of works called Acciones es-táticas (static actions), in which i hire groups of people, from forty to a hundred and i guide them to make geometric shapes, a form that have a content related to the group of people. after that i start to work with people with certain physical limitations and work with concave and convex
compositions. i was mainly thinking in a sculp-ture that derived from the performance where i could use bodies and structures that correspond, thinking at the same time about design and con-tent. parallel to that i was doing another type of work, paintings, and drawings. i do several things in different media.i have always cooked. but from a time to this date i have wanted to do other type of things, not the same work with the body, about performance, re-garding the concentration, but explore other me-dia. and now i’m working with the gastronomy.i have a project called Morisoñando Recetas del Caribe, that is a culinary project in which i use con-temporary art media and i mix it with caribbean gastronomy. if you notice caribbean gastrono-my is not well known, there aren’t many variables and is somewhat limited. the idea of the project is that, try that this food generates dialogues. i want that food generates another form of com-munication, and not only feeds.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled Comedor familiar (Family din-ner). at the beginning the idea of the work was to legitimize, through food, a part of the island’s society that has been excluded: the dominican-Haitians. What i did was to create a menu with el-ements from both nations and presented it in fu-sion. i know that the work fusion here may sound terrible, but in gastronomy it works. to me fusions are incredible! if fusion works in gastronomy, why can’t it work in real life? What i do in this project is to locate a dominican-Haitian family in a made dinning room, with a table, kitchen and all, in a lo-cation in the frontier of both countries. the table is in a place that doesn’t belong to anyone, but is in both places, is an inhospitable place, a ghost place. i cook the menu for that family. Who else to enjoy that menu but a dominican-Haitian fam-ily? i make the menu for them. they feed them-selves, i make a small format degustation, and the idea behind the piece is that, to legitimize a menu from both nations and to build a foundation on ca-ribbean gastronomy. i think that the artist has to explore different media; not to be limited by the same formats: painting, video, performance. and contemporary gastronomy is incredible; there are much done, and much to be done. it is an estab-lished medium. What i’m doing is trying to intro-duce it in the contemporary artistic context. my events are projects that deal above all with the environment. in the space that i display the table
and the kitchen there’s a landscape, there’s an en-vironment, i don’t focus in one point, but some-thing open, more expansive.
Freddy pérez (prandy) (Duvergé, 1962)studied Fine arts at the escuela nacional de bellas artes in santo domingo; photography at the instituto de estudios superiores of santo domingo, both in the dominican republic and restoration of Works of art in the escuela de artes aplicadas y oficios artísticos of madrid, spain. He is a photographer and inventor, was recognized by the community of manhattan for arts and cultural affairs of the city of new York (1994). awarded the first prize in the category several- ideas of the ii Feria nacional de ideas e inventos of santo domingo in 2000 and the bronze medal in the international Fair ideas and inventions and new products of nuremberg, germany in 2001.
metáfora i. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm
metáfora ii. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm
metáfora iii. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm
artist’s statementin this new visual culture the photographic code and its borders disappear. this innovative proposal is part of the optical art as visual nomenclature that also approaches to the kinetic trend and magical realism. there, in all these areas, i try to unravel the mysteries of the cosmo through symbols and colors, light and shapes. in the development of this photographic technic i needed to create what i have called a prandiscope and other accessories to work more effectively in obtaining my images. With them i can use objects and materials of different origins and different designs; all can be used by different combinations in a methodical or spontaneously way to achieve special optical effects, such as movements, reflexes and degradations. in my photographic style, the emotional has its place and the tropical influence is manifested through the colors that characterize the caribbean.“my artistic and cultural training has allowed me to guide the sense of creativity and innovation
in directions that sometimes differ, but harmo-nize and enrich when conjugated in the scientific, technological and artistic aspect. since the first training in painting and drawing, i had the urge to evolve to photography as an art form, because it is precisely there where all my creative and inno-vative concerns converge. that is why in my pho-tographic images that expressive dualism mani-fests: the photographer – painter and vice versa. it is a personal style, achieved through the devel-opment of an experimental technique.
conVersation with Freddy pérez (prandy)Tell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i started my artistic education in 1968, in the es-cuela nacional de bellas artes. i’m from the san carlos neighborhood in santo domingo, even thou i was born in duvergé, in the south of the island. When i got to the escuela nacional de bellas artes in santo domingo i did all the courses and work-shops available until the fifth level.i started with the arts and then i received my ed-ucation at universidad autónoma de santo do-mingo as a student in advertising arts. i was the second generation of alumni of advertising arts in that university. it was a time when i had many interests; i also studied a major in pedagogy for the arts.all my issues have to deal with the arts. every-thing i do, i’ve done and i’m doing have too be related to arts in some way. i continued evolving until i decided to be an inventor.i received a scholarship from the organization of american states (oas) en 1983, to study in a school of applied arts in madrid, spain. that spe-cial course was a kind of mastering the knowl-edge i acquired in the same institution. For me it wasn’t new. it also allowed me to devote myself to do research. i started doing research because i remember that at that time we were just at an
embryonic stage as to what is the restoration and conservation of photography.in the institution i learned the basics i included the technique of restoring photography. When i had a month in that city, i was invited to give a lec-ture at escuela de san Fernando of the universi-dad complutense in madrid. From then on i was invited to informally teach the students on pho-tography restoration. so you can see that is like a path, a chain of things that also motivated me and kept me digging into issues to contribute, to make inventions, to innovate. in madrid i had a very interesting stage in creative terms, because
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that was the start of the restoring machine that i invented. in 1986 i went to the united states, and the idea grew to the point that i thought, and people recommended me whether to register it in a patent. and i did. in 1994, after eight years of research and three years of investigation on the registration procedures, i was given the patent. Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthat has a somewhat long story, but just as inter-esting. it seems incredible, that was a stage that i had a lot of creative thinking. i was doing one thing and another arose, and ii devoted all my time to these endeavorsone afternoon i was in a park in madrid and saw some children playing with an artifact looking at the sun. i asked them to let me see through that artifact, and i did. it was a kaleidoscope. that was the first time i saw a kaleidoscope. i was so in-trigued by these visual wonders that happened one after the other that i said, this is a work of art, with just a few elements you can experiment and do things that are art related. and i did just that, and it has been a career of twenty-nine or thirty years.this was nothing new. maybe is new for some of you that are seeing it now, but it is not new in the sense that i have many years working with this. in new York i started to create my own Prandis-cope, i called like that.i wanted to make something different that creates original and not repetitive images, where one can invent, add, take out and paste. i looked for quo-tidian objects, that were transparent, that reflect-ed and let pass the light. that’s how i started col-lecting little pieces, and that what i do, i collect pieces for my works. i had to build a machine to be able to do that photographic technique that i call The Prandy System of Experimental Pho-tography. is lab and workshop photography, not the usual photography of going places and cap-turing images.the three pieces that are in the concurso de arte eduardo león Jimenes are titled Metaphor I titled it like that because i see many worlds in those pic-tures. i see me, the cosmos, the earth, the mys-tery... i question the mysteries. albert einstein said once; the most beautiful thing we can experience is mysteries. is the act of all true science and all art. He used that ambivalence of art and science. i have always liked and remember that statement. then, to let me discover and explore those worlds is a metaphor.
maurice sánchez (Santo Domingo, 1972)Visual artist and photographer. He has been part of the artistic collectives shampoo and biscuit, with whom he has participated in exhibitions at the museo de arte moderno of santo domingo, dominican republic; trienal poligráfica of san Juan, puerto rico; museo de bellas artes of Ha-bana, cuba; brooklyn museum of new York, unit-ed states, among others. He has organized the exhibitions arte urbano sarmiento y típtico with modafoca, and gráfica independiente dominicana, alongside rossy ramos and angel rosario. cur-rently he is general creative director of the agen-cy capital dbg.
bosque tallado. 2014Madera torneada500 x 550 cm
artist’s statementthe mahogany, the national tree of the domini-can republic, has been used for various utilitari-an practices since pre-Hispanic times. With Bos-que tallado i evaluate the checkered history of the “criollo furniture” and the current states of our forests. this is a conversation that began with the taino duho and the arrival of columbus, con-tinues with the timber trade with europe and our years of neglect, disconnection and lag. goes to for the republican era and its promises, the tru-jillo – balaguer era and now the arrival of ilumel and ikea. a farewell song to our natural resourc-es and furniture, a farewell to the victim and the executioner. “as an artist i explore and work various means, from graphic pieces, photography and installation. i am a product designer, photographer and pub-licist. i’m passionate about identity issues, what is ‘dominican’, knowing that both are not static or absolute. i always start from the observation and curiosity, i go to the documental, to collect data and generate information. i like to know our customs, symbols, techniques, materials and rep-resentations because i feel that we are there, in what we see, all these things are my language. i would like to think that my work speaks from a recreational standpoint, with fun and humor, be-cause i feel that this is what we are and this is how we understand each other. i seek more than to find answers i want to generate new questions through the celebration of what is “ours”, from the past, the now and tomorrows and how this three spheres relate”.
conVersation with maurice sánchezTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i am an industrial designer. What catches my at-tention about industrial design is precisely, furni-ture design. i’m passionate about furniture. i love it, i research a lot about it and lately, mainly about the habitat, all that has to do with the local en-vironment, the tropical furniture, the caribbean furniture.the vernacular is one other thing that i have al-ways been interested in, either in the graphic, pho-tographic worlds that i work in. i research on the things that people do to their environment. How does a person visualize a sign? How does a per-son visualize a house? What is a chair? What does a rocking chair means for people and why it has ceased to exist in this society? What did we loose with the absence of the rocking chair?that type of dialogues are what interest me, and those are subjects that create a dialogue among many of my interests, such as the industrial de-sign, the communication or advertising, the arts, the human expression to say it all. i move trough all those issues.there was a moment in my career in which i worked with plastic chairs. i researched on what happens when all those elements are piled. How many rocking chairs are we loosing at the same time that we accumulate plastic chairs? What means that one thing ceases to exist and is substituted by another and what happens when those new things are stacked? these are many issues at the same time, and with the time left i try not to find answers for it, on the contrary, to ask myself many more questions and get motivated by inquisitiveness. to see what happens with that issue and moving from one place to the other, seeing what people in the street are doing, what is happening around us all the time and also seeing how things change and what those changes tell us, or not.exhibition wise, i have participated as part of the collective Shampoo, in several bienales naciona-les. For example, in the 2005 biennial we did the piece titled la plástica dominicana that consisted in a lot of plastic chairs stacked up that in some ways magnified what happens in a colmado or a house when the pile up three, four, ten, twelve chairs. We did this trying to get to a greater di-mension and see what happens when all those chairs where stacked, to see if there’s a message that is left behind.in another moment, working with engel leonardo we did a ceramic piece, a “bicuí”, with the form
of a “picapollo” in an open container. this piece, planned to depict another artisanal production object that used to be as a centerpiece of each dominican dining table. at that time these center-pieces had a more tropical subject: a fruit bowl, an avocado, a tomato, today the bowl was changed by an styrofoam container and the fruits where substituted by a fried chicken and plantains, in this hot climate. this piece tried to represent how a thing became the new centerpiece.
Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled Bosque tallado (carved Forest) and it has to do with two main issues: it address-es the environmental issue, the lack of respect for the environment; and also deals with the ver-nacular design, and how we visualize these ob-jects, the furniture, and what has been its history of that phenomena that starts with the depreda-tion of this country’s environment by the conquer-or, and how this colonization also bring a furni-ture model that stayed.one sees the acapulco chair and a dominican rock-ing chair and says: it is hot in that place. i don’t know exactly what happened, we have a fear for emptiness, everything has to have many details. i have always said that if you have to resume in a word this country idiosyncrasy, this word would be: pretend. that so, everything here is always something that looks like something else. that came with the republican furniture, when peo-ple started to accumulate and said: “my house has to look like something else, let’s give the interiors some preponderance”. and that characteristic is still alive today in the façade culture. You can go into a tiny house, that is filled to more its capaci-ty of things. there are essential furniture, not be-cause its functionality but because its represen-tation power. i mean, every house has to have a tV armoire, which has to have adornments; there must be four chairs around a table… i don’t know… the swedish don’t have that problem. they’re more practical. but not here, we have to have it all. every-thing has to be carved in mahogany, because ma-hogany is the approved way, it has been approved for more than two centuries.
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FUNdadoresMaría Rosa León A.Eduardo A. León A.Fernando A. León A.Carmen M. León de CorrieC. Guillermo León A.Clara León de BrugalJosé A. León A.Fundación Eduardo León Jimenes, Inc.E. León Jimenes, C. x A.
coNseJo de dIrectoresJosé A. León A.Presidente
Carlos Guillermo León N.Primer Vicepresidente
Fernando Arturo León H.Segundo Vicepresidente
Franklin E. León HerbertTesorero
Osvaldo A. Brugal LeónSecretario
Alfonso Aguayo LeónVocal
Silvia Corrie LeónVocal
María Amalia León de JorgeVocal
Fundación eduardo león JimenesMaría Amalia León de JorgeDirección
María Cristina TrujilloGerencia Administrativa
Verónica HeinoGerencia de Programas y RR.PP.
ceNtro leÓNdirección generalMaría Amalia León de JorgeDirectora Ejecutiva
gerencia ejecutiva/administrativaMaría Luisa Asilis de MatosGerente
Nelson PuigCoordinador de Contabilidad
Sandra ReyesCoordinadora Administrativa
Carolina SánchezCoordinadora de Planificación y Gestión
Félix GarcíaCoordinador de Tecnología de Información
Kerim FaharaCoordinador de Unidades de Negocios y Proyectos
Ronald MarteCoordinador de Servicios Generales
José Porfirio GarcíaCoordinador de seguridad
gerencia de Programas culturalesLuis Felipe RodríguezGerente
Pedro J. Vega V.Coordinador de Exposiciones
Iturbides ZaldívarRegistrador
gerencia de educación, asc y comunicaciónMaría Belissa RamírezCoordinadora General
José Enrique TavárezCoordinador de Multimedia
Awilda ReyesCoordinadora de Animación Sociocultural
Ana AzconaCoordinadora de Comunicación
eXPosIcIÓN XXV coNcUrso de arte edUardo leÓN JIMeNes, 2014centro cultural eduardo león jimenes
producciónMaría Amalia León de Jorge
superVisión generalLuis Felipe Rodríguez
coordinación y curaduría Sara Hermann
museograFíaPedro J. Vega V., Leticia Moronta
registro de obrasIturbides Zaldívar L.
restauración de obrasLeudy Rosario
montajeLeudy Rosario, Leticia Moronta, Robinson Díaz, Ariel Rosario
programa educatiVo y de animaciónMaría Belissa Ramírez, Awilda Reyes, María Luisa Estrella
diseño gráFicoMaría Isabel Tejada
documentación FotográFicaJosé Enrique Tavárez
instalaciones multimediaManuel Díaz
iluminaciónCarlos Tavárez
graFismosFS Taller Digital, Alfred Almonte
mobiliario museográFicoTerminaciones de Interiores De León
pintura de salaHanzer Díaz, Enmanuel Díaz, Ramón Guzmán
mercadeo y comunicaciónAna Azcona, Jesenia De Moya
apoyoLidia León Cabral, María Luisa Asilis, Verónica Heino, Adelma Vargas, María Luisa Estrella, Awilda Reyes, Carolina Sánchez, Evelina Sánchez, Gloribel Betances, Cristóbal Valerio, Ronald Marte, Gregory Soto, Elbi Castaño, Alberto Matos, Equipo de Servicios Generales.
auspiciosFundación Eduardo León Jimenes, Cervecería Nacional Dominicana y Banco BHD León
catálogo del XXV coNcUrso de arte edUardo leÓN JIMeNes
coordinación generalLuis Felipe Rodríguez
coordinación editorialSara Hermann
entreVistasJesenia de MoyaSara Hermann
traducción Daniela Gaviria De Moraes
edición y corrección de estiloCamilo Venegas
documentación FotográFicaJosé Enrique Tavárez Jonathan Vila Fer Figheras Pedro Genaro Rodríguez
apoyoPedro J. Vega V.Iturbides Zaldivar L.Carolina SánchezAdelma VargasMaría Belissa RamírezAna Azcona
diseño y producciónLourdes Saleme y Asociados
impresiónAmigo del Hogar
ISBN: 978-9945-8954-2-1
Concurso de Arte Eduardo León Jimenes (25. : 2014 : Santiago de los Caballeros, República Dominicana)
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes : catálogo. - Santiago de los Caballeros : Centro León, 2014. 164 p. : il 1. Arte Dominicano – Concursos. 2. Pintura dominicana – Concursos. 3. Escultura dominicana – Concursos. 4. Dibujos – Concursos. 5. Instalaciones (Arte) – Concursos. 6. Artistas Dominicanos. I. Título
700.97293 C744c CEP/ Centro León
XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. Ediciones Centro León, 2014. Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, 2014.
CENTRO CULTURAL EDUARDO LEÓN JIMENES
APARTADO POSTAL 799
AV. 27 DE FEBRERO NO.146,
VILLA PROGRESO
SANTIAGO DE LOS CABALLEROS
REPÚBLICA DOMINICANA
TEL. 809.582.2315
FAX. 809.724.7644
centroleon@centroleon.org.dowww.centroleon.org.do