Apuntes del arte medieval

EL ARTE EN LA EDAD

MEDIAApuntes de la obra “Historia del Arte” de E. H. Gombrich

Permanencia del arte clásico

El conocimiento de las antiguas producciones

del arte clásico no se perdió del todo. En la

corte de Carlomagno, quien se consideraba

sucesor de los emperadores romanos, la

tradición del arte romano fue afanosamente

revivida. La iglesia que Carlomagno mandó

construir en Aquisgrán alrededor del 800 es

una copia fiel de una que fue construida en

Rávena 3 siglos antes.


Ningún artista medieval del Occidente

europea habría comprendido por qué tenía

que crear nuevos modos de planear una

iglesia, dibujar un cáliz o representar escenas

de la historia sagrada cuando tan bien habían

servido a tal propósito los modos antiguos.

El artista medieval creaba obras que buscan

una similitud con las originales, de ahí que la

“innovación” no era lo primordial.


Los egipcios plasmaron lo que sabían que existía; los griegos, lo que veían; los artistas del medioevo aprendieron a expresar lo que sentían.

No se puede hacer justicia a ninguna obra del arte medieval sin tener presente este propósito, pues esos artistas no se proponían crear una imagen convincente de la naturaleza o realizar obras bellas, sino que deseaban comunicar a sus hermanos en la fe el contenido y el mensaje de la historia sagrada.


Para el artista medieval lo importante era representar la escena y la conversación según la obra original, sin reparar mucho en los detalles tales como proporción, perspectiva, etc.

No hay que suponer que el arte de este período sirviera sólo a ideas religiosas. Además de iglesias se construyeron castillos y se contrataban a artistas. El arte religioso era tratado con más respeto, y cuidado con más esmero que las decoraciones de las estancias privadas.

El arte en el siglo XIII

No es fácil imaginar lo que una iglesia

significaba para la gente en aquella época. La

iglesia era a menudo el único edificio de

piedra de los alrededores.

En Inglaterra los obispos los nobles

comenzaron a erigir abadías y monasterios.

El estilo en Inglaterra se conoce como

“normando” y en el continente como

“románico”.

El arte en el siglo XIII

El modelo arquitectónico se sustentaba en el

modelo “romano”. La planta era la misma: una

nave central que conducía a un ábside o coro

y dos o cuatro alas laterales. Algunos

arquitectos preferían la idea de construir

iglesias en forma de cruz y, así, agregaron lo

que recibe el nombre de crucero entre el coro

y la nave.

La iglesia militante

En las iglesias normandas y románicas

hallamos por lo general arcos semicirculares

que descansan sobre pilares macizos. La

impresión que generan estas iglesias es de

compacta solidez.

Los siglos XI y XII fueron de experimentos

para crear techos, pues los conocimientos de

arquitectura habían desaparecido. El

problema era cubrir la nave principal con una

bóveda.


Una primera solución fue construir sólidas paredes y pilares que resistieran bóvedas hechas de vigas.

Los normandos consideraban que para hacer un techo ligero se requería de vigas sólidas y cubrir la distancia con materiales más ligeros.

En Francia se comenzó a decorar con esculturas las iglesias. Todo cuanto perteneciera a la iglesia tenía su función específica y debía responder a una idea concreta relacionada con el adoctrinamiento de la fe.


En la fachada de la iglesia de St-Trophime seincrustó un pórtico, del siglo XII. Su formarecuerda el principio del arco de triunforomano. Encima del dintel se muestra al Cristoen gloria, rodeado de los símbolos de los 4evangelistas.

En la parte baja del dintel vemos doce figurassentadas, los doce apóstoles, y podemosdistinguir, a la izquierda de Cristo, una hilerade personajes desnudos y encadenados: sonlos que han perdido sus almas y sonconducidos al infierno.


No debemos esperar que tales esculturas

parezcan tan naturales, ágiles y graciosas

como las obras clásicas. Son más intensas,

por su maciza solemnidad.

Cada detalle en el interior de la iglesia, era

cuidadosamente estudiado en relación con su

mensaje y su sentido.


La pila bautismal de una iglesia en Lieja, del 1113, nos proporciona otro ejemplo de la intervención de los teólogos aconsejando a los artistas. Es de bronce y tiene en la parte central un relieve con el bautismo de Cristo, tema el más adecuado para una pila bautismal.

Hay que darnos cuenta de las posibilidades que se abrían a los artistas tan pronto descartaban toda ambición de representar las cosas tales como las vemos.


Y lo mismo que con las formas sucede con loscolores. Dado que los artistas ya no se sentíanobligados a estudiar e imitar las gradacionesreales de las manchas que aparecen en lanaturaleza, pudieron elegir librementecualquier color que les gustar para susilustraciones. El oro brillante y los luminososazules de sus obras de orfebrería, los coloresintensos de sus libros iluminados, el roloencendido y los verdes profundos de susvidrieras muestran que esos maestros hicieronbuen uso de su independización de lanaturaleza.

La iglesia triunfante en el siglo

XIII

El arte en occidente no permaneció estático, el románico apenas sobrevivió el siglo XII. En el norte de Francia nació la innovación técnica que dio origen al gótico, dejando al estilo románico y normando como vulgares y anticuados.

El gran cambio surgió cuando se inventó el método de abovedar las iglesias por medio de vigas cruzadas. No se necesitaban entonces pesados muros de piedra; en su lugar podían colocarse amplios ventanales.


XIII

Además, los arcos redondos estilo románico resultaron inadecuados para los fines de los arquitectos góticos. Por ello se debió descartar el arco semicircular y lograr que dos segmento de arco se encuentren en un punto, por ello los arcos apuntados.

Los arbotantes fueron la innovación que ayudó a consolidar el estilo gótico en las construcciones europeas por sobre las de estilo románico o normando.


XIII

Las grandes catedrales (cathedra: sede del obispo) de finales del siglo XII y principios del siglo XIII, fueron concebidas en tan atrevida escala, que no todas se terminaron como fueron planeadas.

Aún así, cuando uno entre en ellas sigue siendo una experiencia inolvidables, donde sus dimensiones empequeñecen la escala humana a lo minúsculo. Esas iglesias más antiguas, en su solidez y fuerza, pudieron expresar algo de la Iglesia militante que ofrecía protección contra los ataques del mal.


XIII

Hasta cuando se miran de lejos, estas construcciones maravillosas parecen proclamar las glorias del cielo. La fachada de Notre-Dame de París es, tal vez, la más perfecta de todas ellas.

Tan diáfana y sin esfuerzo aparente es la distribución de pórticos y ventanales, tan flexible y gracioso el trazado de las galerías, que nos olvidamos del peso de este monte de piedra, pareciendo elevarse el conjunto de la estructura ante nuestros ojos como un espejismo.


XIII

Después de 1000, muchas nuevas y

magníficas catedrales brotaron en Francia y

también en países vecinos, como Inglaterra,

España y las tierras germánicas del Rhin.

Muchos de los maestros empleados en los

nuevos lugares aprendieron su arte mientras

trabajaban en los primeros edificios de esta

clase, pero todos ellos trataron de incrementar

lo conseguido por sus mayores.


XIII

En el siglo XIII, los artistas empezaban siendo aprendices de un maestro, al que acudían para instruirse y ocuparse de algunos pormenores del cuadro poco importantes.

Aprendería a copiar y a adaptar de nuevo escenas de viejos libros, encajándolas en diferentes marcos, y acabaría finalmente por adquirir bastante facilidad en todo esto como para ser capaz de ilustrar una escena de la que no conociera ningún patrón.


XIII

No debemos olvidar que el escultor que se

proponía reproducir la naturaleza se daba una

tarea más fácil que la del pintor que se

propusiera la mismo.

El escultor no tenía que preocuparse de crear

una ilusión de profundidad por medio del

escorzo o de los juegos de la luz con la

sombra: la obra ejecutada por él se sitúa en

un espacio y luz reales.


XIII

Fue el arte bizantino el que permitió que los italianos saltasen la barrera que separaba la escultura de la pintura. El arte bizantino había conservado la mayoría de los descubrimientos de los pintores helenísticos, que sobrevivieron en la pintura-escritura de la edad de las tinieblas en occidente.

Giotto demostró en sus murales que se podía otorgar profundidad a la pintura, al igual que la escultura. Ahí se redescubrió la dimensión.

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