7° Básico - Libro Música 2020El término es menos frecuentemente aplicado a la música de cine,...
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ATMÓSFERA SONORA O MUSICA INCIDENTAL Es la música que acompaña una obra teatral o texto dramático, un programa de televisión, un radioteatro , un video juego y otras formas que no son en principio musicales. El término es menos frecuentemente aplicado a la música de cine, pues a ésta se le llama más a menudo música cinematográfica o soundtrack. La música incidental, o atmósfera sonora es con frecuencia "música de fondo", y crea una atmósfera para la acción. Puede incluir sonidos o efectos sonoros, en algunos casos, las obras pueden incluir una obertura o música que se interprete entre los cambios de escena. También puede requerir músicos que la interpreten en vivo en el escenario. A través del oído tenemos que hacer ver y sentir las cosas al oyente, la música y los sonidos serán nuestras herramientas. Los sonidos nos ayudaran a que el oyente "vea" con su imaginación lo que deseamos describir y que sienta las emociones que tratamos de comunicarle. El uso de música incidental data de la antigüedad (drama griego). ACTIVIDAD: CREAR UNA ATMÓSFERA SONORA
Objetivo General
Los alumnos deben clasificar los elementos tímbricos, la altura sonora y la intensidad sonora mas apropiada a la narración de un texto dramático.
Instrucciones de la actividad
Los alumnos deben reunirse en grupos (no más de seis alumnos)
cada grupo debe escribir un texto dramático, estructurado en un inicio, desarrollo y final, con una extensión de una página como mínimo
debe recrear sonoramente este texto dramático con no más de seis elementos sonoros.
Propiedades del sonido EL SONIDO
Se entiende por sonido, la sensación auditiva que producen las vibraciones causadas por cuerpos elásticos. Estas vibraciones se transmiten a manera de ondas concéntricas que, si son de periodicidad regular, producirán propiamente el sonido; si las ondas son de periodicidad irregular, el resultado es el ruido. En el sonido se pueden distinguir estas cualidades:
UNIDAD I: atmosfera sonora
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La intensidad
Es la fuerza con que se producen las vibraciones acústicas, lo que se llama normalmente el volumen del sonido. Según esta cualidad, los sonidos son débiles (pianos), medios, fuertes o muy fuertes (fortísimos).
La altura
Viene determinada por el número de vibraciones por segundo. Si las vibraciones por segundo son pocas, el sonido será grave; y si el número de vibraciones por segundo es muy elevado, el sonido será agudo.
El timbre
Es la peculiaridad de cada voz o instrumento, la cualidad que permite saber que lo que suena es una trompeta y no un violín, aunque no se vea el instrumento.
La duración
Es el tiempo que un sonido permanece reconocible por el oído humano. Para representar la duración de los sonidos musicales se usa como unidad de medida el pulso, una sensación rítmica regular que se produce al escuchar o hacer música. El pulso puede ser más rápido o más lento dependiendo de la música. ACTIVIDAD: CLASIFICA SEGÚN CORRESPONDA Une con una línea la cualidad del sonido que corresponda con el lenguaje musical.
Altura
Duración
Intensidad
Timbre
La medida científica que se utiliza para medir la altura o el número de vibraciones por segundo que tiene un sonido es el HERTZ. El DECIBEL es la medida de intensidad o volumen.
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ESCRIBE AQUÍ TU TEXTO DRAMATICO
Lectura musical sol‐mi
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Lectura musical sol‐mi
Ritmos pie‐mano
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Frase musical: Conjunto de sonidos que en una línea melódica forman un grupo con sentido completo. Hay muchas clases de frase, pero uno de las más utilizadas por los músicos, desde hace siglos, es la frase de ocho compases dividida en dos semifrases de cuatro compases cada una. A su vez, cada semifrase se compone de uno o dos motivos. El motivo es el elemento melódico variable que da origen a la melodía. Este modelo es tan común que se conoce con el nombre de frase cuadrada, frase‐tipo o periodo. La duración de las frases puede alterarse con diferentes técnicas compositivas, como la reducción o la ampliación. Normalmente, la frase musical finaliza con una cadencia o un reposo. En ocasiones, las frases se representan gráficamente con una gran ligadura que abarca un grupo de notas y compases.
Semifrase antecedente: Es la primera parte de una Frase musical con un sentido de pregunta o suspenso, es decir no conclusivo.
Semifrase Consecuente:
Es la segunda parte de una Frase musical, con un sentido de respuesta o reposo, es decir, concluyente.
Objetivo General:
Distinguir y Conocer en el proceso de la interpretación los conceptos de motivo, semi frase, frase y periodo.
Actividad: Poemas musicalizados Instrucciones: Los alumnos crean un poema original con temática libre, de 3 estrofas (4 versos cada una) para ser musicalizado posteriormente. Se pueden usar instrumentos melódicos o armónicos.
UNIDAD II: Melodía para diferentes poemas.
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A
Llenaron mi casa Las comadres trémulas ¡Y una me las tocan Y otra me las besan!
A
Y día tras día Ya duran las fiestas En torno a la cuna
Donde arde mi estrella. B
Este año no cae La escarcha a las huertas No muere el ganado Se cargan las cepas.
B
Me bendicen todas A mi amor contesta Ay dejad dormir Mi niñita estrella.
Forma Canción simple.
verso/estrofa = A Coro/estribillo=B verso/estrofa = A
¿Sabias que los JAIVAS pusieron música a los textos de las Alturas de Machu‐Pichu de nuestro premio Nobel Pablo
Neruda?
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Lectura musical sol‐mi‐la
Intervalos: 2menor 3menor 4justa
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Actividad: Marca con una cruz, en el casillero correspondiente al intervalo que el profesor irá tocando en el instrumento
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TEXTURAS MUSICALES Se le llama textura musical a la forma melódica de una obra musical. Entre las texturas musicales más conocida universalmente aparecen en su orden histórico: La MONOFÓNICA o Monódica, La HOMOFÓNICA, La POLIFÓNICA y La NO‐MELÓDICA.
MONOFONICA
Consiste en una línea melódica sin acompañamiento, o tan solo acompañada de algún instrumento, que simplemente se limita a doblar dicha melodía. Este tipo de textura se utilizo en la música de los países de la Antigüedad y durante la época del Románico.
HOMOFONICA Consiste en una línea melódica principal y un acompañamiento de acordes, ya sea vocal o instrumental. Esta textura se practicó y brilló intensamente a partir de la época Barroca, siglo XVII, y aun se practica hasta nuestros días para ‐ la composición de música popular, folklórica y otras.
POLIFONICA Consiste o se da cuando suenan simultáneamente dos o más melodías superpuestas, independientes y de igual importancia. Se le suele llamar Contrapunto, (punto contra punto) que equivale a nota contra nota o voz contra voz. Se practicó entre las épocas Gótica, Renacentista y Barroca, llegando a su apogeo y plenitud en esta última época.
NO MELODICA
Esta excluye total o parcialmente el contenido melódico. Aquí suele incluirse la música concreta, abstracta, electrónica y aleatoria. Esta textura es muy utilizada por los compositores contemporáneos y vanguardistas.
Actividad: Reconocer las texturas musicales Objetivo General:
Distinguir y conocer distintas textura musicales, a partir de la audición dirigida y la interpretación de un repertorio.
Instrucciones:
Los alumnos audicionan diversos extractos musicales tratando de descubrir la textura que representan. (Monodia, homofonía, polifonía o no melódica) . Los alumnos deben fundamentar sus respuestas.
UNIDAD III: Texturas musicales.
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Todos juntos: Grabada el año 72 por el popular
grupo chileno “Los Jaivas”.
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Lectura musical sol‐mi‐la‐re
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Ritmos
Audición de intervalos
Intervalos: 2menor 3menor 4justa
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La Música Popular Al momento de definir la música popular depende mucho del pueblo o región en el que nos ubiquemos. Para muchos países, especialmente en las regiones rurales de los mismos, la música popular es aquella que se transmite de generación en generación como parte de una herencia cultural, probablemente única en el mundo, ya que surge en ese espacio como resultado de un sinfín de elementos. Así, por ejemplo podemos entender como música popular a la música celta, a los diferentes ritmos de regiones africanas, a la música compuesta por los nativos aborígenes, a la música de los Alpes suizos, etc. Por otro lado, hoy en día la expresión de música popular se usa para hacer referencia a ese tipo de música que puede ser consumido por cualquiera debido a que es accesible en términos de composición y también es mucho más llamativo y pegadizo que otros ritmos. En este sentido, estaremos hablando de la música en relación mucho más directa con el negocio ya que muchos artistas de música popular internacionales sólo deben su gran fama y éxito al fenómeno de la globalización que permite que un artista estadounidense se escuche, gracias a la presencia de las discográficas, de la televisión, de internet, de la radio, en todas partes del mundo y que incluso los jóvenes de cada región conozcan mucho más a ese artista que a su propia música tradicional. Cuando se habla de “música popular” se refiere a las múltiples modalidades y variantes de la música contemporánea, con o sin valor artístico, de divulgación más o menos masiva, y que es la materia esencial de un proceso de comercialización, en oposición a la que comúnmente llamamos música “clásica”, “culta”, “erudita”, “de concierto”, etc.
UNIDAD IV: Música Popular
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“Popular”, se entiende como la música que ha llegado a ser muy conocida a
través de los medios de difusión (pop, rock and roll u otras similares), como
otras expresiones musicales, folklóricas o localistas que, aunque a veces muy
conocidas, interesan a públicos menos numerosos (jazz, tango, flamenco,
etc.) También se considera popular a la música utilizada en cine, televisión,
radio, teatro, etc., en forma de “cortinas”, música de fondo, incidental, etc.
(siempre que no sea deliberadamente “clásica”), al igual que la música que
resulta de elaboraciones creativas más o menos originales que transforman
elementos sencillos, enraizados en la cultura de un pueblo, en expresiones
musicales más refinadas. Esta última es “impopular” en la práctica y
frecuentemente incluye componentes tomados de la música “culta”. Dado el
valor artístico que generalmente posee, sería también muy aceptada si se le
prestara el mismo apoyo económico que se da a otras expresiones de menor
calidad.
Lectura musical sol‐mi‐la‐re‐do‐do´
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Yesterday (The Beatles) [Acordes] [Verso 1] F Em7 A7 Dm Dm/C Yesterday all my troubles seemed so far away Bb C7 Bb F C Dm G7 Bb F now I need a place to hide away oh I believe in yesterday [Verso 2] F Em7 A7 Dm Dm/C Suddenly I'm not half the man I used to be Bb C7 Bb F C Dm G7 Bb F there's a shadow hanging over me oh yesterday came suddenly [Coro] Em7 A7 Dm Dm/C Bb Gm C F Why she had to go I don't know she wouldn't say Em7 A7 Dm Dm/C Bb Gm C F I said something wrong now I long for yesterday [Verso 3] F Em7 A7 Dm Dm/C Yesterday love was such an easy game to play Bb C7 Bb F C Dm G7 Bb F now I need a place to hide away oh I believe in yesterday [Coro] Em7 A7 Dm Dm/C Bb Gm C F Why she had to go I don't know she wouldn't say Em7 A7 Dm Dm/C Bb Gm C F I said something wrong now I long for yesterday [Verso] F Em7 A7 Dm Dm/C Yesterday love was such an easy game to play Bb C7 Bb F C Dm G7 Bb F now I need a place to hide away oh I believe in yesterday [Coda] Dm G7 Bb F F mm mm mm mm mm mm mmmmmmmmm
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Práctica auditiva de acordes
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
expresión
expresión
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Intervalos: 2menor 3menor 4justa, 5justa
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Actividad: Marca con una cruz, en el casillero correspondiente al intervalo que el profesor irá tocando en el instrumento
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El Canon El canon es una forma de composición musical de carácter polifónico, en el que una voz interpreta una melodía, y es seguida, a distancia de ciertos compases, por sucesivas voces que la repiten, en algunos casos transformada en su tonalidad u otros aspectos, en la que se unen varias voces distintas. A la primera voz se le llama propuesta, y a las voces que le siguen respuesta. El canon aportó un gran beneficio al estudio del contrapunto, y, en consecuencia, al desarrollo de las distintas formas musicales. El canon simple es aquel en que la o las respuestas son idénticas a la propuesta. Los primeros cánones datan del Siglo XIII en Alemania, Francia e Inglaterra. Durante el Siglo XIV el canon tuvo su principal exponente en las obras de Machaut. Los compositores flamencos del siglo XV compusieron cánones de gran complejidad. En el S.XVII, y posteriormente con la obra de Bach, el canon desarrolla todo su poder creativo. Durante el período sinfónico y en el romanticismo, el canon pasa a segundo plano. Recién a principios del Siglo XX, con el neoclasicismo y el serialismo, recobra importancia y uso. Existen varias formas de canon: Según el intervalo de voces: a la octava o unísono a la segunda a la tercera a la cuarta, etc. Según las transformaciones de las voces: Natural. Retrógrado. De espejo o movimiento contrario. De mesa. En el cual dos intérpretes se ponen enfrentados en una mesa leyendo la misma partitura. Por aumentación. Por disminución. Compositores, como Pachelbel, Bach, Haydn, Mozart o Beethoven, han escrito cánones.
ACTIVIDAD: CANTA UN CANON Objetivo General: Cantar y distinguir en la interpretación vocal de dos líneas melódicas la conformación de un canon.
Instrucciones: Los alumno realizan técnicas de respiración, vocalización y cantan al unísono tres líneas melódicas, primero en forma alternada y posteriormente cruzan sus líneas melódicas según la dirección del profesor.
UNIDAD V: Cantemos Grupalmente
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Lectura musical do´‐ la‐sol‐fa‐re‐do
ACTIVIDAD
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
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expresión
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Tienes que estar muy concentrado para lograr ejecutar el canon del gallito. No te apures y trata de escuchar a tus compañeros.
¡Suerte!
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El 18 de septiembre ‐ el Día de Independencia Es importante entender que los chilenos celebramos de manera simbólica nuestra independencia el 18 de septiembre (1era junta de gobierno), pero la independencia definitiva y oficial se realizó el 12 de febrero de 1818. El dieciocho se celebra durante una semana completa de fiestas patrias. Las fiestas incluyen desfiles, danzas, comida tradicional de Chile, y música. Los desfiles incluyen los huasos de Chile, música, y otras exhibiciones del orgullo nacional. Muchas de las celebraciones de las fiestas patrias ocurren en las ramadas o fondas, edificios abiertos temporales con las azoteas cubiertas con paja hechas tradicionalmente de ramas del eucaliptus u otros arbustos típicos. Las ramadas tienen un piso de bailar, música, y mesas para sentarse y comer. Fondas
ofrecen una variedad amplia de la comida chilena incluyendo las empanadas, anticuchos, chicha, y más. Hay también competiciones frecuentes de la danza con el baile nacional, la cueca, siendo el más popular.
Los rodeos chilenos son muy populares durante este tiempo del año. El rodeo ocurre
en una medialuna, donde uno puede ver el huaso chileno.
19 de septiembre. El día después del día de la independencia es también un día feriado. "El día de las glorias del ejército" incluye desfiles militares y navales y celebra las victorias militares de Chile, principalmente la de su independencia.
Las fiestas patrias son los días en septiembre donde nosotros los chilenos nos reunimos a celebrar nuestra cultura, e independencia. Las fiestas patrias tienen su enfoque en el día de independencia de Chile.
UNIDAD VI: Una canción para Septiembre
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En esta página podrás escribir la letra y música (partitura) de la canción para septiembre que el curso interpretará.
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Lectura musical sol‐mi‐la‐re
con ritmos complejos en 6/8
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
acordes Menores (Tristes)
Mayores(Alegres)
expresión
expresión
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El Impresionismo
El impresionismo es un movimiento
pictórico francés nacido de la asociación
de algunos artistas de la segunda mitad
del siglo XIX. Fuertemente criticado en
sus comienzos, el movimiento se
consolidó firmemente de 1874 a 1886,
con pintores como Monet, Cezanne,
Degas y Renoir quienes impulsaron la
salida del arte de los talleres para
acercarlo a la naturaleza, marcando la
ruptura entre el arte moderno y el
academicismo.
El movimiento fue bautizado como impresionismo basándose en un cuadro de Claude
Monet llamado "Impression soleil levant" pintado en 1872.
El impresionismo se caracteriza notablemente por una tendencia a notar las impresiones
fugitivas, la movilidad de los fenómenos climáticos, más que el aspecto estable y
conceptual de las cosas, y a transportarlas directamente sobre el lienzo. El impresionismo
tuvo igualmente una gran influencia sobre la literatura y la música de esa época.
La música impresionista es un género musical que
despierta en Europa en el último cuarto del siglo XIX
influenciado por los pintores impresionistas franceses
y por la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y
Stéphane Mallarmé, y cuyo principal representante es
Claude Debussy.
Se caracteriza por una escritura no lineal en el tiempo
sino como una sucesión de impresiones. En las formas
impresionistas lo que importa es el colorido o
sonoridad de cada acorde con independencia de las
disonancias que estos puedan llegar a crear con sus
choques con los demás acordes.
En las obras se podían llegar a emplear escalas orientales y exóticas. Además, las formas
no tienen una estructura clara, ya que no presentan puntos climáticos o largas frases
claramente distinguibles.
Se destaca la utilización de formas libres (con unos instrumentos concretos y escalas
determinadas) para imitar a los fenómenos naturales como el sonido del mar, el viento, la
lluvia, etc.
UNIDAD VII: El Impresionismo
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Claude Debussy
Claude Debussy (1862 ‐ 1918) fue uno de los más importantes
compositores franceses y una figura central en la música europea de
finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.
Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo
musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas
tendencias musicales del siglo XX.
Fue la mayor figura de la música posterior a Richard Wagner, e
influyó decisivamente sobre las tendencias musicales del siglo XX,
debido a su gusto por lo experimental.
Para el compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez, el verdadero precursor de
la música contemporánea es Claude Debussy, y no la tríada Ígor Stravinski, Arnold
Schönberg y Béla Bártok; sin su obra no se entendería no sólo a Maurice Ravel, sino
tampoco a Edgar Varèse ni a Olivier Messiaen. Fue Debussy quien, al romper con la forma
clásico‐romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante,
abierto a otras posibilidades. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner,
establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros
que rigen la composición musical. Sus innovaciones fueron, por encima de todo,
armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala de tonos enteros, sí fue el primero
que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los
utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna
tonalidad concreta ni progresión tradicional.
Maurice Ravel
Nacido en un tiempo bastante propicio a la
aparición de las artes, Ravel se benefició de
influencias muy diversas. Por ello, la música de
Ravel parece, como la de Debussy, profundamente
original, o incluso inmediatamente inclasificable de
acuerdo a la estética tradicional. Ni absolutamente
modernista ni simplemente impresionista (tal
como lo hiciera Debussy, Ravel negaba
categóricamente este calificativo que consideraba
sólo reservado a la pintura), se inscribe mucho más
en la línea del clasicismo francés iniciado en el siglo
XVIII por Couperin y Rameau y del cual fue su
última prolongación. Por ejemplo, Ravel (al
contrario que su contemporáneo Stravinski) no
deseó nunca renunciar a la música tonal y sólo
utilizó con parsimonia la disonancia, lo que no le impidió por sus investigaciones hallar
nuevas soluciones a los problemas planteados por la armonía y la orquestación, y dar a la
escritura pianística nuevos caminos.
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Apuntes:
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Lectura musical escala completa
Intervalos: 2m/M 3menor 4justa,tritono 5justa
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Actividad: Marca con una cruz, en el casillero correspondiente al intervalo que el
profesor irá tocando en el instrumento
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Un villancico es una forma de expresar oraciones de una forma poética cantada que tiene rima. Los villancicos eran originalmente canciones profanas con estribillo de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. Este estilo fue muy popular entre los siglos XV al XVIII, sobretodo en España y Portugal para luego pasar al nuevo continente donde también gano muchos adeptos.
Unidad VIII: Villancicos
Santa vive en el Polo Norte. Jesús está en todas partes. Santa se pasea en trineo.
Jesús camina entre nosotros y camina sobre las aguas.
Santa viene una vez al año. Jesús siempre está a tu lado para
ayudarte. Santa tiene que preguntarte:
"¿cómo te llamas?" Jesús sabe tu nombre desde antes que nacieras, conoce tu pasado y
tu futuro
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En esta página podrás escribir la letra y música (partitura) del villancico que el curso interpretará.
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Lectura musical escala completa con ritmos complejos.
ACTIVIDAD: acordes Mayores, menores y disminuidos.
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Himno del colegio Liahona
Cual cristal como rocío en la alborada Tú naciste radiante como un sol
Cobijaste en tu alero nuestras vidas Anhelantes de justicia y de amor
Es ahora que con rostros juveniles Levantamos la vista al más allá,
victoriosos cual gallardos paladines Aprestados a luchar sin descansar
Desde hoy caminamos por la vida La excelencia buscaremos sin cesar
Nuestra fe la constancia y la grandeza Presurosos acudiremos a encontrar
Cuando torne yo mi rostro hacia el futuro
Y con la vida me deba enfrentar Los valores las virtudes mis amigos Me repiten que así he de triunfar
Es Liahona un baluarte en nuestro pecho
Imposible y jamás de olvidar Es el rojo, la fuerza del valiente Es el oro, la pureza y la verdad
Gracias damos a ti mi buen maestro Que sembraste la semilla del saber De las artes la cultura y las ciencias
Y al buen Dios nos enseñaste a conocer
¡Liahona!
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Principios Básicos de la teoría musical,
La música es el arte de ordenar los sonidos con cierta
intencionalidad artística fundante. Estos (sonidos) pueden ser representados mediante el uso de símbolos. El pentagrama es el soporte esencial de los símbolos musicales y está formado por cinco líneas horizontales y cuatro espacios en los que se escriben las notas que son “regidas” por una llave o clave.
La llave o clave de Sol se utiliza generalmente para los sonidos agudos y comienza en la segunda línea.
NOTA:
Nombre de las Líneas en Clave de Sol
Nombre de los Espacios en Clave de Sol
Memorización de notas
Para poder leer la música es imprescindible saber de forma rápida la nota que corresponde a cada espacio y línea del pentagrama.
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La escala de Do es la más fácil; posee 7 notas o “grados” a los que se les pueden anteponer las alteraciones sostenidos (#) o bemoles (b).
He aquí la escala de Do, sus grados y relación con las notas del piano.
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DO CENTRAL DO´ AGUDO
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La flauta
En el siguiente diagrama se representa cada una de las digitaciones necesarias para el uso en clase. El gráfico muestra la misma ubicación y orden de las notas del piano comenzando en el Do central que equivale a la primera posición de la flauta (con todos los hoyos tapados) hasta el la` (agudo) pasando por todas las alteraciones (# y b). Además se relaciona con el piano y el pentagrama.
Do# re# fa# sol# la# do#´ re#´ fa#´ sol#´ Reb mib solb lab sib reb´ mib´ solb´ lab´
Do Re Mi Fa Sol La Si Do´ Re´ Mi´ Fa´ Sol´ La´
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La Guitarra.
La guitarra es uno de los instrumentos más queridos y difundidos a través del mundo. Por la propia experiencia, esto se debe a la gran versatilidad de interpretación que posee ya sea como instrumento solista o acompañante y, porque no decirlo, a su valor y comodidad de tamaño. Desde un punto de vista funcional pedagógico comenzaremos entendiendo la guitarra como instrumento esencialmente acompañante de la voz, es por ello que es necesario conocer el
método más difundido de lectura armónica o de acordes: la clave americana.
Para designar un acorde mayor basta colocar la letra que lo
designa en mayúscula. En el caso de los menores se debe agregar una “m” minúscula:
Ejemplo: C = Do Mayor Cm = Do menor
En algunos casos también se puede indicar la nota que debe sonar en el bajo: Ejemplo: C/G = Do Mayor con bajo en Sol Am/G # = La menor con bajo en Sol # También las notas agregadas: Ejemplo: E7 = Mi con séptima. D9 = Re con novena
Clave americana
DO RE MI FA SOL LA SI DO C D E F G A B C
LA SI DO RE MI FA SOL LA
A B C D E F G A
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En este gráfico podrás encontrar todas las notas de la guitarra comenzando en la cuerda al aire hasta el traste XII.
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Mis Acordes de Guitarra.
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EL PIANO Y EL METALÓFONO.
Ahora que comprendemos lo que respecta a la lectura, tanto en llave de sol como de fa, daremos paso a los primeros ejercicios de digitación esenciales para iniciar un buen camino en el estudio del piano. En el caso del Metalófono, la lectura se hace de la misma manera que en el piano y posee igual distribución de las notas. Se recomienda uso intercalado de baquetas.
Piano Digitación (Dedaje)
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EL BAJO
En una Banda de cualquier tipo, existen dos instrumentos esenciales cuya función es la de mantener el pulso firme y claro. La batería y el bajo. Normalmente el bajo va de la mano del bombo, y además de marcar los pulsos da el sustento armónico.
Escala Diatónica de Do M
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BATERÍA O PERCUSIONES La Escritura de la batería puede cambiar, pero generalmente funciona de la siguiente manera. Leeremos “como si fuera” una partitura en clave de sol. Donde la “x”, ubicada en el espacio del sol agudo, representa al hit –hat cerrado, la figura en el espacio de do agudo, la caja; y el fa, el bombo. Esta es la base 1, es la más sencilla en 4/4 y sirve para acompañar casi cualquier tema.
Base 1
La base 2 es un claro ejemplo de acompañamiento básico en ritmo ternario, en este caso 12/8. Esta base sirve especialmente para cierto tipo de baladas bluseras.
Base 2
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Anexo:
Otros:
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