Apreciación musical

INTEGRANTES:

Minaya Delgado Alvaro Joaquin

FECHA DE ENTREGA: 22 de noviembre de 2013

CARRERA: Ingenieria de Sonidos

DOCENTE: Ing. Luis Alfaro

Neoclasicismo

Artículo principal: Neoclasicismo

Dmitri Shostakóvich (1906-1975) desarrolló junto con Serguéi Prokofiev(1891-1953) el neoclasicismo en

el contexto del realismo socialista en laUnión Soviética.

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de

tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con

grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música. Ígor

Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores

más importantes usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus

contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las artes, en

respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más ordenado fueron las tendencias

concebidas como respuesta a la saturación emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a

las trincheras. Teniendo en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la

búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del

soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el

concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. La

culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's Progress»), con

libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.

Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo, mezclando

punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo utilitario. Hindemith produjo

trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el más famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su

producción de cámara incluye su Sonata para corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de

detalles oscuros y conexiones internas.

Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso.

El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia Boulanger promulgó

ideas musicales basadas en la comprensión de la música de Stravinski. Entre sus estudiantes se

encuentran músicos neoclásicos como Elliott Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy

Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla yVirgil Thomson.

El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo fijo, y agregan

cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques armónicos y mezcla libre de polirritmos. El

neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos

opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.

En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, el neoclasicismo

se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética cuyo propósito fue expandir el

conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de los hombres por medio del arte. De esta

manera los prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer

forzadamente en este estilo, incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier

tipo de vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.

Música electrónica y concreta

Olivier Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta, entre muchas otras

innovaciones de su época.

Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música concreta.

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para

producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes

en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está

producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos

musicales tradicionales. El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese, quien

presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951,

Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto

atrajo un gran interés, y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos

como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis

Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953 comprendió

Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por Messiaen, Étude (1952) por

Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voile d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953)

por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953)

por Schaeffer/Henry, y la música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por

Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de Déserts y

La rivière endormie. En Alemania en cambio la forma se usar la tecnología se llamó música electrónica,

que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto tendría

lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los

adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA

Mark II para crear música. Otros compositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron

cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna manera. Hymnen (de

Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) ySincronismos (de Mario Davidovsky) ofrecen unos pocos

ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron

instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo,

usó las Ondas Martenot en cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la

película Los pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo

ayudó a desarrollar. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001, una odisea del espacio.

Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación

y exploración de la música electrónica.

Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos

(incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos trabajos electrónicos son

piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una violenta y salvaje sonoridad. Compositores

como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo, a

menudo diseñando sus propios instrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de

instituciones especializas en música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más conocida.

Música aleatoria y vanguadismo radical

Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.

El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas

musicales vanguardistas del siglo XX, especialmente en las más radicales.

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se refiere a los

movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música llega hasta sus límites -si no

ya los sobrepasa- utilizando elementos como ruidos, grabaciónes, el sentido del humor, el azar,

laimprovisación, el teatro, el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente

ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo,

el teatro musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la música

intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en estas

aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.

La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no

regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a

partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del

autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de

piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la

reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea

de varias de ellas.

El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de

la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones

en las creaciones del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″(probablemente la

obra más radical del siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33

segundos). También fue notable el uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos

cambiantes, el cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido también por la

invención del piano preparado, compuso varias obras entre las que destaca Sonatas e interludios. El

alemán Karlheinz Stockhausen conHymnen (1967), y la electrónica Gesang der Jünglinge, fueron hitos

importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el polaco Witold

Lutosławski, el griego Iannis Xenakis, el húngaro Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los

argentinos Alberto Ginastera, yMauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también

fueron significativos.

Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música

contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable;

la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el

máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos

clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores,

distorsionadores y cintas grabadas.

Micropolifonía y masas sonoras

Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora.

Luego de Gyorgy Ligeti (1923-2006), el griegoIannis Xenakis (en la imagen) y el polacoKrzysztof

Penderecki fueron los principales exponentes de la utilización de masas sonoras y micropolifonía.

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y

timbres».1 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de

las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian

súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es

gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación

interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a losclústers, pero difiere de ellos en el

uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».1 El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de

Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions.2 También son

pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer

movimiento de su Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última

obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley

Kubrick 2001: Una odisea del espacio

La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o con instrumentos

musicales polifónicos como el piano.1Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea

«micropolifonía de una complejidad sin parangón».3 Muchas de las piezas para piano de Ligeti son

ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo"

de Steve Reich y de la música de los pigmeos.

Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es

una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más tradicionales, «minimiza la

importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura, el timbre y la dinámica como

principales formadores del gesto y el impacto».4

Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musical y después

se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. La masa sonora «difumina la

frontera entre el sonido y el ruido».4 Una textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima

al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern

lights, en una distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un

redoble de platillo suspendido.»5

Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su

obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obraMetástasis.

Minimalismo

Artículo principal: Música minimalista

Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es

actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.

Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos

minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música

donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a menudo se repiten, para producir la

totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos incluyen En do (de Terry Riley)

y Tamborileando (de Steve Reich). La primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por

muchos el padre del minimalismo; es una pieza formada por celdas melódicas comprimidas, que cada

intérprete en un conjunto toca a su propio tempo. La onda minimalista de compositores —Terry

Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, para nombrar los más

importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones

específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien

haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores de la música tonal, pero sin utilizar la

funcionalidad armónica tradicional.

Steve Reich (1936), creador de los efectos de fase repetidos y otras de las técnicas más utilizadas en el

minimalismo.

Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes celdas "fuera de

fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El oro del Rin de Richard Wagner,

donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está controlada por un mismo impulso y se

mueve a la misma velocidad.

La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la encuentran

demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que los elementos fijos que a

menudo son permanentes producen mayor interés en los pequeños cambios. De todas formas, el

minimalismo han inspirado e influenciado a muchos compositores habitualmente no etiquetados como

minimalistas (como Karlheinz Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John

Tavener y Henryk Górecki, cuya Sinfonía N.º 3fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,

encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de profundo sentido

religioso.

La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados minimalistas por

algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera John Adams, y su alumno Aaron Jay

Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema musical a música dependiente de la textura para

acompañar el movimiento ha generado una diversidad de composiciones y compositores.

Música cinematográfica

John Williams (1932) creador de la música de Star Wars y otras de las más taquilleras películas

deHollywood.

Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora.

Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música cumplió un rol crucial en

la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de la década tales como los rusos

Prokofiev y Shostakovic, incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la atención ciertos

compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine. Aunque las

musicalización de largometrajes durante los años 1940 estaban rezagadas décadas detrás de las

innovaciones técnicas en el campo de la música de concierto, la década de 1950 vio el auge de la

música para el cine modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y

las obras disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named Desire (1951)

combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se acercó a Leonard

Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue una reminiscencia de las primeras

obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky, con sus "jazz basados en armonías y emocionantes ritmos

aditivos". Un año después, Leonard Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, experimentó con la

atonalidad en sus calificaciones de al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años

de colaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann experimentó con ideas

enVértigo (1958), Psycho (1960) y Los pájaros (1963). El uso de la música no-diegética de jazz fue otra

innovación modernista, como la musicalización de la estrella del jazz Duke Ellington a la obra de Otto

Preminger Anatomía de un asesinato (1959).

Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The

Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944),King Kong (1933), Little

Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the Wind (1939). Erich Wolfgang

Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred Newman con; How the West Was Won,The

Greatest Story Ever Told. Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew 

Apreciación musical

INTEGRANTES:

Jurgen Edgar salinas Chiri

FECHA DE ENTREGA: 22 noviembre de 2013

CARRERA: Ingenieria de Sonidos

DOCENTE: Ing. Luis Alfaro

Representantes de la música neoclasicista

Igor Stravinski.

En 1919 nace el neoclasicismo, que rechazó las tendencias románticas e impresionistas. Esto contribuyó

a formar un arte musical muy pulido, apoyado en un mayor respeto a las formas musicales y al

refinamiento de la escritura.

El alemán Paul Hindemith fue uno de los principales defensores de esta tendencia y también luchó por la

nueva objetividad, un movimiento nacido en Alemania que tendía a la sencillez y elegancia formal. Entre

sus obras destaca la ópera "Mathias el pintor".

En Francia se fundó el "Grupo de los seis", integrado por Francis Poulenc, Darius Milhaud, Arthur

Honegger, Germaine Tailleferre, Louis Durey y Georges Auric.

Ellos escribieron bajo las influencias de la nueva tendencia. En Italia sobresalieron Alfredo Casella y Gian

Francesco Malipiero.

Igor Stravinski

A pesar de todos los nombres anteriores, representativos del neoclasicismo, el protagonista principal de

esta corriente fue el ruso nacionalizado estadounidense Igor Stravinski. Él siempre buscó lograr mayores

innovaciones musicales y fue un incansable investigador de la forma.

Con una gran habilidad para crear nuevos sonidos, usó frecuentemente la superposición de los ritmos,

los diseños sincopados y las soluciones armónicas más osadas.

Obras como la "Sonata para piano" y la "Sinfonía en tres movimientos", o las escénicas, como "Orfeo",

significan lo más esencial de su producción neoclásica. Pero, aparte de esta tendencia, escribió música

escénica universalmente conocida, como los ballets "El pájaro de fuego", "Petrushka" y "Pulcinella".

Música concreta 

Expresión musical basada en la composición a partir de sonidos grabados en cinta y manipulados

posteriormente a diferentes niveles mediante el fonógrafo y el magnetofón. Las fuentes sonoras de este tipo de música pueden ser de origen natural, como gritos,instrumental o simplemente anecdóticos. 

Su antecedente más directo fue el compositor italiano Luigi Russolo quien se unió en 1909 al movimiento futurista de Filippo Marinetti y escribió en 1916 su L'Arte dei rumori. Ese mismo año utilizó en un concierto en Milán toda clase de artefactos productores de ruidos. El ruidismo de Russolo desembocó, en la década de 1940, en un afán de ampliar la organización rítmica y tímbrica de los ruidos con el fin de extraer mayor provecho de una nueva sonoridad. Su búsqueda se realizó sobre un material sonoro distinto de los sonidos habituales y de los producidos por los aparatos electrónicos, a la vez que investigó su notación simbólica y el logro de verdaderas composiciones musicales. Por lo que se refiere al material sonoro, la aportación original de la música concreta es la de hacer posible la transformación de un sonido registrado de antemano, variando su forma, timbre, tesitura, dinámica o altura. Los 'objetos sonoros' que se derivan de tales transformaciones se agrupan según leyes de semejanza, lo mismo que los sonidos de los instrumentos de la música habitual se emparentan entre sí. Pero el hecho de que cada sonido sea susceptible de gran cantidad de manipulaciones electroacústicas significa una diversidad y un número prácticamente ilimitado de familias de sonidos. En estas manipulaciones se conservan los caracteres vivos del sonido de origen, así como sus fluctuaciones y asimetrías, que la música concreta prefiere a los sonidos electrónicos. Su figura capital, como mentor, ensayista y compositor ha sido Pierre Schaeffer.:. 

Estas grabaciones son luego seleccionadas (algunas se eliminan), manipuladas electrónicamente (con filtros, reverberación, delay, eco, etc.) y finalmente se combinan (pegando trozos de cinta magnetofónica o «pegando» archivos de audio), formando una especie de montaje sonoro-musical. 

El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación (en cinta o como un archivo de audio digital). Luego se reproduce por medios electroacústicos (reproductor de cinta, amplificador y altavoces). 

La diferencia entre la música concreta y la música electrónica consiste en que en la primera se emplean sonidos y ruidos existentes; en cambio en la segunda se crean previamente (con generadores de sonido electrónico, como osciladores o por software de ordenador) todos los objetos sonoros con los que el compositor trabajará.  se le dice a la obra que mezcla música electroacústica (concreta o sintetizada) con instrumentos tocados en vivo, los cuales pueden ser o no procesados en tiempo real. La música concreta actualmente se hace principalmente en computador, pero quedan bastantes fanáticos del sonido analógico. 

Micropolifonía y masas sonoras

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions.4 También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio

La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o con instrumentos musicales polifónicos como el piano.3 Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin parangón».5 Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos.Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».6Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6 Una textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un redoble de platillo suspendido.»7Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obra Metástasis.

minimalismoSegún el diccionario de la real academia española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, lenguaje sencillo, etc. El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o que proporciona solo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. 

En el mundo de la música, en los 35 últimos años, el término minimalismo se aplica a veces a la música que muestra alguna de las características siguientes (o todas): 

* repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un período largo de tiempo * éstasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos * énfasis en una armonía tonal * un pulso constante. 

La música minimalista puede sonar a veces similar a diferentes formas de música electrónica (e.g. Basic Channel), así como a algunas composiciones basadas en la textura, como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. A veces el resultado final es similar, pero el procedimiento de acercamiento no lo es. 

El término minimalismo en música —aplicado independientemente por los compositores y críticos Michael Nyman y Tom Johnson— ha sido polémico, pero tuvo un uso muy amplio desde mediados de los años setenta. El uso de un término del mundo del arte visual ha sido muy polémico; sin embargo, no sólo la escultura minimalista y la música comparten una cierta simplicidad de medios y una aversión al detalle ornamental, sino que muchos de los primeros conciertos minimalistas lo fueron en exposiciones de arte minimalista, como las de Sol LeWitt y otros. Varios compositores asociados con el minimalismo han rechazado el término, sobre todo Philip Glass, que ha dicho que «esa palabra se debe echar a patadas! 

Se habla a veces de música minimal, como una evolución musical, y de totalismo, como un movimiento musical de reacción al minimalismo. También se habla de techno minimal, un género secundario de la música de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido entrecortado, un compás ritimico de 4/4 simple (generalmente, alrededor de 120-135 BPM), una repetición de bucles cortos, y cambios sutiles. 

Algunos de los compositores que frecuentemente se asocian con este movimiento son: 

* Philip Glass. * Steve Reich. * Terry Riley. 

La Música: elemento indispensable en el cine

Por Ileana González

Desde los tiempos del cine silente (cuando un pianista, a oscuras, matizaba con mayor o menor intensidad lo que ocurría en la pantalla) la música se ha incorporado a la cinematografía como un personaje más.

Componer específicamente una partitura para cine, a fin de crear sentimientos y acentuar atmósferas, es siempre una labor que exige sensibilidad y talento. Acoplar la música a las imágenes requiere una capacidad muy especial por parte del creador para interiorizar las emociones que el realizador pretende provocar en determinados momentos del argumento cinematográfico.

La banda sonora de un filme tiene que reforzar, con sus efectos, las intenciones de cada secuencia, sea con orquestaciones con ritmos diferentes o incluso con el recurso de los silencios. Esa es la clave para que la simbiosis sea eficaz.

Un realizador puede recurrir a música no concebida originalmente para una obra cinematográfica, o solicitarla por encargo. En este último caso el compositor ha de trabajar en estrecha comunión con el director, para explorar en cada momento del guión y hallar así la fórmula que permita conjugar armoniosamente las imágenes con la música.

En Cuba hay una serie de compositores que se han vinculado al cine, sea al de ficción o al documental. Son músicos valiosos y versátiles, intuitivos y sensibles, capaces de conseguir una especialización en ese ámbito. Sobre ellos recae la responsabilidad de que la relación cine-música fluya sin tropiezos, las imágenes sean más convincentes y se refuerce la ilusión de realidad planteada por el argumento.

La música es un ingrediente indispensable en el cine, y los Festivales de La Habana han dedicado buena parte de su programación en estos 20 años, a destacar cuánto aportan al séptimo arte tantas partituras o intérpretes inolvidables. Por apenas citar dos casos recordemos cómo hace 6 años, la Orquesta Sinfónica Nacional, conducida entonces por Zenaida Castro Romeu, ejecutó temas compuestos por José María Vitier para la película El siglo de las Luces, de Humberto Solás, deslumbrantes por su gran peso dramático y porque se advertían en ellos rasgos de la época descrita, sin soslayar los timbres caribeños.

En este vigésimo Festival (1998) también la Orquesta Sinfónica Nacional ha tenido un peso importante, al ejecutar obras emblemáticas compuestas para el cine.

Cuando se hable de un trabajo de composición de música para cine, el nombre del maestro Leo Brouwer resulta insoslayable. En la ceremonia de inauguración de este Festival de Cine Latinoamericano volvieron a escucharse sus composiciones para los filmes Lucía, Cecilia, Un día de noviembre, No hay sábado sin Sol y el documental Lam. Indudablemente, son trabajos que demuestran una experiencia singular para comunicar y sugerir ideas y sentimientos, mediante sonoridades que trasmiten esencias de momentos históricos diversos.

Con su sólida formación el maestro Leo Brouwer, fundador de la Escuela Cubana de Guitarra, ha enriquecido muchas obras del cine cubano.También otros compositores lo han hecho, como los hermanos Vitier, Carlos Fariñas, Juan Formell y Edesio Alejandro, por citar algunos.