01. <Personalidad> Guillaume Dufay <Datos> Nació: en Beersel, Bélgica, el 5 de agosto de 1397. Falleció: en Cambrai, Francia, el 27 de noviembre de 1474. En síntesis: fue la figura central de la Escuela Borgoñona y uno de los compositores que sentó las bases de la corriente renacentista franco-flamenca. <Copete> Considerado uno de los músicos más influyentes del ambiente musical de mediados del siglo XV, fue admirado por el perfecto control que tenía sobre las formas con las que trabajaba. Su música se copió, distribuyó e interpretó en cada lugar en donde la polifonía hubiera echado raíces. En sus composiciones empleó técnicas características del Medioevo tardío, como la isorritmia, y al mismo tiempo comenzó a usar armonías, fraseos y melodías típicas del primer Renacimiento. <Cuerpo> Hijo de padre desconocido, de pequeño se trasladó junto a su madre a la ciudad francesa de Cambrai, donde permaneció en la casa de un pariente que se desempeñaba como canónigo en la catedral. Allí comenzó su educación musical: estudió con los principales maestros catedralicios y fue tempranamente incorporado al coro de la iglesia. Su innato talento despertó la admiración de las autoridades, por lo que le fue otorgado el honor de poseer su propio ejemplar manuscrito del clásico poema Doctrinale Puerorum de Alexander de Villedieu; un hecho sin precedentes para un niño tan joven. A los dieciséis años ya era capellán de Saint Gery y asistió al concilio de Constanza que finalizaría con la elección del Papa Martín V. En 1420 abandonó su hogar para iniciar un viaje por Italia. Si bien no hay mucha evidencia sobre este período, su estadía influenció notablemente su obra, que presenta reiteradas referencias a este país. Seis años después, en Bolonia, trabajó a las órdenes del cardenal Luis Alemán, pero cuando éste fue expulsado de la ciudad, Dufay se ordenó sacerdote y viajó a Roma para incorporarse al coro papal; allí permaneció hasta los primeros años del reinado de Eugenio IV. Debido al conflicto creciente entre el Vaticano y el concilio de Basilea, se dirigió al territorio francés de Savoy en donde trabajó para el duque Amadeo VI. Luego estuvo al servicio de la capilla papal en Florencia, lugar en el que compuso una de sus obras más famosas, el motete festivo Nuper Rosarum Flores, que sería cantado en la inauguración de la cúpula de la catedral. Por ese entonces, inició su vínculo con la familia Este de Ferrara, reconocida como una de las principales patronas musicales del Renacimiento. En el año 1439 la lucha religiosa se extendió severamente, el papa Eugenio IV fue depuesto y reemplazado por el mismo duque Amadeo, quien fue coronado con el nombre de Félix V. El músico vio su posición comprometida, ya que había prestado servicios a ambas partes, y regresó a Cambrai para alejarse de la contienda. Allí compuso para el duque de Borgoña, y colaboró en la revisión completa de las obras litúrgicas catedralicias, proceso que incluyó la escritura de una extensa colección de piezas para los servicios de misa.

Con la abdicación de Félix V los conflictos al interior de la Iglesia disminuyeron, y emprendió otro viaje hacia el sur. De ese período datan muchas de sus obras, entre ellas, una de las cuatro Lamentaciones que compuso sobre la caída de Constantinopla, y su famosa misa Ce la fase ay pale (“Si mi cara luce pálida”). Finalmente, en 1458 retornó a su hogar donde viviría sus últimos años como canónigo de la catedral. Continuó componiendo para la corte de Borgoña al tiempo que recibía frecuentes visitas de jóvenes músicos, quienes luego tendrían un papel decisivo en el desarrollo del estilo polifónico de la nueva generación. <Destacado> <Titulo> Réquiem <Cuerpo> Un Réquiem (en latín, descanso) es la misa de difuntos que, en la religión católica, comúnmente se ofrece antes de un entierro. Guillaume Dufay escribió el primero de estos servicios y, aunque hoy se encuentra perdido, se sabe que las palabras iniciales del mismo dieron nombre a este concepto que se sigue utilizando actualmente: Réquiem aeternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceateis (“Concédeles el descaso eterno, Señor, y que brille para ellos la luz perpetua”).

02. <Personalidad> Johannes Ockeghem <Datos> Nació: en Saint-Ghislain, Bélgica, entre 1410 y 1425. Murió: en Tours, Francia, el 6 de febrero de 1497. En síntesis: compositor de la escuela Franco flamenca que sentó las bases de la polifonía y del contrapunto en la música occidental. <Copete> La Escuela Franco Flamenca fue la estrella del Renacimiento. En ella se fusionaron la influencia francesa de Guillaume de Machaux y la de los madrigalistas italianos. Ockeghem fue una de las figuras centrales de esta corriente, llevó las complejas armonizaciones a un momento de gran esplendor. En su obra las líneas vocales comienzan a mezclarse y se combinan muy delicadamente tres o cuatro melodías superpuestas, a partir de aquí se genera la maravillosa forma del canon. <Cuerpo> Poco es sabido sobre la vida de este compositor, la fecha exacta de su nacimiento sigue siendo desconocida y tampoco abundan los detalles sobre sus primeros años y su formación musical más temprana. Sin embargo se sabe que, como la mayoría de los músicos de la época, inició su carrera como niño del coro, seguramente en la ciudad de Mons. El primer registro documental de su vida se encontró en la catedral de Amberes, en donde fue empleado como cantante en 1443, es probable que fuera aquí en donde recibió influencias del estilo de composición inglés. Unos años más tarde se encontró al servicio de Carlos I, Duque de Borbón en Moulins junto al músico Jean Cousin. En 1452 se trasladó a Paris, donde sirvió como maestro de capilla en la corte francesa durante los reinados de Carlos VII y Luis XI. Llegó a ser tesorero de la abadía de San Martin de Tours y ocupó cargos en las iglesias de Notre Dame de París, y Saint Benoit. Se sabe, también, que viajo a España en 1470 como parte de una misión diplomática para el Rey, que residió un período de tiempo en Brujas, y que la mayor parte de su vida activa vivió en Tours, desde donde se desplazaba a sus puestos de cantor. Se cree que estudio con Gilles Binchois, músico al que, sin duda, tenía en gran estima y para el cuál escribió un motete-chanson en lamentación de su muerte. En su obra fue capaz de variar las formas rítmicas de las voces, manteniendo, a su vez, la independencia de las mismas. Es conocido también por la asombrosa expresividad de su música y por componer piezas litúrgicas utilizando melodías profanas como el cantus firmus, a la vez que las ejecutaba con los más complejos recursos técnicos sin que estos obturaran la belleza de su trabajo. Tenía una voz de bajo prodigiosa y, a la hora de componer, favorecía dicho registro. No tuvo una obra muy prolífica y parte de su trabajo se ha perdido pero tenía una muy buena reputación dentro del ámbito musical europeo de la época. Dos de sus obras más famosas se convirtieron en grandes exponentes del contrapunto del siglo XV: la extraordinaria Missa prolationum, escritas a dos voces pero con instrucciones para el canto de cánones a diferentes intervalos, obteniendo así una obra

de cuatro voces; y la Missa cuiusvis toni, diseñada para ser interpretada en cualquiera de los diferentes modos musicales. Luego de su muerte, los poetas Cretin, Molinet y Erasmo escribieron Odas en conmemoración, y Josquin Des Pres y Johannes Lupi musicalizaron algunas de las mismas; esto demuestra la admiración que despertaba en sus contemporáneos. El estilo de sus composiciones difirió considerablemente del de las antiguas generaciones, aunque, era de éstas de las que había aprendido sus técnicas básicas. Es por eso que se lo considera un nexo directo entre la escuela Borgoñona y la siguiente gran generación de músicos holandeses, como Obrecht y Josquin. <Destacado> <Título> L’homme armé <Cuerpo> El hombre armado es una antigua canción del renacimiento que en el tono más popular era utilizado en el ordinario de la misa. Se conocen 40 versiones de distintos autores interpretadas en el período que va desde 1450 y finales del siglo XVII. Una de ellas, tal vez la más celebrada, es la compuesta por Ockeghem. Está compuesta sobre la técnica del cantus firmus y es una pieza para cuatro voces que se combinan para formar una hermosa melodía.

03. <Personalidad> Josquín Des Préz <Datos> Nació: en Hainaut, Bélgica entre 1450 y 1455. Murió: en Condé-sur-l'Escaut, Francia, el 27 de agosto de 1521. En síntesis: figura central de la escuela franco- flamenca y uno de los primeros maestros del estilo vocal polifónico del alto Renacimiento. <Copete> Fue dueño de un supremo don para crear melodías de emotivas gracias a la infinidad de texturas con las que componía, y escribió tanto música sacra como profana en todas las formas significativas para la época. Comenzó a fusionar los sonidos y prácticas regionales con una serie de recursos técnicos novedosos para la época, es por eso que se lo considera uno de los precursores del estilo musical que se convertiría en universal durante el Renacimiento y que se cristalizaría más en la figura de Palestrina. <Cuerpo> Como la mayoría de los músicos de la época, reconstruir su biografía no es tarea fácil, se cree que fue miembro del coro de la Iglesia de Saint Quentin desde muy pequeño, en torno al año 1460. Esta Iglesia era un centro musical muy importante ya que contaba con el patrocinio real y es probable que fuera aquí en donde el músico comenzó su relación con la corte francesa, con la que tendría estrechos vínculos a lo largo de su carrera. Se cree también que estudió con Ockeghem, músico por el cual sentía una gran admiración. Durante su juventud se desempeñó como cantante en capillas pertenecientes a la corte real en el territorio francés y residió también en Milán al servicio de la familia Sforza en donde adquirió conocimiento de la música secular italiana. Fue miembro del coro papal en los reinados de Inocencio VIII y Alexander VI, su estilo de composición evolucionó mucho en este período y refinó su técnica para la música sacra. Hacia fines del siglo XV se encontraba en Francia a las órdenes de Luis XII, hasta que en 1503 el Duque Ercole de Ferrara lo incorporó a su capilla. Es en esta corte donde Josquin escribe algunas de sus obras más famosas, como por ejemplo la Missa Hercules Dux Ferrariae. Además, compuso allí una colección de Miserere, el famoso Salmo 51 escrito para cinco voces. A causa de la Peste Negra, el músico estuvo tan solo un año en Ferrara, se dirigió entonces, a la región de donde era oriundo y fue nombrado Preboste de la Catedral, puesto en el que se mantendría hasta s muerte. Durante este periodo su fama se extendió notablemente, incluso fue reconocido por la corte de Holanda, donde se presentaron sus obras innumerables veces. Durante su vida fue inmensamente popular y muy requerido, las nuevas tecnologías de impresión hicieron posible la proliferación de su música por toda Europa. Su fama solo pudo ser eclipsada después del florecimiento del Barroco, en el que declinaría el gusto por el estilo polifónico. Recién en el siglo XX su música fue rescatada y reivindicada nuevamente por los críticos.

Des Préz vivió durante una etapa de transición en la historia de la música, las frecuentes migraciones de los músicos por Europa favorecieron el intercambio de estilos regionales y en muchos casos, la fusión de los mismos. Las enredadas líneas musicales de la generación de Ockeghem, la complejidad del contrapunto de la Escuela Holandesa y las texturas de la música sacara italiana se fueron uniendo en un único estilo y Josquín lideró este proceso. Sus composiciones tienen para el oyente una atracción emocional directa que no tiene la música de Palestrina, si bien esta última es técnicamente perfecta. Josquin supo utilizar al mismo tiempo todas las tendencias de la época, innovándolas de manera significativa y aportando a la creación de un lenguaje musical universal que se daría a lo largo del siglo XVI. <Destacado> <Título> El autógrafo <Cuerpo> Antiguamente era tradicional que los cantores dejaran su nombre grabado en los muros de aquellas capillas para las cuales servían. Durante las recientes restauraciones de la Capilla Sixtina, los trabajadores encontraron una curiosa leyenda escrita en la pared: se trata de la palabra “Josquinj”. Se sabe que el compositor fue miembro del coro papal de 1489 a 1495, así que es probable que la inscripción fuese tallada por el propio Des Préz, de ser así se trataría de su único autógrafo sobreviviente.

04. <Personalidad> Giovanni Pierluigi da Palestrina <Datos> Nació: en Palestrina, Italia en 1525. Murió: en Roma, Italia, el 2 de febrero de 1594. En síntesis: es considerado el más grande compositor italiano del Renacimiento, y su música la culminación del estilo polifónico de la época. <Copete> Palestrina fue y es considerado el más eminente de los autores de música sacra de su época. Su obra está formada casi en su totalidad por piezas polifónicas y de carácter religioso destinadas a acompañar las distintas fases de la liturgia católica. Al mismo tiempo, compuso alrededor de cien madrigales profanos que le acarrearon un problema con el papado durante el Concilio de Trento. Supo adaptarse a las nuevas normas de la liturgia creando obras en que la melodía quedaba solamente en la voz superior. <Cuerpo> Inició su carrera musical como niño del coro en la basílica romana Santa María la Mayor, posteriormente se desempeñó como organista en la catedral de su ciudad natal. Fue aquí en donde conoció al obispo de Palestrina, quien luego se convertiría en el Papa Julio III y lo nombraría maestro de coro de la capilla Juliana del Vaticano. Allí escribió su libro de misas, famoso por ser el primero escrito por un italiano ya que la mayoría de los compositores sacros provenía de los Países Bajos, Francia, España, y Portugal. A la muerte del Papa, su sucesor lo destituyó acusándolo de componer música profana debido a sus madrigales. Sin embargo su carrera musical siguió desarrollándose dentro de la Iglesia Católica: fue maestro de capilla en San Juan de Letrán y en Santa María La mayor. A pesar de haberse formado en el seno de la comunidad religiosa y haber servido para ésta durante la mayor parte de su vida, Palestrina tuvo frecuentemente conflictos con la Iglesia. En 1563, luego del Concilio de Trento, fueron implementadas una serie de reformas litúrgicas y como consecuencia de las mismas, muchas de sus obras se convirtieron en no canónigas al tener interposiciones profanas ajenas al texto oficial. Fue entonces que el músico renunció a su cargo y pasó a formar parte de la capilla personal del cardenal Hipólito II. Finalmente, luego de que la situación de tensión con el papado se apaciguara, el músico regresó al Vaticano para ocupar el puesto de compositor de la capilla papal, en donde permaneció hasta el día de su muerte. Palestrina falleció en Roma en 1594 y fue sepultado en la Basílica de San Pedro, una multitud asistió a su entierro incluyendo los músicos más importantes de la ciudad. Se dice que sobre el féretro, fue colocada una plancha fina de metal con la leyenda: “Príncipe de una música que se propuso edificar las almas, afianzar las mentes ávidas de perfección rítmica, armónica y contrapuntística”. Esto demuestra la gran estima que se le tenía y el profundo respeto que despertaba en sus contemporáneos. Luego de su muerte, su música se continuó interpretando en las iglesias de toda Europa y su estilo de composición se siguió

estudiando e inspirando a las nuevas generaciones de artistas italianos. Con la llegada del Barroco su figura como compositor se vio eclipsada a pesar de la trascendencia de su música. Fueron los compositores románticos quienes lo redescubrieron junto con tantos otros grandes exponentes de la música clásica, como el mismísimo Bach. Su obra se encuentra entre las más bastas del Renacimiento, entre sus géneros preferidos cabe destacar una colección de 104 misas y 373 motetes, varias Lamentaciones, 11 letanías, 35 magníficat, 69 ofertorios, y 69 madrigales sacros. <Destacado> <Título> Palestrina, la ópera <Cuerpo> Palestrina es una ópera compuesta por el músico alemán Hans Pfitzner, presentada por primera vez en Munich en 1917. El propio autor reconoció que el libreto está basado en la leyenda que dice que el músico italiano del Renacimiento salvó el arte de contrapunto musical en el siglo XVI, al convencer al Concilio de Trento de no prohibir la música polifónica. Durante la obra el Congreso General del concilio se ve impresionado por la belleza de la Missa Papae Marcelli, escrita por Palestrina por inspiración divina.

05. <Personalidad> Orlando Di Lasso <Datos> Nació: en Mons, Bélgica, en 1532 Falleció: en Múnich, Alemania, el 14 de junio de 1594. En síntesis: considerado junto con Palestrina y Victoria uno de los líderes de la escuela musical del Renacimiento tardío <Copete> Fue uno de los más influyentes músicos del siglo XVI. Su figura se mueve entre la realidad de su obra y las leyendas sobre su vida ya que la información sobre su juventud y primeros años de formación es escasísima. Uno de los mitos más populares asegura que la belleza de su voz era tal que fue secuestrado varias veces. Pero sin duda fue uno de los más prolíficos compositores del Renacimiento, con más de dos mil obras con letras en latín, francés, italiano y alemán. <Cuerpo> Se sabe que a los doce años emigró de los Países Bajos para irse primero a Mantua y posteriormente a Milán, donde residió durante dos años. Allí se hospedó en el Hoste di Reggio, cuna de grandes madrigalistas, su estadía provocó una influencia determinante en su estilo musical temprano. En 1550 comenzó a trabajar como compositor y cantante en Nápoles para Constantino Castriota, se cree que de esta época datan sus primeras composiciones. Posteriormente trabajó en Roma al servicio de la corte del Duque de Florencia. Unos años después fue nombrado maestro de capilla en San Juan de Letrán. Cabe señalar que para ese entonces el músico tenía tan solo veintiún años y ya ostentaba uno de los cargos más prestigiosos de la ciudad, hecho que da cuenta del talento que el joven compositor poseía. En 1555, publicó sus primeros trabajos en Amberes y un año más tarde comenzó a componer en Múnich para el Duque de Baviera, quien por ese entonces se empeñaba en crear allí un centro musical comparable con las grandes ciudades italianas. Rápidamente su fama se extendió por toda Europa, los grandes músicos de la época viajaban a Múnich para estudiar con él, y su nombre fue conocido incluso más allá del ámbito musical: el emperador Maximiliano II le otorgó un título nobiliario, fue nombrado Caballero por el Papa Gregorio XIII y en el año 1573, el rey Carlos IX de Francia le dio el honor de invitarlo a su corte. En reiteradas ocasiones le hicieron grandes ofrecimientos económicos de cortes de toda Europa pero nunca los aceptó. Estaba interesado en mantener la estabilidad de su cargo debido a las excelentes oportunidades de interpretación musical disponibles en Múnich. Di Lasso, al igual que Josquin, tenía un manejo exquisito de recursos técnicos como el cantus firmus. Su obra fue muy prolífica pero sorprendentemente, no escribió música estrictamente instrumental, en una época en que ésta se había convertido en el medio de expresión más usado. Como compositor de motetes fue uno de los más prodigiosos y variados del Renacimiento, su producción varía desde las piezas más sublimes y

refinadas, hasta aquellas que rozan el ridículo, y muestran un sentido del humor ajeno a la música sacra. Muchos fueron escritos para ocasiones especiales, como para la recepción de dignatarios, encargos para bodas y otros eventos de estado. Pero su fama se originó sobre todo gracias a sus motetes religiosos y en especial de entre ellos, a la serie de los Siete Salmos pentecostales de David, que constituye una de las colecciones más famosas de todos el Renacimiento. Además de ser un excelente músico, también fue un excelente poeta. Escribió letras para sus composiciones en latín, italiano francés y alemán. Hoy en día, su música aún representa el estado más maduro del estilo polifónico de la Escuela Franco-Flamenca y uno de los más influyentes del siglo XVI. <Destacado> <Titulo> Súper Flumina Babylonys <Cuerpo> Se dice que el humor no estaba ausente de la obras de Orlando Di Lasso, tanto en las sacras como en las profanas se podía detectar su estilo único de composición. En una oportunidad escribió un motete con el motivo de ridiculizar a los malos cantantes. La obra se titula Super Flumina Babylonis y en ella se introducen tartamudeos, paradas abruptas, y arranques sorpresivos, en el marco de una confusión general. Esta particular forma musical es lo que más adelante Mozart denominaría “Broma Musical”.

06. <Personalidad> Tomás Luís de Victoria <Datos> Nació: en Ávila, España, en1548. Falleció: en Madrid, España, el 20 de agosto de 1611. En síntesis: fue el más célebre polifonista del Renacimiento español. <Copete> Victoria fue uno de los músicos más influyentes y avanzados de su época. En su obra comenzó a plasmar el estilo que luego se impondría durante el Barroco. Fue también uno de los compositores de música sacra más reconocidos de su época y, probablemente, el más importante de la Contrarreforma española. Su influencia se puede rastrear hasta el siglo XX, cuando fue tomado de modelo por el Cecilianismo. Llamado “el Palestrina español”, ya que se cree que pudo haber sido su discípulo. <Cuerpo> Comenzó sus estudios desde muy joven cuando aún vivía en Ávila. Cuando tenía siete años ingresó al coro de la catedral de su ciudad natal y allí descubrió su vocación de sacerdote. También fue en este lugar donde recibió una completa educación musical, impartida por el maestro de capilla Jerónimo de Espinar y sobre todo por el gran maestro Juan Navarro de quien Victoria fue el último discípulo. A los diecinueve años se trasladó a Roma, en donde ingresó al Colegium Germanicum fundado por los jesuitas, para desarrollar su profesión religiosa, y profundizar sus conocimientos musicales. Por esta época ya era un buen organista. En 1569 tomó el cargo de cantor y organista de la Iglesia Nacional de los Aragoneses, Santa María de Montserrat y allí continuo como maestro de capilla por lo menos durante tres años. Este puesto le permitió dedicarse completamente al estudio y la composición de sus obras. Pocos años después, publicó su primera colección de motetes, y también comenzó a hacerse cargo de la formación musical de los alumnos del Colegium. A los veintisiete años fue promovido al orden de Lectorado, esto implicó que a partir de entonces, en las portadas de sus obras aparecería el título de Clericus o Presbiter abulensis, es decir, originario de Ávila. En 1585 publicó en Roma dos de sus más famosas obras, que luego serían consideradas un prodigio de la música sacra: Officium hebdomadae santae y Motecta festorum totius anni. Poco tiempo después abandonaría la ciudad y pasaría siete años sin realizar nuevas publicaciones. Recién tras su regreso a la capital, cinco años después, es que editaría su segundo libro de misas. Con posterioridad al año 1592 no se ha encontrado ninguna otra obra de su autoría, solamente el motete Surge, Devora, que fue cantado en la Iglesia de San Apolinar de Lisse el 18 de Julio de 1593, en una celebración por la derrota de los turcos en Croacia. Sin embargo, continuó su carrera musical desempeñándose en la corte española como capellán de la emperatriz. Desde 1606, también ocupó el cargo de organista en el Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid. Puesto en el que se mantendría hasta su muerte.

A diferencia de la mayoría de los autores de la época, solo compuso música sacra: misas, motetes, himnos salmos y magníficat de gran calidad técnica y dramática. Su obra es muy extensa, en las actas capitulares de la catedral abulense figura la recepción de seis cuerpos de libros en 1572 entre ellas un libro dedicado al príncipe de Baviera que contiene antífonas en alabanza a la virgen María. En 1581 llegó a Ávila un libro dedicado al papa Gregorio XIII que contiene los famosos Himnos para todo el año a cuatro voces. En 1583 envió un libro de motetes, editado en Roma y uno de misas dedicado al Rey Felipe. En 1585, apareció un tomo que fue considerado su obra maestra: El libro de la Santa Semana. <Destacado> <Titulo> Obras perdidas <Cuerpo> Se lo compara, por su intensidad emocional religiosa con Santa Teresa y Con San Juan de la Cruz. Solía mandar a la Catedral de Ávila sus obras encuadernadas. Según figura en los registros, envió en 1577 un libro de canto de órgano, en 1584 uno de misas, en 1587 dos libros de canto de órgano, y en 1593 un libro de misas breves. Todas estas obras llegaron a la catedral pero lamentablemente al día de hoy no se encuentra ninguna de ellas.

07. <Personalidad> Claudio Monteverdi <Datos> Nació: en Cremona, Italia, el 15 de mayo 1557. Falleció: en Venecia, Italia, el 29 de noviembre 1643. En síntesis: fue sin lugar a dudas el madrigalista por excelencia, llevó esta forma musical a la cúspide de su desarrollo. <Copete> Fue la figura más importante de la transición entre el Renacimiento y el Barroco; es decir, entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Fue compositor, cantante e instrumentista de viola de gamba. Publicó ocho colecciones de madrigales en las cuales muestra su dominio absoluto sobre este estilo. Fue director de la catedral de San Marcos de Venecia, donde compuso la mayor parte de su obra sacra. <Cuerpo> Comenzó sus estudios con el profesor Ingegnieri, maestro de capilla de la catedral de Cremona. A los quince años publicó sus primera obra, un conjunto de motetes tripartitos. Luego se especializó en el estudio y escritura de madrigales, y para 1605 ya había publicado cinco libros con sus mejores composiciones en ese género. En ellos se aprecia una evolución desde texturas suaves en sus primeras obras, a un planteo musical mucho más disonante e irregular, en sus últimos libros, que sirve para potenciar el significado de cada palabra. En 1607 estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical. Esta ópera, representa tal vez la evolución más importante de la historia del género, imponiéndose como una forma culta de expresión musical y dramática. A través del hábil uso de las inflexiones vocales, Monteverdi intentó expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor, alcanzando un lenguaje cromático de gran libertad armónica. En su partitura, contiene catorce partes orquestales independientes, allí utiliza la orquesta no sólo para acompañar a los cantantes, sino también para establecer los diferentes ambientes de las escenas. Al momento de su estreno constituyó un gran éxito. Con su siguiente ópera Ariadna, el músico logró consolidar su fama como compositor, lamentablemente la mayor parte de esta obra se ha perdido. En 1613 fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, uno de los puestos más importantes de aquella época en Italia. También se le otorgó el cardo de maestro de música de la Serenísima República de Venecia. En la escritura de música religiosa, Monteverdi utilizó gran variedad de estilos que van desde la polifonía de su Misa de 1610, a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas. Esta última con el correr de los años se convertiría en su obra más famosa. Entre 1614 y 1618 publicó sus últimos libros de madrigales en los que se alejó aún más del ideal renacentista polifónico de voces equilibradas; y adoptó estilos más novedosos que enfatizan la melodía, la línea del bajo, el apoyo armónico y la declamación personal o dramática. En 1637 fue inaugurado el primer Teatro de la Ópera y Monteverdi,

estimulado por el recibimiento del público, compuso una nueva serie de obras, de las cuales sólo conocemos Il ritono d`Ulisse de 1641 y L`incoronazione di Poppea en 1642. Ambas fueron compuestas al final de su vida con escenas de gran intensidad dramática en las cuales la música refleja los pensamientos y las emociones de los personajes. Estas obras ejercieron una influencia difícil de mensurar en todos los compositores posteriores, y hasta el día de hoy se mantienen en los repertorios de los grandes teatros liricos del mundo.  <Destacado>  <Título> La fábula de Orfeo  <Cuerpo>  Es considerada la primera ópera conocida de la historia. Consta de un prólogo y cinco actos, su libreto pertenece a Striggio. Fue estrenada en la Accademia degli´Invaghiti en Mantua en febrero de 1607. Se destacan en esta obra, el poder dramático y la animada orquestación: violas violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, y dos órganos pequeños. Monteverdi acompaña la voz principal con coros, conjuntos vocales renacentistas y una orquesta de cuarenta instrumentos. 

08. <Personalidad>  Jan Pieterszoon Sweelinck  <Datos>  Nació: en Deventer, Holanda, en mayo de 1562. Falleció: en Amsterdam, Holanda, el 16 de octubre de 1621. En síntesis: fue uno de los primeros grandes organistas de toda Europa.  <Copete>  Compositor y organista. La producción de su extensa obra se sitúa entre el fin del Renacimiento y el Barroco temprano. Se encuentra entre los mejores y más influyentes compositores de música para teclados de su época. Su obra ayudó a sentar las bases de lo que sería denominado la tradición organística del Norte de Alemania. Representa el primer gran salto de la música para teclados hacia un sonido más complejo y refinado antes de Bach.  <Cuerpo> Pieterszoon probablemente haya recibido las primeras lecciones de música de su padre en su ciudad natal. Pero a la muerte de éste, el joven de quince años comenzó a estudiar con el sacerdote de Oude Kerk, la iglesia más antigua de Amsterdam. Por ese entonces, también empezó a desempeñarse como organista, cargo que ocuparía durante toda su vida. Sin embargo, en 1578, luego de que los efectos de la Reforma llegaran a la ciudad y ésta abrazara el Calvinismo, se vio obligado a interrumpir su educación cuando su maestro dejó la capital. No se sabe con exactitud, como siguió su carrera profesional; pero realiza sus primeras publicaciones hacia 1592. Por ese entonces el compositor cambió su apellido y comenzó a hacerse llamar con el nombre de Sweelinck, una variante de su apellido materno, que aparece por primera vez en 1594. El músico pasó la mayor parte de su vida en Amsterdam, desde donde visitaba otras ciudades. Dado que era un organista ya consagrado y era respetado como una autoridad en ese instrumento, era requerido por su opinión profesional, realizando inspecciones, diagnósticos y aportando consejos en la construcción y reparación de de órganos. En uno de estos viajes, se trasladó hasta Amberes, enviado por las autoridades para comprar un clavecín para la catedral. Su fama como compositor, ejecutante y docente fueron en aumento durante su vida; fue llamado por sus contemporáneos “El Orfeo de Ámsterdam”, y las autoridades de la ciudad a menudo llevaban a visitantes ilustres a escuchar sus improvisaciones. Mientras vivió en la capital holandesa, se limitó a sus actividades como organista. Dejó de tocar el carrillón y la clave; incluso interrumpió la composición de piezas para la iglesia, ya que los servicios calvinistas no incluían obras para órgano al considerarlas mundanas. Por este motivo, su empleo le permitía dedicar tiempo a la enseñanza, labor por la cual se volvió tan famoso como por sus composiciones. Sus discípulos se convertirían, tiempo después, en el núcleo de la gran tradición organística del norte de Alemania: Jacob Praetorius II, Heinrich Scheidemann, Paul Siefert, Melchior Schildt y Samuel y Gottfried Scheidt. La calidad de su enseñanza era tal, que su Escuela representaba la excelencia en cuanto al estudio del órgano. En este sentido, sus alumnos se convirtieron en la referencia frente a la que se evaluaba al resto

de los organistas. Su gran tarea como maestro le valió el mote de “fabricante de organistas” como se lo llamó en Alemania. Su obra representa una de las grandes cumbres en complejidad y refinamiento del contrapunto en el Barroco temprano. Se han conservado más de setenta exclusivas para teclado. Fue un gran compositor para música vocal, coros, así como también de madrigales, motetes y salmos. Son de su autoría los famosísimos Salmos de David compuestos entre 1604 y 1614. <Destacado> <Título> <Cuerpo>

09. <Personalidad> Jean Baptiste Lully <Datos> Nació: en Florencia, Italia, el 28 de noviembre 1632. Falleció: en París, Francia, el 22 de marzo 1687. En síntesis: creador de la ópera francesa y las llamadas “tragedias musicales”. <Copete> Lully no sólo fue un gran músico y compositor, su destreza para relacionarse al interior de la corte lo convirtió en un gran cortesano y le permitió impulsar su carrera hacia la cima del ámbito musical de la época. Siempre fue colmado de honores y riquezas De todas formas, su obra habla por sí sola: fue el creador de la ópera francesa y lo que hoy es conocido cómo tragedia lírica: complejas puestas en escena que combinan música, ballet y textos literarios. <Cuerpo> Fue educado por un monje franciscano quien le dio sus primeras lecciones de música. De muy joven se vio obligado a abandonar su ciudad natal; llegó a Francia en marzo de 1643 y entró como ayudante de cámara de María de Borbón, duquesa de Montpensier que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana. Desde los trece años, tocaba el violín y se destacó, también, como gran bailarín. Por esa época entró a formar parte de “Los Veinticuatro Violines del Rey”, la famosa orquesta de cuerdas perteneciente a la Corte Real Francesa, fundada en 1626 por Luis XIII, que cumplía un importante papel en los eventos y festividades de Versalles. A los veinte años entró bajo el servicio directo de Luis XIV como bailarín de ballet y como violinista, a la vez que dirigió una de las orquestas reales. En 1662 fue nombrado director musical de la familia real. Si una virtud tenía Lully, era que sabía comportarse como un perfecto cortesano, era también un habilísimo hombre de negocios y muy rápidamente se convirtió en el primer compositor de la corte. Sus canciones y ballets terminaron por consagrar su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de música de cámara y finalmente obtuvo el cargo de Superintendente de la Música de su Majestad. A partir de 1664, trabajó regularmente con Moliére, con quien creó un nuevo género: la comedia ballet. Entre sus colaboraciones con el dramaturgo se destaca la serie llamada Les fâcheux. Es sabido que para el año 1672, ya había conseguido títulos de nobleza y una serie de propiedades en París y sus alrededores. También logró, mediante intrigas palaciegas y negociados al interior de la corte, el puesto de director de la Académie Royale de musique; desde ese momento le dedicó toda su atención a la ópera. Denominó a ese género con el nombre de Tragédie Lyrique. Las obras, por lo general, estaban basadas en las tragedias clásicas escritas por sus contemporáneos. Desde el punto de vista musical, sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y los coros tienen su raíz en el ballet cortesano. Contrastan con el

estilo italiano de ópera vigente en la época, en donde se daba prioridad a la interpretación del cantante. La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso: abandonó el recitativo seco y lo sustituyó por un recitativo acompañado de bajo continuo; introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban. Al mismo tiempo, creó y estableció la forma clásica de obertura francesa. Consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, hecho que lo colocó en una posición de bastante poder desde la cual podía manejar la suerte de todos los compositores. De esta forma, Lully llegó a dominar todo el ámbito musical de Francia en la época del Rey Sol. <Destacado> <Titulo> La “tragedia lírica” de su muerte <Cuerpo> Lully murió a causa de una infección derivada de una herida en uno de sus pies. Ésta había sido provocada por él mismo mientras dirigía una orquesta al clavarse su bastón de Director, una pesada barra de hierro con la que se golpeaba el suelo para marcar el compás. El músico fue atendido por los médicos reales, pero debido a su vocación como bailarín, prohibió que le cortaran la pierna. Ésta se gangrenó y la infección se extendió deteriorando su salud rápidamente.

10. <Personalidad> Dietrich Buxtehude <Datos> Nació: en Helsingborg, Suecia, en 1637. Falleció: en Lübeck, Alemania, el 9 de mayo 1707. En síntesis: uno de los más célebres músicos de la Escuela Alemana de órgano durante el Barroco. <Copete> Su aporte como compositor y organista se enmarca dentro de la música académica típica del Barroco. Aunque nació en lo que por entonces era el reino de Dinamarca, se formó como profesional en territorios alemanes. Su música influyó a algunos de los autores más célebres de la historia. Cuenta la leyenda que el mismo Johann Sebastian Bach a los veinte años realizó un viaje de más de trescientos kilómetros a pie solo para escuchar a Buxtehude tocar en vivo. <Cuerpo > La fecha y lugar exactos de nacimiento de Buxtehude aún no se saben con certeza, pero lo más probable es que haya nacido en la ciudad de Helsinborg, por ese entonces parte de Dinamarca, en el año 1637. Gracias a su padre aprendió sus primeras lecciones de música, en especial de órgano y composición. Se casó con la hija del organista de la iglesia alemana de Santa María de Lübeck y heredó su puesto en 1668. De esta forma empezó su carrera musical que lo convertiría en un auténtico referente de la música barroca. Constituyó los Conciertos de Adviento, en alemán Abendmusiken, que se presentaban los cinco domingos anteriores a la Navidad. Se trataba de un espectáculo gratuito con música de órgano y obras vocales que se celebrarían hasta inicios de 1800 y que en su momento lo transformaron en el organista más conocido de la época. Su obra comprende, principalmente, música sacra y es considerado el mejor compositor luterano del siglo XVII. Se caracteriza por un gran número de composiciones para música vocal, de diferentes estilos, así como también, piezas para órganos y corales entre otras. Además de la música de cámara para clavecín, compuso casi veinte suites, seis variaciones y veinte sonatas en trío para violín, viola de gamba y bajo continuo. Las sonatas de cámara fueron las únicas de estas obras que se editaron en vida del artista. Escribió más de cien cantatas con textos en alemán y en latín, una misa breve a cinco voces, un motete llamado Benedicam Dominum a veinticuatro voces y varios oratorios, algunos de los cuales se han perdido. Los críticos creen que muchos de sus trabajos fueron el modelo para las posteriores obras de Johann Sebastian Bach y George Philipp Telemann. También se destacan sus composiciones para clavicémbalo: tocatas, fantasías, fugas, pasacallas y sonatas. Sus Preludios son considerados su principal contribución a la música del siglo XVII. Alternan partes improvisadas con partes de estricto contrapunto, normalmente, fugas. Son tan variados en estilo que resultan difíciles de clasificar. En cuanto a sus series corales, se clasifican en las categorías de preludios corales, fantasías corales y variaciones corales, compuestas para tres o cuatro voces.

En general, se considera que su estilo sigue la corriente que había sido creada por Sweelinck, conocida como “Escuela organista del Norte”. Esta se encontraba caracterizada por el gusto por las grandes arquitecturas musicales, que con riqueza y libertad de imaginación se expresaban perfectamente a través de los recursos sonoros de los grandes instrumentos creados por los artesanos septentrionales. En este sentido, su obra presenta el aspecto complejo y grandioso de la arquitectura musical, la invención melódica y rítmica, la enorme riqueza del contrapunto, sin descuidar en absoluto el virtuosismo a la hora de la ejecución. <Destacado> <Título> Los preludios <Cuerpo> Los preludios forman la parte principal del trabajo de Buxtehude son bastante variados en estilo, lo que los hace difíciles de clasificar: van desde los más majestuosos hasta piezas con múltiples partes variadas como BuxWV 141 (dos fugas, secciones de contrapunto imitativo y partes con escritura concordada) y composiciones con dos fragmentos relativamente breves como BuxWV 144 (un corto preludio improvisado seguido de una fuga más larga).

11. <Personalidad> Alessandro Stradella <Datos> Nació: en Nepi, Italia, el 3 de abril 1639. Falleció: en Génova, Italia, el 25 de febrero de 1682. En síntesis: gran compositor italiano, entre sus muchos aportes se destaca, el fijar la forma del Aria. <Copete> La reputación de este músico ha sido condenada debido a las críticas que generó su estilo de vida. Sin embargo, es innegable el papel que ocupó en la evolución de la ópera como género musical. Fue un gran músico y compositor, es considerado una de las mejores voces de su época. Sus innovaciones en la técnica, tanto instrumental como vocal, siguen vigentes hasta el día de hoy. Entre sus logros, ayudó a formar y consolidar la estructura del Aria. <Cuerpo> Nació en el seno de una familia aristocrática de enorme riqueza. Los recursos con los que contaban sus padres le permitieron realizar sus estudios en la Universidad de Bolonia. A los 20 años ya era un compositor famoso y recibía encargos de la reina Cristina de Suecia. En 1667 viajó a Roma donde se radicó para completar su formación musical. Cuentan que desde su establecimiento en la capital italiana llevó una vida absolutamente libertina que terminaría no sólo por acabar con su vida, sino que también condenaría su reputación como músico a futuro. Entre las muchas cosas de que se lo acusa, se dice que trató de hacer una estafa con dinero de la Iglesia Católica Romana para apoderarse de los fondos. No se sabe con exactitud qué fue lo que ocurrió pero fue descubierto y debió escapar a Venecia, el único territorio de Italia al que no llegaba la autoridad papal. Posteriormente regresaría a Roma cuando se consideró fuera de peligro. Pero éste no sería el único escándalo en el que estaría inmerso. Su interés por las mujeres, especialmente las casadas, comenzaron a crearle problemas, y enemigos entre los hombres de la ciudad. En 1677 volvió a Venecia al ser contratado por un noble de la familia Contarina como tutor de música para su esposa. Tal como era de esperar, en poco tiempo se había convertido en amante de su alumna y ambos se vieron obligados a huir a Nápoles. El traicionado marido contrató un grupo de mercenarios para que los asesinaran. Pero, en cuanto los sicarios lo oyeron cantar, quedaron tan maravillados con la melodía y la voz del músico que no se atrevieron a cumplir su mandato. Stradella entonces, escapó a Génova. Sin embargo, los nuevos enviados de Contarina, menos sensibles a las artes musicales, lograrían encontrarlo. Afortunadamente, estos tampoco tuvieron éxito y solamente lograron dejarlo mal herido. Durante su estadía en Génova el músico trató de enfocarse en su carrera profesional y se dedicó a escribir óperas y cantatas, aunque no tardó mucho en conseguirse nuevos problemas. Pero esta vez no tendría tanta suerte, tras ofender a un miembro de la familia Lomellini, sus enviados lo matarían a la corta edad de cuarenta y tres años.

Su obra fue realmente prolífica, en particular en lo que respecta a la música sacra. Ejerció una notable influencia sobre músicos como Corelli, Vivaldi y el mismo Händel. Uno de sus mayores aportes es el haber creado la forma musical del Concerto Grosso utilizada en su Sonate di Viole. Escribió 6 operas y 27 obras instrumentales, la mayoría para cuerda y bajo continuo. También compuso numerosas cantatas, y oratorios entre los que se destacan San Giovanni Battista de 1675 y La Susanna de 1681. Su vida ha sido motivo de muchas producciones: tres óperas lo tienen como protagonista, y en 1909, el escritor estadounidense Crawford escribió una novela romántica titulada Stradella. <Destacado> <Titulo> La Susanna <Cuerpo> Es un oratorio compuesto por Stradella por encargo del Duque de Modena, Francisco II que fue estrenado en 1680. Está basado en el relato bíblico de Susana en el cual se ensalza la castidad de las mujeres. Con recitativos de gran fuerza dramática claramente separados de las arias solistas, es una obra de gran fuerza cuyas características principales son su ampulosidad sonora, la riqueza en la ornamentación y el empleo de recursos emotivos.

12. <Personalidad> Johann Pachelbel <Datos> Nació: en Núremberg, Alemania, el 1 de septiembre de 1656. Falleció: en la misma ciudad, el 3 de marzo 1706. En síntesis: organista y compositor de origen alemán, fue reconocido como uno de los grandes maestros barrocos que tuvo influencia en Johann Sebastian Bach. <Copete> Fue, además de organista y compositor, un destacado clavicembalista. Profesor de Johann Christoph Bach, hermano y profesor del gran Johann Sebastian, y amigo de Dietrich Buxtehude. Se convirtió en uno de los compositores más importantes de la época, gracias a su aporte al desarrollo del preludio, del coral y de fuga. Su música gozó de una gran popularidad, lo que le permitió tener numerosos alumnos y convertirse en un modelo para los compositores de Alemania <Cuerpo> Nació en el seno de una familia de clase media, y su padre, un comerciante de vinos, le costeó sus primeras lecciones. Desde muy pequeño recibió clases de música, y su educación primaria en la Lorenz Hauptschule. Por ese entonces ya comenzaba a demostrar sus impresionantes habilidades musicales. En 1669 ingresó a la Universidad de Altdor, y ese mismo año fue nombrado organista de la iglesia de San Lorenzo. Por dificultades económicas se vio obligado a abandonar los estudios universitarios, sin embargo, gracias a sus sobresalientes calificaciones académicas, pudo obtener una beca en el Gymnasium Poeticum. Poco tiempo después también se encontró desempeñándose como organista suplente en la Catedral de San Esteban de Viena. Allí pasó cinco años, y pudo interactuar con gran cantidad de compositores, músicos y artistas católicos del sur de Alemania y de Italia que tendrían un gran impacto en Pachelbel y el sonido de sus obras sacras. En 1677 se mudó a Eisenach para trabajar al servicio de la corte de Johann Georg, duque de Sajonia. En este lugar conoció a Johann Ambrosius Bach, padre del legendario músico, con quien trabó una profunda amistad. A tal punto que, un año después en Eufurt, se convirtió en padrino de una de sus hijas, y profesor de Johann Christoph. Allí vivió por doce años, fue músico de la Predigerkirche, mientras componía preludios corales que eran interpretados en la misa. Durante este período ganó reputación como uno de los mejores organistas y compositores alemanes. Su primer trabajo publicado fue Musicalische Sterbens-Gedancken, en 1683, se cree que pudo haber sido motivado por el fallecimiento de su primera esposa y su hijo a causa de una epidemia de peste. En 1690 se convirtió en músico organista de la corte de Wüttemberg, bajo las ordenes de la duquesa Magdalena Sibvlla, Luego de dos años se trasladó a la ciudad de Gotha, en donde publicó su colección de música litúrgica: Acht Chorale zum Praeambulieren. En 1695 dejó la ciudad y regresó a Nüremberg, para ser nombrado organista de la iglesia de San Sebaldo. Entre sus obras publicadas de esa época se encuentran: una colección de música de cámara, Musicalische Ergötzung; ocho

preludios para corales; la famosa Hexachordum Apollinis; y un conjunto de seis arias para clavicémbalo. Su obra se caracterizó por tener siempre una notable claridad, melódica y armónica, capaz de formar un sonido lúcido y simple. En este sentido, su estilo era menos virtuoso e innovador que el de alguno de sus contemporáneos. Sin embargo, en lo que respecta a las técnicas, e instrumentalizaciones que utilizó para componer, siempre exploró distintas variaciones musicales. Como resultado dejó una extensa colección de piezas que atraviesan todos los géneros relevantes de la época, tanto de música de cámara como vocal, se encuentran desde misas hasta suites para clavicordio. <Destacado> <Titulo> Canon y giga en Re mayor <Cuerpo> Es la obra más conocida del Pachelbel compuesta alrededor de 1680. La versión original es interpretada por tres violines que tocan sobre la melodía del contrabajo, que interpreta solo dos compases al inicio. El primer violín ejecuta la primera variación, al llegar al final, comienza la segunda variación, mientras que el segundo violín arranca con la primera variación. Al final de la segunda variación, el primer violín comienza la tercera variación, el segundo la segunda, el tercero la primera.

13. <Personalidad> Arcángelo Corelli <Datos> Nació: en Fusignano, Italia, el 17 de febrero 1653. Falleció: en Roma, Italia, el 8 de enero 1713. En síntesis: violinista y compositor, se especializó en música instrumental por encima de la dramática. <Copete> Protegido de la Reina Cristina de Suecia. Corelli fue tremendamente famoso en vida, tanto como compositor como, intérprete de sus propias obras. Realizó numerosas giras por Francia e Inglaterra, donde era recibido por la más alta aristocracia. Su riqueza como músico y compositor lo llevó a convertirse en uno de los más publicados de la época. Ejerció una gran influencia en los músicos alemanes que serían los emblemas de la nueva generación, entre ellos los mismos Bach y Händel. <Cuerpo> Era hijo de una de las familias más importantes de la ciudad, por lo que desde la infancia recibió lecciones de violín. En 1666 viajó a Bolonia, donde estudió con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. Cuatro años después pasó a ser miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. A los veintidós años se estableció en Roma, allí alcanzaría una extraordinaria fama como violinista, a la vez que perfeccionaba su técnica compositiva. Por ese entonces ya era protegido de la reina Cristina de Suecia. En 1682 se convirtió en primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses, la iglesia nacional de la comunidad francesa radicada en la capital. Luego de unos años ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia. Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Su fama era tal, que al poco tiempo fue aceptado en la famosa Academia de la Arcadia, una altísima distinción en esa época, donde conoció a Domenico Scarlatti. Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la Sonata preclásica y el representante por excelencia del Concerto Grosso. Ésta era una forma popular de la música barroca usada por los conjuntos de ese entonces. Tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas es decir, un concertino y una orquesta completa, el tutti. Por aquella época se distinguían dos formas de Concerto Grosso: el Concerto da Chiesa y el Concertó da Camera. El primero era más formal, solo alternaba adagios con allegros, en cambio, el segundo se asemejaba más a una suite, compuesta por un preludio como introducción y una serie posterior de danzas populares. Los concertinos de Corelli consistían en dos violines y un violonchelo, con una orquesta de cuerdas haciendo las veces de ripieno, ambos acompañados por un bajo continuo. Se cree que este último era interpretado en el órgano en los días de Corelli, especialmente en el caso de un concerto da chiesa, pero en las grabaciones modernas son mayormente exclusivas las realizaciones en clave o clavicémbalo.

Después de las de Franz Joseph Hadyn, las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo. Realizó numerosas giras por Francia e Inglaterra y era conocido como El Príncipe de los músicos. Su condición interpretativa sentó las bases para la técnica violinista de los siglos XVIII y XIX. Su música de cámara incluye cuatro colecciones de sonatas en trío publicadas en 1681, 1685, 1689 y 1694; doce sonatas para violín, violonchelo y clave, publicadas en 1700 entre las que se encuentran las famosas variaciones de La Follia; y doce Concerto Grossi, publicados póstumamente en 1714. Corelli murió en la plenitud de su fama y fue enterrado en el panteón de la Iglesia de Santa María ad Mártires en Roma. < Destacado> <Titulo> La Follia <Cuerpo> La Follia, en italiano, locura, no es una sonata como cualquier otra. Sólo consta de un movimiento y en realidad, se trata de un mismo tema con variaciones sobre una melodía popular. Ésta era conocida en Europa desde el siglo XIV, y parece ser que tiene sus raíces en España, ya que su ritmo recuerda al de una sarabanda, danza de origen español. Corelli presentó más de veinte variaciones en todos los estilos, con compases rítmicos diferentes y con todas las argucias técnicas posibles para la época.

14. <Personalidad> Henry Purcell <Datos> Nació: en Westminster, Inglaterra, en 1659. Falleció: en la misma ciudad, el 21 de noviembre 1695. En síntesis: considerado el mayor compositor inglés de todos los tiempos, logró crear un estilo propio característico del Barroco inglés. <Copete > El aporte de Purcell a la producción cultural de su país no es menor, con él Inglaterra entró en la historia grande de la música. Thomas Tudway lo definió como “el genio más grande que hemos tenido.” Hoy en día sigue siendo considerado uno de los mejores compositores ingleses y uno de los más finos y originales de la época. Sus piezas instrumentales, no son tan conocidas, pero fueron tan importantes como su música vocal. En su obra combinó la tradición italiana con el agudo humor inglés. <Cuerpo> Su padre fue caballero de la Casa Real, tras su muerte, el pequeño Henry quedó bajo la custodia de su tío Thomas, quien mostró por él gran afecto y dedicación. Éste era, a su vez, caballero de la Capilla del Rey y gestionó la admisión de su sobrino como miembro del coro. Allí estudió primero con Henry Cooke, maestro de los niños, y luego con su sucesor Pelham Humfrey. Se suele decir que Purcell comenzó a componer a los nueve años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del Rey escrita en torno a 1671. Luego de la muerte de Humfrey, continuó sus estudios con John Blow mientras asistía a la Escuela de Westminster. En 1676 fue nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster. Un año después escribió varias canciones y un himno de nombre actualmente desconocido para la Capilla Real. Pero a través de una carta de su tío, se sabe que fueron compuestos para la legendaria voz del reverendo John Gostling, quien por entonces se encontraba en Canterbury. Según algunas fuentes, se trataba de un bajo profundo excepcional que cubría dos octavas descendentes. En general se conoce pocos de este tipo de himnos. El más famoso y notable, quizás sea They that go down to the sea in ships, compuesto para dar gracias por un salvamento durante un naufragio. Gostling, que acompañaba en esa oportunidad al Rey, reunió varios versos de los Salmos en forma de himno y le pidió a Purcell que compusiera la música. La obra es realmente difícil de interpretar, incluye un pasaje que atraviesa toda la tesitura de la voz del cantante y por este motivo es casi irreproducible. En 1677 compuso la música para la tragedia de Aphra Behn Abdelazar. Y poco después, una obertura y mascarada para la nueva versión de Shadwell sobre Timón de Atenas de Shakespeare. Por ese entonces, también se convirtió en compositor de la orquesta de cuerda “Violines del Rey”. A los veintidós años de edad asumió el cargo de organista de la Abadia de Westminster, luego de que Blow, su antiguo maestro renunciara y le cediera el puesto. En 1683 fue nombrado organista de la Capilla Real y constructor de los Órganos Reales. Antes de asumir el cargo, produjo dos importantes trabajos: la

música para Teodosio y para Esposa virtuosa de Thomas D' Urfey. Se dedicó luego enteramente a la composición de música sacra, y por seis años no compuso nada que tuviera que ver con el teatro. Hasta que en 1689, compuso la ópera Dido and Eneas, que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria Lamento de Dido. Su música instrumental no es tan conocida como la vocal, pero es igual de relevante. En sus fantasías y sonatas escritas en estilo contrapuntístico, logró una perfecta combinación entre el sonido Italiano y el humor inglés. <Destacado> <Título> Dido y Eneas <Cuerpo> Es probablemente su obra más famosa, fue representada por primera vez en Londres en 1688. La ópera consta de un prólogo y tres actos, su libreto fue escrito por Nathum Tate. La historia está basada en el Libro IV de la Eneida de Virgilio y relata la desesperación de Dido cuando es abandonada por Eneas. En su estructura se ve claramente la influencia que el maestro John Blow tuvo en el músico. Es una obra monumental de la ópera barroca; fue la primera ópera de Purcell y una de las primeras óperas inglesas.

15. <Personalidad> Alessandro Scarlatti <Datos> Nació: en Palermo, Italia, el 2 de mayo 1660. Falleció: en Nápoles, Italia, el 22 de octubre 1725. En síntesis: desempeñó un papel fundamental en la historia de la ópera, colaboró con el perfeccionamiento de las formas y el lenguaje. <Copete> No hay dudas de que los músicos italianos han contribuido como pocos al desarrollo de la música en el período clásico. Scarlatti fue uno de ellos, su extensa obra consta de más de cien óperas, ochocientas cantatas, serenatas para voces e instrumentos, sinfonías, sonatas y concerti grossi. Perfeccionó las formas del lenguaje de la ópera, el Aria da capo y la obertura italiana de tres elementos. Fue uno de los primeros en utilizar el recitativo acompañado con clavicémbalo y órgano. <Cuerpo> Nació en una familia siciliana muy humilde, de pequeño sus padres lo enviaron a Roma a vivir bajo el cuidado de unos parientes cercanos. Por aquella época había gran demanda de niños cantores para las numerosísimas iglesias de la ciudad. De esta forma, Scarlatti inició su carrera profesional como corista. En 1679, con tan solo dieciocho años, dio sus primeros pasos como compositor con la ópera Gli Equivoci nel Semblante, cuyo estreno fue un gran éxito. Ésta había sido un encargo de la reina Cristina de Suecia, quien se había radicado en la capital italiana luego de su abdicación y conversión al catolicismo. Ese mismo año también publicó su primer oratorio. En 1684 fue contratado como maestro de capilla por el Virrey de Nápoles. Su primera estancia en esta ciudad fue de dieciocho años, durante ese periodo compuso más de ochenta óperas de las que llegaron a nuestros días tan solo cuarenta. También escribió nueve oratorios; siete serenatas y sesenta y cinco cantatas. Sus trabajos eran interpretados en las ciudades más importantes del mundo, como por ejemplo en Roma, Florencia, Milán, Brunswick y Londres. Alrededor del año 1700 volvió a Roma para convertirse en maestro de capilla en la Basílica de Santa María la Mayor. A su vez, recibía encargos de Ferdinando de Medici y de María Casimira, reina de Polonia. Al poco tiempo, entró al servicio del cardenal Pietro Ottoboni, y se volvió un exitoso compositor de cantatas, de entre ellas se destaca la famosa Cantata per la Notte di Natale. En 1706 fue admitido en la Academia de la Arcadia, en los años siguientes escribió una misa y varios motetes, así como también, un ciclo de responsos para semana santa por encargo de Medici. En 1708, Scarlatti compuso dos oratorios en con textos de Ottoboni, en ocasión del ciclo de ocho oratorios organizado para la cuaresma: Il Martirio di Santa Cecilia y el Oratorio per la Passione di nostro Signor Gesu Cristo. Este último, con el subtítulo de La Colpa, Il Pentimento, la Grazia, es considerado uno de sus mejores oratorios y fue representado el Miércoles Santo en el palacio de la Cancillería. Se dice que uno de los motivos que impulsó al músico a escribir estas piezas fue el sentimiento de rivalidad para con el joven músico

alemán Händel, que entonces residía en Italia, y cuyo oratorio La Resurrezione se representaría el Domingo de Pascua siguiente en el palacio Ruspoli. Con la llegada de los Austrias a Nápoles, Scarlatti decidió volver a la ciudad recuperando su antiguo puesto. Allí viviría hasta su muerte; durante sus últimos años, siendo ya un anciano maestro mundialmente famoso, se dedicó a enseñar a los jóvenes compositores que peregrinaban para verlo. De esta época datan las siete sonatas para flauta y cuerda de Scarlatti. Su última ópera, Griselda, se estrenó en el Teatro Capranica de Roma en 1721 con ayuda del Príncipe Ruspoli. <Destacado> <Titulo> Cantatas <Cuerpo> Es en éste género en donde el genio de Scarlatti se aprecia en plenitud, ya que utiliza magistralmente los recursos musicales de su tiempo. La cantata, como forma concentrada de una escena de ópera, se consideraba por algunos la más alta forma de expresión artística. En muchas de sus obras, la voz soprano es acompañada sólo por el basso continuo. Estas consisten en arias da capo conectadas por recitativos, la más común es la de cuatro movimientos, con la forma recitativo – aria – recitativo - aria.

16. <Personalidad> François Couperin <Datos> Nació: en París, Francia, el 10 de noviembre de 1668. Falleció: en la misma ciudad, el 11 de septiembre 1773. En síntesis: se lo considera “el músico poeta por excelencia” de la música barroca francesa. <Copete> Es conocido como Couperin, El Grande para distinguirlo de sus parientes músicos. Fue, junto con Jean Phillippe Rameau, el más importante compositor del barroco francés. Se dedicó también a la interpretación del órgano y el clave. Famoso por su refinado estilo a la hora de escribir música, característica que sin duda está presente en toda su persona y fue capaz de plasmar en su obra. <Cuerpo> Perteneció a una familia de músicos originaria de la zona de Brie. De joven recibió sus primeras lecciones de su padre y su tío, pero ninguno de ellos le proporcionó una educación formal. Posteriormente, perfeccionó sus conocimientos con Jacques Thomelin, el famoso organista de la iglesia de San Jacques la Boucherie. A los diecisiete años ya era organista en Saint Gervais de Paris, cargo que luego cedería a su primo, Nicolás Couperin. En 1693 sucedió a su maestro Thomelin en el puesto que éste ocupaba en la Capilla Real bajo el título de organista del Rey Luis XIV. Una vez instalado en la corte francesa fue, además, maestro del nieto del rey, el duque de Borgoña. En 1717 también fue nombrado compositor de la corte con el pomposo cargo de “Ordinaire de la musique de la chambre du Roi” y sus tareas consistían en componer música sacra para las oraciones reales y música profana de cámara para entretener y deleitar a los monarcas. Tenía la obligación de dar un concierto todas las semanas; en general, los mismos consistían en suites para violín, viola de gamba, oboe, flauta traversa y clavicémbalo, instrumento que interpretaba él mismo y del cual era un virtuosísimo intérprete. En general las obras de Couperin tienen títulos pintorescos que de alguna manera anticipan su música programática. Pero es innegable que su sonido, refinado y elegante constituye un modelo ejemplar de lo que se considera el Barroco francés fácilmente reconocible por un exquisito estilo galante. De esta forma, los temas expresan un estado de ánimo a través de las elecciones tonales, y sus armonías y disonancias sumamente audaces para la época. Sus composiciones eran tan delicadas que algunos las consideraban pequeños poemas tonales. Muchos especialistas dicen que su música puede presentarse como un antecedente de la obra de piano a modo de Postales Ilustradas de Albéniz o de los Preludios de Debussy. También hay quienes sostienen que Couperin en su madurez desarrolló un estilo muy personal “hecho de una poesía discreta, una atmósfera elegíaca y de una técnica que jamás se deja dominar por el virtuosismo o por los efectos”. Según muchas fuentes, tuvo una gran fama durante su vida, pero luego de su muerte su figura fue dejada en el

olvido en Francia. Sin embargo, no ocurrió lo mismo en Alemania, donde el interés de Johann Sebastian Bach por su música lo mantuvo dentro de los artistas más estudiados. Couperin siempre fue poco afecto al ruido y a la vida mundana, acorde con lo cual desarrollo una carrera muy honesta tanto como músico y como profesor. Por este motivo fue muy apreciado por los grandes músicos posteriores, no solo por la belleza de su música sino también, por la grandeza de su persona. <Destacado> <Título> Couperin y la posteridad <Cuerpo> Se dice que fue un músico que creía en la habilidad de la Música para mostrar la esencia de una persona. Es decir, que trataba de expresarse a sí mismo en su prosa y poesía. Así, su obra le permitió entrar en la posteridad influyendo a muchos de los grandes artistas de todos los tiempos. Entre ellos se encuentran Johannes Brahms, quien lo interpreto muchas veces en público, Richard Strauss que orquestó algunas de sus obras para clavecín y Maurice Ravel que le rindió homenaje en Le Tombeau de Couperin.

17. <Personalidad> Tomasso Giovanni Albinoni <Datos> Nació: en Venecia, Italia, el 8 de junio 1671. Falleció: en la misma ciudad, el 17 de enero de 1751. En síntesis: famoso por su música instrumental, gran creador de conciertos y sonatas para oboe. <Copete> Fue un gran compositor de música vocal e instrumental. En su momento era reconocido por sus óperas, sin embargo pasaría a la historia por sus conciertos para oboe. Nunca ocupó un cargo en ninguna capilla ni trabajó al servicio de una Corte. Se sabe que Bach compuso por lo menos dos fugas en base a sus temas. Lamentablemente, gran parte de su obra se ha perdido. <Cuerpo> Era hijo de un acaudalado comerciante veneciano que se especializaba en el área del papel. A pesar de haber vivido en un período de la historia que se encuentra muy bien documentado, no se conocen muchos datos sobre su vida. Se sabe que estudió violín y canto durante su infancia. De pequeño mostró un interés por la música y por hacer de ese su principal medio de vida. Sin embargo, a diferencia de la mayor parte de los artistas, Albinoni no tenía deseos de desempeñarse como profesional dentro del marco cortesano, ni al servicio de una capilla. Quizás es por este motivo que su biografía sigue siendo un misterio. En consecuencia, gracias a los recursos económicos heredados de su padre, formó parte de los llamados amateurs o en italiano, dilettanti del siglo XVIII. Estos fueron los verdaderos precursores del “artista independiente”, que haría su aparición recién durante el periodo Romántico y cuyo principal representante fue Beethoven. Albinoni se dedicó a la composición tanto vocal como instrumental. Su primera obra fue la ópera Zenobia, reina de los palmirenos que fue estrenada en Venecia en 1694. Logró fama como compositor de óperas en varias ciudades italianas además de su ciudad natal, entre ellas Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Su música vocal consiguió gran éxito al momento de su estreno, pero rápidamente cayó en el olvido. Sus obras instrumentales, por lo contrario, serían de gran influencia aun después de su muerte, se dice que el mismo Bach tomaría elementos de él. Por ese entonces también publicó sus Doce sonatas y Sinfonías y en el año 1700, algunos de sus conciertos. Ese mismo año fue contratado como violinista por Fernando, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales de su Opus 2 .Un año después escribió sus Suites Opus 3, que dedicó al Gran Duque Fernando III de Toscana. Y en 1704 publicó sus Seis sonatas de iglesia para violín y violoncelo. Todas estas obras fueron muy populares en su momento. Si bien antes de 1705 ya había compuesto sonatas, a partir de ese año comenzó a hacerlo en forma de trío, escribió conciertos para violín, sonatas para solo y conciertos para oboe. A partir de aquí, se inscribe en la forma tradicional del concerto grosso que

tanto había desarrollado Corelli. Pero combinó esta forma con las innovaciones expresivas que había creado otro de sus contemporáneos, Vivaldi. Entre 1707 y 1722 escribió treinta y seis conciertos que se recopilaron en una sola edición. Fue invitado por Maximiliano II de Baviera, a quien Albinoni ya había dedicado un conjunto de conciertos, a dirigir en Múnich dos de sus óperas. En 1740 se publicó en Francia una colección de sonatas para violín como una obra póstuma, pero, en contra de lo que se había supuesto el músico seguía vivo. Murió recién en 1751, convirtiéndose en uno de los más longevos de su época. <Destacado> <Título> Daños Colaterales <Cuerpo> Gran parte de la obra de Albinoni se perdió en el bombardeo de Dresde durante la Segunda Guerra Mundial, al destruirse la Biblioteca Estatal en donde se encontraban no sólo sus piezas sino también valiosa documentación sobre su vida. De hecho, la composición por la que es más conocido, el famoso Adagio en sol menor, fue escrita por Giazzoto basándose, supuestamente, en fragmentos rescatados de la obra original; sin embargo estos nunca se han encontrado.

18. <Personalidad> Antonio Vivaldi <Datos> Nació: en Venecia, Italia, el 4 de marzo 1678. Falleció: en Viena, Austria, el 28 de julio de 1741. En síntesis: fue el compositor del Barroco más completo e intenso. Consolidó la estructura del concierto como género. <Copete> Una de las figuras más relevantes de la historia de la música, no sólo por la magnitud de su obra sino por las innovaciones que aportó, tanto en las formas teóricas como en los recursos expresivos. Gran artífice del género concierto que luego sería llevado a la perfección por Bach. Su obra Las cuatro estaciones representa una de las piezas más sublimes del clasicismo. Se trata de un concerto solli, el precursor inmediato del concierto solista moderno. <Cuerpo> Fue el autor de 770 obras, y artífice de múltiples aportes a la música. En primer lugar, su Opus 8 Il cimento dell´armonia e dell´inventione, rompió con el paradigma del concerto solli, del cual él mismo había sido un gran exponente. En dicho género, el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la orquesta se limitaba a acompañar según las reglas de la armonía. En Las cuatro estaciones, la orquesta no actúa como mero acompañamiento sino que ayuda al desarrollo de la obra. Crea así un sonido en el que es imposible disociar las partes, se establece un equilibrio perfecto entre el violín solista y la orquesta; y la fuerza de la obra alcanza su punto máximo al escucharla de forma integrada. En 1703, recién ordenado sacerdote, Vivaldi fue contratado como maestro de violín en el Ospedale della Pietá, un orfanato para niñas. Allí escribió gran número de obras que dedicó a las huérfanas. Dotado de una personalidad histriónica e independiente hasta puntos extremos, desarrolló una carrera tumultuosa en esta institución con la que mantuvo siempre caóticas relaciones. A pesar de todo, el orfanato fue su laboratorio musical. En 1713 compuso su primera ópera “Ottone in Villa” y comenzó una carrera como empresario de operas además de compositor. Por esa misma época conoció a Anna Giraud una joven cantante que a partir de ese momento se mantendría siempre a su lado. Las obras de ese período dan testimonio de su temperamento dramático excepcional, eran piezas innovadoras que imponían un estilo nuevo que cuestionaba la vieja tradición defendida por los conservadores. Todo esto le valió la hostilidad de gran parte de la aristocracia veneciana que le cerró las puertas de sus teatros. Vivaldi también fue un magnifico “descubridor” de voces, dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi y Strada. Por otro lado, desarrolló una prospera actividad lucrativa como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos con una red de clientes y mecenas. En esta empresa, tuvo como objeto tanto la música instrumental como vocal. Se dedicó a la venta de conciertos, arias de óperas, cantatas, serenatas, y música religiosa como, por ejemplo, el

Stábat Mater de 1712 para una iglesia de Brescia. Entre 1718 y1722 trabajó para el príncipe de Mantua; luego comenzó un periodo de viajes por Europa para supervisar las puestas en escena de sus óperas. Vivaldi no solo fue un extraordinario intérprete y compositor de la música de su época, fue además un gran innovador que revolucionaria el futuro de la música. Tal vez por eso es que fue incomprendido durante su vida y después de su muerte cayó inexplicablemente en el olvido, a punto tal que no aparece en los libros de música de la época. Recién en el siglo XX se retomaría su obra y se le daría el reconocimiento que merece gracias a sus aportes al desarrollo de la música. <Destacado> <Título> La producción de un prodigio <Cuerpo> Vivaldi era considerado en su época como un prodigio del violín. Pero no se limitó solo a la interpretación de ese instrumento, también compuso cuarenta y seis óperas, setenta sonatas y ciento noventa y cinco obras vocales, entre ellas cuarenta y cinco cantatas. A esto se agregan quinientos cincuenta y cuatro conciertos. Escribió música religiosa, misas y motetes. El joven Bach, contemporáneo suyo, estudió minuciosamente su obra en sus años de formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas, sólo existen hoy en día, las transcripciones hechas por Bach.

19. <Personalidad> Georg Philipp Telemann <Datos> Nació: en Magdeburgo, Alemania, el 14 de marzo 1681. Falleció: en Hamburgo, Alemania, el 25 de junio 1767. En síntesis: con 800 obras es el autor más prolífico de todos los tiempos, aunque se cree que sus composiciones superaron las tres mil piezas. <Copete> Su obra es tan prolífica que dicen que él mismo jamás pudo contar el número total de piezas. Fue amigo de Händel a lo largo de toda su vida, así como también de Johann Sebastian Bach. Este último es considerado hoy el mejor de su época, pero por aquellos años la fama más extendida era la de Telemann cuyas obras eran ampliamente conocidas. Dotado de gran sentido del humor, confianza en sí mismo y un carácter amigable, se convirtió en una de las personalidades más importantes de sus tiempos <Cuerpo> Nacido en una familia de clase media alta, comenzó a descubrir la música de muy pequeño sin que mediara para ello ningún antecedente familiar. A los doce años mostró su creciente talento al componer su primer opus. Su formación inicial había sido autodidacta, sin embargo esta enorme actitud musical no encontró apoyo en sus parientes más cercanos. Su madre, temerosa de que siguiera la carrera musical le quitó todos los instrumentos y en 1693 lo envió a una nueva escuela en Zellerfeld con la esperanza de que el niño se interesara por una profesión más lucrativa. Pero las argucias de la historia jugaron su papel, el director de la escuela descubrió más temprano que tarde el talento musical del nuevo alumno y permitió que el joven siguiera componiendo y extendiendo sus conocimientos por sus propios medios. Así, en el momento en que terminaba sus estudios ya había aprendido a tocar, casi sin ayuda, la flauta dulce, el órgano, el violín, la viola da gamba, la flauta traversa, el oboe, el chalumeau, y el trombón bajo entre otros instrumentos. En 1701 ingresó a la Universidad de Leipzig para estudiar leyes, pero el intento no duro demasiado, y enseguida comenzaron a encargarle la composición de piezas para varias iglesias de la ciudad. Poco tiempo después fundó un Collegium musicum de cuarenta miembros para dar conciertos, y un año después fue nombrado director de la Ópera de Leipzig y cantor de una de sus iglesias. En 1705 abandonó la ciudad para convertirse en maestro de capilla de la corte del Conde Erdmann II, en Sorau. En ese puesto se mantuvo durante dos años y estando allí compuso varias oberturas y suites. Pero cuando Alemania fue invadida por los ejércitos suecos, se vio obligado a desalojar el castillo. Posteriormente fue nombrado jefe de cantores de la corte de Eisenach donde conoció a Johann Sebastian Bach. En 1721 ya era director musical de las cinco principales iglesias de Hamburgo, cargos que ocupó durante el resto de su vida. En esa ciudad la tarea como compositor era febril: compuso dos cantatas para cada liturgia dominical y otra música sacra para ocasiones especiales. Enseñó canto y teoría musical a la vez que dirigía otro collegium que tocaba

semanalmente. Hacia 1740 se dedicaba a escribir tratados teóricos y a educar a jóvenes compositores, entre ellos su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach. Mientras tanto siguió escribiendo música hasta el día de su muerte. Fue enormemente famoso durante su vida pero luego de su fallecimiento permaneció largo tiempo en el olvido. Gran parte de sus manuscritos se destruyeron durante la Segunda Guerra Mundial, y muchos otros fueron descubiertos recién en el siglo XX. El renovado impulso que se dio a su obra cuando la música de cámara recuperó relevancia, lo restituyó al lugar que jamás debió haber perdido entre los mejores compositores de su época. <Destacado > <Título> El periódico de Telemann <Cuerpo> En 1728 fundó Der getreue Musikmeister; se trataba de un periódico quincenal de cuatro hojas que incluía obras propias y ajenas, así como también lecciones de música. Muchas sonatas, suites y otras composiciones más largas se publicaban en números consecutivos con lo cual los melómanos se veían en la obligación de seguir comprándolo. Hoy en día se conservan solo veinticinco ediciones de esta publicación, y es la primera “revista” de música que se conoce.

20. <Personalidad> Jean Philippe Rameau <Datos> Nació: en Dijon, Francia, el 25 de septiembre 1683. Falleció: en París, Francia, el 12 de septiembre 1764. En síntesis: es considerado el primer teórico de armonía clásica, sus tratados fueron obras de referencia hasta principios del siglo XX. <Copete> Influyente intérprete y teórico del barroco francés. Dominó, junto con Lully, la escena musical de su país. Durante toda su vida no se interesó más que por la música, apasionadamente. Su obra lírica es su principal aporte al desarrollo de la música del siglo XIX. Se rodeó de las grandes mentes de la época como Voltaire y Rousseau y fue parte del círculo intelectual que marcó la historia de los últimos siglos. <Cuerpo> No hay muchos datos sobre la vida de Rameau, su biografía es sumamente imprecisa, en especial los cuarenta años anteriores a su definitiva radicación en Paris en torno a 1722. Su padre era músico, un importante organista en las iglesias de Saint-Étienne y Saint-Bénigne de Dijon, y fue él quien comenzó a formar musicalmente a sus hijos. Pero Jean Philippe decidió de muy joven que lo más importante en su vida sería la música, ni siquiera culminó los estudios formales. A los dieciocho años su padre lo envió a Italia para formarse, pero no aprovechó demasiado el viaje. Sí se sabe que durante su juventud llevó un estilo de vida prácticamente errante. En 1706 ya se encontraba en Paris como organista de los jesuitas de la Rue Saint –Jacques et des Péres de la Merci. Durante la mayor parte de su carrera Rameau ejerció la profesión de organista pero apenas dejó obras para este instrumento. Por el contrario, sí dejó varios libros de piezas para clavecín. En 1722 publicó la obra que había sido madurada durante más de ocho años, el famoso Traité de l´harmonie réduite á ses príncipes naturels. Este tratado es una reflexión sobre teoría musical que venía elaborando desde joven, es el aporte que lo situó como músico erudito dentro del marco de la época. Suscitó gran repercusión en los medios musicales científicos franceses e internacionales. Sin embargo, aunque ya se había ganado una gran reputación como teórica y académica dentro del círculo artístico, todavía no había escrito ninguna pieza que lo hiciera trascender como intérprete. Se conoce a ciencia cierta que su actividad musical en torno a 1724 se desenvolvió en las representaciones teatrales de La Foire. Estos festejos se celebraban al aire libre en la feria de Saint-Germain, que comenzaba en el mes de febrero y se extendía hasta el Domingo de Ramos; y en Saint Laurent, desde finales de julio hasta la Ascensión. Allí también colaboraría con el poeta originario de Dijon, Alexis Piron, quien se dedicaba a escribir comedias y operas cómicas. Estas obras, que Rameau solía musicalizar, se han perdido casi todas. De entre ellas se destacaban L´Endriague de 1723 y L´Enlèvement d`Arlequin de 1726. Incluso siendo ya un músico consagrado, el músico seguiría componiendo para estos espectáculos hasta la edad de setenta y cinco años. Por medio de Piron entró en contacto con Alexandre Le Riche de la Poupliniére, uno de los

hombres más ricos de Francia y mecenas de un selecto grupo de artistas e intelectuales. Este encuentro sería determinante en el futuro de Rameau por los próximos veinte años. Gracias al empresario conoció al abad Simon-Joseph Pellegrin, quien le proporciono el libreto de una “tragedia en música”, Hippolyte et Aricie. Obra que situaría al compositor en la cúspide de la música francesa. <Destacado> <Titulo> El gran incomprendido <Cuerpo> Su vocación como teórico del arte se impuso sobre su rol de compositor, y esto no era muy frecuente para la sociedad de su época. Desplegó en sus obras, complejas armonizaciones; como por ejemplo, en el segundo trío des parques de su ópera prima Hippolyte et Aricie, pero se vio obligado a modificarlo ya que los cantantes no conseguían interpretarlo correctamente. Fue, el más grande armonista de su época pero no recibió el reconocimiento que se merecía por su gran aporte a la música.

21. <Personalidad> Johann Sebastian Bach   <Datos>  Nació: en Eisenach, Alemania, en marzo de 1685. Falleció: en Leipzig, Alemania, el 28 de julio 1750. En síntesis: considerado el mejor músico del Barroco. Fue el último gran maestro del arte del contrapunto.  <Copete>  Bach llevó la música barroca y el estilo contrapuntístico a su punto más alto. En él se condensan siglos de desarrollo y evolución de la teoría musical de todas las regiones de Europa. Fue un virtuosísimo organista, dotado de una gran perfección técnica, y una distinguida profundidad intelectual a la hora de componer. Su obra influyó determinantemente a las nuevas generaciones que llevarían adelante el nuevo estilo Rococó.   <Cuerpo>  Nació en una de las familias de músicos más ilustres de la época. A los diez años quedó huérfano y se fue a vivir con su hermano Johann Christoff quien por ese entonces era organista en Orhdruf. Allí se dedicó a estudiar e interpretar música, aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano. Recibió enseñanzas de su hermano, que lo instruyo en la interpretación del clavicordio. A los catorce años, junto a un amigo del colegio Georg Erdmann fue premiado con una matrícula para realizar estudios corales en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg. Luego de recibirse consiguió un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. A partir de entonces, su reputación se extendió, a punto tal que fue invitado a dar el concierto inaugural del nuevo órgano de la iglesia de San Bonifacio en la ciudad de Arnstadt, en donde tiempo después sería nombrado organista. Por esta época comenzó la composición de preludios con una idea musical que mostraba un estricto control de los motivos. De este período es su famosa Tocata y fuga en Re menor. En 1707 obtuvo el cargo de organista en St Blasius en Turingia, puesto que citaba con muchos beneficios. Ese mismo año se casó con María Bárbara Bach, una prima segunda suya, con quien tendría siete hijos. Dos de ellos, Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach, llegaron a ser compositores importantes del estilo Rococó. Un año después recibió una oferta laboral aun mas esplendida en Weimar, el puesto de Concertino. De este período corresponden obras de la talla de El clave bien temperado. Posteriormente, el príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla, por ese entonces compondría las Suites orquestales, las seis Suites para violonchelo solo; las Sonatas y partitas para violín solo, así como también los famosos Conciertos de Branderburgo. En 1721, luego de enviudar de su primera esposa, contrajo matrimonio con Anna Magdalena, una joven y talentosa soprano, diecisiete años menor que él, con quien tuvo trece hijos. Tres años después, obtendría el puesto de cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás en Leipzig, Este fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente ligada

al servicio a la aristocracia; mantendría este cargo por veintisiete años hasta su muerte. Además de sus obligaciones como educador, se le requería la provisión de música semanalmente para las dos iglesias de Leipzig. Escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en la ciudad. Hacia el final de su vida su reputación como compositor ya se había expandido por toda Europa y era conocido por su enorme talento en los teclados. Es, sin lugar a duda, el mejor músico del Barroco y uno de los mejores de la música universal.  <Destacado>  <Titulo> Bach, el nombre del talento  <Cuerpo>  Fue un músico muy completo, compuso prácticamente para todos los instrumentos de su época. Durante toda su vida se empeño en la revisión de sus obras con el objetivo de mejorarlas. La complejidad de su música hacía que los cantores no la pudieran interpretar. Era capaz de tocar un mismo tema en el órgano, sin parar, convirtiéndolo en un preludio, luego una fuga, luego un trío, luego un cuarteto y si quería en un coral en tres o cuatro voces del modo más variado sin abandonar nunca el tema original tema.

22. <Personalidad> Giuseppe Domenico Scarlatti <Datos> Nació: en Nápoles, Italia, el 26 de octubre 1685. Falleció: en Madrid, España, el 23 de julio 1757. En síntesis: músico de formación italiana que se convirtió en uno de los más grandes compositores españoles. <Copete> Fue hijo del gran músico italiano Alessandro Scarlatti, a pesar de su formación en el estilo italiano, se apasionó por la música andaluza, lo que se manifestó en inflexiones tonales muy poco comunes para le época. Entre ellas se puede mencionar el uso del modo frigio, de acordes disonantes, e incluso hay quienes encuentran en su obra técnicas que parecen imitar a las de la guitarra. Contribuyó a los desarrollos formales que desembocan en el estilo clásico. Inició la escuela española de clave del siglo XVIII. <Cuerpo> Nació en Nápoles cuando este reino se encontraba en manos de la corona española, su hermano mayor Pietro Fillippo Scarlatti fue un famoso organista. Comenzó a estudiar música con su padre, un respetado músico y profesor. A los dieciséis años se convirtió en compositor y organista de la capilla real de la Corte Española en su ciudad. Se sabe que en torno a 1704 su padre lo envió a Venecia para completar su formación. Cinco años después fue a Roma donde se puso bajo el servicio de la reina polaca María Casimira, que estaba exiliada en esa ciudad. Allí conoció a Thomas Roseingrave quien sería un importante divulgador de sus sonatas en Londres. Durante su estadía en la capital italiana compuso varias obras para el teatro privado de su protectora. Entre 1715 y 1719 fue maestro de capilla en la Basílica de San Pedro, por ese entonces ya era un reconocido virtuoso del clavecín, y viajó a Inglaterra para dirigir el estreno de su ópera Narciso en el Teatro del Rey. En 1720 se trasladó a Lisboa para convertirse en el maestro de música de la princesa Bárbara de Braganza. Luego de su regreso a Italia se casó con María Caterina Gentilli en 1728. Un año después viajó a Sevilla con el séquito de la princesa de Braganza para asistir a su boda con el heredero del trono de España, Fernando VI. Allí tomó contacto por primera vez con la música popular andaluza. Esta influencia tendría un impacto tan grande en Scarlatti que en 1733 decidió instalarse en Madrid continuando al servicio de la princesa; y luego del fallecimiento de su esposa se casaría con una española y se radicaría en el país hasta su muerte. En la capital española compuso más de quinientas sonatas bipartitas para teclado, son obras completamente originales e innovadoras con respecto al repertorio operístico, instrumental y de cantatas que había escrito en su juventud. Combinó la música tradicional española con las múltiples posibilidades del clave que había estado experimentando durante toda su vida. En 1738 Scarlatti supervisó la publicación de su antología de treinta sonatas Essercizi per gravicembolo, obra en la que está basada la mayor parte de su repertorio. El resto de sus sonatas se publicó de forma fragmentada hasta bien entrado el siglo XX.

Su trabajo despertó la admiración de gran parte del ambiente musical tanto de su época como de la siguiente, incluyendo a Chopin, Brahms, Bartok, y Vladimir Horowitz, así como también se supo ganar el reconocimiento de la escuela pianística rusa. Su identificación con el territorio y la cultura española despertaron en el músico un sentimiento de pertenencia tan importante que decidió llevar a cabo una españolización de su nombre, a partir de entonces se lo conocería como Domenico Escarlatti, el apellido que conservan sus descendientes. Se lo considera uno de los compositores más importantes de la música española. <Destacado> <Titulo> Las sonatas bipartitas <Cuerpo> Constituyen el gran legado de Domenico Scarlatti. Se han conservado más de quinientas de estas piezas, todas tienen un solo movimiento y están divididas en dos partes iguales. Son obras originalísimas de la expresión musical y formal, de gran dificultad técnica, debido al uso constante de la acciaccatura. Tienen una enorme calidad basada en la exploración de todos los recursos del clavecín.

23. <Personalidad> Georg Friderich Händel <Datos> Nació: en Halle, Alemania, el 23 de febrero de 1685. Falleció: en Londres, Inglaterra, el 14 de abril de1759. En síntesis: escribió música para satisfacer los gustos del público en general y no solo de la aristocracia. Primer gran maestro de la homofonía. <Copete> Su inmensa obra abarca todos los géneros y muestra una síntesis entre los estilos de la época. Compuso 43 óperas, 26 oratorios y dejó un legado coral de importancia trascendental para la historia de la música vocal. Su trabajo tiene la solidez del contrapunto alemana, la melodía del canto italiano, la elegancia de la escuela francesa y la sencillez y fuerza de la inglesa. Sus óperas conmueven con un nuevo sentido dramático, y monumental, poderoso y solemne que fue único en sus tiempos. <Cuerpo> Su padre era un prestigioso cirujano de la época y tenía deseos de que su hijo fuera abogado, pero cuando se hizo patente la capacidad del niño para la música, le pagó los estudios gustosamente. A los diecisiete años fue nombrado organista de la iglesia calvinista de Halle. Un año después, viajó a Hamburgo donde fue intérprete de violín y del clave en la orquesta de la Ópera de la ciudad. En 1705, en ese mismo recinto estrenaría Aimira, su primera ópera. Como era un gran aficionado del estilo operístico italiano, un año después emprendió un viaje que lo llevaría primero a Florencia y luego a Roma. Durante este período logró el mecenazgo de la nobleza y del clero y se dedicó a la composición de óperas, oratorios y cantatas profanas. En 1710 se despidió de Italia con el estreno de su exitosa ópera Agrippina en Venecia. Tras su regreso a Alemania fue nombrado director de orquesta de la corte de Hannover, pero muy pronto decidiría radicarse en Londres debido a la excelente recepción que allí recibiría su obra Rinaldo. Una vez allí le fue encargada la creación de un teatro de ópera que sería conocido como Royal Academy of Music. Allí escribió catorce óperas entre 1720 y 1728 que cimentaron su fama en toda Europa. También tuvo la posibilidad de contar con los más virtuosos cantantes de la ópera italiana: el contratenor Senesino, las sopranos Francesca Cuzzoni, Faustina Bordoni, y el famoso bajo Montagnana. Todo esto sumado a una excelente orquesta le permitió a Händel alcanzar la gloria con la Royal Academy. Allí estrenó Ottone, Cesare, Temerlano y Rodelinda entre otras grandes óperas. En 1727, obtuvo la naturalización y paso a ser súbdito inglés. El rey Jorge II le encargó la música para el acto de su coronación, escribió entonces los himnos Zadok, the priest; My heart is Inditing; Let Thy hand be Strengthner y The King shall rejoice. Según las fuentes de la época la ceremonia conto con cuarenta voces, ciento sesenta violines, trompetas, oboes, timbales, y bajos, además de un órgano que fue instalado detrás del altar. A partir de 1740 se dedicó a la composición de oratorios entre ellos el famoso Mesías. A los sesenta y seis años perdió la vista mientras se encontraba componiendo el oratorio Jephta. En 1759 sufrió una descompensación mientras dirigía El Mesías y al

finalizar la presentación perdió la conciencia inusitadamente. A partir de entonces cayó en cama y nunca más despertó. Al momento de su muerte se encontraba en el punto más alto de su carrera y era una figura muy popular venerada por todos. Fue sepultado en la abadía de Westminster. En su carrera no sólo se preocupó por cumplir con los encargos y las exigencias del clero y la monarquía, sino que también se empeñó en extender su música hacia la gente común, convirtiéndose así en uno de los autores ingleses más populares de todos los tiempos. <Destacado> <Titulo> Música vocal <Cuerpo> El estilo vocal de las óperas de Händel muestra el conocimiento que el autor tenía de la obra de Scarlatti. De la misma forma, sus cantatas ostentan una gran fluidez melódica, netamente abrevada de Italia. Sus obras estaban pensadas para el lucimiento técnico de los cantantes de la época, pero a la vez, es una música que exige un gran virtuosismo en algunos pasajes y se extiende muchos compases sobre una vocal poniendo al limite la capacidad de los intérpretes en notas agudas, graves y de sonido aflautado.

24. <Personalidad> Giovanni Battista Draghi “Pergolesi” <Datos> Nació: en Iesi, Italia, el 4 de enero de 1710. Falleció: en Pozzuoli, Italia, el 16 de marzo de 1736. En síntesis: llevó la gran disputa entre la ópera italiana y la francesa a su punto más álgido. <Copete > Compositor, violinista y organista, punto culminante de la ópera del periodo barroco. Con una vida muy breve, se convirtió en el referente fundamental de la ópera napolitana y en el mayor exponente de la ópera bufa temprana. Escribió música sacra, entre la que se destaca su Stábat Mater, una de las obras más populares y mas publicadas del siglo XVIII; así como también, la más adaptada y arreglada, fue versionada incluso por J. S. Bach. <Cuerpo> Nació en el seno de una familia humilde de la localidad de Iesi. Su padre, Andrea Draghi, era originario de Pérgola, cerca de Pesaro, por este motivo de pequeño fue apodado “Pergolesi”, nombre con el que se lo conocería durante toda su carrera. Gracias a la ayuda de algunos nobles de sus tierras, logró perfeccionar sus estudios musicales con Francesco Santini. Posteriormente, en 1735, viajó a Nápoles donde fue alumno de Gaetano Greco y Francesco Feo. Pasó en la corte de esa ciudad gran parte de su vida al servicio de la aristocracia, los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa. Aunque nunca abandonó la península itálica su fama como compositor de óperas se extendió rápidamente por el resto de Europa. Asimismo su obra influyó profundamente en la ópera napolitana y sirvió como ejemplo por antonomasia del típico estilo italiano dentro del género. En 1731 estrenó su primera ópera seria La Salustia, al año siguiente compuso para el Teatro de los Florentinos una ópera buffa en dialecto napolitano. Se trató de la famosa Lo frate innamorato con libreto de Gennarantonio Federico, que cosechó un gran éxito. Poco tiempo después fue representada en el Teatro de San Bartolomeo su obra Il prigionier superbo con el intermezzo La serva padrona. Este entreacto, gracias a su genialidad inventiva y absoluta novedad, obtuvo excelentes críticas en toda Europa. Treinta años más tarde produjo la Querelle des Bouffons que daría origen a la nueva ópera comique. Desde 1732 Pergolesi había sido nombrado maestro agregado y organista de la capilla real; para cumplir con los deberes de su cargo compuso dos misas, varios salmos y unos motetes, entre los cuales se destaca Salve Regina compuesto en Do menor. Sus siguientes óperas serias fueron Adriano in Siria y Olimpiade, ambas con libreto de Metastasio fueron representadas en Roma en 1735 y no obtuvieron mucho éxito a pesar de su madurez artística. Por el contrario, su próxima ópera buffa con libreto de Federico, Il Flaminio, escrita en dialecto napolitano, sería recibida de forma muy positiva. Hacia finales de 1735, Pergolesi, gravemente enfermo de tisis, se retiró al convento de los franciscanos de Pozzuoli. Allí compuso su obra

prima: el Stábat Mater para soprano, contralto, arcos y órgano, antes de morir a la temprana edad de veintiséis años. La producción de este gran músico comprende también cantatas y obras instrumentales. A causa de su precoz fama le fueron atribuidas muchas piezas y recién en las últimas décadas se ha iniciado un estudio meticuloso de las mismas con el objetivo de definir su repertorio. En su obra contrastó la estética tradicional derivada de la ópera francesa con el nuevo estilo que imponía la ópera buffa napolitana, creando así una nuevo subgénero que influiría a muchos y lo posicionaría en un lugar privilegiado del ámbito musical de su época. <Destacado> <Título> La querella de los bufones <Cuerpo> Fue una controversia que se desató en París en 1752 y que enfrentó durante dos años a los defensores de la música francesa, identificados con Jean Philippe Rameau, contra los partidarios de la ópera cómica italiana, con Jean Jaques Rousseau a la cabeza. La querella se disparó luego del reestreno de la La Serva Padrona de Pergolesi, que fue considerada como el modelo a partir del cual se acusó a los defensores de la ópera buffa de “italianizar” la ópera francesa.

25. <Personalidad> Christoph Willibald von Gluck <Datos> Nació: en Erasbach, Alemania, el 2 de julio de 1714. Falleció: en Viena, Austria, el 15 de noviembre de 1787. En síntesis: llevó a cabo la reforma del género operístico, precursora de la que llevaría a cabo Wagner un siglo después. <Copete> A pesar de su ilustre carrera y de haber sido el gran reformador de la ópera, no hay mucha información sobre su vida. Tal vez esto se debe al hecho de que encontró rápidamente un mecenas que le garantizara estabilidad en su carrera profesional. Durante su vida cosechó un enorme éxito, incluso desde sus primeras óperas. Su obra ha llegado intacta a nuestros días y sigue figurando en los repertorios de todos los grandes teatros del mundo. <Cuerpo> A los veintidós años entró al servicio del príncipe Lobkowitz en Viena y un año después el príncipe Melzi se lo llevó consigo a Milán. Allí recibió lecciones de composición musical del maestro Giovanni Battista Sammartini. De estas se nutrió para escribir su primera gran obra Artajerjes, en el año 1741, que seguía el estilo italiano imperante por aquellos años. Debido al gran éxito alcanzado por la misma, se enfocó en su rol de compositor, de este período datan sus obras Il Tigrane y La Clemenza di Tito de 1743, y La Cinese de 1754. Todas estas piezas cumplían perfectamente con las convenciones formales de la ópera seria. Pero la evolución de Gluck como creador se produciría recién al llegar a Viena, donde tuvo la oportunidad de estudiar las óperas francesas, las llamadas Tragédie-Lyrique de Lully y Rameau. La escuela francesa influyó poderosamente en el músico que en 1762 dio a conocer la obra inaugural de su nuevo estilo, Orfeo y Euridice con libreto de Raniero de Calzabig; y, posteriormente Alcestis en 1767. En sus nuevas composiciones intentó devolver a la ópera el espíritu de la tragedia griega y el contenido teatral. Para lograrlo, Gluck realizó varios cambios a la estructura típica de la ópera. Eliminó el aria da capo, adecuó las voces a los personajes, reemplazó los recitativos tradicionales por otros acompañados por la orquesta, y les otorgó mayor protagonismo, a su vez difuminó las diferencias entre estos recitativos y las arias. Como era de esperar, estas reformas no llegaron a consolidarse en Viena. Pero todo lo contrario ocurrió en París en donde sus obras tuvieron una gran recepción, esto llevó al músico a radicarse en Francia en torno a 1773. En los años siguientes daría a conocer allí sus últimas producciones, y todas ellas tendrían un gran éxito al momento de su estreno. Entre ellas, Ifigenia en Aúlide, Armide, e Ifigenia en Taulide. Por ese entonces era frecuente que las innovaciones hechas a los modelos tradicionales de la música despertaran grandes debates al interior del círculo artístico de la época, en ocasiones se iniciaban importantes querellas que dividían y enemistaban a los partidarios de cada bando. Así, Gluck con sus reformas al esquema clásico de la ópera

fue el protagonista principal del conflicto entre los reformistas, y los partidarios de Piccinini el autor italiano. Los compositores se enfrentaron en el mismo terreno, cada uno compuso una partitura sobre el tema de Iphigénie en Tauride con libretos diferentes. La obra de Gluck se estrenó en 1779 con un éxito enorme, quizás, el más grande de toda su carrera y sus partidarios vieron en ella la victoria definitiva. La versión de Piccinni fue estrenada dos años después y no cosechó un gran éxito. Sin embargo el respeto y la admiración mutua que ambos compositores se profesaban, terminó por extinguir la disputa sin un claro vencedor. <Destacado> <Titulo> Orfeo y Eurídice <Cuerpo> Fue estrenada en Viena el 5 de octubre de 1762. En esta ópera Gluck logró cristalizar la esencia de su reforma en el género, tratando que la poesía, el lenguaje, y la acción dramática reflejaran todo el poder y la fuerza de la tragedia griega. En ella trató de reemplazar la trama enredada y la música compleja de la ópera seria por una “noble simpleza” de la composición y el drama. Es la obra más conocida del autor y la que más influyo en los compositores posteriores.

26. <Personalidad> Carl Philipp Emanuel Bach <Datos> Nació: en Weimar, Alemania, el 8 de marzo de 1714. Falleció: en Hamburgo, Alemania, 14 de diciembre de 1788. En síntesis: consolidado entre uno de los fundadores del estilo Clásico. El último gran maestro del clave hasta el siglo XX. <Copete> La obra de C.P. E. Bach se sitúa entre el Barroco y el clasicismo, e incluso presenta los primeros rasgos del romanticismo. Pero su gran contribución a la música fue el desarrollo de la sonata en sentido moderno. Destacada por su libertad y la variedad de su diseño estructural, rompiendo con el rígido esquema que habían impuesto los compositores de la escuela italiana Precursor, en esta forma musical, de las obras de Haydn, Mozart y Beethoven. <Cuerpo> Fue el quinto de los siete hijos del gran Bach con su primera esposa. Tuvo el privilegio de tener a Georg Telemann como padrino. A los diez años entró en la escuela de Santo Tomás de Leipzig. Posteriormente, estudió derecho en la Universidad de Leipzig en 1731 y a partir del año siguiente en la Universidad de Vidrian. Poco tiempo después, se licenció de abogado, pero no se adentró jamás al mundo de las leyes. Sino que, influenciado por la vocación familiar, se dedicó apasionadamente a la música; como él mismo solía decir: “En la composición y en la interpretación pianística no he tenido nunca otro profesor que mi padre”. Empezó a componer el mismo año de su ingreso a la universidad y en 1738 fue nombrado clavecinista en la corte del príncipe heredero Federico “El grande” de Prusia. Cuando éste produjo su ascenso al trono, lo nombró como músico oficial del rey. Ya por ese entonces era considerado el clavecinista más importante de Europa; y por la misma época consolidó su reputación como compositor por dos series de sonatas dedicadas a Federico de Prusia y al dran duque de Wurtemberg. En 1744 se casó con su primera esposa con la cual tuvo tres hijos. Dos años más tarde fue nombrado músico de cámara, puesto en el que se mantuvo durante veintidós años. En ese tiempo, compuso obras para teclado y para flauta, instrumento predilecto del rey y del cual Bach era un buen intérprete. Tras la muerte de su padre heredó una parte de los bienes familiares, entre los que se encontraban numerosas partituras. También acogió en su casa a su hermano menor Johann Christian, de quien fue profesor durante cinco años. Entorno a esos años decidió su retiro de la corte donde ya no se sentía a gusto y se trasladó primero a Zittau y luego a Leipzig. En 1753 publicó su Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla. Se trató de un tratado sistemático y magistral que tuvo un enorme éxito, a tal punto que para el año 1780 iba por la tercera edición. Se convirtió, también, en la base de los métodos de Muzio, Clementi y Cramer; hasta el día de hoy sigue siendo utilizado, conservando plenamente su valor educativo.

En 1768, murió su padrino Telemann y Bach lo sucedió en el cargo de Maestro de capilla en Hamburgo. En este nuevo puesto debió prestarle mayor atención a la música sacra de lo que lo había hecho anteriormente en su carrera. A partir de entonces se lo conoció como “el Bach de Hamburgo” para diferenciarlo de su hermano Johann Christian, llamado “el Bach de Londres”. Tuvo una obra muy prolífica, compuso veintidós pasiones, dos oratorios, diecinueve sinfonías, quince conciertos, unas doscientas obras de cámara y diversas piezas para teclado, además de canciones e himnos. Su figura influenció a la Primera Escuela de Viena y su estilo marca un precedente del sonido típico que se impondría durante el Clasicismo. <Destacado> <Titulo> C. P. E. Bach y la fama <Cuerpo> En la segunda mitad del siglo XVIII, la fama del Bach de Hamburgo era enorme. Haydn se formó estudiando su obra, y tanto él como Mozart adoptaron elementos de su lenguaje musical. Incluso Beethoven admiraba su gran talento. Debe su fama a sus sonatas para clave que fueron un hito importantísimo en la evolución de esta forma musical. Rompió definitivamente la rigidez formal impuesta por los músicos italianos y favoreció la llegada compositores que llevarían a la sonata a su punto más alto.

27. <Personalidad> Franz Joseph Haydn <Datos> Nació: en Viena, Austria, el 31 de marzo de 1732. Falleció: en la misma ciudad, el 31 de mayo de 1806. En síntesis: el gran maestro del periodo clasicista a quien se le otorgan la paternidad de la sinfonía y del cuarteto de cuerda. <Copete> Su labor se sitúa durante el Barroco tardío, por ese entonces fue uno de los innovadores de la música en vistas a las nuevas generaciones. Compuso a lo largo de sesenta años y en el transcurso de su vida se ve reflejada una gradual y constante complejización en su obra. A lo largo de su carrera se han observado importantes hitos en la evolución de su estilo, periodos en los que va mutando a media que revisa su obra y aprende de los otros compositores. <Cuerpo> Tuvo una infancia rodeada de influencias musicales en la casa familiar. Fue el segundo de doce hermanos y sus padres reconocieron tempranamente la capacidad para la música del niño. Como en su pueblo no tendría la posibilidad de acceder a una educación musical, aceptaron el ofrecimiento de un familiar, Johann Matthias Frankh director de la escuela y del coro de Hainburg, para que el niño aprendiera bajo su tutela y practicara como músico. A la temprana edad de seis años Hadyn abandonó su casa y no volvería a vivir con sus padres durante el resto de su vida. A pesar de las oportunidades que le brindaban, no fueron años muy felices para el pequeño pues parece ser que no era muy bien tratado. Aun así progresó en sus estudios y rápidamente comenzó a tocar el clavecín, el violín y a cantar las partes de tiple del coro. Pronto llamó la atención del maestro de capilla de la catedral de San Esteban; pasó con éxito la prueba de audición y en 1740 se trasladó a Viena donde permaneció como corista los siguientes nueve años. Durante ese período vivió en la casa de Reutter, el maestro de capilla, junto con otros niños del coro. Allí, recibió clases de canto, violín y teclado, pero no se lo formó en composición ni en teoría. Sin embargo como se encontraba era uno de los centros musicales más importantes de Europa, Haydn fue capaz de aprender sirviendo a los profesionales que trabajaban en ese lugar. Al alcanzar la mayoría de edad ya no pudo cantar los tiples del coro y fue despedido. A partir de entonces, desempeñó muchos trabajos diferentes: fue profesor de música, cantante callejero de serenatas, y sirviente del compositor Ítalo Nicola Porpora, de quien diría haber aprendido los verdaderos fundamentos de la composición. Luego el Barón Carl Josef Fúrnberg lo contrató para su hacienda en Weinzieri, donde el autor escribiría su primer cuarteto para cuerdas. Posteriormente el Barón lo recomendó al conde Morzin, quien lo contrató como maestro de capilla y, desde 1757 se convirtió en su mecenas a tiempo completo. De esta forma el músico pudo componer sinfonías a la vez que dirigía la orquesta del Conde. En 1766 pasó al servicio de una de las familias más ricas del Imperio Austriaco, los Esterházy. Ellos le dieron todo el apoyo para que

continuara su labor como compositor e incluso le otorgaron una pequeña orquesta propia. Aparte debía componer para los eventos, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la misma y montar óperas. Presentó semanalmente dos operas, dos conciertos y otras obras especiales para visitantes destacados. Después de la Revolución Francesa realizó varios viajes a Londres para dirigir sus sinfonías. Todos sus conciertos contaron con una asistencia masiva y el compositor cosechó grandes éxitos. A partir de entonces su reputación se expandió rápidamente por Europa y percibió altos ingresos. <Destacado> <Titulo> Las formas clásicas <Cuerpo> Su obra fue fundamental en el desarrollo de la sonata como género. Utilizó la exposición monotemática en la que la música que establece la tonalidad dominante es similar o idéntica al tema de apertura. También integró la fuga al estilo Clásico y enriqueció la forma del rondó. Fue un gran exponente de la forma de la “doble variación”, que consiste en variaciones alternas sobre dos temas musicales que a menudo son los principales y a veces versiones de uno en el otro.

28. <Personalidad> Johann Christian Bach <Datos> Nació: en Leipzig, Alemania, el 5 de septiembre de 1735. Falleció: en Londres, Inglaterra, el 1 de enero de 1782. En síntesis: gran maestro en el arte de la ópera italiana. <Copete> Hijo de Johann Sebastian Bach y Ana Magdalena. Durante su juventud se mostró muy crítico para con su padre, porque sostenía que estaba apegado a formas musicales anticuadas para su época. Pero de adulto reconoció que debido a su complejidad, no estaba capacitado para interpretar muchas de sus piezas. Su obra es muy extensa, compuso música sacra, de cámara, sinfonías y conciertos para piano. Fue uno de los primeros clavecinistas que toco el pianoforte y escribió música para este instrumento. <Cuerpo> Tras la muerte de su padre permaneció en Leipzg con su madre y sus hermanas menores. Allí comenzó su experimentación con la música dado que heredó tres claves con pedales. A los quince años se fue a Berlín a la casa de uno de sus medios hermanos Carl Philipp Emanuel, para completar sus estudios musicales bajo sus enseñanzas; allí continuó su formación con el famoso tratado escrito por su propio hermano. Obviamente estar en el círculo berlinés lo estimuló sobre manera. Pronto quiso profundizar en el estilo italiano que había descubierto en la capital alemana. Por este motivo se trasladó a Milán a casa del conde Agostino Litta, obsesionado por la tradición musical de ese país se convirtió al catolicismo e italianizó su nombre, a partir de entonces comenzó a utilizar el nombre de Giovanni Christiano. En 1757 estudió en Bolonia con el Padre Martini, y tres años después ocupó el cargo de organista de la Catedral de Milán. A diferencia del resto de su familia, que se había dedicado a la música instrumental y sacra, Johann Christian, también cultivó el género de la ópera en el cual se había interiorizado mucho. Su primera obra fue Arteserse en 1760, a la que siguieron Catone in Utica de 1761 y Alessandro nell´Indie de 1762. Ese mismo año fue llamado por la corona inglesa para formar parte del King’s Theatre de Londres. Finalmente, dos años más tarde se radicó allí para desempeñarse como maestro de música de la reina Sofía Carlota, en ese cargo se mantendría por el resto de su vida. Escribió once óperas en las que deja de lado el dramatismo para imponer un “estilo galante de bellas melodías” más acorde al gusto del público de la época. Fue el máximo representante del estilo galante. Su trabajo tuvo una repercusión tan importante, que en el año 1763 la reina le otorgó el privilegio real para publicar sus obras. Un año después conoció al músico y compositor alemán Karl Abe. Juntos organizaron los llamados Bach-Abel Concerts, estos festivales cosecharon un enorme éxito. Se cree que Bach escribió para estos conciertos más de una docena de sinfonías y en sus orquestas tocaban los mejores instrumentistas de la época. Eran obras de una duración inusual con el fin de que el público pudiera escuchar a los intérpretes durante una mayor cantidad de tiempo.

En 1773 se casó con Cecilia Grassi, una cantante italiana. Seis años después el matrimonio comenzó a tener problemas económicos; por ese entonces, ya existían numerosas salas de conciertos capaces de competir con la que el compositor había inaugurado con Abel. Esto constituyó el principio de la decadencia de la sala y de su fama a nivel internacional. Para 1780 ya era imposible de sostener y los músicos se vieron obligados a cerrarla. Dos años después, Johann Christian Bach, el hijo del gran prodigio de la música universal, murió a los cuarenta y seis años, en la más absoluta pobreza. <Destacado> <Titulo> Amadis de Gaule <Cuerpo> Es una ópera de tres actos que fue estrenada el 14 de diciembre de 1779 en la Academié Royal de Musique de París, la obra no fue un éxito muy resonante. Su trabajo no tuvo una gran recepción entre el público de París debido a que no se parecía, ni seguía el estilo del que gustaban los seguidores de Gluck o Piccinni, que por aquellos años eran los compositores más populares en Francia. Fue la última ópera que compuso, aún en nuestros días casi no figura en los repertorios de los grandes teatros del mundo.

29. <Personalidad> Luigi Rodolfo Boccherini <Datos> Nació: en Lucca, Italia, el 19 de septiembre de 1743. Falleció: en Madrid, España, el 28 de mayo de 1805. En síntesis: fue un violonchelista y compositor italiano del estilo galante europeo, pionero del período clásico de la música. <Copete> Es considerado uno de los compositores italianos de música instrumental más importantes del siglo XVIII. Uno de los primeros grandes virtuosos violoncelistas y compositores de música de cámara, frecuentemente señalado como el responsable de llevar este estilo a una posición de prestigio dentro de la opinión de la época. La belleza de su música y lo prolífico de su obra lo transformaron en uno de los más trascendentes de su época. <Cuerpo> Nació en la Toscana en el seno de una familia de artistas. Su padre Leopoldo tocaba el contrabajo y el chelo, y recibía encargos de las autoridades de Lucca; todos sus hijos recibieron una educación musical temprana. Su hermana, fue bailarina de ballet y su hermano Giovanni Gastone llegó a escribir libretos para Salieri y Haydn. Ya de pequeño Luigi comenzó a mostrar interés por el violonchelo por lo cual su padre se convirtió en su primer maestro. A los catorce años su talento era tal que era contratado como músico profesional en las fiestas de la ciudad. Estudió en Roma junto al célebre compositor de la época, Giovanni Battista Costanzi, fue en este período cuando comenzó a familiarizarse con la obra de Palestrina y Allegri. Al finalizar esta formación se dirigió a Viena, en donde, junto a su familia, formó parte de la corte imperial austríaca. Pero su carrera musical no parecía afianzarse, durante los siguientes años se movilizó por Europa buscando la oportunidad de dar el gran salto: volvió a Lucca con la ilusión de obtener reconocimiento en su ciudad natal pero se encontró desilusionado por el bajo salario que obtenía como músico de la Comuna. En 1765 inició una gira de conciertos con un cuarteto de cuerdas compuesto junto a los violinistas Pietro Nardini y Filippo Manfredi y el viola Giuseppe Cambini. Este tipo de espectáculos representó toda una novedad para la época y durante los siguientes años la fama de Boccherini comenzó a crecer. Finalmente, en 1769, conoció en París al embajador Español y decidió trasladarse junto a él a Madrid bajo la protección del infante Luis Antonio de Borbón. Allí se convirtió en chelista y compositor de la capilla real y comenzó su etapa de mayor producción musical. Vivió el resto de su vida en España, gozó del patronazgo de la corte de Federico Guillermo II de Prusia y de la duquesa de Osasuna, pero la pérdida de los mismos sumada a una serie de pérdidas familiares provocaron un gran decaimiento en el músico. Fue un pionero en la composición para instrumentos de cuerda, su estilo está caracterizado por el optimismo y encanto típico del Rococó a la vez que exhibe una

gran capacidad para la escritura rítmica y melódica. En su música se evidencia también la influencia del sonido tradicional de la guitarra española, creando así piezas de una belleza única que fusionan las más delicadas texturas musicales. Como ocurrió con la mayoría de los músicos pre-clásicos, su obra fue desestimada luego de su muerte, sin embargo, tuvo una gran influencia en la difusión de la música de cámara. En la actualidad se le ha vuelto a adjudicar a su figura la relevancia que merece y algunas de sus composiciones han sido reivindicadas incluso desde fuera del ámbito académico musical. <Destacado> <Titulo> Música nocturna de las calles de Madrid <Cuerpo> Musica notturna delle strade di Madrid es un quinteto para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780. Se hizo muy famoso en España, aunque no fue publicado hasta años después de la muerte de Boccherini. Actualmente es conocida por formar parte de las bandas sonoras de las películas “Master and Commander: Al otro lado del mundo” y “Conocerás al hombre de tus sueños” de Woody Allen. También fue interpretada en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992.

30. <Personalidad> Antonio Salieri <Datos> Nació: en Legnano, Italia, el 18 de agosto de 1750. Falleció: en Viena, Austria, el 7 de mayo de 1825. En síntesis: músico de una enorme valía sin el cual la historia de la música hubiera sido distinta. <Copete> Fue un músico de enorme talento, que también se dedicó a la enseñanza. Contó entre sus alumnos a Beethoven, Schubert, Liszt, Czerny y Hummel. Más conocido por la leyenda sobre su enemistad con Mozart, aunque en realidad es probable que haya sido su más entusiasta admirador. Como él mismo decía: “primero la música, después las palabras”. Lo que sí es evidente es que, sin Salieri, los grandes nombres de la música no hubieran sido los mismos. <Cuerpo> Comenzó a tomar lecciones desde niño; su primer maestro fue su hermano mayor, Francisco Salieri. Estudió violín con Tartini y órgano con Simoni el organista de su ciudad natal. Cuando su padre murió, su madre tuvo en cuenta que la capacidad para la música de Antonio era muy superior a la de sus hermanos, y decidió que se trasladara a estudiar a Venecia. Allí Giovanni Mocenigo se hizo cargo de su educación, le costeó los estudios de bajo-continuo con Pescetti y de canto con Ferinando Pacini, el famoso tenor de capilla de la Catedral de San Marcos. A los dieciséis años conoció al compositor Leopold Gassmann quien inmediatamente se lo llevó consigo a Viena. En julio de 1766 en una velada en la corte, éste lo presentó a José II de Austria. Al año siguiente, Salieri recibió del Emperador una subvención de cincuenta ducados que correspondía al pago de su primera obra Misa in stile a cappella. También compuso Tantum Ergo en Fa mayor para soprano y orquesta. En 1768 terminó sus estudios con Gassman y comenzó a preparar un nuevo proyecto: la opereta La Vestale que no llegó a estrenarse. A los veinte años le llegó al músico otra gran oportunidad con la obra Le Donne letterate estrenada en Viena en 1770. Luego sería el turno de L’Amore inocente que se estrenó durante el carnaval de Venecia ese mismo año. A lo largo de los siguientes dos años, el músico tuvo un período de gran inspiración: escribió Don Chisciotte alle nozze di Gamace, Armida, y La Fiera di Venezia, entre muchas otras obras que cosecharon un éxito cada vez mayor. En 1772 un enviado de la corte de Estocolmo y le ofreció el cargo de Compositor Real del rey Gustavo III de Suecia. Frente al creciente interés en el músico, José II no se quedó atrás, y le propuso un puesto similar. Salieri asumió, entonces, la dirección del Teatro Real, a la vez que dirigía la música de la Corte y la del conjunto de la Escena Austriaca. Poco tiempo después escribió el oratorio La pasión de Jesucristo con textos de Metastasio y su fama se extendió rápidamente por todo el Imperio Germánico, de Berlín a Nápoles. La obra que lo consagró dentro del ámbito musical de la época fue L’Europa riconosciut. Ésta le había sido encargada por la emperatriz María Teresa de Austria y se

inauguró el 3 de agosto de 1778 en el Nuovo Regio Ducal Teatro. La misma ópera sería elegida para la reinauguración de la sala en el año 2004. En 1781, Mozart se radicó definitivamente en Viena y durante los años siguientes, ambos músicos publicarían numerosas obras que competirían por el éxito dentro de la escena musical del momento. Por ese entonces se originó el mito sobre la enemistad de estos autores, en particular de Salieri para con Mozart, cuando en realidad se trataba de dos de los más talentosos músicos de todos los tiempos, cuya rivalidad, si es que existió, solo se dio en el ámbito profesional. <Destacado> <Título> La disputa con Mozart <Cuerpo> Es probable que la mayor envidia haya sido de Mozart hacia Salieri, y no de Salieri para con Mozart, como se cree. Por entonces Salieri era un músico reconocido y alabado internacionalmente, contaba con una cómoda posición económica y una importante carrera como educador. Mozart también gozaba de un gran prestigio, pero durante su vida tuvo mayores problemas para adaptarse al estilo de vida típico de los músicos profesionales en esa época.

31. <Personalidad> Wolfgang Amadeus Mozart <Datos> Nació: en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Falleció: en Viena, Austria, el 5 de diciembre de 1791. En síntesis: llevó el clasicismo al nivel de perfección más alto. <Copete> Sin duda Mozart fue uno de los compositores con mayor capacidad natural para la música. Con un talento maravilloso para la melodía y el desarrollo, temático se posicionó rápidamente como uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Sus óperas se cuentan entre las más destacadas de la lírica universal. En la música de Mozart el encanto y la frescura van unidos a una profundidad y sentido estético inigualables. <Cuerpo> Mozart heredó la vocación por la música de su padre, Leopold Mozart quién era violinista y compositor en la corte local. A los tres años de edad, comenzó a demostrar una asombrosa capacidad musical, al sacar de oído todo tipo de melodías en el clavecín y en el violín, y poco tiempo después ya componía sus primeras piezas. Su talento innato era tal que en enero de 1762, a la corta edad de seis años, ofreció su primer concierto en la corte de Múnich. Las giras organizadas por su padre le dieron la posibilidad de conocer las ciudades más importantes de Europa y de absorber todo tipo de influencias musicales. En su ciudad natal compuso música en una amplia variedad de géneros, perfeccionando el estilo galante en boga en aquella época. Johann Christian Bach, fue una de sus grandes influencias musicales por aquellos tiempos. Pero la época de mayor crecimiento y despliegue profesional vendría poco después, al dejar Salzburgo. En 1781 se estableció como compositor en Viena, ganando dinero con encargos de obras originales y dando conciertos como solista. Fue allí donde conoció a Joseph Haydn, quien se convertiría en uno de sus principales mentores. Durante los años siguientes escribió una serie de cuartetos de cuerda que dedicó al mismo Haydn, estas obras se cuentan entre las más cuidadas en la producción de Mozart. La enorme riqueza contrapuntística de estas piezas está ligada al estudio de la obra de Bach que el compositor se encontraba realizando por ese entonces. Este acercamiento teórico con las composiciones del maestro alemán dejará una marca permanente en todas sus obras, que irán ganando en profundidad y solidez compositiva. En 1782 obtuvo su primer gran reconocimiento en Viena con la ópera cómica Die Entführung aus dem Serail. Los éxitos seguirían con óperas como Le nozze di Figaro de 1786, Don Giovanni de 1787, Cossi fan tutte de 1790, y Die Zauberflöte de 1791. Esta última transformándose en una de sus óperas más populares. Siendo un virtuoso intérprete del clavecín y del fortepiano, escribió una gran cantidad de sonatas para piano solo, para violín y piano, y conciertos para piano y orquesta. Mozart también fue un prolífico compositor de música de cámara, así como también de sinfonías.

A mediados de 1791, Mozart recibió un pedido que se convertiría en un presagio de sus últimos días: un misterioso desconocido le encargó la escritura de un Réquiem (misa de difuntos). El compositor no llegó a terminar la obra, obsesionado con la idea de la muerte y de que estaba escribiendo su propio réquiem, su salud comenzó a deteriorarse rápidamente y finalmente murió ese mismo año dejándola inconclusa. La revisión y finalización de ésta quedó a cargo de uno de sus discípulos, Franz Xaver Süssmayr. Una vez terminada se convertiría en una de sus piezas más famosas, su estrenó se dio en 1793 en un concierto en beneficio de su viuda. <Destacado> <Título> Un prodigio de memoria <Cuerpo> En 1769, en una de sus visitas a Roma, Mozart tuvo la oportunidad de escuchar el Miserere, de Allegri, una obra interpretada únicamente en la Capilla Sixtina y guardada recelosamente por el Vaticano. Con la intención de difundir esta bella pieza, el músico escuchó atentamente y posteriormente transcribió la obra de memoria, sólo le fue necesario oírla dos veces. El Papa Clemente XIV, en lugar de castigarlo, premiaría la prodigiosa memoria del joven compositor otorgándole la orden de la Espuela de Oro.

32. <Personalidad> Ludwig van Beethoven <Datos> Nació: en Bonn, Alemania, el 16 de diciembre 1770. Falleció: en Viena, Austria, el 26 de marzo de 1827. En síntesis: fue uno de los mayores genios musicales de la Historia, pero también fue el primer artista independiente nunca se inclinó ante la Nobleza. Además fue sordo. <Copete> Abarcó todos los géneros y fue un músico de avanzada para su época, hasta el día de hoy sus últimos cuartetos para cuerda no han sido superados en complejidad técnica y musical. En palabras del maestro Daniel Barenboim: “Beethoven es toda la música, no hay nada de superficial en él”. Así de trascendente fue su figura para la historia de la música universal. Su talento era tal que nunca se ató a las exigencias de la aristocracia o el clero. <Cuerpo> En 1778, a la edad de siete años, Beethoven hizo su primera actuación en público en la ciudad de Colonia. Por ese entonces ya era evidente que su talento era fuera de lo común, tenía una capacidad de aprendizaje veloz, y los progresos en sus estudios se plasmaron rápidamente. Su profesor Gottlob Neffe fue un pilar muy importante en la vida del niño, no solo lo instruyó en música sino en toda la cultura occidental. En 1872 publicó su primera composición, Nueve variaciones sobre una marcha de Erns Dressler. Solo tenía once años y su maestro escribió un artículo sobre él en la Revista de Música dejando en claro que ya se perfilaba como uno de los más grandes prodigios musicales de todos los tiempos. En 1884 lo recomendó en la corte de Maximiliam Franz. De esta manera el horizonte del músico se amplió de manera notable, en estos círculos sociales conocería a quienes serían sus amigos y colegas durante el resto de la vida. El príncipe, un gran conocedor y aficionado a la música, reconoció el talento superior de Beethoven, y lo envió a Viena para seguir su educación musical. Al fallecer su madre y empeorar la salud y el alcoholismo de su padre, el joven músico se vio obligado a retornar a Bonn para hacerse cargo de sus dos hermanos. Allí permaneció hasta que el príncipe volvió a darle la oportunidad de continuar sus estudios musicales en Viena. A partir entonces no volvería a su ciudad natal. Según las fuentes de la época, Beethoven deslumbró la capital austríaca con su virtuosismo pianístico y la calidad de sus improvisaciones. En 1794 publicó su Opus nº1, Tres tríos para piano, violín y cello, y un año después tocó su primer concierto publicó en la ciudad. Desde ese momento comenzó una etapa de febril actividad entre giras y conciertos. Todo el entorno musical de la capital, maravillado con músico, se convirtió en su mecenas. Su enorme talento le valió la anuencia del público para con su feroz carácter. Siendo consciente de su enorme valor artístico y de la admiración que el mundo entero le profesaba, forjó un comportamiento impulsivo de frecuentes reacciones excesivas y desplantes.

Para 1801, ya al tanto de su sordera progresiva, comenzó a dedicarse de lleno a la creación, tenía tan solo veintitrés años. Ocho años después se planteó la posibilidad de radicarse en Holanda. Pero la aristocracia de la ciudad, sus grandes admiradores, le ofrecieron una pensión anual de cuatro mil florines a condición de que permaneciera en la ciudad. Así logró, lo que no había podido hacer, ni Mozart, ni el mismo Bach: se convirtió en el primer artista independiente de todos los tiempos. A partir de entonces fue libre de componer cuando quisiera, sin dejar de demostrar siempre su desdén por la autoridad. Su fallecimiento conmociono y paralizó a Viena, así lo demuestran las doscientas mil personas que asistieron a su funeral. <Destacado> <Titulo> El Concierto nº 5 Opus 73 Emperador <Cuerpo> Es el último concierto para piano escrito por Beethoven, y una de las obras más bellas escritas para piano y orquesta. La compuso entre 1809 y 1811 en Viena, fue dedicada a Rodolfo de Austria y se estrenó el 28 se setiembre de 1811 Leipzig. Su alumno Carl Czerny la estrenó posteriormente en Viena. Una de las mejores interpretaciones que se conocen, tal vez la más exquisita, es la versión del maestro Claudio Ararú con la orquesta sinfónica de Londres.

33. <Personalidad> Fernán Sor <Datos> Nació: en Barcelona, España, el 13 de febrero de 1778. Falleció: en París, Francia, el 10 de julio de 1839. En síntesis: sacó a la guitarra del ostracismo en que las élites musicales la habían condenado, inició la gran escuela guitarrística. <Copete> Es “el Beethoven de la guitarra”, ya que fue el primero en sistematizar su estudio en el Mèthode pour la guitare, publicado en París en 1830, obra en la cual, apoyado sin duda por su gran prestigio como intérprete, lleva a cabo el primer sistema pedagógico para el interprete de guitarra. Exigiendo un gran nivel técnico a partir de una exquisita composición. Fue este compositor quien le dio a la guitarra el nivel y la jerarquía que hoy tiene entre los demás instrumentos <Cuerpo> Perteneció a una familia de militares, pero tempranamente su padre lo inició en la ópera italiana y la pasión por la música lo llevó a dejar la carrera militar. También fue su padre el artífice de su encuentro con la guitarra; por aquellos tiempos este instrumento era considerado como inferior solo por ser utilizado en las tabernas, razón por la cual no existían maestros. Al morir su padre, Fernán continuó sus estudios en la Escolania del Monasterio de Monserrat, donde la educación giraba en torno a la música, pero no tenía especial aprecio por la guitarra. Por la tanto, la formación del músico fue enteramente autodidacta en lo que se refiere a este instrumento. En 1795 volvió a Barcelona, donde reinició su carrera militar con el grado de subteniente en el ejército de Villafranca. Por ese entonces ya había compuesto sus primeras obras y comenzó a dar sus primeros conciertos para piano y guitarra. Entre las producciones de esta época se encuentra la ópera Telémaco en la isla de Calipso; obra que se estrenó en su ciudad natal en 1797, en el Teatro de la Santa Cruz cuando él tenía tan solo veinte años. En 1801 viajó a Madrid para incorporarse a los círculos musicales de la corte. Allí la Duquesa de Alba se convirtió en su protectora y lo incluyo en su grupo de artistas. Sin embargo, se quedaría en la capital muy poco tiempo, y para 1802 ya se encontraba nuevamente en Barcelona. Unos años después obtuvo un cargo administrativo durante el reinado de José Bonaparte. Sin embargo, tras la expulsión de los franceses en 1813, muchos artistas e intelectuales, despreciados por su condición de “afrancesados”, se vieron obligados a emigrar a París. Pero a su vez, era innegable que Francia era país de avanzada, en el que las posibilidades para los artistas profesionales eran infinitamente superiores que en España. Sor se trasladó, entonces, a París y una vez allí no le fue difícil comenzar a ganar renombre entre los artistas de la época como compositor y como guitarrista. Realizó una serie de giras por Europa logrando convertir a la guitarra en un instrumento de concierto. A partir de entonces, el músico ganó fama internacional y en 1815 viajó a Inglaterra donde obtuvo un gran reconocimiento por sus óperas y ballets.

En 1823 se radicó en Rusia en donde también contó con una recepción positiva con el ballet Hércules y Onfalia, que se interpretó durante la coronación del Zar Nicolás I. Dos años después, su obra Cenicienta se presentó en la inauguración del teatro Bolshoi, ante la exigente aristocracia rusa. Luego de la muerte de su mecenas, la zarina madre Isabel, volvió a Paris donde vivió durante el resto de su vida. Fue, sin duda, el gran pedagogo de la guitarra y consciente de su labor, publicó en 1830 el inigualable Método para guitarra, que constituye la gran obra de referencia para todos los guitarristas hasta el día de hoy. <Destacado> <Titulo> Cendrillon <Cuerpo> Su éxito más importante fue el ballet Cendrillon, estrenado en Londres en 1822, con coreografía de François Decombe. Por aquella época se mezclaban los episodios de baile con pantomima de actores. Este ballet se estrenaría luego en París donde sfue puesto en escena más de cien veces, manteniéndose en cartelera por siete años. Se exhibió también en Bruselas, Moscú y Burdeos, y fue elegida para la inauguración del teatro Bolshoi de Moscú.

34. <Personalidad> Françcois Esprit Auber <Datos> Nació: en Caen, Francia, el 29 de enero de 1782. Falleció: en París, Francia, el 12 de mayo de 1871. En síntesis: fue un prolífico compositor de Opéras comiques que sentó las bases de La Gran Ópera. <Copete> Fue uno de los compositores más respetados e influyentes del siglo XIX en Francia. A tal punto que llegó a formar parte de la legión de honor y ocupó el puesto de director del Conservatorio de París. Fue también maestro de capilla imperial de Napoleón III. Su aporte más importante a la música fue el desarrollo del género operístico influiría a Wagner y Rossini y llevaría a la consolidación de la ópera moderna. Por este motivo es un compositor ineludible en el estudio de dicho género musical. <Cuerpo> Desde pequeño mostró interés por la música, aprendiendo a tocar varios instrumentos por iniciativa propia. Su abuelo fue un conocido pintor de Luis XVI y su padre fue un aficionado pintor y músico que poseía un almacén de láminas. Auber creció atendiendo los negocios del padre a la vez que estudiaba música. En 1802, fue enviado a Londres para aprender su lengua pero la ruptura del Tratado de Amiens lo trajo de regreso dos años después. Ya radicado en Francia, comenzó su tarea compositiva; L`Erreur d`un moment fue su primer opéra comique que fue presentada en 1805, en una sociedad de aficionados a la música. De esta manera conoció a Luigi Cherubini, quien se interesó en su trabajo y le abrió caminos por el mundo de la música. En 1820, descubrió la música de Rossini y conoció a Eugene Scribe, al año siguiente llegaría su primer gran éxito Emma, ou la promesse imprudente, con una cantidad record de funciones que perduró once años. Así seguiría con los éxitos de La Neige ou le Nouvel Eginhard de 1823, Léocadie de 1824 y Le maçon de 1825. En 1828 se estrenó en la Opera de París una de sus obras más innovadoras: Masaniello, ou la muette de Portici, con libreto de Germain Delavigne y Scribe. Auber logró, mediante el uso de los coros, la orquestación y melodías populares, dar vida a un melodrama relatado. La obra estaba basada en una revuelta de trabajadores contra la dominación hispánica de Nápoles de 1646, a orillas de las playas de Portici. El personaje principal era un pescador que protagonizaba la revuelta, con sus acompañamientos rítmicos impulsaba la acción, con barcarolas y marchas. El autor puso énfasis en las escenas de rebeldía antes que en la resolución musical del triángulo amoroso. Esta obra fue tan impactante para el público por su contenido político que incitó la revolución de julio francesa y la revolución belga de 1830. En enero de ese mismo año, también se había estrenado en París, una de las óperas cómicas más populares de Auber, Fra Diavolo. Su nombre evocaba a un forajido llamado Michel Pezza que resistió a la dominación hispánica de Nápoles y fue leyenda en Italia por sus atrocidades. Como se trataba de una comedia, el libretista Scribe tomó

el asunto con cierta liviandad, así pues Fra Diavolo en vez de terminar muerto, termina preso por sus fechorías. La música de ésta ópera tiene melodías simples pero muy pegadizas, a diferencia de La Muette, otra de sus grandes obras. Esta última posee arias sumamente conmovedoras que van a la par de la densidad emotiva de la teatralización. Forma en sí un contraste con las alegres cavatinas de las jubilosas óperas que la sucedieron con gran éxito: Le cheval de bronze de 1835, Le domino noir de 1837, Les diamants de la Courone de 1841 y Manon Lescaut de 1856. Esto resalta su versatilidad como compositor, que lo convierte en uno de los más importantes del género. <Destacado> <Título> Los diamantes de Auber <Cuerpo> Con alrededor de setenta piezas de música compuestas para escenas de ballet, ópera y música religiosa, Auber fue un gran músico que obtuvo el reconocimiento popular del público de París. La muette fue una joya que sentó las bases para la Gran Ópera. Pero no fue su única gran producción, obras como Le Philtre, Acteón, Le Lac des fées, y Haÿdée ou le secret, completan el repertorio que lo transformaron en uno de los más influyentes e innovadores músicos dentro del género. 35. <Personalidad> Giacomo Meyerbeer <Datos> Nació: en Berlín, Alemania, el 5 de septiembre de 1791. Falleció: en París, Francia, el 2 de mayo de 1864. En síntesis: supo combinar el estilo italiano y francés en la Gran Opera, imponiendo su sello personal en la música. <Copete> Fue un músico muy prolífico, compuso música de cámara, sinfónica, vocal, de escena y óperas. Fue uno de los compositores más destacados del melodrama musical romántico, donde se montaba un grandioso despliegue escénico de un drama histórico. Este nuevo estilo se conoció con el nombre de Gran Ópera, del cual Meyerbeer fue un gran exponente. Su música posee los grandes contrastes y los nobles desajustes típicos dentro del género. <Cuerpo> Desde pequeño demostró una precoz habilidad para la música, con apenas nueve años tocaba el piano con la maestría de un adulto. Tomó sus primeras lecciones en este instrumento con Muzio Clementi. Luego siguió sus estudios con Carl Zelter y más tarde

con el abate Vloger. Cuando sus primeras óperas fracasaron en Berlín y Viena, encontró apoyo en la figura de Antonio Salieri. Siguiendo el consejo de ser menos tradicional y de enfocarse en el estudio de la voz, en 1813 viajó a Venecia durante el éxito de la obra de Rossini, Tancredi. Allí comenzó a producir vertiginosamente una serie de óperas que imitaban el estilo tanto de este compositor como de Bellini. Se focalizó en la línea melódica de las arias escritas para los protagonistas más que en la orquesta. En 1824, con El cruzado en Egipto, supo capitalizar sus primeros errores y logró combinar con desenvoltura el aspecto orquestal y el vocal, rápidamente se convirtió en su primer éxito. Esta obra, su última escrita en italiano, le abrió las puertas de París, donde en 1826, la representó en el Thèâtre-Italien, con Giuditta Pasta en rol de Armando. Fascinado con París, se radicó allí y compuso su primer Gran Ópera, Robert le diable que se estrenó en La Opera de París en 1831. Con libreto de Scribe y Delavigne, la obra fue un verdadero éxito que le otorgó fama internacional. Robert era un protagonista romántico que transitaba un camino herrado debido a la influencia de su amigo Bertrán, quien resultaría ser su padre y el mismo diablo. Su hermana Alicia logra evitar que su hermano firme el malévolo contrato de su padre, pero sólo el amor de Isabele lo sacaría del camino al infierno y lo dirigiría al altar. En esta escena la ópera llega a su punto más alto y la dramatización es acompañada por un coro celestial. Esta obra fue un gran espectáculo que contenía todos los ingredientes de la Gran Ópera. La escena del ballet de las monjas espectrales fue tan popular que Edgar Degas hizo una pintura en base a la misma. El elenco compuesto por cantantes estelares como Adolphe Nourrit, Laurie Cinti-Damoureau, Julie Dorus-Gras y Nicolas Levasseur contribuyó a darle más prestigio y popularidad a la obra. Su repercusión fue tan grande que movilizó a la opinión de los músicos más importantes de la época, entre ellos, fue criticada por Wagner y alabada por Chopin y Mendelsohn. Con Les Huguenots de 1836, Meyerbeer logró superarse a sí mismo. En ésta se describe la lucha entre católicos y protestantes que culminó con la masacre de los hugonotes, cristianos protestantes, el día de San Bartolomé, en 1572. La acción dramática se concentra en el cuarto acto, antes de la victoria de los católicos. Le Prophète de 1849 describe las contiendas sectarias del Renacimiento, y L`Africaine describe la inquisición portuguesa. Así, supo insinuar con sus óperas los defectos de las organizaciones religiosas. <Destacado> <Título> Giacomo, le diable <Cuerpo> Meyerbeer fue un cruzado, un diablo y un verdadero profeta de la gran ópera. Fue un compositor execrado por la “excesiva teatralidad” de sus óperas. Muchos compositores lo criticaban acusándolo de traicionar a la música alemana y de copiar los estilos de Rossini y Bellini. Además, sus óperas tocaban temas controversiales, así pues, fue el perfecto chivo expiatorio. Pero lo cierto es que en lo que respecta a su musicalización, jamás pasó desapercibido por sus contemporáneos.

36. <Personalidad> Giovacchino Antonio Rossini <Datos> Nació: en los Estados Pontificios, Italia, el 29 de febrero de 1792. Falleció: en Passy, Francia, el 13 de noviembre de 1868. En síntesis: reavivó la ópera buffa con un nuevo estilo que creó los cimientos de la Gran Ópera italiana. <Copete> Por lo general es asociado con la ópera buffa y recordado como uno de sus grandes exponentes. No obstante, también rindió tributo a la Gran Ópera parisina de mediados de siglo XIX, que era constituida por un gran elenco de actores, bailarines y coros, que formaba un gran espectáculo de características teatrales por sus diálogos. Supo manejar como ninguno de sus contemporáneos la tensión dramática, dilatando los finales de acto a través de intensos pasajes que interpretaban los personajes principales. <Cuerpo> Ingresó al mundo de la música desde muy pequeño ya que sus padres eran músicos de oficio. A los dieciséis años entró al Liceo Musical y compuso una cantata que ganaría un premio dentro de la institución, se trató de su primer reconocimiento como músico por su obra El armonioso llanto sobre la muerte de Orfeo. Sus primeros pasos dentro del género operístico los dio con su ópera seria Demetrio e Polibio, compuesta en 1808 y representada cuatro años después. Luego llegaría el turno de La Cambiale di Matrimonio, su primera ópera buffa estrenada en noviembre de 1810 en Venecia, cuando Rossini tenía apenas dieciocho años. La ópera que cimentaría su reputación fue Tancredi de 1813, estrenada en febrero de ese mismo año en Venecia. Di tanti palpiti fue tan popular que llegó a dictarse una ley para que los venecianos no la tararearan tanto, ya que la ciudad seguía bajo dominio de Napoleón y la temática de la obra en torno al amor cortesano y la guerra, podría encender fervores patrióticos. Posteriormente, Rossini se adentraría en su veta cómica con las obras L`Italiana in Algeri de 1813. Ésta constituye un buen ejemplo de los frenéticos finales de acto típicos del autor, el final del primer acto se anuncia con una serie de sonidos onomatopéyicos, como el “din din”, de las sopranos o el “tic tac”, del tenor. Los sonidos se iban repitiendo in crescendo hasta llegar a un estruendoso final. En febrero de 1816 se estrenó El Barbero de Sevilla, una de las óperas que el mismísimo Rossini predijo que perduraría, pese al rechazo inicial del público que ya conocía la versión de Paisiello. El autor había acordado con el libretista en otros posibles títulos, pero como no eran muy comerciales, los productores dejaron el original. El estilo propio que había logrado el autor, con ciertos ritmos españoles y algo de bolero al final, le permitió superar el fracaso inicial y ubicar la obra dentro del repertorio internacional. Ese mismo año compuso una adaptación de Otello con un final trágico que no hizo consonancia con el público. En 1817, creó dos obras: La Cenerentola y Armida. La primera de estas es una comedia doméstica basada en el cuento de Charles Perrault. El papel principal fue especialmente creado para su esposa Isabella Colbran, respetando su estilo vocal con tesitura para mezzo soprano. Quizás

esta es la causa de que no haya tenido tanto éxito como El Barbero de Sevilla que tenía un marco más flexible para las prima donnas, ya que habían debido alterar, durante los ensayos, gran parte de los pasajes con el fin de lucirse. Entre 1818 y 1829, Rossini compuso diecisiete óperas de diferentes géneros. Su residencia en Paris influyó en su estilo musical, marcando un giro a favor de la Gran Ópera. Su última obra sería Guillaume Tell de 1829. Compuso en total treinta y nueve óperas y veintiocho obras no operísticas. <Destacado> <Título> La piedra angular: il crescendo <Cuerpo> En 1812 se estrenó La pietra del paragone en el Teatro de La Scala. Fue su primer encargo en un teatro importante. Consiguió un record de 53 representaciones y fue un verdadero éxito popular. Como consecuencia del mismo, Rossini fue eximido del servicio militar y firmó nuevos contratos. En el final de esta ópera, el público escuchó, por primera vez, uno de los pilares que cimentaron el éxito del Cisne de Pésaro: su típico crescendo.

37. <Personalidad> Karl María von Weber <Datos> Nació: en Eutin, Alemania, el 18 de setiembre de 1786. Falleció: en Londres, Inglaterra, el 5 de junio de 1826. En síntesis: fue uno de los principales representantes de la primera generación del Romanticismo alemán, junto con Beethoven y Schubert. <Copete> Fue un extraordinario conocedor del arte escénico, es por eso que sus óperas han eclipsado toda su producción en otros géneros. Pero del mismo valor son sus obras para piano solo, o piano y orquesta; sus sinfonías, misas, sus conciertos para clarinete y orquesta, y sobre todo su Concertino para trompa y orquesta. Estas últimas son obras fundamentales que aún hoy figuran en los repertorios para estos instrumentos. Sin dejar de lado la muy conocida “Invitación a la danza”. <Cuerpo> Fue miembro de una familia muy consagrada a la música, su padre se dedicaba a tocar el violín, su madre y sus primas eran todas cantantes liricas bastante conocidas en la época. Una de ellas, de hecho, sería la futura esposa de Mozart, Constanze. No tuvo una infancia muy feliz ya que padeció de una dolencia que no le permitió caminar hasta los cuatro años, pero igualmente pudo acompañar a sus padres en los viajes que realizaban debido a los conciertos de violín de su progenitor. Como era común en los músicos de la época, todos querían tener un hijo pródigo como Mozart, así fue como el pequeño Weber motivado por sus padres aprendió a cantar y a tocar el piano. En 1798, la familia se instaló en Salzburgo, en donde Weber comenzó a tomar clases con Michel Haydn, hermano del gran músico. Al morir su madre se trasladaron a Münich donde continúo su educación musical, tanto de canto como de composición, y tocó el piano en público por primera vez. A los doce años publicó su primera obra, pero, a pesar de las aspiraciones de su padre, sus composiciones no progresaron. Tres años después se volvieron a radicar en Salzburgo y pudo retomar sus estudios con Haydn. A los diecisiete años fue nombrado director de la orquesta de Breslau al este de Alemania, desde este lugar pudo adquirir grandes conocimientos del arte escénico. Por esos años compuso varias óperas que no alcanzaron el reconocimiento esperado, si bien Weber era uno de los compositores que más conocía de técnicas teatrales, y que además sabia cantar, aunque su voz también comenzaba a deteriorarse. De todas formas estos trabajos constituirían un antecedente de su futura labor. En 1811 realizó una importante gira de conciertos, y fue en Münich donde por fin una obra suya fue bien recibida por el público, se trató de la ópera Abu Hassan. Dos años después fue nombrado director de la orquesta de Praga, cargo que ocupo durante tres años. Durante este período compondría sus mejores obras para piano, que también interpretaba él mismo y que contaban con el agrado del público. Posteriormente obtuvo el mismo cargo en Dresde y allí se volcó a la composición de óperas. Dentro de ese

género realizo varias obras, datan de esa época las exitosas Deir Freischütz y Euryanthe. Ambas con una gran recepción al momento de su estreno. Ya cuando su salud comenzaba a deteriorarse recibió un encargo desde Londres: la composición de una ópera en inglés para el Coven Garden, que a la sazón, fue su tercera gran obra escénica, Oberón. Para su escritura debió estudiar el idioma a la perfección, a punto tal, que sólo se encontró un error en el libreto. Antes del estreno se trasladó a la capital inglesa donde su salud fue empeorando progresivamente. Poco después del estreno de una de sus mejores obras, el compositor falleció a causa de una tuberculosis que lo afectaba desde hacía tiempo. <Destacado> <Título> Euryanthe <Cuerpo> Se estrenó en Viena el 25 de octubre de 1823. Es una ópera en tres actos que rompe con el esquema seguido por la ópera alemana hasta ese momento. La obertura es un claro ejemplo del estilo típico del primer Romanticismo alemán. Weber utilizó el cromatismo musical para representar a los personajes malvados, impusó el uso del leitmotiv y los recitativos cantados. Arturo Toscanini la dirigió en la Scala de Milán en 1902. Sin embargo, es una obra con pocas representaciones debido a que el libreto es muy flojo.

38. <Personalidad> Franz Schubert <Datos> Nació: en Viena, Austria, el 31 de enero de 1787. Falleció: en la misma ciudad, el 19 de noviembre de 1828. En síntesis: considerado el iniciador del movimiento Romántico musical, el gran introductor del lieder y la forma breve. <Copete> El lirismo romántico de Schubert hace de él uno de los principales representantes de esta escuela musical. Fue el gran creador de Lied, género ejemplar del Romanticismo para voz y piano. Sus composiciones fueron modelos para músicos posteriores. Sin embargo, nunca publicó sus obras, ni tuvo éxitos resonantes en vida. Es el principal músico austriaco hasta el presente, en su época nunca buscó los favores de la aristocracia de su ciudad. Su obra completa se publicó recién entre 1884 y 1889. <Cuerpo> Fue el duodécimo de una familia de trece hermanos. Hijos de un maestro de escuela quien lo inició en las técnicas de violín y, a su hermano mayor, en las del piano. En 1808, a los once años, fue admitido en la Capilla Imperial de Viena como integrante del coro. En la escuela de música de esta institución estudió composición musical con Antonio Salieri. Y fue durante estos años, en que el joven Schubert comenzó a escribir sus primeras obras, que eran interpretadas por la orquesta juvenil de su escuela. Permaneció allí hasta 1813, fecha en que comenzó a trabajar como asistente en la escuela de su padre. Sin embargo, para el músico que no estaba interesado en la docencia, esto era una pérdida de tiempo. Por este motivo, comenzó a trabajar en los primeros de su magníficos lieder sobre poemas de Goethe, como por ejemplo El rey de los Elfos. A los diecinueve años ya había escrito doscientas cincuenta de estas composiciones. En 1814 escribió su primera ópera y su primera misa y al año siguiente terminó su segunda y su tercera sinfonía, dos misas, música religiosa y cientos de piezas cortas. En 1816 compuso su Sinfonía nº 4 en Do menor: Sinfonía trágica, y la Sinfonía n° 5 en Si bemol Mayor, así como también mucha música sacra. No es difícil darse cuenta de que el público de la época no estuvo a la altura de las circunstancias, la sutileza de la música de Schubert no era fácil de comprender. No hay que olvidar que era contemporáneo y admirador de Beethoven, a quien tan solo sobrevivió por un año, y al que jamás se atrevió a dirigirse. Lo cierto es que el carácter tímido de Schubert no lo ayudó a impulsar su carrera. Finalmente, el aburrimiento lo alejó de la enseñanza escolar con la idea de tratar de vivir de la música. Pero para lograr este objetivo era necesario estar dentro del círculo de la aristocracia vienesa. Como resultado nunca logró mantenerse con sus obras, pero formó un círculo íntimo de amigos que fueron su público fiel, comprendían la magnitud de su arte y la genialidad de su talento. Por aquella época, la fuente principal de los ingresos de un músico era la publicación de sus obras o la música operística. Schubert nunca logró estrenar, ni

publicar ninguna de sus sinfonías, ni sus operas, siendo estas últimas de hecho, la parte de su obra más desconocida. En 1821 compuso la Sinfonía nº 8 en Si menor, conocida como “la inconclusa”, porque nunca escribió el último movimiento. La copia perfectamente pasada en limpio quedó en manos de su amigo Hüttenbrenner, quien la guardó durante cuarenta años. Recién se estrenaría en 1865. Durante sus últimos años, Schubert escribió algunas de sus obras más magistrales. Entre ellas la famosa Wanderer-Fantasie, también conocida como Opus 15 D760 en Do Mayor, una fantasía escrita en forma de sonata, la típica obra del romanticismo alemán. <Destacado> <Título> Sinfonia nº9, D 944 en do mayor “La Grande” <Cuerpo> Se cree que fue compuesta entre 1825 y 1826, el autor la había presentado a la Gesellschaft ser musikfreunde, creada para fomentar la difusión de la música, pero la obra fue rechazada y quedó olvidada hasta el año 1838. Entonces, Robert Schumann la encontró en la casa vienesa de Ferdinan Schubert. De regreso a Leipzig, hizo que la magnífica obra fuera estrenada el 21 de marzo de 1831 bajo la dirección de Félix Mendelsshon, once años después de la muerte del compositor.

39. <Personalidad> Gaetano Donizetti <Datos> Nació: en Bérgamo, Italia, el 29 de noviembre de 1797. Falleció: en la misma ciudad, el 8 de abril de 1848. En síntesis: aún en las óperas buffas generó momentos de conmovedora intensidad dramática enfatizando la línea melódica de los cantantes. Copete Uno de los compositores más prolíficos de la ópera italiana, con una producción de más de setenta óperas en su repertorio. Sus obras más destacadas son: Anna Bolena (1830), L`Elisir d`amore (1832), Lucia di Lammermoor (1835), Il campanello di notte (1836), La fille du régiment (1840), La favorite (1840) y Don Pasquale (1843). Sus óperas permitían que los cantantes pudieran mostrar su virtuosismo vocal, esto lo convirtió en un compositor ineludible para los amantes del bell canto en la ópera. <Cuerpo> Recibió sus primeras lecciones de música a los nueve años en una escuela caritativa de música a cargo de Simone Mayr, en la basílica Santa Maria Maggiore, de Bérgamo. Luego, prosiguió su formación con el maestro Stanislao Mattei en Bolonia. Allí comenzaría a introducirse y perfeccionarse en el arte de la composición. Su primera obra fue estrenada en Venecia en 1817. Pero fue con su segunda ópera, Enrico Borgogna, que se daría su lanzamiento a la fama obteniendo el reconocimiento del público veneciano. Su cuarta ópera, Zoraide di Granada, le abrió las puertas a nuevos contratos de la mano de Domenico Barbaja. Sin embargo, aunque el reconocimiento fue aumentando progresivamente, debería esperar hasta el estreno de su obra número treinta y dos para consagrarse definitivamente con su primer éxito. Se trató de la ópera Anna Bolena, que contaba con uno de los mejores libretos de Felice Romani. Donizetti trabajó con la colaboración de una de las prima donna del momento, Giuditta Pasta, en el papel de Anna. El punto más emotivo de la obra se alcanza en la escena donde Anna recuerda un pasado feliz antes de caminar al cadalso, y está acompañada por la conmovedora clavatina Al dolce guidami castel natío. En el final de la ópera, Anna entona una tempestuosa cabaletta, Coppia inicua, l` estrema vendetta, que dirige a Enrique VIII y a Juana Seymour. La obra constituyó un éxito internacional y representó, para Donizetti, un punto bisagra con respecto a composiciones posteriores, no tan influenciadas por el estilo rossiniano. Dos años después publicó L`elisir d`Amore, si bien es un ópera buffa que tiene algunas reminiscencias de dicho estilo, marca un quiebre dentro del mismo, especialmente en las arias compuestas para los protagonistas, con una música de conmovedora intimidad. Una furtiva lacrima es una de las más bellas arias escritas para tenores de la época. Por lo general, los tenores se encargaban de interpretar papeles cómicos donde no se comprometían con la expresión de sentimientos. En aquel entonces, los ideales del romanticismo eran expresados a través de las prima donnas, las sopranos o las mezzosopranos. Así pues, esta ópera introdujo un cambio en el clásico rol cómico del

tenor. Este cambio, a su vez, marcaría un estilo propio que se puede observar a lo largo de su obra, plagada de personajes que motivan nuestra compasión. Tras su regreso de París, compuso la música de Lucia di Lammermoor, basada en una obra de sir Walter Scott. Ésta cuenta la historia de una mujer que, tras casarse por conveniencia, se vuelve loca y mata a su esposo. Las acrobacias vocales que entona Lucia nos muestran su estado en la escena final. Donizetti, consciente del melodrama que se estaba representando, optó por una música teatral integral. Esta característica se mantendría en sus obras sentando un antecedente de lo que vendría con Verdi. <Destacado> <Título> Don de Donizetti <Cuerpo> Además de haber sido un prolífico compositor de óperas, Donizetti supo enmarcar con su música aquello que relataban sus diversos libretistas. Entre éstos se destacaron Felice Romani, Salvatore Cammarano y Giovanni Ruffini. Así, es frecuente que en sus obras el uso de los duetos y los sextetos en arias bellísima que nos movilizan los más variados sentimientos, nos permitan dilucidar lo que vendrá de la mano de los protagonistas.

40. <Personalidad> Vincenzo Bellini <Datos> Nació: en Catania, Italia, el 3 de noviembre de 1801. Falleció: en Puteaux, Francia, 23 de septiembre de 1835. En síntesis: con sus clásicos ritornelli, renovó el bel canto y dio vigor a la narrativa de las óperas. <Copete> Su música es, quizás, la que mejor expresa el sonido del romanticismo italiano de la década de 1830, con sus clásicas heroínas. Los libretos de Giuseppe Felice Romani, contribuyeron significativamente al desarrollo de la estética de su melodramma. Ésta estaba basada en la tensión que generaban los romances contrariados, con sus clásicas canciones de amor. Bellini utilizó las líneas melódicas para reforzar la pureza de la voz en la expresión del amor romántico. <Cuerpo> Aprendió música desde muy pequeño ya que su padre, el organista Rosario Bellini. Fue un destacado alumno de Nicola Zingarelli, quien le enseñó composición en el Conservatorio di San Sebastiano. En esta institución produjo su primera ópera, Adelson e Salvini, como proyecto final de sus estudios en 1824. Ésta se estrenaría en el Teatro del conservatorio en 1825. Su segunda ópera, el melodrama Bianca e Fernando, fue un encargo de Domenico Barbaja, el director del teatro napolitano de San Carlos. Tuvo dos versiones, la original había sido publicada con el nombre de Bianca e Gernando, para evitar la censura de Fernando el Rey de las Dos Sicilias. Con la ayuda de Romani, el libretista que lo acompañaría hasta el final de su carrera, compuso una nueva versión que se estrenó en 1828, en el Teatro Carlo Felice ubicado en Génova. Un año antes de la misma, había estrenado Il Pirata en el Teatro La Scala de Milán. Esta obra fue una de las óperas más extensas de Bellini, tuvo poco éxito porque en la adaptación no se incluyeron los detalles del agitado pasado de los personajes de la obra trágica en la que estaba basada: Bertram de Charles Maturín. La obra resultó incomprensible. Menos convincente aún fue la adaptación casi surrealista de la novela L`etrangère de Charles Prevót. En ella, la extranjera visita las inmediaciones de un lago y despierta violentas pasiones en dos jóvenes, uno que terminaría siendo su hermano y otro que se suicidaría antes de su boda. Mientras tanto, ella descubre que es la heredera al trono de Francia. La obra terminó siendo ridícula para un melodrama y con demasiados elementos trágicos como para ser una comedia, quizás por este motivo cayó en el olvido durante gran parte de los siglos XIX y XX. En 1830, con I Capuleti e i Montecchi llega la mejor colaboración de Romani y Bellini. La obra se concentra en la poesía trágica de la historia de amor y en el bel canto de los personajes. Romeo fue compuesto para una tesitura de mezzosoprano, era frecuente que una mujer hiciera papeles de hombre en aquella época, ya que lo importante era que la poesía dramática se expresara a través del bel canto. En La Sonnambula de 1831, Amina ingresa en la habitación de un noble caballero poniendo celoso a su prometido,

Elvino. Al verla dormida en la cama de otro, él la despierta y se genera un entuerto que provoca su rechazo. Finalmente, Amina le canta su amor en sueños mientras camina por una viga que la conduce al molino. Tras escuchar su canto, él se da cuenta de que su amor es puro, el bullicio de la aldea la despierta sana y a salvo del peligro. Ah, non credea mirarti es una de las cavatinas más conmovedoras que tiene esta ópera semiseria. En diciembre de ese mismo año estrenó Norma, su aria Casta Diva es el máximo exponente de la línea melódica belliniana y se convirtió en una de las más populares del siglo XIX. <Destacado> <Titulo> Las flores secas <Cuerpo> La sonnambula fue una de las óperas más populares de su época. Giuditta Pasta y María Malibrán dieron vida al papel de Amina, y el tenor Giovanni Rubini, con una técnica muy fluida en la coloratura, contribuyó con su parte para que esta ópera tuviera el éxito que tuvo. La frase de la cavatina “ah, non credea mirarti si presto estinto, o fior” (¡Ah! No creí que tan pronto secas os vería, oh flores) se transformó en un ejemplo de la genialidad de Bellini que perdurará por siempre.

41. <Personalidad> Louis Héctor Berlioz <Datos> Nació: en La Côte-Saint-Andre, Francia, el 11 de diciembre de 1803. Falleció: en París, Francia, el 8 de marzo de 1869. En síntesis: con sus grandes extensiones melódicas y con su fino sentido de la orquestación, fue el músico más romántico de los músicos del romanticismo. <Copete> Fue uno de los compositores más imaginativos del romanticismo del siglo XIX, profundamente influenciado por la literatura de Cellini, Quincey, Goethe, Byron, Shakespeare y Virgilio. Profundo admirador de Beethoven, Gluck, Mozart, Méhul, Weber y Spontini. En su época fue más conocido como director de orquesta que como compositor, ya que, periódicamente, hacía ciclos de conciertos en distintos países donde dirigía óperas y música sinfónica de obras propias o de otros compositores. <Cuerpo> Era oriundo del distrito de Grenoble donde su padre ejercía la medicina; éste le enseñó a tocar la flauta a los ocho años. Luego comenzó a estudiar guitarra y canto con el padre de un amigo llamado Imbert. Tiempo después, exhortado por su padre, viajó a París para estudiar medicina, pero abandonó la carrera para ingresar al Conservatorio de París. Allí se formó en la tradición operística francesa bajo la tutela del compositor Jean François Le Sueur. Posteriormente, siguió sus estudios de composición y fuga con Antoine Reicha. Fue amigo de Mendelssohn y Glinka; se relacionó con figuras del campo literario de la época como Alejandro Dumas, Víctor Hugo y Honoré Balzac que lo pusieron en contacto con los grandes autores de la literatura universal. La obra Romeo y Julieta, sin duda le sirvió de inspiración para sus cartas de amor a Harriet Smithson, una actriz de la que se enamoró tras verla en una función en el teatro Odeon. Sin embargo, estas no surtieron pues a ella le habían parecido muy exageradas. Este rechazo amoroso fue el motor que lo llevó a componer una de las obras más trascendentales de todos los tiempos, su célebre Sinfonía Fantástica. La obra, nombrada Episodio de la vida de un artista, narra la historia de un joven músico, que desesperado por un amor no correspondido, toma opio para suicidarse y se sumerge en un profundo sueño. En su época, esta ópera programática de carácter autobiográfico fue vanguardista. Consta de cinco movimientos, con un argumento bien detallado que era explicado en el programa; el primero alude al momento de ensoñación producido por el opio, en el que evoca sus momentos más felices y desdichados. En el segundo, se retrata una ensoñación placentera, con escenas de baile donde la amada se va desvaneciendo como un fantasma. El tercer movimiento consiste en una escena en la campiña, donde dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas llamando a las vacas. De pronto la bucólica calma se ve interrumpida por la aparición de su amada. Comienza a sonar una flauta, el sol se esfuma y se oye un trueno a lo lejos. El cuarto movimiento llamado Marcha al cadalso, evoca el crimen de la amada y su juicio público. El último, presenta la idea del infierno tras la muerte, con un aquelarre de brujas y celebraciones infernales.

En el final, unas campanas de iglesia penetran en la escena despertando al protagonista de su pesadilla. Con esta sinfonía fantástica se hizo tremendamente popular en la década de 1830. Ganó el Premio de Roma con la cantata Sardanapale y aprovechó la beca para estudiar composición operística en la capital italiana. También fue convocado para realizar arreglos para coro y orquesta de La Marsellesa del compositor Rouget de Lisle. Tras su regreso a Francia se enteró que Harriet Smithson había quedado fascinada con su obra y al poco tiempo se casó con ella. <Destacado> <Título> Obra fantástica <Cuerpo> Berlioz no sólo compuso bellísimas obras sinfónicas de todo tipo sino que además escribió obras religiosas, cantatas, oberturas, corales y óperas. También produjo ensayos sobre la instrumentación moderna, volviéndose un referente de la música académica. Dentro de sus óperas se destacan Benvenuto Cellini, Les Troyens y Béatrice et Bénédict. Por su parte, Harold en Italie, Roméo et Juliette y la Simphonie funébre et Triomphale, son algunas de sus más extraordinarias piezas sinfónicas.

42. <Personalidad> Mikhail Glinka <Datos> Nació: en Novospasskoye, Rusia, el 1 de junio de 1804. Falleció: en Berlín, Alemania, el 15 de febrero de 1857. En síntesis: gran padre del nacionalismo ruso y creador de algunas de las corrientes musicales más importantes de su siglo. <Copete> Fundó una de las corrientes musicales más innovadoras del siglo XIX, muchas de las escuelas rusas posteriores encuentran en él su origen. Se interesó por todas las formas y estilos de la música, tanto el folklore popular ruso como la música internacional, pasando por la ópera, la música de cámara y el sinfonismo alemán. La música tradicional española lo deslumbró a punto tal que escribió en base a sus lineamientos las famosas Oberturas. <Cuerpo> Cuentan que se crió con el folklore ruso que escuchaban los sirvientes de su casa. Su formación musical fue prácticamente autodidacta, ya que la educación pública no era frecuente en la Rusia de la época. Estudió luego en San Petesburgo y más adelante tomó clases en Italia y Alemania. En 1836 Glinka obtuvo su primer éxito resonante con la obra La vida por el zar también llamada Iván Susanin por la censura rusa. El título fue modificado poco antes del estreno para rendir homenaje al zar Nicolás I. Inmediatamente se convirtió, para sus contemporáneos, en el fundador de la ópera nacional rusa. Varios factores motivaron el establecimiento de su figura como tal, entre ellos, el patriotismo del libreto y la representación de los polacos como enemigos del pueblo ruso y del zar. Pero además, el autor adoptó para su obra el formato de la ópera francesa tan admirada entre la aristocracia rusa. Hecho insólito y casi subversivo para la época ya que en estos círculos se criticaba el empleo de temas musicales folklóricos en géneros operísticos, sobre todo para caracterizar al pueblo ruso, a los que además situaba como salvadores y garantes de la estabilidad del imperio zarista. Se considera que a partir de esta obra Glinka sienta las bases de las tres ramas en que se divide la ópera rusa: drama histórico, drama mágico-folklórico y drama burgués. En 1845 viajó a España donde residió durante dos años, allí entró en contacto con el folklore español. Comenzó a utilizar, a partir de entonces el estilo de la Jota para algunas de sus composiciones, como por ejemplo en sus obras La jota aragonesa, Recuerdo de una noche de verano en Madrid y otras piezas presentes en sus Oberturas madrileñas. Otra de las grandes obras de Glinka es, sin dudas, Ruslan y Lyudmila estrenada en 1842, que tuvo un tibio recibimiento por parte del público. Sin embargo, con ella inicia el drama fantástico con fuentes folklóricas. Aún hoy en día se sigue siendo incomprendida porque, se aleja de las convenciones de su época tanto como de las actuales, ya que se ajusta exactamente a la estructura del cuento fantástico ruso en su sentido más puro y auténtico. El músico introdujo en esta obra procedimientos armónicos absolutamente novedosos y heterodoxos que pasarían a ser la matriz de la

música modernista específicamente rusa. Como por ejemplo, la reconocida escala de Chernomor que sirvió de precedente a la escala octatónica que tendría una peculiar importancia en los futuros ballets de Stravinsky. Lo mismo ocurre con el color oriental del coro de las esclavas persas, cuyo exotismo constituyó el modelo básico para el orientalismo que utilizarían tan asiduamente los compositores rusos posteriores. Es destacable también la Balada del mago Finn, cuya melodía había sido anotado de oído por Glinka al escucharla de un cochero finlandés. <Destacado> <Titulo> Kamarinskaya <Cuerpo> Glinka fue el primer compositor ruso popular reconocido internacionalmente. Fue el autor de Kamarinskaya, obra basada en un tema del folklore ruso, compuesta en 1848. Este tema alcanzó gran difusión entre el pueblo ruso, y se han hecho miles de versiones. En 1888 Tchaikovsky escribió en su diario “la escuela sinfónica rusa se encuentra toda ella en la kamarinskaya”. Así de relevante fue este autor para el desarrollo de la música de Rusia.

43. <Personalidad> Felix Mendelsshon <Datos> Nació: en Hamburgo, el 3 de febrero de 1809. Falleció: en Leipzig, el 4 de noviembre de 1847 En síntesis: mucho se ha dicho sobre este compositor lo que nadie le puede negar es haber sido poseedor de una intuitiva comprensión de la composición musical <Copete> Los padres de Mendelsshon se convirtieron al protestantismo y no les dieron a sus hijos formación religiosa. Ya Alemania era un reducto antisemita, y ya Richard Wagner se dedicaba a mostrar los defectos que los haría famoso, le molestaban el éxito la popularidad y los orígenes judíos de Mendelsshon. Tres años después de su muerte Wagner inicia una campaña de desprestigio a través del panfleto El judaísmo en la música, un hito del antisemitismo Alemán. <Cuerpo> Félix Mendelshonn pertenecía a una familia de banqueros judíos liberales e ilustrados. Quienes se establecieron en Berlín cuando Félix tenía dos años. Recibió clases de los mejores de su tiempo: Ignaz Moscheles en piano y Carl F.Zelter en contrapunto y composición. Fue un eximio violista y violinista y un consumado interprete de piano. Pero además era un gran dibujante. Hablaba inglés y francés y leía en griego y latin. Y en la universidad de Berlín asistió a las clases de Estética que dictaba Hegel, y de Historia que impartía Eduard Gans. Además su casa paterna era frecuentada por los más ilustres de la época. Según los testimonios se cree que su primera actuación ante el público fue alrededor de los nueve años durante un concierto de música de cámara en el cual acompañaba a un dúo de trompas. Y también comenzó a componer siendo solo un niño, a los once años ya había escrito un trío para piano, violín y viola, una sonata para piano y violín, piezas para órgano , una opereta en tres actos entre otras y a los doce , un cuarteto para cuerdas, nueve fugas, obras para piano, operetas. A los trece hizo la primera presentación tocando un concierto para piano de su autoría. A los catorce disponía de una orquesta privada que le había regalado su padre. A los quince años termina su duodécima sinfonía juvenil. Y compuso su Primera sinfonía. Op 11 en do menor. A los 17 ya había compuesto la obertura de su Sueño de una noche de verano. Siguió un aprendizaje basado en el estudio de los estilos de los grandes maestros de la historia, por ejemplo Bach hijo, para sus 12 Sinfonías para cuerdas; Beethoven para los Cuartetos op 12 y 13; o Bach padre para Paulus, entre otros. Mendelsshon alcanza un extraordinario bagaje técnico que demuestra en el inigualable dominio del contrapunto. Según el especialista Larry Todd Mendelsshon “fue el gran protagonista del redescubrimiento de Bach quien reestreno la pasión según San Mateo en Berlín después de un siglo de olvido. Fue el primer director en usar batuta y en desarrollar técnicas modernas de ensayo. Fue un sabueso musicólogo que desempolvo manuscritos de Bach, Händel. Mozart, Beethoven. Cabe aclarar que cuando Mendelsshon dirigió esta obra tenía tan solo 20 años.

En 1825 la familia se traslada a Berlín. Y en 1827 viaja a Inglaterra donde dirigió en la Sociedad Filarmónica en la que se interpreto su Primera sinfonía y fue un gran éxito de crítica, y cinco días después debuto como pianista. Sus visitas a Inglaterra se repitieron diez veces. Fundó en 1843 el conservatorio de Leipzig. En los momentos finales de su vida, cuando ya se encontraba gravemente enfermo una multitud se agolpaba en la puerta de su casa y en cada hora se daban partes sobre su salud. Muere a los 38 años como gran parte de su familia a causa de un derrame cerebral. <Destacado> <Titulo> Obertura <Cuerpo> Fue escrita como la obertura de concierto no asociada a ningún tipo de representación teatral. Concebida como romántica, el autor incorpora muchos elementos clásicos con estructura de forma de sonata. Y es de destacar en ella los logrados efectos instrumentales, por ejemplo, “el correteo de los pies de las hadas”, el rebuzno. Cuenta Heinrich Jacob que escribió los cuatro acordes del comienzo “garabateados después de oír el crujido de las hojas con la brisa de la tarde en el jardín de la casa de familia”.

44. <Personalidad> Frederich Chopin <Datos> Nació: en Zelazowa Wola, Polonia, el 22 de febrero 1810. Falleció: en París, Francia, el 17 de octubre de 1849. En síntesis: uno de los mejores pianistas de todos los tiempos, con su música alcanzó un estadio más elevado de existencia. <Copete> Músico y compositor polaco, uno de los pianistas más virtuosos de la historia. Su obra se encuadra en el corazón de la corriente del Romanticismo musical. Fue el primer músico ilustre nacido en Polonia en ser reconocido internacionalmente. Durante toda su vida manifestó su amor por su patria, y esta característica también está presente en su obra ya que contó con las influencias del folklore polaco y también escribió algunas Mazurcas. <Cuerpo> Hijo de una familia defensora de la causa nacionalista polaca. Su madre pertenecía a una familia de la nobleza polaca, que ya por ese entonces se encontraba en decadencia. Paso su infancia en Varsovia, y si algo signo la educación de Chopin fue el interés familiar por la cultura y la música en particular. Su primera profesora de piano fue su hermana mayor, recién a los seis años comenzó su educación musical formal con el maestro Wojcieh Zywny quien basaba sus métodos de enseñanza en Bach y Mozart. A los siete años de edad compuso su primera obra, la Polonesa en Sol Menor, que fue transcripta por su padre ya que el pequeño aun no sabía escribir bien música. A los ocho era ya un pianista de excelencia y componía con fluidez, a esta edad dio su primer concierto público, iniciando su carrera como concertista de las familias nobles de Varsovia. En 1822 comenzó sus estudios con el maestro Elsner en la Escuela Superior de Música de Varsovia. Gracias a la exigencia de su maestro en la enseñanza teórica en el arte del contrapunto, Chopin alcanzó una solvencia técnica y una sólida comprensión de la composición musical. De estos años data la Sonata para piano nº1 en Do menor. En 1829 su prestigio como artista en su patria ya era extenso y comenzaba a traspasar las fronteras, a tal punto que desde Viena, fue solicitado por el famoso violinista Kreutzer, los fabricantes de pianos Stein y Graff y el editor Hasslinger. Es así, que ese mismo año se presentó en la capital austríaca acanzando un éxito fue enorme. Al regresar a Varsovia compuso el adagio del Concierto para piano nº 1 y orquesta en fa menor, entre otras obras. También en esta época escribió los Estudios del Op. 10 y sus primeros Nocturnos. Fue entonces que Chopin, ya consagrado en su país de origen, decidió emprender un viaje de estudios a Europa en busca de la conquista del público internacional. Partió hacia Viena en 1830 ignorando que jamás regresaría a su amada Polonia. Allí no fue del todo feliz, el músico contaba con un genio abrumador que despertó las envidias de los artistas locales. Dio solo dos conciertos. Su ánimo comenzó a decaer rápidamente, preocupado por la situación de su país, fuertemente reprimido por los rusos. Sin embargo, fue capaz de plasmar en su música su profundo patriotismo y la

inquietud que le provocaba la coyuntura internacional. Como resultado produjo algunas de sus mejores obras, son de esa época el Nocturno nº 20 en do sostenido menor, y los Nocturnos del opus. A su vez comenzó con la escritura de el Scherzo en si menor. El uso del modo menor en sus composiciones de este período denota su estado de ánimo. Quizás por este motivo se trasladó a Paris en donde viviría durante el resto de su vida y obtendría el reconocimiento que su invaluable genio musical merecía. En la capital francesa se ganó la vida dando clases y componiendo.  <Destacado> <Titulo> “Crear un mundo nuevo” <Cuerpo> Durante su estadía en París, conoció a Friederich Kalkbrenner, “el rey del piano”. Éste admiraba el buen gusto de Chopin y le ofreció darle lecciones para solucionar sus defectos de ejecución. Sin embargo solo tendrían una clase, el músico diría que no tenía deseos de transformarse en una copia de Kalkbrenner y que “nada podría quitarme la idea ni el deseo, acaso audaz pero noble, de crearme un mundo nuevo”.

45. <Personalidad> Robert Schumann <Datos> Nació: en Zwickau, Alemania, el 8 de junio de 1810. Falleció: en Bonn, Alemania, el 29 de julio de 1856. En síntesis: fue el punto culminante del movimiento Romántico alemán y a la vez un revolucionario para sus tiempos <Copete> No fue muy comprendido por sus contemporáneos. Combinó su vocación por la música con su capacidad literaria convirtiéndose en uno de los artistas más completos y difíciles de desentrañar de la época. Sin embargo, sus problemas mentales y su compleja personalidad, le ocasionaron muchos problemas, no solo profesionales si no también personales. A tal punto que el músico no podría superarlos y lo llevarían a un rápido deterioro emocional, y finalmente, a una trágica muerte prematura. <Cuerpo> No tuvo una vida fácil. Desde muy joven padeció lo que hoy se denomina síndrome bipolar, y esto se expresaba en una personalidad bastante combativa. Alternaba periodos de depresión con periodos de asombrosa creatividad. Así mismo, dada su capacidad para la literatura, también fue un gran crítico musical. Tal vez uno de los pocos que poseía tanto el punto de vista del músico como el del crítico. Fue su padre quien le garantizó su formación como pianista y escritor, pero falleció cuando el joven tenía tan solo dieciséis años. Su madre no aprobaba su dedicación a la música y lo envió a estudiar Derecho en la Universidad de Leipzig. No duraría mucho en esta carrera y se terminaría inclinando por su vocación artística. Sin embargo, por ese entonces lo comenzarían a aquejar las alucinaciones auditivas que lo acompañarían durante toda su vida, dificultándole su profesión. Por encima de todo Schumann anhelaba convertirse en un virtuoso pianista, sueño que se vería frustrado al sufrir una lesión en su mano derecha. Se dedicó, entonces, plenamente a la labor compositiva. De adolescente ya había comenzado a escribir obras para piano y música de cámara. En 1831 se inició como crítico musical, carrera en la que realizaría una importante creación literaria, como por ejemplo, a través de sus personajes imaginarios Florestan y Eusebius, utilizados para profundizar en las obras de sus contemporáneos. En general, como amante de la música, realizaba reseñas constructivas para con sus colegas. Fue alumno de piano de Friederich Wieck, y es a través de éste que conocería a su futura esposa, Clara Wieck una consagrada pianista de dieciséis años. Sin embargo, esta unión despertó la ira de su maestro, quien no solo se opuso a la boda, sino que también les negó la dote y el dinero que Clara había ganado en sus conciertos. A partir de entonces, la muchacha se convertiría en la principal intérprete y difusora de la obra de Schumann. Su figura influyó muy positivamente en la carrera de su esposo, y lo motivó para que abordara la composición para orquesta. El mismo músico dice en una carta a Clara del año 1838 que algunas de sus composiciones eran difíciles de entender para el público internacional ya que surgían de lo más profundo de su intelecto y de su forma

de comprender el mundo. Tal vez sea ésta la más perfecta concepción del artista que jamás se haya escrito. Los últimos años de la vida de Schumann estuvieron marcados por el agravamiento de sus padecimientos mentales a punto tal, que tras un frustrado intento de suicidio fue confinado a una institución de salud mental en Endenich donde permaneció hasta su muerte a los cuarenta y seis años. Su obra forma un corpus cuantioso que abarcó gran parte de los géneros y está caracterizada por un intenso sentido poético. Fue sin duda el punto culminante del Romanticismo Alemán. <Destacado> <Titulo> La cofradía de David <Cuerpo> Fue una entidad espiritual creada por Schumann para expresar sus opiniones estéticas. El objetivo principal era combatir a los “filisteos” enemigos del arte. David vencedor de Goliat era un símbolo claro de los románticos. Representaba, con esta metáfora, a las poderosas fuerzas adversas que los artistas debían derrotar para lograr la trascendencia de sus creaciones. La cofradía se expresaba a través de la Nueva revista para músicos, un semanario que según los postulados de su creador pretendía unir Verdad y Poesía.

46. <Personalidad Franz Liszt <Datos> Nació: en Raiding, Hungría, el 22 de octubre 1811. Falleció: en Bayreuth, Alemania, el 31 de julio de 1886. En síntesis: considerado el mejor pianista del siglo XIX, y para algunos el mejor de todos los tiempos. <Copete> Fue uno de los más destacados compositores de la llamada Nueva Escuela Alemana. Fue un gran pianista y compositor, generó una extensa obra para piano, para piano y orquesta, y una gran producción orquestal. Fue influenciado por Chopin y Paganini, y él, a su vez, dejó una huella imborrable para las siguientes generaciones. Fue un gran profesor que valoró las capacidades de sus alumnos sin moldearlos a partir de su ideal de pianista. También creó nuevas formas musicales, como por ejemplo el poema sinfónico. <Cuerpo> Comenzó a componer de manera elemental a la vez que comenzaba a improvisar en el piano. Demostró gran interés por la música sacra y romaní. En 1820 dio sus primeros conciertos públicos y fue presentado en la corte de la casa de Esterházhy como niño prodigio. En Viena fue alumno del Maestro Czerny, y del gran Antonio Salieri. Debutó como músico en esa ciudad obteniendo un gran éxito, lo que le posibilitó la entrada a los círculos aristocráticos de Austria y Hungría. En 1827, tras la muerte de su padre, dio fin a su carrera concertística como niño prodigio, que al parecer lo tenis un poco aburrido. Años más tarde, el autor se presentaría bastante escéptico con respecto a esa etapa de su profesión. Si bien había alcanzado gran reconocimiento y ganado mucho dinero, había interrumpido su formación general reemplazándola por una voraz educación autodidacta. Curiosamente, varias veces dijo que era mejor para todos que sus manuscritos de aquella época se perdieran para siempre. Durante su adolescencia en París se dedicó a dar clases de piano y composición. Por ese entonces renació su inquietud religiosa y sus deseos de unirse a la Iglesia Católica, tema reaparecería recurrentemente en su vida. Como antes lo hubiera hecho su padre, su madre logró disuadirlo. En 1832 asistió a un concierto de Nicolo Paganini, impresionado por semejante virtuosismo, quiso trasladar al piano lo que el músico era capaz de hacer en el violín. A partir de aquí, Liszt pasó años estudiando las posibilidades del piano con un moderno instrumento que evolucionaba años tras año, gracias a la ayuda del fabricante Érard. Éste, a su vez, colaboraba con los intérpretes ilustres de la época con el objetivo de perfeccionar la elaboración de pianos. Mantuvo una relación con la condesa Marie D`Agoult durante diez años, con ella tuvo a sus hijas, Blandina, Cósima y a su hijo Daniel. Cabe destacar que jamás contrajo matrimonio con la condesa ya que ésta era casada. Si bien en 1935 había abandonado a su marido, legalmente seguía unida a él.

En 1842 comenzó en Europa el furor por Liszt, numerosas fuente relatan cómo en sus conciertos se producían fenómenos de histeria colectiva, “las mujeres se pelaban por sus pañuelos de seda y guantes de terciopelo, pedían pedazos para conservarlos como recuerdos”. Según los críticos, la forma de interpretar música del pianista elevaba el estado de ánimo de los asistentes a lo que podía ser calificado como un éxtasis místico. Liszt había logrado ganar muchísimo dinero durante su larga carrera, por eso a partir de 1857, todos sus conciertos fueron con fines benéficos: ya sea la construcción del monumento a Beethoven y la escuela nacional de música de Hungría; la construcción de la Catedral de Colonia y el Fondo de Pensiones de los músicos de Leipzig; así como también donaciones a hospitales, escuelas y organizaciones benéficas. <Destacado> < Titulo> Abe Liszt <Cuerpo> Después de la muerte de dos de sus hijos, Daniel y Blandina, decidió retirarse al Monasterio de la Virgen del Rosario en las afueras de Roma. Se unió a la orden Francisana, recibió la tonsura y las cuatro órdenes menores; ostia no, lector, exorcista y acólito. Aún así siguió formando parte de la vida musical de Roma, dirigió un programa de música sacra con obras propias, de Haydn, Bach, Beethoven, Mendelsshon y Palestrina.

47. <Personalidad> Richard Wagner <Datos> Nació: en Leipzig, Alemania, el 22 de mayo de 1813. Falleció: en Venecia, Italia, el 13 de febrero de 1883. En síntesis: fue el gran transformador del pensamiento musical con su idea de la obra de arte total, es decir, la síntesis de todas las artes. <Copete> Fue compositor, director de orquesta, poeta y ensayista. Fue también dramaturgo y teórico musical. A diferencia de otros compositores de óperas, también se hacía cargo del libreto y la escenografía. Sostenía la idea de Gesamtkunstwerk, la síntesis de todas las artes: plásticas, visuales, musicales, dramatúrgicas y escénicas. Desarrolló este concepto en varios de sus ensayos publicados entre 1849 y 1852, y finalmente lo demostraría en la primera puesta en escena de El anillo del Nibelungo. <Cuerpo> Siempre tuvo en claro que quería ser dramaturgo, su primera obra fue la tragedia Leubald, con una fuerte influencia de Shakespeare y Goethe. Posteriormente decidió musicalizarla y comenzó a tomar lecciones de música. En 1827, de regreso a Leipzig, siguió sus estudios con sus primeras clases de armonía. El año siguiente sería determinante para Wagner en su carrera profesional, escuchó por primera vez la Séptima Sínfonia de Beethoven y poco tiempo después la Novena Sinfonía, el gran maestro se convirtió a partir de entonces en su principal inspirador. En 1829 vio en escena a la soprano dramática Wihelmine Schöder-Devrient, allí comprendió que la ópera sería su género ideal, aquél en el que podía fundir sus dos pasiones: la música y el teatro. En 1833 fue nombrado director de la ópera de Magdeburgo. En este puesto escribió La prohibición de amar, inspirada en la obra de Shakespeare Medida por medida. Fue representada en 1836 y clausurada inmediatamente, dejando al autor con serias dificultades financieras, hecho que sería bastante habitual en su futuro. Se trasladó luego a Konigsberg donde se casó con Minna con quien compartiría treinta años de matrimonio. Un año después ambos se trasladaron a Riga donde Wagner se convirtió en el director musical de la ópera local. En 1842 fue aceptado como director en el teatro de la corte de Dresde, Sajonia. Allí compondría sus obras El Holandés Errante en 1843 y Tanhäuser en 1845. Por ese entonces en los estados alemanes independientes se estaba gestando un fuerte movimiento de tendencia nacionalista del que el músico formaba parte, por ello debió abandonar el país y pasar los siguientes doce años en el exilio. En los siguientes años terminó su obra Lohengrin que fue estrenada en Weimar bajo la dirección de Franz Liszt en 1850. Gracias a la aparición de un mecenas ocasional, Otto Wesendonck un comerciante de seda, pudo regresar e instalarse en su casa de campo. Allí se enfrasco en la escritura de los libretos de Sigfrido, La Valquiria y El oro del Rin. Pronto interrumpió la escritura de las mismas para dedicarse al libreto de Tristán e Isolda, inspirado en el amor que le profesaba a la esposa de su mecenas, la poetisa Mathilde Wesendonck. No

se sabe exactamente cuál fue la naturaleza de su relación, pero despertó conflictos con Minna y Wagner se trasladó solo a Venecia. En 1864, Luis II de Baviera asumió el trono a los dieciocho años, como el joven era un gran admirador de Wagner, se convirtió en su protector. A partir de entonces la carrera del músico se disparó repentinamente, el rey pagó sus deudas y lo invitó a Munich para preparar la puesta en escena de sus óperas. Después de quince años de ausencia, Wagner estrenó el 10 de junio de 1865, Tristán e Isolda, en el Teatro Nacional de Munich con dirección de Hans von Bullow, como se esperaba la obra fue un rotundo éxito. <Destacado> <Titulo> Tristán e Isolda <Cuerpo> Ópera en tres actos con música y libreto de Wagner, basado en una tragedia artúrica. Se estrenó en junio en 1865 en Munich. Es una de las cumbres del repertorio operístico, por el uso del cromatismo, la tonalidad y el color orquestal entre otras cosas. Cuentan que al momento de finalizar la escritura del libreto, lo leyó ante una particular audiencia cuasi dialéctica: su esposa Minna, su musa de la época Mathilde, y Cósima Von Bullow su futura amante y esposa.

48. <Personalidad> Giuseppe Verdi <Daros> Nació: en Busseto, Italia, el 10 de octubre de 1813. Falleció: en Milán, Italia, el 27 de enero de 1901. En síntesis: revolucionó la lírica de su tiempo, entrelazando romances pasionales y dramatismo histórico. <Copete> Fue un compositor formado en el seno de la Italia del siglo XIX. Un país dividido entre reinos y principados y ocupado parcialmente por el imperio austro-húngaro. La lucha por la unificación y la independencia italiana duraría gran parte del siglo. Verdi fue un verdadero patriota que luchó con la fuerza de su música y su palabra, participando activamente en todos los acontecimientos políticos de su época. Su música lo convirtió en un verdadero héroe nacional y en un compositor insoslayable de la música de todos los tiempos. <Cuerpo> Fue hijo de Carlo Giuseppe Verdi y Luigia Uttini, nació en Le Roncole, una aldea perteneciente al ducado de Parma que, por aquel entonces, pertenecía a Francia. Su padre lo inscribió en el registro civil de Busseto, donde su nombre es registrado en francés. Giuseppe, tal como le decía su familia, recibió sus primeras lecciones de música allí, con Ferdinando Provesi. Apareció en la escena lírica con el melodrama Oberto, Conte di Bonifacio en 1839 y la ópera buffa Un giorno di Regno de 1840. La primera de estas obras tuvo un éxito relativo y mientras que la segunda fue un fracaso. El director de La Scala de Milán, Bartolomeo Merelli, pese a la mala recepción de sus obras, depósito su confianza en él y le dio un nuevo libreto que lo catapultaría a la fama. Nabucodonosor fue estrenada el 9 de marzo de 1842 en el mismo teatro. La melodía cantada por el coro de Nabucco, Va pensiero, sull` ali dorate, generó en público de aquella época, asociaciones con el movimiento nacionalista italiano conocido como Risorgimiento. La frase “va pensiero”, según algunos críticos, fue leída como una exhortación a pensar una Italia unificada, liberada de las dinastías extranjeras. Para Verdi, éste fue el leitmotiv para seguir componiendo. Le siguieron las obras I Lombardi alla Prima Crociata en 1843 y Ernani en 1844. Estas óperas, con sus incesantes gritos de libertad y patria, provocaron la reacción de las autoridades desde Venecia hasta Palermo. Verdi, a diferencia de otros compositores, se inspiraba en autores con una gran carga simbólica, como Schiller, Voltaire, Hugo, Byron y Shakespeare. Esto le daba a sus composiciones musicales, un dramatismo teatral que supo utilizar como pocos en su tiempo. La labor productiva del músico no amainó y en los siguientes años publicó una importante cantidad de obras, entre ellas I due Foscari de 1844, Giovana d´arco de 1845, Attila de 1846 y la gran Macbeth de 1847. Esta última ópera rompió con los cánones de la ópera tradicional italiana del siglo XIX, con sus clásicas historias de amor. En 1847, Andrea Maffei colaboró con la adaptación del libreto de I Masnadieri

basada en la obra de Schiller, Die Räuber. Con esta ópera, Verdi, buscó proyección internacional, fue estrenada en Londres con poco éxito. No obstante, ese mismo año obtuvo más suerte en Paris, cuando montó una versión revisada de I Lombardi, renombrada como Jerusalem, con una mayor calidad operística que la primera versión. Entre 1849 y 1859, el artista compuso la música para las óperas La Battaglia di Legnano, Luisa Miller, Rigoletto, Trovatore, Traviata y Un ballo in maschera. Hacia los últimos años de su vida Verdi continuó con su carea productiva, entre 1862 y 1893 compuso: La forza del destino, Don carlos, Aida, Otello y Falstaff. Fue un compositor muy longevo y prolífico, en total, escribió 27 óperas y 28 obras no operísticas. <Destacado> <Título> Vuela, pensamiento con alas doradas <Cuerpo> Hacia mediados de 1840, Verdi cayó en el desánimo luego de perder a toda su familia y fracasar con el estreno de Un giorno di regno. Durante un período de tiempo dejó de componer. Por ese entonces, Merelli que estaba teniendo dificultades con una obra, buscó su consejo profesional. Verdi cuenta que lo arrojó en la mesa y dirigió su mirada a una línea que decía: “Va pensiero sull´ali dorate”. En aquellas líneas se inspiraría para su legendaria obra Nabucco que sería recordada hasta el final de sus días, entonada por el pueblo italiano.

49. <Personalidad> Charles François Gounod <Datos> Nació: en París, Francia, el 18 de junio de 1818. Falleció: en Saint- Claud, Francia, 18 de octubre de 1893. En síntesis: con su agudo conocimiento de la armonía se volvió un referente para los compositores de la siguiente generación. <Copete> Fue uno de los compositores franceses más respetados del siglo XIX. Fue un músico flexible que escribió música de cámara, sinfónica, oratorios y óperas. Entre sus obras se destacan el Ave María, basada en un preludio de Bach; Safo, Fausto, Mireille, Marcha fúnebre de una marioneta, Himno del Vaticano y la Pequeña sinfonía. Se destacó por las armonías de sus oratorios. Su fino estilo de orquestación lo convierte en un compositor único y necesario a la hora del estudio del género operístico <Cuerpo> Ingresó en el mundo de la música desde muy pequeño, de la mano de su madre, quien fue una notable pianista. En 1839, el Conservatorio de Paris le otorgó una beca: el Gran Premio de Roma, que le posibilitó tener un acercamiento a los grandes maestros de la música polifónica, como Palestrina. Durante este período en la capital italiana se dedicó a componer obras religiosas. En 1850, conoció a la mezzo soprano, Pauline Viardot, ésta a su vez lo puso en contacto con Èmile Augier, quien lo convenció de componer la música de su ópera prima Safo. La misma se estrenó en la Ópera de Paris en abril de 1851, con un éxito relativo, Ô ma lyre inmortalle se transformó en una de las piezas más populares de ésta ópera. Al año siguiente fue nombrado director de la Sociedad coral de París. Por ese entonces comenzó a componer la música de La monja sangrienta, con libreto de Scribe y Delavigne. La ópera se estrenó en octubre de 1854, en la Opera de París. Causó tanto revuelo que provocó el despido del director del teatro y el nuevo director, François Crosnier, canceló la temporada. Cinco años después se estrenó una de sus obras más populares, Fausto con libreto en francés, adaptada de la obra Faust et Marguerita de Jules Barbier y Michel Carré. Se estrenó en el Théâtre Lyrique, al comienzo no fue muy bien recibida por el público parisino. Sin embargo fue presentada en Alemania, Bélgica, Inglaterra e Italia y fue un verdadero éxito. La obra fue vuelta a poner en escena nuevamente en París tres años después de su estreno fallido, y logró un record de funciones. Entre tanto, se hicieron algunas modificaciones para incrementar la calidad de la obra. Se agregó el aria Avant de quitter ces lieux en el segundo acto para el personaje de Valentin. la ópera tenía incluso un magnífico despliegue de ballet. En 1860, se estrenó en el Théâtre Lyric Philémon et Baucis, en la versión que describe La Fontaine. La escena del segundo acto se inspiró en la pintura de Thomas Couture, La decadencia de los romanos. En agosto de ese mismo año, se estrenó La Colombe, basada en un poema de Jean La Fontaine, con libreto de Jules Barbier y Michel Carré. Luego vendría La reina de Saba en 1862, basada en la Historia de la Reina de Saba y

de Soliman, príncipe de los genios de Gérard de Nerval. Se estrenó en la Ópera de París, sin éxito. Posteriormente compuso cinco óperas más que tampoco tendrían una gran repercusión. Finalmente la música de Mireille y Romeo y Julieta conquistarían al público. A partir de entonces Gounod sería considerado uno de los granes exponentes de la ópera francesa y un referente para sus contemporáneos. También tuvo una importante carrera como compositor de música sacra e instrumental por la que merece ser recordado. Sin duda, alguna su figura influyó a los músicos franceses de la siguiente generación como Bizet, Saint-Säens y Massenet. <Destacado> <Título> O son musique immortalle <Cuerpo> En 1870, tras el estallido de la Guerra Franco Prusiana, se trasladó a Londres donde vivió durante cinco años. Allí compuso uno de los más bellos oratorios, Gallia en 1871. De regreso en Francia cuatro años más tarde, produjo tres óperas y varios oratorios que tardaron en ser apreciados. Gounod fue un músico muy religioso y sobrio, paradójicamente el destino haría que la música de Fausto conlleve una inevitable asociación con su nombre.

50. <Personalidad> Jacques Offenbach <Datos> Nació: en Colonia, Alemania, el 20 de junio de 1819. Falleció: en París, Francia, el 5 de octubre de 1880. En síntesis: es el gran creador de la opereta moderna que desembocaría en la comedia musical <Copete> Se trató de uno de los compositores más populares del siglo XIX, fue uno de los más influyentes de la música popular europea de la época. Decía de él Karl Krauss: “Offenbach cumple la función de remediar la estupidez, darle un respiro a la razón y estimular la actividad mental”. Alemán nacionalizado francés, en sus obras parodiaba la vida durante el segundo imperio napoleónico. No exento de audacia y picardía, es sin duda, el iniciador de lo que hoy se conoce como Comedia Musical. <Cuerpo> Nació en el seno de una familia judía. El apellido de su padre era Jakob pero decidió cambiarlo por el nombre de su ciudad natal, Offenbach del Meno, poco antes del nacimiento de Jacques. Su padre fue el encuadernador, profesor de música y compositor Isaac Eberts. De joven estudió violoncelo y violín en su ciudad. Durante 1833 viajó a París en donde estudió con el su maestro Luigi Cherubini en el Conservatorio de Paris. En esa ciudad se desempeñó como violonchelista de diversas orquestas, incluso en la de la Opera-Comique. Su primera opereta fue Pascal et Chambort que fue llevada a escena en 1839. En 1844 decidió convertirse al catolicismo para casarse con Herminia de Alcain una muchacha de dieciocho años de edad. Cinco años después fue nombrado director de la orquesta del Théâtre Français. Escribió la Chanson de fortunio para la presentación de El Candelero de Musset. A partir de allí comenzó una carrera realmente exitosa, a punto tal que en 1855 abrió un teatro propio Des Bouffes-Parisiens. En éste debutó con la obra Les deux aveugles y Una nuit blanche. Su carrera continuaría con una serie de ochenta y siete operetas, la mayor parte de ellas serían estrenadas en su teatro. Entre otras producciones de su sala se pueden mencionar: Madame Papillon, Tromb-al-Cazar y Le mariage aux lanternes. Sus obras de este período reflejan la joie de vivre de la época con humor e irreverencia. De hecho, La Belle Hèléne es una apología del ménage a trois. El repertorio de su teatro incluía también muy buenas adaptaciones de obras otros músicos como el gran Rossini entre otros. Su mayor éxito se produjo el 21 de octubre de 1858 con el estreno de Orfeo en los infiernos. Con ironía y audacia, Offenbach presenta en estsa obras un retrato realista de la sociedad del segundo imperio, con una música pegadiza por su ritmo, color y gracia melódica. Siguieron, entre otras, Geneviève de Brabant en 1859, Bavard et Bavarde en 1862, Lieschen et Fritzchen en 1863. El 17 de diciembre de 1864 representó, en el Théâtre des Varietés, la que sería considerada su obra maestra: La bella Elena. Con La Périchole, estrenada en 1868, el músico comienza a buscar un grado mayor de refinamiento musical, un ambiente

armónico más cuidado y elaborado. De este período datan también sus obras Vertvert de 1869, La princesse de Trébizonde de 1869, Les brigands de 1869, Le roi Carotte de 1872, Les braconniers de 1873, La jolie parfumeuse de 1873, los arreglos de Orphée aux Enfers y de Geneviève de Brabant de 1874 y 1875; y La boulangère de 1875. Offenbach cruza definitivamente la frontera entre opereta y opera con Los cuentos de Hoffmann, tal como se lo había propuesto, esta obra le ocupó gran parte de sus últimos días de vida, pero también le abrió las puertas de la Opéra Comique en febrero de 1881, aunque el músico no llegaría a presenciarlo. <Destacado> <Título> La Bella Helena <Cuerpo> Es una ópera buffa en tres actos con libreto en francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, una de las asociaciones más fructífera en la historia de opereta y de la opera buffa. En este caso parodian la huida de Helena y Paris a Troya. Se estrenó en el Théâtre Des Variétés, el 17 de diciembre de 1864. Fue un éxito instantáneo tanto para el público como para la crítica, y disfrutó de una insólita temporada inicial con la asombrosa cifra de setecientas representaciones.

51. <Personalidad> César Franck <Datos> Nació: en Lieja, Bélgica, el 10 de diciembre de 1822. Falleció: en París, Francia, el 8 de noviembre de 1890. En síntesis: fue el gran renovador de las viejas formas de la música francesa y sobre todo, un excelso compositor para órgano. <Copete> Se mantuvo siempre muy apegado a las formas clásicas como la sinfonía y la sonata. Aunque no fue un gran revolucionario, tuvo mucha influencia en la música francesa posterior. Sobresalió como intérprete y compositor de música para órgano. Es fundamental en su obra el uso del cromatismo y la sucesión de pequeños intervalos, así como el “choque de ritmos”, síncopas y silencios. Con el transcurso del tiempo sus obras pasaron a ser una pieza fundamental de los repertorios orquestales. <Cuerpo> Como era corriente por esa época, su padre trató de hacer de su hijo, un músico de renombre. Con este objetivo, le impuso el estudio de piano al joven César. Luego ingresó al Conservatorio de Lieja donde tuvo un rápido progreso ya que el niño tenía muy buen oído y una excelente memoria, además de condiciones físicas que lo ayudaban para la interpretación del piano, como dedos largos y afilados que le otorgaba mayor capacidad para abarcar los acordes. En 1835 la familia entera se trasladó a Paris para proseguir con la educación musical de los niños. Pero una vez allí se enteraron que el conservatorio de Paris no aceptaba estudiantes extranjeros, por lo cual César se vio obligado a tomar la nacionalidad francesa. Ingresó al Conservatorio dos años después a la edad de catorce años En ese lapso estudió con Zimmermann y Reicha, los mejores maestros de la época, y fue un estudiante sobresaliente en cada curso al que asistió. Esto le permitió comenzar su carrera como concertista. Su padre, rápidamente se convirtió en su representante, obligándole a componer una obra tras otra. Dicen sus biógrafos que durante su juventud su vida estaba pautada por las decisiones de su padre. En 1846, Franck comenzó a dar clases en un pensionado de Paris, al parece entre sus alumnas conoció a Félicité Desmousseaux, una joven hija de actores de la Comédie Française con la que se enamoró. La relación no fue bien vista por su padre, y motivó un serio conflicto familiar. El músico se rebeló contra el control paterno y abandonó su hogar. Durante los años siguientes, la vida del músico no fue muy exitosa, ya que se veía obligado a dedicar todo su tiempo a manutención de su familia. Dio muy pocos concierto y no compuso obras de trascendencia. En 1853, el padre Dancel, lo nombró organista de la iglesia de Saint-jean y Saint-François du Marais. Allí, puso a disposición del músico un magnifico órgano Cavaillé-Coll. Cinco años después ocupó el mismo puesto en Sainte Clotildel. Allí fue donde, en noviembre de 1864, interpretó por primera vez su compendio Seis piezas para órgano. Esta obra se transformaría en el renacer de este instrumento en la música francesa. Con este éxito, volvió a la escena profesional y comenzó nuevamente a dar conciertos. Las iglesias lo contrataban para la inauguración

de sus órganos nuevos, y en 1872 fue nombrado profesor de órgano del Conservatorio. Comenzó, entonces, un período muy creativo en el que el músico recuperaría sus veinte años de inactividad. A la vez, se convertiría en un reconocido profesor, contando entre sus alumnos, con Vincent D´Indy, Henri Duparc y Ernest Chausson entre otros. Junto con sus discípulos, desarrollaría programas muy importantes de conciertos públicos, auspiciados por la Societé Nationale de Musique, institución fundada en 1870 y de la que Franck era socio desde el inicio. <Destacado> <Título> Seis piezas para órgano <Cuerpo> Fue su primera colección de obras para órgano. Escrita entre 1860 y 1862, integra seis obras muy diferentes: la Fantasía, un tríptico de movimientos extremos lentos; la gran pieza sinfónica y con sus seis partes; el Preludio, la Fuga y la Variación, en honor a Saint-Saëns; la Pastoral, dedicada al célebre organista Cavaillé-Coll; la Oración, pieza bipartita basada en una forma coral de neto corte romántico; y el Final que culmina la obra con una exhibición de largos solos de pedal y enérgicos acordes.

52. <Personalidad> Bedrich Smetana <Datos> Nació: en Litomysl, República Checa, el 2 de marzo de 1824. Falleció: en Praga, República Checa, el 12 de mayo de 1884. En síntesis: internacionalmente conocido como el padre de la música checa. <Copete> Ha sido considerado como el padre fundador de la música checa, opinión que se ha fortalecido en los últimos años. A nivel mundial, sin embargo, los grandes repertorios del mundo incluyen muy pocas obras de este autor, se tiende a considerar a Antonín Dvorák como el compositor más representativo de la música Checa. Siempre hubo quienes consideraron que Smetana tenía una identificación más profunda con los estilos progresistas de Liszt y Wagner. <Cuerpo> Nació en Litomysl cuando esta ciudad pertenecía al imperio de los Habsburgo y el alemán era el idioma oficial de la región. Su padre, Frantiséck, era el fabricante de cerveza del conde Waldstein; si bien no tenía educación musical, era poseedor de un talento innato, y se dice que fue un violinista competente que tocaba en un cuarteto de cuerda. Fue él quien introdujo a Bedrich en el mundo de la música. En 1830, a la edad de seis años, dio su primer concierto en público, que se realizó en la Academia de Filosofía de Litomysl. En esa interpretación, tocó un arreglo para piano de la obertura La Muda de Portici de Auber que fue muy bien recibida por el público. Un año después la familia se trasladó al sur de Bohemia, allí el niño asistió a la escuela primaria local y luego al Gymnasium. A su vez estudió violín y piano, tuvo su primer acercamiento a las obras de Mozart y Beethoven. Después de asistir a varios recitales de Liszt en su ciudad, Smetana descubrió su verdadera vocación por la música. Como él mismo escribía en su diario, “quería ser como Mozart en composición y como Liszt en la técnica”. Por ese entonces su padre descubrió que Bedrich faltaba frecuentemente a la escuela, hecho que desató su enojo, ya que consideraba que la música era un pasatiempo y no una carrera profesional. En 1843, ya de acuerdo con su padre para abordar la carrera musical, partió a Praga con tan solo veinte florines y sin ningún proyecto a futuro, careciendo de formación musical sistemática. Finalmente, comenzó sus estudios con Josef Proksh, director del Instituto de Música de Praga. Su maestro utilizaba los métodos de enseñanza más modernos, basados en el análisis de obras de Beethoven, Chopin, Berlioz y Liszt. En 1847 empezó a escribir lo que sería su primera gran obra orquestal, la Obertura en re mayor. Al año siguiente, fundó un instituto de piano con doce alumnos. Éste crecería hasta ponerse de moda, a punto tal, que recibió visitantes distinguidos como Liszt y el ex emperador Fernando entre otros. Los oyentes acudían a los conciertos que daban en la escuela por las tardes, y las actuaciones de Smetana durante los mismos se convirtieron en una característica fundamental, muy reconocida de la vida musical de Praga.

Para 1850 continuaba con su labor en el instituto de piano, y dedicaba cada vez más a la composición, principalmente de obras para piano. Entre ellas las más destacadas son, Escenas de Bodas, y una serie de piezas cortas para piano titulada Hojas de álbum. Entre 1853 y 1854 se dedicó a uno de sus trabajos más influyentes, la Sinfonía triunfal. En 1856 partió hacia Gotemburgo, y dos años después terminó la composición de su gran poema sinfónico Ricardo III. A este le seguirían otras obras del mismo género como El campamento Wallenstein y Hakon Jarl. En total escribió nueve óperas, música de cámara, y numerosas obras para piano. <Destacado > <Titulo> Brandeburgueses de Bohemia <Cuerpo> Es la primera ópera de Smetana, compuesta entre los años 1862 y 1863. El libreto en checo fue escrito por Karel Sabina, y estaba basado en eventos de la historia checa. Se interpretó por primera vez el 5 de enero de 1866 en el Teatro provisional de Praga, ya que aún estaba pendiente la apertura de un nuevo teatro para la producción de óperas en la ciudad. Su estreno fue un gran éxito y en 1878 fue presentada en Gran Bretaña por la Ópera municipal de Hammersmith. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad.

53. <Personalidad> Anton Bruckner <Datos> Nació: en Ansfelden, Austria, el 4 de septiembre de 1824. Falleció: en Viena, Austria, el 11 de octubre de 1896. En síntesis: considerado como uno de los grandes músicos de los pueblos germanos de la historia de la música <Copete> Fue un devoto católico. Aun siendo ya un músico consagrado, se dedicó a la revisión y el perfeccionamiento de sus obras. Dedicó mucho tiempo al estudio de la obra de Wagner, de quien era un ferviente admirador. Fue un prolífico compositor de sinfonías, misas, motetes y otras obras sacras. Si bien era un gran organista, muy respetado en su tiempo, casi no escribió obras para este instrumento. Se lo consideraba un eximio intérprete, famoso por sus improvisaciones, tanto en Francia como en Inglaterra. <Cuerpo> Se dice que fue su padre quien motivó su pasión por la música. A partir de 1875 dictó clases de armonía y contrapunto en la Universidad de Viena. Allí contó con un importante círculo de seguidores, entre ellos Hans Rott, Hugo Wolf y Gustav Mahler, quienes estudiaban en la misma institución. Por aquellos años la escena musical vienesa se encontraba dividida entre los seguidores de Richard Wagner y aquellos que preferían a Johannes Brahms. Al dedicar Bruckner su Tercera Sinfonía a Wagner, fue automáticamente identificado como uno de sus partidarios, y se transformó en el blanco de las iras del bando contrario. En 1884 estrenó su Séptima sinfonía en Leipzig ganándose el gran reconocimiento del público. Decía el propio Bruckner que encontró la inspiración para el tema principal del Adagio cuando supo que su amado maestro Wagner estaba agonizando, e incluyó por primera vez en la orquestación “tubas wagnerianas” para entonar el lamento fúnebre con el que concluye la obra. Cuando presentó su Octava Sínfonia para la puesta en escena, el director de la orquesta le resaltó numerosas correcciones y criticas. Al parecer, esto no fue del agrado del músico que emprendió una revisión completa de la obra. Finalmente, terminaría reescribiéndola en su totalidad, y la nueva versión cosecharía un enorme éxito. La obra se estrenó en Viena en 1892 y fue dirigida por Hans Richter. Sin embargo, el revés sufrido con su primera versión de la obra tuvo un impacto profundo en el compositor. Según algunos especialistas, a partir de entonces emprendió una revisión completa y exhaustiva de todo su repertorio. Posteriormente comenzó la escritura de su Novena Sinfonía, obra que quedaría inconclusa. La producción de Bruckner no abarca todos los géneros, sino que se concentró principalmente en la escritura de obras sinfónicas y música religiosa. Entre ellas se contabilizan nueve sinfonías y tres misas, de las cuales la Misa en re menor es considerada su primera obra maestra. También compuso un Tedeum para coro y orquesta y más de treinta motetes; además de obras para orquesta, obras corales, y música de cámara. Sin olvidar el famosísimo Helgoland de 1893, para coro de hombres

y orquesta. Se destacó principalmente como organista, pero la mayoría de sus obras para este instrumento no fueron transcriptas y por ende, no han llegado a nuestros días. Se dice que era un creyente fervoroso, y su música es, en sí, una gran alabanza a Dios a quien le dedico su última obra. En los países germánicos se lo considera uno de los más grandes compositores de la historia de la música. Recibió en vida una gran cantidad de reconocimientos oficiales, entre ellos en 1866, la condecoración de la Orden de Francisco José, y en 1891 el doctorado Honoris causa de la Universidad de Viena. Sus restos reposan en la entrada de la Iglesia de San Florian, debajo del gran órgano. <Destacado> <Título> La Sinfonía nº 7 <Cuerpo> Es una de sus obras más conocidas. Escrita entre 1881 y 1883, y revisada en 1885. Fue dedicada al rey Luis II de Baviera. Se estrenó en Leipzig en 1884 con la dirección de Arthur Nikisch y constituyó el mayor éxito de toda su carrera. El contenido exacto de la primera versión se ha perdido, la edición de 1885 incluye cambios hechos por Nikisch, Franz Sachalk y Löwe. En 1944 Robert Haas intentó eliminar las influencias y recuperar el cuerpo original de la obra.

54. <Personalidad> Joseph Joachim <Datos> Nació: Kittsee, Austria, el 28 de junio de 1831. Falleció: Berlín, Alemania, el 15 de agosto de 1907. En síntesis: virtuoso violinista, director de orquesta, compositor y pedagogo. Uno de los más grandes músicos húngaros de todos los tiempos. <Copete> Nació en lo que hoy es parte de Austria, pero pasó a la historia por ser un gran artista de origen húngaro. Fue y sigue siendo uno de los mejores violinistas de todas los tiempos. De él se conservan grabaciones que datan de 1903 y que son de dominio público y de fácil acceso a través de internet. Fue un ilustre músico a quien el nazismo silenció durante muchos años, prohibiendo la interpretación de sus obras; pero al que la historia jamás ha podido acallar. <Cuerpo> En 1833 su familia se trasladó a Pest, allí comenzó a estudiar violín con Stanilaus Serwaczynski, el mítico compositor polaco que era concertino de la ópera de la ciudad. Cinco años después se encontraba en Viena, estudiando con Miska Hauser, Georg Hellmesberger y Joseph Böhm. Luego su prima, Fanny Wittgenstein, lo tomó bajo su cuidado y lo llevo a vivir con ella y a estudiar en Leipzig. Allí se convirtió en el protegido de Félix Mendelsshon, quien a partir de entonces sería su modelo y mentor. Éste, a su vez, se preocupó de que el joven siguiera siendo instruido, no solo en el arte del violín, sino también en el resto de las artes y las ciencias humanísticas. Como resultado, Joachim desarrolló una clara orientación musical y ética. En 1844, cuando solo tenía doce años, tocó en Londres el Concierto para violín de Beethoven con la dirección del propio Mendelsshon. Esta presentación fue un éxito tan grande que contribuyó a la fama de la obra y logró situarla nuevamente en el repertorio de los violinistas de la época. Luego de la muerte de Mendelsshon, el joven músico, devastado por la pérdida, permaneció en Leipzig enseñando en el conservatorio mientras se desempeñaba como concertino de la orquesta del Gewandhauss. En 1848, Franz Liszt se estableció en Weimar y comenzó a dedicar su tiempo al desarrollo de un polo cultural en la ciudad. Con este objetivo, convocó a un notable grupo de jóvenes vanguardistas que se oponían al establecido círculo conservador de Leipzig, Joachim formo parte de este proyecto por algún tiempo. Pero pronto se trasladó a Hannover, separándose de los ideales musicales de la nueva Escuela Alemana, cuyos mayores exponentes eran Liszt, Wagner y Berlioz. Allí se unió a la causa de Robert y Clara Schumann, y Johannes Brahms, con quienes tocó tanto en público como en privado durante mucho tiempo. A su vez, escribió una carta a Liszt en la que explicaba los motivos de su alejamiento. Este periodo fue sumamente prolífico en su faceta como compositor. En 1865 abandonó su puesto al servicio del Rey, cuando éste se negó a promocionar a un miembro de la orquesta por su origen judío. Al año siguiente se convirtió en el director fundador de la Real Academia de Musica de Berlín, también

formó una orquesta, y en 1869 creó el Cuarteto de cuerdas de Joachim, que sería considerado el mejor de toda Europa. Joseph Joachim fue el primer violinista que hizo una grabación fonográfica. Ocurrió el 17 de agostos de 1903 y actualmente se encuentra liberada al público en internet. Fue, tal vez, uno de los más grandes benefactores de la música que se ha conocido a lo largo de la historia. Realizó obras tan admirables como la recuperación de obras que habían caído en el olvido, como las Sonatas y partitas para violín solo de Bach. Fue el primer intérprete del Concierto nº 2 de Mendelsshon y desempeñó un papel fundamental en la carrera de Brahms siendo un gran defensor e intérprete de sus obras. También dirigió el estreno, en Londres, de la Sinfonía nº 1 de este compositor. <Destacado> <Titulo> Tributo a Joachim <Cuerpo> Su figura despertó la opinión del círculo artístico de la época, ganándose críticas tanto positivas como negativas. Muchos escribieron obras para violín inspirados en su virtuosismo, piezas que hasta el día de hoy son parte de los repertorios de dicho instrumento. Pero a su vez su figura ha quedado en el olvido, en especial a partir de 1936, luego de la campaña de desprestigio y censura llevada a cabo por el nazismo que llegó a derribar el monumento construido en su honor.

55. <Personalidad> Aleksander Borodin <Datos> Nació: en San Petersburgo, Rusia, el 12 de noviembre de 1833. Falleció: en la misma ciudad, el 27 de febrero de 1887. En síntesis: el más melodioso del Grupo de los Cinco, además de ser el más puro en las formas musicales. <Copete> Compositor destacado del famoso Grupo de los Cinco, el círculo de compositores que rusos constituido en San Petersburgo entre 1856 y 1870. Todos ellos, autodidactas, amateurs y pertenecientes a la baja aristocracia. Su objetivo fue el de escribir música “específicamente” rusa, en lugar de imitar el estilo europeo producto de la formación académica de los conservatorios. En este sentido, fue parte del movimiento nacionalista romántico ruso. <Cuerpo> Fue hijo ilegítimo del príncipe georgiano Luká Stepánovitch Gedevanishvili, quien lo registró como hijo de su sirviente Porfiri Borodin, tal como se solía hacer en esas situaciones. De pequeño fue un autodidacta, aprendiendo a tocar la flauta, el violonchelo y el piano por sus propios medios. Tuvo una vida confortable y recibió una buena educación incluyendo clases de música, francés y alemán. A los quince años se inscribió en la Facultad de Medicina, y a los veintiuno fue contratado en el Hospital de la Armada Territorial. Dos años después se convirtió en profesor de la Academia Militar de Química. Como durante sus primeros años de vida su pasión fue la química, no recibió clases de composición hasta 1863. Recién entonces comenzó a tomar lecciones con Mili Balákirev. En 1861 se casó con Ekaterina Serguéievna Protopópova, una gran pianista nacida en Heidelberg que sería la madre de sus tres hijos. En 1869 presentó su Primera Sinfonía bajo la dirección de su maestro. Ese mismo año comenzó con la escritura de su Segunda Sinfonía, obra que fracasaría en Rusia pero le daría fama en Europa, en donde fue estrenada a instancias de Franz Liszt obteniendo un gran éxito. Por ese entonces comenzó a trabajar en la composición de su ópera Príncipe Igor, que contiene las famosas Danzas Palovtsianas. Al momento de su muerte, la ópera quedó inconclusa, y posteriormente sería completada por Nikolai Rimski-Kórsakov y Aleksandr Glazunov. Borodin vivió toda su vida de su trabajo como químico, profesión a la que dedicaba gran parte de su tiempo. Era un científico e investigador muy respetado, y su interés por la ciencia lo llevo a formar parte de la creación de una escuela de medicina para mujeres. No fue un compositor muy prolífico y, en general, se puede pensar que para él la música era un pasatiempo, aun así fue un artista muy reconocido en su época, y su obra es una pieza fundamental dentro de la música de su país. Según los críticos, tenía una gran capacidad para las artes; de su grupo fue el mejor poeta y melodista. Su búsqueda personal lo llevó a profundizar en la experimentación del "orientalismo", que fue una de las características del Grupo de los Cinco. Las líneas melódicas de Príncipe Igor, por ejemplo, poseen una dinámica narrativa ágil, libre y a

su vez contundente. Las música “relata" independientemente del texto; su sonido es clásico y moderno al mismo tiempo. Entre sus obras de cámara se destacan: sus dos cuartetos de cuerda, un quinteto para piano y cuerdas, y dieciséis canciones para bajo y piano. Tuvo una gran influencia en la siguiente generación de compositores rusos. De hecho un cuarteto de cuerdas fue nombrado en su honor, el Cuarteto Borodin que fue fundado en Rusia en 1945. Falleció a los cincuenta y tres años de un infarto durante una fiesta organizada por los profesores de la academia de San Petersburgo. <Destacado> <Título> Danzas Polovtsianas <Cuerpo> Es el fragmento más conocido de la ópera El Príncipe Igor. Es tan famoso que en ocasiones se interpreta como una obra independiente en conciertos. Constituye una de las piezas más populares del repertorio clásico. En la ópera, las danzas son cantadas por el coro y tienen un destacado solo de contrabajo. Junto con la obertura y la marcha forma la suite de El Príncipe Igor.

56. <Personalidad> Johannes Brahms <Datos> Nació: en Hamburgo, Alemania, el 7 de mayo de 1833. Falleció: en Viena, Austria, el 3 de abril de 1897. En síntesis: se lo considera el compositor más clásico entre los románticos y el más romántico entre los clásicos <Copete> Fue el mayor representante del círculo conservador en la Guerra de los Románticos, ya que toda su vida se mantuvo fiel a las influencias de Mozart, Haydn y Beethoven. Según Hans von Búlow, forma parte de La Santa Trinidad de la historia de la música junto con Bach y Beethoven. Si bien nació en Alemania, fue en Viena en donde desarrolló la mejor parte de su obra. Fue considerado uno de los mejores compositores de la época. A punto tal, que muchos lo señalaban como el sucesor de Beethoven. <Cuerpo> Fue su padre quien le dio sus primeras lecciones de música. Su infancia transcurrió en los suburbios de Hamburgo y a los siete años comenzó a estudiar piano. Pronto demostró un extraordinario talento para la música y comenzó a revelarse como un pianista aventajado. A los diez años ya daba recitales públicos de piano en los que interpretaba música de cámara. La repercusión de éstos fue tal que un empresario le ofreció un contrato para emprender una gira a América, pero sus padres se opusieron. Siendo un adolescente se vio obligado a contribuir con la economía familiar, con los ingresos que obtenía tocando el piano en cafés, burdeles y bares, y con su labor de profesor de música. Por ese entonces comenzó a componer y a estudiar con el gran Eduard Marxsen. En 1853 hizo una gira de conciertos acompañando al violinista húngaro Reményi. Fue en ese viaje donde conoció al que sería su amigo de toda la vida, Joseph Joaquim, quien a su vez lo presentaría a Robert Schumann. Este último, a través de su revista, logró llamar la atención de los críticos y empresarios sobre la música de Brahms. Esto contribuyó notablemente a que el joven se convirtiera en un compositor reconocido y muy apreciado en la época. Brahms, “el elegido” como solía llamarlo Schumann, se integró a la vida familiar de su nuevo protector hasta el fin de sus días. Posteriormente, en torno a 1862, se radicó definitivamente en Viena, en donde se dedicó por completo a la labor compositiva. Su tarea creativa abarcó treinta años de su vida, y sus obras aún hoy forman parte del repertorio esencial de la música romántica. Durante su vida fue un músico tremendamente famoso. Su primer éxito internacional llegó de la mano de su Réquiem Alemán. Sin embargo, a la edad de cincuenta y siete años, tras una larga carrera de compositor, decidió dejar de escribir música. Finalmente, no cumplió su promesa y antes de su muerte produjo el famoso Quinteto con clarinete. Siempre se mostró como un gran venerador de Beethoven, quien ejercía sobre él una profunda influencia, al igual que Mozart y Haydn. De hecho, fue muy notoria la identificación que sentía con el clasicismo, incorporando a sus obras muchas formas de aquel período. Por otro lado, es

evidente la influencia que los primero románticos como Schubert, Schumann y Mendelshonn ejercieron en el músico. Se dice que siempre se mantuvo fiel a estas enseñanzas, sin aceptar las innovaciones que provenían de la escuela francesa impulsadas por Berlioz, Franz Liszt y Richard Wagner. Lo más innovador de este músico se observa en uso del lenguaje musical, en la armonía y el ritmo, con sus características sincopas, desplazamientos y la superposición de binarios y ternarios. Incluso incorporó lo que se conoce como la Variación progresiva, una forma en continuo desarrollo orgánico, que aparece superpuesta a la estructura clásica tradicional. <Destacado> <Titulo> Doble concierto en la menor OP 102 <Cuerpo> Es una obra extraordinaria escrita para violín, cello y orquesta en 1887. Se trata del último trabajo para orquestal del autor. Requiere dos solistas brillantes. Originariamente fue escrita para el gran Chelista Robert Hausmann y su viejo amigo, el violinista Joseph Joaquim. Se dice que fue a modo de acercamiento después de ciertas diferencias que habían tenido lugar entre ellos. Alcanzó con esta obra la síntesis entre el concierto clásico romántico y las formas concertistas del barroco.

57. <Personalidad> César Cui <Datos> Nació: en Vilna, Lituania, el 18 de enero de 1835. Falleció: en San Petersburgo, Rusia, el 26 de marzo de 1918. En síntesis: es el gran creador de la ópera infantil, un raro genero sin muchos representantes <Copete> Fue también un integrante del Grupo de los cinco que no se ganaba la vida como compositor. La fuerte reacción en Rusia contra la música occidental, especialmente la francesa identificada con Napoleón, generó en respuesta una corriente de compositores preocupados por hacer música a partir de sus raíces folclóricas. Evidentemente, es importante señalar que dicho sentimiento nacionalista ya estaba latente y permitió a este músico ser aceptado por el público. <Cuerpo> Como todos los participantes del Grupo de los cinco, Cui no vivió de la música. Fue hijo de un oficial francés que decidió quedarse en Rusia después de la retirada de Napoleón Bonaparte, y de una mujer Lituana de origen noble. Ninguno de sus padres tuvo un claro interés por la música. Fue así que Cui se inició en la música de manera autodidacta, estudiando por sí solo notación musical y piano. Recién en 1849 comenzó a recibir una educación musical más formal tomando lecciones de armonía y contrapunto con el maestro polaco Stanislaw Moniuzco quien vivía en su pueblo. Luego fue enviado a San Petersburgo para ingresar a la escuela de ingeniería, y con posterioridad a la Academia de Ingeniería Militar graduándose en 1857. En esta profesión llegó a destacarse, a punto de transformarse en un renombrado topógrafo y experto en fortificaciones militares. De la misma forma que Borodin vivió toda su vida de su carrera como químico, Cui mantuvo siempre su profesión de ingeniero, llegando a tener el grado de Teniente general de Ingenieros, y en 1878 fue nombrado profesor de la Escuela de Ingeniería y el tutor privado del Zar Nicolás II en fortificaciones militares. Paralelamente a su desarrollo profesional en el campo militar comenzó a escribir críticas musicales en los periódicos, haciéndose famoso en el ambiente musical de la época por ser uno más de los tantos opositores de la música occidental, en especial la de Strauss. Así fue que se asoció con el pequeño grupo de compositores que intentaban crear un estilo musical verdaderamente ruso basado en las ideas nacionalistas del gran Mijail Glincka En 1856, Cui conoció a Balakiev y poco después se hizo amigo de los otros futuros miembro del Grupo de los Cinco: Borodin, Musorgsky, y Rimski- Korsakov. A partir de allí siempre se mantuvo en una relación muy cercana con el grupo. En el que, por su tarea de crítico musical, cumplía el rol de propagandista y teórico en su esfuerzo de establecer un idioma musical nacional. Fue el autor del primer libro que se conoce sobre música rusa, en cuanto a su labor como compositor puede decirse que fue muy influido por Balakirev. Escribió varias operas, entre ellas las más famosas son: El

prisionero del Cáucaso de 1857, El hijo del Mandarín de 1859, y La hija del capitán de 1911. Pero ninguna de estas obras cosechó un gran éxito al momento de su estreno. Se destacó como un gran miniaturista musical, ya que la mayor parte de su obra está compuesta por breves canciones y pequeñas piezas para piano. Compuso también música orquestal y cuatro operas para niños, género poco común en aquellos tiempos. Entre estas se destaca El gato con botas basada en el cuento de Perroult, que luego alcanzaría una gran popular sobre todo en Europa. Con el paso de los años también se ha hecho conocido en occidente por sus obras para piano y música de cámara. <Destacado> <Titulo> El prisionero del Cáucaso <Cuerpo> Se trata de una ópera en tres actos con libreto de Viktor Aleksandrovich Krilov, basado en un poema del mismo nombre de Pushkin, el gran poeta del nacionalismo ruso. Fue compuesta entre 1858 y 1882. Se estrenó en el Teatro Marlinski de San Petersburgo el 4 de febrero de 1883, dirigida por Eduard Nápravnik. El personaje de Kazenbeck, compuesto para la tesitura de bajo, fue interpretado por Fiódor Stravinky, padre de Igor Stravnisky.

58. <Personalidad> Charles Camille Saint-Saëns <Datos> Nació: en París, Francia, el 9 de octubre de 1835. Falleció: en Argel, Argelia, el 16 de diciembre de 1921. En síntesis: el gran renovador de la música francesa, fundador de la Socièté Nationale de Musique. <Copete> En sus nada menos que 84 años de carrera tuvo tiempo para ser todo. De ser un renovador en la música francesa, se convirtió en un conservador. Conoció a todos, fue amigo de pocos, y dejó un corpus enorme. Dicen que su música es elegante y sin defectos técnicos Perfecta, pero poco inspirada. También ha sido considerado el “más alemán de los compositores franceses” por su gran habilidad para la “recreación temática”. Definición algo insidiosa que suele adjudicarse a sus enemigos varios. <Cuerpo> Su primer acercamiento con el piano fue a la corta edad de dos años y medio; y su primera profesora de música fue su tía. Dotado de oído absoluto, la primera obra que compuso está fechada el 22 de marzo de 1839, cuando el pequeño tenía tan solo cuatro años. Se trató de una obra sencilla para piano que aun hoy se conserva en la Biblioteca Nacional de su país. Un año más tarde escribió su primera canción, Le Soir, y ya estaba en condiciones de tocar sonatas simples. Fue también precoz en el aprendizaje de la lectura y la escritura musical. Su primer recital como solista lo realizó en mayo de 1846, a los once años, en la mítica sala Pleyel. Las piezas elegidas fueron: el Concierto en do menor de Beethoven, el Concierto de pianos nº15 KV 450 de Mozart, y varias obras de Händel, Hummel y Bach. Como bis el joven pianista se ofreció a tocar de memoria, a elección del público, cualquiera de la Treinta y dos Sonatas para piano de Beethoven. Este concierto marcó un hito en el ámbito musical de la época y fue reseñado en diarios de todo el mundo. Dos años después ingresó al Conservatorio de París. En 1854 compuso su Primera Sinfonía en mi bemol mayor, obra que remitió a la sociedad de Santa Cecilia de forma anónima para que no la rechazaran debido a su juventud. La obra, finalmente fue admitida y se estrenó el 11 de diciembre de 1853 con gran éxito. Estuvieron presentes en el estreno Gounod, Schumann, Gioachino, Rossini y Berlioz. Poco tiempo después conoció a Franz Liszt de quien sería amigo durante toda la vida. En 1867, su obra Les noces de Prométheé ganó el primer premio del concurso organizado en conmemoración de La Gran Feria Internacional del Trabajo y la Industria. Los miembros del jurado fueron Rossini, Auber, Berlioz, Verdi y Gounod y se lo recuerda como uno de los más exigentes de todos los tiempos. En 1888, dirigió una serie de conciertos y tuvo como solista al ya famoso Anton Rubinstein quien nunca había dirigido en Francia. Por este motivo Saint–Saênz, le consiguió una presentación y le propuso estrenar un concierto para piano de su autoría. Así en tan solo diecisiete días escribiría su Segundo concierto para piano y orquesta que se constituiría en una de sus obras más famosas. El estreno fue el 13 de mayo de 1888, con Saint- Saêns al piano y el

pianista y director ruso a cargo de la orquesta. La ejecución fue impecable y resultó en un éxito contundente. Ese mismo año fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en reconocimiento a su prestigio. En 1872 pudo estrenar por fin una ópera, se trató de La princesse jaune, y al año siguiente organizó y dirigió en París un concierto dedicado exclusivamente a la obra de su admirado Liszt. Fue un incansable viajero que llegó a recorrer gran parte de China, Rusia, Estados Unidos y América del sur. Murió a los 86 años y su entierro se celebró como un funeral de Estado. <Destacado> <Titulo> El Ballet <Cuerpo> Produjo obras para todos los géneros musicales. El 8 de febrero de 1903, la gran Sarah Bernhardt bailo Andromaque, sobre una pieza que ella misma había encargado al músico. En 1905 el coreógrafo ruso Mijail Fokine, solicitó el permiso del autor para utilizar Le Cygne del Carnaval de los animale” para el ballet de Anna Pavlova La muerte del cisne, que marcaría el comienzo de la carrera de Pavlova y una de sus más hermosas creaciones.

59. <Personalidad> Mili Alekséyevich Balákirev <Datos> Nació: en Nizhny Novgorod Rusia, el 21 de diciembre de 1836. Falleció: en San Petersburgo, Rusia, el 16 de mayo de 1910. En síntesis: se lo recuerda por haber sido el maestro convocante de los músicos que conformaron el Grupo de los Cinco. <Copete> Mili Balákirev fue el gran convocante a la formación del Grupo de los Cinco. Grandes compositores que bregaron por una música nacional rusa, en oposición a la influencia occidental, sobre todo francesa, que había impregnado su cultura tras el paso invasor de Napoleón Bonaparte. No fue una tarea menor la de Balâkirev: depurar los rasgos de su tradición étnica sin caer en un nacionalismo ciego. Pero a su iniciativa se le deben muchas de las obras que hoy representan cabalmente la música de su país. <Cuerpo> Proveniente de una familia aristocrática, recibió de su madre las primeras lecciones de piano. Continuó sus estudios con Dubuque y con Karl Eisrich, Este último dirigía la orquesta privada de Alexandr Ulýbyshev, un terrateniente muy afecto a la música y se lo llevó al joven Balákirev como su asistente, para que pudiera tener acceso a una educación musical de excelencia. Posteriormente ingresó a la Universidad de Kazán para estudiar matemáticas, tenía entonces dieciocho años. Luego se trasladó a San Petersburgo, donde conoció a Mijail Glinka. Este sería un hecho decisivo en la vida del músico, Glinka ejerció una notable influencia sobre el joven, que en ese momento repartía su vida entre la música y el estudio de la ingeniería. Mientras que su maestro no cejaba en su intento de que se dedicara exclusivamente a la música. Balákirev hizo su primera presentación en público en 1856, tocando un concierto del que era autor. Así emprendió un ciclo de presentaciones, a la vez que se dedicó a componer más asiduamente. En 1860 ya apasionado por el folklore ruso, inició su trabajo con otros artistas. Se proponían la creación de un movimiento musical propiamente ruso que dejara de laso la influencias de la música occidental y aglutinara a varios exponentes de la escena local. Durante al año 1861 también comenzó su carrera como profesor. Un tiempo después inauguró la Escuela Libre de Música de San Petersburgo. Es a partir de la misma que dio a conocer sus obras, las de sus alumnos y su teoría musical. Dirigió esta institución hasta 1874. Mientras estuvo al frente de la Escuela, Balákirev lideró, formó y organizó a un grupo de compositores que pasaran a la historia como el Mogúchala kuchka o el Grupo de los Cinco, compuesto por Musorgski, Rimski-Korsakov, Borodin y Cui. La gran estima en que se lo tenía por aquella época quedó demostrada cuando en 1867 fue nombrado director de la Sociedad de Música Rusa. En 1883 también fue nombrado director de la Capilla imperial, cargo que ejerció durante veinte años. Su obra musical está integrada fundamentalmente por una colección de canciones folklóricas rusas sumamente hermosas. También fue un gran musicólogo, recopilo una gran cantidad de canciones y temas musicales de otras etnias. A este

género pertenece su primera obra en el plano orquestal, Obertura sobre el tema de una marcha española. Fue compuesta en el año 1857, se trata de una fantasía, y variaciones sobre el tema del himno nacional de España. También escribió su Primera Sinfonía en Do mayor en 1879, y la Segunda Sinfonía en Re menor en 1909. Pero sus obras más conocidas son los Poemas sinfónicos Tamara, Rusia, y En Bohemia, entre otros. Los últimos diez años de su vida los ocupó revisando y completando su obra, como si supiese que algún día sería material de estudio. Murió a los setenta y tres años debido a problemas pulmonares. <Destacado> <Titulo> Islamey; Fantasía Oriental <Cuerpo> Esta obra fue estrenada por Rubinstein. Se divide en tres partes de gran dificultad técnica que exigen un gran virtuosismo para ser interpretada. El autor era un excelente pianista, y a través de ella logró preservar melodías de la música popular. Existen grandes pianistas que aún se animan a tocar la obra con la exigencia con que fue concebida, algunos de ellos son Vladimir Horowitz, Martha Argerich, Svlatoslav Richter, y recientemente el gran concertista chino Lang Lang.

60. <Personalidad> Georges Bizet <Datos> Nació: en París, Francia, el 25 de octubre de 1838. Falleció: en Bougival, Francia, el 3 de junio de 1875. En síntesis: fue un precursor del verismo en la ópera francesa. <Copete> Fue un gran pianista, su enorme talento lo llevó a ganar el Premio de Roma por su obra Clovis et Clotilde y le fue otorgada una beca que le permitió ponerse en contacto con los secretos de la ópera. Su fama como compositor en dicho estilo se debe a Carmen, que, con una estética verista, difícil de digerir para un público acostumbrado a las óperas cómicas, ligeras y fantasiosas, fue un fracaso en su momento. Sin embargo, dejo un camino abierto para el realismo que vendría en de la década de los noventa. <Cuerpo> Bizet ingresó al mundo de la música de la mano de sus padres, quienes ejercían la docencia en dicho arte. Con su madre aprendió sus primeras lecciones de piano y a los nueve años ingresó al conservatorio. Allí profundizó en el estudio de ese instrumento y tomó sus primeras lecciones de contrapunto y fuga A los quince años comenzó a estudiar composición con Jacques Fromental Halévy y muy pronto se encontró creando obras de gran calidad musical como el Gran Vals de concierto en mi bemol y las famosas Sinfonía en Re y Sinfonía en Do, inspiradas en la música de Gounod. En 1856 se presentó a un concurso de ópera para jóvenes compositores, ganando el primer premio junto a Charles Lecocq, tras ponerle la música al libreto de Ludovic Halévy, Le Docteur Miracle. Al año siguiente, ganó el Gran Premio de Roma con la cantata Clovis et Clotilde, este premio le abrió las puertas al mundo de la ópera. Su primera incursión en este estilo vino con una ópera bufa: Don Procopio. En 1860 se vio obligado a retrasar su carrera debido a la enfermedad de su madre, pero poco tiempo después volvería a la escena musical con el estreno en el Téâtre Lyrique du Chatelet, de una de sus primeras obras maestras: Los pescadores de perlas. Esta obra fue de un encantador exotismo, dada su ambientación. También se destacan la romanza de Nadir, Je crois entendre encore, y la cavatina de Leila, Comme autrefois dans la nuit sombre, por sus bellas melodías. En 1866 compuso la música para La bella muchacha de Perth, basada en la novela homónima de Sir Walter Scott, que se estrenaría un año después en el Téâtre Lyric. No tuvo buenas críticas pues el libreto era algo flojo, pero la mejora de Bizet en la construcción de piezas de conjunto, con sus líneas melódicas e instrumentales fue

notable. Posteriormente escribió Djamileh que contaba la historia de una esclava enamorada de su amo, un príncipe turco quién quería venderla nuevamente. Esta ópera en un solo acto se estrenó en la Opera-Cómique y no tuvo mucho éxito. Pero la escena de la danza sensual de Djamileh constituyó un antecedente de lo que vendría en 1875 con Carmen. Ambientada en una plaza de Sevilla y sus alrededores, esta ópera dejó anonadado al público de la Cómique. Era una pieza intensa y atrevida, con un final demasiado trágico para una época tan convulsionada, tal vez por este motivo no fue apreciada en sus innovaciones y fue injustamente criticada. Bizet murió tres meses después del estreno y no llegó a ver su obra alcanzar el éxito. Recién en 1883 se ganaría el corazón de los franceses, transformándose luego en una de las óperas más representadas de todos los tiempos. Durante su vida no formó grandes discípulos que continuaran con su legado musical, hubo que esperar hasta el siglo XX para que sus composiciones volviesen a ser interpretadas y se reivindicara la originalidad y brillantez de su música. <Destacado> <Titulo> La revolución de Carmen <Cuerpo> Carmen es un personaje sumamente transgresor para su época. Una heroína franca, sensual, que dice lo que piensa del amor y se rige por la ética de sus deseos. La famosa Habanera (pieza central del Acto I), nos expresa una simple, pero no menos interesante, metáfora del amor: “es como un pájaro rebelde al que nada puede domesticar”. Muchos críticos la denostaron por inmoral sin advertir los elementos absolutamente innovadores que harían de esta ópera un ícono de la cultura universal.

61. <Personalidad> Modest Petróvich Músorgski <Datos> Nació: en Karevo, Rusia, el 21 de marzo 1839. Falleció: en Moscú, Rusia, el 28 de marzo de 1881. En síntesis: fue el más personal y vigoroso compositor de su época. <Copete> En el siglo XIX, se inició en Rusia un proceso que llevaría a la formación de una escuela musical propia, con la impronta de su historia y su carácter. En este marco, Musorgski formó “El Grupo de los Cinco” junto con Balákirev, Cui, Borodín y Rimski-Korsakov, con el objetivo de producir una música auténticamente rusa. En poco tiempo, esta corriente se afianzó con obras de excelente calidad, creadas a partir de leyendas, cantos y tradiciones surgidas de la cultura popular. <Cuerpo> Musorgski nació hijo de un terrateniente de una región campesina rusa. Recibió lecciones de piano de su madre y mostró temprano talento, pero, destinado por su familia a la carrera militar, tuvo que abandonar su formación musical. En 1857 conoció en San Petersburgo al crítico Stasov, y a los compositores con quienes tiempo después formaría el Grupo de los cinco. Aunque su destino lo llevaría por todo el mundo, a lo largo de su vida siempre regresó a su aldea. Allí pasaba largas temporadas en convivencia con la gente de su pueblo en un ambiente que le resultaba propicio para concentrarse y en el que encontraba inspiración para la música que componía. Pese a su delicada salud, poseía una sensibilidad especial para captar la esencia de su pueblo. Desde los veinte años decidió enfocar su obra en los inocentes, los pobres y los desamparados. Dejó el ejército para iniciar una carrera como funcionario aunque siempre ocupó cargos de poca relevancia. Llevó en esos años una vida estrecha y miserable que afectó negativamente su formación académica, ya de por sí escasa. Sin embargo, en su etapa más madura su obra fue calificada como una imagen fiel de la vida; de todos los compositores de su época fue quien mejor supo reflejar el alma del pueblo ruso. No obstante, su pobre formación como compositor no le permitió dominar los profundos conceptos de la forma, motivo por el cual muchas de sus obras quedaron inconclusas. Paradójicamente, su intuición estética era tan poderosa que su aparente caos se constituyó en un estilo en sí mismo. En 1868 inició su ópera inacabada El matrimonio, así como también, Boris Godunov, que se estrenaría con un notable éxito tiempo después. De su breve pero impresionante producción se destacan Canciones y

danzas de la muerte de 1877, Cuadros de una exposición, suite pianística de 1874, y la obra orquestal Una noche en el Monte Pelado de 1867. Musorgski se destacó por su audacia musical intuitiva, tomó elementos populares y los elaboró en profundidad, extrayendo la esencia para impregnarla de su propio infierno creativo. Su debilidad física se tradujo en un vigor musical capaz de estremecer la tierra. Se lo considera único en su arte, y uno de los artistas que más influencia ejerció sobre las generaciones posteriores. Pero pese a su genio poseía una psiquis inestable: siendo epiléptico y alcohólico, la muerte de su madre fue un golpe del que no pudo recuperarse y cayó en la depresión. Pocos días después de cumplir 42 años, el genio abandonó el mundo dejando muchas obras sin terminar. Entre ellas la ópera Jovanchina, que fuera luego revisada y acabada por Rimski-Korsakov, quien hizo lo mismo con otras obras para otorgarles una forma más académica. De los últimos días de su vida, data el famoso retrato que le pinto Ilya Repin, que lo muestra en bata, despeinado y con la triste mirada de un hombre perdido. <Destacado> <Titulo> Boris Godunov <Cuerpo> Boris Godunov es una ópera de Musorgski realizada en base a una obra de Pushkin. Cuando la envió por primera vez al teatro Marlinski de San Petersburgo, fue rechazada. Lo curioso es que, aunque en ella Musorgski puso al pueblo como protagonista y no se hablaba más que de política, no fue censurada por motivos ideológicos. El teatro alegó que le faltaban elementos básicos de la trama de una ópera “seria”: un personaje femenino que se destacase y una fuerte intriga amorosa.

62. <Personalidad> Piotr Ilich Tchaikovski <Datos> Nació: en Votkinsk, Rusia, el 7 de mayo de 1840. Falleció: en San Petersburgo, Rusia, el 6 de noviembre de 1893. En síntesis: fue el compositor que incorporó a la música de su país todo el bagaje técnico y el anclaje académico de la música clásica europea. <Copete> Fue el primer compositor ruso en dar a conocer la música de su país al mundo. Sus obras para ballet son de un valor inestimable hasta el día de hoy: tanto El Lago de los Cisnes, como La Bella durmiente, han marcado un antes y un después en la música y la orquestación para danza. Elevó a nivel sinfónico la tradición de los antiguos autores rusos de concebir la música en función del baile. Las melodías de Tchaicovski, por complejas que fuesen, estaban claramente destinadas a ser representadas con el cuerpo. <Cuerpo> Tchaikovski comenzó a tomar lecciones de piano a la corta edad de cinco años, y al poco tiempo ya era muy diestro en la lectura musical. En 1850 sus padres decidieron enviarlo a la Escuela de Jurisprudencia de San Petersburgo, pero como la edad mínima para ingresar eran los 12 años, el niño pasó dos en un internado de la escuela. Cuatro años después, falleció su madre a causa de una epidemia de cólera, y el inmenso dolor que le produjo esta pérdida inspiró su primera composición musical: un vals en su memoria. Si bien la música no era prioridad en la Escuela de Jurisprudencia, Tchaikovski asistió regularmente al teatro y se aficionó en las obras de Rossini, Bellini, Verdi y Mozart. Ante su interés por la música, su padre le financió los estudios de piano con el famoso profesor Rudolph Kündinger. En 1859 Se graduó con el rango de “consejero titular”, el más bajo en la carrera de funcionario. Ese mismo año fue admitido en el ministerio de Justicia donde trabajó por tres años. Mientras tanto asistía a las clases de teoría musical organizadas por la Sociedad Musical Rusa. Finalmente, decidió ingresar al nuevo Conservatorio de San Petersburgo, abandonando la carrera de funcionario para dedicarse exclusivamente a la música. Estudió armonía, contrapunto y fuga con Zaremba y composición e instrumentación con Rubinstein. Se graduó en diciembre de 1865 y, según dicen los biógrafos, sus maestros estaban profundamente impresionados por el talento del joven. Tres años después escribió su Primera Sinfonía, que se estrenó en Moscú y fue muy bien recibida por el público. Por ese entonces, Tchaikovski inició una relación laboral con Mili Balákirev, quien lideraba el “Grupo de los cinco”. Como resultado de esta relación, el Grupo aceptó la primera gran obra de Tchaikovski: la obertura “Romeo y Julieta”; adoptada

incondicionalmente. Sin embargo, si bien el compositor tuvo una relación cordial con los Cinco, se mantuvo independiente; tanto de ellos como del ala conservadora del Conservatorio de San Petersburgo. Muy pronto Rubinstein le ofreció un puesto como profesor del Conservatorio de Moscú, cargo que ejerció mientras se desempeñaba como crítico. De este período son el Concierto nº 1 para piano, la sinfonía Pequeña Rusia y el ballet El Lago de los Cisnes. En 1877 se casó con Antonina Milukova, con quien mantuvo una relación breve y tumultuosa. La ruptura le provocó una verdadera debacle emocional que lo obligó a tomar una cura de reposo. Aún en esta etapa su creatividad parecía no tener límites, de esta época datan la Cuarta sinfonía, la ópera, Eugen Oneguin, y su famosísimo Concierto para Violín. La intensidad emocional de su música fue novedosa y revolucionaria para la sociedad rusa de su época. Su fama se fue extendiendo por toda Europa, y la interpretación de su obra fue creciendo a partir de que él mismo comenzó a dirigirla. <Destacado> <Titulo> Una muerte ambigua <Cuerpo> Durante años se dijo que su prematura muerte se había debido a una epidemia de cólera. Pero aún esta primera versión ofrece el dato ambiguo de que el compositor habría estado bebiendo agua contaminada a sabiendas, varios días antes de su muerte. En los últimos años se ha afianzado la teoría de que fue obligado a suicidarse, acorralado por el padre de un joven alumno, de quien se dice era su amante secreto. Algo inadmisible para la conservadora sociedad rusa.

63. <Personalidad> Antonin Leopold Dvorák <Datos> Nació: en Nelahozeves, República Checa, el 8 de septiembre 1841. Falleció: en Praga, República Checa, el 1 de mayo de 1904. En síntesis: supo fusionar el estilo característico posromántico y la esencia del folclore de su tierra para convertirse en uno de los músicos más reconocidos de su época. <Copete> Este gran músico checo logró ubicarse entre los grandes compositores del mundo a partir de lo novedoso de su obra, impregnada de la riqueza y originalidad de la música eslava. En un principio fue influenciado por los románticos, cuyas obras estudió en profundidad, hasta que se dedicó a estudiar el folclore de su región. De ese modo se interiorizó en los ritmos sincopados de las danzas populares como la mazurca, la dumka y la spacirka. <Cuerpo> Dvorák nació en el norte de Praga, donde su padre poseía un pequeño hotel, en esa región recibió sus primeras enseñanzas musicales, principalmente en violín, piano y órgano. Para costearse los estudios en la Escuela de Órgano de Praga, trabajó en la orquestina de Karel Komzák, donde comenzó a ganarse reputación como intérprete. En 1886 ingresó a la orquesta del Teatro Nacional de Praga que dirigía Bedrich Smetana. En 1873 comenzó a alcanzar renombre a partir de su composición Himno Patriótico y muy pronto obtendría el primer gran reconocimiento del público internacional con la presentación de sus Danzas Eslavas. A partir de de este momento, el músico comenzó a recibir numerosos encargos; un año después el gobierno austríaco le concedió una beca de 400 florines en mérito a sus composiciones, beneficio que volvió a recibir en dos oportunidades más. Entre los jurados se encontraba Johannes Brahms con quien entablo una gran amistad. En 1884 llevó a cabo el primero de sus nueve viajes a Inglaterra, al ser nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Pero los reconocimientos internacionales no dejarían de llegar: recibió la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, y en 1891 el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. Ese mismo año también le fue otorgado el doctorado Honoris Causa de la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y Berlín. Invitado por Tchaikovski, se dirigió a San Petersburgo y Moscú, donde dirigió sus propias obras. Poco tiempo después, Jeannette Thurber, la fundadora del Conservatorio de Nueva York, le ofreció la dirección del mismo; razón por la cual se trasladó a los Estados Unidos. Con su peculiar oído para los temas populares, a partir de la influencia de los

spirituals creó el “Cuarteto Americano “y “la Sinfonía del Nuevo Mundo”. Sin embargo, unos años después regresó a su país natal para hacerse cargo de la dirección del Conservatorio de Praga. Dentro de sus obras más famosas se encuentran La novia del espectro de 1884, el Réquiem para Birmingham de 1890 y la Séptima sinfonía para la Sociedad Filarmónica. En sus composiciones abarcó todos los géneros, desde la ópera a la música de cámara, y sinfónica. No es la suya una obra sencilla, por el contrario, posee una gran sofisticación técnica. Tal vez lo más destacado o característico de sus piezas sea el uso permanente de recursos propios de los compositores eslavos como por ejemplo el registro grave del violín, y el pianísimo en los instrumentos de metal. Se dice que su orquestación busca la espectacularidad a partir de la experimentación tímbrica y contrastes dinámicos, incluso algunos especialistas sostiene que su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta medida de su atento estudio de la obra de Schubert. <Destacado> <Titulo> El diablo y Catalina <Cuerpo> Se trata de una ópera de tres actos. Su libreto fue escrito por Wenig, a partir de una farsa de Josef Kajetán Tyl.; y fue estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 23 de noviembre de 1899. La misma historia ha sido también tratada en los Cuentos de hadas de Bozena Nemcová. El atractivo de esta obra se debe en gran parte a la mixtura de cuentos de hadas, y música folklórica; combinación que puso a Antonin Leopold Dvorák entre los grandes autores de todos los tiempos.

64. <Personalidad> Arthur Seymour Sullivan <Datos> Nació: en Lamberth, Inglaterra, el 13 de mayo de 1842. Falleció: en Londres, Inglaterra, el 22 de noviembre de 1900. En síntesis: hasta el día de hoy es considerado el gran Maestro del teatro musical. <Copete> Su legado musical incluye operetas, ballets, himnos y música de cámara. Aún no había cumplido veinte años y ya era considerado como la gran promesa de la música inglesa. Muchos lo definieron como el autor inglés más fino del siglo XIX. Su estilo fue la opera cómica en la que sobresalió en colaboración con los libretos de W. Gilbert. Compuso solamente una ópera seria, Ivanhoe. En 1863 fue el compositor elegido por la realeza para componer la música para la boda del Príncipe de Gales. <Cuerpo> Su padre era un clarinetista irlandés, profesor de música y director de una banda militar. Tal vez por eso el joven Arthur adquirió gran destreza con la mayoría de los instrumentos de la banda, a punto tal que a los 8 años compuso un himno llamado Bay the Waters of Babylon. Aunque su padre, no alentaba el talento del joven, este solicitó ingresar al coro de la Capilla Real. Allí, dirigido por el reverendo Thomas Helmore, maestro de los coristas, Arthur Sullivan comenzó a componer regularmente obras corales. Helmore también lo ayudo a que sus obras fueran publicadas e incluso llegó a ser el gran difusor de las obras de su joven discípulo. En 1856, la Real Academia de Música le otorgó a Sullivan, de catorce años, el primer Premio Mendelsshon, y un año de entrenamiento que el joven aprovechó para estudiar piano. Dicha beca fue extendida durante tres años consecutivos; en la tercera oportunidad para que pudiera continuar sus estudios en Alemania, en el conservatorio de Leipzig. Allí estudió composición con Julius Rietz, contrapunto con Moritz, Hauptman y Richter, y piano con el gran maestro Ignaz Moscheles. Residió en Leipzig durante tres años que fueron de un extraordinario crecimiento musical. Se graduó en 1861 con la composición de música incidental para la obra “La Tempestad” de Shakespeare. La misma un año más tarde sería reestructurada para su estreno en Londres, donde fue un éxito. Desde ese entonces sería frecuentemente identificado como la gran promesa de la música inglesa. Su carrera como compositor de obras para voz comenzó a ser importante a partir del festival de Birmingham de 1864. En ese mismo año compuso su primer ballet L’île Enchantée, su única obra para ese género La primer ópera completa de su autoría que aún se conserva es Cox and Box de 1866, obra que fue producida por la “Galería de la Ilustración” obteniendo 264

representaciones. En 1871 escribió su primer trabajo en colaboración con Gilbert, Thespis, que tuvo una gran repercusión en el ámbito musical de la época. Este fue el inicio de una sociedad cuyos frutos superaron largamente los mayores logros individuales de ambos artistas. En conjunto escribieron 14 operetas en el transcurso de veinticinco años en los que alcanzaron un gran éxito. Entre sus piezas más importantes se encuentran Trial by jury, y HMS Pinaforte en 1978, The pirates of Penzance del año 1879 y Patience de 1881 entre muchas otras. En 1883 Sullivan fue hecho caballero por la reina Victoria debido a sus importantes servicios a la música y por haberse convertido en un emblema de la sátira musical inglesa. Sin embargo, esto no tuvo una favorable repercusión en su carrera, ya que a partir de ese momento la crítica comenzó a reclamarle que dejara de lado su vocación como compositor de ópera cómica, pues "un Caballero músico no podía caer por debajo de un oratorio o una Grand Opera”. <Destacado> <Título> Los piratas de Penzance <Cuerpo> Los piratas de Penzance es una ópera compuesta por Sullivan y escrita por Gilbert, se trata de la quinta de sus colaboraciones. Se estreno oficialmente en Nueva York, el 31 de enero de 1879 y fue muy bien recibida por el público y por la crítica, perdurando 3 meses en cartel. El 3 de abril de 1880 se estrenó en el gran teatro londinense, La Opera Comique, luego de ser representada más de trescientas veces. Ha sido reestrenada y adaptada muchísimas veces y constituye una de las obras más interpretadas del género.

65. <Personalidad> Jules Massenet <Datos> Nació: en Saint-Étienne, Francia, el 12 de mayo de 1842. Falleció: en París, Francia, 13 de agosto de 1913. En síntesis: es considerado el último baluarte de la ópera francesa del siglo XIX. <Copete> Fue un músico que abordó todos los géneros de la ópera, aprovechando lo mejor de cada uno. Entre 1875 y 1910 fijó las pautas de una estética que incluía la mística de los cantantes y la seducción intrínseca de la música. Su don para la melodía se puede apreciar no sólo en las bellas arias de sus distintas óperas, también fue un brillante orquestador que creó climas adecuados, captando los estados de ánimo de los personajes. Su aporte excede su obra, fundó una tradición estética que sigue vigente. <Cuerpo> Massenet tuvo sus primeras lecciones de piano con su madre. Consciente del talento de su joven hijo, la familia se trasladó a París para que pudiese ingresar al conservatorio. Allí, inició sus estudios con Ambroise Thomas. En 1859 ganó un primer premio para pianistas y cuatro años después, obtuvo el Gran premio de Roma, con la cantata David Rizzio. Este reconocimiento le permitió experimentar los sonidos y la textura de la ópera italiana. En la famosa Villa Médicis de Roma conoció a Liszt quien ofreció ayudarlo con sus estudios. En 1866, tras su regreso a París, compuso sus primeras óperas, La coupe du roi de Thule y Tante La Grand que se estrenaron el año siguiente en la Opéra-Comique, con un éxito relativo. Sin embargo, debió frenar su carrera profesional para prestar servicio como soldado durante la guerra franco prusiana. Después de un año, regresó a su trabajo en 1871, volviendo al ruedo con una ópera cómica que le permitió alcanzar notoriedad, Don César de Bazán. Al mismo tiempo, comenzó a componer la música de Le Roi de Lahore que se estrenaría en 1877. También escribió el oratorio de Marie-Magdaleine que se estrenó en 1873, con buena recepción del público. Su primer éxito internacional fue El rey de Lahore; esta ópera se encuentra ambientada en India y cuenta la historia de un rey que muere a manos de un barítono celoso por el amor que le profesa una de las sacerdotisas de Indra. En 1881, estrenó Hérodiade en el Teatro de la Moneda de Bruselas. Basada en la novela de Flaubert, con libreto de Paul Millet, fue duramente rechazada por la Iglesia católica. Con sus personajes apasionados y de gran sensualidad, Massenet fue plasmando su estilo, logrando esos típicos efectos dramático-musicales, con momentos de intimidad. En 1884, se estrenó una de sus obras más populares, Manon Lescaut basada en la novela de Prévost. Cuenta la historia de una heroína que va cayendo en desgracia por dejarse

llevar por sus miedos e inseguridades económicas, perdiendo su honra y su vida junto a su enamorado; y cuando logra recuperar a su amado, es arrastrada a un destierro que termina con su vida. El rol de Manon requiere mucha ductilidad no sólo en cuanto a la interpretación del personaje sino también en lo vocal pues el personaje es varias mujeres en una. La música de esta ópera sigue cada momento de la dramatización con brillantes melodías y un acompañamiento orquestal que realzan los momentos de intimidad de cada personaje. En contraste con esta pieza, Le Cid incluyó el ballet, así como también danzas españolas. La introducción de estas últimas a modo de pastiche, son excelentes desde el punto de vista musical. Entre 1892 y 1910, produjo las óperas más importantes de su repertorio, incorporando las nuevas influencias del siglo XX, especialmente el neoclasicismo. Entre ellas se destacan Chérubine, Ariane y Thérese. <Destacado> <Título> La estética del Pastiche <Cuerpo> Massenet es conocido por su forma de enriquecer la escritura de sus óperas con fuentes diversas. A este estilo de composición se llamó en la ópera, la estética del pastiche. Un claro ejemplo de esto se puede apreciar en la ópera Manon en las escenas de ballet del tercer acto, donde empleó el estilo barroco. La utilización de dicha técnica y su gran capacidad de recrear estados anímicos se pueden apreciar a lo largo de sus obras. Esta característica lo llevó a ser considerado un gran innovador para su época.

66. <Personalidad> Edvard Grieg <Datos> Nació: en Bergen, Noruega, el 15 de junio de 1843. Falleció: en la misma ciudad, 4 de septiembre de 1907 En síntesis: considerado el más grande impulsor de la música noruega en la historia <Copete> Su estilo delicado y poético constituye la característica fundamental de su música, estimada como patrimonio cultural de su país. Según la crítica: "su estética se adscribe en la corriente postromántica, con connotaciones impresionistas, acercándose con rigor a los cantos populares noruegos”. De elegante lirismo y profunda expresividad sonora, en su música se encuentra la serenidad de un paisaje nevado, la añoranza de un recuerdo lejano y la alegría del espíritu de la danza. <Cuerpo> Grieg creció en un ambiente musical, su madre era una reconocida pianista, y se convirtió en su primera profesora. Durante el verano de 1858 conoció al afamado violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia; por ese entonces Grieg tenía quince años y el experimentado músico no tardó en descubrir el inusitado talento del joven. Por este motivo, le propuso enviarlo al conservatorio de Leipzig, el centro musical más importante de la época. Allí el joven artista estudió contrapunto, composición y piano. Rápidamente comenzó a destacarse como intérprete en los numerosos recitales en los que se presentaba. Sin embargo, no se sentía cómodo en el famoso conservatorio, puesto que discrepaba con los métodos de enseñanza que se aplicaban en la institución. Para agravar su malestar, en 1860 sufrió una pleuresía que dejó importantes secuelas en su salud. Pese a todo, un año después se recuperaría para su debut como concertista de piano en Karlsharmn, Suiza. Al poco tiempo se graduó con un premio extraordinario; y llevó a cabo una presentación en su ciudad natal por primera vez. En 1863 se instaló por un periodo de tres años en Copenhague. Allí se relacionó con muchos músicos daneses, pero uno de ellos se transformaría en su gran amigo y principal fuente de inspiración, el gran Richard Nordaak, Ambos sentían una profunda admiración por la música popular noruega y compartían el mismo deseo de fundar una escuela musical nacional. Trabajaron juntos en ello hasta la prematura muerte de Nordaak a los 24 años. Sin embargo Grieg siguió adelante y finalmente su empeño llevaría a la fundación de la Sociedad de Conciertos Euterpe y, posteriormente, la Unión Musical. En 1867 se casó y un año después nació su hija, quien murió a los 13 meses de edad. Pese a las desgracias, durante esa época el talento de Grieg como compositor llegó a uno de sus puntos culminantes con el famoso Concierto para piano y orquesta que él

mismo estrenó en Roma actuando como solista. Fue nombrado Miembro de la Real Academia de Música de Suecia y recibió la orden de Olaf. En 1874, el parlamento noruego le otorgó una renta de 6000 coronas, con lo cual pudo volcarse completamente a la composición musical. Dos años después, estrenó en Oslo Peer Gyn, la obra que Ibsen le había propuesto para que realizara la música incidental. El éxito fue instantáneo alcanzando 35 representaciones en un año. Por ese entonces, comenzó a dirigir sus propias obras. En 1894, le concedieron el Doctorado Honoris Causa y fue nombrado Miembro de la Academia Francesa de la Artes. Murió a los sesenta y cuatro años cuando su música se encontraba en pleno auge y una multitud se reunió para despedirlo. Fue el autor de algunas de las obras más hermosas que conoció la humanidad. Sus sonatas para piano, violín y violonchelo aún hoy forman parte de los repertorios de los mejores solistas del mundo. <Destacado> <Título> El Chopin del Norte <Cuerpo> Su Concierto para piano y orquesta en La menor, refleja la afinidad de Grieg con Robert Schumann, aunque su impronta es indudablemente noruega. El segundo movimiento es un adagio, que presenta la particularidad de prescindir de los metales con lo cual adquiere un carácter intimista sumamente bello; el tercero es un Allegro construido sobre una danza popular. Toda la obra ofrece momentos de gran virtuosismo en que se luce la enorme capacidad lírica del piano.

67. <Personalidad> Nikolai Rimsky-Kórsakov <Datos> Nació: en San Petersburgo, Rusia, el 18 de marzo de 1844. Falleció: en Liúbensk, Rusia, el 21 de junio de 1908. En síntesis: considerado uno de los más grandes maestros de la orquestación de todos los tiempos. <Copete> Fue compositor, director de orquesta y maestro de música, además de ser un integrante del “Grupo de los cinco”. Creyó firmemente en el desarrollo de un estilo nacionalista ruso dentro de la música clásica, que partiera del empleo de temas y melodías del acebo folklórico. También fue un gran académico, profesor de armonía y orquestación capaz de valorar y utilizar a la perfección las técnicas occidentales de instrumentación más diversas. <Cuerpo> Nació en el seno de una familia aristocrática de antecedentes militares y a los seis años comenzó a estudiar piano con profesores de su ciudad; siendo ya adolescente, tomó clases con Theodore Canille. Si bien tenía una gran vocación musical, combinó su carrera profesional con su carrera militar como oficial en la Marina Imperial rusa, entre 1856 y 1862 estudio en la Escuela de Marina de San Petersburgo. Cuando tenía 18 años conoció a Mila Balákirev, quien le presentó a César Cui y Modest Musorgsky con quienes luego formaría el famoso “Grupo de los Cinco”. En 1871 cuando aún era oficial de la marina fue nombrado profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, cargo que mantendría hasta su muerte. En 1873 abandonó el servicio en la Marina, al ser designado inspector de las bandas musicales de la tropa. Ya entonces se dedicaba plenamente a la actividad musical, desempeñándose también como director de la orquesta de la Escuela Gratuita de Música. Posteriormente, fue Director de la Capilla Imperial, puesto que ocupó hasta 1893. Durante este período se encargó también de dirigir los Conciertos sinfónicos rusos creados por el mecenas Beliayev. Recién a partir de 1890 dedicaría todo su talento y conocimiento a la Opera. De todos los miembros del "Grupo de los cinco" era el mejor formado técnicamente, se dice, de hecho, que era el encargado de corregir la escritura de todas sus composiciones. Al igual que ellos, buscó plasmar en sus obras temas tomados del folklore ruso. Nunca renegó de su formación académica, que tanto molestaba a los nacionalistas, quienes los acusaban de estar abandonando sus raíces rusas para componer fugas y sonatas. Por el contrario, compuso música de cámara que se ceñía estrictamente al estilo occidental. En 1874 transcribió una serie de canciones rusas para voz y piano. Profundizó este proyecto

hasta conseguir juntar cien canciones proporcionadas por sus amigos, y sirvientes, además de las que encontró investigando en viejas colecciones descatalogadas. Él mismo diría que haber trabajado en esta recopilación lo influyó mucho como compositor. También participó de la edición y publicación de la obra completa de Mikjail a Glinka, un proyecto que se realizaba por primera vez con la obra de un compositor ruso. Rimsky-Korsakov fue un prolífico autor. Escribió, entre muchas otras sinfonías, obras orquestales como Capricho español y Sheherezada. Orquestó obras de Musorgsky, entre ellas Boris Godunov. También hizo el mismo trabajo con El príncipe Igor de Borodin. Entre sus operas más importantes, se pueden mencionar: Mlada, Noche de Navidad, y La leyenda de la ciudad invisible de Kitej y la doncella Febroniya. En 1890 contrajo una fuerte angina de pecho que fue deteriorando su salud impidiéndole trabajar, finalmente falleció en 1908 luego de años de enfermedad. <Destacado> <Titulo> El gallo de Oro <Cuerpo> Es una ópera compuesta por Rimsky-Korsakov en el año 1905 conocida por haber sido censurada durante el reinado de Nicolás II. En esta obra basada en un cuento de Pushkin, el autor manifestaba su postura crítica frente al zarismo y la guerra con Japón ruso. El músico fue suspendido de su cargo en el Conservatorio debido a su participación en las manifestaciones y la ópera fue rápidamente prohibida. Su estreno se daría cuatro años después pero se trataría de una versión adaptada.

68. <Personalidad> Gabriel Urbain Fauré <Datos> Nació: en Pamiers, Francia, el 12 de mayo de 1845. Falleció: en París, Francia, el 4 de Noviembre 1924. En síntesis: se destacó entre sus contemporáneos y marcó el camino de todos los músicos franceses del siglo XX. <Copete> Reconocido como el mejor compositor francés de su generación, a propósito de lo cual recibió un homenaje musical sin precedentes en París. Sin embargo, esto sólo ocurriría durante los últimos años de su vida. Hasta entonces su obra había sido injustamente relegada. Su música tardó décadas en ser reconocida internacionalmente. Se la suele describir como el puente de enlace entre el final de Romanticismo y el modernismo del siglo XX, el primer antecedente directo del impresionismo musical francés. <Cuerpo > Fue criado por una nodriza hasta los cuatro años de edad. Recién entonces su padre obtuvo el puesto de director de la Escuela Normal Superior de París en Montgauzy, lo que le permitió llevar al niño consigo. Según sus propias memorias, creció en un paraje rodeado de gran belleza. Años felices de los que recordaba especialmente el armonio de la pequeña capilla del poblado: “ cada vez que podía… corría hacia ella y me le entregaba […] completamente sin técnica, pero recuerdo que estaba feliz, y si eso es lo que significa tener vocación, entonces es una cosa muy agradable”. En 1853 lo escuchó un funcionario de la Asamblea Nacional de Francia, quien aconsejó a su padre enviarlo a la École de Musique Classique et Religieuse en París. Le llevó un año a Fauré padre tomar la decisión, pero finalmente envió a Gabriel a París en 1854. Tenía nueve años de edad cuando llegó al instituto y permaneció como pupilo durante once más. Todos esos años estuvo becado por el obispo de su diócesis. En la École el régimen era de una austeridad absoluta como lo eran, en general, los internados religiosos, pero la educación musical era excelente. Se concentraba en la música religiosa con el objetivo de formar organistas y directores de gran calidad. Allí Fauré estudió órgano, armonía, contrapunto, fuga, piano, canto llano y orquestación. Niedermeyer fue su primer profesor de piano, a su muerte en 1861 lo sucedió Camille Saint-Saëns, quien lo introdujo en la música contemporánea. Figuras como Schumann, Liszt, Wagner. y el mismo Saint –Saëns se convertirían en sus grandes amigos y mantendría con ellos relaciones perdurables. Fauré termino sus estudios en la École en julio de 1865, laureado en órgano, piano, armonía, composición y diplomado como Maestro de Capilla. Fue uno de los primeros miembros de la Societé Nationale de Musique bajo la presidencia de Saint-Seans y Romain Bussine, con el objetivo de promover la nueva música francesa. Participaban también en ella Georges Bizet, Emmanuel Chabrier, César Franck. Ëduard Lalo y Jules Massenet, entre otros. A pesar de que tocó el órgano de manera profesional durante cuatro décadas, no dejó composiciones solistas para este instrumento. Más allá de su innegable inspiración creativa, su trabajo se basó en la comprensión muy profunda de las estructuras

armónicas que obtuvo en sus años en la École. Así estableció una teoría armónica que significativamente difiere de la teoría clásica, a partir de entonces no se prohibirían los acordes disonantes. Ese es el motivo por el que se dice que Fauré anticipó las técnicas de los compositores impresionistas. Falleció, a unos tempranos cincuenta y nueve años. Hasta sus últimos días, pese a estar casi sordo, estudiaba e investigaba nuevos métodos de enlazar las formas clásicas. <Destacado> <Titulo> Pelléas et Mélisande <Cuerpo> No era Gabriel Fauré muy afecto a la música orquestal. En este sentido, su obra más conocida es la Música incidental compuesta en 1898 para la obra de teatro Pelléas et Melisande, de Maeterlinck. La obra fue encargada por la actriz Patrick Campbell. Se estrenó el 21 de Junio de 1898 en el Teatro Príncipe de Gales, con la dirección orquestal del mismo compositor. En 1900 compuso una suite de la obra en cinco movimientos. Ésta fue estrenada en febrero de 1901. También ha sido adaptada para piano solo.

69. <Personalidad> Henri Duparc <Datos> Nació: en Paris, Francia, el 21 de enero de 1848. Falleció: en Mont de Marsan, Francia, el 12 de febrero de 1933. En síntesis: es considerado el mejor melodista francés de la música contemporánea. <Copete> Solo se conservan diecisiete melodías completas de su autoría, ya que ordenó destruir toda su obra. Aun así, es considerado por muchos el mejor melodista de la música francesa y quizá uno de los más grandes de la Historia. Compuso hasta los treinta y ocho años, ya que sufría de una enfermedad nerviosa. Al retirarse se dedicó a su otra pasión: la pintura. Lo que ha quedado de su obra nos muestra un compositor grandioso, lamentablemente poco difundido en la actualidad. <Cuerpo> Provenía de una familia de la vieja aristocracia de Lloraine. Su madre se dedicaba a las obras de caridad y su padre fue el director general de los Ferrocarriles del Oeste. El joven Henri recibió su educación inicial en el viejo Colegio Jesuita de Paris, donde César Frank fue su primer profesor de piano. Con este primer maestro comprendió que no tenía dotes para ser un eximio pianista, pero si muchas posibilidades para la composición musical. De su más temprana juventud datan sus Six reveries para piano. Sin embargo era evidente que ya tenía problemas de personalidad. Era un joven muy tímido que aparecía agobiado por la exigencia de una educación demasiado severa para su carácter. Su padre era una persona de carácter dominante, y decidió que fuera abogado, por lo que ,sin consultarlo, lo inscribió en dicha carrera. Mientras tanto seguía tomando clases de composición con Franck quien lo reconocía como el más dotado de sus alumnos. En 1867, con sólo diecinueve años, escribió su primera gran obra: una sonata para piano y violonchelo de la que lamentablemente solo fueron rescatados algunos fragmentos. En 1868 se publicó Cinq Melodies y en 1869 Six petites Pièces, una obra para piano que lo llevó a conocer a quién, tres años después, sería su esposa: Ellen Mac Swiney. Una bella joven escocesa a quién le dedicó también Soupir, una de sus más bellas melodies. Fue un gran amigo del inefable Vincent D´Indy, maestro de maestros. En 1869 pasó una larga temporada en la casa de Franz Liszt donde conoció Richard Wagner quien lo impresionó profundamente. A punto tal, que al año siguiente viajó a Múnich para asistir al estreno de La Valquiria. En 1870 comenzó a sentir los primeros síntomas de su enfermedad, cuando un ataque de agorafobia lo dejó inmovilizado en la Plaza de La Concordia. Con el estallido de la Guerra Franco Prusiana, decidió suspender su carrera universitaria para incorporarse al 18º Batallón de la Guardia, muy lejos del frente. Todo esto no le impidió componer algunas de sus más célebres melodías, como: L`invitatión au voyage, la Fuite, y la Vague et la Cloche. Después de la guerra comenzó a reunir en su casa a un grupo de músicos amigos entre los que surgió la idea de formar la Societe Natinale de Musique. Entre ellos se encontraban: Fauré, Chaussin, Castillón, Saint–

Saënz, Bernolt y Chabrier. En 1873 compuso Suite d´orchestra y en 1874 Poème Nocturne y una Suite de danses, ambas obras perdidas. En 1896 se agudizaron los síntomas de su neurosis no diagnosticada. Una profunda melancolía lo llevó a refugiarse en Monein, al pie de los Pirineos, hasta 1897. Volvió a Paris, para finalizar la orquestación de Testament y dos años después realizó su primera peregrinación a Lourdes, que marcó el inicio de su profunda devoción religiosa. En 1913 se mudó a Tarbes, en los Pirineos, y a partir de 191 residió en Mont de Marsan. <Destacado> <Titulo> Melodies <Cuerpo> Como muchos de los compositores de la época buscaba reconciliar melodía y palabra. A propósito, Lucien Rebatet sostiene que sus Melodies muestran un equilibrio “en el cual la palabra responde a la nota, el acorde se apoya en la rima”. No deja de ser alegórico que estas piezas de Duparc no se incluyan más asiduamente en los repertorios internacionales, y en cambio sean difundidas por los grandes músicos contemporáneos; sobre todo teniendo en cuenta que ordenó destruir toda su obra.

70. <Personalidad> Ruggero Leoncavallo <Datos> Nació: en Nápoles, Italia, el 25 de abril de 1857. Falleció en Montecatini, Italia, el 9 de agosto de 1919. En síntesis: representante del movimiento Verista de la ópera italiana. También es considerado el mejor libretista de su época. <Copete> Fue uno de los músicos más venerados por los cultores del género lírico, cumplió la doble tarea de ser compositor y libretista de óperas; algo no muy común. Por ello fue considerado el mejor de su época en esta área tan sensible para el amante del Bel Canto. Se lo consideraba el mayor exponente del Verismo es decir el realismo italiano, en oposición al Romanticismo que predominaba abiertamente la ópera de la época. Escribió canciones para voz y piano. Desgraciadamente, hoy día ocupa el panteón de los injustamente olvidados. <Cuerpo> A los nueve años inició sus estudios de música en el Conservatorio de Música de Nápoles como alumno de piano y composición. Comenzó a escribir su primera ópera Chatterton a los dieciocho años. Programó su estreno en Bolonia pero, muy a su pesar, esta ópera prima no pudo ser estrenada porque el empresario que lo patrocinaba lo abandonó. El joven compositor terminó desolado y sin un céntimo. A partir de entonces comenzó a ganarse la vida como profesor, dando clases de canto, piano, y realizando presentaciones personales en pequeños cafés. Por esos días empezó a pergeñar su próximo proyecto operístico, una trilogía del Renacimiento italiano, cuya primera obra fue I Médici, pero la obra no interesoó al más poderoso editor de la época. En 1892 Leoncavallo escribió Pagliacci, recurriendo al vivísimo realismo, de la misma manera que Mascagni en Caballeria Rústicana: al ambiente contemporáneo de su época, personajes de la clase trabajadora, y pasiones desatadas. La obra de Mascagni tuvo un gran éxito. Leoncavallo escribió el libreto de Pagliacci, y quiso una historia realista y trágica. Recordó un hecho real que le había contado su padre, éste era juez y en ese rol presidió un juicio llevado a cabo a un actor que por celos había matado a su mujer. Este hecho se adaptaba de manera ideal a lo que necesitaba, y decidió tomarlo como base de su ópera. Pagliacci hizo famoso a su autor de un día para el otro. De hecho jamás repetiría un éxito como aquel. Se estrenó el 21 de mayo de 1882 en el teatro Dal Verme de Milán, y fue dirigida por Arturo Toscanini, contando con el gran tenor Víctor Morel en el papel de Tono. Cuando por fin logró estrenar I Medici en 1893, la recepción fue muy sobria –por no decir directamente fría–, razón por la cual, dejó de lado su viejo proyecto de la trilogía del renacimiento. En 1897 se estrenó La Boheme obra que fue eclipsada por la versión que, de la misma historia, realizara Puccini. En 1900 estrenó Zaza en Milán. Toscanini dirigió nuevamente la orquesta, y en el elenco se encontraban los mejores de la época. Era la historia de una cantante de los cafés de Paris, Toda su vida Leoncavallo trató de repetir el éxito de Pagliacci, cosa que jamás logró y lo amargó profundamente. Se dice que la

música de Leoncavallo lleva en sí todo el sentir de la tradición de la música napolitana, que complementaba hábilmente con todas las innovaciones musicales. Era un hombre de un profundo conocimiento literario, formado en la Universidad de Bolonia y el Conservatorio de Nápoles. En definitiva, poseía una exquisita cultura, algo muy palpable en todos sus libretos. Hasta el día de hoy se hace mención al “uso cuidadoso de la palabras” que empleaba en los mismos. En 1885 se publicaron más de cien canciones de su autoría, la mayor parte de ellas para voz y piano, con textos en francés. <Destacado> <Titulo> L`aurora di bianco vestita <Cuerpo> Es el primer verso de la célebre Mattinata, obra compuesta por Leoncavallo expresamente para Enrico Caruso en el año 1903. Se trata de una canción de serenata matinal típica de la canción medieval y de las Chanson del Alba de los trovadores, donde se equipara la luz del día con la mujer amada. Se encuentra en internet la versión original de la obra, grabada por Enrico Caruso con el propio Leoncavallo en piano. Desde esa interpretación hasta nuestros días nada hay más perfecto que la versión de Alfredo Krauss

71. <Personalidad> Edward Elgar <Datos> Nació: en Broadheath, Inglaterra, el 2 de junio de 1857. Falleció: en Worcester, Inglaterra, el 23 de febrero de 1934. En síntesis: es uno de los músicos británicos más finos de toda la historia musical inglesa injustamente olvidado por años. <Copete> Provenía de una familia muy humilde que profesaba la religión católica, dos factores que no lo ayudarían a ganarse el favor del público protestante inglés. Si bien recibió educación musical, no tuvo formación en los grandes conservatorios de Europa. Tampoco lo favoreció su afirmación de que la música inglesa era de una “vulgaridad refinada”, observación que no dejaba de fundamentar en sus conferencias durante sus años como profesor en la Universidad de Birmingham. Pero en definitiva, Elgar es el músico inglés más conocido y respetado en el mundo. <Cuerpo> A la edad de ocho años recibió sus primeras clases de piano y violín. Trabajó ayudándole a su padre, quien era afinador de pianos y poseía una tienda de instrumentos musicales. Desde muy joven Edward se desempeñó como profesor de los instrumentos que dominaba. También ocupó durante cinco años el cargo de director de la Banda de los Guardas en el asilo geriátrico de Pouic. Una banda, cabe destacar, cuya formación era muy original para la época: compuesta por flautín, flauta, clarinete, corno, una bombardina, tres o cuatros primeros violines, y tres o cuatro segundos, viola, violonchelo, contrabajo y piano. El joven Edward no solo los dirigió, sino que compuso y arregló música para ellos. De este modo tan poco ortodoxo, adquirió un conocimiento sumamente práctico de las posibilidades que brindaban los instrumentos. Poco a poco, prosperó en los círculos musicales de Worcester, tocó entre los primeros violines en los festivales de la ciudad y de Birmingham, y se dio el inmenso placer de ejecutar la Sinfonía nª 6 y el Stabat Mater de Antonin Dvorak, bajo la dirección del propio compositor. Esta orquestación ejerció una influencia notable que permaneció en él por muchos años. A los veintinueve años se casó con la hija de un general que inmediatamente fue desheredada por casarse con un músico pobre, desconocido y católico. La pareja se trasladó a Londres para estar más cerca del círculo artístico de la época, y Elgar comenzó a componer para vivir. Pero sus obras provocaron poco impacto en el ambiente musical londinense. Por lo tanto en 1891 volvió a su ciudad natal donde podía ganarse la vida dirigiendo los conjuntos musicales locales y dando clases.

Su reputación como compositor creció de manera gradual pero irrefutable. Principalmente gracias a las obras presentadas en el gran festival Coral de Midlands con buenas críticas. A los cuarenta y dos años se estrenó en Londres su primera gran obra orquestal: Variaciones Enigma. Fue recibida con una aclamación general por su originalidad, encanto y destreza, posicionando a Elgar como el compositor más eminente de su generación. Tuvo un gran éxito también en Alemania e Italia. Posteriormente, estrenó El sueño del gerente, para solista, coro y orquesta. La obra se posicionó rápidamente como una de las más bellas obras de la música coral inglesa, y aun hoy se la considera de esta forma. En Inglaterra se la reconoció como un hito de la música británica, la obra más grande en forma de oratorio. Pero los anglicanos no la veían así, incluso llegaron a prohibirla en sus templos. Principalmente es conocido por las Marchas de pompa y circunstancia. A los cincuenta años comenzó a trabajar en su primer Sinfonía, que fue un éxito en el año 1908. En poco más de un año esta obra obtuvo alrededor de cien representaciones. También fue enorme el impacto de su concierto para violín. <Destacado> <Titulo> Concierto para Violonchello en mi menor. OP. 85 <Cuerpo> Es un concierto para violonchelo y orquesta escrito en 1919. Se trata de una obra que marca un hito dentro de las composiciones para este instrumento. Durante su estreno no tuvo una recepción exitosa, pero en la década de 1960 lo grabó la gran Jacqueline Du Pre, y el público agoto la edición. Es una obra de complejidad superlativa. Se dice que Elgar había sido operado y no bien se recuperó de la anestesia, pidió papel y escribió la melodía de lo que sería el primer tema del concierto.

72. <Personalidad> Giacomo Puccini <Datos> Nació: en Lucca, Italia, el 22 de diciembre de 1858. Falleció: en Bruselas, Bélgica, el 29 de noviembre de 1924. En síntesis: su obra fue un aporte fundamental al estilo verista, ya que incorporó elementos de la ópera wagneriana y la italiana. <Copete> Retomando la herencia de la ópera italiana, Giacomo Puccini también adoptó técnicas compositivas de Richard Wagner que llevarían al verismo italiano a territorios inexplorados. Siguiendo el modelo del leitmotiv wagneriano, amplió el lenguaje armónico y el uso de los giros temáticos. Lo que le dio a sus obras una mayor intensidad, aumentando el impacto emocional de sus dramas musicales. <Cuerpo> Nació en una familia de músicos en la región toscana de Lucca. Después de perder a su padre a la edad de cinco años comenzó sus estudios de música con uno de sus tíos. En su ciudad natal tomó el puesto de organista y maestro de coro. Sus primeras composiciones tuvieron una fuerte inspiración religiosa. A los veintidós años ingresó al Conservatorio de Milán para continuar sus estudios de composición. Entre 1884 y 1889 compuso sus dos primeras óperas. Sin embargo, ninguna de ellas alcanzó el éxito esperado. Al llegar a Milán, Puccini descubrió la riqueza sonora y la enorme cantidad de recursos utilizados en las óperas de Richard Wagner. Desde ese momento incorporó la novedosa técnica del leitmotiv. El uso de signos y crescendos temáticos se mantuvo a lo largo de toda su producción. También recibió una fuerte influencia de la ópera francesa, especialmente a través de Bizet y Massenet. En casi todas sus óperas Puccini buscó expresar lo propio de la ubicación y el contexto histórico en el que se desarrollan sus historias. El compositor toscano comenzó a ser reconocido recién en el año 1893 con Manon Lescaut, una de las óperas más célebres en toda su carrera. Allí quedó establecida la colaboración con los libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Si bien todavía se habla de las peleas entre el compositor y sus colaboradores, cuyos gritos destemplados atravesaban el aire tranquilo de la campiña italiana, la relación fue sumamente fructífera y resultó clave en el desarrollo de tres éxitos por venir: La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. Entre 1903 y 1918 una serie de sucesos desafortunados le impidió continuar con la línea de obras aclamadas por la crítica y el público. En esta misma época emprendió varios proyectos que nunca culminaría. Al final de su vida había acumulado una veintena de óperas sin terminar, varias de ellas en estado muy avanzado. Sin embargo, en ese entonces consiguió estrenar una ópera en el

prestigioso teatro Metropolitan Opera de Nueva York. La obra en cuestión fue La fanciulla del West en1910. Esta ópera incluyó novedosos recursos rítmicos y armónicos que, en aquellos años, fueron bastante criticados por copiar estilos, como por ejemplo, los pasajes en escalas de tonos enteros que ya los venía utilizando Claude Debussy. Un tríptico de óperas estrenado una vez más en Nueva York en el año 1918, reubicó al compositor italiano como uno de las grandes figuras del teatro musical mundial. Se trataba de la serie integrada por Il tabarro, Sor Angelica y Gianni Schicchi. La célebre aria para soprano O mio babbino caro forma parte de esta última. Puccini nunca llegó a completar su última gran obra: Turandot. Ésta incluye el aria Nessun dorma que estaría destinada a convertirse en uno de los hitos de la ópera italiana de la primera mitad del siglo XX. <Destacado> <Título> Qui finisce l'opera Cuerpo <Cuerpo> El estreno de Turandot en 1926 no incluyó las dos escenas finales agregadas por Franco Alfano. La ópera completa se escuchó recién a partir de su segunda función. En dicha ocasión, el director Arturo Toscanini se volvió a la audiencia y dijo con voz emocionada: Qui finisce l'opera, perché a questo punto il maestro è morto (“Aquí finaliza la ópera, porque en este lugar murió el maestro”). En el año 2001 el compositor contemporáneo Luciano Berio compuso un nuevo final tomando como base los esbozos de Puccini.

73. <Personalidad> Isaac Albéniz <Datos> Nació: en Camprodon, España, el 29 de mayo de 1860. Falleció: en Cambo-Les-Baim, Francia, el 18 de mayo de 1909. En síntesis: llamado por sus compatriotas el “catalán universal” debido a su inspiración andaluza. <Copete> Las obras de Isaac Albéniz probablemente son más reconocidas por sus versiones para guitarra que las originales concebidas para piano. Sin saberlo fue uno de los más grandes compositores que contribuyó a sacar la guitarra de los “tablaos”, para elevarla a altura impensadas. Pero además, este catalán llevó a la gran música española a ser reconocida en todo el mundo por su originalidad, su estilo profundamente nacional y a la vez, como se ha definido al mismo Albéniz, universal. <Cuerpo> A los cuatro años interpretó su primer concierto en el Teatro Romea de Barcelona, una fantasía sobre Las vísperas Sicilianas de Verdi. Narcis Oliveras fue su primer maestro, y a los seis años ya estudiaba en París con Antoine François Marmontel. Intentó ingresar en el célebre Conservatorio de la capital francesa pero fue rechazado, aunque posteriormente sería aceptado en el de Bruselas, no menos prestigioso. A los ocho ya daba conciertos en diversas poblaciones catalanas. Hay quienes afirman que a los diez se fue de su casa y organizó sus propios conciertos. Lo cierto es que en 1872 se escapó del hogar en una fuga que lo llevó hasta una muy lejana Buenos Aires. En 1882 contrajo matrimonio y conoció al compositor Felip Pedrell. Fue en esa época que se despertó en Albéniz la pasión por la música popular española y la necesidad de profundizar en el desarrollo de una música nacional ibérica. Hasta ese momento tan solo había creado piezas de salón, “cortesanas” y sin mayores pretensiones para el piano. Pero, a partir de entonces, su composición creció de manera notable. En 1885 inició la escritura de sus primeras obras importantes de carácter nacionalista, entre ellas la Suite Española de 1886. Sin embargo fue en la Suite Iberia -considerada su obra maestra- donde logró llevar a cabo su ideal de crear una “música nacional de acento universal”. La influencia de esta obra sobre el resto de los compositores españoles, como Falla y Granados, fue enorme. Albéniz fue cultor de muy variados géneros. En su corpus se pueden distinguir tres grupos que coinciden con diversas épocas. En la primera de ellas compuso obras de carácter intimista y romántico, entre ella sus Siete sonatas para piano. La etapa nacionalista se inició con los Cantos de España. Toda este período se distingue por lo que se llamó el “Alhambrismo”, con grandes tintes andaluces, se vio caracterizado por la profusión de ritmos y danzas populares, canto jondo, y ornamentaciones originarias de la escritura para guitarra. De esta era se destacan la Suite Española y el Concierto fantástico en La menor. La tercera etapa presenta grandes rasgos impresionistas, probablemente fruto de sus viajes a París y de la amistad que le unió a compositores como Debussy. Su obra principal de este período es la Suite Iberia, compuesta por doce

obras que ocupan cuatro cuadernos. En la mayor parte de ellas se destacan ritmos de danzas que alternan con un estribillo lírico de carácter vocal o copla. En lo que se refiere a la música orquestal, Albéniz logró dotar a sus obras sinfónicas de un colorido y una armonía muy ricas. Pepita Jiménez fue la obra favorita del compositor en cuanto a música escénica se refiere. Fue aclamada en toda Europa por su originalidad, ya que con ella se alejó por fin de la tradición wagneriana para desarrollar un lenguaje autóctono expresivo, lirico y original. <Destacado> <Titulo> Albéniz y la guitarra <Cuerpo> Isaac Albéniz no escribió ninguna obra para guitarra, sin embargo, gran parte de sus obras le deben la fama a sus versiones para este instrumento, al que a su vez conduce a niveles insospechados de riqueza sonora y rigurosidad técnica. Fue Francisco Tárrega quien descubrió la potencialidad de la obra de Albéniz para este instrumento, al punto de llegar a mejorar las versiones para piano mediante impecables transcripciones. Andres Segovia y John Williams dan fe de esto.

74. <Personalidad> Gustav Mahler <Datos> Nació: en Bohemia, República Checa, el 7 de julio de 1860. Falleció: en Viena, Austria, el 18 de mayo de 1911. En síntesis: fue el mejor director de orquesta de su época y el compositor de las obras más importantes del posromanticismo. <Copete> Considerado uno de los mejores directores de orquesta y de ópera de su momento. Llego a dirigir la notable Ópera de la Corte de Viena durante diez años, el Metropolitan Opera House y también la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Fue autor de obras muy heterogéneas, introdujo en las mismas muchas melodías y danzas populares. Jugó de manera muy personal con los acordes y muchas de sus innovaciones terminaron generándole una gran hostilidad entre el público y la critica <Cuerpo> En 1860 la familia Mahler residía en Jihlava donde el padre había construido una exitosa destilería. En esa pequeña pero pujante ciudad comercial el pequeño Gustav se crió al son de melodías y danzas populares. A los cuatro años, comenzó a tocar el piano de sus abuelos ante lo cual su padre se abocó a incentivar sus dotes musicales. A los cinco inicio su educación musical formal, y a los diez hizo su primera presentación en público. Ante tales logros su padre dispuso que fuera al Conservatorio de Viena donde estudió con el famoso Julius Epstein, con quien logró grandes progresos como pianista. Durante el último año se dedicó a estudiar composición. Egresó en el año 1878 y se inscribió en la Universidad de Viena pero solo cursó durante un año, abandonando los estudios para dedicarse a dar clases de piano. De 1880 data su primera creación, una cantata dramática La canción del lamento, que sería su primera obra interesante desde el punto de vista compositivo. Un año después fue nombrado director en el Landestheater de Liubliana (Eslovenia). Era una compañía pequeña pero allí Mahler dirigió su primera ópera importante Il Trovatore de Verdi. Llegó a presentar más de cincuenta obras en esa ciudad. En 1883 se convirtió en el director coral y musical del Teatro Real de Kassel, pero él mismo diría que esta época, "no fue muy feliz". En 1886 comenzó a dirigir la prestigiosa Ópera de Leipzig. Allí desató una importante rivalidad con su compañero Arthur Nikisch con quien debía compartir la dirección de la nueva obra de Wagner, la tetralogía El anillo de Nibelungo. Finalmente Nikisch enfermó y Mahler se hizo cargo de toda la puesta en escena con gran éxito de público. También en Leipzig entabló amistad con Carl Von Weber, nieto del famoso compositor Carl María. Ambos decidieron presentar una obra inacabada de este último, Los tres

Pintos la cual se transformó en un acontecimiento importante en la vida del músico. La obra tuvo muy buena recepción y ayudó a que su perfil público creciera. Aunque su relación con la familia Weber terminó cuando se descubrió que mantenía una relación amorosa con la esposa de Carl. En 1888 fue nombrado director de la Ópera Nacional de Hungría. Cabe aclarar que a esta altura de su vida Mahler se caracterizaba por tener problemas en todos sus puestos y terminaba abandonándolos. Recién en 1889 tuvo lugar el estreno de su Primera Sinfonía, que fue destrozada por la crítica. En general se lo describe como un romántico tardío. Su obra puede clasificarse en tres periodos: el primero desde 1880 hasta 1901, que abarca sus cuatro primeras sinfonías y el ciclo de canciones; un segundo periodo hasta 1907, que incluye entre otros las Sinfonías Quinta, Sexta y Séptima, puramente instrumentales y la Octava Coral sinfónica; y por último las Sinfonías novena y décima, en las cuales la música dejó de ser descriptiva para hablar de la obsesión del autor con su propia muerte.

<Destacado> <Titulo> El carácter como destino <Cuerpo> Mahler era dictatorial, autoritario y soberbio. Tuvo posibilidades de dirigir las orquestas más importantes de su época y en todos lados tuvo problemas con los músicos, los cantantes, las autoridades de los teatros y sus compañeros de trabajo. Obtuvo éxitos resonantes pero nunca halló tranquilidad. Se dice que trataba peor a los músicos que un domador a sus animales. De hecho hizo muy pocos amigos, a esto se sumaba la facción antisemita de la sociedad vienesa que siempre se opuso a sus nombramientos.

75. <Personalidad> Claude Debussy <Datos> Nació: en Laye, Francia, el 22 de agosto de 1862. Falleció: en Paris, Francia, el 25 de marzo de1918. En síntesis: siempre renegó de que llamaran a su música “Impresionista”, pese a ser uno de los principales artífices de ese estilo. <Copete> Según Pierre Boulez, Debussy fue el verdadero precursor de la música contemporánea. Rompió con la forma clásica y romántica de su tiempo, creando un estilo musical nuevo y abierto a otras posibilidades. Su lenguaje musical, si bien se había originado en Wagner, encontró alternativas completamente distintas. Pero no fue en absoluto un iconoclasta. La tradición francesa, sobre todo el barroco, tiene una especial relevancia en su música, en especial en sus obras más tardías, como las Sonatas de Cámara. <Cuerpo> En casa de su querida tía y madrina, Clementina Debussy, recibió las primeras lecciones de piano entre 1870 y 1871. Luego su padre lo llevó ante sus primeros profesores, quienes lo prepararon para el ingreso en el Conservatorio de París, hecho que se concretó en octubre de 1872, cuando el futuro genio sólo tenía diez años. Durante tres años consecutivos obtuvo medallas de honor en Solfeo en esta institución. Con el piano en cambio tan solo obtuvo un segundo premio en el año 1877. En 1880 comenzó las clases de composición y en 1883 realizó su primer intento por ganar el codiciado Premio de Roma con la cantata Le gladiateur, con la que alcanzaría el segundo premio. Finalmente, al año siguiente, con la cantata L´enfant prodige ganó el primer premio, una beca con estancia de tres años en la Villa Médicis. Pero en Roma padeció varias enfermedades y tuvo muy poca actividad creativa. Su estancia en Villa Médicis no fue lo que esperaba y al año regresó a París. Allí se desempeñó como profesor de música de la aristócrata rusa Nadezhda von Meck, y comenzó a relacionarse con las obras de Tchaikovski, Rimski –Korsakov y Borodin. En 1888 asistió por primera vez al Festival de Bayreuth. Un año después en la Exposición Universal, descubrió los sonidos del gamelán, la orquesta tradicional javanesa y asistió a los dos conciertos de música rusa que dirigió Rimski-Kórsakov. En 1892, Debussy comenzó a elaborar los esbozos de algunas de sus grandes obras futuras: un cuarteto de cuerda, un preludio, interludio y paráfrasis para la Siesta de un fauno según la égloga de Mallarmé. Debussy atravesó períodos de problemas económicos y depresión, y otros de gran reconocimiento público. Pese a estos vaivenes nunca disminuyó el ritmo de su creación musical. Entre 1892 y 1894 compuso lo más representativo de sus obras para orquesta.

En 1893 estrenó el drama lírico Pélleas et Mélisande en cinco actos y doce cuadros que transcurre a través de historias fantásticas, cuentos de hadas y ambiente misterioso. La música fue calificada como “revolucionaria y radical”, las partes vocales se movían como un recitativo continuo a lo largo de la obra, sin llegar a conformar un aria o forma similar. Los temas que representaban los personajes no tenían nada que ver con los conocidos Leitmotiv wagnerianos En 1894 se estrenó en uno de los conciertos de la Société Nationale de Musique su Preludio para la siesta del Fauno con sus múltiples novedades: la peculiar orquestación, variados vientos y cuerdas y nada de percusión, con una estructura no tradicional, ya que está dividida en seis partes desiguales entre muchas otras diferencias. Debussy se apartaba definitivamente de la estética establecida, de cualquier obligación tonal, además de utilizar todos los recursos que se le ocurrieron para expresar el poema de Mellarmé. En 1905 se estrenó La Mer, una obra injustamente incomprendida en su momento. <Destacado> <Titulo > La Mer <Cuerpo> Es la obra que más distingue el personal estilo debussiano. Comenzó su composición en 1903 y la termino en 1905. Está formada por tres movimientos: De L´aube á midi sur la mer (Del alba al mediodía en el mar), Jeux de vagues (Juegos de olas), y Dialogue du vent et de la mer (Dialogo entre el viento y el mar). Sin ninguna duda es la obra por excelencia del estilo orquestal creado por Debussy y la que más representa la corriente que se dio en llamar “Impresionista” del autor.

76. <Personalidad> Richard Georg Strauss <Datos> Nació: en Múnich, Alemania, el 11 de junio de 1864. Falleció: en Garmish, Alemania, el 8 de septiembre de 1949. En síntesis: fue quien sentó la base fundamental sobre la cual se desarrolló la música del siglo XX <Copete> Le tocó vivir en un período de transición entre dos siglos. Escribió música desde los seis años hasta los ochenta. Fue, junto con Gustav Mahler, uno de los creadores del sonido de la moderna orquesta sinfónica del Siglo XX. Ha dejado una obra muy grande y una serie de grabaciones dirigiendo obras propias e incluso de otros autores, entre ellos, Mozart, Beethoven, Gluck, y Wagner. Incluso existen grabaciones que datan de los años '40 y hasta un programa de radio completo. <Cuerpo> Nació en el seno de una familia de la alta burguesía de Baviera, dedicada a la gran industria cervecera. Su padre, Franz, era solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich. Varios miembros de su familia eran músicos. De hecho, Richard recibió una educación musical formal muy completa desde niño. A los cuatro años su madre lo inició en el estudio de piano y a los siete comenzó a estudiar violín con su tío. Su primera obra la compuso con tan solo seis años, y en el año 1881estrenó la Sinfonía en re menor. En Berlín obtuvo un puesto como director asistente de Hans von Bülow, de quien Strauss aprendió el arte de la dirección. En 1888 el exitoso estreno del poema sinfónico Don Juan lo llevó a ser uno de los compositores más importantes de la época. Al año siguiente fue nombrado asistente del Festival de Bayreuth, y director del Teatro de la Ópera de Múnich donde dirigió obras de Mozart, Gluck y Wagner. En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna quien fue su inagotable fuente de inspiración y con ella se instaló en la Ópera de Múnich. Tres años después fue contratado por Guillermo II como director de la Orquesta Real de Prusia en Berlín. A partir del inicio del siglo XX, el músico se dedicó principalmente a la ópera. En 1905 estrenó Salome y en 1909 Electra. Strauss se relacionó con Arnold Schönberg a quien ayudó y apoyó profesionalmente en sus primeros años. Por ello, éste le guardó una enorme gratitud y respeto durante toda su vida. El artista nunca adhirió a las vanguardias de la época ni al atonalismo, más bien era considerado por sus contemporáneos un clásico viviente. Viajó con frecuencia para interpretar sus propias obras y en 1919 fue nombrado director de la Ópera Estatal de Viena. En 1920 emprendió una gira por Brasil y Argentina con la Filarmónica de Viena. En su obra pueden distinguirse varios períodos en los que fue influenciado por diversos compositores y que lo llevaron tempranamente a encontrar su estilo propio. En sus primeros trabajos se pueden ver las influencias de Schumann, Mendelsshon y Brahms. A los dieciocho años compuso el famoso Concierto para trompa Nº 1 opus 11 que es emblemático de este primer período. Pero en 1873 escucho por primera vez Lohengrin y Tannhäuser de Wagner, y la influencia en el estilo de Strauss fue muy profunda. Las

primeras obras en las cuales se encuentra su ya maduro estilo son las que comienzan en los primeros '80, como Don Juan, se aprecia en las composiciones de este período las que serán las características de su lenguaje musical: uso más libre de la armonía, facilidad para crear efectos sorprendentes e inesperados, reforzados por sus melodías con motivos cortos; y su admirable habilidad para la orquestación, que lo ha transformado en uno de los precursores del sonido característico de la orquesta sinfónica del siglo XX. <Destacado> <Titulo> Metamorphosen <Cuerpo> Es una composición que fue escrita después de la Segunda Guerra Mundial, a causa de la profunda impresión que recibió el compositor cuando se enteró que el Teatro Nacional de Múnich había sido destruido en uno de los tantos bombardeos que el ensañamiento aliado le dedicó a Alemania. Utiliza como motivo principal un pasaje característico de la Marcha Fúnebre de la Sinfonía Nº 3 de Beethoven. Se estrenó en 1946 por la Orquesta del Collegium Musicum de Zurich.

77. <Personalidad> Jean Sibelius <Datos> Nació: en Hämeenlinna, Finlandia, el 8 de diciembre de 1865. Falleció: en Jävenpää, Finlandia, el 20 de septiembre de 1957. En síntesis: fue el más grande músico finlandés de todos los tiempos, creador de un estilo sumamente particular para su época. <Copete> Su ciudad natal pertenecía por entonces al Gran Ducado de Finlandia, integrado al Imperio Ruso. A partir de la independencia de Finlandia, el cumpleaños del compositor fue celebrado como fiesta nacional. Se realizaban conciertos con la presencia de las máximas autoridades, se le hacían grandes regalos, se le ofrecían conciertos y se acercaban a la celebración los grandes músicos del mundo. La música de Sibelius fue adoptada por toda Finlandia y elevada al máximo nivel de la veneración popular. <Cuerpo> En su hogar la música era habitual. Su madre y su tía materna eran pianistas, y esta última fue su primera profesora. Su padre murió durante la epidemias de tifus de los inviernos de 1867 y 1968. Junto con su madre, María, y hermanos comenzaron a vivir entonces con el resto de los parientes maternos durante la época de frío, y con la familia paterna en tiempos de verano. Según sus biógrafos ,Sibelius ya de niño mostraba una poderosa imaginación relatando historias con bosques mágicos, hadas y demás ingredientes mitológicos. La música estaba muy presente también en ese hogar estival, en el que incluso había un pequeño piano en el que inició su educación musical. Esos veranos en Lovisa, en la casa de su abuela paterna, fueron siempre para el pequeño Jean un recuerdo de libertad, sol y felicidad. Él, como todos sus hermanos, sabía leer música, y con ellos comenzó a hacer música en su hogar. Los progresos del joven fueron rápidos, y aprendió fluidamente cuanto estaba a su alcance. La escuela no era algo que le interesara mucho, ya que toda su mente estaba enfocada en la música. A partir de los quince años su gran sueño fue ser un virtuoso del violín. En 1881 comenzó a escribir sus primeras obras importantes. En ese mismo año se encontró tocando como segundo violín en la orquesta de la escuela, lo cual nos habla de sus extraordinarios progresos. En tanto, en su hogar, junto con su hermana Linda en piano y su hermano Christian en cello, se dedicaban a la interpretación de música de cámara. En 1885 viajó a Helsinki donde se inscribió en la carrera de derecho y en la Academia de Música que hoy lleva su nombre. Su orientación en leyes quedó en el olvido, mientras su enorme talento musical asombraba en la Academia de música.

Durante el año 1887 Sibelius tuvo un período de inspiración muy importante, fruto del cual concibió obras como el Trío en Re mayor JS 209, Au crépuscul JS 47, Andante en Sol Mayor para violín y piano, entre otras obras de cámara. A fines de ese mismo año y comienzos del siguiente, el músico escribió la obra en la cual se refleja, además de su talento, su maravillosa personalidad. Se trata de la Suite para violín y piano en re menor. Una obra con la cual puso de relieve sus enormes dotes compositivas. Los críticos la definieron como “romántica, ensoñadora y virtuosísima, con un toque fantástico”. También en 1888 publicó su primera partitura e inició su ciclo de composiciones para voz. Estudió en Berlin y Viena hasta 1891, cuando comenzó a escribir su gran obra Kulervo. Sus obras forman un gran corpus cuyo núcleo son sus siete sinfonías. Sibelius es uno de los grandes símbolos culturales de Finlandia, tal vez el más grande y, como tal, ha legado una obra que abarca música de cámara, poemas sinfónicos, canciones, música incidental y sinfónica. Un arte sumamente personal, identitario y, lo más importante, extremadamente bello. <Destacado> <Título> Lemminkäinen Op 22 <Cuerpo Una de las figuras más destacadas del poema épico finlandes. Kalevala es un joven rubio de pelo ondulado que a través de su canto puede transformar la arena en perlas. El mismo héroe inspira la Suite del mismo nombre cuyo cuarto movimiento El cisne de Tuonela, es una de las obras musicales más importantes del siglo. En ella Sibelius manifestó todo su talento para la orquestación. Eligió el oboe para el canto del cisne, y las cuerdas para el movimiento entre las aguas.

78. <Personalidad> Eric Satie <Datos> Nació: en Honfleur, Francia, el 17 de mayo de 1866. Falleció: en París, Francia, el 1 de julio de 1925. En síntesis: uno de los grandes precursores del Teatro del Absurdo y del impresionismo en el campo musical. <Copete> La extravagancia fue el signo distintivo de Eric Satie, tanto en su obra como en su vida. Se dice que tenía un carácter insoportable, conductas transgresoras e ideas disparatadas, tal vez fríamente calculadas, más que espontáneas. Fue un gran militante de movimientos religiosos de los que se jactaba ser el único miembro. Inventó la “música de mobiliario”, compuesta "para no ser escuchada", lo que hoy es la música ambiental de los espacios públicos. Casi toda su obra se basó en el humor y la ironía. <Cuerpo> Vivió su infancia entre la baja Normandía y París. Cuando murió su madre residió durante una temporada con sus abuelos, y tomó allí sus primeras lecciones de música. De vuelta en Paris en 1879, intentó ser alumno del Conservatorio de París aunque los profesores no tardaron demasiado en declarar su falta de talento, cosa que volvió a ocurrirle dos años después. En 1887 comenzó su vida en Montmartre, donde se integró a la clientela artística del cabaret Le Chat Noir, y comenzó a publicar sus primeras composiciones, Gimnopedias, Las Ogives, entre otras. En ese mismo periodo conoció a Claude Debussy. En 1891 fue nombrado compositor oficial y maestro de capilla de la orden Rosacruz: Odre de la Rose-Croix Catholique du Temple et du Graal, que lideraba Joséphin Péladan. Se dice que Satie tuvo una relación amorosa con una sola mujer durante toda su vida. Ella era Suzannne Valadon, una pintora impresionista, madre de Maurice Utrillo. Todo comenzó en 1893, y aunque la relación duro tan solo seis meses, él se obsesionó con esta mujer, para quien compuso sus Danses Gothiques. Por ese tiempo también conoció al joven Maurice Ravel sobre quien ejerció una notable influencia. A fines de 1893 fundó la Eglise Métropolitaine dÀrt de Jésus Conducteur (Iglesia Metropolitana de Arte de Cristo el Guía), de la que era el único miembro con el cargo de Parcier et Maitre de Chapelle. Inició entonces la composición de una Grande Messe, conocida después como la Messe des Pauvres. Al mismo tiempo escribió panfletos y artículos haciendo ostensibles sus convicciones religiosas y artísticas. En 1897 ya no podía sostenerse económicamente en Montmatre, y se fue a vivir a Arcueil en las afueras de la capital francesa. Como tenía una fuerte aversión a los tranvías, recorría a pie los diez kilómetros que lo separaban de Paris. Durante ese año compuso las dos primeras series de Pièces Froids. A partir de 1899 comenzó a ganarse

la vida como pianista de cabaret. Para ello adaptó cientos de piezas para piano, a las que sumo obras propias: Je te veux, La Diva de Lèmpire, La Belle Excentrique, entre muchas otras. Obras de las que, como era de esperar, renegaría de manera terminante. En 1905 comenzó a estudiar contrapunto clásico en la Schola Cantorum donde completó cinco años de estudio. Algunos de sus ejercicios de contrapunto se publicaron después de su muerte. En 1912 conoció el éxito con sus breves piezas humorísticas para piano: Verdaderos preludios blandos -para un perro-, Oro viejo y viejas corazas, Descripciones automáticas, entre otras. También en esta época dejó de utilizar líneas divisorias entre los compases. Satie formó parte de todas las corrientes vanguardistas que se desarrollaron en París en los años siguientes. Y que la llevarían a convertirse en La Ciudad de las Luces, en la capital artística de la época. <Destacado> <Título> Su hogar en Arcuil <Cuerpo> Vivió allí durante veintisiete años seguidos. Hasta su muerte ningún amigo había entrado nunca a su habitación. Cuando los hicieron encontraron, entre polvo y telarañas, muchas composiciones de las que nadie había oído hablar. Entre ellas, Geneviève de Bravant, Nuevas Gnossiennes, Enfantines, y Música de amoblamientos. Además, cartas de amor de Susanne Valadon, una colección de más de cien paraguas, su hoy famosa colección de dibujos de edificios medievales y seis trajes de terciopelo en sus fundas.

79. <Personalidad> Enrique Granados <Datos> Nació: en Lérida, España, el 27 de julio de 1867. Falleció: en el Canal de la Mancha, el 24 de marzo 1916. En síntesis: creador de la escuela de Piano de Barcelona. Falleció en el naufragio del Sussex torpedeado por la armada alemana en la Primera Guerra Mundial. <Copete> Se lo considera un virtuoso del piano . Su obra abarcó todos los géneros, desde el solista hasta la música de cámara, la música lírica y orquestal. El éxito de la versión operística de Goyescas en el Opera House de Nueva York lo llevó a ser infinitamente conocido, a pesar que la crítica no lo ayudo y fue un rotundo fracaso comercial. Su temprana muerte, tratando de salvar a su esposa en el Canal de la Mancha, lo transformó casi en un mito entre los músicos. <Cuerpo> Hizo sus primeros acercamientos a la música con la ayuda de un compañero de su padre. Ante sus sorprendentes progresos, sus padres decidieron que iniciara formalmente los estudios de música. De esta manera ingresó en 1879 en la Escolania de la Mercé. Un asiduo visitante de la casa de la familia Granados era el pianista Joan Picó, quién consideraba al joven como un prodigio. Logró que su madre aceptara visitar al maestro Juan Bautista Pujol, que por aquel entonces era considerado un compositor brillante, que había estudiado en el Conservatorio de París y era el autor de un nuevo método para el estudio del piano. De esta manera, Granados comenzó a estudiar con Pujol en 1880. En 1883 ganó el concurso de la Academia para pianistas noveles. En 1884 empezó a estudiar armonía y composición con Felipe Pedrell. Esta influencia fue decisiva pero, debido a la muerte de su padre, comenzaron las penurias económicas para la familia Granados. El joven debió abandonar sus estudios con Pedrell y dedicarse a trabajar como pianista en algunos cafés de Barcelona. En 1886 comenzó a tocar cinco horas diarias en el Café de las Delicias, pero debido a sus escrúpulos artísticos perdió muy rápidamente este trabajo. Sin embargo, y a sabiendas de la necesidad de dinero del músico, el empresario catalán Eduardo Conde lo contrató como profesor de música para sus hijos, actividad por la cual le pagaba un importante salario mensual. No fue la única vez que este hombre generoso impulsó su carrera. Siempre con la ayuda de Conde decidió ir a París, aunque para aumentar sus ahorros y no depender exclusivamente del empresario, Granados comenzó a trabajar nuevamente en el Café Filipino, donde permaneció dos meses. En septiembre de 1887 se puso en marcha hacia la capital de Francia. Su deseo era ingresar al prestigioso Conservatorio lo que no pudo ser porque, apenas llegado, contrajo fiebre tifoidea. Cuando se recuperó ya había superado la edad máxima requerida. Debido a ello decidió estudiar piano de manera privada con el profesor del conservatorio Charles De Bériot. El 20 de Abril de 1890 Granados hizo su debut oficial

en el Teatre Liric de Barcelona, donde estrenó varias composiciones originales. Además, Granados interpretó obras de Saint-Saëns, Bizet, Mendelssohn, Chopin y Beethoven. El concierto fue un éxito. En 1891 Granados participó en la fundación de uno de los símbolos musicales más visibles de Barcelona, el coro Orfeo Catalá. En 1898 se estrenó en Madrid su primera obra escénica, la zarzuela María del Carmen, que fue un éxito notable. Pese a que por aquella época , éste era considerado un género menor. Fue un gran pedagogo en la Academia de música de Barcelona de la cual han salido los mejores exponentes de la región Se lo recuerda sobre todo por su obra como pianista, que ha logrado aunar su pasión por los románticos con la música nacional. <Destacado> <Titulo> Goyescas <Cuerpo> De su pasión por Goya nacen sus Goyescas,y Los majos enamorados. Se trata de siete escenas de impresiones musicales que ilustran el desarrolla de una pasión amorosa. Se estrenó en 1911 en el Palacio de la Música Catalana, y tuvo su gran triunfo en París, en la sala Pleyel en 1914. La recepción fue tan buena que se le otorgó al autor la Legión de Honor. Ante tamaño éxito La Opera de París encargó al autor un versión operística que se estrenó en el Metropolitan Opera House con increíbles resultados para la época.

80. <Personalidad> Serguéi Rajmáninov <Datos> Nació: en Semiónovo, Rusia, el 1 de abril de 1873. Falleció: en Beverly Hills, Estados Unidos de América, el 28 de marzo de 1943. En síntesis: fue uno de los más perfectos pianistas y compositores clásicos del que aún existen grabaciones. <Copete> Figura legendaria del Siglo XX, es considerado por muchos el mayor exponente de la época romántica. A esto hay que agregar sus inusuales condiciones para la técnica pianística. Sus manos abarcaban el intervalo 13 en el teclado, una hazaña inédita, pero también era poseedor de un oído agudísimo y absoluto, que lo hacía capaz de tocar composiciones enteras con solo escucharlas una vez. Es el creador de muchos de los conciertos más exquisitos para piano y orquesta que aún pueden escucharse en sus grabaciones rescatadas. <Cuerpo> Se inició en el camino musical a los seis años guiado por su madre. Cuando tenía nueve se mudaron a San Petersburgo, allí ingresó al Conservatorio, en el cual fue un alumno demasiado aplicado, al punto que lo expulsaron debido a su comportamiento. Aun así fue admitido un tiempo más tarde en el Conservatorio de Moscú. Vivió en la casa de su profesor, el gran Nikolai Zvérev. Éste a su vez conocía a Tchaicovski, quien ejerció gran influencia en la vida y obra de Rajmáninov. En un principio había decidido dedicarse a la composición pero su maestro estaba decidido a desarrollar sus grandes virtudes para el piano. Pero el joven discípulo, harto de la férrea disciplina, se fue de la casa del maestro en 1889, a los dieciséis años. A partir de entonces se dedicó a componer, y a establecer los primeros contactos para dedicarse a la dirección. En 1891 escribió el primer Concierto para piano y orquesta y la opera Aleko, que le sirvió para graduarse con honores en el Conservatorio de Moscú. Un año después también abandonó dicho establecimiento. En procura de su independencia económica publicó sus primeros trabajos y se resignó a dar clases de piano. Simultáneamente compuso sus primeros estudios para ese instrumento. A partir de 1895 se dedicó plenamente a la composición de su Primera Sinfonía. Ésta se estrenó en 1897 y constituyó un rotundo fracaso. Aunque en la entrelínea de la historia se dice que el director Aleksander Glazunov estaba borracho y la ejecución fue un desastre. Cualquiera fuera el motivo del fracaso, los críticos se ensañaron con la obra y Rajmáninov cayó en una depresión muy severa. El compositor no escribió nada por mucho tiempo, pensando dedicarse exclusivamente a la dirección. Fue nombrado

director de la Compañía de Ópera de Moscú, donde debuto con éxito. A partir de ese momento su fama se extendió por toda Europa, al punto que lo invitaron de la Sociedad Filarmónica de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras. Sin embargo en ese punto se encontró bloqueado mentalmente, con una total carencia de ideas. Lo que siguió fue una depresión que requirió de asistencia médica durante todo el resultados. Totalmente recuperado viajó a Italia y comenzó a bocetar lo que sería su Concierto para piano y orquesta nº2. En 1902 comenzó el gran esplendor de su carrera como pianista, compositor y director. Entre 1904 y 1906 dirigió el Teatro Bolshoi. En 1909 hizo su primera gira por los Estados Unidos, en la que prácticamente dio conciertos cada día durante los tres meses que duró. En 1919 se instaló en dicho país con toda su familia, donde permaneció hasta el fin de sus días. En 1940 escribió su última obra Danzas sinfónicas, y entre 1942 y 1943 realizó la que fue su última gira de conciertos. <Destacado> <Titulo> Concierto Nº3 para piano y orquesta en re menor. OP 30 <Cuerpo> Es una de las obras más exigentes para el intérprete, por sus requerimientos técnicos y musicales. Fue terminada en 1909 y la estrenó el mismo autor como solista en Nueva York, en aquella famosa primera gira. Lo escribió justamente para demostrar sus virtudes como pianista. Por esta razón la obra es considerada temible por muchos concertistas de piano. Una de las grabaciones más famosas, hoy accesible en la web, es la que realizó Martha Argerich con la Orquesta Sinfónica de Berlín.

81. <Personalidad> Arnold Schönberg <Datos> Nació: en Viena, Austria, el 13 de setiembre de 1874. Falleció: en Los Ángeles, Estados Unidos de América, el 13 de julio de 1951. En síntesis: uno de los precursores de la música atonal y creador de la técnica dodecafónica. Creador de la Segunda Escuela de Viena <Copete> Fue el maestro de algunos de los músicos más importantes del Siglo XX. Sin embargo, la ruptura del sistema tonal que su música representaba hizo que nunca llegara a ser del todo aceptada. Ni la crítica ni el público le fueron favorables. Tampoco Schönberg se consideraba a sí mismo un “revolucionario” dentro del arte musical, sino nada más que un eslabón de una larga cadena que se remontaba al primer Bach. Su dedicación a los grandes maestros de la tradición alemana hasta Mahler fue leal y constante. <Cuerpo> Se dice que a los nueve años ya era violinista y compositor autodidacta. Pero en 1889, tras la muerte de su padre, tuvo que comenzar a trabajar como aprendiz en un banco. Invertía gran parte de su dinero en concurrir a operas, sobre todo a las de Wagner; y asistía a cuanto concierto podía. En 1885 ingresó como violoncelista en una orquesta amateur dirigida por Alexander Von Zemlinsky, quien reconoció rápidamente el talento del joven, y lo adoptó como alumno de composición. Fue a través de él que Schönberg pudo ingresar al cerrado ambiente musical de Viena. En 1901 se mudó a Berlín donde comenzó a dictar clases de armonía en el Conservatorio Stern, por invitación de Richard Strauss. Pero esto duró sólo un año ya que regresó a Viena donde hizo amistad con Gustav Mahler. Luego fundó la sociedad de Compositores donde tuvo como discípulos a Antón Weberm y Alban Berg. En 1910 fue rechazada su solicitud para ser admitido en la Academia de Viena como profesor de composición musical. Del periodo anterior a la Primera Guerra, son sus dos primeros cuartetos para cuerda, la Primera Sinfonía de cámara y en 1911 el Tratado de armonía entre otras obras. Cuando terminó la primera guerra fundó en Viena la Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas. Allí se estrenaron obras de todos los buenos músicos de la época. En 1923 publicó el Método para la composición musical con doce sonidos. Durante 1925 estuvo a cargo de la Maestría en Composición de la Academia de las Artes de Prusia. Cátedra que debió abandonar con la llegada del nazismo en 1933. Emigró hacia los Estados Unidos, y permaneció en Boston y Nueva York hasta que comenzó a dar clases en la Universidad del Sur de California y en la de Los Ángeles. En 1940 le fue otorgada la nacionalidad americana. Además de componer varias obras como El

cuarteto de cuerda Nº 4 en 1936, un Concierto para piano en 1942, y Un superviviente en Varsovia . En 1944, se dedicó a perfeccionar sus teorías, para lo cual escribió cuatro libros teóricos: en 1943 Modelos para principiantes en composición,1954 Funciones estructurales de armonía,1963 Ejercicios preliminares de Contrapunto, y en 1967 Fundamentos de la composición musical. Otras obras de carácter religioso quedaron inconclusas a su muerte; entre ellas la cantata La escalera de Jacob, la ópera Moisés y Aarón y un ciclo de Salmos. Toda su vida musical fue una evolución desde el romanticismo tardío del Siglo XIX a la técnica dodecafónica. Sus primeras composiciones tuvieron notables influencias de las obras de Brahms hasta que la fuerte impronta de Richard Wagner se hizo muy ostensible en su obra. Es innegable que, a partir de 1930, su gran periodo expresionista, intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales del expresionismo de su primera época. <Destacado> <Título> Pierrot Lunaire OP 21 <Cuerpo> Tres veces siete poemas de Pierrot Lunaire es el título original de este ciclo de doce canciones basados en una serie de versos del poeta que le da nombre a la obra. Fue estrenada en Berlín el 16 de octubre de 1912. La solista interpreta los poemas en el estilo de voz hablada. Cuenta Antón Weberm que el público silbó y se rio, pero que al final fue un éxito sin precedentes. Sin duda es una obra original: los solistas son a la vez parte de la orquesta, y el rol masculino, lo interpreta una mujer.

82. <Personalidad> Maurice Ravel <Datos> Nació: en Ciboure, Francia, el 7 de marzo de 1875. Falleció: en París, Francia, el 28 de diciembre de 1937. En síntesis: fue un gran revolucionario. Tal vez haya sido el mejor maestro de orquestación de toda la historia de la música. <Copete> Se trató de uno de los mejores orquestadores de todos los tiempos y, definitivamente, el mejor del siglo XX hasta el momento. Pruebas de ello son el famoso Bolero y el arreglo de Cuadros de una exposición, de Musorgsky; estrenada en Boston en 1922. Pese a todo no fue un virtuoso del piano, su reconocida pereza no le permitió dedicarle al instrumento el tiempo de práctica necesario. Pero no lo necesitó para ser reconsiderado como un genio. <Cuerpo> Sus padres eran vascos, uno francés, la otra española. El pequeño Maurice comenzó sus estudios de piano a los seis años. Como era de esperar pronto se vislumbró su talento musical, pero también una pertinaz pereza. A punto tal que su padre le daba propinas para que dedicara un poco de su ocio a la práctica del piano. Todo esto lo reconocería él mismo en su autobiografía, en la que hace una mención muy particular de la influencia de sus padres, y la atracción personal por toda la música que sintió desde niño. En 1887 comenzó a estudiar armonía, contrapunto y orquestación. Dos años después ingresó al Conservatorio de París. Allí comenzó a demostrar un carácter musical independiente, lejos de todo lo establecido y ordenado. Esta fuerte personalidad en plena formación académica quedó demostrada en sus primeras obras, en las que también se vislumbraba un talento enorme, que no hizo más que crecer y evolucionar. Por ejemplo en Ballade de la reine norte d´aimer de 1894, Sérénade grotesque de 1894, Habanera para dos pianos 1895 y de 1899 la famosa Pavane pour une infante difunte. Así, en vísperas del siglo XX, Ravel comenzó a ser reconocido como un gran compositor. Entre 1900 y 1918 se inició su gran época. En 1891 se presentó para el consagrado Premio de Roma, pero su obra sufrió escandalosos rechazos. En 1901 obtuvo el segundo lugar. En 1902 y 1903 fue eliminado y en 1905 lo expulsaron por haber excedido por unos meses la edad máxima para concursar. Esto desató un escándalo y una gran polémica entre periodistas, en la cual Romain Rolland asumió su defensa. En 1901 con Jeux d´eau para piano confirmó su originalidad y comenzó a hacerse presente la búsqueda casi obsesiva de la perfección formal que fue el signo distintivo de esta etapa: Presentó en 1902 el Cuarteto

en Fa Mayor, en 1904 Melodías de Shérezade, en 1905 Introducción y allegro para arpa y conjunto, en 1908 Rapsodia Española y el maravilloso Gaspard de le nuit. En 1912 creó lo que llamó Sinfonía coreografía, Daphnis y Chloé, la obra de mayor despliegue escénico de Ravel. Cuando estalló la Primera Guerra, Ravel, con sangre vasca en cada una de sus células, no permaneció indiferente. Intentó enlistarse, pero no pudo hacerlo por no dar la talla, aun así logró ser aceptado como chofer de camiones y fue enviado al frente en Verdún. En 1917 murió su madre, hecho que nunca logró superar del todo. Ese mismo año escribió Le Tombeau de Couperin. La muerte de Claude Debussy lo inspiró para la escritura de Sonata para violín y Violoncello. A partir de 1918 comenzó a producir menos pero se amplió su intensidad creadora. Y así, en 1925, escribió El niño y los sortilegios, una fantasía lirica sobre un poema de Collette, que con el tiempo y la evolución del público se convertiría en una de las más preciadas joyas del repertorio lírico del siglo. Recién en 1927 Ravel fue por fin reconocido a nivel mundial. <Destacado> <Titulo> Boléro <Cuerpo> En 1927, la bailarina y coreógrafa Ida Rubinstein le encargó un ballet de carácter español. Ravel eligió una antigua danza de origen andaluz: el Bolero; y creo una obra maestra. Son quince minutos en los cuales se repiten dos líneas temáticas, en diversos timbres, y un ostinato en inmenso crescendo orquestal. Se estrenó el 22 de noviembre de 1928 en la ópera Garnier de Paris. Esta obra, que ha fascinado al público del mundo entero, es un bello ejemplo del talento de Ravel para la orquestación.

83. <Personalidad> Ralhp Vaughan Williams <Datos> Nació: en Costwold, Inglaterra, en 1872. Falleció en Londres, Inglaterra, en 1958. En síntesis: según los críticos fue el músico inglés más importante después de Henry Purcell. Su música representa la esencia de “lo inglés” <Copete> Lo más valorable en la obra de este compositor es el talento con que fusionó las enseñanzas de Marice Ravel en su música típicamente inglesa; y su gran trabajo de recopilación de la música popular inglesa, gracias a los cual fue reconocida y hoy puede ser estudiada. Es en cambio injusta la poca difusión que su obra merece en los repertorios de los grandes teatros del mundo. Lo que se ve paliado por el gran uso de su música que hace el cine inglés. <Cuerpo> Sobrino nieto de Charles Darwin por parte de madre. La música era muy importante para la familia. Su tía le dio las primeras lecciones de música antigua, y escribió su primera obra a los seis años. Se educó en el Trinity College de Cambridge donde estudió música e historia y más tarde en el Royal College of Music de Londres. Continuó luego su preparación con Marx Bruch en Berlín y en París con Maurice Ravel. En 1905 llegó a ser el primer director del Festival Leith Hill Musical y continúo en ese cargo hasta 1953. Escribió gran parte de su música vocal con la mira en este evento. Se dice que tenía un don especial para sacar lo mejor de los cantantes y llevar a un punto extremo la exigencia por la perfección. El trabajo por el que fue más recordado fue la dirección de La pasión según San Mateo, de Bach, por quien sentía una profunda admiración. En 1919 fue nombrado profesor en el Royal College y llegó a ser director del Bach Choir. Entre sus primeros trabajos se encuentran Las Avispas, música incidental para la obra de teatro de Aristófanes, y la Sinfonía del mar, escrita sobre textos de Walt Whitman. Pero aunque ninguna de estas obras lo llevó a la fama, demostraban ya la génesis de aquellas armonías que se convertirían en su impronta. También se advertía en ellas el gran interés que tenía para él, la música tradicional inglesa; género que con el tiempo se convertiría en una de sus pasiones. Si bien no constituyó un hito dentro de la historia de la música, Voughan Williams contaba con una gran ventaja sobre el resto de los músicos ingleses contemporáneos: había sido alumno de Ravel, el mejor orquestador de la historia. Y es innegable que fue un gran discípulo -porque fruto de estas enseñanzas-, ha logrado distinguirse con una sonoridad especial no común. Lo cual es muy notable tratándose en un músico ingles

que se fascinaba con la música tradicional. Es justamente “lo raveliano” lo que lo hace diferente a pesar de lo que sostengan los críticos ingleses. Su primera obra importante fue Fantasía sobre un tema de Tallis. Su pasión por la música popular fue muy intensa. A partir de 1903 había comenzado a recopilar 800 canciones y villancicos populares que anotaba y gracias a lo cual lograron sobrevivir. Al respecto también colaboró en anotar el famoso Libro de los villancicos de Oxford. Con todo esto, además de talento logró darle a su música un sello muy particular con constantes referencia al paisaje ingles y sus poblaciones. Escribió 9 sinfonías, que comenzó a enumerar recién en la octava y con posterioridad agregó la numeración a las anteriores. Además cinco óperas, tres ballets, música incidental para cine y teatro, varios ciclos de canciones y una profusa colección de música vocal sacra y coral. Tuvo una vida larga y provechosa. Esta enterrado en la catedral de Weinsmister muy cerca de la tumba de Henry Purcell. <Destacado> <Titulo> Fantasía Tallis <Cuerpo> Su nombre original es Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis. En ella se desarrolla un tema que pertenece a un compositor renacentista ingles, Thomas Tallis y desarrolla en una exploración de las distintas posibilidades melódicas. Un tema principal repetido por todas las orquestas que se desarrolla a partir del núcleo central, y una segunda melodía que aparece en la viola solista con el que se construye todo el clima sonoro de la obra. Es la música que se utilizó en la película Rowing. With The Wind (Remando al viento).

84. <Personalidad> Manuel de Falla <Datos> Nació: en Cádiz, España, 23 de noviembre de 1876 Falleció: en Córdoba, Argentina, 14 de noviembre de 1946 En síntesis: ha llevado a la música española a uno de los puntos más altos de su expresión, tanto en la música instrumental como en la música de escena. <Copete> Su primer amor fueron el periodismo y la literatura, a punto tal que participó de la fundación y dirección de dos revistas: El Burlón, y El Cascabel. De ese modo escribió importantes artículos como crítico musical. Su evolución lo llevó desde el nacionalismo folklorista, que incorporaba en melodías y danzas andaluzas y castellanas, hasta las complejas estructuras del Siglo de Oro español Sus obras figuran en todos los grandes repertorios del mundo. <Cuerpo> Aunque estudiaba música desde muy niño, recién a los 17 años comenzó a sentir claramente que su ocupación definitiva sería la música. Comenzó a viajar a Madrid para asistir al Real Conservatorio de Música y Declamación. También se perfeccionó en piano, y en junio de 1898 se graduó con honores en el Conservatorio. Al año siguiente terminó los estudios oficiales en la Escuela Nacional de Música. En esa ocasión obtuvo unanimidad el primer premio de piano y en ese mismo año estrenó sus primeras obras: Romanza para Violoncelo y Piano, Nocturno para Piano, Serenata Andaluza para violín y piano y el Cuarteto en Sol. El 12 de Abril de 1902 estrenó en el Teatro Cómico de Madrid, Los amores de Inés y ese mismo año conoció a Joaquín Turina. En 1904 La Vida breve recibió el primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y un año después obtuvo un premio de piano. A partir de 1907 residió en París donde se relacionó con Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Duker, Isaac Albéniz, Ricardo Viñes y Pablo Picasso. Estos contactos influyeron mucho en Manuel de Falla y fueron determinantes para el desarrollo de su creación musical. Al iniciarse la Primera Guerra Mundial se volvió a Madrid, donde realizó presentaciones en el Palacio de la Zarzuela. En 1915 Manuel de Falla y Joaquín Turina fueron homenajeados por el Ateneo de Madrid donde estrenaron las Siete canciones españolas. Ese mismo año en el Teatro Lara se produjo el estreno de la primera versión de El amor Brujo con dirección orquestal de José Moreno Ballesteros, padre de Federico Moreno Torroba, quien tocaba las partes de piano. Al año siguiente la Orquesta Sinfónica de Madrid tocó la primera versión de concierto del Amor Brujo.

En 1920 Falla se radicó en Granada. Su primera obra escrita íntegramente allí fue Homenaje pour le Tombeau de Claude Debussy para guitarra. Se vinculó estrechamente con Ignacio Zuloaga, Federico Garcia Lorca y Fernando de los Ríos, entre otros. Junto a ellos se propuso rescatar El canto primitivo andaluz para lo cual organizaron un gran concurso de Cante Jondo, que se realizó los días 13 y 14 de diciembre de 1924 en la Plaza de los Aljibes, de la Alhambra. A los cincuenta años fue nombrado “Hijo adoptivo de la ciudad de Sevilla” e “Hijo predilecto”, en su ciudad natal; Académico de número de la Real Academia de Bella Artes de Granada. En 1928 Francia lo nombra “Caballero de la Legión de Honor”. Por entonces ya era considerado uno de los músicos mas representativos de la música española. Después de la guerra civil marchó al exilio del que ya no regresó, por más que la dictadura franquista le ofreciera todos los perdones. El gran Manuel de Falla falleció en su casa de las sierras de Córdoba en Argentina . En su honor lleva su nombre el Conservatorio de Música de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. <Destacado> <Título> El sombrero de tres Picos <Cuerpo> Es un ballet basado en la novela homónima. Fue estrenado el 22 de julio de 1919, por la célebre compañía “Ballets Rusos” de Sergei Diágilev, en el Alhambra Theatre de Londres, con coreografía de Leónide Massine y decorados y figurines a cargo nada menos que Pablo Picasso. En esta obra se representan las aspiraciones reales de la Andalucía rural, y es considerada un hito en la historia de la danza.

85. <Personalidad> Nikolai Miaskosvki <Datos> Nació: en Novoguerorguiyevsk, Polonia, el 20 de Abril 1881 Falleció: en Moscú, Rusia, el 7 de agosto 1950 En síntesis: uno de los más grandes sinfonistas rusos, especialmente en el período soviético. Gran pedagogo del conservatorio de Moscú, muy admirado y querido por sus alumnos. <Copete> Es llamativo comprobar como toda las biografías y referencias de este gran músico tratan erróneamente de desvincularlo del régimen soviético. Adhería al régimen socialista que lo premió repetidas veces. Esto despertó la envidia de otros artistas, que lo denunciaron en el 30º aniversario de la Revolución, aduciendo que su música era demasiado oscura y pesimista, consiguiendo que a partir de 1948 abandonara su carrera y sus obras fuesen retiradas de las salas de conciertos de la URSS. <Cuerpo> Hijo y nieto de ingenieros militares, siendo muy niño se trasladó con toda su familia a Kazán. Tenía 9 años cuando murió su madre y, junto con sus hermanas, quedó a cargo de una tía paterna que era pianista y descubrió las aptitudes musicales del niño. A los once años inició una estricta formación militar que duró quince años, y paralelamente comenzó a componer. Uno de los primeros experiencias musicales que lo impresionó vivamente fue la audición de un dueto de pianos que interpretaban variaciones de Don Giovanni de Mozart. Cuando fue trasladado a Moscú comienzó a estudiar música y a alejarse paulatinamente de la vida militar. En 1906 renunció al ejército para ingresar al Conservatorio de San Petersburgo. Tenía entonces 25 años, y fue examinado por Rimsky-Korsakov, Lyádov y Glazunov. Comenzó a tomar clases con estos ya reputados maestros. En esos cursos conoció a quien sería su amigo para toda la vida: Serguei Prokofiev. Miaskovski se llevó muy bien con las normas del Conservatorio y muy descubrió la riquísima tradición musical rusa, a la que siempre abordó desde una perspectiva muy personal. Su primera sinfonía está datada en 1908. En las famosas “Tardes de la nueva música en San Petersburgo” se estrenaron sus 18 Romanzas Opus 4. En 1917 se pasó a las filas del Ejército Rojo. Y plasmo el horror que le había producido la guerra en dos de sus sinfonías, la 4º y la 5º. En 1921 fue contratado por el Conservatorio de Moscú para la Cátedra de Composición. Y fue entonces cuando se convirtió en una de las personalidades referenciales de la música soviéticos. Ya era muy admirado por sus alumnos y brindó su generoso apoyo a todos los compositores y

sociedad musicales que pudo. Por lo cual se gano el mote de “Conciencia Nacional Moscovita”. En 1923 escribió la 6ª Sinfonía, una obra monumental dedicada a su padre, quien había sido fusilado en la guerra civil, por traidor a la Revolución. La 6º Sinfonía refleja la tragedia del pueblo ruso durante la guerra. Durante los años treinta su música se volvió más simple y alegre, período que se inició con la Sinfonía nº 11. Trabajó sobre el “Realismo socialista” para lograr un punto en el que fueran compatibles el Régimen y su propia personalidad como compositor. Durante la Segunda Guerra Mundial se produjo su evacuación al Cáucaso junto con su amigo Prokofiev. Incansable, aprovechó este exilio no deseado para investigar la música folklórica de las ciudades vecinas. Y a partir de entonces regresó a los romanticismos clásicos con la gran influencia del folklore ruso. De 1944 data la Sinfonía nº 24 y El concierto para violoncelo y orquesta. En 1946 produjo su obra cumbre la Sinfonía nº 25. En 1926 fue nombrado “Artista de mérito de la República Soviética”. En 1941 recibió el “Premio Stalin”, en reconocimiento a la Sinfonía Nº 21 y en 1946 fue galardonado como “Artista del Pueblo Soviético”. <Destacado> <Titulo> Concierto para Violoncelo y orquesta en do menor OP 66 <Cuerpo> Le valió el “Premio de Estado de la Unión Soviética”. Fue dedicado al célebre violoncelista Sviatoslav Knushevitski. Es una obra que evita de manera rigurosa caer en el autocomplaciente virtuosismo y está formada por dos grandes movimientos: Lento ma non tropo y Allegro Vivace. Los temas del primer movimiento retornan en la última parte del final para dar una conclusión de serenidad y paz. Fue premiada en 1946 con el Premio del Estado de la Unión Soviética, lo cual despertó las fatales envidias del resto de sus colegas.

86. <Personalidad> Béla Bártok <Datos> Nació: en Nagyszentmiklos, Imperio Austrohúngaro, el 25 de marzo de 1881 Falleció: en Nueva York, Estados Unidos de América, el 26 de setiembre de 1945 En síntesis: fue uno de los fundadores de la etnomusicología. Además de compositor, pianista e investigador de la música folklórica de Europa Oriental. <Copete> El descubrimiento de que las antiguas melodías húngaras no se basaban en melodías zíngaras, sino en escalas pentatónicas al igual que la música asiática o la siberiana, es una de las tantas contribuciones que se debe a Bártok, quien escribió una gran cantidad de pequeñas obras para piano utilizando estas melodías de la música folklórica. En sus viajes transcribió cientos de obras folklóricas de toda Europa Oriental, exploró la música ancestral turca, y le quedó tiempo para componer, dar clases y luchar contra los nazis. <Cuerpo> Nació en la zona de confluencia de las culturas húngara, rumana y eslovaca. Su madre comenzó a enseñarle a tocar el piano a los 5 años, y a los 9 comenzó a componer. A los 11 años dio su primer concierto: el Allegro de la Sonata Waldstein de Beethoven y una de sus primeras composiciones El curso del Danubio. Luego la familia se trasladó a Presburgo, actual Bratislava, capital de Eslovaquia. Allí Lázlo Erkel le enseño armonía y piano. A los 17 años ingresó a la Academia de Música de Budapest, donde estudió piano con Istvan Thoman, y composición con János Koessler. Allí conoció a Zoltán Kodály con quien inició una recopilación de música folklórica húngara. En 1903 hubo de comenzar el Poema Sinfónico Kossuth, nombre del héroe de la revolución húngara de 1848 Lájos Kossuth. En 1905 profundizó sus conocimientos de música tradicional y las canciones folklóricas Magiares. Junto con su amigo Kodály comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumania para recopilar y anotar miles de melodías y canciones, buscaban preservar la memoria musical tradicional. Posteriormente hicieron el mismo trabajo con gran parte de pueblos de Europa Central y hasta Turquía. En 1905 viajó a París para asistir al Concurso Rubinstein. Entre 1904 y 1907 fue profesor de piano de la Real Academia de Música de Budapest. Escribió su famoso Concierto para cuerdas Nº1, y en 1911 su única ópera: Barba Azul. Con el comienzo de la guerra tuvo que abandonar sus viajes y se dedicó plenamente a la composición. Escribió dos Ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso, dos Sonatas para violín y piano y el Segundo cuarteto de cuerdas.

Entre 1927 y 28 compuso sus Cuartetos de cuerdas 3 y 4; este último considerado uno de los más importantes de la historia de la música. Para 1935 su carrera se había consolidado a tal punto tal que pudo por fin dejar de dar clases. Bártok no se comprometió jamás con el nazismo. Por el contrario, se opuso a la integración de Hungría a la esfera nazi. Cambio de editor cuando éste se afilio al Partido Nacional Socialista, y se negó a que sus obras fueran interpretadas en los conciertos nazis. Pidió que sus obras participaran en la exposición sobre la música llamada “Degenerada” en Düsseldorf. Con el inicio de la Segunda Mundial guerra su vida se complicó gravemente. Envió sus manuscritos fuera del país y, tras el fallecimiento de su madre se radico en Estados Unidos. Nunca se sintió cómodo allí, era reconocido como etno-musicólogo, pero no como compositor y pianista. Los conciertos eran escasos y la critica adversa. En 1943 le encargaron varias obras. Entre ellas la famosa Sonata para violín solo. Pero ese mismo año enfermó de Leucemia. Béla Bártok falleció en 1945. En 1963, a pedido de sus hijos, Béla y Pete, sus restos fueron trasladados a Budapest, donde recibió un funeral de Estado. Un honor merecido, que llegó demasiado tarde. <Destacado> <Titulo> Música para cuerda, percusión y celesta <Cuerpo> Esta obra, encargada por Paul Sacher para celebrar el aniversario de su Orquesta de cámara de Basilea, es una de las más conocidas del autor. Se estrenó el 7 de septiembre de 1936. La orquestación se compone de dos grupos de instrumentos de cuerda que se dan la réplica entre sí en lados opuestos del escenario y a la vez se enfrentan a un grupo central integrado por la celesta, arpa, timbales y percusión (xilófono, Caja, bombo, platillos y tam-tam) y un piano.

87. <Personalidad> Joaquin Turina Pérez <Datos> Nació: en Sevilla, España, el 9 de diciembre de 1882 Falleció: en Madrid, España, el 14 de enero de 1945 En síntesis: fue uno de los padres del sinfonismo español del Siglo XX, creado por Isaac Albéniz <Copete> Pianista, compositor, pedagogo, director de orquesta y crítico musical. Paralelamente se desempeñó como periodista y publicó notas en muchas revistas especializadas tanto españolas como francesas. Es autor también de la “Enciclopedia Abreviada de la Música”, que prologó Manuel de Falla, y de un “Tratado de Composición musical” que no llegó a terminar. Durante la Guerra Civil hubo de ser protegido por el Cónsul británico quien para salvarlo certificó que era personal administrativo de su Consulado. <Cuerpo> Turina cursó el bachillerato en el colegio San Ramón y allí tomó sus primeras clases de solfeo. En 1894 se inició en los estudios de armonía y contrapunto. Cuando tuvo un cierto dominio del piano creo lo que llamó “la Orquestina” que era en realidad un quinteto con piano. Sus actuaciones eran en fiestas y reuniones muy frecuentes. Para este grupo escribió sus primeras obras. Su presentación oficial frente el público fue en el año 1897, en la sala Piazza de Sevilla, cuando tenía 15 años; en el ámbito de un recital organizado por la “Sociedad de cuartetos”. En esa ocasión interpreto una compleja obra de Segismundo Thalberg, Fantasía sobre el Moisés de Rossini. Obtuvo un éxito importante. En 1898, en la misma sala, interpretó el Konzertstúk de Weber y la Rapsodia Húngara nº 11 de Franz Liszt, y repite el éxito de la primera presentación. Sin abandonar sus estudios de piano decidió dedicarse apasionadamente a la composición. Varias obras para piano y para conjuntos de cámara y otras de carácter religioso ya sea para voces, orquestas y teclado, entre ellas Coplas al señor de Pasión, su primera obra orquestal. En 1902 se trasladó a Madrid para completar sus estudios de composición. Allí conoció y trabó amistad con Manuel de Falla. El 13 de mayo de 1903 se presentó en el Salón del Ateneo. Preparó un programa con obras de Beethoven, Oswald, Schumann, Wagner y tres obras de su autoría: La danza de los Elfos, Variaciones sobre cantos populares y Gran Polaca. Y hace un bis con la Sonata nº 10 de Beethoven. Como siempre, el público estuvo de su parte. A pesar de sus éxito como solista no conseguía un maestro de composición. A tal fin decidió viajar a París donde comenzó a estudiar en la Schola Cantorum. En 1907 hizo

su primera presentación y una semana después la segunda donde puso en juego su primera obra orquestal importante el Quinteto en sol menor. Esta obra se incorporó rápidamente al repertorio de los más famosos conjuntos de cámara de Europa. Galardonado en San Petersburgo, durante su estancia en París conoció a Isaac Albéniz, quien lo instó a “fundamentar su arte en el canto popular andaluz”. En 1913 culminó su formación en la Schola y ese mismo año se estrenó en el Teatro Real de Madrid La procesión del Rocio. En 1914 se instaló definitivamente en Madrid. Ese mismo año apareció su comedia lírica Margot OP 11. Le siguieron Navidad OP 16 (1916), La adultera penitente OP 18 (1917), y Jardín de Oriente OP 25 (1923). Fue un trabajador infatigable y consecuente con sus búsquedas. Su producción para piano alcanzó la impresionante cifra de 60 obras. Realizó muchas tareas en el campo musical, incluso fue el director de la orquesta de Ballets Russes en su gira por España, También fue durante cuatro años Concertador del Teatro Real. En 1931 comenzó a dar clases desde la cátedra de composición en el Conservatorio de Madrid. <Destacado> <Titulo> Danzas Fantásticas OP 22 <Cuerpo> Es su obra más conocida. Fue escrita en principio para piano y con posterioridad realizó la versión orquestal, que fue la primera en estrenarse. Basada en la novela La Orgía de José Mas. Se presentó el 13 de febrero de 1920 en Madrid, interpretada por la orquesta Filarmónica de dicha ciudad, bajo la dirección de Bartolomé Pérez Casa. Está compuesta de tres movimientos; 1- Exaltación; 2- Ensueño; 3- Orgia. La versión para piano solo la interpretó el mismo autor en la Sociedad Filarmónica de Málaga.

88. <Personalidad> Ígor Stravinski <Datos> Nació: en Oraniembaum, Rusia, el 17 de junio, 1882 Falleció: en Nueva York, Estados Unidos de América, el 6 de abril de 1971 En síntesis: gran compositor de música para ballets y. reconocido pianista y director de orquesta. <Copete> Sus casi noventa años de vida le permitieron conocer gran variedad de corrientes musicales y pasar por varios estilos, pero es conocido sobre todo por sus obras que se corresponden como “El período ruso”. Estos son los ballets: El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera. Si bien entre sus obras hay óperas, sinfonías, obras para piano y hasta conjuntos de Jazz. Fue un gran lector y un muy eficaz investigador de las artes en general. Fue un .músico de gran influencia en la música del siglo XX. <Cuerpo> Su padre Fiodor era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Marinski. Pero Ïgor no comenzó a estudiar música desde niño. Sino que recién a los veinte años se convirtió en alumno de Rimski-Korsakov, durante 1920. Una de sus obras de estudiante, Fuegos de Artificio llamó mucho la atención del legendario Serguéi Diaghilev, y por esa razón le encargó al joven músico varias orquestaciones y luego el que sería el famosísimo ballet El Pájaro de fuego. El músico dejó Rusia por primera vez para asistir al estreno de su ballet en Paris, a cargo de la compañía Ballets Russes. Estando allí escribió dos obras más para esta compañía, Petrushka y La Consagración de la primavera. De esta forma se convirtió en el compositor principal de esta compañía. Además colaboró con Pablo Picasso en Pulcinello en 1920; Jean Cocteau en Oedipus Rex, en 1927 y con George Balanchine en Apollon musagette en 1928. Se caso muy joven en 1906 con Katrina Nossenko, matrimonio que duró 33 años. Sin embargo ella no fue el amor de su vida. Ese sitial estaría reservado para Vera de Bosset, aunque el compositor optó por llevar una doble vida que se prolongó hasta 1939, cuando su esposa Katrina falleció. Stravinski poseía un sentido comercial innato y siempre supo sacar buen provecho de sus mecenas y atraer encargos de obras para ocasiones especiales, que siempre fueron bien pagadas. En 1939 se radicó en Estados Unidos y conoció a Robert Craft, director de orquesta y musicólogo, quien vivió con Stravinski hasta su muerte, ejerciendo las funciones de intérprete, cronista, director auxiliar y una infinidad de tareas musicales y sociales.

Su obra puede dividirse en tres períodos: Ruso; Neoclásico y Dodecafónico. Son las del periodo Ruso las más recordadas. Se inició con los ballets para Diaghilev, compuestos para grandes orquestas. Los temas y motivos fundamentales se basaron en el folklore ruso, con la innegable influencia de Rimsky-Korsakov. En el período siguiente la vuelta a Mozart y Bach es ostensible. Se trata de obras compuestas entre 1920 y 1950, en las que se volcó a los instrumentos de viento, pianos, coros y trabajos de cámara. Dicho período comenzó con la Sinfonía de instrumentos de viento en 1923 y la Sinfonía de los Salmos en 1930. Ambas obras son consideradas las creaciones más puras para este tipo de instrumentos. Sin embargo siempre se señaló como la obra más importante de este periodo a la ópera, escrita por W. H. Auden The Rake’s Progress, de 1951, en la que puso de manifiesto todo lo que había perfeccionado en los anteriores veinte años. El período Dodecafónico le llevó quince años. Comenzó con pequeñas obras cantatas, como Tres canciones a Shakespeare de 1953, a través de las cuales profundizó en el uso de esta técnica. La obra más importante del periodo fue el ballet Agon, definida por el propio autor como “una obra para bailarines”. <Destacado> <Titulo> Primavera Sagrada <Cuerpo> Se estrenó con el título Le sacre du printemps (La consagración de la primavera), pero en la partitura Stravinski tituló: Primavera Sagrada – Imágenes de la Rusia pagana. Se estrenó en el Théâtre Des Champas Elysees, el 29 de maro de 1913, con coreografía del gran Vaslav Nijinski para los Ballet Russes. Fue una obra revolucionaria por sus grandes innovaciones. El escándalo que acompaño su estreno en la París de los años '20, dejó en claro que no se dieron cuenta que estaban presenciando un hito en la historia de la música.

89. <Personalidad> Anton von Webern <Datos> Nació: en Viena, Austria, el 3 de diciembre 1883 Falleció: en Salzburgo, Austria, el 15 de septiembre 1945 En síntesis: es uno de los referentes del dodecafonismo y un precursor de lo que se llamó “Serialismo”. <Copete> Miembro de lo que se conoce como “Segunda Escuela de Viena”, Webern aportó innovaciones decisivas con respecto a la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica, con lo determinó el rumbo del desarrollo posterior de la música. Por varios años escribió en lo que se llamó “atonalidad libre”. La utilizó por primera vez en 1924 y en todas sus obras posteriores utilizó el mismo estilo. Unos años después escribió su primera obra orquestal utilizando la técnica serial. <Cuerpo> Anton Friedrich Wilhelm von Webern ingresó a la Universidad de Viena en 1902, donde estudio musicología con Guido Adler, ya que era un apasionado por la música antigua. Por esos años, presentó una tesis sobre los Choralis Constantinus de Heinrich Isaac. Este interés influyó mucho en su música posterior. Estudió composición con Arnold Schönberg y al graduarse escribió su Op.1 Passacaglia. Conoció a otro alumno de Schönberg, Alban Berg. Maestro y compañero fueron los grandes amigos que marcaron su camino posterior en su técnica compositiva musical. Fue director musical en varios teatros; Ischl, Teplitz, Danzig, Stettin y Praga. Cuando regresó a Viena comenzó a participar en la Sociedad para Ejecuciones Musicales Privadas, que dirigía Arnold Schönberg y comenzó a dirigir la Orquesta sinfónica de Trabajadores de Viena entre 1922 hasta 1934. En 1938 el partido Nazi riunfó en Viena y, como era de esperar, Webern comenzó a tener problemas. Fue denunciado como practicante del “bolchevismo cultural”, y a partir de entonces tuvo muchos problemas para trabajar, debiendo resignarse a dedicarse a las tareas de edición y corrección en la misma editorial que editaba su música, Universal Edition. Finalmente se fue de Viena pensando que iba a estar más seguro fuera de ella y se radicó en Mittersill en Salzburgo en 1945. Allí sufrió una jugada fatal del destino, que privó al mundo de un músico inigualable en el apogeo de su madurez. Durante la ocupación aliada de Austria un soldado americano ebrio le disparó hiriéndolo mortalmente. Weber no fue un compositor prolífico, pero su influencia en la composición musical posterior de posguerra, fue inmensa en compositores como Pierre Boulez y Karlhrinz Stockhausen. Su obra fue cambiando a través del tiempo. Las primeras eran de un estilo postromántico y nunca las publicó mientras vivió. Pero tuvo características muy claras:

texturas despojadas en las que cada nota se escucha claramente, ya que fue muy cuidadoso de los timbres. En sus obras Webern se cuidó de dar instrucciones muy detalladas para los ejecutantes Los especialistas afirman que Webern construyó las series dodecafónicas de forma muy rigurosa, respetando siempre la formación hexacordal creada por su maestro. Schönberg. También empleó series rítmicas, aunque no de doce tonos, sino de cuatro. Otra característica que se encuentra en la música de Webern es su técnica de dar cada dos, tres, o cuatro notas, de una simple línea melódica a instrumentos distintos. Esto también había sido creado por Schönberg, quien lo llamo: “melodía de timbres”. En sus últimas obras apareció un nuevo desarrollo, una nueva variación de su estilo. Esta innovación apareció en las dos últimas Cantatas op 29 y 31, y las Variaciones Op. 30, en las cuales uso grupos instrumentales más grandes, las obras son más largas y con texturas más densas. <Destacado> <Titulo> Ofrenda a Bach <Cuerpo> El gran aporte de Webern a la música fue la ampliación de la serializacion dodecafónica a la serializacion rítmica, dinámica y tonal. Este desarrollo fue importantísimo en la generación de músicos de la postguerra. Se considera especialmente llamativo el empleo de colores tonales fluctuantes, especialmente en la orquestación que realizó en el año 1932 en el ricercare de la Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach  

90. <Personalidad> Alban Berg <Datos> Nació: en Viena, Austria, el 9 de febrero de 1885 Falleció: en la misma ciudad, el 24 de diciembre de 1935 En síntesis: escribió obras vinculadas a la estética expresionista con una vocación marcadamente dramática. <Copete> Alumno de Schönberg y miembro también de la Segunda Escuela de Viena. Su particularidad fue que siempre guarda ecos de la tonalidad, las influencia románticas y un dramatismo extremo. También es destacable que siempre uso el dodecafonismo de manera muy libre sin ajustarse demasiado a las rígidas reglas de su maestro. mezclándolo con formas y técnica musicales de los siglos XVII, XVIII y XIX. Por ello es uno de los más influyentes compositores de óperas del siglo XX. <Cuerpo> Alban Berg fue hijo de un importante comerciante y exportador procedente de Nüremberg. Su madre era hija de un joyero del imperio. Su familia, de formación católica, vivió muy confortablemente hasta la muerte de su padre. En un principio Berg tenía más interés por la literatura que por la música y recién comenzó a componer a los quince años, con la educación musical tradicional. Su hermana era una excelente pianista y lo ayudó en la comprensión de la música francesa contemporánea, sobre todo la de Claude Debussy y Maurice Ravel. En 1904 conoció a Schönberg, con quien comenzó a estudiar. El hecho de recibir una importante herencia, en 1906, le permitió vivir holgadamente y dedicarse a la música. En 1907 estrenó públicamente una fuga para cuarteto de cuerdas y piano. En estas primeras obras estaba aún influenciado por el romanticismo y el posromanticismo alemán y también por el impresionismo francés, sobre todo la música de Debussy. En 1910 terminó sus estudios con Schönberg. Su obra de graduación fue la Sonata para piano OP 1. A partir de sus Cuatro Lieder OP 2 y el Cuarteto de cuerdas OP 3, Berg inició su experimentación con la música atonal. En 1912 comenzó a componer música para unos textos de Peter Altenberg, un poeta que escribía obras breves que anotaba en postales para regalar a sus amigos. El estreno de los Altenberg Lieder OP 4 se preparó como un concierto dedicado exclusivamente a obras de loa alumnos de Schönberg. Sin embargo la pieza provoco desconcierto y rechazo, sobre por la discreción en el uso de la enorme orquesta sinfónica. El estreno culminó con un escándalo que llevó a la interrupción del concierto. Estas obras recién volvieron a presentarse en el año 1952.

En 1921 Berg terminó la composición de su ópera Wozzeck, basada en una obra teatral de Brüchner. Al año siguiente, con la ayuda de su amigo Alma Mahler, publicó la partitura de su versión para piano. Pero los teatros se negaban a aceptar su obra. Por consejo del director Hermann Scherchen, Berg escribió una suite sinfónica para despertar el interés del público y los empresarios. Así publicó en 1924 Tres escenas de Wozzeck para soprano y orquesta. Esta obra fue muy bien recibida, y el 14 de diciembre de 1924 se produjo el estreno de la opera completa, en la Opera estatal de Berlín. Fue la consagración internacional de Berg, que lo llevo a viajar más de 25 veces para supervisar el estreno de la ópera en los grandes teatros del mundo, brindando al mismo tiempo una larga serie de conferencias. En 1930 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes de Prusia. Con la llegada del nazismo y la anexión de Austria su vida se complicó. Todas sus obras fueron prohibidas. En 1934, seguía componiendo lo que sería su segunda opera Lulú, y una suite de la ópera. Pero en la Nochebuena de 1935 falleció, víctima de una septicemia debida a la picadura de una abeja. <Destacado> <Titulo> Lulú <Cuerpo> En 1928 Berg comenzó la adaptación de dos obras del escritor Frank Wedekind: La caja de Pandora y El espíritu de la tierra. Estas fueron bases de su ópera Lulú, pero murió sin haber terminado la orquestación del tercer acto. Su viuda ofreció a Schönberg que lo concluyera, pero este no aceptó y la mujer no quiso que lo hiciera otro. Hubo que esperar la muerte del Maestro para que el austriaco Friedrich Cerha asumiera la tarea. Se estrenó en el teatro de Ópera de Zurich, el 2 de junio de 1937.

91. <Personalidad> Heitor Villa-Lobos <Datos> Nació: en Rio de Janeiro, Brasil, el 5 de marzo de 1887 Falleció: en la misma ciudad, el 17 de noviembre de 1950 En síntesis: una figura esencial de la música brasileña, que hasta ahora no se ha sido igualada. <Copete> Su estilo musical nunca se ató a ninguna academia, “mi música es natural como el agua de una cascada”, decía. Su originalidad fue tal que bastan un par de compases para reconocer a Brasil en sus notas, y sin embargo siempres se basó en la recreación de de melodías y ritmos floklóricos. El trabajo realizado sobre la forma popular de los Choros es un legado inconmensurable para la historia de la música. Fue innovador y libre de convenciones tanto en lo formal como en lo armónico. <Cuerpo> Su padre, funcionario de la Biblioteca Nacional y músico aficionado, lo inicio en el mundo de la música a los seis años, cuando le enseñó a tocar clarinete y cello. Al tiempo que lo introdujo en el mundo de la percepción musical le enseñó a reconocer género, carácter, estilo, modo, fuente, etc. También en esta época una tía suya, pianista, lo condujo hacia la música de Bach, El clave bien temperado fascino al jovencito, y fue la base que lo llevaría en su madurez a escribir las Nueve Bachianas Brasileiras. Junto a su familia, vivió en diversos lugares, pero fue en Rio de Janeiro donde inició su educación musical formal y al mismo tiempo comenzó a tener contacto con la música popular, que lo atrajó de manera notable, en especial los Choros. Este interés lo llevó a estudiar guitarra a escondidas de sus padres, ya que en su casa la música popular no estaba bien vista, sino que se la consideraba marginal. En 1909 Villa-lobos viajó por el interior de Brasil: Spirito Santo y Bahía, Pernambuco, y pasó temporadas en el interior buscando la música del folklore local. En 1911 y 1912 formó parte de una gran gira por los estados del norte y nordeste, viaje que dejó una impronta muy importante en su música posterior. 1915 marcó un hito en la carrera del músico, ya que se inició lo que se puede llamar su carrera oficial como compositor, con una serie de conciertos en Rio de Janeiro En 1918 se estableció durante dos años en Paranagua. Allí tocaba el violonchelo para la gente de la alta sociedad y la guitarra para los más jóvenes. En 1919 conoció a Arthur Rubinstein, posteriormente viajó a Europa y en el año 1923, debido a su propio mérito, el gobierno de su país le otorgó una beca para seguir perfeccionándose en Paris

En 1930 retornó a Rio y fue nombrado Director de educación musical. Siempre preocupado por la formación musical de los jóvenes, diseñó un sistema completo de instrucción musical para generaciones de brasileños, basado en la rica música popular de Brasil y compuso muchas obras para este plan, en especial música coral para enormes coros de niños. La gigantesca obra de Heitor Villa-lobos está compuesto de 2000 composiciones en todos los géneros, y para todas las formaciones instrumentales imaginables. En las Bachianas Brasileiras se propuso sintetizar el contrapunto de Bach con las melodías populares de su patria. Entre 1932 y 1944 escribió estas obras de difícil ejecución para todo tipo de conjuntos musicales: las hay para 8 violonchelos, orquesta de cámara, para voz y 8 violonchelos, para piano etc. Pero además; escribió 18 conciertos, entre ellos el famoso concierto para guitarra, o el concierto para armónica de 1954; 12 sinfonías; muchísimas obras orquestales, que incluyen varios ballets entre ellos Mandú- Carara ballet para niños, coro de niños, coro mixto y orquesta. <Destacado> <Título> Choro <Cuerpo> Tiene un ritmo alegre y agitado, que exige virtuosismo de sus intérpretes tanto en su versión popular como en las obras del autor que necesitan tener técnica y dominio de sus instrumentos. Es el género primigenio, la música popular de Brasil, con más de 130 años de evolución; y en la obra de Villa-lobos alcanzó su máxima expresión ya fuera en sus piezas para guitarra solista; coro masculino, instrumentos de viento, gran orquesta, dos pianos o dos orquestas.

92. <Personalidad> Arthur Honneger <Datos> Nació: en Le Havre, Francia, el 10 de marzo de 1892 Falleció: en París, Francia, 27 de noviembre de 1955 En síntesis: es una de las personalidades más ricas y complejas de principios del siglo XX en Paris y su música es el fiel reflejo de las vivencias de ese mundo. <Copete> De gran fama durante los años '20, en la década siguiente se produce una inflexión en su pensamiento, “es desalentador para un músico -afirmaba- estar convencido de que su trabajo no va a ser escuchado y entendido como él la diseña y trata de expresar”. A partir de entonces el escepticismo se convirtió en una característica que la Segunda Guerra contribuyó a acentuar. Participante del Frente Nacional Francés, fue separado por haber participado del Festival Mozart, en Viena, durante 1941 <Cuerpo> De origen suizo y protestante; su madre era pianista, por lo que la música no fue ajena a su hogar. Si bien no fue un niño prodigio comenzó a estudiar música desde joven, específicamente violín. Durante estos primeros años juveniles Bach y Beethoven fueron sus máximos ídolos. En 1907 se matriculó en el Conservatorio de Zurich, y es allí donde tomó contacto real con la música contemporánea, incluyendo a Richard Strauss y Max Berger. En 1911, a la edad de 19 años, se matriculó en el Conservatorio de París. En esa época la Ciudad-Luz era un hervidero cultural y sobre todo musical, era el auge de los Ballets Russes de Diaghilev, y era la época de plenitud de Fauré, Debussy, Ravel, Dukas y Russel. En el conservatorio estudió violín con Lucien Capeto. Gógalde lo instruyó en contrapunto, y orquestación con Vincent D´Indy. Se graduó en 1918 habiendo compuesto ya las melodías de su música de cámara y también su primer poema sinfónico: el Cantar de los Nigamon que fue su primera gran obra orquestal. Por esta época conoció a los grandes que habitaban París: Apollinaire, Max Jacob, Pablo Picasso y Erik Satie. Y sus obras se incluyen durante los conciertos de “la nueva juventud”, que había creado Satie. En 1918 recibió un encargo para escribir el Ballet El cuento de los juegos mundiales, sobre un poema de Paul Méral. En realidad se trató de un ballet-pantomima que se estrenó el 2 de diciembre de 1918 en Vieux-Colombier. El escándalo que provocó lo brindó al compositor un breve lapso de fama. En 1920 nació lo que se conoció como el “Grupo de los seis” con el fin de promover la música de los jóvenes compositores. A ellos se sumó Jean Cocteau, quien a modo de manifiesto escribió Le coq et L´arlequin. Pero lejos estuvieron de acordar una estética

común, lo definieron como un grupo de amigos disfrutando de sus propias creaciones. Honneger, que amaba sobre todo la música de cámara y la sinfonía, concedió gran importancia a la arquitectura musical que nunca sacrificaría en aras de una obra literaria. De este período son la original y austera Horace Victorius, que originalmente había sido diseñada como un ballet; y El Rey David, en 1921 que se convirtió en un gran éxito. Se trató de una puesta que contaba la vida del rey David en 20 cuadros. Inicialmente orquestada para coro mixto y pequeña orquesta, y luego reorquestada para un gran conjunto. En 1924 estrenó una versión de Antígona en una adaptación de Cocteau con música incidental. Se trataba de una obra revolucionaria en cuya composición demoró tres años. Horas, semanas y meses de trabajo condensados en sólo 45 minutos de escena. Si bien no tuvo malas críticas, no fue bien recibida por un público, que probablemente no estuviera preparado para tanto hermetismo. Pero, en líneas generales, durante los años '20 Honneger era un músico famoso y renombrado. <Destacado> <Titulo> Jeanne d´Arc au bûcher <Cuerpo> Juana de Arco en la hoguera está datada en 1935. Se trata de un oratorio dramático en once escenas, con agregados de partes solistas, habladas y actuadas, sobre un libreto de Paul Claudel. Fue un encargo original de Ida Rubinstein y se estreno en Basilea en el año 1938, con la dirección de Paul Sacher, la propia Ida Rubinstein en el papel de Juana y los Niños cantores de Basilea en la parte coral. En 1939, se estreno en Orleans ante un público hostil. La primera versión escénica se realizó en 1942 en Zurich y en 1949 en el Teatro Colón de Buenos Aires.

93. <Personalidad> Carl Orff <Datos> Nació: en Munich, Alemania, en 10 de julio de 1895. Falleció: en la misma ciudad, el 29 de mayo de 1982. En síntesis: alguna vez un crítico lo definió como “un dramaturgo musical innato”. Ciertamente su territorio natural era el escenario. <Copete> Si bien era hijo y nieto de militares y académicos Carl Orff nació y vivo entre músicos. Aún hoy carga con el estigma de que su obra fue grata a los nazis y el mismo admitió su simpatía hacia el movimiento nacional socialista. Pero ello no inhibe su genialidad. De ninguna manera se puede pensar que Carl Orff pudiera aprobar el exterminio de gitanos y judíos. Cuando niño su mayor disfrute era el estudio concienzudo de los grandes compositores y la pureza de ese infante vibra aún en cada nota de su obra. <Cuerpo> Descendiente de una familia originaria de Baviera, a los 5 años comenzó con el estudio del piano, órgano y cello. “Hacer música era su forma natural de jugar”, anotan sus biógrafos. Sin embargo, no tardó en mostrarse más interesado en la composición que en el virtuosismo en un instrumento. Por esta razón desde muy niño escribió obras que ponía en escena en un teatro de títeres ante el auditorio familiar, y componía música para piano, violín o citara a fin de acompañarlas. A los 10 años publicó un cuento para niños. A los 16 años comenzó a publicar parte de su música inspirada en la poesía alemana. En 1911-1912 estrenó Zaratustra OP 14, basado en la obras de Nietzsche, para barítono, tres coros y orquesta. Luego comienzó a utilizar una variedad mas colorida en la combinación de los instrumentos que utilizaba para la orquestación. Hasta 1914 estudió en la Academia de música de Munich. En 1920 comenzó a formular un concepto que llamo Elementare musik (música elemental), que estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas, involucrando la música, la danza, la poesía, y el gesto teatral. Como muchos músicos de la época, Carl Orff fue influenciado de manera muy fuerte por Igor Stravinsky, definiendo aún más su gusto por los ritos folklóricos. Así comenzó una etapa en la cual, se dedicó a adaptar sus obras más tempranas para adaptarlas a la representación actual de la época, incluyendo entre estas el famoso Orfeo de Monteverdi. Orpheus, fue la versión alemana de la obra, que se estreno en Mannheim. Pero la búsqueda de Orff era un idioma que pudiese revelar el poder elemental de la música, permitiendo experimentarla como una fuerza primitiva y abrumadora. Así, cuando encontró los textos de Carmina Burana descubrió que las poesías de los

goliardos se burlaban del clero, cantaban al amor y al vino. Inspirado en esos antiguos textos encontró lo que consideraba “su propia musicalidad fundamental”. Así escribió la trilogía que denominó Trionfi, de las cuales Carmina era la primera parte, todas basadas en textos latinos, las otras dos Catulli Cármina y Trionfo di Afrodita. Orff consideró esta obra como el inicio de su carrera y ordenó a su editor destruir toda su obra anterior, orden que no se cumplió. Pero llegaron los nazis y la música de Orff pronto se extendió en el ambiente cultural del nazismo. Y fue Orff uno de los pocos compositores que respondieron a la convocatoria oficial para componer música incidental para Sueño de una noche de verano, una vez que la original de Félix Mendelshonn fue prohibida. De esos años son sus obras Der mond (La Luna), 1939 y Die Kluge (La astuta) de 1943. A partir de 1949 sus obras estuvieron basadas en temas clásicos Antigonae, de 1949 Oedypus de Tyrann de 1958, Prometheus Desmontes de 1967. No son óperas en sentido estricto, y su montaje es costosísimo. <Destacado> <Titulo> El ritmo de Carmina Burana <Cuerpo> Carmina Burana es una cantata escénica compuesta entre 1935 y 1936. Eligió veinticinco canciones, y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en el escenario: Introducción, Tres Partes y un Final. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en Fráncfort del Meno. Orff la subtítulo: Canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas (en latín en el original). Compuesta para orquesta y coros, incluso de niños, solistas, soprano, barítono y bajo.

94. <Personalidad> George Gershwin <Datos> Nació: en Brooklyn, Estados Unidos de América, el 26 de setiembre de 1898 Falleció: en Beverly Hills, Estados Unidos de América, el 11 de julio de 1937 En síntesis: enalteció la riqueza de la música de la comunidad negra de los Estados Unidos, llevándola a una de las cumbres del arte lírico. <Copete> Que Gershwin haya fallecido con tan solo 39 años fue una injusticia para el arte. Si bien ha dejado una rica colección de obras, la muerte lo encontró cuando estaba dando forma a lo mejor de su creación. A su manera fue un revolucionario. Descubrió la exquisita belleza de la música triste y honda con la que de los esclavos negros habían enriquecido la cultura de los Estados Unidos. Supo comprender que la producción comercial le concedería tiempo y calma para crear, a veces, música inmortal. <Cuerpo> Hijo de inmigrantes rusos de origen judío, aprendió desde muy niño a tocar el piano de manera autodidacta. Ante semejante entusiasmo su padre decidió enviarlo a estudiar de manera más ordenada. Así fue como el profesor Charles Hambitzer lo introdujo en las obras de Liszt, Chopin, Debussy. Sin embargo, a pesar de esa formación clásica, sus referentes fueron los músicos que triunfaban en Broadway. En 1914 comenzó a trabajar en una editorial de música en la cual, sentado a un piano, le hacía escuchar al público las nuevas publicaciones. A partir de allí, se animó a escribir sus primeras canciones, algunas de las cuales adquirieron cierto renombre.Fue entonces cuando surgió la posibilidad de escribir su primer musical para Broadway La-la-Lucille, un sorpresivo éxito que marcó el inicio de su carrera. Le siguieron títulos como, Funny Face, Girl Crazy. Obras menores, que contribuyeron a afianzar su fama. En 1920 comenzó a escribir trabajos más serios destinados a las salas de conciertos. El 12 de febrero de 1924 se estrenó en Nueva York una de sus obras más reconocidas Rhapsody in Blue. Como sucedió con gran parte de toda la música del Siglo XX esta pieza fue objeto de variadas polémicas. Aún así, la gran belleza de la obra y su originalidad, hizo que no tardará en ser aceptada y enseguida pasara a formar parte de los repertorios de los mejores pianistas del mundo. En 1925 compuso su Concierto para piano en Fa. Ese mismo año viajó a Paris en busca de los grandes maestros de la época. Gershwin sabía claramente, que aún necesita estudiar mucho, pues era consciente de sus defectos técnicos, por lo que decidió retomar los estudios de manera más concienzuda a fin de enriquecer su estilo. También sabía que no sólo necesitaba mejorar su técnica pianística, necesitaba ampliar y profundizar

de manera considerable sus conocimientos formales de orquestación, ya que hasta el momento había sido, más que nada, un gran intuitivo. En 1935 estrenó la Ópera Porgy and Bess, sin duda la mejor de sus obras, que logro imponerse rápidamente. A partir de entonces Gershwin comenzó a investigar y producir música incidental. Se mudó a California. Allí escribió: Shall we dance? (¿Bailamos?) para Fred Astaire y Ginger Roger, entre otras muchas. Solo dos años después comenzó a sentir los primeros síntomas de su enfermedad, fuertes dolores de cabeza, mareos, y desmayos. Aunque los estudios no revelaron nada, los dolores fueron en aumento hasta el dia 9 de julio en que la salud de George Gershwin, colapsó. Cayó en estado de coma y le fue diagnosticado un tumor cerebral, que hizo imprescindible óperarlo, Cuando lo hicieron descubrieron que la situación era terminal e irreversible. El músico nunca despertó de su coma y falleció el 11 de julio de 1937, tal vez, sin haber logrado plasmar lo mejor de su talento. Algo que se había insinuado con Porgy and Bess. <Destacado> <Titulo> Porgy and Bess <Cuerpo> Se trata de una ópera en 3 actos, basada en la novela y obra teatral Porgy de Du Bose Heyward. Originalmente fue concebida como una ópera folklórica de los negros de Estados unidos. La primera versión duraba 4 horas, pero el autor la fue adaptando y fortaleciendo la acción dramática. Su estreno mundial tuvo lugar en el Colonial Theatre de Boston, el 30 de setiembre de 1935. Utilizó un elenco de cantantes negros con formación en música clásica. Esto fue de por sí un hecho revolucionario para la época.

95. <Personalidad> Kurt Julian Weill <Datos> Nació: en Dessau, el 2 de mayo de 1900 Falleció: en Nueva York, el 3 de abril de 1950 En síntesis: fue el autor de muchas de los más famosos musicales, cuya fama llega hasta nuestros días, con canciones interpretadas en el mundo entero. <Copete> Pocos saben que Kurt Weill, el autor de los musicales famosos, era un comunista alemán obligado a dejar su país debido a la furia nazi. Menos se conoce aun que la famosísima Balada de Mackie Messer (“Mack the knife”) se escribió justo antes del estreno de la Ópera de tres centavos en Berlín, cuando el cantante principal amenazó con retirarse si su personaje no recibía una introducción musical. Con el tiempo se convirtió en la obra musical más famosa de toda la obra. <Cuerpo> Estudió composición en el Conservatorio de Berlín, con Ferruccio Busoni, y tempranamente compuso su Primera Sinfonía, que sin duda se ajustaba a la influencia del expresionismo, tan difundido por entonces en Alemania. Paulatinamente se fue volcando más hacia la música instrumental y el teatro musical. En 1925 estrenó la cantata Der neue Orpheus (El nuevo Orfeo), para soprano, violin y orquesta, que marcó un hito en su carrera; ya que la obra prefiguraba la variedad estilística y la ambigüedad provocativa típica de su estilo En 1926, siendo muy joven, se estrenó en Dresde su primera ópera Der Protagonist, ópera en un acto y con libreto de Gorge Kaiser. Pero su estilo se hizo más pleno en dos obras. La primera de ellas fue Royal Palace. Se trata de una obra en un acto, del año 1926. En esta oportunidad utilizó también la danza y la proyección de imágenes cinematográficas. Y en segundo lugar la ópera bufa Der zar lasst sich photographieren (El zar se dejó fotografiar) del año 1927. Pero su éxito definitivo, popularizado hasta el dia de hoy, fue Die dreigroschenoper es decir La ópera de tres centavos escrita en colaboración con Bertolt Brecht, una versión de una vieja obra inglesa del Siglo XVII. El argumento expresaba una feroz crítica social, la música estaba interpretada por una pequeña orquesta de cabaret y era cantada por actores, no cantantes profesionales. La mordacidad de esta obra se repitió en otras colaboraciones entre ambos artistas hasta la famosa Happy end de 1929. Pero pronto Weill se sintió incómodo con las estrictas reglas que Brecht ponía a la música en sus obras de teatro. Así que buscó otros libretistas.

Pero llegaron los nazis y la música de Weill fue declarada “decadente”. Grupos de choque comenzaron a provocar disturbios en las presentaciones del músico, y organizaron campañas de boicot para disuadir a los empresarios del montaje de sus obras. Toda esta situación lo impulsó a tomar la decisión de alejarse de Alemania junto con su esposa, la cantante Lotte Lenya. En 1933 se radicaron en Paris. Ya en esta ciudad volvió a colaborar con Bertol Brecht en la originalísima Die sieben tod sünden (Los siete pecados capitales), un ballet cantado para la compañía del celebre Balanchine. También concluyó su Segunda Sinfonía, que marcaba un contraste absoluto con la Primera. En 1935 viajó a Estados Unidos para supervisar la puesta de una obra. Allí conoció al Group Theatre, donde colaboró con Paul Green en el musical Johnny Johnson. Si bien su impronta era europea la obra fue un éxito. Weill descubrió que la música comercial le ofrecería grandes posibilidades económicas y con su esposa decidieron radicarse. Allí compuso musicales de gran importancia: en 1938 Knickerbocker holiday que consagró la famosa canción September Song. En 1941 junto con Ira Gershwin, Lady in the dark, y en 1948 Love life entre otras muchas. <Destacado> <Titulo> La ópera de tres centavos <Cuerpo> Obra de teatro en un prologo y tres actos con música de Kurt Weill y libreto de Bertol Brecht y escenografía de Gaspar Neher. Se trataba de una adaptación de la Ópera del mendigo de John Gay. La versión Weill-Brecht es una crítica marxista al mundo capitalista. Se estrenó en 1928 en Berlín y fue la obra más famosa en Alemania hasta la llegada del nazismo. Ambos autores se vieron obligados a dejar el país pero la obra ya se había traducido a 18 idiomas y había tenido más de diez mil representaciones.

96. <Personalidad> Aram Ilich Jachaturian <Datos> Nació: en Tiflis, Georgia, el 6 de junio de 1903 Falleció: en Moscú, Rusia, el 1 de mayo de 1978 En síntesis: logró erigirse como uno de los compositores oficiales de la Unión Soviética, siendo reconocido internacionalmente <Copete> En 1948 el Partido Comunista de la Unión Soviética lo acusó de transmitir “tendencias burguesas y antirrevolucionarias” en sus composiciones. En el mismo acto también fueron denunciados Prokofiev y Shosthakovich. Jachaturian se declaró culpable y salvó algo de su prestigio pero apenas murió Stalin denunció y condenó severamente la censura sufrida. En 1954 fue nombrado “Artista del pueblos de la Unión Soviética”. En 1959 recibió el Premio Lenin. Y hasta fue diputado del Soviet Supremo. <Cuerpo> A los once años, cuando vio por primera vez la representación de una ópera, ya había comenzado sus estudios de piano. Sin embargo la potencia de la orquesta, la magnificencia de la puesta y la vibración de las voces lo deslumbró de manera definitiva. En el año 1921 se radicó en la casa de su hermano en Moscú. Pero no se entregó de lleno a la música sino que siguió sus estudios universitarios. Tiempo después, a pesar de que sus conocimientos de solfeo y piano no eran muy sólidos, fue admitido en el Instituto Gnésiny, para estudiar violoncelo con el maestro con el maestro Mijail Gnesin. En 1925 comenzó a estudiar composición. En el año 1929 ingresó al Conservatorio de Moscú, donde fue alumno del gran Miaskovski. Se casó al año siguiente con una compañera de estudios que era también compositora Nina Makarova. En 1932 compuso un trio para clarinete, violín y piano en la que se reflejaba muy claramente la influencia de Prokofiev, a instancias de quien la presento en París. En el año 1933 escribió la Suite para Danza inspirada en todo tipo de ritmos y danzas populares armenias, azerbayanas y georgianos en las cuales se hace evidente, como ocurría con la mayoría de los músicos rusos de su época, su gusto por las múltiples formas de la música popular. En 1935 compuso Sinfonía, obra que dedicó a su país y con la cual obtuvo la diplomatura en el Conservatorio. A diferencia de las anteriores, esta obra estaba compuesta totalmente de acuerdo a las bases de la música occidental. De ese año también procede la música que compuso para la película Pepo. A partir de entonces su carrera como compositor se consolidó y comienzó a desarrollarse a pleno.

Durante el año 1951 fue uno de los profesores del Instituto Pedagógico Estatal de música Gnesiny. Por esos años mantuvo grandes polémicas en la Unión de Compositores. Sus argumentos le valieron posteriormente más de una denuncia sobre algunas de sus obras por considerar que su música era “formalista”. Acusaciones que también sufrieron Serguei Prokofiev y Dmitri Shostakovich. Sin embargo los tres fueron reconocidos como grandes figuras de la música soviética, y tuvieron reconocimiento internacional. Fue profesor del Conservatorio de Moscú y escribió música incidental para más de cuarenta películas y obras de teatro. Pero su sentido melódico se destacó en sus obras para ballet. En ellas se hizo patente su talento para la orquestación y su particular estilo exquisitamente colorido, sensual y lírico a la vez. Fue el primer compositor que integró la música moderna y el ballet clásico. Su idea era que el publico debía “sentir” literalmente las mismas emociones que los bailarines interpretaban y trataban de transmitir. También fue el autor del Himno de la Republica Socialista de Armenia. Pero sus tres últimas sonatas para cello y piano nunca fueron registradas y hoy día son casi desconocidas. <Destacado> <Titulo> Se necesitaba tanta danza… Espartaco <Cuerpo> Crear la música le llevó más de tres años. El libro de Volkov le mostraba un personaje más heroico que trágico o melodramático. Incluso realizó un viaje por Roma para pisar los mismos lugares que Espartaco. No existía música de la época como para tomar tan solo una melodía, ni para captar un estilo. La primera versión se estreno en 1956 en el teatro Kírov de Leningrado. Pero la puesta más grandiosa se realizo el 12 de marzo de 1959, a cargo del cuerpo de baile del teatro Bolshoi de Moscú, con la que obtuvo el premio Lenin.

97. <Personalidad> Dimitri Shostakóvich <Datos> Nació: en San Petersburgo, Rusia, el 25 de diciembre de 1906 Falleció: en Moscú, Rusia, el 9 de agosto 1975 En síntesis: sin dudas su vida fue una metáfora del mundo soviético, tanto en lo más bello como en lo más trágico. <Copete> Siempre se polemizó sobre si Shostakóvich fue o no un disidente clandestino dentro de la URSS. En realidad debe pensarse que fue un disidente del estalinismo, porque estaba apadrinado por el jefe de personal de León Trotsky. Dos veces fue denunciada su música, en 1936 y en 1948, e incluso estuvo durante un tiempo prohibida. Pero fue reivindicado y reconocido por el Estado, llegando a ser miembro del PCUSS y del Soviet Supremo. Con lo cual quedó demostrado que siempre había sido un ciudadano leal con el sistema soviético. <Cuerpo> Provenía de una familia muy intelectual con amplias conexiones políticas. Testigo privilegiado de la revolución de 1917, fue un prodigio como pianista y compositor. En 1922 fue admitido en el conservatorio de Petrogrado donde recibió las enseñanzas de Alexandr Glazunov. La primera obra musical por la que obtuvo reconocimiento internacional la escribió a los 19 años. Fue la Sinfonía nº1 en fa menor Op.10 de 1925, que presentó como trabajo de graduación y con la que ganó el Primer Premio de Composición. Cuando la obra se estrenó en mayo de 1926, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Leningrado, la euforia se apoderó de los medios artísticos de la época. El éxito se extendió hasta Europa y América. Y se le reconoció como un nuevo talento; textualmente se dijo de él que era: “El primer gran autor de la nueva Rusia”. En 1927 presentó su segunda sinfonía que denomino Dedicatoria a Octubre. Luego comenzó a escribir su ópera bufa La nariz, basada en un cuento de Nikolai Gogol. En 1929 la Asociación Rusa de Músicos Proletarios lo tildó de Formalista. A finales de la década colaboró con el Teatro Juvenil Proletario, cargo que lo protegía de ataques ideológicos y a la vez le permitía seguir componiendo. Comenzó también a trabajar en la ópera Lady Macbeth de Mtsensk, cuyo estreno se realizó en 1934 con un éxito rotundo, sin embargo fue prohibida durante los siguientes 26 años. Contrajo matrimonio por primera vez en 1932. En el año 1936 el periódico Pravda publicó una serie de notas críticas atacando su música “caos en vez de música”. La autoría de las mismas se adjudicó a Stalin quien, evidentemente, se dedicaba a muchas

cosas a la vez. Se decía en ellas que la ópera era de un snobismo antipopular, formalista y “pornófona”. A partir de esos dichos fueron suspendidas todas las representaciones de la obra que se estaban realizando en distintos teatros. Las grandes purgas estaban haciendo estragos entre los amigos de Shostakovich. Todo lo cual llevó al autor a retirar después de algunos ensayos la Cuarta Sinfonía sin llegar a estrenarla, por temor a la reacción que pudiera provocar. Se trataba de una obra muy trágica que podría haber agregado nafta al fuego. El Régimen de Stalin quería obras brillantes y optimistas y era poco dado a sutilezas. Esta sinfonía se estreno recién en 1961. En 1937 comenzó a dar clases en el conservatorio lo que le permitió remontar su frágil situación económica. Permaneció en Leningrado durante el asedio alemán, y en esas durísimas condiciones dio inicio a la 7º sinfonía llamada Leningrado. Fue evacuado junto con su familia hacia Kúybishek, donde termino la obra, luego adoptada como símbolo de la resistencia soviética, tanto en la URSS como en todo occidente. Shostakóvich escribió gran cantidad de obras de cámara, quince sinfonías, óperas. Se casó tres veces y murió a causa de un cáncer de pulmón. <Destacado> <Titulo> Leningrado <Cuerpo> Es el nombre que le dio a su Séptima sinfonía en Do Mayor, OP 60, pues fue escrita durante el asedio nazi a esta ciudad. Se estrenó el 5 de marzo de 1942 en Kubyschek. En la versión inicial cada movimiento tenía un subtitulo:1- Guerra (Allegro), 2- Memorias (Moderato-poco allegro), 3- Los grandes espacios de mi patria (Adagio), 4- Victoria (Allegro ma non troppo). Se estrenó en Estados unidos el 19 de julio de 1942, bajo la dirección del maestro Arturo Toscanini.

98. <Personalidad> Olivier Messiaen <Datos> Nació: en Avignon, Francia, el 10 de diciembre de 1908 Falleció: en Clichy Ile-da-France, Francia, el 22 de abril 1992 En síntesis: ha sido, sin dudas, el mayor compositor de obras para órgano desde Johann Sebastian Bach. <Copete> Compositor, ornitólogo, organista y pianista. Su fascinación por el canto de los pájaros y su deseo de expresar sus profundas ideas religiosas se combinaba de manera tal en su música que se hizo imposible no reconocer una obra suya o confundirla con un compositor del Siglo XX. Su obra para órgano fue vastísima, y a él se le debe que dicho instrumento haya recuperado un sitial que durante años había perdido. En 1929 obtuvo el premio a mejor interpretación e improvisación de órgano del Conservatorio de Paris. <Cuerpo> A la edad de 11 años ingresó al Conservatorio de París, fue alumno de Paul Duckas, Marcel Dupré, y Charles Marie Widor. Con ellos logró progresos notables. A partir de 1926 ganó premios todos los años cuando gano el 2º premio de armonía. Luego obtuvo el 1º premio de contrapunto y fuga, 3ºen acompañamiento de piano, 1º premio en el curso de historia de la música. Y aún siendo estudiante publico su primera obra Ocho preludios para piano. A los 22 años fue designado organista de la iglesia de la Santa Trinidad en Paris, y en ese cargo permaneció hasta su muerte. Fue a su vez profesor de piano en la Ecole normale de Musique de París entre 1934 y 1939, y dictó cursos de improvisación para órgano en la famosa Echola Cantorum. Fue profesor de armonía y composición en el Conservatorio de París y hasta su retiro tuvo entre sus alumnos a Pierre Boulez, Yvonne Loriod, Karlheim Stokhausen y Iannis Xenakis, entre otros. A todos ellos les inculcó siempre que buscaran sus propios estilos, sin imponer nunca el suyo. La música de Messiaen era compleja. Por su interés en los ritmos de la antigua Grecia y de orígenes, y por estar basada en en una armonía inventada por él: “los modos de transposición limitada”. Según definía el mismo, su música representaba: “los aspectos maravillosos de la fe”, ya que era un ferviente católico. Fue también un gran viajero que, fascinado por el canto de los pájaros, los estudió y transcribió en todos sus viajes por el mundo, hasta llegar a incorporarlo en gran parte de sus obras. Sus primera grandes obras son de fuerte inspiración religiosa Le banquet celeste para órganos (1926) Offrandes oubliées (1930), 2l´ascenciom (1932-33), La nativité du seigneur (1935)

En 1936, junto a un grupo de amigos, formó el grupo La jeune France con el fin de promover la nueva música francesa. Su manifiesto atacaba implícitamente la frivolidad predominante de la música parisina contemporánea y rechazaba al manifiesto de Jean Cocteau Le Coq et l´arlequin a favor de una música viva. En 1940 fue prisionero de guerra en Verdun. Mientras estaba encarcelado escribió lo que sería una de las más grandes obras de cámara del siglo, el famoso Quatour pour la fin du temps (Cuarteto para el fin de los tiempos), para piano violín, violoncelo y clarinete. La obra se estrenó en prisión, con él mismo al piano y otros prisioneros, también músicos, ante una audiencia compuesta por prisioneros y vigilantes. El título se refiere a la manera en que el músico utilizo el tiempo musical de manera totalmente distinta a la de sus contemporáneos. En 1944 publicó su Tecnique de mon lengage musical. En 1945 compuso la primera de las tres obras inspiradas en la leyenda de Tristán e Isolda, el ciclo de canciones: Harawi, Turangalila y Symphonie. Es una meditación sobre la alegría del amor humano y la unión hombre-mujer. Carece del sentido de culpa de la obra homónima Wagneriana. Para Messiaen el amor sexual es un regalo divino. <Destacado> <Titulo> La desmesura de la fe <Cuerpo> Tranfiguration de NotreSeigneur Jésus-Christ le fue encargada por la Fundación Gulbenkian de Lisboa. Tiene dos horas de duración, en 14 movimientos. Componerla le llevó desde junio de 1965 hasta febrero de 1969. Escrita para 109 músicos, siete instrumentos solistas: piano, violoncelo, flauta, clarinete, xilófono, vibráfono y marimba, más un coro de 100 voces. Se estrenó en el festival Gubelkian el 7 de junio de 1969 por la Orquesta de Paris, el coro Gubelkian, entre los famosos solistas se encontraba el gran Maestro Mitislav Rostropovich.

99. <Personalidad> Carlos Guastavino <Datos> Nació: en Santa Fe, Argentina, el 5 de abril de 1912 Falleció: en la misma ciudad, el 29 de octubre del 2000 En síntesis: se trata del mayor exponente del nacionalismo romántico argentino y uno de los músicos de esa nacionalidad más considerados en todo el mundo. <Copete> Es considerado uno de los mayores compositores argentinos de música vocal de todos los tiempos. Sus obras figuran en el repertorio de los más grandes cantantes del mundo; por ejemplo Kiri Te Kanawa, José Carreras, Alfredo Krauss. Sin dejar de lado que el famoso poema de Rafael Alberdi Se equivocó la Paloma fue musicalizado por Carlos Guastavino. De la misma manera su obra para piano es conocida en el mundo entero y figura en el repertorio de todos los grandes intérpretes de este instrumento. <Cuerpo> Se conocen muy pocos detalles de su vida privada. “Soy un hombre que hace música porque le gusta y es lo único que sabe hacer. No tengo conciencia de cuando comencé a leer música ni a tocar el piano. Creo que eso fue antes de empezar a leer y a escribir en el colegio”. Sucede que en su casa paterna se respiraba música, todos tocaban instrumentos o cantaban. Carlos debuto a los cuatro años en el Teatro Municipal de Santa Fe con un dúo para violín y piano. Comenzó sus estudios de música en su ciudad natal. Con una beca del Ministerio de Instrucción Pública de Santa Fe viajó a Buenos Aires donde se perfeccionó en el Conservatorio Nacional, sobre todo con el compositor y pedagogo Athos Palma. Como era de esperar en quien tiene dotes naturales, en poco tiempo logró sistematizar sus conocimientos en armonía, contrapunto y morfología. Y aunque por entonces ya había obtenido el título de ingeniero químico, eligió la música de manera definitiva. Siempre siguió un estilo tonal y romántico, totalmente basado en la música folklórica argentina. Algo en su búsqueda evocaba a aquellos grandes músicos rusos que, contra viento y marea, luchaban por incluir la música folklórica de su tierra en la gran música. Muy influenciado por el romanticismo tardío se mantuvo a distancia de los músicos modernistas, incluso de los argentinos. Tenía, sin dudas, un don especial para la melodía y siempre fue un excelente compositor de música para piano, ya que si bien era un virtuoso, supo buscar el lado íntimo y poético de este instrumento. Justamente, como pianista, fue varias veces invitado por la BBC de Londres a tocar sus obras allí e incluso recibió la beca del British Council. Con la Orquesta sinfónica de la BBC estrenó la versión orquestal de sus Tres Romances Argentinos. En el año 1956 realizó una importante gira que lo llevó a la entonces Unión

Soviética y China, interpretando un repertorio para voz y piano que contribuyó de manera muy importante con la música Argentina. Es innegable que el tratamiento que Carlos Guastavino hizo de los temas folklóricos ha sido pocas veces igualado. Nunca fue una utilización forzada, sino que siempre lo hizo de manera natural y fluida. Así logró que el espíritu popular de las melodías y los ritmos folklóricos originales se mantuvieran intactos conservando su frescura incluso con las elaboraciones más complejas. Escribió más de 150 canciones, obras para piano solo, obras corales y música de cámara, entre la cuales se deben contar tres sonatas para guitarra. En total existen más de cuatrocientas obras de su autoría que una y otra vez son interpretadas en los grandes teatros del mundo. Llegando a ser universalmente tan conocido como Astor Piazzola, otro gran melodista argentino. Fue profesor del conservatorio de la Ciudad de Buenos Aires, “Manuel de Falla”, hasta que se retiró de la enseñanza. <Destacado> <Titulo> Jeromita Linares <Cuerpo> Si bien toda la obra de Guastavino es exquisita, Jeromita Linares representa un punto culminante de su creación. Se trata de una obra para guitarra y cuarteto de cuerdas en tres movimientos o partes, que pertenece al ciclo de las Presencias, casi un género creado por el compositor. Más allá del empleo de los giros folklóricos sutiles y perfectos, Guastavino logra mostrar la amplitud que ofrece la guitarra llevados en Jeromita Linares a su máxima expresividad polifónica.

100. <Personalidad> Benjamín Britten <Datos> Nació: en Lowestoff, Inglaterra, el 22 de noviembre de 1913 Falleció: en Alderbrugh, 4 de diciembre de 1976 En síntesis: fue el primer músico que recibió un Título Nobiliario por su labor. <Copete> La vida de Britten en Inglaterra no fue nada fácil. En principio por su orientación sexual y sobre todo porque, al igual que Elgar, tenía claro que la música inglesa era mala, y se atrevió a decirlo. También, y con el fin de mantener la distancia, creó un grupo de músicos y un evento, el “Festival de Aldeburgh” para difundir entre otras cosas su música, y la de otros músicos que compartieran sus sentimientos con respecto al ambiente musical de Londres. Pacifista a ultranza, ha sido uno de los pocos músicos ingleses que ha logrado poner sus obras en el repertorio internacional. <Cuerpo> Mostró aptitudes musicales desde muy pequeño, y por ello fue muy alentado en su hogar. A instancias de su familia comenzó a estudiar entonces en forma particular con Frank Bridge. Una decisión a todas luces fructífera, ya que sus primeras composiciones datan de muy temprana edad. En 1928 conoció a W. H. Auden con quien colaboró en el ciclo de canciones Our Hunting Fathes. Introdujo en la composición elementos revolucionarios para la época, sobre todo en el tratamiento musical y, particularmente, en el sentido político. Pero mayor relevancia aún tuvo su encuentro en 1936 con el tenor Peter Pears, quien fue su pareja durante toda su vida, además de convertirse en su colaborador musical y en su permanente fuente de inspiración.Al comienzo de la Segunda Guerra ambos partieron con W. H. Auden a los Estados Unidos. Fue en este país donde compuso su primera ópera: Paul Bunyan, con libreto de Auden, además de un ciclo completo de canciones para que interpretase Pears. Fue éste un período fue muy intenso, con varios trabajos orquestales como Variaciones sobre un tema de Paul Bunyan, El concierto para violín y la Sinfonia de Réquiem. En 1942 retornaron a París, completando durante el viaje los Himnos a Santa Cecilia, que sería su última colaboración con Auden. Ya en Europa comenzó a trabajar en su ópera Peter Gimes, que sería uno de sus mayores éxitos cuando se estreno en 1945. En 1947 fundó el Grupo de ópera inglesa, tal vez para contrarrestar el clima hostil que encontró en el ambiente musical de Londres. Pese a todo, con motivo de la coronación de la Reina Isabel II fue nombrado Companion of Honour. Su mayor éxito como compositor fue el Réquiem de guerra, en el que se mezclaban la música para difuntos con una selección de poemas de Owen.

Esta obra fue escrita por encargo para la reapertura de la Catedral de Coventry. Pero su intención como autor era que la pieza fuera una manifestación en contra de todas las guerras, además de una denuncia contra la irracionalidad y la inutilidad de la guerra. Para el estreno se reunió a un trío de solistas de los países que más se había visto involucrado en el conflicto: un barítono alemán, Dietrich Fischer-Dieskau; un tenor inglés, Peter Pears y una soprano soviética: Galina Vishnevaska. En 1965 le otorgan la Orden del Mérito Fue un virtuoso pianista, pero compuso tan solo un concierto para este instrumento. Sus obras más destacadas fueron las escénicas. Siempre llevó a cabo importantes esfuerzos para distanciarse de los músicos de su país, ya que consideraba a la musica inglesa complaciente, amateur y obsesivamente autorreferencial. Sus ídolos eran Mahler, Berg y Stravinsky, quienes eran considerados por los ingleses como el mismo demonio. En 1976 recibió el título de Barón de Aldeburgh. Y los críticos finalmente debieron reconocerlo como uno de los grandes músicos ingleses del Siglo XX. <Destacado> <Titulo> Muerte en Venecia <Cuerpo> Ópera en dos actos con acompañamiento de percusión y libreto de Myfanny y Piper, basada en la obra de Thomas Mann. Fue escrita para Peter Pears en el papel de Aschenbach. Tadzio estaba representado por un bailarín, sin letra. Según la crítica: “la música es precisa, directa y conmovedora”. Se estrenó en 1973 en el Covern Garden y al año siguiente en el Metropolitan. En el año 2004 se hizo una puesta en el Teatro Colon de Buenos Aires, Argentina; pero, extrañamente, no es una ópera muy representada.