ARTE CONTEMPORÁNEO

DE LA INDIAPor: Aly Vélez Vélez

ARTE DE LA INDIA

El arte y la cultura india están influenciadas en gran medida por las religiones que predominan en este país, especialmente por el budismo. Las primeras manifestaciones artísticas indias son las plasmadas por la Cultura Harappa en cerámicas y sellos grabados. Durante el Período Védico se escribieron libros sagrados que actualmente tienen una gran importancia dentro de la cultura india, como el Mahabharata y el Ramayana. Mientras que en el Imperio Maurya se produce el desarrollo de las artes.  

CONTINUACIÓN:

Es en esta época cuando se desarrolla el budismo y comienzan a aparecer las construcciones típicas de esta religión, así como representaciones de Buda, ya sean simbólicas o humanas. La invasión musulmana deja también su huella en el arte de la India, por lo que nos encontramos con elementos islámicos como alminares y bóvedas junto a mandapas y arcos de kudú, típicamente hindúes.

Cuando surge el dominio del Imperio Mongol y se empiezan a utilizar materiales como el mármol blanco y las piedras preciosas en la construcción. Estos dos estilos, el islámico y el mongol, se unen dando lugar a construcciones únicas en el mundo como el Taj Mahal o el Fuerte Rojo de Delhi.

La pintura india se desarrolla principalmente sobre frescos, tejidos y manuscritos. Los temas representados suelen ser motivos religiosos, grandes hazañas o elementos de la naturaleza. Los colores utilizados se caracterizaban por ser brillantes e intensos. La literatura propia de la India se desarrolló en sus orígenes en manuscritos grabados en hojas de palmera o pergamino, guardados en planchas de madera y envueltos en tejidos, lo que ha permitido conservarlos a lo largo del tiempo.

El arte de la India se caracteriza principalmente por ser un reflejo de la compleja sociedad India, multiétnica y multicultural. Así mismo tiene un carácter principalmente religioso, el arte sirve como medio de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado.

Uno de los hechos determinantes en la construcción de la cultura india ha sido la diversidad étnica de los múltiples pueblos que han ido llegando a sus tierras: desde los aborígenes de tez oscura ancestros de los actuales vedas y dravidas, fueron llegando en sucesivas oleadas pueblos oceánicos, protomediterráneos mesolíticos, mongoloides, armenios, arios (1500 a. C.), persas y griegos (600-300 a. C.), partos y protomongoles (50 a. C.-300), hunos (siglos VI-VIII), árabes (siglos IX-XII), turco-afganos (siglos XIII-XV), turco-mongoles (siglos XVI-XVIII) y británicos (siglos XIX-XX). Esta mezcolanza de pueblos y culturas produce un arte de gran diversidad estilística y formal, conviviendo diversas tendencias artísticas según la región.

ARTE CONTEMPORÁNEO (SIGLOS XIX-XX)

La ocupación británica supuso la proliferación de un estilo colonial que aportó al arte indio los lenguajes estilísticos europeos. Tuvo bastante repercusión la influencia del arte francés, sobre todo por la presencia de militares franceses que asesoraban a los majarásh indios en su lucha contra los ingleses en los primeros años de ocupación, como podemos percibir en Nagpur, Baroda e Hyderabad. La conquista británica trajo un estilo colonial bastante parecido al realizado en Estados Unidos: Catedral de San Juan, Calcuta (1787), Ayuntamiento de Bombay (1855), fuerte de San Jorge (Madrás).

El siglo XIX se caracterizó por el empleo de un estilo neogótico victoriano, sobre todo en edificios oficiales. Hasta finales de ese siglo no hubo un cierto renacimiento de la arquitectura india: Victoria Memorial Hall, Calcuta (1912), edificio de Correos de Bombay, planificación urbanística de la nueva capital, Nueva Delhi. El siglo XX supuso la apertura a tipologías más universales, abriéndose el arte indio a las formas de vanguardia, como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore.

Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas. En el 2007 en total eran trece los creadores indios que se encuentran en la lista de los 500 artistas de postguerra más cotizados. Algunos de los nombres que destacan son Subodh Gupta, Francis Newton Souza, Anju Dodiya, Shibu Natesan, Ravinder G. Reddy, Raqib Shaw, Syed Haider Raza, Tyeb Mehta y Jitish Kallat, entre otros. El artista hindú más cotizado es el escultor Anish Kapoor, que entre julio de 2006 y junio de 2007 acumuló unos beneficios totales en subastas de 6.440.150 euros, con 24 lotes vendidos. Paralelamente, el panorama galerístico está experimentando un fuerte auge en los últimos años. Centralizado en Nueva Delhi y Bombay, cuenta sin embargo con interesantes establecimientos en otras ciudades como Bangalore o Kolkata, donde surgen constantemente galerías jóvenes y centros de arte independientes.

GRUPO DE LOS ARTISTAS PROGRESISTAS El Grupo de los artistas progresistas era el grupo más influyente de

los artistas modernos en la India desde su formación en 1947, combinaron tema indígena con los colores post-impresionista, estilos expresionistas, cubista y brusca formas.

El Grupo de los artistas progresistas estaba formado por Francis Newton Souza y SH Raza. Uno de los primeros miembros fue MF Husain y otros asociados con el grupo incluyó SK Bakre, Akbar Padamsee y Tyeb Mehta.

El grupo deseaba romper con el resurgimiento del nacionalismo establecido por la escuela de Bengala del arte y fomentar un indio avant-garde, para participar a nivel internacional.

En 1950, Vasudeo S. Gaitonde, Krishen Khanna y Mohan Samant se unió al Grupo, después de la salida de la India de los dos principales fundadores Souza y Raza. Bakre también dejó el grupo.

El modernismo europeo fue la influencia más distintivos en el grupo, pero sus miembros trabajaban en estilos radicalmente diferentes, desde el expresionismo de Souza a la abstracción pura de Gaitonde. Imágenes de paisajes específicos y la India también fueron adoptadas, en particular por Metha y Husain.

ARTISTAS Y SUS OBRAS:

SUBODH GUPTA Es un artista que reside en Nueva Delhi. Nació en Khagaul, Bihar, India.

Estudió en el College of Art, Patna antes de trasladarse a Nueva Delhi, donde actualmente vive y trabaja. Formado como pintor, se fue a experimentar con una variedad de medios de comunicación. Su obra abarca la escultura, instalación, pintura, fotografía, actuación y vídeo. Gupta es mejor conocido por la incorporación de los objetos cotidianos que son omnipresentes en toda la India, como cajas de Tiffin acero utilizado por millones de personas para llevar el almuerzo, así como sartenes thali, bicicletas y cubos de leche. Este artista transforma los iconos de la vida cotidiana indígena en obras de arte que se pueden leer a nivel mundial. Él está entre una generación de jóvenes artistas de la India cuyo comentario nos habla de un país en marcha, impulsado por el crecimiento económico de ebullición y una mentalidad más materialista. La estrategia de Gupta de apropiarse de objetos cotidianos y convertirlos en obras de arte que disolver su antiguo significado y la función lo acerca a artistas como Duchamp, The Guardian lo llamó "el Damien Hirst de Delhi" (2007). Sucede en la búsqueda de un lenguaje del arte que hace referencia a la India y al mismo tiempo, pueden ser apreciados por su apariencia y estética en el mundo entero; como Gupta dice: "el lenguaje del arte es la misma en todo el mundo. Lo que me permite estar en cualquier lugar. "

CONTINUACION: Una de sus obras recientes más importantes, consistentes

en utensilios de cocina de la India, es "Línea de Control" (2008), un hongo de nubes colosales construidas en su totalidad de las ollas y sartenes. La pintura es también una parte importante de la práctica del arte Subodh Gupta. Su serie "Still Steal Acero" se compone de pinturas fotorrealistas de utensilios de cocina que caen y se mueven en el espacio. En sus primeras pinturas, Gupta utilizado otro elemento de la vida de los indios cada día, estiércol de vaca. Esto se usa en la India para la construcción de viviendas y como combustible para cocinar. La idea de que el estiércol de vaca es inherentemente limpio está arraigada en la India rural. No, es un elemento purificador, tanto ritual y simbólico. En su video de "Pure" (2000), Gupta considera "detergente" concepto literal y ha filmado a sí mismo tomando una ducha, para librarse de la espesa capa de estiércol que cubre su cuerpo.

En sus nuevas obras que Subodh Gupta está presentando en Hauser & Wirth, en octubre de 2009, el artista se aleja de esculturas compuestas hacia los objetos que poseen un aura de calidad. Very Hungry God by Subodh Gupta

Subodh Gupta - U.F.O (detail)

Subodh Gupta - Spill

FRANCIS NEWTON SOUZA Francis Newton Souza (12 de abril, 1924 - 28 de marzo, 2002), comúnmente

conocida como FN Souza, fue un artista de la India. Fue miembro fundador del Grupo de los artistas progresistas "de Bombay, y fue el primer artista de la independencia de la India para lograr el reconocimiento de alta en el oeste. Estudió en la Escuela de Arte de Sir JJ, pero fue suspendido en 1945 debido a su apoyo al Movimiento de la India. Después de esto fundó Grupo de los artistas progresistas Bombay para alentar a los artistas indígenas a participar en la vanguardia internacional. Sin embargo, en 1949, después de que India se independizó, dejó el país y se fue para Londres. El Instituto de Arte Contemporáneo de trabajo incluido en su exposición de 1954, y otros espectáculos seguido. Su talento literario también ayudó a su carrera después de la publicación de la obra autobiográfica de Nirvana de un gusano en el Encuentro, una revista a continuación, editado por Stephen Spender. Su libro Palabras y líneas publicados 1959 consolidó su reputación literaria.

La carrera de Souza fue desarrollándose de manera constante, y participó en varios espectáculos, recibiendo comentarios positivos de John Berger. Su estilo fue, como señaló Berger, deliberadamente ecléctica: esencialmente expresionista de carácter, sino también basándose en la post-guerra Arte movimiento Brut y elementos de British neo-romanticismo.

Después de 1967 se estableció en Nueva York, pero regresó a la India poco antes de su muerte, Souza fue enterrado en el cementerio Sewri en Mumbai.

Chemical Alteration, 1975

Lot and His Daughters, 1963

Crucifixion, 2000

ANJU DODIYA Nació en Mumbai, y se graduó en la Escuela de Arte de Sir JJ, Mumbai, en

1986. Dodiya es un muy buen colorista de agua, pero también se ha destacado con los acrílicos. Sus exposiciones más importantes incluyen Bombay, la Galería de Arte Jehangir, Mumbai (1996), una exposición en la Galería Apunto, Amsterdam (1993), Husain Ki Sarai, en Faridabad (1992), Indian eclécticos, en la Embajada de Francia, Nueva Delhi (1989), Century Gallery, Mumbai (2000), Lakeeren Gallery, Mumbai (2000), Nehru Center, Mumbai (2000-2001), Arte en el Mundo (2000), Galería 42, Nueva Delhi ( 2000), Galería Chemould, Mumbai (2000), Jehangir Art Gallery, Mumbai (2001), Memorablia en Mumbai Ghoda Kala, Mumbai (2001), Salón CRY, Dubai (2001), Sans Tache Gallery, Mumbai (2001) entre otros.

Las pinturas de Anju Dodiya son totalmente autobiográficas, este explora el interior y exterior de la realidad, lo que refleja entre otras cosas, los conflictos de la feminidad, las diversas dimensiones de las relaciones humanas, o los seres diferentes que se enfrenta el artista. Su trayectoria estética predominantemente figurativa, ha sido inspirado por maestros como Giotto y Massachio. A pesar de sus brillantes colores y las capas simbólicas tejidos en cada cuadro, se encuentra una sencillez austera en la observancia de lo esencial y lo femenino que ve claramente en el uso de los productos textiles bordados, las formas de flores y / o sus referencias míticas.

CONTINUACION: Sus pinturas son a menudo los ejercicios de

la reinvención conceptual. Sus nuevas pinturas sobre tela y papel exhibido recientemente en Bose Pacia (2006) recibió una buena aclamación. El artista vive y trabaja en Mumbai.

Dos Orioles,1996

Forked, 2005

Picota, 2001

Tsunami2007

Mirrors can Kill and Talk – Deer2007

SHIBU NATESAN Nació en Kerala en el 1966, estudió pintura, Escuela de Bellas Artes de Trivandrum y luego

seguio estudiando en Amsterdam. Él ha tenido numerosas exposiciones individuales en Mumbai, Nueva Delhi y de Amsterdam. Actualmete vive y trabaja en Londres.

Shibu Natesan pertenece a una generación de artistas de Kerala, que estudió en la Escuela de Bellas Artes de Trivandrum, durante los años ochenta, una época de cambio continuo y la rebelión contra un centro de arte burocrático y embrutecido. Las películas de John Abraham y G. Aravindan fueron uno de los aspectos del clima cultural de la época, y de formación, junto con las traducciones de la literatura de América Latina y África, de las mentes y las actitudes de los jóvenes artistas. Su cuerpo significativo en primer lugar de trabajo, un serie de pinturas titulada "la inutilidad de dispositivos" se deriva de una historia feudal excavado en minucioso detalle, las reliquias exhibidas en las salas sombrías de la memoria, los símbolos de la agresión que se repiten con regularidad opresivo. La calidad atmosférica de estas obras, algunas de ellas basadas en fotografías de restos arqueológicos como las cuevas de Ajanta, se ve aumentada por el uso de pintura sobre tela metálica.

Shibu pasó dos años, entre 1996 - '97 en la Rijksakademie de Ámsterdam, y su reciente serie de pinturas es representativo del cambio que se produjo durante el tiempo. El uso de la fotografía aquí es aún más literal, aunque todavía se adhieren a un compromiso tenaz con los procesos de pintura, su capacidad para cambiar y reorientar la mirada de extraer información sin ser visto hasta ahora.

No es una simulación que se asemeja a la original a un grado alarmante, pero que en realidad provoca una serie de lecturas que son contrarias a lo que se pretendía, desplazando así el sentido, sin alterar significativamente su apariencia. Las cosas no son lo que parecen ser, la realidad y la cordura que, una vez que estas imágenes no está repentinamente bajo sospecha.

Take me where I belong, 2002

ORIENTAL LADY, 2001

Contra el viento , 2003

Jah Love, 2005

RAVINDER G. REDDY Es un escultor que trabaja principalmente con un tipo de

dorado fibra de vidrio en sus versiones de los jefes. De particular interés para él es la fusión de lo arquetípico con el individuo. Nació en 1956 en Suryapet, y actualmente vive en Vishakapatnam, Andhra Pradesh, India.

Ravinder Reddy estudió escultura en la Universidad de Baroda (Facultad de Bellas Artes) y el Goldsmiths College de Londres. Después de mantener una posición de 1984-1990 como asistente de dirección en el Centro de las Artes Kanoria en Ahmedabad, que ahora enseña en el Departamento de Bellas Artes en la Universidad de Andhra, Vishakapatnam. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas y privadas, como Richmond, Virginia Museum of Fine Arts, London Victoria and Albert Museum y la Galería de Arte de Queensland en Brisbane, Australia.

Mujer sentada, 1995 Pintado de poliéster resina de fibra de vidrio

Jefe IV, 1995 Pintado, oro dorado fibra de vidrio, resina de poliéster

Mujer, 1995 Pintado, oro dorado fibra de vidrio, resina de poliéster

Installation view, Ravinder Reddy, Deitch projects, 2001

Installation view, Ravinder Reddy, Deitch projects, 2001

Krishnaveni I, 1997

Andalu, 2000

Malleshwari, 1998

Family, 1997

RAQIB SHAW Pinturas gloriosamente opulenta Raqib Shaw sugieren un mundo fantástico lleno de

intrincados detalles, colores ricos, y joya-como las superficies, todos enmascarar la naturaleza violenta y sexual intenso de sus imágenes. Inspirado por el siglo XV Hieronymus Bosch de tríptico visionario, Shaw serie de obras bajo el mismo nombre "Jardín de las Delicias" celebrar una sociedad libre de cualquier restricción moral. Residencial con una gran cantidad de criaturas híbridas, Shaw retrata una escena vertiginosa del hedonismo erótico, explosivas y terribles en su libertinaje. Una matriz de fusión de la flora y la fauna pintada vibrante, Shaw crea un ecosistema habitado por figuras como falo de cabeza los pájaros de ojos saltones cazadores de mariposas, reptiles y monos guerreros sombrillas, tenencia, antropomorfos en sus gestos y sus insignias.

Técnica única de Shaw, donde los charcos de pinturas industriales esmalte y metálicos son manipulados para el efecto deseado con una púa de puercoespín, meticulosamente mejora numerosos detalles en las pinturas, como las plumas de coral, o flores. Cada tema se presenta en relieve de oro, una técnica similar a la de 'tabicado' en Asia a principios de cerámica, que es una fuente de inspiración para Shaw, junto con Uchikake (kimonos japoneses de la boda), Biombo (pantallas), copias de Hokusai, los mantones de Cachemira , heráldica medieval y miniaturas persas, alfombras y joyas.

Nacido en Cachemira, Raqib Shaw salió de la India en 1998 para Londres, donde estudió para su licenciatura y maestría en la Central St Martins School of Art. Dado que abandonar la universidad, Shaw ha exhibido internacionalmente, sobre todo en 'Sin Fronteras', el MOMA de Nueva York, 'La vuelta al mundo en ochenta días ", el ICA de Londres, de Arte" 6 ª Bienal de Gwangju, Corea del Sur y una exposición individual en 'Ahora' , la Tate Britain en 2006.

Absence of God I2007

Absence of God II2008

After the Garden of Earthly Delights I2002

SAYED HAIDER RAZA Nació en 1922 en Madhya Pradesh y estudió pintura en la Escuela de Arte de

Nagpur y el Sir JJ escuela de arte. Un miembro fundador del Grupo de los artistas progresistas. Raza participó activamente en las actividades del Grupo, pueden estimular los debates en la lucha de principios para desarrollar un lenguaje modernista y presentó varias exposiciones de sus pinturas en la India antes de salir para Francia con una beca del Gobierno francés en 1950. En París, estudió pintura en la Ecole Nationale des Beaux-Arts 1950 a 1953.

Galardonado con el Premio de la Crítica en París en 1956, Raza ha realizado numerosas exposiciones tanto en la India y el extranjero. Ha participado en la Venecia, Sao Paulo y bienales Menton y ha ocupado la muestra retrospectiva más reciente en 1997 en Mumbai, Nueva Delhi, Bhopal y la Universidad de California le invitó como profesor visitante en el Departamento de Arte de Berkeley en 1962. En diciembre de 1978 el Gobierno de Madhya Pradesh lo invitó a su estado natal para un homenaje y una exposición de su obra en Bhopal. Fue galardonado con el Padma Shri en 1981 y fue elegido miembro de la Lalit Kala Akademi, en 1983. En 1997 fue galardonado con prestigiosos reconocimientos por el Gobierno de Madhya Pradesh de Kalidas Samman.

Si bien la elaboración de memorias de infancia pasada en los bosques también ha sido inspirada por el pensamiento metafísico indio. Según él es la fuente de energía y creatividad de los fuertes colores y formas geométricas en las pinturas de Raza en ocasiones se han confundido con el neo-arte tántrico, pero según el artista no hay afiliación a esa escuela. Preocupados con las energías inminente, él es un modernista involucrados con las cualidades plásticas del arte y su aparición en la superficie. Raza vive y trabaja en París y en Gorbio en el sur de Francia.

Árbol, 1994 Germinación,

1994

THE SON OF THE SOIL

Nagas,1994

TYEB MEHTA Fue un pintor de la India. Formó parte del célebre Grupo

Mexicano progresiva de los artistas, que incluían grandes como FN Souza, SH Raza y MF Hussain, y el puesto de primera-generación de la colonia de artistas de la India, que también se desprendió de la escuela de Bengala nacionalistas y abrazaron el modernismo con su post-colores impresionistas, formas cubistas y brusco, estilo expresionista.

Entre sus obras más notables fueron más tarde su celebración tríptico, la cual se vendio para 1,5 millones de rupias (317.500 dólares) a una casa de subastas llamada Christie's en 2002, no era sólo la suma más alta para una pintura de la India sino que era en una subasta internacional. Se quedó y trabajó en Mumbai durante gran parte de su vida, con excepción de tres períodos en Londres, Nueva York, y Santiniketan, cada uno con un impacto distinto sobre su obra. Recibió varios premios fue durante su carrera, incluyendo el Padma Bhushan que le fue dado por el governador de la India en 2007.

Mahisasura, 1997 Falling figure with bird, 2003

JITISH KALLAT Nació en 1974 en Mumbai (Bombay), India. Recibió su BFA en la

pintura de la Escuela de Arte de Sir JJ en Mumbai en 1996. Las pinturas de Kallat son a menudo monumentales, su pintura más grande es de 8 x 20 pies de tamaño. Sus temas suelen ser auto referencial, que representa a sí mismo, su esposa, y otros miembros de su familia. Su metodología implica una fuerte dependencia de la fotografía, dando a sus cuadros una apariencia similar a publicidad popular. Sus pinturas son creadas mediante la creación de numerosas capas de pintura y collage, que luego se deja secar. Este las escáscara y le pone varias capas de pintura para crear las imágenes de sus pinturas. Esta metodología también se suma a la aparición comercial de su obra. También comenta que las superficies en la combinación de gran tamaño le da a su pintura el sentimiento de un muro de Mumbai. Aunque Kallat Jitish todavía trabaja y vive en Mumbai ha exhibido internacionalmente incluyendo Gran Bretaña, Alemania, y los Estados Unidos.

Jitish Kallat escribe frecuentemente sobre el tema del arte contemporáneo. Es miembro de la Fundación para las Artes de la India.

Collidonthus 2007

Public Notice 2

Eruda2006

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ANISH KAPOOR Nacido el 12 de marzo de 1954 es un escultor, nacido en Bombay (Mumbai),

India. Kapoor se crió en una casa de la India-judía. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de 1970 cuando se trasladó a estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y posteriormente en la Chelsea School of Art and Design.

Se ganó el reconocimiento internacional con exposiciones individuales en lugares como la Galería Tate y Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Haus der Kunst de Munich, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK de Viena, y el Boston, representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia XLIV en 1990, cuando fue galardonado con el Premio Duemila. En 1991 recibió el Premio Turner. Notables esculturas públicas incluyen Cloud Gate, el Millennium Park, Chicago, y Sky Mirror en el Centro Rockefeller, Nueva York.

Sus primeras obras se basan en pigmentos en polvo para cubrir las obras y el suelo alrededor de ellos. Tal uso de pigmentos caracteriza su primera exhibición de alto perfil, como parte de la exposición de la nueva escultura en el Londres Hayward Gallery en 1978. Esta práctica fue inspirada por los montículos de pigmento de colores vivos en los mercados y los templos de la India. Sus obras posteriores están hechas de piedra de cantera sólida, muchos de los cuales se han labrado orificios y cavidades. Sus obras más recientes son como un espejo, que refleja o distorsiona el espectador y el entorno. El uso de cera roja es también parte de su repertorio actual, evocador de carne, sangre y transfiguración.

1000 nombres, 1985

Cloud Gate, de Anish Kapoor (2004) en el Millennium Park de Chicago, Illinois

Sky Mirror,2001

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