COLEGIO DE FILOSOFÍA

ÁREA 4 HUMANIDADES Y ARTES

Grado: 6° Clave: 1717 Plan: 96

GUÍA DE ESTUDIO ÉSTÉTICA

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

Autores: Eduardo Harada Olivares Andrés Lund Medina Victórico Muñoz Rosales

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Escuela Nacional Preparatoria Directora General: Mtra. Silvia E. Jurado Cuéllar Secretario Académico: Biól. Alejandro Martínez Pérez Diseño de portada: DCV. Cintia Amador Saloma 2ª edición: 2010 © Universidad Nacional Autónoma de México Escuela Nacional Preparatoria Dirección General Adolfo Prieto 722, Col. Del Valle C. P. 03100, México, D. F. Impreso en México

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PRESENTACIÓN

La Escuela Nacional Preparatoria ha trabajado durante casi 145 años en la formación de jóvenes llenos de ideales y metas por cumplir, con deseos de superación y comprometidos con su país, a quienes tenemos que guiar y conducir hacia el logro de sus éxitos académicos, factores que reforzarán su seguridad personal.

Las herramientas que adquieran los estudiantes, durante esta etapa escolar, serán fundamentales, columna vertebral que sostenga sus estudios profesionales, con lo que el desarrollo de habilidades y actitudes se verá reflejado en su futuro próximo.

Es nuestra responsabilidad dotar a los alumnos de todos los materiales didácticos que ayuden a enfrentar los retos de adquisición del aprendizaje, para que continúen con sus estudios de manera organizada, armónica y persistente.

Por lo mismo, los profesores que integran esta dependencia universitaria, trabajan de manera colegiada; ponen toda su energía en desarrollar las Guías de estudio para aquellos alumnos que, por cualquier razón, necesitan presentar un examen final o extraordinario y requieren elementos de apoyo para aprobarlos y concluir sus estudios en la Preparatoria.

La presente Guía de estudio es un elemento didáctico que facilita la enseñanza y el aprendizaje. Se puede utilizar de manera autodidacta o con la ayuda de los muchos profesores que a diario brindan asesorías en cada uno de los planteles de la Escuela Nacional Preparatoria.

Continuaremos buscando más y mejores elementos didácticos: presenciales y en línea, con el objetivo de ayudar a nuestros alumnos a que aprueben y egresen del bachillerato.

Sólo me resta desearles éxito en su camino personal y profesional.

Juntos por la Escuela Nacional Preparatoria.

Mtra. Silvia E. Jurado Cuéllar Directora General

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ÍNDICE

PRESENTACIÓN, p. 7 AGRADECIMIENTOS Y ACLARACIONES, p. 9. INTRODUCCIÓN, p. 10. PRIMERA UNIDAD: Ubicación de la Estética dentro del panorama general de la Filosofía, p. 12. Introducción y problematización Preguntas para reflexionar 1.1. Breve historia de la Estética:

a) Los orígenes de la Estética: Platón y Aristóteles. b) De la Edad Media al Renacimiento c) Principales teóricos de la Estética moderna: Baumgarten (iniciador de la disciplina Estética como tal), Kant, Schiller y Hegel. d) La Estética Contemporánea: Nietzsche, Freud, Heidegger y Sartre.

1.2. Sistemas de interpretación filosófica. 1.3. Definición, objeto de estudio y principales problemas de la Estética. 1.4. Principales categorías estéticas. 1.5 La Estética y las diferentes manifestaciones artísticas. 1.6 Definiciones modélicas de belleza y de arte. 1.7. Necesidad y fin del arte. 1.8 Estética y otras disciplinas cuyo ámbito es el estudio del arte:

-Sociología del Arte. -Psicología del Arte. -Historia del Arte.

Síntesis Actividades de aprendizaje Reactivos de autoevaluación ¿Cómo vamos? SEGUNDA UNIDAD: El hombre ante las diferentes manifestaciones artísticas, p. 32. Introducción y problematización Preguntas para reflexionar 2.1 El Arte y sus modalidades:

a) Arte popular. b) Arte de las masas. c) Arte artesanal e industrial.

2.2. Función del artista y del intérprete en la creación y apreciación artística. 2.3. Función del crítico en la valoración del arte. 2.4. Función del espectador, su juicio y su actitud ante la obra de arte. 2.5. Otros sujetos en el arte: mecenas, copistas, empresarios, coleccionistas y divulgadores. 2.6. Características de la obra de arte tradicional y de la obra de arte abierta. Síntesis Actividades de aprendizaje Reactivos de autoevaluación ¿Cómo vamos?

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TERCERA UNIDAD: Juicio estético y valores estéticos, p. 49. Introducción y problematización Preguntas para reflexionar 3.1. Naturaleza del Arte:

a) arte y realidad. b) arte y conocimiento. c) arte y religión. d) arte y neurosis. e) el arte como diversión. f) el arte como imaginación. g) el arte como visión escatológica.

3.2. El gusto y el juicio estético. 3.3. Relación entre la Ética y el Arte. 3.4 Los valores estéticos en la obra de arte:

a) La belleza y sus valores afines. b) Lo feo y sus valores estéticos.

Síntesis Actividades de aprendizaje Reactivos de autoevaluación ¿Cómo vamos? CUARTA UNIDAD: El artista y el arte, p. 60. Introducción y problematización Preguntas para reflexionar 4.1. Relación entre el artista y su medio (circunstancias morales, religiosas, políticas, económicas, sociales e históricas). 4.2. El estilo artístico en los diferentes momentos históricos:

a) Clasicismo. b) Edad Media. c) Modernidad. d) Época Contemporánea.

Síntesis Actividades de aprendizaje Reactivos de autoevaluación ¿Cómo vamos? QUINTA UNIDAD: Arte y pensamiento en México, p. 77. Introducción y problematización Preguntas para reflexionar 5.1. Características del Arte prehispánico y su significado. 5.2. Características y función del Arte colonial. 5.3. El arte en el periodo moderno de la Historia de México. 5.4. El pensamiento estético de:

a) Antonio Caso. b) José Vasconcelos. c) Samuel Ramos. d) Alfonso Reyes. e) Justino Fernández. f) Adolfo Sánchez Vázquez. g) Octavio Paz. h) Ramón Xirau.

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Síntesis Actividades de aprendizaje Reactivos de autoevaluación ¿Cómo vamos?

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PRESENTACIÓN La Guía de Estudio para la materia Estética que tienes en tus manos posee dos propósitos fundamentales:

1) ayudarte a estudiar para que puedas sustentar satisfactoriamente el examen extraordinario; y

2) auxiliarte en el autoaprendizaje significativo de esta asignatura.

Esta Guía quiere apoyarte para que apruebes el examen extraordinario y, asimismo, busca que aprendas los contenidos esenciales de la asignatura. Por eso mismo, este material te expone brevemente los temas y contenidos del programa de estudios de la materia, pero también plantea problemas para que reflexiones e introduce actividades para que consolides lo aprendido, así como tareas de autoevaluación para que midas el aprendizaje que has alcanzado; además, te proporciona referencias bibliográficas por cada tema.

Ten la seguridad que esta Guía está apegada al programa de estudios de la estética, al cual interpreta y desarrolla en sus contenidos esenciales de manera breve y sintética. Esto no es sencillo ya que el programa de estudios de esta asignatura cuenta con cinco unidades y más de cincuenta contenidos temáticos.

La Guía cuenta con los siguientes elementos:

· las “Preguntas para reflexionar”, incluidas al principio de todas las Unidades, tienen como propósito provocar que medites sobre los problemas que serán abordados así como anticipar los conocimientos que serán evaluados en los reactivos de autoevaluación;

· el “Desarrollo de los contenidos” tiene como meta alcanzar la mayor sencillez y claridad posibles, pero sin olvidar que con esta Guía no sólo se busca ayudarte a que obtengas una calificación aprobatoria en el examen extraordinario, sino, igualmente, a que alcances los objetivos de aprendizaje de la materia, por lo cual no es meramente informativa o expositiva sino que también aborda problemas;

· para facilitar la lectura y compresión se han empleado, como pistas tipográficas, negritas con las que se resaltan las nociones básicas y cursivas por medio de las cuales se destacan las ideas principales y las definiciones;

· las “Lecturas recomendadas”, para las cuales se siguió como criterio elegir, en lo posible, textos breves y fáciles de conseguir, aunque esto último no siempre fue posible;

· “las Síntesis”, que se hallan al final de los capítulos, retoman los conceptos y las explicaciones principales; por ello, su lectura puede servir como una actividad de repaso de lo aprendido;

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· las actividades de aprendizaje pretenden reforzar el autoaprendizaje con algunas actividades de adquisición, codificación, recuperación y metacognición que, estamos seguros, te ayudarán a aprender lo esencial;

· por su parte, los “Reactivos de autoevaluación”, de opción múltiple y con cuatro opciones de respuesta, son semejantes a los que aparecen en el examen extraordinario y, por ello, te ayudarán a autoevaluar el avance que has alcanzado gracias al estudio de esta Guía;

· en ‘¿Cómo vamos?’ te invitamos a llevar a cabo una reflexión general sobre los aprendizajes que has alcanzado;

· por último, te ofrecemos las ‘Respuesta a los reactivos de autoevaluación’.

Como deseamos que apruebes el examen y aprendas los contenidos de esta asignatura, hemos acompañado a esta Guía con un CD en el que encontrarás:

· el Programa oficial de la materia;

· un Glosario en el que definen algunos de los términos técnicos más relevantes;

· una ampliación de las unidades y los temas;

· varias presentaciones en PowerPoint;

· algunos artículos complementarios. Estamos seguros que con el estudio de esta Guía y los materiales del CD, la lectura de la bibliografía recomendada y la asesoría de algún profesor del Colegio de Filosofía no sólo asegurarás la aprobación del examen extraordinario de la asignatura sino, sobre todo, el aprendizaje de la misma.

LOS AUTORES.

Octubre de 2007.

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ACLARACIONES Y AGRADECIMIENTOS Con esta Guía se da un primer paso para cubrir la laguna de materiales didácticos que aqueja a esta asignatura, la cual, estamos convencidos, no sólo es de carácter “propedéutico” sino que resulta fundamental para alcanzar la formación integral y armónica de los alumnos de bachillerato. Sin embargo, lo que aquí se presenta es tan sólo una primera versión, completamente perfectible, que debe ser modificada y eventualmente sustituida, conforme su empleo muestre sus limitaciones.

De hecho, el proyecto para elaborarla surgió en el Seminario de Análisis y Desarrollo de la Enseñanza (SADE) que se dedicó a la asignatura estética en el periodo interanual del año escolar 2004-2005. Un acuerdo que se alcanzó en dicho seminario fue que ese material didáctico fuera revisado, corregido y mejorado, con la ayuda de otros profesores, en un nuevo SADE.

En la confección de esta Guía tratamos de apegarnos lo más posible al programa de estudio oficial, sobre todo, a los contenidos y propósitos de sus unidades, sin embargo, debido a la vaguedad y ambigüedad con la que están redactados algunos de ellos, nos vimos obligados a elegir la interpretación que nos pareció más adecuada para alcanzar el perfil del egresado arriba señalado.

De manera general, optamos por un enfoque crítico, principalmente, frente a las posturas que conciben al arte y a lo estético de manera ahistórica, sin reconocer los límites históricos y culturales de toda concepción sobre ellos.

Creemos que la estética debe ser enseñada y aprendida con base en problemas, pues es por medio de los intentos de solución a ellos que las habilidades y actitudes de los alumnos pueden ser desarrollas. En concreto, los estudiantes deben enfrentar los mismos problemas estéticos y artísticos que ha encarado la filosofía a lo largo de su historia para que puedan construir, reconstruir y apropiarse de ese saber.

Agradecemos el apoyo que nos brindaron Esther Gallardo Espino y Eloísa A. González Reyes, Jefas del Departamento del Colegio de Filosofía durante dos administraciones distintas. También agradecemos a quienes anónimamente dictaminaron nuestro trabajo: esperamos no haber agregado nuevos errores al tratar de corregir las deficiencias que amablemente nos señalaron.

Un reconocimiento especial también les debemos a los profesores que participaron en el SADE dedicado a estética, realizado durante el periodo interanual del año escolar 2005-2006 y en el cual esta Guía fue revisada por los profesores: Maribel Espinosa, Enrique González, Marco Antonio Labra, Valente Muñiz y Gabriela Rodríguez.

Aunque, por supuesto, la responsabilidad de su contenido sigue siendo completamente nuestra. La 1° Unidad fue elaborada por Andrés Lund Medina, la 4° por Eduardo Harada Olivares y la 5° por Victórico Muñoz Rosales; la 2° y 3° por los tres.

LOS AUTORES. Octubre de 2007.

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INTRODUCCIÓN Como sabes, la materia Estética (clave 1717) se imparte en el Área IV del sexto año de la ENP; por ello, está dirigida a quienes estudiarán humanidades o artes, es decir, carreras como las de Diseño Gráfico, Artes Plásticas, Instrumentista, Director de Orquesta, Cinematografía, Filosofía, Historia, Pedagogía, Estudios Latinoamericanos, Antropología, Letras Clásicas, Modernas, Hispánicas y Teatro, entre otras. Si estás estudiando esta Guía seguramente piensas estudiar alguna de esas carreras y, también, estás obligado a aprobar esta materia.

-¿Por qué? ¿Qué tiene que ver la estética con esas disciplinas?

En la Primera Unidad descubrirás que existen diferentes concepciones de esta disciplina; sin embargo, de manera general, se puede decir que su razón de ser es reflexionar críticamente sobre los fenómenos estéticos y artísticos. Si seleccionaste el Área IV en tu sexto año de la Prepa es porque sientes una vocación artística (la música, la expresión plástica, el cine, la literatura o el teatro) o porque valoras la diversidad de manifestaciones estéticas a lo largo y ancho de la historia y de las culturas.

-¿Qué se pretende con el estudio de esta materia?

El propio programa de la asignatura lo establece de esta manera: inculcar y desarrollar en los estudiantes los conocimientos, las habilidades y las actitudes necesarias para que puedan reflexionar sobre los problemas, tanto teóricos como prácticos, que existen en torno a las manifestaciones artísticas y estéticas, así como sobre los problemas propios de la Estética en tanto que disciplina filosófica.

-Pero, te preguntarás, ¿de qué trata, en concreto, la materia de estética?

En la Primera Unidad se ubica a la estética dentro del panorama general de la Filosofía, por lo que se empieza con una breve historia de la estética, partiendo de los filósofos griegos Platón y Aristóteles, pasando de la Edad Media al Renacimiento, y revisando algunos de los principales teóricos de la estética moderna (Baumgarten, Kant, Schiller y Hegel) y de la contemporánea (Nietzsche, Freud, Heidegger, Sastre).

Una vez realizado este recorrido histórico-filosófico, se explican los rasgos de los sistemas de interpretación filosófica para luego definir a la estética como una disciplina filosófica, señalando su objeto de estudio (belleza, arte, sensibilidad) y sus principales problemas. Posteriormente se determinan sus principales categorías (trágico, sublime, cómico, grotesco) para empezar a adentrarse en su estudio señalando las diferentes manifestaciones artísticas (pintura, escultura, música, literatura, cine, etc.) y discutiendo las definiciones modélicas de belleza y arte, subrayando la necesidad y el fin del arte. Esta Primera Unidad termina estableciendo las relaciones y diferencias de la estética con otras disciplinas que tienen como estudio al arte, tales como la sociología del arte, la psicología del fenómeno artístico y la historia del arte.

En la Segunda Unidad se trata sobre la relación del ser humano con las diferentes manifestaciones artísticas, examinando algunas modalidades del arte (popular, de masas, artesanal e industrial). A continuación se revisa la función del artista y la del intérprete, así como la función del crítico y del espectador. Después de examinar a otros sujetos en el arte, se pasa al estudio de las características de la obra de arte.

En la Tercera Unidad se estudia al juicio y a los valores estéticos. Se parte de un examen de la naturaleza del arte desde diversas perspectivas para estudiar

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posteriormente el gusto y el juicio estético. Se establece la relación entre la ética y el arte para luego indagar sobre los valores estéticos en la obra de arte, discutiendo particularmente sobre la belleza y lo feo.

En la Cuarta Unidad se determina la relación entre el artista y su medio así como el desarrollo del estilo artístico en diferentes momentos históricos del arte de la cultura occidental: clásico, medieval, moderno y contemporáneo.

La Quinta Unidad se ocupa tanto del arte como del pensamiento estético en México. Se revisan, entonces, los rasgos del arte prehispánico, colonial y moderno en México. El programa termina con un repaso del pensamiento estético de algunos destacados intelectuales mexicanos que reflexionaron sobre la estética, el arte y el arte en México: se parte de los filósofos que fundaron la disciplina de la estética en nuestro país (Antonio Caso y José Vasconcelos), revisando también a sus más destacados continuadores: Samuel Ramos, Justino Fernández, Adolfo Sánchez Vázquez, pero también se considera a importantes críticos, pensadores y poetas que han enriquecido esta disciplina como Alfonso Reyes, Octavio Paz y Ramón Xirau.

En nuestra opinión, el sentido del programa de la materia es el siguiente: en las tres primeras unidades se presentan algunos conceptos y herramientas básicas para que reflexiones filosóficamente sobre los problemas estéticos y artísticos; además, se busca ampliar tu visión sobre el objeto de estudio de la estética (no se reduce ni al arte ni a la belleza). En la Cuarta Unidad se busca que apliques lo aprendido al estudio del arte de la cultura europea, pero también que asumas una actitud crítica frente a las concepciones del arte y lo estético propias de esa cultura. En la Quinta Unidad se intenta conducirte a cuestionar la estética occidental moderna por medio del estudio del arte y el pensamiento estético mexicanos. En resumen, con el programa de estudios de Estética de la ENP se busca que reflexiones sobre la situación del arte y lo estético en México y el mundo, para que de este modo comprendas los problemas que tiene que enfrentar la reflexión filosófica.

No debes olvidar que para que aprendas los contenidos básicos de la asignatura y te prepares adecuadamente para el examen extraordinario no basta que leas y estudies esta Guía: también será necesario que realices las actividades y tareas que te proponemos, consultes algunos de los textos recomendados y, en el caso que se te dificulte algún tema, busques la asesoría de un profesor de la materia. Sinceramente, deseamos que aprendas la asignatura y apruebes el examen: esperamos que esta Guía pueda contribuir a que tú y cualquier lector aumente su interés y gusto por la filosofía, el arte y las experiencias estéticas.

LOS AUTORES. Enero de 2008.

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PRIMERA UNIDAD: Ubicación de la Estética

dentro del panorama general de la Filosofía En esta primera Unidad se quiere proporcionarte una introducción a la disciplina filosófica Estética por medio de una presentación general tanto de sus rasgos generales como de su problemática, a partir de su historia y las diferentes perspectivas filosóficas sobre su objeto de estudio.

Esta unidad tiene como finalidad ayudarte a entender: 1) que la estética es una reflexión histórica, diversa y cambiante, 2) el carácter filosófico de esta disciplina, 3) los temas y problemas que estudia, y 4) la centralidad que tienen en la estética la Belleza y el arte.

Esta unidad no pretende ofrecerte una historia de la estética, la cual se expone de manera muy general e insuficiente, ni tampoco quiere proporcionarte una definición única y cerrada de esta disciplina; más bien, busca presentar a esta disciplina como una reflexión abierta sobre ciertos problemas que todavía siguen siendo discutidos. Al final de esta unidad deberás haber comprendido:

a) la necesidad y el fin del arte en la vida humana; b) qué es la estética, en tanto que disciplina filosófica; c) su objeto de estudio, los problemas que enfrenta y su modo particular de

abordarlos; d) el carácter histórico de la reflexión estética; e) las diferencias que existen entre el enfoque filosófico propio de la estética y

el de otras disciplinas que también tienen por objeto de estudio a los fenómenos estéticos y artísticos;

f) los supuestos que subyacen a los distintos modos de clasificar las manifestaciones artísticas y las dificultades que implican cada uno de ellos;

g) las definiciones moderna del arte y clásica de la Belleza y h) los principales problemas estéticos y artísticos que han enfrentado algunos

representantes de distintas épocas de la filosofía occidental así como las soluciones que les han ofrecido.

ESQUEMA DE LA PRIMERA UNIDAD

Breve historia de la Estética

Carácter filosófico

àSistemas de interpretación y categorías

Objeto y problemas de estudio

Ø Belleza àDefiniciones àManifestaciones àFin y Necesidad

Ø Arte

Ø Sensibilidad

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v ¿Qué es la estética? ¿Por qué la estética es una disciplina filosófica?

v ¿Cuál es su objeto de estudio, los problemas que enfrenta y la manera en que trata de resolverlos? ¿Qué nos muestra la historia de la estética acerca de esta disciplina?

v ¿Qué diferencias existen entre la estética y las ciencias que también se ocupan de lo estético y lo artístico?

v ¿Cuáles son los conceptos fundamentales por medio de los que la estética reflexiona críticamente sobre sus objetos de estudio?

v ¿Por qué han sido tan importantes lo Bello y el arte como temas de la reflexión filosófica? ¿Cómo pueden ser clasificadas las artes?

v ¿Cuál es la necesidad que satisfacen el arte y las experiencias estéticas? ¿Cuál debe ser su finalidad?

1.1. Breve historia de la estética -¿Qué es la estética? ¿De dónde proviene la palabra que la designa? ¿Siempre ha tenido el mismo significado?

El origen etimológico del término estética proviene de la palabra griega Aisthétikos, que remite al sujeto dotado de sensibilidad o percepción (aisthe significa percepción o sensibilidad y el sufijo tes refiere al agente o sujeto).

Aisthétikos señalaba la subjetividad * sensible, la que es capaz de sensación, sentimiento, sensualidad; al sujeto que siente, es decir: capta, percibe, conoce (a través de sensaciones y percepciones), se emociona, tiene una gratificación de los sentidos, da significado e interpreta.

En este primer apartado veremos que la estética asimiló lo estético o la sensibilidad a una experiencia placentera y agradable, a la cual se le identificó con lo Bello (kalos, en griego), pero idealizado, intelectual y espiritualmente. A partir del Renacimiento dejó de centrarse exclusivamente en la Belleza, ampliando su campo hacia lo artístico.

Después de Kant y su indagación estética, ésta se extendió aún más: además de debatir sobre lo Bello y lo Sublime, se escribieron estéticas sobre lo Feo (Rosenkranz), se elaboraron teorías sobre lo Grotesco (Víctor Hugo), etc.

En la Época Moderna y, sobre todo, en la Contemporánea algunos filósofos centraron su reflexión en el arte, concebido como juego, objetivación de la conciencia humana, libre fuerza transfiguradora o sublimación liberadora, creación de mundos, proyecto existencial y expresión de una sensibilidad socio-histórica, volviendo incluso al significado originario de la estética como ‘teoría de la sensibilidad’.

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A través del estudio de la historia de la estética filosófica europea se busca mostrar que los problemas que ha enfrentado esta disciplina no han sido siempre los mismos sino que, al contrario, han cambiado con el tiempo. Para que esto resulte más claro, nos centraremos en la manera en que ha sido concebida la filosofía que reflexiona sobre los fenómenos estéticos y artísticos e, igualmente, en cuáles han sido identificados como sus objetos de estudio.

a) Los orígenes de la estética La filosofía es inventada en la Grecia antigua (siglo VI a.C.) cuestionando las concepciones del mundo tradicionales y reflexionando de manera crítica y racional sobre la realidad, iniciando también los estudios sobre la estética. En este periodo dos pensadores determinan la discusión filosófica: Platón y Aristóteles.

Para Platón (427/428-347 a.C.), la Belleza es, fundamentalmente, una Idea universal y perfecta, una esencia que existe independientemente de la conciencia humana y de las cosas sensibles bellas; si las cosas son bellas, lo son porque copian o participan de lo Bello en sí. Pero la Belleza está relacionada con la Idea del Bien, así como con el orden (Cosmos), la proporción y la armonía.

En La República, Libro X, Platón despreció al arte imitativo que se dirige a la parte irracional del ser humano porque no alcanzaba las Ideas perfectas y universales, a las que sólo se llega mediante la filosofía, sino que sólo imitaba la apariencia * de las cosas sensibles, las cuales, a su vez, son copias de las Ideas.

A diferencia de la filosofía platónica, en la filosofía de Aristóteles (384-322 a.C.) no importa la Belleza en sí, aunque a ella también se le caracteriza por el orden y la simetría, que significan proporción, y la determinación, que implica limitación o medida. Para él lo bello se da, como Cosmos, tanto en la physis o naturaleza (en los animales, por ejemplo) como en los productos humanos (en la organización de la polis o en los productos resultado de alguna técnica, como los artísticos) y en el propio ethos humano, en donde se puede dar la unidad de bondad y belleza moral que depende de la medida, la armonía y el justo medio en la vida de un sujeto.

Con todo, polemizando con Platón y tratando de separar a lo Bueno de lo Bello, Aristóteles observa que lo bueno se hace y que, en cambio, lo bello se contempla; por eso, para él, lo bello es una experiencia estética, sensible, que implica placer.

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b) De la Edad Media al Renacimiento La estética medieval, como la filosofía, se volvió “sierva de la teología”, concibiendo a lo Bello como algo objetivo o que existe independientemente de los seres humanos pues debe su existencia únicamente a Dios.

Para San Agustín de Hipona (354-430) en una dimensión trascendente o más allá del mundo sensible, existen la Belleza y el Bien, que son atributos de Dios; esa belleza divina puede ser representada en un plano espiritual, capaz de captar tanto la hermosura del alma virtuosa como la de Dios; en otro plano inteligible (pensada) la belleza puede ser captada al percibir el ritmo y la armonía superior (Cosmos) del mundo entero; finalmente, en el plano sensible la belleza de la naturaleza o los seres vivos es sentida, con su ritmo y armonía, pero sólo como testimonio de esa otra Belleza, superior y perfecta, que es la divina. Así, la belleza es espiritualizada y se vuelve símbolo * de Dios.

Quien en la Edad Media elaboró sistemáticamente una concepción de lo Bello, prolongando las ideas estéticas de Aristóteles, fue Santo Tomás de Aquino (1225-1274). Lo Bello, nos dice Santo Tomás en la Suma Teológica, que existe en sí mismo porque depende de Dios, tiene propiedades objetivas y universales: es la proporción justa (armonía y medida), la claridad (manifestación de la forma que puede ser intuida intelectualmente) y la integridad (unidad, congruencia y perfección). Al igual que Aristóteles, Santo Tomás distingue claramente lo Bueno y lo Bello: la belleza se contempla, mientras que el bien se desea; además, relaciona la belleza con lo que nos agrada y complace, pero distingue dos planos en ella: el sensible y el intelectual (el que apunta a la belleza espiritual y divina). Considera, como San Agustín, que la belleza sensible no es buena, y por eso llega a decir que “la belleza del cuerpo es una belleza maldita.” (véase el Tema 4. 2. b)

En la filosofía del Renacimiento se elaboró una idea de la Belleza que trataba de reproducir con fidelidad lo dado, lo cual contrastaba con la idea alegórica y simbólica * de la Belleza medieval; sin embargo, la concepción renacentista de la Belleza mantiene las notas clásicas de armonía y proporción entre las partes. En esta época se ponen las bases para la aparición del arte como una esfera autónoma, desprendida de fines extra-estéticos (religiosos, políticos, sociales), reconocida como creación humana y no como mera imitación de lo ya existente. A partir del Renacimiento la Belleza artística (artificial o creado por el ser humano) se volvió más importante que la belleza natural.

c) Principales teóricos de la estética moderna En la filosofía moderna, la Belleza conservó las propiedades ya señaladas (proporción, armonía y simetría) pero se volvió subjetiva *, es decir, dependiente del sujeto humano, abriéndose además una nueva problemática en donde la Belleza se separa de lo Bueno (la moral) y empieza a vincularse sólo al arte.

El significado moderno del término estética fue establecido en el siglo XVIII, cuando el filósofo alemán Alexander Baumgarten (1714-1762) publicó su Aesthetica, redefiniendo el sentido del término de la manera siguiente: la estética se piensa como un sistema de conocimientos que tiene como objeto de estudio la facultad de conocimiento inferior a la Razón, es decir, el conocimiento sensible y los sentimientos. Inferior y anterior a lo racional, la estética se perfecciona con la Belleza –pero la belleza sensible, que resultaba, entonces, irreductible a lo intelectual y a lo racional. Mientras el conocimiento racional era y debía ser claro y distinto, lo estético era un conocimiento oscuro y confuso captado por los sentidos y los sentimientos, pero que contaba con sus propias leyes.

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Con esta concepción, Baumgarten rompió con una tradición intelectualista y racionalista de la Belleza que venía desde los griegos, una tradición que valoró sobre todo a lo Bello captado por el intelecto o la razón. Después de él, la estética se desplazó de lo bello sensible natural a lo bello sensible artístico, y de éste al arte: la estética se entendió como Filosofía del Arte.

Para Inmanuel Kant (1724-1804) lo Bello es agrado subjetivo *, pero él no quiere quedarse en lo particular, por eso afirma, en su Crítica del Juicio, que lo Bello es lo que place universalmente sin concepto, es decir, sin tener un conocimiento previo del objeto al que se refiere. Distinguió entre la belleza libre, que no presupone concepto alguno de lo que el objeto debe ser, y la adherente, que sí lo supone.

En Lo Bello y lo sublime, Kant también estudia otra categoría estética, lo Sublime, que se da cuando sobre un dato sensible (materia), que es una forma * informe (la visión de una extensión ilimitada, por ejemplo), interviene la Razón la cual falla al intentar representarlo o darle forma *; así, cuando lo Infinito se presenta en lo finito, también se produce un goce estético: la experiencia de lo sublime, de lo grandioso que nos hace sentir pequeños. Con esta categoría, la estética se amplió y, por fin, fue más allá de la Belleza clásica.

Friedrich von Schiller (1759-1805), continuando las ideas de Kant, en sus Cartas sobre la educación estética del hombre identifica al arte con el juego como creación libre de Belleza. Para él sólo en el arte el hombre puede ser libre gracias al juego. Como vemos, con Schiller la estética extendió su territorio con temas como la libertad y el autodespliegue humano (véanse los Temas 1. 6. 3 y 3. 1. e).

Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), culminando la filosofía alemana iniciada por Kant, en sus libros Estética y Lecciones sobre Estética incorpora a lo Bello en su filosofía como la manifestación sensible del Espíritu Absoluto (Dios), que en su devenir histórico alcanza la reconciliación dialéctica entre lo objetivo y lo subjetivo *, lo material y lo espiritual. El arte, que produce la Belleza, tiene una objetividad social e histórica porque responde a las necesidades espirituales de su época.

d) La estética contemporánea Friedrich Nietzsche (1844-1900) elaboró una filosofía en oposición y crítica a la tradición platónica-cristiana dualista que devalúa el mundo real (cambiante, terrenal y sensible) por un mundo trascendente (eterno, celestial y racional). Nietzsche se propuso recuperar y revalorar lo terrenal, los sentidos, el cuerpo, el placer y la vida. Desde su primer libro El nacimiento de la tragedia, formuló una filosofía que le otorga una gran relevancia al arte; en este libro, Nietzsche convierte a la tragedia en el instrumento de su filosofía: lo trágico es pensado contra el cristianismo (o la redención) y el socratismo (o el racionalismo), pues en él se expresan el conflicto de dos instintos básicos: lo apolíneo (que se identifica con la claridad, la forma *, la medida y la representación) y lo dionisiaco (que expresa la oscuridad, el caos, la desmesura y la voluntad); en lo trágico esos instintos se compenetran, alcanzan una síntesis en tensión.

Como vemos, la filosofía crítica de Kant también se centró en la Belleza; para este filósofo lo bello es lo que gusta de manera desinteresada, universal y necesaria, en objetos que percibimos con agrado pero sin finalidad alguna, es decir, sin esperar que sean útiles o buenos; y depende de la percepción y el sentimiento de lo agradable, pero no de los conceptos.

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Como vemos, la reflexión estética moderna no se quedó en la Belleza que expresa a Dios o al Espíritu; el arte ya no se considera como una actividad que viene de lo elevado, lo espiritual, lo trascendente o lo divino; por lo contrario, la estética regresa a lo terrenal, lo sensible y lo corporal e, incluso, a las fuerzas instintivas inconscientes, como sucede con el creador del psicoanálisis, Sigmund Freud (1856-1939). Este pensador explica al arte por la desviación o sublimación del instintos inconscientes hacia fines socialmente aceptados, como los artísticos y culturales; al desplazar o sublimar sus deseos (sobre todo, los sexuales) inconscientes –como afirma Freud en El poeta y los sueños diurnos- el artista crea y objetiva fantasías, cumpliendo, de este modo, sus deseos reprimidos; al tener su origen en la sublimación el arte no es goce perverso o compulsión neurótica, pero se mantiene como insatisfacción y exigencia de placer, deseo y excitación, pulsión y energía que se canaliza y objetiva en la obra de arte.

Pero no toda la reflexión estética contemporánea realizó este viraje hacia el sujeto: el filósofo alemán Martin Heidegger (1889-1976), que centró todo su pensamiento en la pregunta por el Ser y que consideró al ser humano un mero “pastor” de éste, cuando reflexionó sobre el arte en su libro Arte y poesía, le restó importancia al artista y se concentró en el Ser que se manifiesta a través de la obra de arte; para él, el arte pone en obra la verdad del ente o de cada ser; esa ‘verdad’ se entiende como alétheia o desocultamiento, que no se da nunca por entero, pues devela, ilumina o “abre un mundo” o un ámbito global de sentido.

Jean-Paul Sartre (1905-1980), interpretando de un modo humanista la filosofía de Heidegger, elaboró una filosofía existencialista, comprometida políticamente y que reivindica a una subjetividad * libre. En ¿Qué es la literatura?, esta responsabilidad también la proyecta al arte, defendiendo una literatura comprometida con la liberación del ser humano, pero sin descuidar sus obligaciones con el propio arte.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Bayer, Raymond, Historia de la Estética, FCE, México, 1987, Primera y Segunda Parte, pp.21-156.

Baerdsley, Monroe C. y John Hospers, Estética. Historia y fundamentos, Cátedra, Madrid, 1984, pp. 17-83.

Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la Estética, Grijalbo, México, 1992, Tercera parte, Capítulo II: “Las vicisitudes de la belleza”, pp.165-182.

En esa línea, Nietzsche distingue entre el rebaño (no creador), consolado por la religión o la razón, y el genio creador, capaz de abrirse al juego del mundo y expresarlo con su arte trágico. Siempre criticando a la religión (la debilidad y el temor), a la moral (el resentimiento) y a la verdad (el engaño), le da un lugar especial al arte, como expresión del “superhombre”: un individuo creador y excepcional.

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1.2. Sistemas de interpretación filosófica -La estética, como ya vimos, es parte de la reflexión filosófica, pero ¿qué es la filosofía?

La palabra “filosofía” proviene del griego: philía, que significa ‘amor’ o ‘amistad’, y sophía, ‘sabiduría’. Es por ello que la filosofía puede ser definida como ‘amor a la sabiduría’. La filosofía, por consiguiente, no se presenta como poseedora del Saber Absoluto sino sólo como una amante de él. Pero, ¿en qué consiste esa Sabiduría que quiere y busca la filosofía? Por supuesto, esa Sabiduría no puede confundirse con una mera acumulación de información ni, tampoco, con la especialización científica que parcializa y atomiza el conocimiento.

La filosofía como amor a la Sabiduría quiere, busca y trata de elaborar un saber que tiende a ser sistemático, a totalizar una concepción global de la sociedad, del ser humano y todo lo que existe; desea un saber racional, pues cuestiona, investiga y prueba todo conocimiento, rompiendo con los mitos y nutriendo a las ciencias; también es un saber crítico e interpretativo que cuestiona a la realidad dada y al conocimiento establecido, y en ese sentido, desmitifica las concepciones de la realidad (imágenes del mundo e ideologías *), generando nuevas interpretaciones y apuntando, en las más sistemáticas, a lo que Debe ser o a los Valores; es un saber que abre y se ocupa de las interrogaciones ilimitadas y radicales, ya que su actitud racional y crítica la lleva a romper con las respuestas tradicionales y a replantear todos los cuestionamientos previos; y es, finalmente, un saber que se apoya en las ciencias, * pero también las trasciende.

Algunos problemas que aborda la filosofía son también el principio de investigaciones científicas (véase el Tema 1. 8), pero otros no pueden tener una respuesta definitiva, de modo que el ser humano se los planteará siempre, buscando y proporcionando respuestas que nunca serán las soluciones definitivas; esos problemas son las interrogaciones ilimitadas y radicales de las que se ocupa la filosofía, preguntas sobre la realidad, el conocimiento y la verdad, los valores y el sentido de la existencia humana, la sociedad y el poder, y, en el caso de la estética, lo sensible, la belleza y el arte.

Por supuesto, la filosofía no se limita a abrir estas interrogaciones, sino que igualmente busca y ofrece sistemas interpretativos que les proporcionan respuestas racionales, esto es, argumentadas y discutibles, abiertas a rectificaciones, públicas y abiertas a la crítica de cualquiera. Por eso la filosofía no es monológica sino dialógica y está a disposición de todos los seres humanos.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Cualquier “Introducción a la Filosofía” puede servir útil, pero se recomienda especialmente la de Ramón Xirau, Introducción a la historia de la filosofía, UNAM, México, 2000.

De acuerdo a lo anterior, la estética, como parte de la filosofía, reflexiona de manera crítica y racional sobre la Belleza, el arte y la sensibilidad, abriendo una serie de interrogantes sobre esos temas, proporcionado respuestas racionales, pero discutibles, y elaborando sistemas interpretativos.

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1.3. Definición, objeto de estudio y principales problemas de la Estética La estética se define como una disciplina filosófica que ha tenido como objetos de estudio, a lo largo de su historia, a la Belleza, el arte y la sensibilidad. Los problemas que ha abierto sobre esos objetos de estudio son, por ejemplo:

OBJETO DE ESTUDIO

PROBLEMAS

Belleza

¿Qué es la belleza? ¿Es posible acceder a una idea universal de ella? ¿Todo lo estético es bello? ¿Lo bello es igual a lo bonito o agradable? ¿Lo sublime, lo trágico, lo cómico, lo grotesco son formas de lo bello?

Arte

¿Qué es el arte? ¿En qué se distingue de otras actividades? ¿Todo lo artístico es bello? ¿Es necesario el arte? ¿Cuál es su finalidad? ¿Ha existido en todas las culturas y épocas?

Sensibilidad ¿Qué es lo estético? ¿En qué consiste la experiencia estética? ¿La sensibilidad estética sólo se relaciona con lo bello y lo artístico?

Pero el estatuto teórico de la propia estética también ha sido blanco de su propia reflexión, pues esta disciplina, en tanto que filosófica, no sólo es reflexiva sino, al mismo tiempo y necesariamente, auto-reflexiva, y por ello se interroga a sí misma:

PROBLEMAS DE LA ESTÉTICA

¿Qué es la estética? ¿Cuál es su objeto de estudio? ¿Tiene solamente un objeto de estudio? ¿Se reduce a la ‘filosofía del arte’? ¿Qué tipo de disciplina es? ¿Es descriptiva o explicativa? ¿Puede ser normativa? ¿Qué diferencias existen entre ella y otras disciplinas que estudian los fenómenos artísticos?

La estética es una disciplina filosófica que reflexiona de manera crítica sobre la Belleza, el arte y la sensibilidad humana, abriendo una serie de interrogantes sobre esos temas, proporcionado respuestas racionales y argumentadas, pero discutibles y elaborando sistemas interpretativos que se apoyan en saberes particulares y científicos, logrando, de este modo, trascender o ir más allá de las ideologías * o concepciones del mundo socio-históricas al interior de las cuales surge y que la condicionan.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Para una Estética como filosofía de la Belleza, el diálogo de Platón sobre la Belleza: Hipias Mayor (en) Platón. Diálogos, Porrúa, México 1980.

Para una Estética como filosofía del Arte, la Introducción al libro del filósofo mexicano Samuel Ramos, Filosofía de la vida artística, Espasa Calpe, México 1998.

Para una Estética como teoría de la sensibilidad, ver el capítulo primero del libro de Juan Acha, El consumo artístico y sus efectos, Trillas, México 1988.

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1.4. Principales categorías estéticas -¿Cuáles son las herramientas por medio de las cuales la estética analiza sus objetos de estudio y trata de resolver los problemas que éstos presentan?

Los objetos de estudio de la estética y su propia problemática determinan cuáles son las principales categorías estéticas. Las categorías, entendidas como conceptos fundamentales de esta disciplina filosófica, pueden ser de dos tipos, a saber:

1) Categorías que determinan y conceptualizan los objetos, aspectos y relaciones que esta disciplina estudia. Con estas categorías introducimos una perspectiva desde la cual interpretamos y comprendemos los fenómenos estéticos y artísticos. A lo largo de esta Guía de Estudio tendremos que tratar de delimitar los significados de categorías como:

UNIDADES CATEGORÍAS

En la 2° Unidad Arte, manifestación y modalidad artística, artesanía, arte popular, industrial y de las masas; artista, intérprete o ejecutante, espectador, crítico; obra de arte.

En la 3° Unidad Naturaleza del arte; gusto y juicio estético; valores estéticos.

En la 4° Unidad Artista, medio, circunstancias; estilos artísticos; clásico, medieval, moderno y contemporáneo.

En la 5° Unidad Arte prehispánico, colonial y moderno mexicanos; pensamiento estético.

2) Categorías estéticas axiológicas, valorativas o que implican preferencias (valores). Estas categorías nos permiten interpretar y comprender los fenómenos estéticos y artísticos, pero también, y sobre todo, valorarlos. Una de esas categorías axiológicas estéticas es la Belleza (véase el Tema 3. 4), pero no es la única; de hecho, a lo largo de la reflexión estética, de la propia vivencia estética y de la práctica artística, se han destacado otras categorías axiológicas estéticas, tales como:

-LO TRAGICO, entendido como una categoría que significa y valora una condición humana universal en donde un ser humano digno entra en conflicto contra el destino que se le impone y es vencido; en lo trágico determinados sujetos realizan actos heroicos y sacrificados, pero que sólo alcanzan el fracaso o la muerte, provocando en el público una catarsis * o purificación espiritual. Un ejemplo de este tipo de obras es Hamlet, de Shakespeare. En ella, al joven príncipe Hamlet el propio fantasma de su padre le impone un destino trágico: la obligación de vengar su muerte, ya que fue asesinado por su esposa, la madre de Hamlet, y su amante; lleno de dudas y dolor, Hamlet asume su destino y sacrifica su vida.

-LO SUBLIME, entendido como una categoría que significa y valora el sentimiento generado por la relación entre la grandiosidad e infinitud de un fenómeno y la pequeñez y finitud de nuestras fuerzas humanas. Cabe recordar la distinción ya clásica, a partir de Kant, entre lo Bello y lo Sublime (véase el Tema 1. 1. c). La belleza, sea natural o artística, implica un orden determinado, es decir, una simetría proporcionada, medida y finita; en cambio, lo sublime apunta a lo infinito, desproporcionado, sin medida, caótico. Como ejemplos de objetos estéticos sublimes están las obras pictóricas de J. M. W. Turner (1775-1841), que trazan paisajes inmensos e indeterminados, en donde lo caótico parece revelarse; también podemos encontrar esa doble cara de lo sublime -la

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grandiosidad de la fuerza natural y lo sobrehumano que se le enfrenta- en La Novena Sinfonía de Beethoven.

-LO COMICO, entendido como una categoría que critica y desvaloriza representaciones de la vida real, aunque, a veces, deformadas (véase el Tema 3. 1. e). Es posible distinguir tres tipos de comicidad:

a) Humor: que también critica, desvaloriza y se burla de lo sobrevalorado, de manera abierta y generosa, realizando una “crítica comprensiva y compasiva”, manifestando en las risas cierta simpatía hacia aquellos que son objeto de crítica. Sirve de ejemplo una película muda de Chaplin como La quimera de oro, en donde nos reímos de él, al mismo tiempo que lo compadecemos.

b) Sátira: que critica, desvaloriza y se burla de lo sobrevalorado, de manera abierta y cruel, sin ninguna simpatía hacia aquellos que cuestiona, manifestando en las risas indignación o ira. Pueden tomarse como ejemplos las caricaturas políticas de El Fisgón, en donde se burla del político caricaturizado con un cierto coraje.

c) Ironía: que critica, desvaloriza y se burla de lo sobrevalorado, pero de manera disimulada, oculta, sutil y profundamente. Por ejemplo: la película de Woody Allen El ciego, que narra la filmación de una exitosa cinta realizada por un director de cine que se queda ciego, burlándose así de la industria Hollywoodense, que terminó premiándolo.

-LO GROTESCO, entendido como una categoría que significa y valora la presencia de lo extraño, fantástico, irreal, o antinatural, como medio para quebrantar una imagen de la realidad y mostrar lo absurdo dentro de una realidad que se presentaba como un orden armónico (véase el Tema 3. 4. e). Un ejemplo es el tríptico El jardín de las delicias de El Bosco, en donde predomina lo irreal para revelar lo caótico real.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la estética. Grijalbo, México, 1992, pp.183-

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1.5. La Estética y las diferentes manifestaciones artísticas En los siglos XVIII y XIX se separa al arte de las artesanías, planteándose así una primera delimitación entre Bellas Artes y Artes menores o artesanías. De hecho, como parte de una reflexión estética, se han hecho varios intentos de clasificación de las artes, como la distinción entre Artes visuales y auditivas o entre Artes espaciales (plásticas) y temporales (rítmicas), que resultan insatisfactorias porque la recepción estética no puede reducirse a un sentido o a lo sensorial, ya que también intervienen en ella lo cognoscitivo, la imaginación y las emociones. Tomando en cuenta medios y expresiones podemos agruparlas así:

TIPO DE ARTE MEDIOS EXPRESIONES

TEATRO Palabras, gestos y acciones de actores que escenifican obra.

Representa: Tragedia, drama, comedia, loas, sainetes, etc.

DANZA Pasos, movimientos, gestos del cuerpo humano, con cierto ritmo musical.

Interpreta:

Ballet, baile, marcha, etc.

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CINE Palabras, gestos y acciones de actores que escenifican un guión ante las cámaras que lo graban y luego transmiten a los espectadores.

Filma: narraciones dramáticas, policíacas, musicales, etc.

LITERATURA

Palabras ordenadas como:

-POESIA: cadencia musical de versos y rimas con música y carga emotiva

Escribe poemas:

Libres Medidos y

Rimados

Épica

Dramática

Lírica

-PROSA: narraciones Escribe: -Novelas y -Cuentos

PINTURA Colores, líneas, tonos, claroscuros, timbre, imágenes, perspectiva, etc.

Plasmados

en superficies

Pinta:

-Murales o

-Cuadros de caballete: acuarela, pastel, óleo, aguazo, fresco, etc.

ESCULTURA Materiales objetivos: metal, madera, piedra, etc.

Plasmados en

objetos tridimensionales

Modela, talla y esculpe:

-de bulto

-de relieve

ARQUITECTURA Materiales: metal, madera, piedra, metal, vidrio, etc.

Plasmados en construcciones

Edifica obras: civiles y religiosas

MUSICA

Sonidos ordenados con:

Ritmo,

Melodía, timbre, armonía

Con diversos instrumentos musicales

Textura:

Interpreta y ejecuta música:

-Monofónica

-Homofónica

-Polifónica

Estructura: -Por secciones: binarias: danzas, etc.; ternarias: minuetos, etc.; rondó y libre.

-Por variación: bajo obstinado, chacona, pasacalle, etc.

-Fugado: fuga, preludio, madrigal, etc.

-Sonata.

-Formas libres.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Dorfles, Gino, El devenir de las artes. FCE, México, 1982, pp.42-56.

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1.6. Definiciones modélicas * de belleza y arte Ya vimos que dos temas fundamentales en la historia de la estética han sido los de la Belleza y el arte. ¿Es posible llegar a definiciones “modélicas” de ellos?

La definición es la operación conceptuadora que proporciona las características distintivas y esenciales * de un concepto. Así, por definición modélica entendemos aquella que se toma como perfecta e imitable, por ser, supuestamente, universal y necesaria.

En realidad, la ‘definición modélica de belleza’ corresponde a la definición clásica de ella (la que se originó en la Grecia Antigua) y la ‘definición modélica de arte’ a la concepción moderna de éste (la que surgió a partir del Renacimiento europeo). Ambas definiciones han sido criticadas porque, aunque se presentan como universales y necesarias, en realidad tienen límites históricos y culturales, pues si se han vuelto hegemónicas *, ha sido debido a la colonización * europea que se llevó en contra de otros pueblos.

Ø El término “Belleza” tiene su origen etimológico en la palabra griega kalos, que el pensamiento griego antiguo siempre asoció a lo Bueno moral: el ideal ético y espiritual de la kalokagathia, del hombre “bello y bueno”. De manera más directa, el término latino bellus, procede de benullus, diminutivo de benus bonus, que mantiene la relación entre bello y bueno.

A lo largo de la historia de la reflexión estética sobre la Belleza, esta categoría estuvo integrada a diversos sistemas de interpretación filosóficos (el platónico, el aristotélico, el teológico, y los sistemas modernos como el kantiano o el hegeliano), pero siempre conservando ciertos rasgos esenciales *, que nos permiten establecer una definición modélica de ella.

Sin embargo, cabe preguntarse, ¿sólo lo que tiene orden, simetría, proporción y armonía es bello? ¿Acaso no existen otros modelos de Belleza?

Aunque la estética amplió su campo al del arte en la época moderna, la categoría de la Belleza siguió dominando en esta esfera ya que sólo eran consideradas artísticas aquellas obras que expresaban o representaban a la Belleza.

Ø El término “arte” viene del latín ars, que refería a la habilidad y la técnica; ars traduce al griego tékhne, que remitía al “saber hacer algo con maestría”, siguiendo con las técnicas propias de una actividad productiva, como el saber técnico artesano. A la “técnica de producir algo” los griegos, en concreto Aristóteles, le denominaron tékhne poietiké y la aplicaron no sólo a las producciones artesanales, sino a toda clase de producciones culturales (véase el Tema 1. 1. a).

El ars medieval remitía al saber producir adecuadamente artefactos, de modo que, originariamente, el término “arte” significó capacidad y manera de hacer voluntariamente y con cierta preparación técnica, con atención especial, calidad y destreza, de ahí que actualmente se puede hablar del “arte de cocinar” o del “arte de jugar fútbol”.

La Belleza clásica o modélica refiere a esa experiencia estética que viene de la percepción o contemplación de seres u objetos que tienen orden y simetría, proporción y armonía, y provocan en el sujeto un placer equilibrado o goce armonioso.

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En la Edad Media se distinguió entre las “artes serviles”: que eran las manuales y propias de los siervos y las “artes liberales”: consideradas intelectuales y dignas, relacionadas con productos pulcros, bien hechos, íntegros, perfectos, proporcionados y claros. A partir de ese ars libre medieval, que viene de la poiésis griega, se levantó a partir del Renacimiento hasta el siglo XIX el moderno significado del término “arte”, entendido como la producción especializada de productos estéticos con fines exclusivamente estéticos –es decir, sin servir a la magia, a concepciones mítico-religiosas * o a otros intereses sociales.

En el transcurso de la historia, se han manejado diversas concepciones del arte; dentro de las más relevantes, destacaremos las siguientes:

· Arte como mimesis: como imitación, reproducción o peculiar reflejo de la realidad, de modo que es una forma de conocimiento que revela los rasgos esenciales * del ser humano (véase el Tema 3. 1).

· Arte como expresión: afirmando que el rasgo principal del arte es el expresar emociones, sentimientos y pasiones. Pero no toda expresión sentimental es artística: el arte es expresión pero no directa sino simbólica, dando a las vivencias una forma * idónea de plasmación objetiva.

· Arte como juego: como creación libre y lúdica *, que se desarrolla en un ámbito imaginario y como algo disfrutable y alegre, libre de funciones utilitarias (véase el Tema 1. 1. c).

· Arte como símbolo *: lo distintivo del arte es su condición simbólica, con una obra que se construye como símbolo * perceptible; el arte simboliza de una manera peculiar: más amplia y opaca (ambigua) que la meramente referencial *, además de que puede generar conocimiento (aunque no siempre lo hace); esta simbolización construye lo que conoce, de modo que es una simbolización innovadora que revela o hace emerger significados inéditos; transforma lo representado, lo revela, lo destaca y hace acontecer su verdad. Por eso, la simbolización artística está destinada a ser interpretada (véase el Tema 1. 1. d).

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Arte como conocimiento: Aristóteles, Poética, Editores Mexicanos Unidos, México, 1996.

Arte como expresión: Collingwood, R. G., Los principios del arte, FCE, México, 1960.

Arte como Juego: Palazón, Rosa Ma. Antología de la estética en México, Siglo XX. UNAM, México 2006.

Arte como Símbolo *: García Leal, J. Filosofía del arte, Editorial Síntesis, Madrid, 2002.

El arte, en su sentido moderno, remite desde el Renacimiento a la esfera autónoma * de la creación, distribución y consumo de obras de arte o a la producción especializada, libre y creativa, de objetos estéticos, simbólicos o cargados de significados, cuya única finalidad es ser disfrutados, apreciados, valorados o interpretados.

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1.7. Necesidad y fin del arte -¿Por qué el arte es tan importante en la vida humana? ¿De dónde viene la necesidad que sentimos hacia él? ¿Cuál debe ser su finalidad? Partamos de que la vida es, como dice Edgar Morin, “un tejido mezclado o alternado de prosa y poesía.”

La vida humana, explica Morin, tiene su lado prosaico, que refiere a todas aquellas actividades prácticas, técnicas y materiales de la vida cotidiana que se requieren para producir y reproducir la existencia, por ejemplo: trabajar, barrer, lavar, limpiar, hacer de comer, etc. En esa vida prosaica domina una mentalidad y un lenguaje racional, empírico y práctico; la sensibilidad prosaica se empobrece y se reduce a la percepción rutinaria y cotidiana que se limita a reconocer de manera automática (no conoce, siente o imagina), está orientada a lo práctico-utilitario y se vuelve un medio ‘para’ (utilizar, hacer, etc.); está condicionada por hábitos y esquemas rutinarios que la empobrecen; es una percepción que sólo registra información (ve y oye), pero de manera descuidada e indiferente; no es atenta, ni está dirigida o planeada; casi no significa ni busca, ni pregunta ni va más allá de la información recogida, no discrimina ni se enriquece; no interpreta ni inventa (no observa ni escucha, por ejemplo).

Sin embargo, la vida humana tiene, asimismo, una vertiente poética; sobre las actividades “prosaicas” se desarrolla un “estado segundo”: la vida poética, que remite a todas esas actividades placenteras, lúdicas *, creativas y que no son prácticas ni utilitarias, como la danza, el canto, la música, el juego, el amor, la poesía y el arte. En la vida poética domina una mentalidad y un lenguaje simbólico, mítico *, mágico, que utiliza la connotación, la analogía y la metáfora *; la sensibilidad poética asume varias modalidades que van más allá de la percepción rutinaria. El arte forma parte de esa vertiente poética de la vida que es necesaria para todos los seres humanos.

La vida poética ha defendido las actividades placenteras, lúdicas *, creativas y lo que no es práctico ni utilitario pero que hacen vivible, disfrutable y agradecible la propia existencia; ha tratado de preservar la danza y el juego, el canto y la música, el amor y el erotismo, las fiestas y el arte. Así, pues, la vida poética, y dentro de ella, el arte, no sólo es necesaria para nuestra existencia humana sino que es la propia vida humana, vivida como afirmación y plena de sentido. Pero, si el arte es necesario ¿cuál es la finalidad del arte?

El arte, ya lo hemos dicho, se independiza de todo intento de subordinarlo a funciones míticas *, rituales, religiosas o políticas; el arte se autonomiza * y se vuelve objeto privilegiado de la estética porque se vuelve un fin en sí mismo: no es medio de nada, no sirve para hacer magia o rendir culto (a los dioses, a los héroes), no funciona políticamente para justificar el dominio de los que tienen el poder en una sociedad establecida o para concientizar a los dominados (véase el Tema 4. 1). Lo distintivo de los productos estéticos que son arte es que se hacen sólo para ser percibidos con atención, para emocionarse con ellos e imaginar, pensar y encontrar significados a partir de ellos. Como mímesis, el arte se vuelve autoconciencia del ser humano; como expresión, explora y revela la interioridad humana; como juego abre un ámbito de creatividad y libertad; el arte satisface nuestras fantasías y da consuelo, pero también crítica a la realidad dada e imagina utopías *.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Morin, Edgar, Amor, poesía, sabiduría. Seix Barral, Barcelona, 2001, pp. 62 y ss.

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1.8 Estética y otras disciplinas cuyo ámbito es el estudio del arte Dado que la Belleza, el arte y la sensibilidad poseen dimensiones psicológicas, sociales e históricas y no sólo filosóficas, la reflexión estética tiene relación con:

a) La Sociología del arte, que se ocupa de estudiar las condiciones sociales de la producción, la distribución y el consumo de las obras de arte; esta ciencia se distingue de la estética por su enfoque parcial, ya que se limita a estudiar los aspectos sociológicos pero no los relativos a la naturaleza de la estética y del arte, a la problemática de los valores artísticos y la recepción de las obras de arte, etc. La sociología del arte apoya y enriquece a la reflexión estética, al contextualizar y determinar lo artístico dentro de la sociedad, pero también la estética sustenta a la sociología del Arte al fundamentar sus conceptos básicos; una reflexión estética puede desarrollarse sin necesidad de una sociología del arte, pero una sociología del arte no es posible sin una reflexión estética previa.

b) La Psicología del Arte, que se dedica a investigar la percepción estética, la génesis de la creación artística así como la recepción de las obras de arte. Se distingue de la estética por su perspectiva particularizadora: únicamente investiga las cuestiones empíricas, dejando de lado los aspectos conceptuales de la estética y del arte; la psicología del arte apoya y enriquece a la reflexión estética, al determinar con rigor los procesos psicológicos (la percepción, por ejemplo), pero, a su vez, la estética sustenta estos estudios porque todo estudio psicológico se apoya en supuestos filosóficos (por ejemplo, acerca de la realidad y el ser humano).

c) La Historia del Arte, que se enfoca al estudio del desarrollo del arte en períodos históricos concretos; esta ciencia también tiene una visión particular, en contraste con la pretensión sistematizadora o totalizadora de la estética; la historia del arte apoya y enriquece a la estética al proporcionarle de manera ordenada el material para su reflexión, pero ésta ciencia requiere de la estética para delimitar sus objetos de estudio (por ejemplo, el propio arte).

La estética, al formar parte de un sistema filosófico, también tiene una relación íntima con otras disciplinas filosóficas (la ontología, la axiología, la epistemología, la antropología e, incluso, la ética) y ha sido enriquecida por los aportes de nuevas ciencias como la lingüística y la teoría de la comunicación (con sus estudios sobre el signo, el símbolo *, los procesos de simbolización y de comunicación), así como las más recientes ciencias cognitivas.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la estética. Grijalbo, México, 1992, Primera parte, cap. III, pp. 59-74.

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En esta primera unidad presentamos una “Breve historia de la estética”, que partió de las primeras reflexiones filosóficas sobre la Belleza en los griegos, subordinadas a los sistemas metafísicos de Platón y Aristóteles, recorrió de manera muy general la Edad Media, cuando lo estético como lo filosófico se sometió a lo teológico, y llegó a la Modernidad, cuando lo artístico se volvió una esfera autónoma *, se constituyó a la Estética como disciplina independiente y se abrió la problemática estética más allá de lo Bello y lo artístico. De esa revisión general y esquemática de la historia de la estética sacamos en claro que la propia reflexión estética ha cambiado durante la historia, teniendo como objetos privilegiados de estudio a la Belleza, al arte y a la sensibilidad humana. Después de esa revisión histórica, planteamos a la estética como un sistema de interpretación filosófica; la filosofía, como amor a la sabiduría, quiere un saber sistemático y totalizador, racional y reflexivo, crítico e interpretativo, que abre y se ocupa de interrogaciones ilimitadas que, en el ámbito de la Estética, reflexionan sobre la Belleza, el arte y la propia sensibilidad humana. Con esos elementos definimos a la estética, determinando su objeto de estudio y su problemática de la manera siguiente: la estética es una disciplina filosófica que reflexiona de manera crítica y racional sobre la Belleza, el arte y la sensibilidad humana, abriendo una serie de interrogantes sobre esos temas, proporcionado respuestas racionales, pero discutibles, y elaborando sistemas interpretativos que se apoyan en saber particulares y científicos, logrando trascender a las ideologías * socio-históricas que la condicionan. Una vez que definimos a la estética, presentamos sus principales categorías, distinguiendo entre 1) las categorías que determinan y conceptualizan el terreno de lo estético (arte, obra de arte, estilos artísticos, etc.) y 2) las categorías valorativas o axiológicas que implican preferencias (Belleza, sublime, trágico, cómico, etc.). Después reflexionamos sobre las manifestaciones artísticas y realizamos una clasificación de las artes. Con esos elementos, examinamos las definiciones modélicas * o clásicas de la Belleza y moderna del arte, llegando a las siguientes conclusiones: La Belleza refiere a esa experiencia estética que viene de seres u objetos que tienen orden y simetría, proporción, determinación y armonía, provocando en el sujeto un placer equilibrado o goce armonioso. Por otro lado, el arte, en su sentido moderno, remite desde el Renacimiento a la esfera autónoma * de la creación, distribución y consumo de obras de arte, a la producción especializada, libre y creativa, de objetos estéticos, simbólicos * o cargados de significados, cuya única finalidad es ser disfrutados, apreciados, valorados, interpretados, y que están liberados de funciones mágicas, religiosas o políticas; el arte, entonces, puede ser una forma de conocimiento, de expresión, juego libre e imaginativo y simbolización *. Con esta idea del arte, determinamos la necesidad y el fin del arte distinguiendo en la vida social humana dos estados: el prosaico (rutinario y dedicado a la reproducción social) y el poético o estético (dedicado al goce y disfrute de la vida), dentro del cual encontramos al arte como una esfera necesaria para la vida del ser humano, ya que la afirma y le da sentido; desligado de fines prosaicos, , el arte es un espacio en el que el ser humano afirma su personalidad enteramente: percibe con atención, tiene emociones profundas y reveladoras, imagina y piensa, interpreta y enjuicia unificando, ampliando y profundizando su conciencia. Finalmente, explicamos que la estética se auxilia de ciencias particulares como la Sociología, la Psicología y la Historia que estudian al arte.

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I. Actividades de adquisición:

? Subraya lo más importante e identifica los conceptos principales de esta unidad.

? Elabora un glosario con la definición de esos conceptos.

? Realiza por lo menos una de las lecturas sugeridas al final de cada tema.

II. Actividades de codificación:

¥ Elabora un diagrama o mapa conceptual de toda la unidad.

¥ Diseña una línea del tiempo con las temáticas de la reflexión histórica de la Estética.

¥ Con tus propias palabras, explica por qué la Estética es una disciplina filosófica y cuáles son sus objetos de estudio.

III. Actividades de recuperación:

4 Responde por escrito las “Preguntas para la reflexión” que aparecen al principio de esta unidad.

4 Complementa la lectura de esta unidad con la lectura de la sección “Ampliación de los temas” que se incluye en el CD.

IV. Actividades de metacognición:

N ¿Qué aprendiste en esta unidad?

N ¿Se te facilitó realizar las actividades anteriores? ¿Cuál se te dificultó más? Reflexiona sobre cuál fue la causa de ello y busca una solución para esta dificultad.

N Evalúa tus avances: responde los reactivos de autoevaluación.

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Señala el inciso que corresponde a la respuesta correcta:

1. Distingue con qué se la relaciona la Belleza, de acuerdo a la reflexión estética: a) el placer, lo desproporcionado y lo inmenso. b) el orden, la proporción y la armonía. c) lo espiritual, lo grotesco y la fuerza transfiguradora. d) la condición humana, el arte y lo cómico.

2. Señala cuál es la comparación correcta: a) En la Antigüedad, la reflexión estética se ocupó ante todo de la belleza natural, y en la Época Moderna de la belleza artística; b) En la Antigüedad, la reflexión estética se ocupó ante todo de la belleza artística, y en la Época Moderna de la belleza natural; c) En la Antigüedad, la reflexión estética se ocupó ante todo del arte, y en la Época Moderna de la belleza natural y artística; d) En la Antigüedad, la reflexión estética se ocupó ante todo de la belleza natural y artística, y en la Época Moderna del arte.

3. Después de revisar la breve historia de la estética, indica qué respuesta resume mejor ese tema: a) los objetos de estudio de la estética son la belleza, el arte y la sensibilidad; b) los objetos de estudio de la estética son la naturaleza, Dios y el alma; c) la estética no tiene objetos de estudio determinados; d) los objetos de estudio de la estética son la historia, la cultura y el hombre.

4. ¿Cuál es la idea principal del siguiente texto de Samuel Ramos: “La Estética debe proponerse, pues, como su objeto peculiar, el fenómeno del arte entendiendo por este nombre todo cuanto sucede en este vasto dominio de la existencia humana, individual y social, que designamos con la expresión de vida artística.” a) la estética estudia a la vida; b) la estética estudia al arte; c) la estética estudia la existencia humana; d) la estética estudia la expresión.

5. “Leon Battista Alberti consideraba que la Naturaleza era el modelo de la Belleza, pero ésta se encuentra dispersa en lo natural, de modo que es necesario que el artista seleccione las notas bellas y las unifique en su obra; Miguel Ángel Bounarroti llega a decir que el artista puede incluso mejorar a lo bello natural; Leonardo da Vinci y otros pensadores y artistas renacentistas afirman el carácter humano y creativo del arte: los artistas no se limitan a imitar a la naturaleza pues son capaces de crear nuevas realidades; en esta invención y valoración del arte se le asigna a éste un solo fin: crear la belleza.” Podemos concluir que estas ideas son típicas de: a) la antigüedad, que reflexiona sobre lo bello natural; b) la edad media, que reflexiona sobre lo bello divino; c) el renacimiento, que reflexiona sobre la belleza artística; d) la época moderna, que reflexiona sobre lo artístico no bello.

6. ¿Cuáles son algunos rasgos principales de la filosofía?: a) se apoya en la fe, ser dogmática y cerrar las interrogaciones. b) se apoya en la razón, ser crítica y abrir las interrogaciones. c) se apoya en experimentos, ser particular y cerrar las interrogaciones. d) se apoya en intereses, ser ideológica y cerrar las interrogaciones.

7. Distingue lo que es la estética: a) una disciplina científica que estudia la Retórica, los Signos y los Símbolos *. b) una disciplina filosófica que estudia la Belleza, el arte y la sensibilidad. c) una disciplina teológica que estudia la revelación y la palabra divina. d) una disciplina filosófica que estudia el Bien, la Moral y la Libertad.

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8. Son preguntas de las que se ocupa la estética: a) ¿Qué es la verdad? ¿Hay verdades absolutas? ¿Cómo alcanzar la verdad? b) ¿Qué es la belleza? ¿Qué es el arte? ¿La cultura estética moldea la sensibilidad? c) ¿Qué es el hombre? ¿El ser humano es bueno o malo por naturaleza? d) ¿Qué es el Bien? ¿Qué es el Mal? ¿El ser humano es libre o determinado?

9. ¿Qué categorías estéticas se aplican a las obras de arte?: a) el valor, la generosidad, la fidelidad y la justicia. b) lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo grotesco; c) lo ontológico, lo ético, lo epistemológico y lo antropológico; d) signo, símbolo *, significante y significado.

10. “A ti, maravillosa disciplina,/ media, extrema razón de la hermosura/ que claramente acata la clausura/ viva en la malla de tu ley divina./A ti, cárcel feliz de la retina,/áurea sección, celeste cuadratura,/misteriosa fontana de mesura/que el Universo armónico origina./A ti, mar de los sueños angulares,/flor de las cinco formas regulares,/dodecaedro azul, arco sonoro./Luces por alas un compás ardiente./Tu canto es una esfera transparente./A ti, divina proporción de oro.” ¿A qué categoría estética está dedicado el anterior poema de Rafael Alberti? a) a la Belleza; b) a lo Sublime; c) a lo Trágico; d) al Humor.

11. “A/ Palabras/ Necias/ La/ Silenciosa/ Sangrante/ Santa/ Oreja/ De/ Van Gogh”. ¿Qué categoría estética se le aplica al anterior poemínimo de Efraín Huerta? a) la Belleza; b) lo Sublime; c) lo Trágico; d) la Ironía.

12. “Hay golpes en la vida, tan fuertes… Yo no sé!/ Golpes como del odio de Dios, como si ante ellos, la resaca de todo lo sufrido,/ Se empozara en el alma… Yo no sé!/ Son pocos pero son, abren zanjas oscuras/ En el rostro más fiero y en el lomo más fuerte./ Serán talvez los potros de bárbaros Atilas/ o los heraldos negros que nos manda la Muerte./ Son las caídas hondas de los Cristos del alma,/ de alguna fe que el destino blasfema./ Esos golpes sangrientos son las crepitaciones/ de algún pan que en la puerta del horno se nos quema./ Y el hombre, pobre… Pobre! Vuelve los ojos, como/ cuando por sobre el hombre nos llama una palmada,/ vuelve los ojos locos, y todo lo vivido/ se empoza, como charco de culpa, en la mirada./ Hay golpes en la vida, tan fuerte… Yo no sé!” ¿Qué categoría estética se le aplica al anterior poema de César Vallejo? a) la Belleza; b) lo Sublime; c) lo Trágico; d) la Ironía.

13. “Las artes se pueden clasificar en: artes visuales (arquitectura, pintura, escultura), artes auditivas (música y literatura) y artes de síntesis (teatro y cine).” En tu opinión, la anterior clasificación de las artes: a) Es correcta porque agrupa a las diversas artes de acuerdo a sus semejanzas esenciales; b) Es incorrecta porque reduce la recepción artística a los sentidos; c) Es correcta porque considera los medios y las expresiones; d) Es incorrecta porque algunas de las artes visuales son también auditivas.

14. Distingue cuáles son las manifestaciones artísticas: a) la cerámica, los textiles, la cestería y la orfebrería. b) la literatura, la música, las artes plásticas y el cine. c) la equitación, la gimnasia, las marchas y los desfiles. d) la tauromaquia, la gastronomía, la caza y el erotismo.

15. De acuerdo a Sánchez Vázquez: “El sentimiento de lo sublime se despierta en la relación entre la grandiosidad e infinitud de un fenómeno y las limitadas fuerzas humanas, o cuando éstas alcanzan un poder que sobrepasa desmesuradamente lo cotidiano o normal.” Una obra artística a la que se le aplicaría esta categoría de lo sublime sería: a) el mural de Diego Rivera sobre la educación en la SEP; b) un cuadro en el que Frida Kahlo se autorretrata rodeada de flores y aves; c) una pintura del Dr. Atl

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retratando la explosión del volcán Paricutín; d) un mural de Siqueiros sobre la Revolución mexicana.

16. La definición modélica * de la Belleza considera como rasgos esenciales *: a) el orden, la proporción y la simetría. b) el caos, lo desproporcionado y lo asimétrico; c) lo luminoso, lo claro y lo abierto. d) lo pequeño, lo tierno y lo agradable.

17. La definición modélica del arte en su sentido moderno es: a) una esfera autónoma, no funcional, de productos estéticos; b) una esfera no autónoma, funcional, de productos estéticos; c) productos estéticos cuya elaboración supone saber, técnica y destreza; d) productos mercantiles con un diseño que agrada o entretiene.

18. El arte es necesario para la existencia humana porque: a) mejora las relaciones sociales. b) amplía la conciencia y afirma la creatividad humana. c) permite sobrevivir y reproducir la existencia. d) transmite leyes y teorías.

19. La estética apoya y se apoya fundamentalmente en las siguientes ciencias: a) la sociología del arte, la psicología del arte y la historia del arte. b) la sociología política, la psiquiatría y la historia socio-económica. c) la ciencia política, la economía y la administración. d) el derecho, la mercadotecnia y la contaduría.

20. En la reflexión estética sobre la creación artística conviene apoyarse en los estudios: a) de la sociología del arte; b) de la sicología del arte; c) de la historia del arte; d) de las vidas de los artistas.

E ¿Cuántas respuestas correctas obtuviste en los reactivos de autoevaluación? E En un examen, ¿qué calificación habrías conseguido? E ¿Obtendrías la calificación que esperabas lograr antes de contestarlos y la que

deseas alcanzar en el examen extraordinario de la materia? E ¿Necesitas asesoría? Si es así, con toda confianza, busca a un profesor de

estética y plantéale tus dudas. E Sigue esforzándote como hasta ahora. E En la siguiente unidad estudiaremos la naturaleza del arte, el juicio y los valores

estéticos, pero, también, la relación entre el arte y la ética. Te prometemos que va a resultar muy interesante.

RESPUESTA A LOS REACTIVOS DE AUTOEVALUCIÓN 1. b 2. a 3. a 4. b 5. c 6. b 7. b 8. b 9. b 10. a 11. d 12. c 13. b 14. b 15. c 16. a 17. a 18. b 19. a 20. b

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SEGUNDA UNIDAD: El hombre ante las diferentes modalidades artísticas

Aunque solemos hablar de “El Arte” en general, éste adopta distintas modalidades dependiendo de quién lo realiza y a quién se dirige, pero también de la función social que cumple. Por ello, además del arte propiamente dicho (estudiado en la Unidad anterior), es necesario considerar otras modalidades artísticas, como el arte popular (del pueblo), de las masas (o de la cultura de masas), artesanal (las artesanías) e industrial (el diseño industrial).

Por otro lado, en el proceso de creación y apreciación del arte intervienen diversos sujetos: no sólo los artistas, sino también los intérpretes (o ejecutantes), críticos de arte, espectadores (el público), mecenas, copistas, empresarios, coleccionistas y divulgadores. Precisamente, en esta unidad estudiarás la función que cumple cada uno de estos sujetos así como las relaciones que guardan entre sí.

Pero también aprenderás las diferencias que existen entre las obras de arte cerradas, tradicionales o clásicas, y las obras de arte abiertas, modernas y contemporáneas.

Los objetivos de esta unidad son que:

a) amplíes tu visión sobre el objeto de estudio de la Estética; b) comprendas las diferencias que existen entre, por una parte, las artes o las

manifestaciones artísticas y, por otra parte, las modalidades artísticas, dependiendo de quiénes las crean y a quiénes se dirigen;

c) entiendas las características distintivas de cada una de las modalidades artísticas y seas capaz de identificar ejemplos de cada una de ellas;

d) comprendas y valores la función que realizan los distintos sujetos que intervienen en la creación y apreciación del arte así como las relaciones que se establecen entre esos sujetos; y

e) te des cuenta de las diferencias que hay entre las obras de arte tradicionales o cerradas y las abiertas o modernas.

Pero también se busca que seas capaz de analizar los fenómenos estéticos y artísticos a partir de los sujetos que intervienen en ellos así como del tipo de obras que los caracterizan.

ESQUEMA DE LA SEGUNDA UNIDAD

SUJETOS

OBRA

MODALIDADES

ARTE

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v ¿Qué modalidades artísticas existen? ¿Estas modalidades dependen de quién las realiza y a quiénes se dirigen?

v Los llamados “arte popular”, “de las masas”, “artesanal” e “industrial”, ¿realmente son arte o solamente expresiones estéticas?

v ¿Qué características distinguen a los artistas de quiénes no lo son?

v ¿Cuál es la función de los intérpretes y ejecutantes? ¿Pueden ser artistas?

v El espectador o el público, ¿es meramente receptivo o también puede y debe ser activo?

v ¿Qué otros sujetos, además de los artistas y el público espectador, intervienen en la creación y apreciación del arte y qué papel juegan en esos procesos? En efecto, ¿cuál es su función: auténticamente estética y hasta artística o, más bien, extra-estética y totalmente ajena al arte?

v ¿Cuáles son las diferencias que existen entre, por un lado, las obras de arte tradicionales y clásicas y, por otro lado, las modernas y contemporáneas?

2. 1 El arte y sus modalidades

Las ‘modalidades artísticas’ son las formas * que adoptan los productos artísticos y las experiencias estéticas dependiendo de quiénes las crean o producen y a quiénes se dirigen. El término se refiere a las expresiones estéticas que no son propiamente artísticas de acuerdo con la ‘definición modélica’ (véase el Tema 1. 6) o moderna del arte *, pues sus obras o productos no son únicos, originales e irrepetibles ni están únicamente destinados a ser contemplados estéticamente, sino que tienen una función práctica-utilitaria o extra-estética * (véase el Tema 1. 7).

En concreto, son modalidades artísticas 1) el arte artesanal o las artesanías, 2) el arte popular o del pueblo, 3) el arte industrial o el diseño industrial así como 4) el arte de las masas o de la cultura de masas.

En el programa de Estética de la ENP se incluye el estudio de estas modalidades para que poseas una visión más completa del mundo de lo estético.

Las modalidades artísticas que estudiarás

en esta unidad son diferentes a las

manifestaciones artísticas (arquitectura, danza, escultura, literatura,

pintura, música y teatro) que estudiaste en la

unidad anterior.

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a) Arte popular -¿Qué es el “arte popular”? ¿Qué es lo “popular”? Veámoslo.

Normalmente se entiende por ‘pueblo’ una comunidad con una cultura e identidad propias o diferentes de las de otras comunidades. Por ello, el arte popular o ‘arte del pueblo’ se refiere, en principio y de manera general, al que expresa, manifiesta o refleja las características de un pueblo particular. En ese sentido, el arte popular está directamente relacionado con lo ‘folclórico’ y ‘autóctono’, esto es, con el conjunto de tradiciones y costumbres de un pueblo o, también, de una región. Por eso, se habla del ‘arte mexicano’, ‘maya’ o ‘de la península de Yucatán’.

Pero la palabra ‘pueblo’ también puede referirse a los campesinos y a la población rural así como a los trabajadores de las ciudades y a la mayor parte de los habitantes de ellas. Así, ‘arte popular’ remite, en segundo lugar y de forma más específica, a los productos estéticos de quienes no pertenecen a los grupos o a las clases dominantes.

Las clases política y económicamente dominantes (nobleza, aristocracia o burguesía) tienden al ‘elitismo’ *, esto es, a seleccionar o escoger sus objetos artísticos y estéticos (supuestamente, los mejores) y a no compartirlos con el resto de la sociedad (el pueblo).

Otra característica de las obras del arte popular es que son realizadas por individuos que no han recibido un entretenimiento o una educación especial o formal y, aunque no son

necesariamente anónimas, sí tienen un carácter impersonal, en el sentido de que casi cualquier miembro de la comunidad podría realizarlas (por ejemplo, un compositor de música popular es un “portavoz” de la colectividad). Por otra parte, el arte popular usualmente se limita a reflejar la vida

cotidiana y no tiene pretensiones de “universalidad” (esto es, de trascender el momento y el lugar en el que fue creado para ser apreciado por cualquier persona), ya que se integra a su modo de vida, con funciones extra-estéticas * (por ejemplo, religiosas y festivas).

Ejemplos del arte popular mexicano son las leyendas, las festividades (como El día de muertos), los Ex votos *, los bailes típicos o folclóricos, los corridos, los bailes de salón, etc.

AArrttee aarrtteessaannaall

AArrttee ddee llaass mmaassaass

AArrttee iinndduussttrriiaall

AArrttee ppooppuullaarr

MMOODDAALLIIDDAADDEESS AARRTTÍÍSSTTIICCAASS

El arte popular es también llamado ‘arte

del pueblo’.

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b) Arte de las masas -¿Qué se entiende por “arte de las masas”?

El arte de las masas, que forma parte de la ‘cultura de masas’, se remonta a finales del siglo XVIII, ya que es el producto de los medios masivos de comunicación (mass-media): primero la imprenta, luego la radio, el cine, la televisión y, últimamente, la Internet. En efecto, estos medios permiten la transmisión masiva y a largas distancias (telecomunicación) de todo tipo de información y mensajes. Es decir, la cultura de masas supone el vertiginoso desarrollo moderno y contemporáneo de la ciencia y la tecnología (véase el Tema 4. 2. d).

Expresiones de la cultura de masas son la opereta, las novelas por entregas *, los carteles publicitarios, las películas hollywoodenses *, los best-sellers *, la música pop, las historietas, las telenovelas, los “video-clips” o videos musicales, etc.

c) Arte artesanal e industrial -¿Las artesanías son arte? ¿O en qué se distinguen de éste? Y los productos industriales que tienen rasgos estéticos, ¿pueden ser considerados arte? Reflexionemos un poco sobre estas preguntas.

De acuerdo con las concepciones moderna * y modélica del arte (véase los Temas 1. 6 y 4.1), las obras artísticas son diferentes del resto de los objetos, sobre de todo, de los de uso cotidiano, pues, a diferencia de éstos, ellas no cumplen una función práctica o utilitaria sino que únicamente son creadas para ser “contempladas”: el único “consumo” que deben recibir es “estético”.

Por otro lado, el arte no se reduce a la mera aplicación de técnicas o reglas establecidas, sino que tiene como fin crear objetos únicos, originales e irrepetibles, que incorporan valores artísticos (la belleza y afines), expresan la sensibilidad de sus autores y se dirigen a la de sus espectadores.

Lo anterior distingue al arte propiamente dicho del llamado arte artesanal o de las artesanías, las cuales, precisamente, se realizan conforme a ciertas reglas y técnicas establecidas que son trasmitidas de generación en generación. Por ello, el objetivo de los artesanos no es elaborar algo nuevo, original e irrepetible, sino, más bien, seguir un modelo y no expresar su sensibilidad individual, sino continuar una tradición familiar, comunitaria o regional (por eso, se organizan en talleres o formando gremios).

Ejemplos del arte artesanal son toda clase de cerámicas, utensilios, textiles, bordados, joyería, adornos, instrumentos musicales, muebles, etc., de un pueblo o una región. En el caso de México, la joyería de plata de Taxco, los juguetes de hojalata y madera o la cerámica de barro negro de Oaxaca.

Las artesanías son objetos producidos manualmente y en eso se distinguen del arte popular el cual incluye expresiones musicales, dancísticas y teatrales.

El arte de las masas pertenece a

la ‘cultura de masas’.

Los distintos tipos de artesanías

constituyen el arte artesanal.

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En la producción de las artesanías se pueden emplear todo tipo de instrumentos y máquinas, sin embargo, en ella se usa un tipo de tecnología que no permite la producción masiva o en serie de objetos iguales, ya que, si una artesanía es auténtica, siempre implica algún grado de trabajo manual, lo cual hace que contenga algunas imperfecciones y que ninguna sea idéntica a las otras.

Con arte industrial (también llamado “diseño industrial”) nos referimos a los objetos estéticos que son producidos, de forma mecánica, masiva y en serie, pero que también incorporan algún tipo de diseño, el cual tiene como fin hacerlos más atractivos o funcionales. Esto es, por medio del diseño *, además de volver más agradable y práctico el entorno cotidiano, se busca estimular la compra de determinados productos.

Lo anterior porque en nuestra cultura ha habido una ampliación del ámbito de lo estético: no sólo se incorporan cualidades estéticas en los productos industriales (lo cual fue propuesto por diversas vanguardias * artísticas, como la escuela Bauhaus *) sino, también, en el espacio urbano (urbanismo) y en cada uno de los aspectos de la vida diaria. Por eso, existen todo tipo de diseñadores: gráficos, de moda, muebles, jardines, etc. Incluso, se habla de “diseñadores de imagen” (de las personas) (véase el Tema 4. 2. d).

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Collingwood, R. G., Los principios del arte, FCE, México, 1985, pp. 23-47.

Fischer, Ernest, “El arte y las masas” (en) A. Sánchez Vázquez, Antología. Textos de estética y teoría del arte, UNAM, México, 1991, pp. 440-448.

Henckmann, Wolfhart y Konrad Lotter (eds.), Diccionario de Estética, Crítica, Barcelona, 1998, pp. 66-67, 156-157 y 198-199.

2. 2 Función del artista y del intérprete en la creación y apreciación artística -Si alguien crea un producto estético, ¿puede considerarse por ello un artista? Una persona que ejecuta o interpreta una obra de arte que ella no ha creado, por ejemplo, un músico, ¿puede ser artista? Examinemos con cuidado estos problemas.

El artista es el productor o creador de las obras de arte. Sobre todo, son considerados artistas los practicantes de las llamadas ‘artes liberales’, ‘superiores’ o ‘bellas artes’ (arquitectura, danza, escultura, literatura, música, pintura y teatro).

Sujetos artísticos

Artista

Intérprete

Espectador

Mecenas

Copistas

Empresarios

Coleccionista

s

Divulgadores

Al arte industrial corresponde a lo que

se conoce como ‘diseño industrial’.

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Un artista es alguien que es capaz de crear objetos únicos, originales e irrepetibles, que expresan su sensibilidad, estimulan la de otras personas y encarnan valores artísticos (la belleza y afines). Es decir, a diferencia de un artesano, un artista no se limita a copiar o reproducir lo existente, a seguir una serie de reglas o aplicar una técnica ya establecida. Y a diferencia de los diseñadores industriales, un artista no está limitado por consideraciones práctico-utilitarias, esto es, la funcionalidad de los objetos o las necesidades del público consumidor a los que sus creaciones están dirigidas.

El arte requiere inspiración (que es, a la vez, un estado propicio para la creación y aquello que la motiva y desencadena), así como el uso de las facultades creativas más elevadas, principalmente, la imaginación (entendida no sólo como la capacidad de representar lo

que está ausente sino, fundamentalmente, de concebir lo que no existe). Pero para crear obras de arte no basta con ello, sino que, además, es necesaria la capacidad para llevar a la práctica o materializar lo que se ha imaginado. Por eso, un artista no es, simplemente, alguien con una “gran fantasía”: sin obra públicamente contemplable nadie puede llegar a ser un artista.

La tarea del artista consiste en armonizar progresivamente lo que imagina con la materia con la que trabaja, la forma * y el contenido de su obra. Precisamente, la creatividad es la capacidad para encontrar soluciones a problemas nuevos e inesperados y ella es lo que distingue al arte de lo producido mecánicamente, en serie o masivamente.

Los artistas enfrentan diversas clases de problemas, tanto estéticos y artísticos como extra-estéticos o que plantean el medio y las circunstancias que les rodean. Precisamente, el ‘estilo’ de acuerdo con el cual realizan sus obras es un intento por resolver dichos problemas (véase el Tema 4. 2).

El intérprete o ejecutante es quien materializa o actualiza cierto de tipo de obras de arte que tienen una existencia efímera, se desarrollan en el tiempo o sólo existen durante el proceso o momento de su interpretación o ejecución. La interpretación o ejecución es, pues, una parte esencial * de algunas manifestaciones artísticas, pues sin ella no podrían ser apreciadas.

Por ejemplo, la danza es un ‘arte corporal’ que sólo existe cuando es ejecutada por medio de los movimientos de los bailarines. Por eso, además de estos últimos, son artistas intérpretes o ejecutantes los músicos y los actores. En cambio, son artistas autores los compositores, dramaturgos, coreógrafos, libretistas, guionistas y argumentistas.

Lo anterior a diferencia del arte objetual, principalmente, la pintura, la escultura, y la arquitectura, en el cual el trabajo del artista produce como resultado un objeto relativamente permanente o, también, a diferencia de la literatura en la que el lector puede reconstruir directamente la obra artística (en su mente) sin necesidad de un “mediador”.

A los productores o creadores de las manifestaciones

artísticas (arquitectura, danza, música, etc.) se les denomina artistas.

A los intérpretes también se les conoce

como ‘ejecutantes’.

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BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Dacal, Alonso, Estética general, Porrúa, México, pp. 316-327 y 338-341.

Hauser, Arnold, Sociología del arte. 2. Arte y clases sociales, Guadarrama, Labor, 1977, pp. 312-399.

Henckmann, Wolfhart y Konrad Lotter (eds.) Diccionario de Estética, Crítica, Barcelona, 1998, pp. 26-28 y 78-80.

2. 3 Función del crítico en la valoración del arte La aparición y función del crítico de arte se hizo posible a partir del siglo XVIII cuando fructificaron las iniciativas de algunos filósofos por desarrollar a la Estética como una disciplina filosófica autónoma y para convertir al arte como un objeto de estudio susceptible de conocimiento racional y fundamentado; surgieron además las academias *, los salones de arte y se instituyó el reconocimiento de las Bellas Artes. Todo ello desencadenó, además la aparición de revistas especializadas que ‘comunicaban’ los avances en el arte y la Estética, la creación de un público que, de alguna manera, era necesario formar o educar.

En ese contexto de comunicación de los fenómenos artísticos surge quien hace la apreciación y valoración del arte: el crítico de arte. Pero el crítico de arte no sólo “aprecia” o emite juicios de valor sobre una obra determinada, sino que es capaz de elaborar un ensayo en donde las analiza, valora o interpreta. Para realizar una crítica del arte es necesario:

· poseer conocimientos sobre los fenómenos artísticos;

· capacidad de percibir los detalles en conjunto, apreciando la relación de éstos con la totalidad de la obra;

· hacer explícitos y definir los valores artísticos de una obra; · poder expresar la sensibilidad que manifiesta la obra o la experiencia estética

que provoca en los espectadores; · reconocer estilos, técnicas de creación o producción, corrientes y géneros de

las diversas expresiones artísticas;

· ser capaz de expresar los juicios críticos en una forma * literaria tal que se manifieste con claridad la interpretación, valoración y apreciación estética y artística; y

· emitir juicios estéticos objetivos o intersubjetivos, pero que atiendan y respeten la pluralidad de las opiniones.

El crítico tiene la función de ser enlace entre el espectador, la obra y el artista, pues con sus ensayos crea y recrea los sentidos artísticos para que se logre la experiencia estética y se alcance la comunicación. En el crítico la apreciación estética va así más allá de los datos históricos, técnicos o conceptuales de la obra valorada; el ensayo crítico pretende ofrecer normas estéticas que permitan al público y al artista retroalimentarse (véase el Tema 3. 2).

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Sin embargo, también el crítico de arte puede funcionar como un vigilante o censor que toma el pulso al desarrollo de la actividad artística. De este modo, el triunfo o fracaso de una obra puede deberse a la crítica, independientemente de la recepción del público, las cualidades de la obra o la trayectoria del artista. Es por ello que, en su aporte positivo, la crítica de arte resulta un elemento formativo, educativo y democrático al acercar al público a este campo de la cultura que constituye un elemento indispensable para la formación humana de los espectadores.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Dacal, Alonso, Estética general, Porrúa, México, pp. 327-331.

Ramos Samuel. Filosofía de la vida artística, Espasa-Calpe, Col. Austral mexicana, México, 1998, pp. 75-78.

Sánchez Vázquez, Adolfo. Invitación a la Estética, Grijalbo, México, 1992, 27-29, 34-36 y el capítulo III de la segunda parte.

2. 4 Función del espectador, su juicio y su actitud ante la obra de arte Otro de los sujetos del arte lo constituye sin lugar a dudas el espectador, que formando grupos se le conoce como ‘público’, destinatario final de la obra de arte para su apreciación.

Ocurre que el artista crea por una necesidad imperiosa que lo empuja a expresar su sensibilidad, mundo interior o forma de interpretar la vida, y lo hace en primera instancia para satisfacer esa necesidad; pero, finalmente, la obra de arte también está hecha para ser apreciada, contemplada y valorada por otros que la gozan, disfrutan, recrean, estudian o critican. Así como el artista tiene una experiencia estética durante el proceso de creación, el espectador o el público la tienen en el proceso de apreciación.

Cuando se pasa del interés por el artista y su obra a la experiencia estética, se rescata y da un espacio al sujeto al que va dirigido, incluyéndose como objeto de análisis, lo que sucede en el espectador, su sensibilidad y experiencia estética.

Lo anterior abre un problema de la apreciación estética: ¿el arte gusta porque es bello o es bello porque gusta? Se trata del problema entre objetivistas y subjetivistas *; los primeros consideran que el arte gusta y vale por sí mismo, mientras que los segundos opinan que gusta y vale sólo por el sujeto que lo aprecia (véase el Tema 1. 1. c).

Un intento de solución al problema anterior lo ofrece la teoría de la recepción que otorga al espectador la función de recreación y complementación del proceso estético. En dicha teoría se concibe al fenómeno artístico como un proceso de comunicación en el que intervienen, por igual, autor, obra y receptor. Vale decir, que sólo al conjuntarse la intención del autor en la obra producida y la expectativa del espectador que la aprecia, ambas partes se complementan y la experiencia estética tiene lugar. Esto es posible porque la obra no es cerrada, es decir, no posee un solo significado o un sentido exacto, sino que es abierta * (véase el Tema 2. 6), por lo que puede ser interpretada de múltiples maneras.

En el proceso de apreciación el espectador puede no sensibilizarse frente a las obras de arte, por ello es necesario que el espectador tenga una educación en el arte o sobre el

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arte y se mantenga en contacto con él, en alguna de sus diversas manifestaciones, para que forme parte de su vida. La educación estética es, entonces, una parte complementaria y necesaria en todo espectador para que sea considerado como tal.

El espectador así, tendría una opinión fundamentada que iría más allá del “me gustó o no me gustó, es bonito o no lo es.” El espectador con todo, no llega a formular juicios como los del crítico de arte, ni su opinión tiene la especialización, la profundidad o fundamentación de aquél. En general, solamente emite juicios de gusto y no juicios estéticos (véase el Tema 3. 2).

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Dacal, Alonso, Estética general, Porrúa, México, pp. 332-338.

Ramos Samuel. Filosofía de la vida artística, México, Espasa-Calpe, Col. Austral mexicana, 1998, pp. 83-86.

Sánchez Vázquez, Adolfo. Invitación a la Estética, México, Grijalbo, 1992, pp. 29-31, 37, 38.

2. 5. Otros sujetos en el arte: mecenas, copistas, empresarios, coleccionistas y divulgadores

Ya examinamos las modalidades del arte y revisamos las relaciones estéticas que existen entre el artista, el intérprete, el crítico y el espectador. Sin embargo, no todo lo relativo al arte es estético, ya que el propio artista y la obra de arte se encuentran dentro de una

realidad socio-histórica concreta que condiciona el destino de ambos (véanse los Temas 1. 1 y 3. 4).

A partir del Renacimiento hasta el siglo XIX, se sustituye el antiguo sistema de artesanías/artes por el moderno sistema del arte, en el que éste se separa de las artesanías, apareciendo otros sujetos que se relacionan con las obras de arte, pero sin establecer ninguna relación propiamente estética con ellas.

En el antiguo sistema de artesanías/artes los artesanos/artistas eran trabajadores con un oficio que requería ciertos conocimientos y habilidades técnicas; trabajaban decorando palacios o iglesias, divirtiendo con la música o la poesía, sirviendo a sus señores; producían objetos estéticos que dependían de un contexto funcional (decorativo, religioso, político, útil, etc.); eran miembros de gremios y talleres en los que cumplían encargos de sus mecenas (aristócratas, políticos, congregaciones religiosas, etc.).

Los mecenas jugaban un papel importante en la cultura estética en la que el arte no se había separado aún de las artesanía, en el antiguo sistema de artesanías/artes, ya que son ellos los que pagaban los servicios o mantenían al artesano/artista. Antes de la invención de la imprenta, todos los escritos se reproducían a mano por escribas y copistas, artesanos que servían al clero y a las cortes, realizando una labor utilitaria y remunerada.

Aunque predominan en el pasado, aún en el Renacimiento y hasta el siglo XIX existen los artesanos/artistas; incluso Leonardo da Vinci realizaba obras por encargo para señores o

No todo lo relativo al arte es estético

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para congregaciones religiosas, firmando contratos en los que se especificaban los rasgos de la obra solicitada, el pago por hacerla y los nombres de los encargados, porque se trabajaba en talleres o con la cooperación de otros artesanos/artistas.

En el moderno sistema de arte los artistas son considerados genios inspirados que crean objetos estéticos únicos y originales; crean libremente, sin fines utilitarios, para expresar su creatividad sin servir a nadie; son creadores de obras de arte únicas que no tienen fines utilitarios o funcionales pues están hechas para ser contempladas y valoradas; son considerados, finalmente, individuos inspirados y geniales, que se expresan libre y creativamente. Con la valoración de la obra única y original se deja atrás la época de los copistas y aparecen los falsificadores.

En una primera fase estos artistas individuales todavía dependían de los mecenas (aristócratas u órdenes religiosas), quienes subordinaban de manera económica a los artistas para apropiarse de sus obras. Con el paso del tiempo el arte y los artistas crean sus propias instituciones y el público que, en definitiva, les permitirá ser independientes. A partir del siglo XVIII aparecen los Museos de arte, los conciertos de música en su sentido actual, las bibliotecas y librerías, las exposiciones de pintura y escultura. Un público burgués y, sobre todo, pequeño burgués empieza a comprar libros y pinturas, paga por escuchar óperas o conciertos de música, etc. En esta nueva realidad aparecen dos nuevos sujetos: los coleccionistas de obras de arte (principalmente, plásticas) y los empresarios, que privatizan y mercantilizan la esfera de producción, distribución y consumo de obras de arte.

Con Michelangelo Buonarroti se anuncia ya el artista individual que discute con su mecenas, defendiendo el carácter original y creativo de su obra. Con él surge la tendencia del artista que deja de ser artesano, que crea obras únicas y originales, sin ser parte de un taller o gremio de artesanos. Sin embargo, Mozart muere en la miseria porque intenta ser independiente cuando las condiciones sociales todavía no lo permiten. Beethoven, en cambio, logra su autonomía y puede sobrevivir de sus obras, dedicado a la creación libre de su arte.

Pese a que el arte moderno, sobre todo el vanguardista*, buscó marginarse de la Academia * y del mercado, el desarrollo de la técnica permitió la reproducción masiva de obras de arte y su mercantilización *. En unos años, los empresarios o marchantes dominaron gran parte de la esfera de producción, distribución y consumo masivo de obras de arte, con criterios mercantiles * (compra-venta masiva) y de maximizar ganancias. De hecho, casi todas las manifestaciones artísticas dependen, en su producción masiva, difusión y consumo, de industrias que mercantilizan * las obras de arte para obtener ganancias. El cine, por ejemplo, siempre ha tenido ese doble rostro: es una industria de entretenimiento regida por las ganancias y, también, un espacio de imaginación, libertad y creatividad artística (véase el Tema 2. 1. b).

De finales del siglo XIX a mediados del siglo XX, el arte se divorcia de la sociedad establecida y se rebela contra ella. Con el pleno desarrollo del capitalismo, el artista descubre que sus creaciones no pueden nutrirse de los valores que predominan en este tipo de sociedad (cuantitativos y monetarios) y que sus productos son estorbados por la mercantilización * y la dehumanización *.

Entre los teóricos de la estética hubo posiciones contradictorias ante este fenómeno: 1) para unos la masificación del arte de la industria de la cultura es positiva porque populariza y democratiza las artes y la belleza, llevándola a la vida diaria de los seres

Moderno sistema del arte

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humanos y satisfaciendo esa necesidad; se valora así el papel de los divulgadores del arte (comentaristas, periodistas culturales, escritores especializados, guías de museos, etc.), que se vuelven mediadores entre las obras de arte y un público más amplio; 2) otros cuestionan la masificación y mercantilización de un arte que manipula al público y coloniza * ideológicamente * la propia vida cotidiana, de modo que la divulgación masiva se vuelve, más bien, una simple vulgarización *.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Sánchez Vázquez, A., Las ideas estéticas de Marx, ERA, México, 1980, pp.155-281 (“El destino del arte bajo el capitalismo”).

Shiner, Larry. La invención del arte, Paidós, Barcelona 2004, pp.119-213 (“El arte dividido”).

Lunn, Eugene. Marxismo y Modernismo, FCE, México 1986, pp.173-246 (“Benjamín y Adorno”).

2. 6. Características de la obra de arte tradicional y de la obra de arte abierta

En los apartados anteriores nos ocupamos de los sujetos que intervienen en la creación y apreciación del arte. Es necesario que ahora hablemos de lo que les une: las obras de arte.

Toda obra de arte, por su forma * acabada, está completa y cerrada como una totalidad. Sin embargo, en tanto que requiere ser comprendida e interpretada, la obra puede considerarse incompleta y abierta. Precisamente, para Umberto Eco, toda obra de arte es una Obra Abierta que necesita un receptor y una interpretación. De hecho, los efectos estéticos de las obras de arte (placenteros, cognoscitivos, emotivos) dependen de esa apertura que está en la ejecución y en la interpretación.

Sin embargo, no siempre fue aceptado que las obras de arte están abiertas a las interpretaciones, por eso Eco distingue varias etapas de un proceso histórico que culmina con el Arte moderno:

ETAPAS CARACTERÍSTICAS Arte clásico, de la Edad Media y Renacentista

Se producen obras cerradas tradicionales, con un carácter unívoco (con un solo sentido), que a su manera introducen Orden (divino) al caos.

Incluso el arte renacentista, que trató de descentrar al Cosmos religioso, sólo dio lugar a otro estilo que tenía su modelo en el arte Clásico griego. El sentido de las obras de arte renacentistas es claramente humanista, sin abandonar por ello la concepción tradicional de la belleza como armonía, orden y proporción (Cosmos), ni dejar de pretender ser naturalistas o realistas.

Arte barroco Este arte significa una ruptura con el arte Clásico y es la primera manifestación de la cultura y sensibilidad propiamente moderna al instituir una poética * del asombro, el ingenio y la metáfora * que requiere, necesariamente, de la interpretación y complicidad del receptor. Ya no presupone un Cosmos claro y distinto: en sus obras

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aluden a un universo abierto, misterioso y a investigar, anunciando a la obra abierta.

Romanticismo Con este arte aparece ya, abiertamente, la estética de la Obra Abierta en donde la obra artística no tiene un sentido único porque está preñada de mil sugerencias; es, de hecho, una poética * de la sugerencia que no transmite significados precisos sino símbolos * que comunican lo indefinido, lo abierto a reacciones y comprensiones.

Arte Moderno La estética de la obra abierta se afirma con el arte vanguardista *, y, sobre todo, con el contemporáneo, dedicados a producir este tipo de obras, que tienen un carácter ambiguo y valoran lo caótico, lo informe, indeterminado y azaroso. Con el arte moderno se producen deliberadamente obras abiertas y el artista comprende que si toda obra artística está sujeta a interpretación, debe promover “la máxima apertura posible”, buscando generar actos de libertad conscientes.

En conclusión, la Obra Abierta es un movimiento que invita al espectador y al crítico a interpretar y dar sentido a la obra de arte con el propio autor; aunque físicamente completas, toda obra está abierta a una germinación continua de relaciones interpretativas que el espectador debe descubrir ejercitando su sensibilidad, la imaginación y la inteligencia.

La obra literaria de Kafka, Joyce y Brecht son ejemplos de obras abiertas, cargadas de significados y deliberadamente ambiguas, que exigen la participación activa de los receptores.

Kafka, por ejemplo, escribió obras complejas y deliberadamente cargadas de símbolos *, que exigen la interpretación del lector: en La Metamorfosis cuenta la historia de un personaje que despierta convertido en un “monstruoso insecto”; las primeras líneas de esta narración dicen: “Una mañana, después de un sueño intranquilo, Gregorio Samsa se despertó convertido en un monstruoso insecto.” A pesar de ese principio fantástico, el resto del relato se limita a describir con detalle y realismo * la vida cotidiana de una familia en la que el hijo se volvió un insecto. Leyendo esta historia de Kafka es inevitable preguntarse sobre lo que significa esa extraña metamorfosis del personaje, nos sentimos obligados a tratar de darle un significado, con la conciencia de que no será el único y definitivo. Por eso, es una obra abierta.

Según se ha explicado, la apertura de la obra de arte es, por un lado, típica en toda la historia del arte ya que toda auténtica obra de arte está cargada de significados; pero, por otro lado, es programática en el arte moderno y contemporáneo pues en estos estilos se pretende crear obras deliberadamente ambiguas, inconclusas, simbólicas, que exigen una interpretación activa por parte del público. Justamente en esa apertura de significados está la condición del propio goce estético de toda obra de arte y, en el caso de la obra de arte contemporánea, existe la intención explícita de organizarla de esa manera.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Eco, Umberto, Obra Abierta. Planeta, Barcelona, 1984.

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Las modalidades artísticas se establecen dependiendo de quién realiza las obras y a quién se dirigen éstas, pero también de la función social que cumplen. El arte popular es el que expresa, refleja, etc., las características de un pueblo particular. De manera más concreta, es el arte de las clases no dominantes y que se distingue por su sencillez, en contraposición al arte elitista * o culto. El arte de las masas es el transmitido y producido por los medios de comunicación y se caracteriza por eliminar los rasgos particulares que pueden dificultar el consumo masivo de sus mensajes o productos. El arte artesanal o las artesanías son objetos con características estéticas pero que son producidos por medio de reglas y técnicas tradicionales y que poseen un uso práctico o meramente decorativo. El arte industrial o los productos industriales son objetos hechos en forma masiva o en serie y que incorporan cierto tipo de diseño que tiene como fin hacerlos más agradables, atractivos o funcionales. El artista es el sujeto creador del arte, sobre todo, de las ‘bellas artes’ o ‘artes liberales’ (arquitectura, danza, escultura, literatura, música, pintura y teatro). No sólo es una persona muy hábil o con gran técnica, sino capaz de crear objetos únicos, originales e irrepetibles, que incorporan valores artísticos (la belleza y afines), expresan su sensibilidad y se dirigen a la de sus espectadores. Los intérpretes o ejecutantes son los sujetos encargados de materializar o actualizar obras de arte (musicales, teatrales y dancísticas) que sólo existen durante el proceso o momento de su ejecución o interpretación. Son artistas intérpretes o ejecutantes los actores, bailares y músicos y artistas autores los dramaturgos, coreógrafos y compositores. Además del artista, del intérprete, del espectador y del crítico, han aparecido históricamente otros sujetos que no tienen ninguna relación estética (de apreciación, goce, interpretación) con el arte, pero que tienen una intervención decisiva en la producción, distribución y consumo de las obras de arte. Nos referimos a sujetos como los mecenas, que ponían a su servicio a los artesanos/artistas, que realizaban un trabajo utilitario y remunerado, con cierto carácter estético que les permitía sobrevivir, pero sin intenciones artísticas, como los copistas. Cuando se crean las instituciones y el público del sistema moderno del Arte, aparecen los coleccionistas, que compraban obras de arte originales, permitiendo que el artista subsistiera por su trabajo, pero remitiendo a una esfera privada y elitista * la distribución y consumo de obras de arte. Cuando el capitalismo alcanza su pleno desarrollo y la tecnología permite la reproducción masiva de obras de arte, los empresarios organizan una industria de la cultura que mercantiliza * al arte al mismo tiempo que controla y domina su producción, difusión y consumo masivo. Surge también la figura de los divulgadores que funcionan como mediadores entre el arte y un público de masas. Pueden distinguirse dos tipos de obras de arte: 1) La obra de arte tradicional, acabada y cerrada, con un solo sentido que instaura un Comos (un orden); 2) La obra de arte abierta, característica del arte moderno y contemporáneo, que se presenta como inacabada y abierta, interpretable, con múltiples significados que deben ser otorgados por los espectadores o receptores de ella.

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I. Actividades de adquisición: ? Subraya las ideas y conceptos principales de esta unidad. ? Elabora un glosario con la definición de dichos conceptos. ? Realiza al menos una de las lecturas sugeridas al final de cada tema.

II. Actividades de codificación:

¥ Elabora un diagrama o mapa conceptual de toda la unidad. ¥ Con tus propias palabras, explica en qué consisten cada una de las

modalidades artísticas y la función de los sujetos artísticos estudiados en esta unidad.

¥ Explica con tus propias palabras la diferencia entre las obras de arte cerradas y las abiertas.

¥ En un libro de historia del arte o en una enciclopedia, busca un ejemplo de esos tipos de obras.

¥ Investiga acerca de la vida y obra de alguno de los artistas mencionados en esta unidad.

¥ También investiga sobre alguna modalidad artística que haya llamado tu atención.

III. Actividades de recuperación: 4 Responde por escrito las “Preguntas para la reflexión” que aparecen al principio de

esta unidad. 4 Complementa el estudio de esta unidad con la lectura de la sección “Ampliación de

los temas” que se incluye en el CD. 4 Repasa lo que has aprendido apoyándote en las Presentaciones en PowerPoint

incluidas en el CD de esta Guía. IV. Actividades de metacognición: I ¿Qué aprendiste en esta unidad? I ¿Se te facilitó realizar las actividades anteriores? ¿Cuál se te dificultó más?

Reflexiona sobre cuál es la causa de ello y busca una solución para esta dificultad. I Evalúa tus avances: responde los reactivos de autoevaluación.

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1. La elaboración de cerámica, utensilios, textiles, bordados, joyería, adornos, instrumentos musicales y muebles forma parte del: a) arte mayor; b) arte artesanal; c) arte liberal; d) arte de las masas; e) bellas artes.

2. Con los objetos de este tipo de modalidad artística, además de volver más agradable y práctico el entorno cotidiano, se busca estimular el consumo o la compra de determinados productos: a) arte del pueblo; b) artesanías c) bellas artes; d) arte popular; e) arte industrial.

3. El arte popular se caracteriza por: a) ser trasmitido por los medios masivos de comunicación; b) gustarle a muchas personas y encontrarse muy difundido; c) expresar las características de un pueblo particular o de una parte de éste; d) pretender ser universal o trascender todo momento y lugar.

4. El arte de las masas es: a) el que, con un fin artístico, retoma y cuestiona los productos de la cultura de masas; b) el propio de una elite o un grupo selecto; c) el característico de un pueblo particular o de una parte de éste; d) el que es trasmitido y producido por los medios de comunicación; e) el que siempre es elaborado manualmente.

5. Las obras del arte artesanal tienen como una de sus principales características ser: a) abiertas y pretenden romper con todo lo anterior; b) realizadas conforme a reglas y técnicas preestablecidas y tradicionales; c) producidas industrialmente, en forma masiva o en serie; d) parte de las artes liberales o bellas artes; e) objetos sin una función práctica y solamente destinados a la contemplación estética.

6. El arte industrial se distingue por ser: a) único, original e irrepetible; b) elaborado manualmente; c) desinteresado o un fin en sí mismo; d) libre de todo fin práctico o función utilitaria; e) producido mecánicamente o en serie.

7. El arte o la cultura de masas es: a) la trasmitida y producida por los medios masivos de comunicación; b) la propia de una elite o grupo particular; c) la que, con un fin artístico, retoma y cuestiona los productos de dicha cultura; d) característica de un pueblo o de una parte de él.

8. Esta modalidad artística ha sido posible gracias al desarrollo de medios de comunicación que transmiten a larga distancia de todo tipo de información y mensajes: a) arte popular; b) arte artesanal; c) arte de las masas; d) bellas artes e) artes liberales.

9. Son sujetos indispensables para la actualización o materialización de cierto tipo de expresiones artísticas cuyas obras tienen una existencia efímera, se desarrollan en el tiempo o sólo existen en el proceso o momento de su ejecución: a) divulgadores; b) copistas; c) críticos de arte; d) autores; e) intérpretes.

10. Elige la opción que indica una característica que poseen los artistas, pero no los artesanos y los diseñadores industriales: a) se limitan a copiar o reproducir lo existente b) siguen una serie de reglas o técnicas ya establecidas y tradicionales; c) su trabajo está limitado por consideraciones práctico-utilitarias; d) lo que producen depende de la funcionalidad de los objetos o las necesidades del público consumidor a los que éstos se encuentran dirigidos; e) crean objetos

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únicos, originales e irrepetibles destinados a la contemplación puramente estética.

11. En su libro Sociología del arte, Arnold Hauser señala que en el Cinquecento: “El pintor comienza a pintar sus cuadros con una conciencia distinta con la que decora las arcas y las banderas, los platos y las jarras” y que “la producción para un cliente se torna creación destinada a un mercado libre, que no impone atadura especial alguna, pero que tampoco ofrece ninguna seguridad”. Por tanto, Hauser sostiene que en el Cinquecento los pintores de cuadros: a) producían únicamente para satisfacer a determinados compradores; b) no tenían consciencia de sí mismos como diferentes de los artesanos; c) únicamente se dedicaban a pintar cuadros; d) empezaron a separarse de los artesanos.

12. De acuerdo con lo que dice Julia Liebscher en el Diccionario de Estética, las artes temporales, como la música, precisan de este sujeto “para poder aparecer en absoluto de modo perceptible [o] sensiblemente: la música se da cuando suena”. Por tanto, para esta autora, a diferencia del arte objetual, las artes temporales requieren necesariamente de un: a) artista; b) intérprete; c) espectador; d) crítico de arte.

13. Según Larry Shiner en La invención del arte, los artesanos/artistas eran trabajadores con un oficio que requería ciertos conocimientos y habilidades técnicas; trabajaban decorando palacios o iglesias, divirtiendo con la música o la poesía, sirviendo a sus señores; producían objetos estéticos que dependían de un contexto funcional (decorativo, religioso, político, útil, etc.); eran miembros de gremios y talleres en los que cumplían encargos de sus mecenas (aristócratas, políticos, congregaciones religiosas, etc.). La función de los mecenas era: a) coleccionar obras de arte para exhibiciones públicas; b) mercantilizar a las obras de arte para comprarlas y venderlas; c) divulgar a las obras de arte para difundir la cultura artística; d) mantener a los artistas para que siguieran produciendo obras.

14. Los artistas eran y son considerados genios inspirados que crean objetos estéticos únicos y originales; crean libremente, sin fines utilitarios, obras de arte únicas que no tienen fines utilitarios o funcionales pues están hechas para ser contempladas y valoradas. Con la valoración de la obra única y original: a) se deja atrás la época de los copistas y aparecen los falsificadores; b) aparecen los coleccionistas y divulgadores de obras de arte; c) se regresa a los gremios y a las obras por encargo; d) los empresarios dominan el proceso de producción, circulación y consumo de obras de arte. Señala la opción incorrecta.

15. Para Umberto Eco las obras de arte tradicionales se caracterizan por ser: a) cerradas y con un único sentido; b) abiertas y con múltiples sentidos; c) abiertas a un solo sentido; d) cerradas y con muchos sentidos.

16. Las obras de arte modernas se caracterizan, de acuerdo a Umberto Eco, por ser: a) cerradas y con un único sentido; b) abiertas y con múltiples sentidos; c) abiertas a un solo sentido; d) cerradas y con muchos sentidos.

17. Las obras tradicionales cerradas son típicas del arte: a) clásico; b) barroco; c) romanticismo; d) moderno.

18. Las obras abiertas son típicas del arte: a) clásico b) barroco; c) medieval; d) moderno.

19. El dramaturgo alemán Bertolt Brecht rechazaba los métodos tradicionales y realistas en sus obras de teatro e introducía mecanismos de distanciamiento (en el que los actores congelaban la acción para salirse de la historia y dirigirse al

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público), evitando de esta manera que el espectador se identificara con los personajes de la escena y se hechizara por la historia representada, obligándolo a pensar y a interpretar la obra. Sus obras de arte son ejemplos de: a) obras de arte cerradas y tradicionales; b) obras de arte abiertas y modernas; c) obras de arte cerradas y abiertas tradicionales; d) obras de arte cerradas y abiertas modernas.

E ¿Cuántas respuestas correctas obtuviste en los reactivos de autoevaluación? E En un examen, ¿qué calificación habrías conseguido? E ¿Obtendrías la calificación que esperabas lograr antes de contestarlos y la que

deseas alcanzar en el examen extraordinario de la materia? E ¿Necesitas asesoría? Si es así, con toda confianza, busca a un profesor de

estética y plantéale tus dudas. E Sigue esforzándote como hasta ahora. E En la siguiente unidad estudiaremos la naturaleza del arte, el juicio y los valores

estéticos, pero, también, la relación entre el arte y la ética. Te prometemos que va a ser una unidad muy interesante.

RESPUESTA A LOS REACTIVOS DE AUTOEVALUCIÓN 1. b 2. e 3. c 4. d 5. b 6. e 7. c 8. c 9. e 10. e 11. b 12. b 13. d 14. a 15. d 16. d 17. d 18. b 19. c

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TERCERA UNIDAD: Juicio estético y valores estéticos

En esta unidad se analiza la naturaleza del arte para lo cual se hace referencia a las relaciones que éste guarda con la realidad, el conocimiento, la religión, la neurosis, la diversión, la imaginación y lo escatológico; el objetivo que se busca alcanzar con ello es conducirte a una reflexión sobre las maneras en las que el arte puede ser concebido y las diversas funciones que puede cumplir.

A partir de lo anterior, se aborda la valoración o apreciación del arte, especialmente las cuestiones del gusto y juicio estéticos. Y como dicha valoración o apreciación también puede implicar una dimensión moral, se examina la relación del arte con la ética. Asimismo, se revisan algunos valores estéticos que intervienen en la apreciación del arte, principalmente, la Belleza y valores afines, pero, también, lo feo.

Al finalizar el estudio de esta unidad deberás comprender:

a) las distintas naturalezas que puede poseer el arte; b) las diferencias de los juicios de gusto y estéticos respecto de otros tipos de

juicio (principalmente, los cognoscitivos y morales), así como las que existen entre los juicios de gusto y los estéticos, sobre todo, en lo que respecta a su carácter subjetivo u objetivo;

c) qué son los valores estéticos, qué función cumplen en el arte y qué otros tipos de valores estéticos existen además de la belleza;

d) la distinción entre los valores estéticos y los propiamente artísticos; e) que el arte no se identifica necesariamente con la belleza; y f) las relaciones que existen entre el arte y la moral, las diferentes posturas que

existen sobre dichas relaciones y los argumentos las que apoyan. Pero también deberás adquirir los elementos para poder evaluar la validez o justificación objetiva de los juicios sobre los fenómenos estéticos y artísticos y adoptar una postura propia y crítica sobre la objetividad de los valores y juicios estéticos.

ESQUEMA DE LA TERCERA UNIDAD

ARTE à JUICIOS à VALORES -Realidad -Conocimiento -Religión -Neurosis -Diversión -Imaginación

-Sobre Moral -Sobre Conocimiento à Sobre lo Estético y el Arte

Belleza Fealdad

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v ¿Cuál es la naturaleza del arte? ¿Tiene una única naturaleza o puede ser concebido de distintas maneras? ¿Cuáles pueden ser éstas?

v Los juicios sobre los fenómenos artísticos y estéticos, ¿son subjetivos u objetivos?

v ¿Qué relaciones existen y deben existir entre el arte y la moral?

v ¿Cuáles son los valores por medio de los cuales el arte puede ser enjuiciado?

v ¿Todo lo estético es artístico y todo lo artístico es bello? El arte, ¿puede ser feo?

3.1 Naturaleza del arte En la época moderna, la estética, centrada en la reflexión sobre el arte, ha discutido largamente sobre la naturaleza de éste, es decir, cuál es su función, significado o relaciones que guarda con otras actividades sociales, enfrentado con ello varias dificultades para caracterizarla y definirla.

Como esta función, significado o relaciones son múltiples o diversas, la naturaleza del arte no se reduce, sino que se amplía. Para entender la naturaleza del arte conviene examinar algunas de sus relaciones donde el arte adquiere sus significados: con la realidad, el conocimiento, la religión, el inconsciente, el juego *, la imaginación y lo escatológico.

a) Arte y realidad El arte es una producción humana y por ello nos dice algo de su creador y del contexto de éste; el artista trata de expresar alguna realidad ya sea interior, personal o la que imagina, pero también es verdad que su obra nos informa sobre cómo su creador se ubica o expresa en la realidad, de ahí que hayan diversas relaciones del arte con la realidad.

Desde la teoría de la mimesis en Aristóteles, donde la actividad artística consiste en tratar de imitar la realidad (véase el Tema 1. 1. a) hasta las concepciones marxistas que consideran que ya no se trata de contemplar al mundo sino de transformarlo a través de la actividad artística, el arte ha mantenido siempre relación con la realidad. Teniendo a la realidad como criterio, podemos calificar a una obra artística como naturalista o antinaturalista *, realista *, surrealista o abstracta.

b) Arte y conocimiento A partir de su relación con la realidad, el arte ofrece elementos para tratar con ella y por lo tanto se instituye como una fuente de experiencias y conocimientos que no podríamos obtener de otra manera que no fuera por medio del arte, de las expresiones artísticas y

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del goce estético que nos produce (véase el Tema 1. 6). Este saber artístico no está divorciado del avance de los conocimientos científicos, de modo que éstos pueden integrarse a la actividad artística como elementos técnicos y nuevos materiales, modificando, de esta manera, los estilos artísticos y la idea que se tiene del arte. Es por ello indudable que en las diferentes manifestaciones del arte se pueden reconocer las formas de vida y la cultura de una sociedad determinada y de épocas enteras de la humanidad, constituyéndose en una fuente enorme de información para completar nuestra idea del mundo, aunque lo distintivo del conocimiento artístico es su revelación de verdades humanas (véase el Tema 4. 2).

c) Arte y religión Así como hay una dimensión humana del arte, la hay también como forma de expresión de lo sagrado (véase el Tema 4. 1). Es por eso que otra concepción tradicional de la naturaleza del arte es pensarla como algo religioso. Si en la religión el ser humano puede expresar una naturaleza espiritual, en el arte también se expresa una espiritualidad que humaniza al mundo al darle significado y al develar las debilidades y fortalezas de la condición humana. La religión y todo lo que ella conlleva ha sido tema para los artistas, así como el arte ha sido un medio por el cual la religión ha logrado expresar su intencionalidad de unir al hombre con Dios (re-ligare) (véanse los Temas 4. 2. b y 5. 2). Y también es verdad que la religión ha animado a artistas y financiado la creación de grandes obras.

d) Arte y neurosis Una explicación psicológica de la creatividad y la producción artística, atribuye a la neurosis su causa (véase el Tema 1. 1. d). En el psicoanálisis de Sigmund Freud los deseos e impulsos inconscientes se expresan no sólo en los sueños, sino también en el arte, pues por medio del mecanismo de la sublimación, pueden ser expresados y liberados de una forma socialmente aceptable. Incluso las obras pueden ser interpretadas a partir de estos principios psicológicos. La corriente artística del surrealismo, por ejemplo, hace suya la idea de que es a través de los sueños y de la escritura automática que el inconsciente se expresa y se pueden crear obras de arte. El arte así, vendría a funcionar como una válvula de escape de esas pulsaciones reprimidas y a manera de un ejercicio catártico y terapéutico. En ese sentido, la naturaleza del arte es la liberación, en una dimensión imaginaria, de los deseos y del principio del placer. La represión del deseo, y la neurosis que ello significa, encuentra en el arte una alternativa: canalizar los deseos o sublimarlos y, así, escapar al malestar de la cultura.

e) Arte como diversión Como juego libre, la naturaleza del arte tiene una función liberadora en el que el ser humano encuentra el goce. Sea en la producción artística, en la contemplación de la obra de arte o en su valoración, el ser humano halla elementos de disfrute y alegría. Por ello, una de las formas de abordar la experiencia estética es por medio del juego: el arte mismo y la actividad artística se pueden proponer como un juego; el arte también puede ser lúdico. En el juego nos divertimos, nos emocionamos y descansamos de la vida rutinaria, del aburrimiento de la cotidianidad. En efecto, si el arte también se puede concebir como un elemento liberador, enriquecedor, desalienante o gratificante, ¿por qué

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no también como algo divertido? Bertold Brecht considera que el arte puede ser menos formal y serio, menos protocolario y académico y más divertido.

f) Arte como imaginación Otro elemento importante de la naturaleza del arte es la fuente inagotable de la imaginación; la facultad de crear y recrear internamente por medio de imágenes, mundos o escenarios no presentes. Poco a poco la imaginación artística fue reconocida cuando el arte dejó de ser concebido como reproducción, representación e imitación de la realidad. Como facultad humana la imaginación es diferente y complementaria a la razón o al intelecto; la imaginación carece de casi toda norma o racionalidad, pues inventa de forma intuitiva. La imaginación ofrece uno de los aspectos que hacen al arte tan atractivo, pues con ella las producciones artísticas nos sorprenden y maravillan, emocionan y transportan a mundos desconocidos. La imaginación incorpora lo fantástico, lo inconcebible y educa en esta facultad al requerir del espectador un poco de ella para comprender o completar los sentidos, siempre abiertos, que ofrecen las diversas manifestaciones del arte.

g) Arte como visión escatológica Para una la tradición artística y estética nacida de los griegos, la naturaleza del arte es crear lo Bello. Ha tenido que pasar mucho tiempo para que la noción clásica de Belleza dejara de ser central en la actividad artística y la valoración y apreciación del arte. Una vertiente en el arte asume radicalmente esta posición de romper con lo bello, la lleva al extremo e integra lo feo o desagradable en las formas de exploración artística. Para esta posición el arte no es sólo la búsqueda de la belleza; si nos fijamos más en las sensaciones que produce, en las emociones que nos causa, no hay ninguna razón por la cual el arte no pueda ser grotesco, desagradable o indignante. Así, buscar producir lo feo o, más allá de ello, lo escatológico, son las características de esta postura presente en ciertas tendencias del arte moderno. Pensemos, por ejemplo, en las creaciones de los poetas malditos, en las obras de humor negro y en las películas de terror que producen repulsión o dejan conmovidos a los espectadores con una sensación de náusea u oquedad y valoraremos esta vertiente artística que se atreve a explorar y mostrar las partes oscuras y poco agradables del ser humano.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Palazón, Rosa Ma. La estética en México. UNAM-FCE, México, 2006, pp.247-312.

Estrada, José Armando, Estética, México, Publicaciones Cultural, 1987, pp. 21-24.

Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la Estética, México, Grijalbo, 1992, pp. 51-57.

3. 2 El gusto y el juicio estético Si algo me agrada y digo que me gusta, ¿afirmo por ello que es valioso estética o artísticamente? Y ese juicio, ¿es objetivo o solamente es válido para mí?

El gusto es la capacidad para apreciar el arte y las experiencias estéticas y formular juicios de valor sobre ellas.

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Los juicios sobre lo artístico y lo estético son diferentes de los juicios sobre el conocimiento y la moral, pues no se basan en los valores de lo verdadero o lo bueno, sino en los de lo bello y afines (véase el Tema 3. 4). Es decir, no tienen como función fundamental describir la realidad (juicios cognoscitivos) ni indicar un tipo de comportamiento (juicios morales), sino, ante todo, manifestar la sensibilidad de quien los expresa. Por eso, se dice que son “libres” y “desinteresados” (no se refieran a cuestiones prácticas o utilitarias).

La moral

El conocimiento. Juicios sobre

El arte y lo estético Juicios de gusto Juicios estéticos

En la Estética, sobre todo, a partir del siglo XVII, se distingue entre el juicio de gusto y el juicio estético (a este último también se le conoce como “juicio artístico”).

El filósofo alemán Immanuel Kant, en su libro Crítica del juicio (1790), apelando al “libre juego de las facultades” que se da entre la imaginación y el entendimiento, es decir, sin una regla o ley que limite dicho “juego”, trató de resolver la paradoja de que aunque los juicios estéticos o sobre lo bello se basan en una satisfacción subjetiva *, no obstante, tienen pretensiones universales, (véase el Tema 1. 1. c). Sin embargo, desde finales del siglo XIX, una solución distinta a este problema ha sido encontrada por el lado de la intersubjetividad.

El juicio de gusto es subjetivo * o depende de cada individuo y de sus características particulares y, por ello, sólo es válido para él.

En cambio, el juicio estético es objetivo o, mejor dicho, aspira a la intersubjetividad, esto es, a la validez para diferentes individuos. En efecto, no existen juicios “objetivos” si se entiende por ello “independientes de todo sujeto” (no puede haber juicios sin un sujeto que juzgue). Más bien, lo que se pretende alcanzar son juicios que sean válidos para todos los sujetos. Es decir, a pesar de que los juicios estéticos expresan la sensibilidad de quien los enuncia, aspiran a trascender lo particular y alcanzar la universalidad.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Kant, Inmanuel, Crítica de juicio, Losada, Bs. As., 1984, parágrafos 1-22, 40 y 60 (en el libro de A. Sánchez Vázquez, Antología. Textos de estética y teoría del arte, UNAM, México, 1991, pp. 179-191, se incluyen los parágrafos 5-9; véase también todo el capítulo “IV. Valores estéticos, juicio estético y crítica de arte” de esta misma antología).

Los juicios estéticos o artísticos son diferentes de los juicios de gusto.

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Henckmann, Wolfhart y Konrand, Lotter (eds.). Diccionario de Estética, Crítica, Barcelona, 1998, pp. 121-123. Palazón, Rosa. Antología de la estética en México, UNAM, México, 2006, pp.125-174.

3.3. Relación entre la Ética y el Arte -¿Guarda alguna relación el arte con la moral? ¿Cuál es o debe ser su relación con el ser del hombre?

El arte en su sentido moderno es una esfera social autónoma *, es decir, no es magia y no está al servicio de la religión o la política; no es, tampoco, un mero medio educativo o moralizador, es un fin en sí mismo: representa, expresa, juega, imagina y crea objetos estéticos para ser contemplados, disfrutados e interpretados. ¿Eso significa que no hay ninguna relación entre el arte y la moral o la ética? Para responder a esa cuestión, distingamos a la ética del arte: la ética es una disciplina filosófica, teórica y racional; el arte, en cambio, es una actividad creadora e imaginativa. La ética de apoya en categorías, juicios y razones, se desarrolla en el plano de la racionalidad; el arte se basa en la fantasía y la creatividad, desarrollándose en el plano de la imaginación y la sensibilidad. La ética pretende conocer el mundo de la moral, de la condición humana, mientras que el arte quiere crear, fantasear, jugar y expresar a la propia existencia.

En conclusión, el arte y la ética se encuentran en planos muy diferentes; el arte se vive en el plano estético, de la sensibilidad, mientras que la ética se piensa en el plano teórico, de la racionalidad. Más allá de estas diferencias, ¿hay alguna relación significativa entre el arte y la ética, pese a que existen en planos tan diferentes?

De hecho, desde las primeras reflexiones sobre el arte, en Aristóteles por ejemplo, ya se establecía una relación directa con la dimensión ética. Para este filósofo el arte alcanza lo universal porque llega a la esencia * del ser humano, mientras que la historia se queda en lo singular y accidental. El arte hace reproducciones imitativas para aprender y razonar sobre lo esencial *; en ese sentido es educativo, ya que orienta y devela lo esencial * y universal del ser humano, es decir, su ethos. El arte, entonces, reproduce lo ejemplar y lo perfecto, los contrastes y el carácter ético del mejor modo (usando adecuada y bellamente los lenguajes artísticos), de tal manera que su efecto es la pureza o catarsis de los afectos o emociones, la cual nos permite encontrar la virtud, el término medio, por ejemplo, entre el terror y la conmiseración.

En ese sentido, el filósofo crítico Herbert Marcuse insiste en que toda obra de arte, además de reconciliar con la realidad, es “subversiva” y “una denuncia de la realidad establecida, la manifestación de la imagen de la libertad.” El arte es “fuerza disidente” y crítica del mundo dado al invocar “la bella ilusión de la liberación”, revelando de esta manera “la esencia * de la realidad en su apariencia: las potencialidades reprimidas del hombre y la naturaleza.” El arte es, para Marcuse, propuesta utópica de la sociedad libre, aunque represente una trágica y deformada por la enajenación *. El arte, afirma Marcuse, “contiene el imperativo categórico: ‘las cosas deben cambiar’.” De esta manera, cuestiona el habitar humano pero, sobre todo, promete un mundo libre de la enajenación *. La dimensión utópica del arte se conecta con la dimensión ética al expresar, en su crítica a la realidad dada y su propuesta utópica, un imperativo ético-moral, como dice Marcuse: el ser humano y el mundo deben cambiar y ser mejores.

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Esto, por supuesto, vale sólo para ciertas modalidades del arte (para uno que sea expresivo o representativo) y únicamente para determinadas obras de arte (que no sean, por ejemplo, meros juegos formales *).

Afirmar la sustancia ética del arte -su poder de esclarecer el ethos humano y de cambiar la vida- no significa asignarle una función moralizadora a éste, es decir, la tarea de imponer normas o reforzar acríticamente ideas del Bien y el Mal, como algunos pretendieron hacerlo (el llamado “realismo socialista”, por ejemplo) (véase el Tema 4. 1). Contra este tipo de excesos que buscaba reducir al arte a un “reflejo” social, educativo y moralizador, que sobrevaloraba este tipo de contenidos, se organizaron algunos movimientos artísticos vanguardistas * (como el formalismo *) que defendieron la autonomía del arte, el “arte por el arte”, rechazando todo intento de volverlo funcional * o ideológico *; en esa reacción llegaron a negar todo carácter representativo o expresivo del arte y, por ello mismo, cualquier contenido en las obras de arte, sean sentimientos, imágenes de la realidad, ideales éticos, etc. Por esa carencia de contenidos, la obra de arte se afirma como un producto estético pero amoral; en esta tendencia se afirma y magnifica el aspecto formal * de la obra de arte, al mismo tiempo que se trata de minimizar todo contenido (representativo, expresivo, moral, etc.).

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA Aristóteles, Poética, Editores Mexicanos Unidos, México, 1996.

Marcuse, Herbert, La dimensión estética, Editorial Materiales, Barcelona, 1978.

3.4. Los valores estéticos en la obra de arte

-¿Por medio de qué valores podemos juzgar al arte? ¿Se reducen todos ellos a la Belleza? ¿Qué sucede con lo feo?

Los juicios estéticos sobre el arte ofrecen razones y apelan a valores intersubjetivos que buscan trascender el gusto subjetivo * y universalizarse, estableciendo que una obra vale como arte más allá de mi subjetividad personal (véase el Tema 3. 2); esta idea del juicio estético, sin embargo, abre una serie de interrogantes sobre las que reflexionaremos en este apartado: si el juicio estético se apoya en valores, ¿cuáles son los valores estéticos que sirven como criterios para considerar una obra de arte? ¿La Belleza es el único criterio o valor estético en el terreno de los objetos estéticos artísticos? (véase el Tema 1. 4) ¿Lo feo tiene algún lugar positivo en el arte?

a) La Belleza y sus valores afines El filósofo mexicano que inicia la estética en México, Antonio Caso (1883-1946), señala en su obra más personal, La existencia como economía, como desinterés y como caridad, que son “estéticos los valores, si se refieren al gozo desinteresado.” Y enuncia la conclusión de esa premisa: “Es la belleza, por antonomasia, el valor estético.” Sin embargo, Caso no reduce los valores estéticos al de belleza y el arte a ésta. Para Caso “el sector del arte no se contrae a la sola belleza; lo sublime, lo trágico, lo cómico, lo bello, lo grácil, lo feo, lo horrible, lo ridículo, caben dentro de la extensa representación artística. Valores y contravalores son expresables estéticamente.” Sin embargo, su continuador en

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la cátedra de estética, Samuel Ramos (1897-1959), en su Filosofía de la vida artística consideraba que el valor estético central era la Belleza, que, para él, tenía un doble sentido: por un lado era un género universal, que se podía aplicar a un objeto determinado, pero, igualmente, abarcaba toda la multiplicidad de valores estéticos: la belleza, lo trágico, lo sublime, lo gracioso, lo elegante, etc. Siguiendo a Kant, Ramos definía a lo Bello como aquello representado que place en la mera contemplación no utilitaria, por lo que sólo aparece en la relación sujeto-objeto. Según este filósofo mexicano, la Belleza no es subjetiva * porque “se realiza exclusivamente en la esfera de lo ideal a diferencia de los valores morales en que el deber impone hacerlos pasar de lo ideal a lo real.” De esta manera, lo que otorga valor artístico a una obra es la Belleza.

Para Ramos la Belleza no es una especie particular en el arte sino un género universal, y por ello abarca una pluralidad de valores estéticos, como lo dramático, lo trágico, lo cómico, lo gracioso, etc. Según este filósofo también existe la belleza extrartística, refiriéndose así a lo bello natural que es, según este filósofo mexicano, una mera proyección de ideas, sentimientos y aspiraciones humanas a la naturaleza (verla como símbolo * de la perfección, por ejemplo); incluso llega a distinguir una categoría estética pero no artística que es central en ese plano: lo bonito, encarnado en una obra que sólo quiere halagar los sentidos; por eso, lo bonito se identifica con lo agradable. Ramos reconoce, además, que el arte moderno y vanguardista * se propuso combatir lo bonito -y no deja de criticar lo que él llama sus exageraciones, en las que sólo ponen lo feo, lo desagradable, lo deformado, lo disonante, lo monstruoso, etc. Aunque explora con tino fuera de lo estético no artístico, Ramos no llega a distinguir claramente lo estético de lo artístico e insiste en fusionar lo estético-artístico con la belleza (véase el Tema 5. 4. c).

Para Francisco Larroyo, en su Sistema de la Estética, los valores estéticos centrales son la Belleza y el Arte, aunque reduce lo estético y lo artístico a la propia realización de lo bello. Para este filósofo mexicano, la belleza es “el principio mismo de la valoración estética”, de modo que “los valores estéticos no son otra cosa que las variadas especies de belleza”; estas especies de lo bello son, según Larroyo: lo majestuoso (cuya contraparte es lo desmesurado), lo gracioso (a lo que se opone lo tosco), lo pulcro, lo humorístico, la ironía, lo cómico, lo sublime, lo trágico, lo dramático, lo prodigioso, lo terrorífico y lo quimérico. Al parecer, todo cabe bajo el género de la Belleza. Sin embargo, para Sánchez Vázquez, en su Invitación a la Estética, la categoría más general de la estética es lo propiamente estético; este filósofo afirma que si bien es cierto que lo bello es estético, también es verdad que no todo lo estético es bello, como, por ejemplo, lo trágico, lo cómico, lo sublime o lo feo. Lo estético, entonces, incluye a lo bello pero también a lo trágico, lo sublime, lo irónico, etc., incluso a lo feo.

b) Lo Feo y sus valores estéticos En lo estético no artístico, en la que predomina el valor de lo agradable (o lo bonito), lo feo puede ser, efectivamente, su polo opuesto (un disvalor o contravalor).

En ese sentido, lo feo se refiere a experiencias desagradables, como una fruta podrida, objetos sucios y descompuestos, deformidades, olores fétidos, y otros. Sin embargo, si la estética rompe con el dominio de la belleza en el arte, es necesario examinar el valor artístico que puede tener lo feo.

Para muchos autores, lo feo sólo sirvió para delimitar lo que es Bello, como sucede en Benedetto Croce: si la Belleza es una expresión afortunada, lo feo es lo contrario. De

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acuerdo a estas concepciones, lo feo se admite, pero en el borde de lo estético y claramente fuera del arte, aunque se choque con algunas tendencias del arte moderno.

Este es el caso del español David Estrada, quien en su Estética afirma que el arte puede admitir algunos elementos de fealdad, siempre y cuando estén supeditados a lo bello. Lo trágico, que para él es “lo feo horroroso”, y lo cómico, que es “lo feo risible”, se conjugan con lo bello, lo realizan y se subordinan a él.

Pero, según él, si la fealdad se vuelve el fin específico del arte, afirmando ‘la fealdad por la fealdad’, como es patente en algunos vanguardismos de nuestro tiempo, entonces, concluye el pensador español, el arte deja de ser catártico y se convierte en nauseabundo o ‘nos hace sentir mal’. Para este autor, la fealdad como meta del arte modifica “la escala de los valores estéticos” e incluso los llega a negar, abandonando la idea de hermosear y hacer agradables sus productos. Este arte que busca afirmar lo feo -dice Estrada- “es el arte de una humanidad moral y espiritualmente enferma.”

Si los expresionistas introdujeron en algunas de sus obras lo feo para sacudir las conciencias ante los males sociales, los artistas modernos de lo feo, afirma Estrada, construyen una ‘provocación’ “dirigida al corazón mismo de la naturaleza humana”. En este arte moderno ‘feísta’ lo absurdo se presenta como la realidad última, abandonando así a la razón humana; por si fuera poco, Estrada sostiene que en este arte se atenta contra la propia imaginación, pues al violentar los sentimientos, lo feo “artístico” paraliza los procesos imaginativos que le dan sentido a la percepción; los productos feos son tan repulsivos que inhiben a la imaginación, abandonando todo intento imaginario de dar forma a la obra.

No obstante, lo feo no es excluyente de lo artístico. Y aquí volvemos a las reflexiones de Sánchez Vázquez, quien afirma con toda razón, que lo feo entró abiertamente en el arte desde el siglo XVII, en las pinturas de Velázquez, Rembrandt y Ribera, sin volverse su contrario (algo bello) y sin subordinarse a la belleza; de hecho, aclara Sánchez Vázquez, lo feo artístico expresa o representa una relación del hombre con el mundo significada por su tensión o desgarramiento, de modo que no puede presentarse como bella. Si hay fealdad en el arte es porque ésta existe en el mundo, y el arte no la encubre sino que se atreve a mostrarla, como crítica al mundo humano. Este filósofo nos recuerda que las vanguardias * artísticas se rebelaron contra el arte académico * burgués y “bello”. Lo feo no sólo está, en la pintura, en Velázquez o Rembrandt, también está en el arte de Goya, Van Gogh, Picasso y Francis Bacon; también está, en la literatura, en los poetas malditos o en las novelas existencialistas; lo podemos detectar en las obras de arte cinematográficas de Buñuel, David Linch o Alejandro Jodorowsky.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Ramos, Samuel Filosofía de la vida artística, Espasa Calpe, México, pp. 98 y ss.

Larroyo, Francisco, Sistema de la Estética, Porrúa, México, 1979, Cap. V.

Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la estética, Grijalbo, México, pp.145-164.

Estrada, David. Estética, Herder, Barcelona, 1988, pp.675-730.

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Señala el inciso que corresponde a la respuesta correcta:

1. Son los juicios que se basan en los valores de lo bello y afines: a) cognoscitivos y científicos; b) estéticos y artísticos; c) morales y éticos; d) técnicos y prácticos; e) indicativos y directivos.

2. A diferencia del juicio estético, el juicio de gusto: a) no varía con cada individuo; b) se basa en razones o criterios intersubjetivos; c) manifiesta la reacción que se produce en la sensibilidad de un individuo; d) aspira a la universalidad, pues se basa en razones o criterios intersubjetivos; e) tiene validez intersubjetiva.

3. Los juicios estéticos se basan fundamentalmente en los valores de: a) lo verdadero y afines; b) lo bello y afines; c) lo bueno y afines; d) lo útil y afines; e) lo divino y afines.

4. El que una persona pueda reconocer el valor artístico de una obra de arte aunque no le guste o, al contrario, que acepte que es poco valiosa (intersubjetivamente) aunque pueda disfrutarla mucho, muestra que los juicios de gusto y estéticos son: a) iguales; b) imposibles; c) diferentes; d) equivalentes; e) idénticos.

5. El arte tiene sustancia ética porque: a) impone una moral a los espectadores; b) elabora teorías de la moral; c) revela al ethos humano; d) premia y sanciona las conductas humanas.

6. La catarsis artística es ética porque: a) nos impone una moral; b) nos hace virtuosos; c) reflexiona sobre la moral; d) nos hace gozar.

7. Para Herbert Marcuse, en La dimensión estética, el arte es utópico porque: a) contiene el imperativo ético de que las cosas deben cambiar; b) propone fantasías imposibles; c) nos da una ilusión que embellece al mundo; d) carece de ética porque es mera fantasía.

8. La Belleza tiene como valores afines a: a) lo Verdadero y lo Válido; b) lo Santo y lo Sagrado; c) lo Sublime y lo Trágico; d) lo Bueno y lo Justo.

9. La Belleza ha sido considerada por la tradición estética como un concepto: a) singular que abarca a un solo ser; b) particular que abarca a una parte de un todo; c) genérico que abarca a varias especies; d) universal que abarca a un todo.

10. De acuerdo a Samuel Ramos y sus seguidores, lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo majestuoso son especies de: a) la Verdad; b) la Bondad; c) la Belleza; d) lo Sagrado.

11. Desde el punto de vista de la Estética, lo feo es un valor afín a: a) lo desagradable; b) lo grotesco; c) lo cursi; d) lo sublime.

12. Según Sánchez Vázquez, lo feo como una representación y crítica de lo desagradable del mundo: a) no puede ser estético; b) puede ser agradable; c) puede ser artístico; d) no puede ser artístico.

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La naturaleza del arte es diversa y puede comprenderse al relacionar al arte con la realidad, con la religión, el conocimiento, la diversión, la neurosis, el juego, lo escatológico, es decir, adopta diferentes naturalezas; lo importante es que haya una apertura sobre la concepción que se tiene de él, de tal forma que no existan limitaciones con respecto a lo que puede o no puede abordar o la manera en que debe hacerlo. Con todo, podemos apuntar algunas concepciones que lo entienden como forma de conocimiento, expresión de emociones humanas, sublimación de deseos, juego libre y diversión, creación imaginaria o ventana abierta al caos.

El gusto es la capacidad para apreciar el arte y las experiencias estéticas y formular juicios sobre ellas. Los juicios sobre lo artístico y lo estético son diferentes a los juicios sobre el conocimiento y la moral, pues no se basan en los valores de lo verdadero o lo bueno, sino en los de lo bello y afines.

En la Estética, sobre todo, a partir del siglo XVII, se distingue entre el juicio de gusto y el juicio estético. El juicio de gusto es subjetivo * o depende de cada individuo y de sus características particulares y, por tanto, sólo es válido para él. En cambio, el juicio estético es objetivo o aspira a la objetividad o, mejor dicho, a la intersubjetividad, esto es, a la validez universal o para cualquier sujeto.

El arte como esfera autónoma, liberado de funciones morales, puede relacionarse con la ética, entendiendo a ésta como una disciplina filosófica que estudia al ethos humano: su modo de habitar el mundo, sus hábitos o costumbres, su modo de ser. Si es un arte representativo y/o expresivo, que esclarece rasgos esenciales * del ethos humano y se vuelve autoconciencia de la humanidad, entonces tiene sustancia ética; si este tipo de arte que es autoconciencia provoca catarsis, tiene sustancia ética porque puede hacernos mejores y cambiar la vida. Pero no todo arte tiene esa relación con la ética.

La tradición en la reflexión estética -que identifica todo lo estético con la Belleza y concibe que algo sea artístico si realiza a este valor-, ha considerado a lo Bello como un género universal que puede abarcar a varias especies de belleza, como lo sublime, lo trágico y lo cómico.

Sin embargo, para autores como Sánchez Vázquez, la belleza sólo es una categoría estética más, diferente e independiente de otras como lo Sublime, lo Trágico, lo Cómico, lo Grotesco e incluso lo Feo. De acuerdo a este autor, lo Feo puede ser una categoría estética aplicada a obras de arte si representa y critica lo desagradable del mundo, como sucede en las obras de Goya, Velázquez, Picasso o Francis Bacon, por ejemplo.

RESPUESTA A LOS REACTIVOS DE AUTOEVALUCIÓN

1. b 2. b 3. b 4. a 5. c 6. b 7. d 8. c 8. c 9. b 10. a 11. c 12. c 13. c 14. a 15. c

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CUARTA UNIDAD: El artista y el arte

El artista no crea a partir de la nada, sino siempre dentro de cierto medio, el cual le condiciona hasta cierto punto: le abre algunas posibilidades creativas mientras que le cierra otras. En concreto, en cada sociedad y momento histórico predomina un estilo o modo particular de crear o producir obras estéticas o artísticas, el cual permite distinguirlas de las expresiones de otras culturas y épocas.

Esta unidad tiene como fin ayudarte a entender 1) las relaciones que existen entre los artistas y las circunstancias (morales, religiosas, políticas y económicas) que les hacen posibles y 2) las características de algunos estilos artísticos (clásico, medieval, moderno y contemporáneo) que imperaron en distintos momentos de la historia de la cultura occidental * y cuáles son las diferencias que existen entre ellos (en la próxima unidad se estudiarán los principales periodos del arte mexicano).

De manera más concreta, lo que se busca con esta unidad no es que te aprendas de memoria los estilos artísticos que han existido en la historia del arte occidental sino, más bien, que:

a) apliques los conocimientos y las habilidades que has adquirido en las unidades anteriores en el análisis de los fenómenos artísticos reales y determinados;

b) comprendas las relaciones que existen entre el arte, los artistas y su medio;

c) en concreto, te des cuenta de la influencia que han ejercido determinadas circunstancias históricas y sociales (políticas, económicas, morales y religiosas) sobre los estilos artísticos que han predominado en distintas épocas de la cultura occidental;

d) entiendas qué son los estilos artísticos y por qué surgen y cambian; y

e) seas capaz de identificar algunas obras representativas de los distintos estilos y épocas estudiadas.

ESQUEMA DE LA CUARTA UNIDAD

ARTE Y MEDIO SOCIAL ARTE E HISTORIA à Circunstancias sociales:

· Morales, · Religiosas, · Económicas, · Políticas

àEstilos históricos: -Clásico -Medieval -Moderno -Contemporáneo

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v ¿Cuáles son las relaciones que existen entre los artistas y su medio?

v ¿Qué circunstancias específicas influyen en la labor de aquéllos?

v ¿Qué es un estilo artístico?

v ¿Por qué surgen y cambian los estilos artísticos?

v ¿Qué se quiere decir cuando se califica a una obra estética o artística de ‘clásica’, ‘medieval’, ‘moderna’ o ‘contemporánea’?

4. 1. El artista y su medio -¿Los artistas se encuentran totalmente determinados por su medio o pueden liberarse, hasta cierto punto, de él?

El medio o el conjunto de circunstancias morales, religiosas, políticas y económicas que se dan en una sociedad o momento histórico repercute en los artistas pues no sólo determina cómo deben crear o producir sus obras, es decir, de acuerdo con qué estilo, sino que también define quiénes pueden crear o producir arte, qué características debe tener éste y cuál tiene que ser su función social. Sin embargo, el medio nunca condiciona a los artistas de forma absoluta, sino que siempre les deja cierto margen de libertad que pueden aprovechar para desarrollar un estilo propio e, incluso, contrapuesto al dominante.

Digamos que el medio o las circunstancias plantean una serie de problemas, tanto teóricos como prácticos, a los cuales los artistas tratan de dar respuesta por medio de los estilos de acuerdo con los cuales crean o producen sus obras. Por ejemplo,

§ Las circunstancias morales influyen en los artistas pues, en parte, determinan los temas que pueden y deben tratar, así como la manera en que deben hacerlo. En efecto, el arte puede afectar el comportamiento de las personas y, por ello, puede tener consecuencias morales, por lo que los artistas se ven enfrentados a ciertos dilemas éticos.

§ Las circunstancias religiosas también pueden actuar sobre el arte y los artistas: en muchas sociedades y momentos de la historia, los objetos estéticos y artísticos no sólo han tenido como tema fundamental a lo divino

Por ‘medio’ se entiende las circunstancias

sociales y políticas, en concreto, morales,

religiosas, económicas y políticas.

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sino que, además, su función principal ha sido religiosa y han sido realizados por personas dependientes de la Iglesia.

§ Las circunstancias económicas o la manera en la que una sociedad se organiza para producir, distribuir, intercambiar y consumir, también interviene en el arte, pues puede provocar una situación en la que la creación artística se facilite o se dificulte.

§ Las circunstancias políticas o la manera en que se ejerce el poder en una sociedad permite una mayor o menor libertad para los creadores y productores de obras artísticas y estéticas. También crea periodos de estabilidad en donde los artistas pueden dedicarse a desarrollar el estilo dominante o periodos de cambio en los que tienen que asumir una actitud crítica frente a él y ante las transformaciones sociales, lo cual también se refleja en su estilo.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Hauser, Arnold, Sociología del arte. 2. Arte y clases sociales, Guadarrama, Labor, 1977, pp. 312-399.

Henckmann, Wolfhart y Konrad Lotter (eds.) Diccionario de Estética, Crítica, Barcelona, 1998, pp. 26-28.

Sánchez Vázquez, Adolfo, Invitación a la estética, Grijalbo, México, 1992, pp. 77-104.

4. 2. El estilo artístico en los diferentes momentos históricos -¿Qué debemos entender por ‘estilo’ artístico? ¿Cuáles han sido los principales estilos que han dominado en la historia del arte occidental?

Las obras estéticas o artísticas pueden ser clasificadas siguiendo diversos criterios, entre ellos su estilo, el cual constituye la forma de crearlas o producirlas característica de un individuo, una cultura o época.

MEDIO O CIRCUNSTANCIAS:

morales, religiosas, económica y políticas

Artistas y el arte

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En efecto, en cada sociedad y momento de la historia han predominado diferentes estilos. Por ello, también se entiende por ‘estilo’ una práctica, costumbre o, inclusive, una moda.

En general, el estilo o los estilos artísticos de una época y cultura muestran las relaciones que se dan entre, por un lado, el medio y, por otro lado, el arte y los artistas, de tal modo que la manera en que los estilos surgen, se desarrollan, establecen, entran en crisis y son sustituidos, está directamente relacionada con las circunstancias sociales e históricas.

a) Clasicismo De manera general, ‘clásico’ es algo que ha perdurado a través de la tradición debido a su perfección o belleza, por lo cual sirve como modelo a imitar en épocas posteriores. En efecto, la belleza ‘clásica’ implica armonía entre las partes y el todo, de tal modo que si algo la posee no se le puede quitar ni agregar nada sin que la pierda. Además, en ella predomina la razón sobre el sentimiento y se eliminan los accidentes a favor de lo simple e universal (véase el Tema 1. 6). Así, el ‘clasicismo’ es un estilo en el cual reina el sentido de la proporción, el equilibro y la armonía entre las formas * y en un periodo clásico, los artistas pueden dedicarse a aplicar criterios establecidos para crear obras cada vez más “perfectas” (más apegadas a esos criterios) y las obras también pueden ser juzgadas rigurosamente por medio de dichos criterios.

En la historia del arte de la cultura occidental, se habla de ‘clasicismo’, sobre todo, para referirse al arte antiguo griego. Todavía de forma más específica: el arte ‘griego clásico’ es el del siglo V antes de nuestra Era, principalmente, de la llamada “Atenas de Pericles”.

El valor predominante en este periodo fue la Belleza (véase el Tema 1. 6). La naturaleza dominante del arte era la que tenía que ver con la realidad y el conocimiento. Y las obras artísticas eran cerradas, pues con ellas se buscaba crear un Cosmos.

El estilo del arte griego clásico se caracterizaba por su naturalismo * o realismo *: intentaba asemejarse a la realidad natural (lo cual es claro en la representación de los

ESTILOS ARTÍSTICOS

Clásico

Medieval

Moderno

Contemporáneo

El Discóbolo de Mirón

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pliegues de la ropa en sus esculturas y relieves). Además, sus figuras se distinguían por su movimiento frente a la rigidez del arte anterior (arcaico, micénico o egipcio).

De hecho, se basaba en el estudio de la naturaleza, concretamente, de la anatomía del cuerpo humano. Un ejemplo de esto lo encontramos en la escultura El Discóbolo (El lanzador de disco) de Mirón.

Aunque los griegos desarrollaron el género de los retratos, es decir, obras que buscan asemejarse a la fisonomía de las personas, sin embargo, éstas no expresan un sentimiento determinado, por lo cual pueden parecer inexpresivas, pues con ellas también se pretendía alcanzar una belleza ideal (no se copiaba la realidad tal cual, sino que sólo se seleccionaban algunos rasgos de ella, además, se pretendía alcanzar algo eterno o perdurable).

Jónico

Estilos griegos Dórico Corintio

En la arquitectura griega predominaron dos estilos u órdenes: dórico y jónico: la diferencia entre ellos radica en que el dórico es austero y sobrio, mientras que el jónico es exuberante y ornamentado. Por ejemplo, en el caso de los elementos de las construcciones (como los templos), las columnas dóricas no tienen base (o ‘basa’) y el capitel (la parte superior de la columna) no se encuentra esculpido o adornado; es decir, el estilo dórico busca la sencillez. En cambio, las columnas conforme al estilo jónico suelen estar adornadas. Un ejemplo de un templo de acuerdo con el estilo dórico es el Partenón (Templo de Atenas Pártenos) de la Acrópolis ateniense (construido bajo la supervisión del arquitecto y escultor Fidias) y uno según el jónico es el Templo de Atenea y Poseidón, denominado Erecteion (su construcción es atribuida al arquitecto Mnesicles).

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Gombrich, Ernest H., Historia del arte, Tomo I, Ediciones Garriga, Barcelona, 1994, pp. 79-92 y 93-104.

Hauser, Arnold, Historia social de la literatura y del arte 1, Editorial Labor, Barcelona, 1993, pp. 108-118 y 140-147.

El estilo clásico es el propio del arte de la

Grecia Antigua.

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b) Edad Media La Época medieval es la que se dio en Europa entre los siglos VI y XIV de nuestra Era, aproximadamente; es decir, entre la caída del Imperio Romano de Occidente y el inicio del Renacimiento.

Los productos estéticos medievales se distinguen por su carácter religioso pues con ellos, además de alcanzar fines políticos (la legitimación y glorificación de los gobernantes), se buscaba exaltar la divinidad o dar a conocer la religión.

Aunque cualquier tipo de expresión estética puede emplear símbolos *, las medievales se caracterizaban especialmente por su simbolismo y sentido alegórico: por medio de ellas se intentaba representar las relaciones entre los mundos divino y terrenal. Es decir, a través de los objetos materiales y perceptibles se buscaba representar algo totalmente diferente a ellos (algo “espiritual”). Así, su significado no se reducía al aparente, sino que se encontraba en una realidad trascendente: Dios, el creador del universo.

A continuación se expondrán algunas características de los estilos medievales.

· El primer estilo propio de la Edad Media se dio, aproximadamente a partir del siglo V de nuestra Era, en Constantinopla o Bizancio, la capital del Imperio Romano de Oriente: por eso se le denomina estilo bizantino. Las obras de acuerdo con estilo se caracterizan por su lujo y riqueza (de hecho, ‘bizantino’ ha pasado a significar algo innecesario o demasiado sutil), policromía (gran colorido), enormes cúpulas en el caso de la arquitectura, el uso de mosaicos para decorar los muros, pero, sobre todo, por los iconos o imágenes: pinturas elaboradas sobre pergaminos pegados con resina y sobre madera en las que se representaban a Cristo (“Pantocrátor”, es decir, omnipresente), la Virgen y los santos.

· El estilo del carolingio -que se desarrolló durante el reinado de Carlomagno (alrededor del año 800)- es ecléctico, es decir, mezcla diferentes estilos: romano, oriental o bizantino y de los pueblos francos de donde provenía la casta gobernante. Una de sus manifestaciones la encontramos las ‘miniaturas’ o los pequeños dibujos, elaborados principalmente por monjes, con los que se adornaban o ilustraban los libros que eran escritos y copiados a mano.

· El estilo románico inició en el s. X y se impuso definitivamente en los siglos XI y XII. En el siglo XIX se le denominó así porque retomó la grandiosidad del arte romano. Lo encontramos en castillos, pero, sobre todo, en iglesias y monasterios. Por ejemplo, las naves de la Basílica de Saint Remi, en Francia. En parte, este tipo de arquitectura era funcional: las esculturas que cubrían sus edificios no sólo les adornaban, sino que, en algunos casos, también servían para apuntalar su estructura.

El arte medieval es el de la Edad Media europea.

Basílica de Saint Remi

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Además, poseía un sentido simbólico: por ejemplo, a través de la secuencia de naves de las iglesias (es decir, los espacios internos formados por las columnas y las paredes) se intentaba guiar al espíritu hacia lo divino.

· El estilo gótico surgió en el siglo XII y se desarrolló plenamente en los siglos XIII y XIV. También se le llama ‘ojival’ por el arco apuntalado que da lugar a una bóveda característica de la arquitectura de este estilo. De manera superficial, este tipo de bóveda puede ser reconocida porque se encuentra apoyada en cuatro puntos por medio de arcos que describen semicírculos y se cruzan formando una figura parecida a la punta de una lanza. Ejemplo de ello lo encontramos en la catedral de Notre Dame, localiza en París. A diferencia de los otros estilos medievales, la escultura y pintura gótica tendían al naturalismo * y al realismo * así como al expresionismo *. Por ejemplo, en esta etapa encontramos figuras “sonriendo”, que expresan un gran patetismo o representaciones que muestran la forma * del cuerpo humano debajo de los pliegues. Por es, el gótico presagia al Renacimiento.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Gombrich, Ernest H., Historia del arte, Tomo I, Ediciones Garriga, Barcelona, 1994, pp.105-114 y 125-166.

Hauser, Arnold, Historia social de la literatura y del arte 1, Editorial Labor, Barcelona, 1993, pp. 157-199 y 223-304.

c) Modernidad El estilo moderno es el propio del arte de la Modernidad europea.

De manera general, ‘moderno’ es lo nuevo, reciente o actual respecto al momento en el que se habla y, como tal, se contrapone a lo antiguo o tradicional (en un principio lo medieval, pero, después, incluso, a lo clásico antiguo).

Bizantino

Gótico

Carolingio

Románico

ESTILOS

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Si bien el Renacimiento (siglos XV y XVI), como su nombre lo indica, implica un redescubrimiento de los valores de la antigüedad clásica y un retorno a ellos (véase el apartado Tema 1. 1. b), sin embargo, además de implicar un rompimiento con la tradición establecida (la medieval), también trajo consigo una valorización no sólo de lo bello en sentido clásico (como armonía y proporción entre las partes y el todo) sino, igualmente, de lo nuevo, original e irrepetible.

Además, aunque el arte renacentista tuvo como modelo al arte clásico (sobre todo, el griego), en él encontramos elementos ausentes en éste: por ejemplo, la perspectiva * con un punto de vista central fijo (descubierta en el gótico), que permitió que su pintura alcanzara un nivel de realismo * y naturalismo * desconocido en el arte antiguo. De hecho,

las artes plásticas no se fundaban en un conocimiento superficial de la naturaleza, sino que poseía cierta “base científica” (por ejemplo, la óptica y la disección de cuerpos humanos). Baste recordar la obra de Leonardo Da Vinci (1452-1519).

De todas formas, el Renacimiento (aquí considerado el primer movimiento artístico de la Modernidad) implica un cambio gradual y no una ruptura radical y repentina respecto del mundo medieval.

En la Modernidad, a partir del Renacimiento, apareció una proliferación de ismos, es decir, de movimientos y estilos artísticos, opuestos a los previos y algunos de muy corta duración: entre otros, manierismo, barroco, neoclásico, romanticismo, realismo y modernismo. De hecho, la idea de que en el arte existen ‘estilos’ apareció en la Modernidad y en esta época también se comenzaron a

ARTE

MODERNO

Renacentista

Manierista, Barroco, Neoclásico, Romántico, Realista

y Modernista

Vanguardista

Dentro del arte moderno se incluye al arte

europeo y occidental aparecido desde el

Renacimiento hasta los movimientos

vanguardistas de principios del siglo XX.

Autorretrato de Leonardo da Vinci

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establecer periodos en la historia del arte. A continuación se expondrán algunas de las características de esos estilos.

· Manierismo: surgió en el siglo XVI como reacción en contra de la seriedad y sencillez del clasicismo renacentista y se caracterizó por su refinamiento, artificialidad y expresividad (maniera en italiano significa ‘estilo’). Un artista representante de este estilo es el pintor italiano Parmigianino (Francesco Mazzola: 1503-1540).

· Barroco: apareció a finales del siglo XVI y principios del XVII, también fue una reacción frente al clasicismo renacentista y se distinguió por su exceso de adornos u ornamentos, complicación y ostentación. El pintor, escultor y arquitecto italiano Gianlorenzo Bernini (1598-1680) es considerado la principal figura dentro de este estilo (véase el Tema 5. 2).

· Neoclásico: nació en la segunda mitad del siglo XVIII, se opuso a los excesos del barroco y está inspirado en la sencillez clásica, pero también en el racionalismo propio de la Ilustración; sin embargo, gracias al avance técnico de este periodo, es más realista * y expresivo que el arte clásico y renacentista. El pintor francés Jacques-Louis David (1748-1825) es uno de los artistas neoclásicos más representativos (véase el Tema 5. 2).

· Romanticismo: se desarrolló entre los siglos XVIII y XIX, implica una negativa frente al neoclasicismo. Se define por su libertad y la expresión de la sensibilidad subjetiva (el sentimiento predomina sobre la razón). Entre los pintores románticos se encuentran el español Francisco de Goya (1746-1828), el inglés William Blake (1757-1827) y el francés Eugène Delacroix (1798-1863).

· Realismo *: despuntó a partir de mediados del siglo XIX, es una respuesta frente al romanticismo y pretende representar a la realidad tal cual es, sin agregarle ni quitarle nada, por ejemplo, la vida cotidiana en todos sus detalles. Gustave Courbet (1819-1877) fue un representante de la escuela realista francesa.

· Modernismo (también llamado Art Noveau y Modern Style): se dio a finales del siglo XIX y principios del XX, en oposición al arte académico * romántico y realista (el arte moderno o de la Modernidad no se identifica ni mucho menos se reduce al Modernismo, el cual sólo fue uno entre muchos estilos de esta época); pero, también, retomó la idea de lo artesanal frente a lo industrial y tecnificado; se caracterizó por el uso de la líneas geométricas o basadas en formas naturales. En la arquitectura su principal representante fue el español Antonio Gaudí (1852-1936).

Pero a finales del siglo XIX y principios del XX también se sucedieron una serie de movimientos, denominados vanguardias artísticas: ‘vanguardia’ * es un término militar que se emplea para referirse a la parte de un ejército que va al frente del resto para explorar el terreno. Es decir, metafóricamente, una vanguardia * artística se encuentra adelantada a su tiempo o se anticipa al futuro por su audacia, pero, también, es el primer ataque en contra del orden instituido.

Si se incluyó al Renacimiento europeo dentro de la Modernidad es porque en él no sólo se dieron una gran cantidad de descubrimientos e inventos, sino que también comenzaron,

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junto con el rechazo de lo tradicional o del orden establecido, el culto a lo nuevo y a lo original (véase el Tema 2. 6).

El espíritu moderno se exacerbó en las vanguardias * pues en ellas la búsqueda de lo nuevo y el rechazo de la tradición se convirtieron casi en fines en sí mismos.

Es imposible mencionar aquí todos los rasgos de cada uno de los movimientos o estilos vanguardistas *, pues, simplemente, en la pintura de finales del siglo XIX y principios del siglo XX encontramos: impresionismo (Claude Monet), expresionismo (Edvard Munch), cubismo (Pablo Ruiz Picasso), futurismo (Filippo Tommaso Marinetti), abstraccionismo (Wassily Kandisky), dadaísmo (Marcel Duchamp), surrealismo (Salvador Dalí), etcétera.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Bürger, Peter, Teoría de la vanguardia, Península, Barcelona, 1987.

Gombrich, Ernest H., Historia del arte, Tomo 2, Ediciones Garriga, Barcelona, 1994.

Hauser, Arnold, Historia social de la literatura y del arte 2 y 3, Editorial Labor, Barcelona, 1993.

d) Época Contemporánea A mediados de los años cincuenta del siglo XX algunos pensadores comenzaron a hablar del fin de las vanguardias debido a que la “ruptura con la tradición” vanguardista llegó a convertirse, paradójicamente, también en una “tradición”: algo esperado, repetitivo y que ya no sorprendía. Lo anterior porque llegó a parecer que ya se habían transgredido todas las reglas del arte moderno y occidental o la propias reglas se fueron debilitando y desapareciendo, a causa, precisamente, de los ataques vanguardistas *. De este modo, se produjo la sensación de que no había nada nuevo por hacer, todo ya estaba hecho y que sólo quedaba comentar lo que otros habían realizado previamente.

El “fin de las vanguardias” también ocurrió debido a las transformaciones que se dieron en las sociedades y cultura contemporáneas: pese a que las vanguardias, como parte de su oposición al

El arte contemporáneo es, en términos generales, el arte posterior a los años cuarenta y cincuenta del

siglo XX.

Gernika de Pablo Picasso

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orden establecido, estaban en contra de la mercantilización * del arte, sus obras fueron asimiladas rápidamente por el mercado (a través de los críticos de arte y las galerías) e, incluso, la cultura de masas: algunas de sus técnicas (por ejemplo, el collage, esto es, la técnica cubista de pegar objetos en los cuadros) comenzaron a ser empleadas en los medios masivos de comunicación, en concreto, en la publicidad, de modo que sus transgresiones se volvieron cada vez menos significativas.

Esto último puede observarse en algunos movimientos artísticos que se dieron entre 1945 y 1965: arte bruto (de quienes no son artistas o de los marginados, principalmente, los enfermos mentales), abstracción orgánica (basada en formas * abstractas encontradas en la naturaleza) y arte informal (o espontáneo), entre otros.

En el mundo contemporáneo ha ocurrido una ampliación casi ilimitada del ámbito de lo estético: no se reduce al mundo del arte, sino que abarca casi todos los aspectos de la vida cotidiana: es prácticamente imposible encontrar objetos que no sean producidos con la intención de que posean alguna cualidad estética o se dirijan, a través de su diseño, a la sensibilidad de sus usuarios y consumidores.

En efecto, los llamados arte de las masas e industrial han cobrado cada vez más importancia, pues casi todo es producido industrialmente con miras a su consumo masivo, mientras que algunas modalidades artísticas, como las artesanías y el arte popular, tienden a desaparecer, pues son rápidamente comercializadas y convertidas en “fenómenos masivos”.

En general, los artistas mismos se esfuerzan por sacar sus obras fuera de los lugares de exhibición privilegiados, especializados o institucionales (como los museos) y tratan de exponerlas en cualquier espacio público. Además, buscan que los espectadores dejen de ser meramente pasivos, participen directamente en la creación artística, entiendan que el arte puede y debe formar parte de su vida diaria y que los artistas no son diferentes del resto de las personas.

Debido a la amplitud, variedad y complejidad del mundo artístico contemporáneo es muy difícil determinar lo que tienen en común todas sus expresiones o cuál es su estilo característico. En efecto, en el arte contemporáneo no domina un estilo particular, sino el uso o la mezcla de todos los estilos disponibles: no sólo de distintas épocas (clásica, medieval y moderna), sino, en general, de cualquier cultura (incluidas las no occidentales, como las prehispánicas, las orientales y africanas, y la “cultura de masas”). Por lo mismo, no hay estilos, artistas u obras contemporáneas fácilmente reconocibles.

De manera más radical, el arte contemporáneo supone un reconocimiento de los “otros”: los que están fuera de una nación (los extranjeros) o dentro de ella (las minorías y los inmigrantes). Así, mientras que el arte moderno fue sobre todo europeo o conforme a principios occidentales, el arte contemporáneo se acerca más a un arte “global” que supone y reconoce la diversidad cultural y que trasciende las fronteras nacionales.

Marilyn Monroe de Andy Warhol

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Pero, además, frente al rechazo moderno o vanguardista del orden establecido, en el arte contemporáneo se ha dado un descrédito de la idea moderna de progreso (la cual esta presupuesta, de manera acrítica, incluso en el culto vanguardista * a lo nuevo), una revaloración de las tradiciones (por ejemplo, las pre-modernas o populares) y una reivindicación del derecho de retomar el pasado. En la actualidad encontramos una gran cantidad de estilos o movimientos retro o que se proponen un regreso a los del pasado, los cuales adquieren significados nuevos al ser reutilizados, pero que también producen una sensación de intemporalidad (aunque constantemente aparecen “novedades”, parece que, en el fondo, todo sigue igual).

Por lo mismo, el arte contemporáneo no puede ser entendido, explicado y valorado haciendo uso de una sola disciplina, sino que para ello se requiere hacer uso de todo tipo de disciplinas humanísticas, ciencias sociales y naturales, incluidos los estudios de género.

Por otro lado, se han ido desvaneciendo las diferencias entre los géneros artísticos y las artes mismas.

Otra particularidad del arte contemporáneo es la gran cantidad de estilos y subestilos que existen dentro de cada manifestación o modalidad artística, pues no sólo las propuestas artísticas se han diversificado sino que también lo ha hecho el público al que se dirigen.

En el arte contemporáneo la experimentación continúa, pero en una forma menos radical y dramática que en el arte vanguardista: en lugar de rechazar violentamente los estilos y las técnicas existentes, les llevan hasta su extremo, lo cual muchas veces conduce a su anulación.

Los desarrollos tecnológicos han traído consigo el surgimiento de nuevas manifestaciones y modalidades artísticas.

La experimentación también ha conducido al empleo o descubrimiento de nuevos medios de expresión.

Ampliación del ámbito de

lo estético

Predominio del arte de las masas e industrial

Descrédito de la idea de

progreso

Revaloración y uso de todas las tradiciones y

estilos

Diversificación y

globalización del arte

Debilitamiento de las fronteras entre los

distintos tipos de arte y géneros artísticos

Aparición de nuevas manifestaciones artísticas

y formas de expresión

ÉPOCA CONTEMPORÁNEA

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BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Guasch, Anna Maria, El arte del siglo XX. El posminimalismo a lo multicultural, Alianza Editorial, Madrid, 2000, pp. 15-23, 27-30, 51-52, 81-82, 165-167, 199-202, 439-442, 529-530 y 527-579.

Jameson, Fredric, “Posmodernismo y sociedad del consumo” (en) H. Foster (editor), La posmodernidad, Kairos, Barcelona, 1985, pp. 165-186.

Lipovestky, Gilles, La era del vacío. Ensayos sobre el individualismo contemporáneo, Anagrama, Barcelona, 1986, pp. 79-126.

Sánchez Vázquez, Adolfo, “Capítulo VII: El arte en nuestro tiempo”, Antología. Textos de estética y teoría del arte, UNAM, México, 1991, pp. 391-489.

Los artistas expresan, manifiestan o reflejan las circunstancias (morales, religiosas, políticas, económicas) que les rodean, las cuales les influyen y determinan, pero nunca de manera completa, pues siempre gozan de cierta libertad, la cual no sólo les permiten desarrollar un estilo propio sino, incluso, actuar sobre dichas circunstancias y hasta contribuir a modificarlas.

El estilo artístico es la forma particular que tienen los individuos, las sociedades, culturas o épocas de crear o producir arte y refleja las relaciones que se dan al interior de éstas entre las obras, sus creadores o productores y el medio que les rodea.

El estilo clásico es el que dominó en Grecia Antigua se caracteriza por su realismo * o naturalismo *, así como por la búsqueda de la belleza ideal (es decir, perfecta o con equilibrio y armonía entre sus formas *); dentro del arte clásico griego encontramos tres subestilos fundamentales: jónico, dórico y corintio.

El estilo de la Edad Media es el que predominó en Europa desde el siglo VII hasta el XIV, se distingue -sobre todo, en su primera etapa en la que dominaron los estilos bizantino, carolingio y románico- por su falta de realismo * y naturalismo *, así como por su simbolismo religioso (el significado de las formas * perceptibles se hallaba en lo divino). El último estilo de esta época, el gótico, anuncia el arte renacentista.

A pesar de la diversidad de estilos que se dan en ella (algunos de los cuales implican un retorno a lo clásico: por ejemplo, el renacentista), podemos decir que el estilo de la Modernidad puede ser identificado por el culto a lo nuevo, lo original e irrepetible, correlativo de la valoración de la individualidad del artista, así como por su tendencia a romper con las tradiciones y las formas * establecidas (vanguardismo *), pues, incluso, los estilos ‘clasicistas’ implican técnicas que permiten niveles de realismo * y expresividad * que van más allá del arte clásico antiguo. La pintura moderna va desde la renacentista, pasando por la manierista, barroca, neoclásica, romántica, realista y modernista hasta llegar a la vanguardista.

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En el estilo de la época contemporánea el culto a lo nuevo persiste y convive junto con la revaloración de las tradiciones y de estilos de diferentes épocas y culturas: aunque conserva la búsqueda de experimentación, ha abandonado el radicalismo vanguardista *. Además, este estilo supone un debilitamiento de las fronteras entre las distintas tipos de arte y géneros artísticos y la aparición de nuevas manifestaciones artísticas y medios de expresión. En la pintura, el desarrollo técnico le permite llevar al extremo las pretensiones realistas * y expresionistas *.

I. Actividades de adquisición:

? Subraya lo más importante e identifica los conceptos principales de esta unidad.

? Elabora un glosario con la definición de esos conceptos.

? Realiza por lo menos una de las lecturas sugeridas al final de cada tema.

II. Actividades de codificación:

¥ Elabora un diagrama o mapa conceptual de toda la unidad.

¥ Diseña una línea del tiempo con los estilos y autores mencionados en ella.

¥ Con tus propias palabras, explica qué es un estilo artístico y qué es lo característico de los estilos clásico, medieval, moderno y contemporáneo.

III. Actividades de recuperación:

4 Responde por escrito las “Preguntas para la reflexión” que aparecen al principio de esta unidad.

4 Busca en un libro de arte o en una enciclopedia imágenes de las obras y autores mencionados.

4 Complementa la lectura de esta unidad con la lectura de la sección “Ampliación de los temas” que se incluye en el CD.

4 Repasa lo que has aprendido en esta unidad apoyándote en las Presentaciones

en PowerPoint incluidas en el CD.

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IV. Actividades de metacognición:

N ¿Qué aprendiste en esta unidad?

N ¿Se te facilitó realizar las actividades anteriores? ¿Cuál se te dificultó más? Reflexiona sobre cuál es la causa de ello y busca una solución para esta dificultad.

N Evalúa tus avances: responde los reactivos de autoevaluación.

Señala el inciso que corresponde a la respuesta correcta.

1. ¿Cómo se llama al conjunto de características que distinguen al arte de cierto momento histórico? a) modalidad artística; b) manifestación artística; c) estilo artístico; d) circunstancias artísticas; e) medio artístico.

2. La economía, política, moral y religión son respecto de los artistas: a) modalidades artísticas; b) manifestaciones artísticas; c) sistemas de interpretación filosófica; d) medio o circunstancias; e) categorías o valores estéticos.

3. Son ejemplos de estilos artísticos: a) popular, artesanal e industrial; b) artista, ejecutante y crítico de arte; c) clásico, medieval y moderno; d) belleza, sublime e ironía; e) bellas artes, artes liberales y serviles.

4. El arte de este momento histórico se distingue por la búsqueda de una belleza ideal o del equilibrio y armonía entre las formas y el contenido de una obra: a) vanguardista; b) clásico; c) medieval; d) moderno; e) contemporáneo.

5. Al arte que se sujeta a criterios, normas, cánones o modelos con el fin de crear obras cada vez más perfectas o de acuerdo con ellos se le califica de: a) contemporáneo; b) abierto; c) vanguardista; d) moderno; e) clásico.

6. De acuerdo con Gombrich, “las estatuas griegas, claro está, no son inexpresivas en el sentido de parecer estúpidas y vacuas, pero sus rostros no parecen traducir ningún sentimiento determinado. [Pues] Para evitar esa indeterminación, los maestros griegos tendrían que haber mostrado el movimiento de las facciones, el cual hubiera distorsionado y destruido la sencilla regularidad de la cabeza”. Lo anterior significa que los escultores de la Grecia antigua buscaban alcanzar sobre todo el valor de: a) la belleza; b) lo cómico; c) lo sublime; d) lo trágico.

7. Lee con cuidado la descripción que Ernest Gombrich ofrece en su libro Historia del arte de la estatua El discóbolo de Mirón: “El joven atleta es representado en el momento en que se disponía a lanzar el pesado disco. Se ha inclinado y balancea el brazo hacia atrás para poder arrojar aquél con mayor violencia. En el instante siguiente dará un paso hacia delante y lo dejará ir, impulsando el lanzamiento con un giro del cuerpo”. Por tanto, esta obra ejemplifica la siguiente característica típica del arte griego clásico: a) naturalismo; b) antirrealismo (expresionismo); c) idealismo; d) simbolismo.

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8. Ernest Gombrich dice que este tipo de columnas “[…] son mucho menos fuertes y robustas. Son como ligeros troncos, y el capitel ornamental no es mayor que un sencillo y lujoso cojín, pero ricamente adornado con volutas a los lados las cuales parece despeñar nuevamente la función de la parte que sostiene la viga sobre la que descansa el techo. La impresión de conjunto de esos edificios, con sus pormenores bellamente labrados, es de sosiego y gracia infinita”. La descripción anterior corresponde a columnas propias del estilo griego denominado: a) jónico; b) dórico; b) arcaico; d) espartano.

9. El estilo artístico de esta época entraña una concepción de la historia en la cual el futuro es contingente y está abierto, por lo cual hay que explorarlo, conquistarlo e inventarlo: a) moderno; b) medieval; c) dórico; d) gótico; e) románico.

10. Ernest Gombrich dice que en las iglesias románicas, por ejemplo, la Iglesia benedictina de Murbach, en Alsacia, hayamos firmes y continuas paredes y torres y que “Estos poderosos y casi retadores cúmulos de piedra levantados por la Iglesia, en tierra de campesinos y guerreros acabados de emanciparse de la forma de vida que habían odiado, parecen expresar la misma idea de la Iglesia militante, esto es, la idea de que aquí, sobre la Tierra, la misión de la Iglesia es la de combatir las fuerzas oscuras hasta que la hora del triunfo suene en el día del Juicio Final”. Lo anterior nos remite al carácter eminentemente_______________de ese estilo artístico: a) realista; b) alegórico; c) naturalista; d) vanguardista.

11. La principal peculiaridad del estilo artístico de esta época es volver a los valores de la antigüedad greco-romana: a) medieval; b) posmoderno; c) contemporáneo; d) renacentista; e) moderno.

12. El estilo artístico de esta época entraña una concepción de la historia según la cual el presente y el futuro son mejores que el pasado, es decir, en la historia sí hay progreso: a) moderno; b) medieval; c) dórico; d) gótico; e) románico.

13. En opinión de Gombrich en la pintura de William Turner, por ejemplo en su cuadro Un vapor en la ventisca, “la Naturaleza trasluce y expresa siempre emociones humanas; nos sentimos pequeños y abrumados ante las fuerzas que no podemos gobernar, por lo que nos vemos impulsados a admirar al artista que ha tenido a merced suya las fuerzas de la Naturaleza”. Por tanto, la pintura de Turner ejemplifica el siguiente valor estético: a) lo bello; b) lo cómico; c) lo sublime; d) lo trágico.

14. Según Ernest Gombrich, el pintor William Blake “fue le primer artista después del Renacimiento que de este modo se rebeló conscientemente contra las normas establecidas por la tradición, y difícilmente podemos condenar a sus contemporáneos por haberle juzgado horrible”. Por tanto, para Gombrich Blake fue un artista: a) clasicista b) vanguardista; b) contemporáneo; c) post-vanguardista; d) naturalista.

15. Gombrich dice que “lo que irritó en el arte expresionista [por ejemplo, la pintura de Munch] no fue tanto, tal vez, el hecho de que la Naturaleza hubiera sido trastocada como que el resultado prescindiera de la belleza. Que el caricaturista subrayara la fealdad de un hombre se daba por admitido; era diversión. Pero que hombres que se decían artistas serios olvidaran que si tenían que alterar las apariencias de las cosas tendrían que idealizarlas más que afearlas, fue tenido por cosa grave”. Por tanto, lo que irritó en el expresionismo fue ante todo su oposición al: a) naturalismo; b) realismo; c) clasicismo; d) vanguardismo.

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16. De acuerdo con Hauser, el arte de este periodo “destruye los valores pictóricos de la pintura, el sentimiento y las imágenes cuidadosas y coherentes de la poesía, y la melodía y la tonalidad en la música. Implica una angustiosa huida de todo lo agradable y placentero, de todo lo puramente decorativo y gracioso”. En consecuencia, se está refiriendo al arte: a) arcaico; b) clásico; c) renacentista; d) moderno.

17. Harold Rosenberg ha dicho que en esta época: “Los críticos aportan su colaboración rebuscando por los estudios de todos los artistas como una legión de boy-scouts, dispuestos a descubrir un arte para el futuro y ser los primeros en crear y descubrir una nueva e importante figura. Los historiadores de arte están siempre dispuestos con sus cámaras y cuadernos de notas para no dejar de registrar ningún nuevo detalle. La tradición de lo nuevo ha reducido todas las demás tradiciones a algo trivial…”. La anterior descripción corresponde al arte: a) tradicional; b) moderno; c) vanguardista; d) contemporáneo.

18. Quentin Bell ha dicho que en este periodo artístico: “el público puede aceptarlo todo, o al menos existe un amplio e influyente sector del mismo que puede obrar así… no existe excentricidad pictórica alguna que pueda irritar, y ni siquiera asombrar, a los críticos”. Por la descripción que ofrece se puede concluir que se está refiriendo al arte característico del estilo artístico: a) renacentista; b) moderno; c) vanguardista; d) contemporáneo.

E ¿Cuántas respuestas correctas obtuviste en los reactivos de autoevaluación? E En un examen, ¿qué calificación habrías conseguido? E ¿Obtendrías la calificación que esperabas lograr antes de contestarlos y la que

deseas alcanzar en el examen extraordinario de la materia? E ¿Necesitas asesoría? Si es así, con toda confianza, busca a un profesor de

Estética y plantéale tus dudas. E Sigue esforzándote como hasta ahora. E En la siguiente unidad estudiaremos la naturaleza del arte, el juicio y los valores

estéticos, pero, también, la relación entre el arte y la ética. Te prometemos que va a resultar muy interesante.

RESPUESTA A LOS REACTIVOS DE AUTOEVALUCIÓN

1. c 2. d 3. c 4. b 5. e 6. a 7. a 8. A 9. a 10. b 11. d 12. a 13. c 14. b 15. a 16. d 17. d 18. d

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QUINTA UNIDAD: Arte y pensamiento en México

La valoración de las obras estéticas y artísticas de nuestro pasado es reciente pues para que ella fuera posible los conceptos tradicionales de arte y belleza, antes reducidos a lo establecido por la estética occidental *, tuvieron que ser ampliados. Igualmente, para que se haya podido valorar el pensamiento estético mexicano se tuvo que desenmascarar muchos prejuicios y supuestos falsos acerca de éste (por ejemplo, que es una mera copia, a veces mal hecha, de lo que se creó en el extranjero para solucionar problemas completamente diferentes a los nuestros).

Gracias a estos dos logros, hoy podemos comprender mejor las influencias que nuestro arte y pensamiento estético han recibido, pero, también, las particularidades que les distinguen e identifican. Otro factor adicional que no debe ser olvidado es el trabajo de investigación histórica y arqueológica que, desde principios del siglo XIX, rescató y revaloró nuestras producciones estéticas, artísticas y culturales prehispánicas y virreinales. Pedro José Márquez, José Bernardo Couto, Manuel Revilla, Manuel Gamio, José Juan Tablada, Salvador Toscano, Alfonso Caso, Manuel Toussaint, Paul Westhein, Justino Fernández, George Kluber, Ángel María Garibay y Miguel León Portilla son algunos de los descubridores y fundamentadores que han iluminado esas etapas de la historia de México.

En esta unidad V sobre el arte y el pensamiento en México veremos primero cómo se caracterizarán las expresiones estéticas prehispánicas para descubrir su sentido y función; después, se señalarán las características y se destacará la singularidad histórica del arte virreinal, moderno y contemporáneo. Y, finalmente, se hará una descripción del pensamiento estético mexicano por medio del estudio de algunos de sus principales representantes. En concreto, de las ideas estéticas de Antonio Caso, José Vasconcelos, Alfonso Reyes, Samuel Ramos, Justino Fernández, Octavio Paz, Adolfo Sánchez Vázquez y Ramón Xirau.

Los objetivos de esta unidad son que el alumno:

a) entienda lo característico del arte y del pensamiento estético mexicanos; b) reflexione sobre el sentido y la función del arte mexicano en las diferentes

épocas o momentos de la historia de México; c) específicamente, entienda la influencia de las raíces prehispánicas y europeas

en el arte y pensamiento estético mexicanos actuales; d) detecte qué problemas han enfrentado los pensadores estéticos mexicanos y

cómo han tratado de solucionarlos. Se pretende, asimismo, que aplique las habilidades y herramientas que debió haber adquirido en las unidades anteriores en el análisis de los fenómenos estéticos y artísticos mexicanos, adopte una actitud crítica frente a la función y concepción del arte propias de la cultura occidental, hegemónica * en todo el mundo desde la Modernidad, y entienda la situación actual del arte y el pensamiento estético en México así como sus perspectivas futuras. Igual que ocurrió en la Cuarta Unidad, en ésta nos centraremos en las llamadas artes plásticas (pintura, escultura y arquitectura).

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v El arte y la estética ¿tienen nacionalidad o son totalmente independientes de todo

momento y lugar?

v La concepción occidental y moderna del arte, ¿es realmente universal y necesaria o tiene límites históricos y culturales?

v ¿Qué es lo distintivo del arte mexicano?

v ¿Cuál era la función y el significado de las manifestaciones estéticas prehispánicas?

v ¿Cuál fue el sentido general del arte virreinal? ¿Cómo se dio en él la reunión de lo prehispánico y lo europeo?

v El arte mexicano contemporáneo, ¿es igual al del siglo XIX o al de principios del siglo XX?

v ¿Qué reflexiones estéticas han hecho los pensadores y filósofos mexicanos?

5.1 Características del arte prehispánico y su significado

Las culturas precolombinas o prehispánicas son las que se desarrollaron antes de la llegada de los españoles (ocurrida en 1492) en lo que hoy es conocido como Continente Americano, nos centraremos en el estudio del área mesoamericana (lo que actualmente es México y Centroamérica) y, dentro de ella, en la cultura mexica, pues a principios del siglo XVI el Imperio Mexica o Azteca, con asiento en Tenochtitlán (hoy Centro Histórico de la Ciudad de México) y cuya lengua culta era el náhuatl, dominaba casi toda esa área geográfica y cultural.

La organización del Imperio Mexica era, como sus templos, piramidal (gobernaban un tlotoani y un cihuacoatl) y su poder económico y político se basaba en la agricultura, pero también en los tributos obtenidos por medio de la guerra y la dominación de otros pueblos con ayuda de sus aliados (Texcoco y Tlacopan).

Tlacaélel (siglo XV), sacerdote-guerrero, introdujo un cambio fundamental en la mundivisión * mítico-religiosa * que los mexicas habían tomado de la cultura tolteca o teotihuacana (basada ésta en el culto a Quetzalcóatl o la “serpiente emplumada”, a la vez, una divinidad y un héroe civilizador) convirtiéndola en mítico-guerrera. Expresión de este cambio era el Templo Mayor el cual tenía, en realidad, dos templos en su parte superior: uno, en lado norte, dedicado a Tláloc, dios de la lluvia y la agricultura, y otro, hacia al sur, a Huitzilopochtli, dios del sol y la guerra (que exigía, para evitar un cataclismo cósmico, la sangre de seres humanos sacrificados). La mundivisión mexica era dualista y suponía una lucha y hasta guerra de contrarios.

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En la cultura mexica las manifestaciones y los géneros estéticos más sobresalientes fueron: la arquitectura (templos y palacios), la escultura monumental y en piedra (por ejemplo, el monolito llamado “Piedra del Sol” o “Calendario del Sol”), el arte plumario, mosaico y la orfebrería.

Las características básicas y fundamentales de la plástica mexica fueron:

· ser la expresión de una mundivisión * en la que estaban unidos naturaleza, dioses y hombres;

· monumentalidad *, que se expresaba mediante la grandiosidad de su arquitectura y escultura;

· estilización ornamental a través del manejo del volumen, los colores, la repetición de los motivos, los relieves, los bajo relieves y las figuras;

· esfuerzo colectivo, pues generalmente sus obras no eran el producto de una sola persona sino de varias; y

· rico contenido ideológico-simbólico *, manifestado a través de los ideogramas, pictogramas y glifos que también se encontraban en los códices *, elaborados sobre un papel hecho de corteza de árbol (amatl) o piel de venado, con los que se representaba a la naturaleza no de manera naturalista * sino, más bien, abstracta y simbólica *.

Entre las culturas prehispánicas no había una separación entre la literatura y la pintura, lo escrito y lo pintado (pues su escritura representaba ideas por medio de imágenes). Tampoco se distinguía entre la sabiduría, la filosofía, la ciencia, la religión y el arte.

Una de las expresiones primordiales de la cultura mexica fue “flor y canto”: del náhuatl in xóchitl, in cuicatl, que significa canto florido, hermoso, adornado o bello como flores; era el único medio, según los tlamatinime (los sabedores de cosas), por el cual se puede decir algo con verdad, raíz o sustento; este canto florido fue expresado en los códices y tuvo en Nezahualcóyotl (rey de Texcoco) su más grande exponente y quien escribió sobre las siguientes cuestiones: 1) la posibilidad de decir palabras verdaderas en la Tierra a través de ‘flor y canto’, 2) el tiempo o la fugacidad de cuanto existe, el destino del ser humano y la muerte inevitable y 3) la divinidad y el enigma del hombre frente al Padre de la vida o el ‘inventor de sí mismo’.

En general, en las culturas prehispánicas no ocurrió la autonomización del arte * de la que hablamos en el capítulo anterior (véase el Tema 4. 1), lo cual no quiere decir, desde luego, que sus producciones estéticas fueran menos valiosas que las europeas, modernas o contemporáneas, sino, simplemente, que pertenecieron a una cultura diferente, por lo cual su función también era distinta (no artística sino sólo estética, aunque también religiosa y práctico-utilitaria). No pretendían reflejar la realidad natural sino, esencialmente, la sobrenatural (aunque hubo excepciones, como la Cabeza del Caballero Águila). Tampoco tenían siempre como fin alcanzar la armonía y el equilibro entre sus formas * (como sucedía, por ejemplo, con el arte clásico griego), sino, sobre todo, mover a la veneración y, en ocasiones, provocar terror y espanto.

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Ejemplo de ello es la escultura en piedra de la Coatlicue, diosa de la tierra y madre de Huitzilopochtli, cuyo cuerpo es humano, pero sus pies son garras de águila, su falda está hecha de serpientes, de su pecho cuelga un cráneo y, en lugar de cara, tiene dos serpientes viéndose una a otra.

Los objetos estéticos prehispánicos deben ser analizados tomando en cuenta su dimensión histórica, pues sus contenidos expresan las circunstancias sociales, políticas, económicas, religiosas y morales de las culturas y pueblos que los produjeron. De esa manera, nos informan sobre su sensibilidad y manera de concebir el mundo. El conocimiento de su sentido nos permitirá completar nuestra historia e incorporar elementos nuevos a la comprensión de nuestro ser presente y, por tanto, futuro.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Fernández, Justino. Estética del arte mexicano. Coatlicue, El retablo de los Reyes y El Hombre, México, UNAM, 1990, pp. 7-23, 97-111.

León Portilla, Miguel. Filosofía Náhuatl, México, UNAM, 1984, pp. 319-323, 363-368, 26,27, 51-53, 291-294.

Toscano, Salvador. Arte precolombino de México y de la América Central, México, UNAM, 1951.

5.2 Características y función del arte colonial

Después de la conquista de México-Tenochtitlán por los españoles (1521), se impuso en lo económico la encomienda y en el orden político el coloniaje y la representación virreinal hasta finalizada la revolución de Independencia de México en 1821. En los primeros años de la Nueva España se desarrolló un arte con un marcado sentido religioso: además de ser empleado para legitimar el poder de los conquistadores y enaltecer a los gobernantes y aristócratas, el arte virreinal fue usado para evangelizar a los indígenas. Por ejemplo, por medio de los retablos (es decir, estructuras, a veces, de gran tamaño, formadas por arquitectura, pinturas y esculturas que decoraban los templos) en las iglesias se buscaba hacer tangible el cielo prometido. Al principio ocurrió un rechazo completo por parte de los españoles de las culturas prehispánicas (las consideraban bárbaras o hasta demoníacas), pero, poco a poco, se fue dando un mestizaje, como queda claro en la transformación de la deidad prehispánica Tonantzin en la Virgen de Guadalupe o la “virgen morena” (expresión máxima del mestizaje virreinal) o en los cristos sangrantes.

Precisamente, las variantes formales * que los estilos europeos sufrieron al llegar a la Nueva España, constituyen la expresión de la estética y la forma de ser de este periodo

Coatlicue

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de la historia de México. La arquitectura del siglo XVI, construida después de la Conquista, muestra no sólo formas renacentistas junto con medievales (románicas y góticas), sino también mujédares (árabes), por ejemplo en los conventos de las distintas órdenes religiosas (Agustina: Acolman, Franciscana: Huejotzingo y Dominica: Tepoztlán).

Por su parte, el primer barroco mexicano (siglos XVI-XVII) fue todavía más exagerado, ornamental y suntuoso que el europeo (lo cual, en cierta manera, reflejaba la riqueza obtenida de la minería, el comercio y de la esclavitud de los indígenas por las castas privilegiadas en la Nueva España). En la arquitectura de las iglesias, monasterios, conventos y catedrales barrocas novohispanas, principalmente la Metropolitana y la de Puebla, sobresalen esas características. Ejemplo de ello igualmente lo son el conjunto de sillas agustinas (llamadas así por ser esa orden religiosa quien las mandó hacer) del salón “El Generalito” de la ENP en San Ildefonso; o la ornamentación interior de la Iglesia del Convento de Santo Domingo en la ciudad de Oaxaca. En la pintura cabe mencionar los óleos de Miguel Cabrera (1695-1768), especialmente su célebre retrato de Sor Juana Inés de la Cruz.

Son características generales de todo el arte virreinal, y ya no sólo del barroco:

· el ingenuismo, logrado en las expresiones faciales de las representaciones con forma * humana (hombres, mujeres, santos, ángeles, Jesucristo);

· el aspecto analítico, consistente en conservar la idea individual de cada cosa representada, de tal manera que cada elemento constituyente puede considerarse una pieza única dentro del conjunto;

· el antinaturalismo *, vale decir, un naturalismo * exagerado que cae en lo fantástico;

· el simbolismo * metafísico que sublima lo terrenal para representar a lo santo y unirse con lo divino;

· la ornamentación decorativa y dispendiosa con motivos religiosos, a través del cual se expresaba la fe y el estatus social de quienes encargaban las obras (a mayor gasto mayor bienaventuranza);

· la extratemporalidad o anacronismo: esto se refiere a que algunas corrientes artísticas caducas o que no tuvieron renombre en Europa, en México llegaron a tener vigencia y a ser muy influyentes; por ejemplo, en pleno siglo XVI, se construían en México edificaciones de acuerdo con los estilos medievales románico y gótico, supuestamente, superados con el Renacimiento (véanse los Temas 5. 2 y 5. 3); y

· el anonimato de los autores: el artista como individuo no era lo más importante, sino el contenido de la obra; no obstante hubo algunos creadores identificados, pero no constituía la regularidad, como es el caso del primer pintor novohispano que se conoce Juan Gerson –quien vivió a mediado del siglo XVI-, tlacuilo de origen náhuatl, autor de las pinturas que decoran la Iglesia Franciscana de Tecamachalco, Puebla y que muestran, al la vez, la influencia de la pintura europea, en concreto, flamenca, pero también de la cultura y pintura mexicas.

El ultrabarroco -término acuñado en 1927 por Gerardo Murillo (conocido como el Dr. Atl, palabra que en náhuatl significa ‘agua’) para referirse al “segundo barroco” o

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‘Churrigueresco’ (nombre debido, a su vez, al español José Churriguera quien lo creó)- se desarrolló principalmente en el siglo XVIII; tenía todas las características del estilo barroco, pero combinado con el estilo gótico (en la arquitectura, ligero, luminoso, en imitación de la naturaleza, con uso de arbotantes o un conjunto de arcos que sostienen las bóvedas o cúpulas de una construcción); lo cual le hizo adquirir un carácter radical: por eso se le denomina “ultrabarroco”. Ejemplos de él son el Retablo de los Reyes en el altar principal de la Catedral de la Ciudad de México, los retablos de Tepotzotlán o la iglesia de Santa Prisca en Taxco. Si ya el barroco era exagerado, ornamentalmente y costoso hasta el derroche, en el ultrabarroco mexicano los lineamientos estilísticos del barroco fueron completamente transfigurados por la imaginación de los artistas. Para muchos estudiosos este estilo artístico es el primero genuinamente americano. Para contrarrestar los excesos del ultrabarroco, a mediados del siglo XVIII se impuso en México el neoclásico, el cual se volvió dominante gracias al apoyo de la Real Academia * de San Carlos (fundada en 1781) y cuyas características principales son:

· el realismo *: se incorpora la naturaleza y la vida citadina sin exageraciones;

· la conjugación en la arquitectura de la proporción, el equilibrio y la armonía con influencia del estilo románico (pesado, gris y macizo);

· la inversión económica moderada en los materiales y las formas técnicas de creatividad;

· la acogida de temas sentimentales, con influencia del romanticismo;

· el interés por los temas históricos y nacionales de la cultura mexicana.

Como vemos, no se trató exactamente del neoclásico europeo (véase el Tema 4. 2. c) sino de un estilo diferente que, en realidad, combinaba varios estilos en su interior. Ejemplos de ello son la cúpula de la Catedral Metropolitana, el Palacio de Minería y la estatua ecuestre que representa a Carlos IV (el “Caballito”), obras del artista de origen español Manuel Tolsá (1757-1816). El neoclásico, inspirado en la Ilustración y, por ello, en la razón y en la idea de progreso, no sólo rechazó el barroco, sino casi todas las tradiciones y costumbres novohispanas y, en general, españolas (por ello, en él se encuentra una de las semillas del movimiento insurgente).

Y aunque la función principal de casi todas las expresiones artísticas novohispanas fue representar y fomentar el sentimiento religioso, nos ofrecen la visión de seres humanos que vivían en la disyuntiva o, por lo menos, en el empalme de dos realidades diferentes y aún contrarias que estaban dando lugar a una nueva condición aún no cristalizada: entre la dominación española y las raíces indígenas que permanecieron a pesar de los embates por cortarlas de tajo, se iba gestando el mestizaje, la realidad básica que permitió el surgimiento de la nación mexicana y del México contemporáneo.

Retablo de los Reyes, en la Catedral Metropolitana de la

Ciudad de México

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BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Fernández, Justino. Estética del arte mexicano. Coatlicue, El retablo de los Reyes y El Hombre, México, UNAM, 1990, pp. 327-341.

Manrique, Jorge Alberto. Una visión del arte y de la historia, Vol. III, México, IIE-UNAM, 2001, pp. 25-40.

5.3 El arte en el periodo moderno de la historia de México La época moderna del arte mexicano será dividida en este apartado, sólo con propósitos de la exposición, en: a) periodo Independiente (a partir de 1821) y nacionalista revolucionario y b) periodo contemporáneo posterior a los años cincuenta del siglo XX. La justificación de ello se encuentra en que el arte del primer periodo responde, en general, a los ideales de la Modernidad, por ejemplo, el progreso y la confianza en la razón para planificar la sociedad y dominar la naturaleza (véase el Tema 4. 2. c), mientras que el segundo supone un cuestionamiento de éstos.

En el primer periodo encontramos una gran variedad de estilos hasta llegar al muralismo, mientras que en el segundo presenciamos, como en el arte de todo el mundo contemporáneo (véase el Tema 4. 2. d), todavía una mayor diversidad de estilos, destacando entre ellos el arte de ruptura.

A raíz de la guerra de Independencia, en la que, inspirados en la Ilustración francesa, triunfaron los criollos, las artes sufrieron un estancamiento. De hecho, la Academia de San Carlos reabrió sus puertas hasta 1847. De todas formas, en la pintura de este periodo encontramos toda clase de retratos, pinturas sobre acontecimientos históricos y escenas de la vida cotidiana, además de paisajes.

El siglo XIX mexicano estuvo marcado por la inestabilidad política y económica, que tuvieron como causa y efecto las invasiones extranjeras, pero, sobre todo, por la lucha ideológica * y política entre liberales y conservadores acerca de cómo construir un Estado nacional mexicano: desconociendo lo local y las tradiciones (no sólo las indígenas sino, también, las españolas) a favor de lo moderno y universal o evitando los cambios políticos y sociales y manteniendo las tradiciones y los privilegios heredados; estableciendo una república federal, centralista o hasta un imperio, según el modelo extranjero que cada partido prefería.

Al final del siglo XIX se impuso el proyecto modernizador, pero dictatorial, de Porfirio Díaz, que hizo suyo el lema positivista * “orden y progreso”, favoreció a los terratenientes y a una pequeña burguesía afrancesada, glorificó el pasado prehispánico, pero no reconoció a los indígenas ni tampoco se hizo cargo de la herencia española. En algunas obras academicistas * de este periodo aparecen temas indígenas y populares, pero tratados bajo una perspectiva estética, más bien, europea (neoindigenismo). Esto queda de manifiesto en la escultura de Cuauhtémoc en el Paseo de la Reforma de Miguel Noreña (1843-1894) o en los relieves del Monumento a la Raza de Jesús Contreras (1866-1902).

A finales del siglo XIX y principios del XX confluyeron en la pintura otros estilos vanguardistas * además del academicismo * (ya para entonces no sólo neoclásico sino igualmente romántico e historicista): el naturalismo (José María Velasco, 1840-1912; El valle de México); el impresionismo (Joaquín Clausell, 1866-1935; Paisaje); el sintetismo

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(Saturnino Herrán, 1887-1918: Nuestros dioses); el simbolismo o romanticismo (Julio Ruelas, 1870-1907; La crítica), además del modernismo (principalmente, el Art nouveau en la arquitectura, por ejemplo, de la Colonia Roma de la Capital) (véase el Tema 4. 2. c).

Pero todo cambió radicalmente en el arte de las primeras décadas del siglo XX, el cual se volvió nacionalista y con un marcado contenido social, por las obvias influencias de la Revolución mexicana de 1910. Con él se rechazó, por estéril y frívolo, el academicismo * que se había implantado durante el porfiriato.

En la pintura cobraron primacía el paisajismo postimpresionista (el Dr. Atl, 1875-1964; El Ixtaccíhuatl), el grabado crítico (José Guadalupe Posada, 1852-1931; autor de la celebérrima “Calavera catrina”), la pintura expresionista de caballete (Francisco Goitia, 1884-1960; El ahorcado) y el muralismo, destacando dentro de éste último Diego Rivera (1886-1957; Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, en el comedor del que fuera el Hotel del Prado o los relieves en el Estadio Olímpico de Ciudad Universitaria),

José Clemente Orozco (1883-1949; El hombre de fuego, Prometeo o El hombre en llamas, en el Hospicio Cabañas de Guadalajara) y David Alfaro Siqueiros (1896-1974; La Marcha de la Humanidad en la América Latina en la Rectoría de la UNAM).

El muralismo, también conocido como ‘Escuela Mexicana de pintura’ y a veces calificado de ‘Renacimiento mexicano’, “salió” (alrededor de 1921) literalmente de las academias (y, en ese sentido, fue un movimiento vanguardista) para expresarse ante el pueblo; por ello, utilizó los muros de los principales edificios públicos

como la ENP (en concreto, San Ildefonso), la Secretaría de Educación Pública o el Palacio Nacional. En efecto, formó parte del proyecto educativo que encabezó José Vasconcelos, es decir, se desarrolló, a diferencia de la mayor parte de los movimientos vanguardistas europeos, con el apoyo del gobierno de su momento (véase el Tema 5. 4. b).

Una más de las características del muralismo fue que implicaba una crítica política e ideológica * de corte nacionalista y a la vez marxista a los problemas sociales, agrarios y obreros de México, retomando, de este modo, algunos de los ideales de la Revolución. Fue el primer movimiento artístico mexicano que alcanzó reconocimiento a nivel internacional y que influyó sobre artistas de otros países.

Al mismo tiempo y a contracorriente del muralismo, algunos estilos vanguardistas * en la pintura de caballete se metamorfosearon por completo al llegar a México. Frida Kahlo (1910-1954) fue una de las principales representantes del surrealismo, el cual combinó magistralmente con el arte popular mexicano y las tradiciones locales, como los ex votos religiosos *. Quizá el cuadro más conocido de Kahlo sea Las dos Fridas. También podemos ubicar dentro del surrealismo las obras de la española Remedios Varo (1913-1963) y de la inglesa Leonora Carrington (1917-), quienes llegaron a México a mediados de siglo, transterradas *, huyendo de la situación política de sus países natales.

El hombre de fuego de José Clemente Orozco

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Hay que remarcar que, en el siglo XX, a diferencia de las épocas anteriores del arte mexicano, la participación de la mujer se amplió y se volvió decisiva.

A finales de los años cincuenta, la llamada “generación de la ruptura”, que coincide temporalmente con lo que antes hemos llamado “fin de las vanguardias” (véase el Tema 4. 2. d), rompió con el nacionalismo y el realismo costumbrista del arte posrevolucionario que ya para entonces resultaba meramente panfletario y muy sofocante para algunos artistas, entre ellos, el dibujante, pintor y escultor José Luis Cuevas (1934-), pero también los artistas plásticos Manuel Felguérez (1928-), Vicente Rojo (1932-) y Lilia Carrillo (1930-1974).

Después de los conflictos del 68, en la década de los setentas se dio una expresión representativa de las nuevas generaciones artísticas mexicanas que encontramos en el Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria, concluido en 1970 y en el que participaron, además de Felguérez, Mathias Goeritz (1915-1990), Helen Escobedo (1934-) y Sebastián (1947-) -éste último es el autor de la escultura monumental conocida como El caballito, que se encuentra entre Paseo de la Reforma y Avenida Juárez.

Otros artistas, como el pintor y escultor Rufino Tamayo (1899-1991) y el arquitecto Luis Barragán (1902-1988), desde los años cuarenta y cincuenta retomaron elementos de las culturas prehispánicas así como de las tradiciones y el arte popular mexicanos, sin rechazar por ello el arte europeo; en el caso de Tamayo es notoria la influencia del cubismo y en el de Barragán, del minimalismo; a este último sus apologistas le consideran “el padre de la escuela mexicana de arquitectura”, o “mexicanista”, dicen sus críticos; Barragán, junto con Goeritz y Jesús “Chucho” Reyes (1882-1977), fue responsable de las famosas Torres de Ciudad Satélite.

De manera parecida a lo que sucedió con el pensamiento estético mexicano, por ejemplo, de Alfonso Reyes, Justino Fernández y Octavio Paz (véase el Tema 5. 4. d y g), en el arte mexicano contemporáneo se abandonó la búsqueda de algo “auténticamente mexicano”, diferente de todo lo occidental europeo y se aceptó que lo particular y lo universal no se contraponen y que no es encerrándose en un estrecho nacionalismo como se alcanzará la ansiada “originalidad”, sino que sólo será retomando lo propio y abriéndose críticamente a los Otros, no sólo los “extranjeros” sino también los autóctonos, pues no hay ni ha habido un único México, sino muchos Méxicos. Ejemplo de ello es la obra del artista oaxaqueño Francisco Toledo (1940-), que abarca la pintura, el dibujo, el ensamblado, la cerámica y la gráfica y cuyo regionalismo alcanza dimensiones universales, lo cual, al mismo tiempo, la vuelve completamente contemporánea. Toledo, conocido, sobre todo, por la creación de animales fantásticos, pero también por su labor de promoción cultural en su estado natal, es considerado hoy día, con justa razón, el artista plástico más importante de México.

Acuarela de Francisco Toeldo, inspirada en el

Manual de Zoología Fantástica de Jorge Luis

Borges.

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La gran diversidad y complejidad de la plástica mexicana actual incluye a artistas como Arturo Rivera (1945-) y Rafael Cauduro (1950-), inicialmente relacionados con el hiperrealismo -una de las obras murales de éste último se encuentra en el Metro Insurgentes-, así como la obra de Alberto Castro Leñero (1951-) que hace uso al mismo tiempo, aunque parezca contradictorio, de la figuración, el expresionismo y el abstraccionismo; estas nuevas tendencias reflejan y contribuyen a crear la pluralidad cultural y artística de nuestro país, sobre la cual, como enseguida veremos, han reflexionado los pensadores estéticos mexicanos.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Conde, Teresa del. Historia mínima del arte mexicano del siglo XX, México, Eds. Attame, 1994, pp. 11-50.

Fernández, Justino. Arte moderno y contemporáneo de México. El Arte del siglo XX, t. II, México, UNAM, 2001, pp. 1-14, 141-149.

-----, Estética del arte mexicano. Coatlicue, El retablo de los Reyes y El Hombre, México, UNAM, 1990, pp. 467-471, 540-551.

5.4 El pensamiento estético mexicano

Con pensamiento estético mexicano o estética mexicana nos referimos a una disciplina filosófica que estudia todo lo relacionado con el arte, la experiencia estética, los valores, los juicios, la crítica y la apreciación artística que, partiendo de las producciones estéticas y artísticas propias, trata de definir categorías que sean expresiones nuestras y, como tales, de valor universal por representar algo de lo humano en general. Por ello, no sólo incluye a autores normalmente considerados “filósofos” sino también a historiadores del arte, críticos literarios y escritores.

De manera muy general, las características del pensamiento estético en México son:

· la creciente conciencia de la propia realidad y de relacionar esta circunstancia con la creación artística y su reflexión filosófica;

· la creación de criterios estéticos y artísticos propios a partir de nuestra situación, estilos artísticos y obras específicas;

· la ampliación de los conceptos de estética, arte y belleza para que no excluyan a otras expresiones artísticas no occidentales;

· la búsqueda de un arte y una estética específicamente mexicanas que se incorporen y enriquezcan al arte y la estética universal; y

· la recuperación de las tradiciones culturales propias, prácticas artísticas y pensamiento estético para seguir prolongándolas.

Gracias a lo anterior es posible hablar hoy de una estética mexicana, que tiene, entre otros, a los siguientes exponentes: Antonio Caso, José Vasconcelos, Samuel Ramos,

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Alfonso Reyes, Justino Fernández, Adolfo Sánchez Vázquez, Octavio Paz y Ramón Xirau. Las obras primordialmente consultadas de estos autores, se ponen al inicio de cada entrada para que puedan ser revisadas por el lector.

a) Antonio Caso. (1883-1946) Obra: La existencia como economía, como desinterés y como caridad.

Mexicano. Filósofo de la existencia, maestro universitario, orador excelente y miembro del Ateneo de la Juventud (1909-1914), antipositivista e ideólogo de la Revolución mexicana, rector de la Universidad Nacional, es uno de los pilares de la filosofía mexicana del siglo XX. Con respecto a lo estético y artístico su reflexión es la siguiente. La vida ordinaria y vulgar, concibe Caso, está determinada por el interés

pragmático y utilitario que nos enajena *. La esfera del arte, partiendo de esa realidad, es aquel espacio que rompiendo con nuestra vida vulgar, nos aparta de la vida trivial y nos lleva a la intuición estética de la vida verdadera: aquella donde reina el desinterés. La intuición estética es la contemplación desinteresada que permite al ser humano la proyección sentimental (o empatía) de nuestros estados anímicos. Por ello, en el arte el ser humano se descubre en sí mismo y tiene una dimensión ética al ofrecer a los otros la posibilidad de su conocimiento para su salvación de la vida vulgar (caridad). Lo bello como sentimiento que produce la obra de arte, es percibido (representado) y apercibido (representado conscientemente), hasta que el espíritu lo asimila por completo, haciendo brotar un proceso psíquico (empatía) que produce placer (emoción).

Las emociones al apercibirse como un hecho excitante, emotivo, emocionante y ligado a la apreciación, la contemplación y el disfrute de una obra de arte marcan la experiencia estética.

b) José Vasconcelos. (1882-1959) Obra: Filosofía estética. Según el método de la coordinación.

Mexicano. Escritor, filósofo y político que promovió una cultura nacional fundada sobre valores universales, Director de la Escuela Preparatoria y Rector de la Universidad Nacional, Secretario de Instrucción Pública y Bellas Artes. También participó en el Ateneo de la Juventud con una vocación latinoamericanista que se muestra en la creación del lema de la UNAM: "Por mi raza hablará el espíritu".

La explicación de los fenómenos vitales y del arte como uno de ellos, según Vasconcelos, se encuentra, en una fuerza que opera en toda materia y que domina el universo. Esa fuerza es la clave pues él concibe al universo en movimiento. El ejercicio del ritmo, la melodía, armonía y contrapunto en música, por ejemplo, obedecen a un sistema de acción, concebido como a priori * estético, y que nos lleva a un modo de pensar por concurrencia de intenciones y significaciones. El sentido estético es la coordinación de conjuntos estéticos o artísticos y que se suponen como condiciones de posibilidad del arte, la belleza y la sensibilidad. Vasconcelos trata de explicar o expresar la dinámica consciente de la existencia y el mundo como armonía estética: la razón no abarca la unidad del hombre, tampoco la emoción, sino que es necesaria su coordinación, pues en la esencia *

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del hombre opera un instrumento dedicado específicamente a la función de integración y coordinación: la conciencia. La conciencia es el a priori * estético y la conciencia integrada o coordinada con la conciencia divina, hacen que el pensamiento estético de Vasconcelos se vuelva, como él mismo decía, místico.

c) Samuel Ramos. (1897-1959) Obra: Filosofía de la vida artística. Mexicano. Filósofo y médico, maestro universitario y pensador profundo del hombre y la cultura en México, creador de la “Filosofía del mexicano”, promotor del grupo filosófico Hiperión (Zea, Uranga, Villoro, Portilla, Guerra, Sánchez McGregor). Es el más brillante impulsor del movimiento por la creación de una filosofía propia, de la filosofía mexicana. Para Ramos el arte como producto de la actividad espiritual del ser humano debe ser considerado como un fenómeno cultural; por ello, define a la estética como la disciplina filosófica que estudia todo lo relacionado con el arte, la creación, contemplación, interpretación y crítica de lo que en términos generales denomina vida artística. De la tensión de la vida diaria, el trajinar despersonalizante y la pérdida de identidad surge una imperiosa necesidad de descanso, libertad y recreación que sólo el arte puede procurar gracias al libre juego de sus representaciones y su posibilidad ilimitada de imaginación creadora. Así, esta necesidad vital que es el arte hace que la producción artística como un proceso orgánico de creación, busque enriquecer la cultura y dar identidad al ser humano con cada nueva obra. Ramos propone entender los valores estéticos que usamos como criterios para reflexionar sobre el arte. Considera que lo artístico no radica en su materialidad o soportes (pinturas, lienzos, materia, sonidos, etc.) sino en cierta virtud potencial que sólo cobra existencia cuando se refleja en el espíritu de un espectador entendido. Es decir, cualquiera que lleva o comparte la vida artística, sea la creación, contemplación, interpretación o crítica del arte. El punto medio entre el subjetivismo y el objetivismo se encuentra en la belleza, entendida como la multiplicidad de valores estéticos subjetivos * concentrados en la obra, así como las cualidades estéticas objetivas de la obra. La función del arte es entonces para Ramos lograr cierta perfección ideal, adecuada para elevar nuestros sentimientos vitales a una existencia más libre y conforme a los valores del espíritu humano. Esa debe ser la función del arte para la conformación de una cultura universal y válida para el mexicano en particular.

d) Alfonso Reyes. (1889-1959) Obras: La X en la frente; La última Tule, Visión de Anáhuac.

Conocido como ‘el mexicano universal’, otro de los miembros del Ateneo de la Juventud, embajador mexicano, fundador del Colegio de México, profundo conocedor de la cultura clásica griega, poeta y considerado uno de los más grandes ensayistas de la lengua española, buscó reorientar los valores intelectuales y humanistas hacia el pleno e integral desarrollo del individuo, frente a la limitada idea de hombre que tenía positivismo * cientificista del siglo XIX. Sostiene que lo malo no es la formación de un espíritu científico en el hombre, sino la exclusión de las humanidades en tal formación. También afirma que a través de sus obras Hispanoamérica se ha emancipado

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mentalmente y hemos llegado a la mayoría de edad intelectual, de tal forma que el concierto mundial debe empezar a acostumbrarse a contar con nosotros en la creación de una cultura verdaderamente universal. Es de Reyes la solución en las humanidades del problema entre el universalismo y el particularismo; según él, a lo universal se llega por medio de lo particular; es decir, a la cultura universal se llega desarrollando nuestra propia cultura. Para él “lo universal pasa por lo particular” vale decir, para conocer lo humano tenemos que reconocer lo nuestro. En la obra de Reyes encontramos una solución al problema que, desde la Independencia, se han planteado los artistas mexicanos acerca de cómo conjuntar lo nacional y lo extranjero (véase el Tema 5. 3).

e) Justino Fernández. (1904-1972) Obra: Estética del arte mexicano.

Mexicano. Justino Fernández, aunque normalmente sólo se le conoce como historiador y crítico del arte, es uno de los máximos exponentes de la estética en México, sus obras y reflexiones así lo evidencian y resultan una referencia ineludible en todo estudio sobre el arte mexicano, pues nos descubren la estética de éste desde la época prehispánica hasta mediados del siglo XX.

Ante la concepción hegemónica * de la idea de belleza pura, contemplativa, y de las concepciones del “arte por el arte”, Justino Fernández, propone que la belleza siempre ha sido “impura” y el arte conlleva “intereses”. Es impura porque no puede separarse del complejo de intereses vitales del hombre que la descubre ni del objeto en donde se le descubre. Con ello, recupera la dimensión histórica del concepto de belleza y del sentido real de la historia del arte; pues arte, belleza, y estética son producciones históricas. Bajo un enfoque histórico-humanista trata de reubicar la reflexión sobre el arte desde su implícita historicidad. Lo anterior constituye una crítica a la teoría de la belleza que la concibe como universal e inmutable, no porque la crea errada, sino porque se ha asociado a ella un tipo exclusivo de arte, a saber, el arte clásico griego. Sostiene que la única razón para no llamarle arte a las diferentes y diversas expresiones culturales mexicanas, es que no satisfacen los criterios de la visión hegemónica * del arte. Estas bases permiten a Fernández la reconstrucción estética de toda la historia de las ideas sobre el arte mexicano comenzando desde los tiempos precolombinos, pasando por el virreinato, la época moderna y contemporánea (hasta 1970).

f) Adolfo Sánchez Vázquez (1915- ) Obra: Invitación a la Estética.

Español. Adolfo Sánchez Vázquez desde una postura filosófica marxista no dogmática sino crítica, fundamenta el valor concreto de las expresiones artísticas en la realidad que las produce. Con ello hace una crítica a las ideas esencialistas o ahistoricistas sobre el arte, ofrece elementos para la comprensión y valoración del arte y la estética de cada cultura; en concreto, ofrece el concepto de autonomización del arte * que hemos empleado a lo largo de esta Guía (véase, sobre todo, el Tema 4. 1). Para Sánchez Vázquez, de entrada, todo arte es un hecho histórico y la estética la disciplina que lo estudia, en todos sus aspectos y manifestaciones concretas, aunque no encarnen lo bello en sentido clásico. Se declara por una estética que se fundamente en el

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movimiento de lo real, el hombre, la sociedad y la historia, y toma posición crítica ante las estéticas metafísicas, especulativas, eurocéntricas y clasicistas. El arte y el artista, el sujeto y el objeto, la teoría y la práctica artísticas, responden a una compleja realidad e ideología * a la que pertenecen en un sistema de libre mercado capitalista que mercantiliza * la obra de arte y la hace consumible. Al estar contextuadas y al ser históricas, las estéticas se universalizan por medio de un proceso ideológico *, que las pone aparte de las prácticas concretas que las produjeron. Pero también al aplicarse a otras prácticas, tiempos y lugares pierden su función original (creación) y adquieren otra (reproducción).

Por ejemplo, cuando las estéticas clasicistas tratan de medir todo arte por medio de sus categorías, descalifican formas diferentes del arte; o cuando los principios estéticos dominantes en la cultura occidental tratan de extenderse a otras culturas, realizan una nueva colonización *. Para Sánchez Vázquez, la función de la estética es develar críticamente la ideología * que envuelve el arte, al papel del artista, las relaciones entre el arte y la sociedad, entre la obra artística y el mercado. Aplicado al arte mexicano hace notar su carácter progresista y liberador o bien reproductor de las condiciones sociales existentes (véase el Tema 3. 4. a y b).

g) Octavio Paz (1914-1998) Obras: El laberinto de la soledad, Los hijos del limo.

Mexicano. Premio Nóbel de Literatura (1992) gracias al reconocimiento universal que alcanzó su obra literaria es el mejor representante de la literatura mexicana del siglo XX.

Su obra es una expresión vital de la condición desgarrada del hombre y su tentativa por conciliar los opuestos (dialéctica de la soledad) que subyacen a la condición humana. Existencia y creación vienen a resultar posibilidades para la expresión y equilibrio de la forma de ser de los hombres. Para Paz, la poesía es un verdadero “ejercicio espiritual” que revela el ser, concilia los extremos y libera y transforma al ser humano. Su búsqueda pasa por la descripción del hombre mexicano, un poco en la línea de Ramos, pero lo sobrepasa para hablar del hombre en general. El acto poético es un acto que re-crea el ser permanentemente, como íntima expresión y fórmula de entrega y comunión. El arte en general y la literatura en especial logran con la expresión de nuestros pensamientos y palabras, evocar en el otro el sentimiento de lo humano, en donde se hermana la humanidad en un continuo suceder de comunicaciones, creación de sentidos e interpelación a nuestro ser. La palabra crea palabras, sentidos, mundos y transforma nuestra existencia.

En su libro Los hijos del limo diagnosticó el agotamiento de las vanguardias (véase el Tema 4. 2. c) y fue uno de los iniciadores a nivel mundial de la reflexión y discusión sobre la posmodernidad, es decir, si seguimos siendo hijos de la Modernidad o hemos entrado en una época o condición distinta a ella.

h) Ramón Xirau (1924- ) Obra: Poesía y conocimiento.

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Español. Ramón Xirau es uno de los pocos filósofos-poetas (escribe tanto en español como en catalán), pues su obra fundamenta la relación entre la literatura –muy especialmente la poesía- y la filosofía. La certidumbre de nuestro autor es que la filosofía y la poesía son ambas formas de conocimiento; la primera, nomina, conceptúa, comprende las cosas; la segunda invoca, crea sentidos, trae a nuestro pensamiento múltiples representaciones. Escéptico de la estética del arte que formaliza el entendimiento del fenómeno estético, por alejarse de la obra de arte, prefiere el conocimiento que ofrece mundos distintos y diferentes de interpretación, visiones del mundo como las

ofrecen la filosofía y la poesía: la metafísica es su punto de unión. La filosofía aporta el tratamiento metafísico, ya que todo problema humano es un problema de fundamento; y la poesía aporta el elemento creativo, la imaginación. En esta relación se descubre el valor cognoscitivo de la poesía y, por lo tanto, de la imaginación o lo irracional, así como el carácter imaginativo de la filosofía. Por el modo de conocer de ambas actividades, con mayor hondura, extensión y avanzando en la solución de problemas, sus alcances llegan a los linderos de lo religioso. Lo anterior para Xirau es una “persuasión probable”, pues re-ligar al hombre consigo mismo, en su plenitud y naturaleza es un esfuerzo común de la poesía, filosofía y religión. De ahí que pueda conectarlas por medio de la reflexión estética.

BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

Caso, Antonio. La existencia como economía, como desinterés y como caridad, México, UNAM-IPN, 1987.

Vasconcelos, José. Filosofía Estética. Según el método de la coordinación, México, Espasa-Calpe, Col. Austral Mexicana, 1995.

Ramos, Samuel. Filosofía de la vida artística, México, Espasa-Calpe, Col. Austral Mexicana, 1998.

Reyes, Alfonso. La X en la frente. México, UNAM, Biblioteca del Estudiante Universitario No. 114, 1993.

Fernández, Justino. Estética del arte mexicano. Coatlicue, El retablo de los Reyes, El Hombre. México, UNAM, 1990.

-----, Arte moderno y contemporáneo de México, 2 t., UNAM, México, 2001.

Sánchez Vázquez, Adolfo. Invitación a la Estética, México, Grijalbo, 1992.

-----, Las ideas estéticas de Marx, Era, México, 1987.

-----, Estética y marxismo, 2 vols., Era, México, 1970.

Paz, Octavio. El laberinto de la soledad, Postdata, Vuelta al laberinto de la soledad, FCE, México, 1993.

-----, El arco y la lira, FCE, México, 1956.

-----, Los hijos del limo: del romanticismo a la vanguardia. Seix Barral, Barcelona, 1974.

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Xirau, Ramón. “Poesía y conocimiento” en Xirau y Sobrevilla (eds.) Estética, Madrid, Trota, EIAF, 2003.

-----, Palabra y Silencio. Siglo XXI, México, 1993.

-----, Poesía y conocimiento, El Colegio Nacional, México, 1993.

-----, Cuatro filósofos y lo sagrado, El Colegio Nacional, México, 1996.

El arte prehispánico se nutre de formas como “flor y canto”, pasando por la monumentalidad de su arquitectura y escultura, los ideogramas y pictogramas de sus códices * como ejemplos de un esfuerzo colectivo de expresión y su sensibilidad con relación a la naturaleza y sus dioses.

El arte colonial, con un acendrado tema o motivo religioso, expresa caracteres formales diferentes a sus influencias europeas, al extremar posiciones como el antinaturalismo, la extemporalidad y el aspecto analítico. Los estilos más sobresalientes, por tomar aquí características nunca vistas en Europa, fueron el ultrabarroco y el neoclásico.

En el periodo moderno, poco a poco, las expresiones artísticas cobran, sobre todo, con el muralismo, un fuerte matiz nacionalista, sin embargo, en el arte mexicano contemporáneo, a partir de la generación de la ruptura (que rechazó el nacionalismo a ultranza, pues reconoció que lo local y lo universal no se contraponen), en panorama artístico mexicano, como el arte contemporáneo en general, se ha diversificado y vuelto muy complejo.

Con la incorporación de estas producciones artísticas al conjunto de nuestra cultura complementamos no sólo nuestro pasado histórico, sino también la comprensión de nuestra manera de ser. Nos permite también reconstruir las reflexiones que conforman una estética mexicana, con sus particulares enfoques, aportes y perspectivas.

Así lo demuestran el pensamiento estético de Antonio Caso, José Vasconcelos, Alfonso Reyes, Justino Fernández, Samuel Ramos, Adolfo Sánchez, Octavio Paz y Ramón Xirau, entre otros. Reconocer las características, función y sentido del arte a través de nuestra historia es también acercarse a la comprensión estética de nuestro propio ser y cultura.

El pensamiento estético mexicano o la estética mexicana es, precisamente, una disciplina filosófica que estudia todo lo relacionado con el arte, la experiencia estética, los valores, los juicios, la crítica y apreciación artística que, partiendo de las producciones artísticas propias, trata de definir categorías que sean expresiones nuestras y, como tales, de valor universal por representar algo de lo humano en general.

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¡Felicidades! Has terminado el estudio de la Guía. Para terminar bien y consolidar todo lo que aprendido te

solicitamos que realices las siguientes actividades de aprendizaje.

I. Actividades de adquisición:

? Subraya lo más importante e identifica los conceptos principales de esta unidad.

? Elabora un glosario con la definición de esos conceptos.

? Realiza por lo menos una de las lecturas sugeridas al final de cada tema.

II. Actividades de codificación:

¥ Elabora un diagrama o mapa conceptual de toda la unidad.

¥ Diseña una línea del tiempo con los estilos y autores mencionados en ella.

¥ Con tus propias palabras, explica qué es el arte y cuáles son las características del arte prehispánico, virreinal, moderno y contemporáneo en México.

III. Actividades de recuperación:

4 Responde por escrito las “Preguntas para la reflexión” que aparecen al principio de esta unidad.

4 Busca en un libro de arte o en una enciclopedia imágenes de las obras y autores mencionados.

4 Complementa la lectura de esta unidad con la lectura de la sección “Ampliación de los temas” que se incluye en el CD.

4 Repasa lo que has aprendido en esta unidad apoyándote en las Presentaciones

en PowerPoint incluidas en el CD.

4 Después de todo lo anterior, contesta los dos exámenes de prueba incluidos en el CD.

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IV. Actividades de metacognición: escribe al final de tus apuntes las respuestas de las siguientes preguntas.

N ¿Qué aprendiste en esta unidad?

N ¿Se te facilitó realizar las actividades anteriores? ¿Cuál se te dificultó más? Reflexiona sobre cuál fue la causa de ello y busca una solución para esta dificultad.

N Evalúa tus avances: responde los reactivos de autoevaluación.

N Solicita la ayuda de algún profesor para que te asesore en la resolución de las dificultades anteriores y/o analizar las respuestas obtenidas.

Señala el inciso que corresponde a la respuesta correcta

1. ¿Por qué razón antes del siglo XX las obras prehispánicas no eran consideradas “arte”? a) porque no se encontraba belleza en ellas; b) porque el concepto de arte occidental no las incluía; c) porque son expresiones artísticas inferiores; d) porque sólo eran restos arqueológicos.

2. Una característica particular de la poesía entre los náhuas es que: a) constituye el medio para decir algo con verdad; b) sigue los cánones europeos; c) su principal tema es la naturaleza; d) usan una métrica exacta.

3. El significado actual del arte prehispánico para nosotros consiste en: a) la belleza expresada de acuerdo al concepto occidental; b) el seguimiento de las tendencias europeas; c) nos informa sobre el origen de las deidades; d) comprender el pasado cultural y la sensibilidad antigua.

4. La función primordial del arte mexicano de la época de la colonia fue expresar: a) la naturaleza; b) al hombre colonial; c) el sentimiento religioso; d) la desigualdad social.

5. Se caracteriza por ser el estilo dominante en México, espléndido, exagerado, excesivamente ornamental, suntuoso, con temas religiosos: a) El Gótico; b) El Manierismo; c) El Barroco; d) El Neoclásico.

6. Al desarrollo de un sistema de normas que dan sentido, coordinan las formas artísticas de expresión y delinean históricamente al arte, se le conoce como: a) Estética del arte; b) Canon; c) Manierismo; d) Estilo.

7. Algunas de las características generales del arte moderno mexicano son, su: a) Pluralismo, su nacionalismo y rescate de la cultura mexicana; b) Religiosidad y seguimiento de los cánones europeos; c) Mantenimiento del estilo neoclásico tal cual se da en Europa; d) Incorporación de lo político dado por la independencia.

8. El incorporar la naturaleza sin exageraciones y la vida citadina, es la característica del estilo neoclásico conocido como: a) realismo b) sentimentalismo c) inversión moderada; d) nacionalismo.

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9. Se trata de una creación original del arte mexicano del siglo XX: a) El muralismo *; b) El ultrabarroco; c) El neoclásico; d) El churriguresco.

10. Para Antonio Caso, constituye la contemplación desinteresada que permite la empatía de nuestros estados anímicos: a) la estética mexicana; b) la experiencia estética; c) la proyección sentimental; d) la intuición estética.

11. Para Antonio Caso, es la producción de emociones de manera desinteresada que nos excita, conmueve y lleva al gozo frente a la contemplación o apreciación de una obra de arte: a) la estética mexicana; b) la experiencia estética; c) la proyección sentimental; d) la intuición estética.

12. Para Vasconcelos, es la causante de la coordinación entre razón y sensibilidad: a) el sentido estético; b) el a priori estético; c) la conciencia; d) la mística.

13. Para Vasconcelos, son las condiciones de posibilidad del arte, la belleza y la sensibilidad organizados por el sentido estético: a) las expresiones artísticas; b) los a priori * estéticos; c) las conciencias; d) las armonías estéticas.

14. Para Samuel Ramos, se debe desbordar la idea del arte como objeto de estudio de la estética, pues también debe estudiar: a) la vida artística; b) los valores estéticos; c) el objetivismo estético; d) el subjetivismo estético.

15. Para Ramos, es lo que identifica el punto medio entre las cualidades objetivas de la obra y su apreciación subjetiva por el espectador: a) la vida artística; b) los valores estéticos; c) el objetivismo estético; d) la belleza.

16. Alfonso Reyes se oponía a la formación del hombre que daba el positivismo * porque: a) los dotaba de un espíritu científico; b) carecía de una formación humanista; c) los preparaba para la guerra; d) fomentaba la imitación de lo extranjero.

17. El enfoque histórico-humanista que Justino Fernández aplica a reconstrucción de la historia del arte mexicano consiste en analizar: a) las cualidades de la obra independientemente del contexto; b) las obras de arte más allá de su contexto de producción; c) las obras de arte como producto de su contexto histórico; d) las cualidades de la obra en relación con su propia estructura.

18. Para fundamentar el arte mexicano, Justino Fernández realiza primero: a) un inventario de las producciones artísticas mexicanas; b) un análisis de las principales obras mexicanas; c) un listado de los principales artistas mexicanos; d) una crítica y ampliación al concepto de arte hegemónico.

19. Para Adolfo Sánchez al develar críticamente la ideología que envuelve al arte, al analizar el papel del artista y las relaciones entre el arte y la sociedad, la estética cumple con: a) su autonomía; b) su función; c) su libertad; d) su ideología.

20. Adolfo Sánchez Vázquez concibe al arte como: a) todo el conjunto de las obras de un artista; b) las obras más relevantes de una élite; c) acto desinteresado separado de necesidades económicas; d) un hecho histórico determinado por la realidad.

21. Para Octavio Paz, la condición humana desgarrada entre los opuestos es su idea de: a) existencia b) dialéctica de la soledad; c) vida artística; d) estética.

22. Para Octavio Paz es el acto que recrea el ser permanente como expresión íntima y comunión: a) acto poético. b) acto amoroso; c) acto comunicativo; d) acto de constricción.

23. Para Ramón Xirau, la filosofía y la poesía constituyen: a) formas artísticas; b) modos de ver y recrear al mundo c) formas religiosas; d) el conocimiento científico del arte.

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24. Para Ramón Xirau, religar al hombre consigo mismo constituye un esfuerzo: a) científico-social-político; b) filosófico-ontológico-político; c) poético-filosófico-religioso; d) religioso-poético-político.

RESPUESTAS DE LOS REACTIVOS DE AUTOEVALUCIÓN 1. b 2. a 3. d 4. c 5. c 6. d 7. a 8. a 9. a 10. d 11. b 12.c 13.a 14. a 15. d 16.b 17.c 18.d 19.b 20.d 21.b 22. a 23. b 24. c