Laboratorio de investigación pictórica I3ra. clase

EL LENGUAJE PICTÓRICO

Definición de pintura artística

Elementos del lenguaje pictórico

Materiales pictóricos

Procedimientos pictóricos

El proceso de creación

Elementos significativos del lenguaje pictórico

EL LENGUAJE PICTÓRICOEl lenguaje pictórico es el conjunto de las técnicas

(colores, materiales, herramientas, manera de pintar y de representar las cosas y las personas) que pertenecen a un mismo pintor o a una escuela de pintura o

bien a una temporada o época artística.

La naturaleza del espíritu es uno en los rasgos fundamentales del lenguaje, que se diversifica notablemente de individuo a individuo, de pueblo en pueblo y de raza en raza. La perspectiva de esta mirada sobre el contexto del espíritu es la que nos impulsa a buscar los elementos teóricos y prácticos que configuran

al lenguaje de la pintura artística. Frente a otras actividades, la práctica del las artes conlleva una dinámica muy especial que moviliza las fuerzas del mundo

interno del hombre. Su ejercicio se remonta a los tiempos más antiguos, pertenece a todas las culturas, niveles sociales, etnias o religiones. No existen límites que impidan la práctica y el disfrute de los bienes comprendidos por todas y cada una de las disciplinas artísticas. Tenemos en cuenta que todo

sistema artificialmente creado que sirve a los fines de comunicación entre dos o más individuos puede definirse como lenguaje y que todo lenguaje se

sustenta en una estructura determinada, la cual posee su propia jerarquización.

La obra pictórica encierra en su superficie signos y sentidos nacidos del hombre que la elaboró. Él deja en las huellas que traza y en los colores que

extiende, parte de su constitución más profunda y personal. En la imagen aparecen traducidos el alma y el espíritu, la historia reciente y el pasado

lejano, factores todos que se entremezclan con el hoy del artista.

La Pintura

La pintura artística es el arte de la

representación gráfica utilizando

pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o

sintéticas. En este arte se emplean

técnicas de pintura, conocimientos de

teoría del color y de composición

pictórica, y el dibujo.

Elementos formales del lenguaje pictórico:

La materia pictórica

La línea

La luz

La composición

El volumen

El espacio y la perspectiva

La líneaPermite la identificación y reconocimiento de las formas. Su valor expresivo tiene

importancia en sí mismo al ser un componente esencial en la transmisión de un

mensaje pictórico. De acuerdo con su trazo, su expresión plástica varía.

Hay pinturas dibujadas con un trazo firme y cerrado, que revelan una voluntad de

descripción; otras tienen un trazo más bien abocetado o abierto, que suele

identificarse con la imaginación o la franqueza. La línea también puede generar

una estructura independiente o, por el contrario, integrarse en otros

elementos, como el color.

La línea se identifica con el dibujo, con el trazo que delimita las formas, las acota y

nos permite reconocer la apariencia de las cosas. La línea es elemento que

comporta un orden intelectual, mientras que el color es el elemento sensorial. La

línea es normativa, mientras que en el uso del color prima la libertad del artista.

En la pintura académica la línea era el paso previo al color; el pintor dibujaba las

formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. A partir del

siglo XIX, algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color, incluso

independientemente de su ajuste a la realidad.

El colorEs el elemento que, con más propiedad, define una pintura. Existen

diversas clasificaciones de los colores: por ejemplo, primarios, que

son el amarillo, el rojo y el azul, o secundarios, que nacen de la

mezcla de estos; cálidos, es decir, los que expanden la luz y acercan

al espectador, como el rojo o el amarillo, o fríos, es decir, los que

sugieren distancia, como el azul o el verde. Pero, ante todo, ha de

ser tenido en cuenta en relación con otros elementos de la obra, ya

sea por su sentido simbólico o por la voluntad de implicarse en un

determinado argumento expresivo. Esta autonomía del color está

influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron

elaborar una teoría de los colores. La mezcla de dos colores

primarios, permite obtener los secundarios (naranja, violeta y verde)

Por otra parte el color secundario es el complementario del color

primario que no entra en la composición (violeta y amarillo, por

ejemplo); donde ambos tienen la misma intensidad.

Los colores se clasifican en:

COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo, anaranjado y rojo.

COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul, violeta y verde.

También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. El rojo es excitante; el azul, sedante. Por otra parte, a los colores se les ha

atribuido un valor simbólico.

El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores, aunque no lo sean en sentido estricto. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta, mientras que el negro es la ausencia de

luz.

El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de

colores de diferente intensidad lumínica. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados, se

le da el nombre de sfumato.

Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. La cualidad de un color se ve

modificada por los colores que lo rodean. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía.

La luz

Al referirnos a la luz en la pintura, no nos referimos lógicamente, a la luz natural. Se trata de una luz presentada, ilusoria. El autor puede manejarla

como desee, utilizarla como elemento de expresión o de composición.

Esencialmente, hay que distinguir entre tres formas de iluminación: la uniforme, que se

distribuye por igual en todas las partes del cuadro; la dirigida, que sirve para destacar con mayor intensidad unas partes que otras, generando tensiones expresivas y dinámicas; y la que va vinculada a los planos de color, como en los

orígenes de la pintura moderna.

La composiciónEstablece el orden de todos los elementos del lenguaje

pictórico en un cuadro. Influyen aspectos como la perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, la

interrelación expresiva, y la disposición general de todos los elementos, en ocasiones combinados entre sí. Deriva

de ordenar armónicamente los elementos del cuadro. Suele hablarse de composiciones cerradas, es

decir, aquellas que convergen en el centro del cuadro, o abiertas, que se expanden hacia los extremos. En

general, pueden distinguirse esquemas compositivos (triángulos, diagonales) y líneas de fuerza, centrífuga o

centrípeta, que tienden a sugerir movimiento o estabilidad.

Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico.

La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. A lo largo

de la historia, la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras:

Perspectiva jerárquica. Empleada en la pintura religiosa medieval. El tamaño de los

personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica.

Perspectiva naturalis o perspectiva curva. Empleada por la pintura grecorromana y

posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. El tamaño de los objetos es

proporcional a su proximidad. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de

la composición, no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos.

Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. Responde a una formulación científica de

base matemática. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. Se basa en la

confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga, que se sitúa

detrás del cuadro.

Perspectiva aérea. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la

perspectiva lineal. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y

la pérdida de nitidez de los contornos. Fue ampliamente seguida en el Barroco.

Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. Consiste en utilizar diversos sistemas

perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está

pintada. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco.

Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la

perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único), el uso

simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo), o el empleo de fotografías y

diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura

hiperrealista).

Al margen de lo representado, la composición también ordena las figuras, objetos y colores con una lógica interna, de acuerdo con los criterios de

simetría, proporción, de contraste, siguiendo figuras geométricas simples (triángulo, circunferencia, cuadrado…). En relación a este espacio podemos definir

distintos tipos de composición:

Composiciones cerradas o abiertas. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro

(composición centrípeta). La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra.

Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales

o verticales, o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo); mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o

líneas sinuosas, que tienden a abrir el espacio del cuadro.

Composiciones unitarias o no unitarias. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como

sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria.

Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento, neoclásico…), donde predomina el dibujo; por el contrario en las

composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco, romanticismo).

Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa, y tienen una intención de significado evidente. En la pintura

abstracta, donde las formas no tienen un referente real, son los colores, trazos, o figuras geométricas las que caracterizan la composición.

El volumen

A pesar del carácter bidimensional de la pintura, el autor puede conseguir efectos de tridimensionalidad, es decir, de volumen mediante el uso adecuado de la

línea, el color, la perspectiva y la luz.

El volumen es una serie de planos o superficies juntas o yuxtapuestas en diferentes direcciones. El volumen es tridimensional; tiene altura, anchura y

profundidad.

Aunque su formato es bidimensional, las figuras pueden, eventualmente, sugerir corporeidad, es decir, aparecer como «modeladas» gracias al

claroscuro.

El espacio y la perspectiva

Es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un dibujo, la

perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

En la pintura occidental, desde el Renacimiento al siglo XIX, la ilusión de tercera dimensión se sugiere a través de la perspectiva, de manera que la pintura se convierte en una especie de ventana que se abre a un

espacio imaginario. Pero fuera de esos límites cronológicos, así como en otras culturas, hay formas

distintas de sugerir el espacio, ya sea por procedimientos simbólicos, como en el arte medieval, o a base de la superposición de

planos, como en el cubismo.

Materiales pictóricosConsta de cuatro elementos fundamentales:

El colorante o pigmento: es la base esencial de la pintura de cualquier

época, ya que es la sustancia con que se colorea y se pinta. Pueden ser

naturales o químicos.

El aglutinante: es el elemento con el que se debe mezclar el colorante

para que éste se pueda aplicar. Además cohesiona al colorante y lo

protege. Pueden ser acuosos (agua, gomas vegetales como la goma

arábiga, la cola animal, etc.) o grasos (aceite de linaza, ceras, etc.).

El diluyente: elemento que disuelve los agentes aglutinantes y separa los

pigmentos de ellos.

Los soportes: Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y

papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte

tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le

son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la

tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo.

Procedimientos pictóricos

El fresco: Se utilizan pigmentos permanentes para su adherencia al revoque húmedo de la pared, cada pincelada

es definitiva puesto que no se puede borrar. Se puede trabajar por capas translúcidas o lavados los cuales le dan un

acabado de profundidad tonal.

Hay otro tipo de fresco llamado al seco, que se realiza sobre un revoque de cal que se deja secar y luego se utilizan los

pigmentos con un medio aglutinante como la caseína, cola o huevo.

El óleo: Es la técnica en que se utilizan los pigmentos con un aglutinante de aceite de linaza o de nuez que son aceites

secantes y el diluyente es esencia de trementina. Su secado es muy lento, permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea

preciso. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento, cuando los aceites no son de buena calidad.

La témpera: En la témpera se utilizan los

pigmentos con goma arábiga y glicerina, esta

última le da un aspecto de opacidad y cuerpo.

Es muy apropiada para pintar miniaturas.

La acuarela: Es una técnica de pintura

transparente en el que se trabaja por capas a

base de pigmentos con aglutinante de goma

arábiga, la acuarela es muy versátil y resulta un

medio tan permanente como el que más. La

pintura, disuelta con agua, seca rápidamente lo

que obliga a una técnica rápida y suelta. La

tonalidad típica es ligera, transparente y diluida.

El pastel: Algunos hechos con pigmentos comprimidos con cola de tragacanto o metilcelulosa formando tizas secas de color y otros al aceite llamados óleo pastel

hechos con cera o resinas. Se diferencian entre sí por su dureza y plasticidad.

El temple: Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza una emulsión

natural como la yema de huevo o una artificial como cola o goma, paradójicamente es una emulsión en la que actúan

dos líquidos que normalmente no se mezclan como el agua y el aceite, en este caso se trata de agua destilada y

al pintar mantiene un poder cubriente, puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con

aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar

cuidadosamente las figuras.

La encáustica: Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de

Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca

sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

Polímeros, vinílico y acrílico: Son pinturas cuyo aglutinante es una cola de fabricación de plástico o resinas sintéticas. Tienen gran densidad, secan con gran rapidez y adquieren granulaciones que poseen valoraciones tridimensionales o escultóricas. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. Éste es un

emulgente (une agua con aceite), por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. Su

capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo.

Pintura a la laca: Es un procedimiento que utiliza la laca (producto natural) diluida en alcohol. Cuando se le añade polvo de piedra

pómez adquiere un gran brillo y aspecto cristalino. Es muy utilizado en el arte oriental para decorar objetos.

El proceso de creaciónA diferencia de la arquitectura, donde la concepción de la obra y

su realización son dos procesos separados, la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. Por esta razón, los

no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente. Sin embargo, el proceso de creación

suele ser resultado de un lento proceso preparatorio.

Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. Suelen realizarse sobre papel, a lápiz o al

carboncillo, como probaturas de ideas. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de

la operación artística.

Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. Se utiliza el

término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta.

Elementos significativos del

lenguaje pictórico

A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración, más o menos

detallada, una serie de formas reconocibles. En su lugar, sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos

aspectos formales con el tema.

En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la

pintura.

La iconografía. Trata de reconocer lo representado.

La iconología. Busca el significado oculto, no explícito.

Niveles semánticosErwin Panoksky, el primer iconólogo, `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede

resumir en cuatro niveles semánticos.

Nivel semántico primario o natural. Los objetos representados se identifican con los objetos reales.

Nivel secundario o convencional. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos, históricos, sociales…) Este

nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico.

Nivel del significado intrínseco. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella, tanto desde el punto de vista de significado escondido o simbólico de algunos objetos o figuras, como desde el punto de vista

de la personalidad del autor, de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico.

Nivel sintagmático. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro.

En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura; la textura, la pincelada, la ordenación de las

formas… adquieren siempre un carácter significativo.

Los géneros pictóricosLa pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado

iconográfico:

PINTURA RELIGIOSA. Es probablemente el género más antiguo. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del

Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. El enorme poder económico, político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi

absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX.

PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina, su temática es algo presente desde el

Renacimiento. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos, bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano

(generalmente femenino). En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías.

EL RETRATO. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos, desaparece durante la Alta Edad Media, para volverse a cultivar, ya

ininterrumpidamente, con el florecimiento de las ciudades góticas. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más

compleja, el autorretrato, el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas, el retrato familiar, el retrato psicológico…

PINTURA DE GÉNERO. Aparece en el siglo XVII, cuando la burguesía comienza a encargar cuadros

y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. También se incluyen los bodegones (natura morta) y

los paisajes, aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia.

PINTURA TESTIMONIAL. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica, que servía para

propaganda del régimen, como la pintura realista, que pretendía denunciar situaciones de injusticia.

CICLOS PICTÓRICOS. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se

establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. Suponen programas iconográficos que pueden ser

bastante complejos.

Pautas para el análisis de

una obra pictóricaDatos Generales de la obra.

Identificación. Nombre, tipología y localización.

Breve reseña del autor

Material y técnica empleada.

Género.

Estado actual de la obra. Modificaciones, restauración…

Análisis formal.

La línea y el color. La luz, el modelado de las figuras, los ropajes…

Composición.

Perspectiva.

Tipología compositiva.

Movimiento.

Elementos que permiten identificar la obra con un estilo, época o autor.

Influencias o relaciones formales con otras obras.

Análisis de significado.

Elementos iconográficos representados.

Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha

concebido.

Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática).

Valoración y conclusión.

Influencia de otras obras.

Importancia de la obra como referente a obras posteriores.

BIBLIOGRAFÍA-http://vimeo.com/17079813

- SMITH, Ray, El manual del artista, editorial Hermann Blume, Barcelona, 2008.

- http://www.naturamedic.com/cromoterapia.htm?text=orange

- http://www.newsartesvisuales.com/funda/color11.htm

- http://www.freakevolution.com/2005/03/18/sobre_el_color/

- YAGAS, Juana Dora, “Acerca del hombre, origen del lenguaje y el lenguaje pictórico”, Jornadas de Investigación 2008, Secretaría de Investigación Apoava, Facultad de Artes de Oberá, Universidad Nacional de Misiones, Argentina.

http://www.google.com.pe/#hl=es&sugexp=frgbld&gs_nf=1&cp=11&gs_id=16&xhr=t&q=lenguaje+pictorico&pf=p&output=search&sclient=psyab&oq=lenguaje+pi&aq=0&aqi=g4&aql=&gs_l=&pbx=1&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&fp=1b75d3ae2e7c72c3&biw=1366&bih=643

http://www.google.com.pe/#q=lenguaje+pictorico&hl=es&prmd=imvns&ei=vaKDT4WRJoL9QTB54TPCA&sqi=2&start=10&sa=N&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&fp=1b75d3ae2e7c72c3&biw=1366&bih=643

Traer para la próxima clase

1. Cualquiera de los siguientes materiales de las técnicas de pintura secas:

-Lápices de color.

-Pasteles secos.

-Óleos pastel.

-Lapiceros de tinta seca (varios colores).

2. La bitácora lista para trabajar.

3. Haber elegido su idea o tema y un artista referente su técnica y materiales.

Muchas gracias

hasta la próxima clase