Apuntes Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval

Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval

Apuntes de Clases

Historia del Teatro


Escuela de Teatro

Profesor: Cristian Figueroa Acevedo

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TEATRO CLÁSICO GRIEGO

Orígenes del drama

Derivación de danzas mágicas. Forma, ritmo, pantomima. Dionisio (Dionisius): adoradoras del dios llamadas ménades o bacantes,

danzas en torno a una res, devorar de la carne, sacrificio y danza >> orgía o bacanal (frenesí erótico – fanático >> entusiasmo) termina siendo una teoría, desfile, cortejo, procesión cada cuatro años ante el templo del dios.

Del Ditirambo a la tragedia. La procesión a cargo de un coro (canto y danza)>>> uno de los coristas destaca, el exjarcos o exjacorte, conductor del coro >>> corifeo, mientras sus compañeros cantan el ditirambo o himno de alocución en honor al dios.

Los danzarines visten pieles del cabra macho, tragos o trasgos << tragedia. Se embadurnaban el rostro con heces de vino o yeso.

Tespis, transforma al corifeo en el primer actor llamado hipócrites (respondedor), creando el diálogo.

Tespis representa sus historias itinerando por al Ática en su carromato, se dice que inventó la máscara de lienzo sin pintar. Es el primer actor conocido, ganador del Primer Concurso Trágico (536 ac) Pisístrato (tirano de Atenas) crea los concursos trágicos dentro de las Grandes Dionisiacas.

La tragedia en un comienzo pequeños mitos - argumentos. Primeros autores Frínico (VI –V ac) sucesor de Tespis, Querilo se distinguió en

el drama satírico o tragedia jocosa. Pratinas (s. V ac) separó la tragedia satírica de la tragedia propiamente tal. Y su hijo Aristeas (¿490 – 410? )

Drama satírico de acción agreste y tema mitológico, con un coro de bailarines medio animal - medio hombre llamados sátiros.

Tragedia (de tragos- canto del chivo o macho cabrío) se representa en las fiestas dionisiacas dentro del templo o recinto consagrado. Celebración religiosa mantiene dignidad y elevación, sentimiento que comparten el autor, los actores, el público y el coro >>> rito en honor a una religión. Espectáculo dramático de armonía religiosa: creación- representación- comprensión.

Los festivales Dionisíacos de Atenas (Las fiestas)1. Leneas: a fines de enero y comienzos de febrero con el tiempo fueron reservadas principalmente para las comedias. 2. Las grandes dionisíacas, o de la ciudad: a fines de marzo hasta comienzos de abril. Duraban cinco o seis días. En el segundo o tercer día se realizaban los concursos ditirámbicos (con premios anuales) con autores seleccionados por un funcionario denominado árkhon (arconte). El estado pagaba a los actores, pero el costo de la producción de la obra estaba a cargo de un ciudadano rico, (un mecenas) llamado Khorêgos (corega). Medio siglo después se añadió la competencia de comedias. Dionisíacas Rurales: . Las obras ganadoras de Atenas y los autores nuevos aún no probados, quienes tenían la posibilidad de una "puesta a prueba".

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El Edificio teatral y la representación

Se representan en el faldeo de un cerro, declive para que todos vean -teathron -, con galerías formando un semicírculo en torno a la orquestra cuyo centro es el timele (altar al dios) alrededor danza el coro. La representación ocurre en un proscenio elevado junto a otra construcción mayor, la skene o escena que presenta tres puertas para entrara el proscenio...

El actor trágico viste trajes y artefactos que aumenten su tamaño para poder ser visto a la distancia, el coturno (zapato de triple suela), la máscara caracterizada y el oncos ( corona superior), amplias ropas de rígidas pieles y atuendo – jitón, podereis, estola, imatión y clámides -, en la máscara llevan una bocina para amplificar su voz. Todo esto hará una actuación hierática.

El coro, personaje – puente. Danza y recita en la orquestra, plaza circular en torno al tímele. (orquestografía o coreografía).

El protagonista – primer o principal agonista (agón – lucha) entra por la puerta central. Hipócrites (respondedores del prot.)>> Deuteroagonista entra por la derecha y luego el Tritoagonista.( por la izquierda) viene a ser el antagonista.

Autores trágicosEsquilo (525 – 456 ac), introdujo el antagonista o segundo actor, redujo el coro e

hizo de la parte recitada el elemento esencial de la tragedia. Creo la trilogía (en torno a un tema) más una tragedia sátira >>> tetralogía. Hizo aportes en la representación y atuendo (sirma, túnica con mangas y cola, y el coturno.

Habría escrito más de setenta obras, pero conocemos siete: Las Suplicantes, Los Persas, Los Siete contra Tebas, Prometeo encadenado y la tetralogía conocida como La Orestiada: Agamenon, Las Coéforas y Las Euménides (más una sátira desconocida Proteo) Imponente grandeza, intensidad de fuerza trágica. Sus personajes son genéricos y presentan una sumisión fatalista ante los dioses y la naturaleza.

Sófocles (495 - 406) ganó su primer concurso el 458, ganó 20 veces el primer lugar. Se dice que escribió cerca de 123 obras, de las que sólo conocemos siete: Ayax, Antígona, Electra, Edipo Rey, Las Traquinias (o la muerte de Heracles), Filoctetes y Edipo en Colono. Además se le atribuye Los Espías o los sabuesos, drama sátiro del cual fue encontrada la mitad en Egipto el año 1912.

Su obra destaca por la unidad de estilo y perfección formal, de carácter religioso y políticamente moderado. A diferencia de Esquilo, Sófocles concentra todo el desarrollo trágico en un determinado momento de la vida de su protagonista, presenta en escena la acción (que antes se suponía ocurrida fuera de escena). Personajes de carácter propio, no genérico, seres dotados de un ethos o alma propia. Edipo Rey es considerada una tragedia perfecta..

Sófocles habría inventado la skenografía o pintura escénica y fijó definitivamente la estructura de la tragedia ática:

- Prólogo o exposición.- Párodos o entrada del coro- Coro: Cinco episodion o peripecias de la acción. (alternados)- Cinco estasimon o intervenciones del coro. (alternados)- Exodo o partida, canto y salida final del coro.

Eurípides. (480 – 406 ac) Hombre del pueblo en contraste con sus predecesores, pertenece a la generación de los sofistas. Escéptico e inquieto. Considerado el primer sicólogo de la escena y primero de los dramaturgos modernos, al hacer una presentación de los hombres y su interioridad llena de sentimientos y pasiones.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalRedujo el Prólogo a una breve alocución dirigida a los dioses y sustituyó el éxodo

por la aparición de un dios que precipita el desenlace cortando el nudo de la trama con su omnipotente voluntad, este recurso se conoce como teoos apo mekenes o deus ex máchina de los romanos.

De las 75 obras que, se dice, que escribió conservamos 18: Alcestes, Medea, Hipólito, Las Troyanas, Helena, Orestes, Ifigenia en Aulis (Auilide), Las bacantes, Andrómaca, Hécuba, Electra, Las heráclidas, Las Suplicantes, Ifigenia en Táuride (Tauris), Ion (Ione), Heracles y El Cíclope.

La comedia

Nace como derivación de los ritos itifálicos, a los misterios de la fertilidad y la fecundación. Su nombre deriva del “Komos”, cancioncilla burlesca de los aldeanos. Sería Epicarmo de Sicilia el primer autor, quien fijaría su estructura.

Su deferencia esencial con la tragedia está en el carácter del agón o conflicto, con temas burlescos y de crítica general realizada mediante alegorías. Los personajes divinos o superiores se transforman en series cotidianos, tipos característicos (Hércules vigoroso >> Glotón; Ulises prudente >> cobarde), Así surgirán en ella personajes tipos universales.

El vestuario, las máscaras y el coro también tienen una adaptación >> coradax: baile saltado y licencioso acompañado de alegre y estimulante música.. El coro integrado por seres afines a la comedia: animales (ranas, pájaros, etc)

La Comedia Antigua de Aristófanes (425 – 338) Maestro de la comedia ática, poeta satírico y comediógrafo, atacó a los demagogos y a los sofistas (entre ellos a Sócrates y Eurípides). Clamó contra toda clase de abusos, se rió de las utopías como hombre práctico, prosaico y creyente fiel de la realidad de los placeres de la tierra. En sus obras hace un retrato vivo, mordaz y comprensivo de su pueblo, el ateniense... proyectando a todos los pueblos. Recorre la gama completa de la crítica cómica en su más alta expresión como universalizadora de lo particular. Sus obras destacadas son Los acarnienses, donde satiriza el partido de la guerra; Las Junteras en que se burla del feminismo sufragista. En Los caballeros satiriza al demagogo Cleón y la democracia, en Las nubes, a la nueva pedagogía de Sócrates. Además destacan Las Avispas, La paz, Los Pájaros, Lysistrata, Las tesmoforas, Las ranas y Pluto.

La Comedia Nueva de Menandro (343 – 293) Principal representante de la nueva comedia, fue imitado por Plauto y Terencio (en Roma). Se conocen 98 títulos de sus comedias sólo una se conserva Dyskolos (enc. en Egipto en 1957 D.C), y fragmentos de Heros, Samia, Epitrepontes y Perikeiromene.

Es un drama de costumbres se distingue por su elegancia de composición y estilo. Matizada caracterización. Temas individuales: familiares, amorosos, aventuras, reencuentros románticos, etc. Sobre la vida urbana “burguesa”.El coro ocupa un lugar secundario en la acción, se reduce a entreactos llenados con música y baile.Teatro Griego

El misterio del teatro griego.

No tenemos, literalmente, noticia alguna escrita o arqueológica de lo que pudo ser el teatro del clásico y grandioso siglo V. Sabemos que las obras griegas se daban al aire libre, en un espacio semicircular con los espectadores ubicados en forma de herradura. Se sabe que había un coro que cantaba y danzaba en medio de un altar.

Se conoce que había sólo tres actores que hablaban, que utilizaban máscaras y que "doblaban" sus papeles cuando era necesario. Se tiene noticia sobre la clase de

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalvestimenta y calzado que empleaban. Pero, salvo esto, no tenemos casi conocimiento alguno concreto del teatro clásico griego y de cómo funcionaba. No quedan materialmente ruinas de los teatros de aquel siglo, pues estaban construidos de madera, no de piedra. Los únicos documentos importantes que se han encontrado son cuarenta y cuatro manuscritos de los cientos que se han extraviado. El teatro griego presentaba tres clases de obras: tragedias, dedicadas a las leyendas heroicas y que a menudo usaban a los dioses como solución conveniente para el final; piezas satíricas, en las que se hacía burla de tales leyendas y se caía en una obscena mímica a cargo de un coro de sátiros; y comedias que se referían en una forma farsesca gruesa a la vida corriente.

Las tres empleaban un coro en los interludios entre escenas y, a menudo, en medio de éstas. Las tres estaban escritas en verso y también empleaban máscaras. Las tres estaban relacionadas de una manera ú otra con lo que podríamos llamar ideas de la fertilidad. Hay quienes afirman que la tragedia surgió en realidad de la celebración y adoración de Dionisos; hay quienes dicen que la tragedia enraizaba en los ritos ceremoniales celebrados ante las tumbas de los héroes y de los semidioses. Pero queda el hecho de que las tragedias, las piezas satíricas y las comedias se representaban como parte de las ceremonias anuales en honor de Dionisos.

Aristóteles dice que la comedia nació de las canciones fálicas, que eran himnos lascivos en honor de Falo, dios de la Fertilidad y compañero de Dionisos, y del ditirambo, o himno coral que se cantaba a Dionisos. Alrededor del año 600 a.C. un poeta y músico, Arión de la Isla de Lesbos, había escrito los primeros versos formales que reemplazaron las palabras improvisadas del ditirambo. Tepsis dio el paso siguiente al introducir al actor que hablaba con el coro, proveía la narración y hasta interpretaba episodios dramáticos. El cambio del ditirambo al drama se produjo a mediados del siglo VII. El hombre que se separó del coro y se puso frente a él se convirtió en ese momento en el primer dramaturgo al mismo tiempo que en el primer actor. A partir de la época de Tepsis, y durante tres siglos, Atenas fue la capital teatral del mundo griego. Para el autor había un solo teatro: el de Dionisos. Los tres grandes trágicos -Esquilo, Sófocles y Eurípides- y su igual en la comedia- Aristófanes- fueron ciudadanos atenienses.

Los festivales Dionisíacos de Atenas

El teatro tenía una importancia vital para los atenienses, era la culminación de su ritual religioso y cívico. Ir al teatro no era hábito cotidiano: estaba limitado a ciertos días fijos de cada año. Las fiestas dedicadas a Dionisos tenían lugar a fines de enero y comienzos de febrero, y también a fines de marzo hasta comienzos de abril.

Las primeras, las más antiguas, conocidas como las Leneas, con el tiempo fueron reservadas principalmente para las comedias. Las segundas, mucho más importantes, eran conocidas como las grandes dionisíacas, o de la ciudad. El esplendor y la preeminencia de las grandes dionisíacas atraían visitantes de todo el mundo griego. Era una semana de vacaciones: se suspendía todo comercio y las oficinas gubernamentales cerraban, aún las cortes de justicia. En un principio la entrada era libre; luego se cobró una pequeña cantidad y dando entradas a quienes no tenían los medios para pagarlas. El estado pagaba a los actores, pero el costo de la producción física de cada obra estaba a cargo de un ciudadano rico, al que llamaríamos un mecenas, y que se lo honraba con el título de Khorêgos (corega).

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalLas grandes dionisíacas duraban cinco o seis días. En el segundo o tercer día

se realizaban los concursos ditirámbicos; éstos estaban dedicados a las obras que competían por los premios anuales. Los autores que competirían eran seleccionados por un funcionario denominado árkhon (arconte). Medio siglo después de haber instituido Atenas los primeros concursos de tragedias, la ciudad añadió la competencia de comedias.

Además de las fiestas dramáticas atenienses había un tercer tipo, las Dionisíacas Rurales. Allí se presentaban las obras ganadoras de Atenas y los autores nuevos aún no probados, quienes tenían la posibilidad de una "puesta a prueba".

También Roma tuvo sus festivales dramáticos. Los llamaban ludi (juegos), porque estaban dedicados en un principio íntegramente a deportes y entretenimientos. Se infiltraron las representaciones farsescas de provincias y, en el año 240 a.C., un escritor latino introdujo una tragedia griega. El motivo subyacente en los ludi –que eran siempre gratuitos- era afín con el de "pan y circo" con que la clase gobernante divertía y aplacaba al proletariado.

Si alguna vez tuvo el teatro romano la significación religiosa y cívica del griego, la perdió rápidamente y se convirtió meramente en el "negocio del espectáculo". Apareció el empresario comercial. Los magistrados cuyo deber era suministrar juegos para las multitudes, se volvieron a los profesionales para las obras y para las representaciones. El actor-empresario tenía su compañía de esclavos libertos y extranjeros. Compraba una obra al autor o adaptador, pagaba los trajes y utilería y asumía todos los riesgos de la producción y presentación. Si la obra resultaba popular, se le entregaba dinero en proporción de su éxito, y a veces como premio hojas de palmas o coronas de plata ú oro. Un resultado inevitable era la organización de claques para aplaudir a ciertos actores y abuchear a otros. La crueldad y la violencia de los juegos y espectáculos que se realizaban en los mismos anfiteatros que las obras iba en aumento. Las obras eran cada vez más licenciosas, o se las reemplazaba con cuadros vivos, danzas lascivas o pantomimas, éstas últimas fueron las más populares durante el Imperio, y recurrían a la música, la danza, los trajes y decorados para volver a contar los mitos griegos.

El coro y los actores griegos

Un rasgo singular y curioso del teatro griego fue el coro que se mantuvo desde los días del antiguo ditirambo. Estos hombres –que a menudo aparecían con trajes de mujeres- cantaban y se movían según patrones rítmicos.

Cuando Esquilo añadió otro actor al que Tepsis había introducido, hizo posible el diálogo y el papel del coro disminuyó en importancia.

El actor griego tenía que ser un artista muy habilidoso y versátil. Si bien la mayor parte de sus discursos eran declamados solemnemente, a menudo había un grado considerable de acción violenta y expresión emocional, y ciertos pasajes líricos tenían que ser cantados con el acompañamiento de un ejecutante de flauta. Los auditorios griegos eran sumamente críticos con la articulación de los actores y con el tratamiento que éstos dieran al texto. Cuando en el siglo IV los actores comenzaron a tomarse ciertas libertades con sus partes en un teatro donde no se podía esconder al apuntador, Licurgo preparó textos auténticos y cuidó de que los actores lo siguieran estrictamente. Aunque los romanos siguieron con la costumbre griega y no permitieron que intervinieran actrices en las comedias o tragedias clásicas, emplearon hasta seis actores en una obra. En las farsas y en especial en las pantomimas y en los cuadros los que, a medida que decaía la escena romana, eran más populares, los papeles principales estaban casi siempre a cargo de mujeres.

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Máscaras y trajes

Al igual que el coro, la máscara es otro rasgo del drama griego ajeno a nuestras ideas de la representación dramática y, también como el coro, la cual estaba arraigada en el ritual religioso.

Aunque el origen de la máscara fue religioso, su uso sirvió a varios propósitos prácticos. Sin máscaras de distinto diseño, le hubiera resultado difícil a un actor representar dos papeles. Las bocas muy abiertas hacen suponer que habrían permitido el uso de alguna clase de megáfono.

Una desventaja de la máscara era, por supuesto, la inmovilidad de la expresión. El auditorio tenía que recurrir a su imaginación cuando las líneas del diálogo indicaban un cambio de estado de ánimo en un personaje. Un escritor romano del siglo I D.C describe una máscara que tenía un lado alegre y el otro serio, con lo cual el actor podía variar la expresión de su rostro según volviera al auditorio uno u otro lado.

La máscara indicaba la edad, el estado de ánimo y hasta el rango de un personaje. Las trágicas eran por lo común serenas y hermosas.

La forma del teatro

En días muy anteriores a Tespis, el coro ditirámbico cantaba y bailaba en medio de la gente de la ciudad y del campesinado. El primer teatro de Dionisos fue creado en Atenas, el coro aparecía en un espacio llano, circular, llamado orkhéstra –"lugar para danzar"- esta ha sido descubierta por los arqueólogos. Pero el primer teatro de piedra en ese lugar, con una orkhéstra de diecinueve metros, fue construido solo cien años después, cuando el escenario adquirió la forma helenística.

En cuanto al auditorio, el lugar donde, en el siglo V, los espectadores tomaban asiento, nada sabemos de él. Se supone que antes de Tespis se habrá considerado conveniente ubicar la orkhéstra donde dos montes se encontraban y formaran una concavidad natural rodeada por un terreno en pendiente. El teatro "circular" se estaba haciendo menos circular. Se supone que en un principio los espectadores permanecían de pie o sentados sobre la ladera; luego dispusieron de bancos de madera. En Siracusa, Sicilia, los asientos estaban excavados en la roca natural ya por el siglo V. Cuando Licurgo reconstruyó el teatro de Dionisos, alrededor del 333 a.C., instaló asientos de piedra, costumbre que se extendió rápidamente por todo el mundo helenístico

La "skené" o fondo escénico

Con el transcurso del tiempo, Europa, occidental tomó théatron, la palabra que los griegos empleaban para los asientos que cubrían la concavidad de una ladera, la convirtió en "teatro" y la utilizó para designar la totalidad de la sala teatral. Algo parecido se hizo con otra palabra griega, skené. Lo que llamamos escena en una obra, en el escenario o aún la escenografía pintada, proviene de la palabra empleada para una barraca o pabellón de madera, skené. En el año 465 a.C., en Atenas se ubicaba una skené sobre un borde de la orkhéstra, frente al semicírculo de asientos. La teoría común es la de que estaba destinada a proporcionar un vestuario para los actores y el coro. La skené se convirtió en una estructura de dos o tres pisos.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalTragedia y comedia

No tenemos más comedias del siglo V a.C. que las de Aristófanes. Hasta 1453, cuando los turcos tomaron Constantinopla y los eruditos escaparon a Italia llevando consigo algunos textos dramáticos, el mundo occidental conoció unas pocas de las obras griegas. Algunas fueron halladas entre otros manuscritos en las ciudades mediterráneas del este. Presumiblemente, el motivo de que ciertas obras de Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes se conservaran en vez de las escritas por autores inferiores, sería porque fueron repuestas más a menudo y porque los manuscritos se copiaron varias veces durante el período helenístico posterior.

Vieja y nueva comedia

Los concursos de comedias empezaron en el año 486 a.C., cincuenta años después de los concursos de tragedia. En sólo algo más de un siglo había desaparecido la Vieja Comedia de Aristófanes y había tomado su lugar la Nueva Comedia de Menandro. La sátira política y estética había cedido a los argumentos cómicos sobre la vida privada. Personajes estereotipados como el viejo avaro y el esclavo astuto reinaron en la escena. Aún usaban máscaras, el coro era simplemente un grupo de ciudadanos cantores que no intervenían tanto.

Los escritores romanos de tragedia sólo tradujeron o adaptaron obras griegas. Pocos escribieron textos originales, que se contentaban con hacerlas leer en privado. El teatro era demasiado vulgar para la gente instruida y distinguida.

Cuando los grandes autores del siglo V desaparecieron y nadie de su estatura ocupó su lugar, el teatro trató de llenar el vacío con el despliegue material y nuevas ingeniosidades en la puesta en escena. El derrumbamiento del Imperio Romano arrastró consigo un teatro que ya había caído en la decadencia. El teatro de Dionisos murió con su Dios, asesinado y destrozado por los enemigos del espíritu eterno. Habría de renacer, como Dionisos, en la primavera del Renacimiento.

Teatro Griego

Orígenes: El ditirambo Dionisos

Si hay una figura clave en el nacimiento del teatro en Grecia, es el dios Dionisos. Hijo de una mortal y de un dios, es la divinidad de la fecundidad, de la vegetación y de la vendimia, lo que le permitirá ser figura estelar en la sociedad agrícola y ganadera de la Grecia primitiva.

Fiestas en honor a Dionisos: el ditirambo

Los griegos celebraban sus fiestas al principio y al final de la siega, piden a los dioses que el campo sea fecundo, y concretamente, lo piden a Dionisos. Una procesión de danzantes dionisíacos que representan a los sátiros - compañeros de Dionisos - pasea por las avenidas de la Grecia primitiva seguida por jóvenes ansiosos de alcanzar el éxtasis dionisíaco (recordemos que Dionisos es también, como dios de la vendimia, dios del vino). En estas fiestas, un carro recorre las calles con la estatua de Dionisos sobre él, mientras los ciudadanos danzan, se disfrazan y se embriagan. En honor a Dionisos, se sacrifica a un carnero cuya sangre fecunda los campos y se danza, danzan los trasgos (estos danzantes representantes de los sátiros, de hecho,

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievaltrasgo significa macho cabrío en griego) y a la vez que bailan salmodian algunos textos: estamos ante el precedente del coro. Mientras el carnero se sacrifica sobre un altar, los trasgos giran alrededor de él con sus salmodias y sus danzas. Esto es el ditirambo, que debió llevarse a cabo en las afueras de cualquier pueblo griego durante las fiestas de la siega, en honor a Dionisos.

En cuanto al texto que salmodiaban los trasgos, lo cierto es que no lo conocemos. Probablemente tenía un estribillo y con el paso del tiempo y la evolución del ditirambo, un elemento llamado ritornello, lanzado como un grito por el coro y respondido por el guía del coro, el exarconte o corifeo, probablemente el primer actor pues ya se trata de un diálogo coro - corifeo.De " trasgos" derivará el término tragedia. Por su parte la comedia, derivará del término "comos" que sería otro tipo de "gritos" lanzados por los danzantes dionisíacos, un tanto "subidos de tono" durante estas fiestas dionisíacas.Sea como fuere, el ditirambo es un precedente del teatro helénico pues ya encontramos la principal característica, lo fundamental del teatro: gente que mira y gente que actúa.A la figura de Dionisos debemos el nacimiento del teatro. Como divinidad de la fecundidad, propició fiestas en su honor, durante la siega en los campos, en las que se desarrolló el denominado "ditirambo", el antecedente más directo del teatro griego.

Evolución hacia el teatroDe lo religioso a lo humano

Sin embargo, el paso más importante aún estaba por darse. El simple canto de loa o de petición a un dios poco tenía que ver con el teatro, aunque sí con la teatralidad. Hacía falta que se "cantase" a un hombre y no a un dios. El rito religioso debía retirarse de la escena para dejar paso al hombre. Ese paso lo dio Grecia. Dionisos era mitad hombre, luego ¿por qué no cantar a un hombre que haya muerto y sea célebre? La naturaleza semihumana de Dionisos permitió a Grecia lo que otras culturas no habían alcanzado, secularizar el ditirambo.

Introducciones al ditirambo

Por otra parte, tal vez, la monotonía de las danzas y de las salmodias llevara a los trasgos a introducir nuevos elementos en el ritual, por ejemplo, algún integrante del coro saldría de él para salmodiar otra cosa ( es el corifeo) y el coro le respondería (el ritornello), poco a poco el ditirambo iría evolucionando hacia el teatro.En un principio un "primer actor" salió del coro para disfrazarse de Dionisos, más tarde se representarían escenas de la vida del dios, y luego y finalmente, de los hombres.

Se afirma que el primero en separarse del coro fue Tespis, el primer hombre de teatro que se conoce. Tespis viajaba con su barco de isla en isla saliendo en cada fiesta dionisíaca del coro para intercalar ritornellos con el coro. Sin embargo Tespis era sólo un cuentacuentos, le faltaba el principal de los elementos del teatro: el diálogo. Tespis no era un personaje, sólo un narrador que intercalaba con el coro. En esta primera etapa, aún no era teatro propiamente dicho lo que se hacía.

El siguiente paso fundamental, y último, sería la incorporación al ditirambo del diálogo, la aparición de un segundo actor. Si Tespis era el protagonista que dialogaba con el coro, el paso siguiente sería un deuteragonista que dialogara con Tespis

El carro de Tespis con el cual viajaba introduciéndose en los coros.

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Y al fin: el teatroGrandes Dionisíacas

Sabemos que hacia el siglo V a.C. se celebraban en primavera unas fiestas llamadas "Grandes Dionisíacas" en honor a Dionisos y en las que había ya representaciones teatrales, especialmente tragedias, y que más tarde fueron incluyendo comedias y dramas satíricos en su repertorio. Las fiestas comenzaban con una especie de procesión en honor al dios en las que un sacerdote montando en un barco y acompañado por flautistas representaba a Dionisos. Hacia el 535 a.C. en las Grandes Dionisíacas, Tespis resulta ganador del certamen dramático.Las fiestas duraban varios días. Previamente la ciudad había escogido a tres o cuatro poetas para que durante estos días representaran sus obras teatrales, generalmente presentaban una tetralogía (tres tragedias - que eran la trilogía - y un drama satírico), y el público decidía, tras ver las obras, cuál de los poetas merecía ser ganador. Posteriormente se fue introduciendo una comedia al final de las fiestas.Cuando Esquilo , el primero de los tres grandes trágicos, llega al teatro, éste ya es una práctica totalmente desarrollada y Esquilo se sirve de un protagonista y de un deuteragonista. Es Esquilo quien lleva este tercer personaje a la obra lo que le procura innumerables y nuevas posibilidades (obsérvese que en las obras de Esquilo nunca hay más de tres personajes juntos en escena).. A pesar de las introducciones de los autores que van llegando, el teatro sigue manteniendo ciertos aspectos del ditirambo que nunca desaparecerán como es el coro o el altar en medio de la orquestra.En cuanto a la escena, podemos ver bien su evolución:Se creará la orquestra, será la base del teatro, allí se sitúa el coro, y aquel altar en el que antaño se sacrificara un carnero en honor de Dionisos, permanecerá de forma simbólica en el centro de la orquestra. El protagonista y el deuteragonista necesitaban de su propio espacio, para ello se creará el proskenion (escenario). Pero en una obra hay más de dos personajes, aunque sólo dos actores, necesitan cambiarse de máscara para caracterizarse, y para ello se construye la skené, una caseta tras el proskenion en la que los actores podían variar su indumentaria para cambiar, a su vez, de personaje. El proskenion está en alto, para ello hay unas escaleras llamadas parador que permiten el acceso del proskenion a la orquestra, de hecho, la primera parte de la tragedia se llama parador, es la bajada del coro, salmodiando, desde el proskenion a la orquestra.

Después de Esquilo, el número de actores se eleva a tres, es decir, aparece el triagonista, y ha de suponerse que alguna vez hubo hasta cuatro actores.

Y he aquí el último escalón de la evolución del espacio físico del teatro griego. En lugares como éste se llevaban a cabo las representaciones en la época clásica.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalBreve esquema cronológico del teatro griego

Fecha (siempre A.C.) Acontecimientos teatralesAcontecimientos Históricos

S. VII Arión compone Himnos al Macho Cabrío

550 aprox. Tespis organiza ditirambosS.VI a.c. Epígenes, Susarión...

534Primera Grandes Dionisíacas en Atenas. Se representan tragedias

525 Nace Esquilo

497 Nace Sófocles480. Saqueo de Atenas por los Persas

487Primera comedia en Atenas, en las Grandes Dionisíacas

484Primer victoria de Esquilo. Aproximadamente nace Eurípides.

472"Los Persas" de Esquilo ganan el concurso.

468Primera victoria de Sófocles sobre Esquilo.

467 "Los Siete contra Tebas" de Esquilo.

463 "Las Suplicantes" de Esquilo

458 "La Orestíada" de Esquilo.461. Guerra entre Esparta y Grecia

456 Muere Esquilo

455 Primera obra de Eurípides451. Acaba la Guerra entre Esparta y Grecia.

445 aprox. Nace Aristófanes447. Se empieza a construir el Partenón

431 "Medea" de Eurípides 430. Peste de Atenas

425"Los Acarnienses" de Aristófanes y "Edipo rey" de Sófocles.

424 "Los caballeros" de Aristófanes

423"Las nubes" de Aristófanes. aprox."La botella de vino" de Cratino de Atenas

422 "Las avispas" de Aristófanes421 "La paz" de Aristófanes

415"Las troyanas" de Eurípides. aprox. "Los persas" de Timoteo de Mileto.

411 "Lisístrata" de Aristófanes408 "Orestes" de Eurípides Se funda la República de

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Roma406 Mueren Eurípides y Sófocles

405"Las ranas" de Aristófanes. Se representan "Las bacantes" de Eurípides

401Se representa "Edipo en Colono" de Sófocles

400 aprox. Aparecen los primeros teatros de piedra 396. Nace Platón

388 "Pluto" de Aristófanes387 aprox. Muere Aristófanes

358Se empieza a construir el teatro de Epidauros

356. Nace Alejandro Magno

342 aprox. Nace Menandro344 aprox. Aristóteles escribe la "Poética" 347. Muere Platón316 "El misántropo" de Menandro293 Muere Menandro

ESQUILO

Nacido en Eleusis en 525 a.C., Esquilo participó desde muy joven en los concursos de poetas trágicos. En el año 484 consiguió el primer premio de su gloriosa carrera, sólo frenada por la llegada del joven y nuevo valor: Sófocles. Murió en Gela en 455 después de una vida de fama y gloria literaria. Su tumba se convertiría en lugar de peregrinación para muchos poetas.En primer lugar, ha de tenerse en cuenta que los dramaturgos griegos presentaban a concurso cuatro obras, una tetralogía (3 tragedias - que eran una trilogía sobre el mismo tema - y un drama satírico) las cuales mantenían una cierta unidad argumentativa. Sin embargo, de Esquilo sólo nos ha llegado una trilogía completa, la Orestíada.Esquilo escribió un número de tragedias que oscila entre 60 y 90, lamentablemente sólo nos han llegado siete de ellas. Los persas, Los siete contra Tebas , Las suplicantes , Orestíada ( Agamenón, Coéforos, Euménides) , Prometeo encadenado

Obras de ESQUILO

Los persas (Πέρσαι)La acción de "Los Persas" tiene lugar en Susa, capital del Imperio Persa. Allí, la reina Atosa, viuda del rey Darío se preocupa por la suerte que puedan correr su hijo Jerjes y sus tropas pues se encuentran en línea de batalla y Atosa ha tenido un sueño que presagiaba desgracias. Un mensajero trae funestas noticias para Persia: los griegos han vencido en Salamina. Aparece entonces la sombra del rey Darío, esposo de Atosa que predice nuevas desgracias para el pueblo persa. Más tarde aparece Jerjes, el derrotado en Salamina, lamentando su derrota.Esta obra, que anda desligada del tema mitológico o legendario, narra un acontecimiento histórico en el que el mismo Esquilo llegó a participar: la batalla de Salamina. Pero lo relata desde el punto de vista de los vencidos que, ya sin ánimo de venganza, fatigados y entristecidos, se impresionan ante el patriotismo mostrado por Grecia. Los dioses no aparecen, pero observan los acontecimientos.

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Los siete contra Tebas (επτά επί Θηβας)El ejército de Argos ( en el que milita Polinices, hijo de Edipo e Yocasta) cerca la ciudad de Tebas, gobernada injustamente por el hermano de Polinices: Etéocles. Un mensajero informa al gobernante de Tebas que la ciudad es asediada por siete capitanes cada uno de los cuales está situada en una de las siete puertas de la ciudad. Etéocles dispone otros 7 capitanes de Tebas para salvaguardar la ciudad. Los dos hermanos, militantes de bandos contrarios, se enfrentarán en la séptima puerta dándose muerte mutuamente.Los magistrados de Tebas decidirán no dar honras fúnebres al cadáver de Polinices por haber luchando contra su patria y dejar su cadáver a la intemperie para que sea devorado por las aves. Pero Antígona, también hija de Edipo e Yocasta y hermana de Polinices y Etéocles, se pronunciará contra esta decisión de los magistrados.Etéocles se alza como el defensor de la patria. Cuando se dirige a luchar contra su hermano, Etéocles es consciente de la desgracia que se le avecina, pero acepta su sino ya que nada se puede hacer contra el designio divino, es por esto que a Etéocles se le ha considerado el personaje más logrado del teatro griego, en su grandeza.Polinices, por el contrario, se alza como el traidor, a pesar de lo cual su hermana, Antígona, pretenderá enterrar a su hermano dignamente.

Las suplicantes (Ικέτιδες)Huyendo de los hijos de Egipto, rey de Egipto, las suplicantes o danaides (hijas de Dánao), llegan a Argos en busca de la protección de la ciudad. Llegan acompañadas por su padre, Dánao, y ruegan y suplican a los dioses que hundan las naves de los hijos de Egipto que andan persiguiéndolas: prefieren la muerte al matrimonio. El rey de Argos decide concederles la protección solicitada, cuando desembarcan los perseguidores de las danaides. El rey de Argos mantiene su protección a pesar de la llegada de los hijos de Egipto, y las suplicantes entonan un himno de gratitud.El hecho de que la acción de esta obra sea tan lenta y leve nos hace suponer que mantendría algún tipo de "simbología" en el concepto general de la trilogía presentada por Esquilo al concurso. Probablemente la última obra de esta trilogía (no conservada) trataría de una de las danaides en concreto, Hipermestra, única entre ellas que no siguió el consejo materno de asesinar al esposo en el lecho conyugal y la cual es alabada por Esquilo

La Orestíada ( Ορέστεια)Es la única de las trilogías de Esquilo que ha llegado completa a la actualidad, comprende:

Agamenón (Αγαμέμνων)Un vigía, y más tarde un mensajero, anuncia que Agamenón, jefe de las fuerzas griegas, vuelve a Argos, su patria, después de haber vencido en la guerra de Troya. Clitemnestra, su esposa, aguarda no muy felizmente la llegada del marido, ya que jamás le perdonó que sacrificara a su hija Ifigenia, y durante la ausencia de Agamenón ha mantenido relaciones con el rey Egisto. Cuando Agamenón llega a Argos, trae consigo a Cassandra, profetisa joven y doncella, hija de Príamo, el rey de la vencida Troya, condenada a ser su esclava. Clitemnestra, sumida en el odio por su marido y los celos por Cassandra, acaba asesinando a ambos y reinando con Egisto en Argos.El "Agamenón" es una obra de gran tensión dramática, esta tensión se mantiene siempre. Al final de la obra, una altiva Clitemnestra, aún cuchillo en mano, se ennoblece de haber llevado a cabo la venganza del sacrificio de su hija lo cual jamás perdonó al esposo. Aparecerá en esos momentos el nombre de Orestes, el hijo de Clitemnestra y Agamenón, para enlazar esta obra con la siguiente.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalLas coéforos (Χοηφόροι)Seis años después de lo acaecido en la tragedia "Agamenón", Orestes vuelve a Argos (marchó de allí tras el asesinato de su padre a manos de su madre Clitemnestra) para tomar venganza pues un mandato del dios Apolo le obliga a ello. Electra y Orestes, ambos hermanos, se reconocen y deciden tramar un plan para el asesinato de la madre y vengar así al padre Agamenón. Orestes se introduce en el palacio fingiendo ser un profeta que viene a anunciar su propia muerte a Electra. Una vez en el palacio mata a Egisto y a su madre. Un coro de mujeres ofrece honras fúnebres al sepulcro de Agamenón, son las coéforos.Mientras la figura de una Clitemnestra altiva y justiciera, vengadora de la muerte de la hija se nos presenta en la primera tragedia, en ésta segunda Clitemnestra es presentada como indigna y malvada. Orestes, que cometerá un crimen no peor que el que cometiera su madre, es visto con ojos compasivos y comprensivos y, aunque previo a la realización de los asesinatos, Orestes duda, lo cierto es que acaba convenciéndose de ejecutar el asesinato cuya justificación es el amor a un padre asesinado y traicionado.

Las euménides (Ευμενίδες)Las erinias, castigadoras de los criminales, persiguen a Orestes que se ha refugiado en el templo de Apolo en Delfos. El dios ha aconsejado a Orestes que marche a Atenas, donde será juzgado justamente. Al llegar a Atenas, la diosa Atenea le dice que ha de ser juzgado por jueces atenienses, y así ocurre. Los jueces determinan que tan horrorosos son los crímenes de Orestes como los que cometiera su madre, Clitemnestra, por lo que Orestes es absuelto. Atenea, una vez celebrado el juicio, aplaca la furia de las erinias que se convierten en seres buenos llamados euménides.Se trata de una obra que vino a recordar al público griego que las diferencias entre ellos y los espartanos debían atajarse de una forma humana, que los hechos acaecidos en el pasado debían juzgarse sabiamente y alcanzar una buena solución.La Orestíada (que significa "las cosas de Orestes", su personaje principal) viene a ser la concatenación de los crímenes de una familia, los Atridas, sujetos al destino, al hado o fatum funesto. El coro tiene momentos de lirismo perfecto, y los diálogos son tensos y majestuosos.

Prometeo encadenado (Προμηθεύς δεσμώτης)

Tras haber arrebatado el fuego a los dioses y haberlo entregado a los hombres, Prometeo es encadenado, por mandato de Zeus, en un peñasco abandonado, cercano al mar. Prometeo lamenta su suerte cuando aparecen las ninfas oceánides y el propio Océano para aconsejarle que acate el castigo de Zeus. Más tarde aparece Ío, hija de Ínaco y Prometeo le desvela un secreto: nacerá un día Heracles (Hércules), familiar lejano de Ío y héroe destinado a salvar a Prometeo de su condena. Zeus quiere enterarse de este secreto y para ello enviará Hermes, sin embargo Prometeo jamás revelará el secreto al dios alado. Zeus entonces envía su furia y el peñasco donde estaba Prometeo se resquebraja, dejando caer a Prometeo en el vacío.Estamos en mito alejado de los hombres, sólo se trata de dioses y divinidades, no hay pasión humana, lo que resulta, ciertamente, desconcertante. Ya que los personajes son de una naturaleza mucho más superior a la humana, el lenguaje de éstos es mucho más elevado y solemne. Sin embargo, la humanidad está "implícita" y parece acongojarse con Prometeo por ser la causa de su condena Prometeo, la divinidad que tanto hizo por ella, de ahí la gran humanidad de esta tragedia.

SÓFOCLES

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalNació en Colono en el año 497 a.C. Su vida fue la de una carrera celebrada por constantes triunfos en el teatro, a los 28 años de edad venció a Esquilo en un concurso y se dice que esto afectó tanto al trágico Esquilo que se retiró a Gela donde poco después moriría.Participó activamente en la vida social de la Atenas de Pericles, fue joven atleta en su juventud y honrado anciano en la senectud, llegaría a ser gobernante de Atenas y mando del ejército en Samos. Se casó y tuvo hijos y mantuvo relaciones extramaritales de diversa índole. Murió en 406.De las ciento veinte o ciento treinta obras que debió escribir y representar Sófocles en la Atenas de Pericles, sólo siete nos han llegado. Sin más reparo, veámoslas:

Áyax, Antígona, Las traquinias, Edipo rey, Edipo en Colono

Áyax (Ayante) (Άιας)En Troya, en el bando griego, una vez muerto Aquileo (Aquiles), Ayante, gran guerrero e hijo de Telamón, se cree valedor de la herencia de las armas de Aquileo (Aquiles). Sin embargo las armas le son adjudicadas a Odiseo (Ulises), y Ayente, creyéndose desposeído, es víctima de constantes arrebatos de locura en los que mata animales creyendo que son Odiseo (Ulises) o los Atridas Agamenón y Menelao, quienes han cedido las armas a Odiseo (Ulises). Hay intentos de inducirle a la razón, pero Ayante se suicida. Menelao opta por prohibir que se le den honras fúnebres, pero finalmente Teucro se las dará.El gran temor de los troyanos tras la muerte de Aquileo (Aquiles) es Ayante, un gran guerrero. Por lógica, Ayente considera que serán suyas las armas del difunto Aquiles, pero en un juicio, los Atridas deciden darlas a Odiseo por lo cual, enfurecido y colérico, Ayante enloquece. Esta locura le lleva a asesinar corderos y carneros creyendo que son sus enemigos, es la ingeniosa locura del Quijote, de Orlando, que no entra en razón y cuando lo hace decide suicidarse. La muerte no supone el final de la tragedia, sino que Ayente sigue siendo protagonista aún muerto cuando Teucro se increpa con Menelao por dar honras fúnebres al desposeído y grandioso Ayante. Es la tragedia del héroe viril y militar frente al ingenioso y audaz Odiseo, este contraste supone un gran dramatismo.

Antígona (Αντιγόνη)

Muertos los dos hermanos de Antígona e hijos de Edipo, Etéocles y Polinices, el rey Creonte, tío de ambos hermanos, publica un decreto por el cual se prohíbe dar honras fúnebres a Polinices por haber muerto luchando contra su patria. Antígona no puede permitir que su hermano sea abandona como pasto para los buitres y decide enterrar a su hermano siendo consciente del castigo que por ello le espera. Da honras fúnebres a su hermano y Creonte la condena a ser encerrada en una tumba hasta que muera, pero ella se ahorca y más tarde y junto a ella, se suicida Hemón, amante de Antígona e hijo de Creonte. La obra termina con el parlamento de arrepentimiento de Creonte.Antígona es un enfrentamiento de gran dramatismo constante entre dos personajes: Antígona y Creonte. Una es defensora de la ley natural, amante de su hermano al que debe dar honras fúnebres; el otro es defensor de las leyes de la ciudad que, desobedecidas, debe suponer el castigo al que las ha desobedecido. Antígona sufre un gran conflicto consigo misma, pues es consciente de lo que le acarreará desobedecer las leyes de los hombres, sin embargo, la ley natural y el amor fraternal, será más fuerte, siendo Antígona un personaje verdaderamente noble y dramático. Cuando Antígona se ahorca y con ella el hijo de Creonte, Hemón, Creonte se arrepiente de haber sido tan inflexible y comprende la diferencia entre unas leyes y otras.

Las traquinias (Τραχίνιαι)

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Después de muchos años fuera de su casa, Heracles (Hércules) regresa a su casa. Su esposa Deyanira se entera de que Heracles (Hércules) va a casarse con la joven Yole y presa de celos, decide enviar a su esposo la túnica del centauro Neso, creyendo que al ponérsela, Heracles enloquecerá de amor por ella y ya no deseará a otra mujer. Pero Deyanira está equivocada y no sabe que los poderes de la túnica son otros, así que cuando Heracles (Hércules) se la coloca, sufre grandes males y dolores y maldice a su esposa Deyanira sin escuchar al hijo de ambos, Hilo, que intenta a explicar al padre la intención benigna de la madre. Deyanira se suicida y poco después muere Heracles.Ya cincuentona y pasada su juvenil belleza, Deyanira intenta retener a su lado a su esposo. Sin embargo su falta de inteligencia le llevará a entregar a Heracles la túnica del centauro Neso creyendo que va untada en un filtro de amor cuando en verdad aniquila a quien se la coloca. Hilo, hijo de ambos, se encuentra en la difícil posición de hacer comprender al padre el error de la madre y las buenas intenciones de ésta, sin embargo, ya nada es posible e iracundo, Heracles maldice a Deyanira y se queja de dolores espantosos. El tema de esta tragedia no es de la grandeza de otras tragedias de Sófocles, sino que es el tema menor de los celos femeninos que tienen como consecuencia un fatal error. Los parlamentos de Deyanira carecen de majestuosidad, pero es lo justo para una mujer falta de inteligencia que carece de grandeza trágica y acarrea la muerte del gran héroe

Edipo rey (Οιδίπους τιράννος)

La peste asola la ciudad de Tebas en la que reina el rey Edipo. Un oráculo advierte que sólo castigando al asesino del antiguo rey, Layo, la peste cesará en su azote de la ciudad. El buen rey Edipo se dispone a investigar quién fue el asesino de Layo. Las pesquisas llegan a una trágica conclusión: ¡El asesino de Layo fue el mismo Edipo! Y aunque Edipo no sabía a quién mataba, el caso es que lo hizo. Pero las indagaciones dan más de sí, Edipo, además, también era hijo de Layo, aunque no lo sabía, y al acceder al trono se había casado con la viuda de éste, Yocasta, y había tenido hijos con ella, luego Edipo se había casado con su madre, tenido hijos con ella y asesinado a su padre. Tras saberse parricida e incestuoso, Edipo se arranca los ojos e Yocasta se suicida. Tras despedirse de sus hijos parte al destierro de la ciudad de Tebas.Aunque el conflicto trágico de Edipo nace de desobediencias del pasado, es él quien las sufre. Pero Sófocles acierta en una cosa, en mostrarnos a un Edipo bueno, un hombre justo y amante de su familia y de su reino, una buena persona. Edipo era feliz en su ignorancia, hasta que la circunstancia de la peste sobre Tebas y la advertencia del oráculo, llevarán al conocimiento de la verdad. Habiendo sido un hombre feliz, ahora, Edipo, no es más que un parricida incestuoso que no puede soportarse ni a sí mismo y que por ello se arranca los ojos y grita desmesurado por la tristeza de su propia verdad y el destino de sus hijos, sus propios hijos y a la vez sus propios hermanos. Sófocles se enfrenta a las leyes mismas de la naturaleza abordando este asunto: Edipo ha infringido todas y cada una de estas leyes pero, pero él no era consciente. Aún así, está claro que su delito es más que monstruoso y el simple acometimiento del mismo, voluntario o no, ha de ser castigado, para Edipo ya no existe solución humana posible, no existe solución alguna. La fuerza dramática de la tragedia reside en el contraste, increíble y maravilloso, del buen hombre Edipo, del justo Edipo, el más monstruoso de los criminales. Edipo, protagonista absoluto de la tragedia, jamás abandona la escena salvo cuando marcha a arrancar sus ojos que no merecen ya más ver la luz del sol. Pero no sólo Edipo está presente en la escena, sino que sobresale sobre todos los personajes, por sus increíbles parlamentos y por su enorme fuerza dramática.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEdipo en Colono (Οιδίπους επί Κολονω)

Edipo, ya viejo y ciego, llega a la ciudad de Colono guiado por sus dos hijas, Antígona e Ismene. En Colono el rey Teseo les recibe amigablemente y ofrece su ayuda a Edipo, cuando llega la noticia de la guerra entre los dos hermanos Etéocles y Polinices por la ciudad de Tebas. Ambos son hijos de Edipo. Un oráculo ha anunciado que conseguirá la victoria aquél hacia el cual se incline la razón de Edipo y es por esto que hasta Colono viajan Creonte, defensor de Etéocles, y Polinices. Edipo maldice a ambos hijos, que le habían desterrado de Tebas, y es protegido por Teseo. Poco después muere.Ésta es la última tragedia que escribiera Sófocles a la edad de noventa y cuatro años, la estrenaría su nieto años más tarde. La tragedia consiste en un episodio del ciclo tebano inserto entre la acción desarrollada en Edipo rey y la desarrollada en Antígona. Supone un excelente episodio sobre la guerra dialéctica y las intenciones de Creonte (defensor de Etéocles) y Polinices. En mano de Edipo está el decantarse por alguno de sus hijos, sin embargo, optará por ninguno, y los maldecirá a ambos. En un momento de la tragedia, cuando Polinices ruega a su padre Edipo, éste le maldice y Antígona escucha tal parlamento, lo que hace pensar en la posterior heroicidad de Antígona al querer dar sepultura a su hermano. En Edipo en Colono, la vejez es un tema constante - recuérdese que Sófocles ya tenía 94 años - y además aparecen todos y cada uno de los sufrimientos: la discordia, la muerte, la guerra, la vejez el destierro... pero todos ellos se agrupan en uno solo: la vejez de Edipo. Es una obra de especial perfección, de ritmo intenso, de lirismo radiante, de parlamentos increíbles, de acción constante. Cabría mencionar el elogio de Colono, pues fue ésta la ciudad natal del poeta Sófocles.

EURÍPIDES

Eurípides debió nacer entre los años 484 - 480 en Salamina. Fue hijo de un comerciante acomodado y de una mujer noble, aunque muchos comediógrafos, al burlarse de él, pregonaran que su madre fue verdulera. Poco se sabe de él, pasó la mayor parte de su vida escribiendo teatro, lejos de todo cargo político. Fue contemporáneo de Sófocles, y muy niño como para conocer a Esquilo. Murió en 406 a.C. en la corte de Arquelao en Pela de Macedonia. Sófocles honró su muerte dirigiendo vestido de luto los coros de Atenas. En su tumba pueden leerse estos versos: "Tumba de Eurípides es Grecia entera; sus huesos guarda la tierra de Macedonia, en la cual recibió el fin de su vida. Su patria fue Atenas, Hélade de Hélade. Después de que mucho a las Musas sirvió, de muchos también la alabanza disfruta"Eurípides debió escribir cerca de 75 tragedias, de algunas de ellas tenemos noticia de sus títulos e incluso de algunos fragmentos, pero el hecho es que sólo se han conservado 18 de las que podemos clamar la autoría por parte de Eurípdies. Estas obras son:Alcestis - Medea - Hipólito - Hécuba - Las troyanas - Electra - Orestes - Ifigenia en Táuride

- Ifigenia en Áulide - Las bacantes - Otras obras

Alcestis (Άλκηστις)

Apolo había dicho a Admeto que en el momento en que fuera a morir, podría impedirlo si otra persona se ofrecía a morir por él, es su esposa Alcestis esta persona. Cuando Admeto va a morir, Alcestis, triste pero dispuesta al sacrificio, se despide la sus hijos y de la vida, y muere. Admeto va entonces al Palacio de Heracles (Hércules) y le cuenta lo sucedido. Heracles comprende todo y viaja hasta el infierno para enfrentarse a Tánatos (Thánatos, la Muerte) y consigue que Alcestis sea devuelta a la vida, y a su marido, Admeto.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEn esta obra debería destacarse el contraste existente entre Admeto, el rey de Tesalia, y su esposa Alcestis ya que, ella, entre heroicidad y razocinio se opone al marido siempre dubitativo como bien demuestra en las conversaciones con su padre que llega a decirle que buen remedio ha hallado para no morir si convence a la mujer para que lo haga por él. Pero de pronto aparece Heracles (Hércules) para solucionar el problema y rescatar a Alcestis después de debatir con la Muerte (Thánatos).

Medea (Μήδεια)

Jasón, esposo de Medea y padre de sus hijos, va a repudiarla y a casarse con la hija de Creonte, rey de Corinto. Medea, enfurecida, colérica y clamando de venganza más tarde, clama ruegos y amenazas al insensible Jasón. Una vez que se da cuenta Medea de que nada puede hacer, planea y ejecuta su venganza a pesar de que Jasón ha tratado de convencerla diciéndole que lo hace por su propio bien, ya que se encuentran en tierra extraña y casarse con la hija del rey es la mejor solución pues aportará grandeza a los hijos que tienen ambos: Medea y Jasón. Pero Medea se venga, simula haber sido convencida por Jasón y envía a sus hijos con ricos regalos para la novia al palacio de Creonte. Pero esos regalos tienen un conjuro: quien los vista o toque morirá, y asá sucede: mueren Creonte y su hija. Pero Medea va más allá y para engrandecer la desgracia de Jasón, mata a los hijos de éste, que son los suyos propios.Es, seguramente, la obra maestra de Eurípides. Medea es la mujer enfurecida por el repudio del marido que trama un crimen para vengarse. Jasón, por su parte, es la figura del hombre insensible, aberrante y oportunista que, ante las recriminaciones justificadas de Medea, sólo sabe engañarla con demagogia. Es, por otra parte, la primera obra en la que una figura femenina alcanza tal grandiosidad y magnanimidad, sin embargo, la obra no gustó, y se tuvo que conformar con el tercer premio del certamen al que fue presentada.

Hipólito (Ιππόλυτος)

Hipólito es un joven que repudia el amor, vive dedicado a la caza, sin embargo, suscita una gran pasión en su madrastra, Fedra. Hipólito, gracias a que lo dice una criada, se entera del amor de su madrastra hacia él y se muestra insultante con ella. Fedra, rechazada, se ahorca, pero antes de morir escribirá que Hipólito ha deshonrado a su padre, Teseo, manteniendo relaciones con ella. Teseo, enfurecido, no cree las explicaciones de su hijo y lo echa de casa, entonces Hipólito cae bajo las ruedas del carro que lo llevaba y queda gravemente herido. Aparece la diosa Artemis (Diana) quien cuenta a Teseo la verdad. Llevan a Hipólito a su hogar y muere a brazos de su padre, pues hallábase profundamente herido.Esta obra presenta el problema de la exacerbada pasión humana, que consigue magnificarse con la oposición Hipólito / Fedra: uno es casto y seguidor de Diana, la otra es fervorosa y libidinosa. También es el contraste entre el deber y el placer en que de nuevo se oponen Fedra (placer) e Hipólito (apelando a la virtud y al honor de su padre). Es el cuadro de una mujer que se venga de un amor que no le corresponde, aunque el público ateniense mejor lo viera como la pugna entre Artemis y Afrodita.

Hécuba ( Εκάβη)

Vencida Troya, los troyanos son prisioneros de los griegos, incluida Hécuba, la viuda del rey Príamo de Troya. Hécuba conoce la noticia de su hija va a ser sacrificada en el túmulo de Aquileo y además, le traen el cadáver de su hijo, aún niño, que ha sido asesinado. Intenta hablar con Odiseo (Ulises) y con Agamenón, pero nada consigue. Finalmente se le

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalvaticina su futuro: que morirá convertida en la perra de Agamenón y de su hija Cassandra y que ambos morirán a manos de Clitemnestra.Aquí Eurípides se conmociona con la situación de los vencidos en la guerra de Troya, y a la vez critica la mano cruel de los vencedores. Es una tragedia sanguinaria en la que destacan las intervenciones de Odiseo (Ulises) y Agamenón y los lamentos de Hécuba. Todas las desgracias futuras aumentan el infortunio de la anciana viuda de Príamo que, a pesar de tramar venganza por la muerte del hijo a manos de Polidoro, nada consigue. Todo esto es una historia plenamente humana, no aparecen los dioses.

Las Troyanas (Τρωιάδες)

Continúa Eurípides con la anciana Hécuba como protagonista. Esta vez se trata del triste tema de las mujeres troyanas que, una vez perdida la guerra, se ven como esclavas en manos de los griegos. Destaca un paramento de Helena justificándose cuando se reencuentra con su marido Menelao, y otro episodio en que se nos muestra un Odiseo (Ulises) cruel, que manda matar al hijo de Héctor y a Andrómaca.No cabe duda de que la finalidad de esta tragedia es mostrar la crueldad de los vencedores en la Guerra de Troya (los griegos) y la triste suerte - la esclavitud - de los vencidos.

Electra (Ηλέκτρα)

Después que Clitemnestra asesine a su marido Agamenón, entrega a su hija Electra a un campesino para evitar que tenga descendencia noble que quiera vengar el crimen. Electra pues vive en en el campo, pero no mantiene relaciones con su esposo, un hombre honrado. Orestes (hermano de Electra) llega a la casa de Electra acompañado por su hermano Pílades y cuando al fin los hermanos se reconocen, planean la venganza sobre la madre y el nuevo marido de ésta: Egisto. Orestes siente remordimientos, pero su crimen es expiado.Eurípides trata de dar lógica a un tema ya desarrollado por Esquilo y por Sófocles. Este intento de hacer lógica la tragedia se lleva a cabo mediante la no aparición de los dioses. Electra mata ella misma a su madre, Clitemnestra, en un episodio de gran fuerza y dramatismo. Pero más tarde, Orestes y Electra se dan cuenta de la magnitud de su crimen y pesa sobre ellos el sentimiento de culpa, aunque no llegan a arrepentirse. Se nos anuncia al final la expiación del crimen. Esta es una tragedia de dolor y sufrimiento y de importante conflicto moral: es justo que Clitemnestra expíe su crimen con la muerte, pero aún así, eso no explica el matricidio.

Orestes (Ορεστης)

Después de matar a su madre Clitemnestra, Orestes es víctima de la persecución de las erinias que persiguen a los criminales. La locura le acecha y su hermana Electra le ayuda. En Argos el ágora se ha reunido para juzgar a los dos hermanos cuando llega Menelao (hermano de Agamenón) y su esposa Helena de Troya, también llega el padre de Clitemnestra y de Helena: Tindáreo que pretende se castigue a los asesinos de su hija. El ágora ha decidido condenar a muerte a los hermano por el asesinato de la madre, pero entonces, Pílades, el gran amigo de Orestes, consigue desviar el tema para que se juzgue a Helena, la culpable de la guerra de Troya y, en consecuencia, de todas las calamidades posteriores. Orestes y Pílades asaltan el palacio de Menelao y de Helena y secuestran a su hija Hermíone, Helena logra escapar de la persecución. Más tarde, Apolo explica que Helena ha sido salvada y colocada entre las divinidades y explica que Menelao ha de interceder ante el ágora para que su sobrino Orestes no sea condenado, y que después

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalde ir a Atenas a purificarse, ha de casarse con su prima Hermíone (la hija de Helena y Menelao), y que Electra se case con Pílades.Sin duda alguna, la acción de esta tragedia es consecución de la anterior. en un primer momento se nos presenta a Orestes castigado por su propia conciencia pues sabe que ha cometido un crimen terrible al asesinar a su madre. Se nos muestra la culpabilidad y el remordimiento de la conciencia de forma magistral. Cuando llega la noticia de que los ciudadanos han condenado a Orestes y a Electra y parece que ya nada se puede hacer, aparece Pílades que, casi como un "deus ex machina" propone la idea de juzgar a Helena, desviando el tema sabiamente, y entonces desaparece la idea en Orestes de la culpabilidad y torna a una febril venganza sobre Helena. Cuando pretenden matar a Helena, aparece el deus ex machina Apolo para salvar la situación de forma pacífica, e incluso propone una explicación muy moderna de la guerra de Troya: fue una solución demográfica para un pueblo que ya era muy numeroso.

Ifigenia en Táuride (Ιφιγένεια ηεν Ταυρίδι)

Después de ser salvada por Ártemis (Diana) justo en el momento en que su padre, Agamenón, iba a sacrificarla, Ifigenia es sacerdotisa del templo de Ártemis en Táuride, lugar en el que la misma diosa la ha colocado. En las inmediaciones del palacio reina el bárbaro Toante que obliga a Ifigenia a inmolar a todo el griego que se acercara al lugar. Orestes, hermano de Ifigenia, llega entonces a la Táuride ya que un oráculo le ha dicho que la única manera de salvarse de las erinias es devolviendo la estatua de Ártemis a la Ática. La estatua se encuentra en el templo donde es sacerdotisa Ifigenia. El rey de Táuride al ver a Orestes ( que llega acompañado por su inseparable Pílades) obliga a Ifigenia a inmolarle. Los dos hermanos aún no se han reconocido como tal y en un momento dado, Orestes narra a Ifigenia todas las desgracias acaecidas en la familia. Cuando al fin los dos hermanos se han reconocido, huyen de Táuride camino a Argos con la estatua de Ártemis, y esta misma diosa será la que les proteja en su huida.Aunque resulte un poco extraño, esta obra no plantea ningún conflicto moral o psicológico serio, en realidad es sólo una tragedia de acción y peripecias en la que gracias al ingenio y audacia de los tres (Ifigenia, Orestes y Pílades) logran escapar del rey de la Táuride.

Ifigenia en Áulide (Ιφιγένεια η εν Αυλίδι)

Las tropas griegas, comandadas por Agamenón, han quedado inmovilizadas en la costa de la Áulide cuando pretendían llegar a Troya. El adivino Calcante explica que tal inmovilidad se debe a que Agamenón había prometido un sacrificio a la diosa Ártemis (Diana) y las naves no podrán continuar su camino hasta que Agamenón sacrifique a su hija Ifigenia. En un primer momento Agamenón se niega, pero más tarde y después de la intervención de Menelao (el más interesado en que se lleve a cabo la campaña de Troya) que le convence, Agamenón hace llamar a su hija. Ifigenia llega acompañada de su madre Clitemnestra y de su hermano Orestes, aún niño. Ambas, la madre y la hija, llegan convencidas de que se va a anunciar el compromiso entre Ifigenia y Aquileo (Aquiles). Cuando se descubren las verdaderas intenciones de Agamenón, se produce un conflicto. Ifigenia en un primer momento se niega, pero cuando es consciente de lo inevitable de su muerte, se presta al sacrificio en un alarde de patriotismo para ayudar a su pueblo. Cuando Agamenón va a clavar su cuchillo sobre Ifigenia, la diosa Ártemis se la lleva y en su lugar coloca una cierva.Esta tragedia, capítulo anterior a la de "Ifigenia en Táuride" es una de las mejores obras de Eurípides. Ifigenia muestra un patriotismo admirable cuando decide que sólo su muerte podrá llevar la gloria a los griegos, y se presta a ser sacrificada. Pero la figura más interesante es la de Clitemnestra. Eurípides que, durante toda su vida se había esforzado por dar una imagen de Clitemnestra sanguinaria, vil, mezquina, malvada y maquiavélica,

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalla hace aparecer ahora como una madre lógicamente en contra del sacrificio de su hija, una madre preocupada y humana. También se esfuerza Eurípides por mostrar a un Menelao mezquino al que poco le importa la muerte de su sobrina si se lleva a cabo la campaña de Troya (recordemos que Menelao es el marido de Helena que, fugada con Paris a Troya, desencadena la guerra). De fondo, resuena la grandiosidad del héroe, de Aquileo (Aquiles.)

Las bacantes (Βάκχαι)

En Tebas, donde reina Penteo, se ha impuesto el culto a Dionisos. El rey está preocupado porque las mujeres (entre ellas Ágave, su propia madre) se han entregado al culto y al éxtasis orgiástico de las fiestas, y decide que ha de poner solución. Como no puede luchar contra el dios Dionisos, decide disfrazarse para espiar a las mujeres. Cuando estas se dan cuenta y lo descubren, comienzan a desgarrar sus miembros y literalmente lo descuartizan. La madre de Penteo, Ágave, participa del horrible crimen, pero no se da cuenta de que es su hijo, aunque él sí. Cuando Ágave es consciente se lamenta de lo sucedido, Dionisos aparece para arreglarlo todo, pero el final de esta tragedia no se ha conservado.Ésta es una tragedia intrigante en la que Eurípides muestra la locura de una época de creencias misteriosas y esotéricas. Pero es más que eso, es la contraposición entre Penteo - la razón, el orden, la política - contra la histeria masiva que impone Dionisos - el caos -.

Otras obras de Eurípides: Las fenicias (γοινίσσαι) : sobre la leyenda tebana que narra los inicios de las discordias entre Etéocles y Polinices (hijos de Edipo).Los heraclidas (Ηρακλειδαι) Las suplicantes ( Ικέτιδες) Helena (Ελένη): donde existen notas que hacen pensar en la comedia.Ión (Ίων): donde aparece un mito poco conocido, tal vez inventado por el autor. Reso ( Ρησος): pone en escena un episodio de la Ilíada, pero no se tiene seguridad de que esta tragedia fuera escrita por Eurípides, tal vez sea de un imitador suyo tardío.

Los cómico griegosARISTÓFANES

Aristófanes es el comediógrafo crítico y ateo al que poco le importa que algunas de sus obras sean una desmitificación que raya en lo sacrílego o una dura crítica ora a los sofistas, ora al poder y a la guerra, por lo que llegó a ser el punto de mira de la indignación de algunos personajes de su época. Poco se sabe de él, debió nacer en 445 a.C. y morir poco después de 387 a.C. Fue contemporáneo de las tragedias de Sófocles y Eurípides

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Los acarnienses Los caballeros Las nubes Las avispas La paz Las aves Las ranas

La asamblea de las mujeres Pluto Actitud de Aristófanes

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Los acarnienses (Αχαρνής)

Diceópolis, como tantos otros campesinos, se ha refugiado en Atenas, huyendo de la larga guerra del Peloponeso. Harto de la incompetencia de los políticos y de lo que la guerra le supone, Diceópolis pacta con Esparta, la potencia enemiga, una tregua de treinta años que sólo le incluye a él. Pero los acarnienses, habitantes de Acarnes, donde se ha refugiado Diceópolis, envidiosos de su tregua, atacan al refugiado. Entonces Diceópolis va a pedir justicia a los atenienses que tienen fama de apoyar siempre al más pobre y miserable. Ve a Eurípides que le da las ropas de los héroes más pobres de sus tragedias y es así como, entre vestimenta y oratoria, convence a los atenienses para que le apoyen. Y así vive Diceópolis, en paz y prosperidad mientras el resto de Grecia no.Contrastando con Diceópolis aparece Lámaco, un soldado fanfarrón al que la guerra dejará muy mal parado, mientras que Diceópolis gozará de las riquezas y de la paz. Diceópolis vendría a significar en griego "el que hace justicia a la ciudad". Cabría mencionar la visita que hace Diceópolis al dramaturgo Eurípides para pedirle prendas andrajosas. Ante todo, es una demanda por parte de Aristófanes por acabar con la guerra con Esparta que tanto daño está haciendo a Grecia, él sabe que esta petición de paz puede ser entendida como antipatriótica, pero Diceópolis lleva su palabra y consigue imponerla gracias a su absurda pero fascinante acción.

Los caballeros (Ιππής)

Demos tiene dos servidores a los cuales ha tiranizado y maltrata Plaflagonio, otro esclavo. Plaflagonio ha conseguido, con artimañas y engaños, tener la voluntad de su señor en sus manos el cual hace todo lo que le pide. Los dos esclavos convencen a un salchichero, aún peor que Plaflagonio, para que luche contra él por la voluntad del señor. En la pelea

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievaldialéctica por dominar al señor, el salchichero demuestra con su incultura y su inmoralidad, que es el adecuado para dominar a Demos, y un grupo de caballeros, jóvenes de la vieja aristocracia, le aplauden. Esta comedia es de una dura crítica política. En primer lugar, Aristófanes pone en escena al pueblo mismo: Demos significa pueblo, así que el señor dominado es el símbolo del pueblo mismo. Por otra parte, los dos esclavos de Demos salen a escena con las máscaras de los generales Demóstenes y Nicias, pero hay más, Plaflagonio es Cleón, el tirano de la democracia griega. Las alusiones son claras, y Aristófanes se esfuerza en demostrar los negocios sucios, la inmoralidad y la falsedad de quienes dominan a Demos. Aristófanes encuentra el bien del pueblo en un salchichero que le libra de Plaflagonio y que le devuelve esplendor y juventud. El coro de los caballeros, que da pie al título de la comedia, son jóvenes hijos de la aristocracia que guardan en sí los ideales de unos tiempos mejores anteriores a Plaflagonio, de unos tiempos de democracia verdadera. Este coro representa las ideas de Aristófanes, su propia ideología.

Las nubes (Νεφέλαι)Estrepsíades, un campesino casado con una mujer de buena familia, está muy preocupado por las deudas que ha contraído a causa de la afición de su hijo, Fidípides, a las carreras de caballos. Estrepsíades sabe que Sócrates, vecino suyo, es capaz de argumentar cualquier cosa, y así Estrepsíades trata de aprender la técnica de Sócrates, pero es incapaz, así que decide mandar a su hijo a la nueva escuela y cuando Fidípides sale de la escuela es capaz de rebatir y demostrar cualquier cosa, hasta lo más injustificable. Llega a apalear a su padre, encontrando argumentos para justificar el hecho. Así que Estrepsíades comprende que la razón está de parte de la vieja educación, y enfurecido, quema la casa de Sócrates, a quien maldice. El coro está formado por mujeres vestidas de nubes.El tema de la educación era bastante discutido en toda Grecia, pero Aristófanes, con su deformación grotesca de la realidad, "hará de las suyas". Esta vez le toca a Sócrates a quien Aristófanes deforma hasta el punto de convertirlo en un sofista, a él y a toda su escuela, precisamente a Sócrates, que tanto combatió el sofismo. La comedia tiene aspectos increíbles en lo que se refiere a la disputa de argumentos, una auténtica parodia de los argumentos de Sócrates, sólo que Aristófanes se empeña - consecuente con su conversión de Sócrates en un sofista - en que siempre gane el argumento injusto. Finalmente, Aristófanes hace vencer el viejo sistema de educación y la vocación a los dioses (en la comedia presenta a Sócrates como una ateo). Es muy curiosa esta actitud de Aristófanes para con Sócrates, sobre todo teniendo en cuenta que años más tarde Platón nos presentará al comediógrafo conversando amigablemente con Sócrates en su "Banquete".

Las avispas (Σφήκες)Plantea un conflicto entre padres e hijos. El padre se ha lanzado a la magistratura para obtener dinero, y es el hijo quien llevará al padre por el buen camino Hay escenas de una gran comicidad.

La paz (Ειρήνη)Triego, un campesino cansado de la larga guerra, cría un escarabajo gigante para que una vez que sea grande, poder volar con él hacia la morada de los dioses y pedirles la paz. Pero los dioses se han cansado de las guerras de los hombres y se ha ido del Olimpo, donde sólo ha quedado Pólemos (la Guerra) que ha encerrado a Irene (La Paz). Pólemos pretende destruir todas las ciudades griegas, así que Triego, junto con Hermes (Mercurio) intentan liberar a Irene de la caverna donde ha sido encerrada, y también intentan liberar a Opora (abundancia) y Teoría (El Placer de la Fiesta). En la liberación contribuyen además campesinos del ática que conforman el coro de la comedia.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalAristófanes retoma el tema del pacifismo, en una comedia plagada de contradicciones y antítesis como es el realismo de los personajes humanos que, a su vez, realizan acciones tan disparatadas como alimentar un escarabajo gigante para volar hasta el Olimpo, o los personajes abstractos y dioses. Pero el vuelo del escarabajo tiene connotaciones paródicas, ya que no es ni más ni menos que la parodia del "Belerofonte" de Eurípides donde el protagonista viajaba montado en un caballo alado hasta la morada de los dioses. Finalmente, destacar el carácter bucólico del final de la obra donde se elogia la vida campesina.

Las aves (Όρνιθες)Pistetero y Evélpides, ciudadanos de Atenas, cansados ya de la ciudad, deciden irse a la ciudad de los pájaros y fundar una ciudad en el aire. Las aves, coro de la comedia, en un principio son hostiles a la ciudad, pero el retórico y hábil Pistetero las convence y así se funda la ciudad de "Nefelocoquigia" (morada de las nubes y de los cuclillos). Pronto comienzan a llegar multitud de personajes "poco honrados" a los que Pistetero consigue echar. Luego llegan para pedir la ciudadanía dioses del Olimpo que quedarán bajo el mandato del hábil ateniense Pistetero.Esta vez el tema escogido por Aristófanes es de pura fantasía, sin nada que ver con la realidad, Es la historia de un hombre cansado de los mortales que trata de fundar una ciudad a medio camino entre el hombre y los dioses, una completa utopía plagada de irrealidad.

Lisístrata (Λυσιστράτη)

Lisístrata está convencida de que los hombres de Atenas son incapaces de acabar con la guerra que mantienen con Esparta, y es por ello que decide reunir a las mujeres de toda Grecia. Lisístrata propone un plan que no puede fallar: no mantendrán relaciones sexuales con los hombres hasta que éstos no acaben con la guerra y llegue al fin la paz. En un principio las mujeres griegas no parecen aceptar el plan de Lisístrata, hasta que una espartana se une al plan y muestra que es posible su realización. Por otra parte, las mujeres viejas de Atenas se han hecho con el poder en la Acrópolis donde están los tesoros públicos, y han cortado el suministro económico a la guerra. La treta planeada por Lisístrata se pone en marcha y se siguen manifestaciones, alborotos... Hasta que un oráculo dice que las mujeres alcanzarán la victoria. Los hombres no pueden aguantar más, y firman l paz con los espartanos, un tanto precipitada, pero paz al fin y al cabo, y es más, la firman delante de Lisístrata.Aristófanes retoma el tema del pacifismo. Es quizá la obra más "moderna" y admirada de cuantas escribió Aristófanes, y ello se debe a muchos factores, quizá el más evidente es que esta vez el elemento "maravilloso", los dioses o cualquier otra inverosimilitud de sus comedias, está totalmente ausente en Lisístrata que es una comedia de tema lógico, perfectamente verosímil, y de una comicidad increíble. Los episodios cómicos son irrepetibles, sobre todo aquél en el que Mírrina intenta eludir los deseos de su esposo Cinesias. El lenguaje obsceno y la comicidad se entremezclan, un lenguaje fresco, vivo, siempre cómico. Finalmente los hombres firmarán la paz, por "necesidad" y un tanto precipitadamente, pero precisamente esta precipitación hará que a la hora de acordar la paz, se olviden en los documentos rencores pasados entre Atenas y Esparta. El coro final canta bellísimamente al espíritu de convivencia, un coro formado por hombres de Atenas y Esparta, por fin hermanados de nuevo gracias al sutil punto de vista femenino sobre la paz.

Las ranas (Βάτραχοι)Eurípides había muerto en el año 406 a.C. Así que Aristófanes se pone "manos a la obra" para escribir esta comedia que tiene al difunto Eurípides como protagonista. El dios

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalDionisos baja al Hades a rescatar al trágico, pero una vez en el otro mundo, Dionisos descubre que Eurípides ha conseguido el trono, habiéndoselo rebatado a Esquilo. LA comedia se centra en la disputa e ida y venida de reproches literarios (con partes de sus respectivas tragedias incluidas en los diálogos), y no literarios, de los dos autores. La razón queda de lado de Esquilo, mientras que Eurípides queda en un peor lugar.En esta comedia, Aristófanes nos muestra un Eurípides exagerado y burlón que, lógicamente por estas razones, pierde la batalla diplomática contra Esquilo, que queda consagrado. Y es que Aristófanes veía en Eurípides una degeneración de la tragedia, nunca gustó del tono grandilocuente y exagerado del trágico. Además, mientras Aristófanes escribía esta comedia, falleció el trágico Sófocles, a quien le dedica una respetuosísima alusión en una parte de la obra.

Las asambleístas (Έκκλησιάζουσι)También conocida como "La asamblea de las mujeres".Los hombres han llevado a cabo un pésimo gobierno, y es por esto que Praxágora convence a las mujeres de que se hagan cargo ellas de la administración. Habla de una cierta "repartición igualitaria de las riquezas",que incluso llegará a las relaciones amorosas, tema que más tarde retomará con Pluto, y que aparecerá, en cierto modo, en la República de Platón.

PlutoSu trama plantea el problema de la distribución desigual de las riquezas en este mundo (Pluto es el dios de la riqueza). Pluto había sido cegado por Zeus, hasta que un ciudadano pobre, pero de gran bondad, Crémilo, le devuelve la vista. Como resultado de "devolver la vista a la riqueza" los buenos hombres son recompensados con riquezas y los malos con pobreza y penas. Sin duda, una gran alegoría.

Actitud de AristófanesAristófanes, que había vivido en aquellos momentos de la historia de Grecia en que la guerra con Esparta persistía y los políticos atenienses no eran de lo más acertado, criticó la situación política de su polis con ala burla, la sátira... la risa. Pero no sólo se limitó a atacar con su comedia la política y a los políticos, sino que también las nuevas ideas educativas, a filósofos como Sócrates, etc. Pero no sólo se conformó con política, didáctica y filosofía, los autores literarios también fueron su objetivo, sobre todo Eurípides a quien no admiraba demasiado, véase "Las Ranas". Atacó aquello del espíritu humano que no le gustaba, y defendió, también con risas, aquello en lo que creía. En su técnica cabría destacar "lo absurdo", su facilidad para llegar a un absurdo disparatado que es crítica sagaz, sátira, y al mismo tiempo un episodio cómico de indudable maestría técnica. En todas las obras de Aristófanes, los personajes son contemporáneos, simples ciudadanos que se paseaban por las calles de Atenas, y que Aristófanes subió a un escenario, para parodiarlos la mayor de las veces.

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MENANDRO

Menandro nació en Atenas en el año 342 a.C. en una familia acomodada. Fue discípulo de Teofrasto, amigo de Epicuro y frecuente visitador del círculo de Demetrio de Fareleo. Su tío Alexis, comediógrafo, debió enseñarle las artes escénicas y, sin duda, influir sobre él. Menandro publicó su primera obra en el 321 a.C., después de muerto Alejandro Magno. Murió en 293 a.C.El misántropo, El arbitraje , La trasquilada, Menandro en las generaciones posteriores

El misántropo (Δύσκολος)

En una casa de File vive Cnemón, un viejo misántropo, con su hija (sin nombre propio). A pocos metros y en otra casa, vive su esposa con el hijo de su primer matrimonio, Gorgias, vive allí porque no ha podido soportar vivir más con Cnemón. Sóstrato, un rico labrador, se enamora de la hija de Cnemón y manda un emisario para que formalice la relación entre los jóvenes, pero Cnemón recibe a pedradas y a gritos al emisario y logra espantarlo de la casa. Gorgias habla entonces con Sóstrato y tras comprobar que las intenciones con su hermanastra son buenas, decide ayudar a Sóstrato diciéndole que se haga pasar por un trabajador suyo. Sóstrato aguanta el trabajo de bracero, al que no está acostumbrado. UN día Cnemón cae en un pozo y es rescatado por su hija, Gorgias y Sóstrato y esto hace recapacitar a Cnemón que se cuestiona lo bueno de la soledad. Decide entonces tratar a Gorgias como hijo suyo y le manda que busque esposo a su hermana. Gorgias lo hace inmediatamente, Sóstrato, lógicamente, es el fin de su búsqueda. El matrimonio se aprueba.Cuando Menandro escribe esta comedia, tiene apenas 26 años, y a lo largo de su carrera podremos ver cómo las características que aquí asoman, las va desarrollando. En un ambiente rural, destaca la figura de un viejo misántropo, Cnemón, un viejo solitario que repele las relaciones y que quiere vivir solo de por vida. En este cuadro se desarrolla la trama amorosa cuyo objetivo no es otro que hacer ver a Cnemón el error que conlleva la soledad y el repeler de las relaciones afectivas. Finalmente Cnemón comprende lo absurdo de su soledad, que es bueno vivir manteniendo relaciones con los demás, y la comedia termina con una fiesta de bodas a la que ha de acudir el viejo. Menandro ataca el vicio de la insociabilidad, pero sin exagerar al viejo Cnemón en su defecto ya que incluso despierta simpatía. Es una comedia muy alegre y divertida con tintes rurales muy interesantes.

El arbitraje (Επιτρέποντες)Un esclavo, Davo, ha encontrado a un niño abandonado y se lo da a Sirisco, un carbonero. Sin embargo, antes de ceder al niño, Davo se ha quedado con las joyas que llevaba el retoño consigo y es por esto por lo que Sirisco las reclama. Como no logran poner fin a su discusión, deciden acudir al viejo Esmícrenes para que arbitre. Esmícrenes decide que joyas y niño son inseparables y que por tanto deben pasar a manos de Sirisco. La hija de Esmícrenes, Pánfila, casada con Carisio y repudiada por él, regresa a la ciudad y explica que tuvo un hijo pero que lo abandonó puesto que fue concebido antes del matrimonio. Onésimo, esclavo de Carisio - el ex-marido de Pánfila - reconoce las joyas del

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalniño: fueron las joyas que su amo Carisio entregó a una joven a la que violó en una fiesta. Cuando se identifica a la mujer violada, se sabe que fue la misma Pánfila, que no conocía quién la había violado. Cuando se descubre que fue violada por el que iba a ser su esposo y que era hijo de éste, todo acaba felizmente. Aunque de esta comedia sólo nos han llegado fragmentos, lo cierto es que en ella podemos ver claramente la gran comprensión de la estructura que tenía Menandro. Es una comedia de trama complicada y con un final que casi parece casualidad que sea feliz, de todas formas, consigue muy bien la caracterización de los personajes en su temperamento y estado de ánimo.

La trasquilada De nuevo sólo podemos hablar de fragmentos en esta comedia. Su tema es muy enredado, es el tema de los mellizos separados de niños que se reconocen cuando ya son mayores.

Menandro en las generaciones posteriores

Como nota general podemos decir que Menandro es un gran autor moral que muchas veces introduce sentencias morales en sus comedias. Pero además cuida mucho el lenguaje de sus sentencias, tiene algunas de gran viveza y de fuerza increíble, como la famosísima "Hombre soy: nada humano puede serme ajeno" que nos llegó transmitida por Terencio.La gran parte de sus obras se han perdido, pero estas frases de fuerza filosófica y poética a la vez, han sido aprovechadas, afortunadamente, por las generaciones posteriores, como es el caso de la ya citada sentencia transmitida por Terencio.Los romanos gozaron mucho de Menandro, porque Menandro puso de manifiesto las virtudes, las pasiones, los defectos del alma humana. Así, no nos puede extrañar que el mismo Ovidio dijera "Mientras exista un esclavo engañador, un padre severo, un malvada celestina, una ramera seductora, Menandro vivirá".Los tópicos desarrollados por Menandro han pervivido en el teatro posterior de muchas maneras, de hecho, en las obras de Menandro ya se vislumbra lo que posteriormente sería el teatro de costumbres, y en cuanto a sus personajes, no hace falta poner ejemplos, pues los hay miles, de que el esclavo engañador, el padre severo, etc. han sido personajes de miles y miles de obras a lo largo de la historia, y casi siempre, siendo tópicos y salvando particularidades, al estilo de Menandro. Su obra el "Misántropo" ha sido continuamente versionada.Así que, Menandro, en definitiva, es el autor que con una "sonrisa" nos hace darnos cuenta de los defectos del hombre.

Géneros teatralesLa tragedia

La tragedia es seguramente la más brillante de las invenciones griegas y la que mayor esplendor alcanzó, contemporánea e históricamente. La tragedia griega clásica supone el inicio de un género que aún hoy en día pervive y que sigue tomando como ejemplos indiscutibles de maestría aquellas obras que en la Grecia Clásica se escribieran mucho antes del nacimiento de Cristo. La tragedia griega fue y sigue siendo el cánon de perfección temática y formal del género dramático.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalLa tragedia griega clásica no es de tema original, es decir, el dramaturgo no inventa, no idea, el argumento de su obra sino que, tomando sus temas de la Ilíada y de los ciclos legendarios conocidos por todos los griegos - pues eran temas de la mitología popular - la tragedia griega nos muestra el conflicto personal de los héroes en su momento más dramático, por ejemplo: no se nos va a relatar la historia de Edipo de Tebas, sino que se nos va a presentar el momento más dramático, el punto álgido de la tragedia del tebano Edipo.Se nos mostrará al héroe en su momento más humano, más visceral, hasta el punto de que, a pesar de ser héroes de la mitología y de las leyendas helénicas, siguen siendo hoy arquetipos ejemplares de las pasiones humanas más profundas y antropológicas. A ello y a su maestría, equilibro y perfección indiscutibles, tal vez se deba el hecho de que las tragedias griegas han sido las obras teatrales más veces adaptadas, representadas o versionadas. Baste el número de Antígonas, Electras o Edipos que desde su primera representación en la época antigua hasta hoy han sido representadas, La tragedia griega, supone pues, el momento cumbre de la lucha entre el hombre - héroe y el destino, el hado funesto ante el cual nada es posible y sólo queda la stoica resignación, he aquí el héroe dramático griego. En cualquier caso, si escapar al destino es posible, sólo puede hacerse mediante el artificio dramático del deus ex machina, esto es, un dios aparece en la obra para salvar al héroe.Lamentablemente, de todas las obras que debieron escribirse y representarse, una mínima parte ha llegado hasta nosotros, poco sabemos de los primeros dramaturgos como Quérilo, Frínico o Prátinas de Fliunte, tampoco sabemos mucho de los competidores de los tres grandes (Esquilo, Sófocles y Eurípides), apenas fragmentos de algunas de sus obras. De hecho, de los mismos tres grandes trágicos, sólo unas cuantas de sus obras nos han llegado pues debieron escribir muchas más ya que algunas referencias hablan de que entre los tres, debieron escribir cerca de trescientas tragedias. La suerte histórica quiso que muchas de las tragedias representadas en los concursos dramáticos desaparecieran, quedando muchas veces sólo la obra ganadora. Muchos de los manuscritos se conservaron en la Biblioteca de Alejandría, pero el incendio primero de la Gran Biblioteca en época de César y el último provocado por las turbas de cristianos enfurecidos, acabaron con la mayor parte de los manuscritos que tanto valor literario e histórico poseían.Así, la funesta suerte que corrió la biblioteca de Alejandría - incendios, asaltos, etc. hasta su completa desaparición - contribuyó sin duda a que obras únicas acabaran en las fauces de los fuegos o de las turbas populares cristianas.En cuanto al tema de la tragedia, como ya se ha dicho antes, procedía de los cantos homéricos (Ilíada y Odisea) , de los ciclos de Tebas y de Micenas - Argos de los cuales debieron existir cantos épicos hoy perdidos. Sea cual fuere el caso, el hecho es que cuando el pueblo griego iba al teatro, ya conocía la historia, por ejemplo: cuando el público griego acudió a ver el Edipo de Sófocles, ya sabía perfectamente quién era Edipo y cuál era su fin y cuál había sido su antecedente. La labor del dramaturgo era la de enriquecer o variar el tema, labor que era discutida o loada por el público, esto explica la existencia de los mismos temas en diversos autores: cada uno daba su versión particular de los hechos legendarios. Sin embargo, habría que matizar el concepto de tragedia en la Grecia Clásica.

Concepto de tragedia en la Grecia Clásica:

Dice Asklepios ("Asklepios", Miguel Espinosa) que la tragedia viene a ser el resultado de la confrontación entre la casualidad y el deber. Y creemos que ésta es una de las definiciones más acertadas sobre tragedia que jamás se hallan escrito y la que vamos a adoptar en esta página.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalAntígona es un gran ejemplo, clarificador sin duda, de lo que este conflicto entre casualidad y deber es. Antígona por deber tenía que enterrar a su hermano; por casualidad, no podía hacerlo. He aquí el conflicto, el choque brutal, la tragedia. Hablamos, en definitiva, del destino, del hado, del fatum latino.

Temática de la tragediaCuando los griegos iban al teatro, los temas representados ya les eran conocidos pues procedían de leyendas y mitos. Los héroes de la Ilíada de Homero o los personajes de los ciclos legendarios de Tebas y Micenas - Argos eran los protagonistas de las tragedias en las que el dramaturgo proponía un nuevo punto de vista sobre la leyenda o el mito ya conocido.Así pues, derivada de la épica homérica y de otras leyendas es la temática de la tragedia griega que se basa, principalmente, en dos ciclos: el ciclo de Micenas o de Argos y el de Tebas. En la imagen: Edipo y la esfinge

El ciclo de Argos o de Micenas:La figura principal de este ciclo es la del rey Agamenón, de él parte la desgracia posterior pues, participando en la guerra de Troya mató a Tántalo, marido de Clitemnestra, y se casó con ella. Clitemnestra era hermana de Helena, esposa de Menelao - el cual era hermano de Agamenón - que al huir con Paris desencadenó la guerra de Troya. Agamenón y Clitemnestra tuvieron tres hijos: Ifigenia, Electra y Orestes.Camino de Troya para vengar el rapto de Helena, Agamenón, las naves del ejército griego, dirigido por Agamenón, sufrieron unos días de falta de viento y de inmovilidad. El adivino Calcante explicó entonces que Agamenón había prometido a la diosa Ártemis (Diana) el sacrificio de los frutos de cierto año, y fue precisamente ese año en el que nació su hija Ifigenia, por lo cual Agamenón debía sacrificarla. Agamenón hace llamar a su hija y a su esposa, Clitemnestra (la cual jamás perdonaría a su marido estas intenciones). La diosa Ártemis hace gala de generosidad y compasión y en el último momento se lleva a Ifigenia sustituyéndola por una cierva, y la deja en Táuride donde será sacerdotisa en un templo que Ártemis allí tenía.Al comenzar la guerra de Troya, Agamenón tiene diversos conflictos con Aquileo (Aquiles, también griego) a causa del reparto del botín y otros pormenores.Cuando acaba la guerra y Agamenón vuelve a su hogar (en Argos o Micenas) sin saber que durante su ausencia su esposa Clitemnestra se ha enamorado de Egisto, y ambos amantes asesinan a Agamenón. Mientras todo esto ocurría, Orestes, hijo de Clitemnestra y Menelao, se había refugiado en el palacio del rey de Fócida donde había conocido a Pílades cuya amistad será modélica para las generaciones posteriores. Orestes recibe de Apolo la orden de vengar la muerte de su padre y viaja con Pílades a Argos donde visita la tumba de su padre y dejó allí uno de sus rizos por lo cual su hermana Electra supo de la llegada de Orestes a Argos. Ambos hermanos se reencuentran y matan a su madre Clitemnestra y al amante de ésta: Egisto.Orestes es víctima de la persecución de las erinias o euménides (encargadas de perseguir a los criminales) y no se librará de ellas hasta que un tribunal de Atenas juzgue su caso y Atenea le perdone.Apolo aparece de nuevo y pide a Orestes que vaya hasta Táuride a buscar a su hermana Ifigenia y Orestes se encamina de la mano de su inseparable amigo Pílades. Con la estatus de Ártemis y con su hermana, huyen de la Ática y se establecen en la Argólida. Orestes se casa con su prima Hermíone (hija de Menelao y Helena) y Pílades se casa con Electra, hermana de Orestes y de Ifigenia.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEl ciclo de Tebas:

La figura principal de este ciclo es Edipo. Edipo era hijo de Layo, rey de Tebas, y de Yocasta. Un oráculo había anunciado al matrimonio que si tenían un hijo, éste mataría a su padre y traería la desgracia al linaje. Cuando nace Edipo, los reyes deciden abandonar al niño y atarle los pies a fin de que muera y no provoque las desgracias vaticinadas. El niño es encontrado, sin embargo, por el rey Polibos, el cual lo lleva a la corte y lo cría como si fuera su propio hijo. Ni siquiera Edipo conoce su procedencia.

Un día, el oráculo vaticina a Edipo lo que antaño vaticinara a su padre: que mataría a su padre y se casaría con su madre y traería desgracias a todo su linaje posterior. Para evitar esto, Edipo, ya hombre, abandona la corte de Polibos (el que creía que era su padre) para no acabar matándolo, y llega a Tebas.

De camino a Tebas tropieza con su verdadero padre, Layo de Tebas, y tras una discusión, Edipo mata a Layo, cumpliéndose una parte del oráculo, pero sin que él supiera que era así.

En Tebas la Esfinge - monstruo mitad león y mitad mujer - tiene aterrorizada a la población, plantea enigmas a los que pasaban por allí y a los que no eran capaces de resolverlos, los devoraba. El enigma de la Esfinge era éste: ¿Cuál es el animal que cuando nace anda con cuatro patas, cuando es adulto con dos y cuando es más débil y viejo lo hace con tres?. Edipo responde que el hombre, que cuando nace gatea (cuatro patas) cuando es adulto anda erguido (dos patas) y cuando es viejo se ayuda del bastón (tres patas). La Esfinge, despechada y humillada se tira al abismo y acaba la presión que ejercía sobre Tebas.

Los ciudadanos de Tebas, agradecidos a Edipo, le casan con Yocasta, viuda de Layo, y así Edipo gobierna en Tebas sin saber ni él ni nadie, que se ha casado con su propia madre.Años más tarde se descubre el incesto, principalmente a las heridas que Edipo tiene en sus piernas de cuando le ataron sus padres los pies para abandonarlo. Al saber la verdad, Yocasta se suicida y Edipo se arranca los ojos. Ocupa entonces el trono de Tebas Creonte, el hermano de Yocasta.

Del matrimonio entre Edipo e Yocasta, habían nacido cuatro hijos: Etéocles, Polinices, Antígona e Ismena. Los dos varones (Etéocles y Polinices) al conocer el incesto provocado por su padre, lo expulsan de Tebas, a lo cual Edipo maldice a sus hijos diciendo que acabarán matándose entre ellos. Para que la maldición paterna no se lleve a cabo, ambos hermanos deciden gobernar Tebas alternativamente un año cada uno. Etéocles comienza a gobernar, pero pasado un año, se niega a devolver el reino a su hermano. Polinices entonces va a Argos, donde se casa con la hija del rey, Argia. Polinices y Adrastro, el rey de Argos, se deciden a ir a Tebas a luchar contra Etéocles y emprenden la campaña bélica de "Los siete contra Tebas" (obra de Esquilo). Ambos hermanos, Etéocles y Polinices, se enfrentan y acaban matándose mutuamente.

Mientras tanto, Edipo, que había sido expulsado de Tebas y que había sido guiado, pues estaba ciego, por su fiel hija Antígona, muere en Colono. Una vez muerto su padre, Antígona vuelve a Tebas donde vivió con su hermana Ismena. Al morir los hermanos, Creonte, el nuevo rey de Tebas, decide que se de honras fúnebres a Etéocles, pero no así a Polinices que ha de morir devorado por las aves de rapiña, abandonado su cuerpo sin sepultura. Antígona, que no puede soportar la idea de que su hermano no sea enterrado, decide hacerlo y da honras fúnebres a Polinices. Creonte condena pues a

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalAntígona por no acatar la orden, y su condena es ser encerrada viva en una tumba donde se ahorca. Hemón, hijo de Creonte, primo de Antígona y enamorado de ésta, se suicida junto al cadáver de su amada Antígona.

Estructura de la tragedia

En la estructura de la tragedia griega se distinguen las siguientes partes:

PrólogoDe forma monologada generalmente, o dialogada e algunos casos, en el prólogo se cuentan los antecedentes de la historia que se va a representar y en qué punto ésta comienza a relatarse, además de situarnos y anticiparnos la historia.

PárodosEs el canto inicial del coro que debe su nombre a la escalinata por la que el coro subía desde la orquestra a la escena.

EpisodiosSu correspondiente actual serían los actos. Estaban separados unos de otros por cantos del coro llamados estásimos.

ÉxodoEs el último de los episodios que consiste en la salida del coro tras su última intervención

Las normas clásicas:Toda obra trágica de teatro helénico se configura a las denominada "normas clásicas" por haber sido utilizadas, precisamente, en la Grecia Clásica. Estas normas clásicas son: unidad de tiempo, unidad de acción, unidad de espacio.Esto viene a significar que una obra no debe sobrepasar un día (en los hechos que narra); no debe tener acciones secundarias, sino una sola y principal; y un sólo espacio, es decir, el escenario sólo puede representar un espacio físico concreto (un palacio, o un jardín...) pero nunca varios (no se permite convertir el escenario, por ejemplo, de los exteriores de un palacio, a los interiores).

La comedia

El término Comedia provendría del griego "comos" que no es ni más ni menos que aquellas injurias y dichos que el pueblo griego lanzaría en las fiestas dionisíacas como elemento satírico y humorístico.La comedia es, ante todo y sobre todo, una crítica endulzada con el humor que gustosamente tomaba el público griego poco después de haber visto representarse las tragedias en los concursos.

Tema y estructuraA la gravedad y solemnidad de la tragedia, se opone el tono burlón, cómico y satírico de la comedia. Tampoco es algo que haya de extrañarnos pues, ya en versos yámbicos este tono era usual. También encontramos los dramas satíricos, con los que los trágicos

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalremataban las dos tragedias que representaban en los concursos de teatro. Estos dramas satíricos trataban de temas mitológicos sobre los que el autor trágico añadía ciertas notas humorísticas, sea como fuera, aún versos yámbicos y dramas satíricos restan bastante de lo que es la comedia.

Elementos de la comediaLa comedia, que cuenta con una alternancia entre coro y personajes parecida a la de la tragedia, se diferencia, principalmente de ésta en dos puntos:Agón o combate. Es el primer episodio de la comedia en el que hay una lucha en la cual, el vencedor, es el personaje que representa las ideas del comediógrafo.Parábasis: durante un momento de la representación cuando la escena ha quedado vacía y los actores han salido, el coro se quita sus máscaras y mantos y avanza hacia el público. Esta parábasis tiene siete partes, a saber:Commation : un canto muy breveAnapestos: discursos al público lanzados por el corifeo (dirigente del coro)Pnigos: es un parlamento largo sin interrupciónCuatro trozos de estructura estrófica.La comedia no exigía de las unidades de tiempo y de lugar, pero lo cierto es que los comediógrafos tienden a ellas.

Temática de la comedia:

En la tragedia, el espectador sabía qué es lo que iba a ver, conocía el tema, sin embargo, en la comedia, el argumento se ignora totalmente: se encuentra el espectador ante una trama desconocida y unos personajes también desconocidos. El comediógrafo tiene que llevar a cabo una gran labor creadora y debe ser original. Todo es materia para la temática de la comedia, pero sobre todo, temas cotidianos, de la misma calle y del mismo tiempo en que los espectadores vivían, así vemos que, Aristófanes llevará a escena la política de la época, las innovaciones de la Atenas que le es contemporánea, la filosofía, las nuevas ideas sobre la educación de la juventud (sofistas), coge a los mismos personajes que pasean por el ágora y los caricaturiza y satiriza. ¡El mismo Sócrates aparecerá ridiculizado por Aristófanes! La vida cotidiana es un espectáculo cómico, es el hecho de reírse "de uno mismo".Con todo esto, la tragedia no es un retrato "realista", ni mucho menos, los temas y los personajes son reales ( o al menos tomados de la realidad) pero la trama resulta a veces inverosímil y disparatada, casi rozando lo absurdo. Es una explosiva mezcla de realidad y la fantasía más disparatada.Para Aristófanes, la risa es un fin, así que todo tiene cabida en su teatro. La comedia es un desahogo de alegría, de hecho, filósofos de épocas anteriores habían definido al hombre como el único ser capaz de reír.

La comedia nueva

Después de Aristófanes, la comedia griega experimenta un cambio que trastornará lo que se entendía como tal, como comedia. Algunos autores defienden una periodización de la comedia en Comedia Antigua, Comedia Media y Comedia Nueva, aunque lo cierto es que faltan documentos para acreditarlo. Sea como fuere, se ha considerado a Menandro como el máximo representante de la denominada Comedia Nueva.Muchas causas explicarían esta evolución de la comedia: desde que la risa dejaba de ser rentable tras la guerra de con Esparta, hasta que los filósofos habían instaurado una vida más "refinada" en la que la grosería de la comedia ya no tenía cabida. La Comedia Nueva será más reflexiva y menos disparatada, más proporcionada como obra de arte.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEn cuanto a los personajes, a lo casi "reales de Aristófanes" se oponen los tipos de Menandro que toma de la realidad genérica, por ejemplo: habrá un tipo que será la ramera interesada, mientras que Aristófanes cogería a una ramera en concreto de la realidad misma. Así, tipos son: el soldado fanfarrón, el viejo avaro, el joven con demasiados amoríos y deudas, el esclavo ingenioso, la doncella desventurada, etc.La Comedia Nueva no tolera la presencia de divinidades y sus temas son muy tópicos: el joven que quiere casarse en oposición a los deseos de su padre, el viejo y sus "salidas de las cuales trata que no se entere su esposa, etc.

El drama satíricoMuy poco se sabe de este género del que sólo conocemos dos obras completas, y algunos fragmentos. Supone la cuarta fase del concurso en el que cada autor presentaba tres tragedias (trilogía) y un drama satírico completando una trilogía. Así, el drama satírico debía ir unido a las tragedias en su temática y suponía una descarga de tensión tras el gran dramatismo de las tragedias puesto que el drama satírico es una "burla", una "sátira" sobre temas mitológicos. En el drama satírico el coro está formado por sátiros y posee numerosas notas humorísticas. No por esto se trata de una comedia, ni mucho menos: "Los sabuesos" de Sófocles o "El cíclope" de Eurípides tratan temas mitológicos que poco tienen que ver con la comedia de la época, que trataba temas "de la calle" y actuales que nada tenían que ver con la mitología o la leyenda.

EL ESPECTÁCULO DEL TEATRO Y SUS ELEMENTOS

Los actoresEl pueblo griego se encontraba por primera vez ante la necesidad de diferenciar el personaje del actor, pues hasta entonces sólo había tenido acceso a la literatura relatada en la cual sólo existe el personaje. Con la aparición del teatro, la diferenciación fue una necesidad, y el pueblo griego fue pronto consciente de que el actor sólo mimetizaba al personaje. En un mundo como el nuestro en el que tenemos totalmente asumida esta diferencia, debemos tener en cuenta que en el mundo griego no era así, sino que, por primera vez, esto sucedía. De este modo se explican algunas de las características de los actores griegos. Hoy en día comprendemos un teatro en el que cada actor es un personaje, sin embargo, en la Grecia Clásica, un mismo actor podía hacer de dos personajes diferentes, esto se debe a que los griegos tenían muy asumido lo que era un personaje y lo que era un actor, que fuera el mismo actor era sólo una circunstancia, lo importante era el personaje.Se dice que fue Tespis el que inventó al actor, el primer actor. Posteriormente cada uno de los dramaturgos iría añadiendo o inventando nuevos personajes: Esquilo inventa al deuteragonista (el segundo actor) y nótese que en ninguna de sus obras aparecen en escena jamás más de dos actores (¡porque no se había inventado el tercero! Entre dos actores se repartían todos los personajes). Sería Sófocles el que inventara el triagonista (el tercer actor) y Eurípides seguiría en la línea de Sófocles con sólo tres actores aunque, en ocasiones, añade un cuarto, que no habla.

Así tenemos:Protagonista - primer actor

Deuteragonista - Segundo actortriagonista - tercer actor

Conforme va creciendo en número de actores, es lógico pensar que se incrementan las posibilidades dramáticas, la acción se enriquece, pero claro, con más actores, es lógico también que decrezca el coro.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalSin embargo, las consecuencias del incremento en el número de actores son mucho más importantes que las ya dichas. Cuanto más actores, lo cierto es que se va perdiendo la especial relación que en sus inicios tenía el teatro entre actor - personajes, el fuerte carácter mimético. La acción se hace más realista, sí, pero se pierde el sentido ritual y religioso del teatro.

El coro

En sus inicios, el coro fue un elemento fundamental del teatro griego, aunque más tarde iría perdiendo esta importancia hasta llegar a desaparecer, tomando el protagonismo e personaje.¿Qué hacía el coro? ¿Para qué servía?El coro poseía aquellas funciones de plegaria e invocación, de oración y de participación de la ceremonia religiosa, por lo que se ve claro su tinte religioso y cultural. Pero además el coro servía como narrador de la historia, lo mismo nos cuenta aquello que está sucediendo y que no vemos, que presagia hechos futuros o nos cuenta los pasados.El coro, además, es el elemento enlace entre los distintos episodios, se distinguen entre ellos gracias a las entradas y a las salidas del coro que los cierra y abre.El corifeo muchas veces (el corifeo es el dirigente del coro) y el coro otras tantas, realiza la función de "comentador" de la acción, dándonos las claves y las consecuencias de las acciones de los personajes, casi como la voz de la experiencia o de la conciencia. Otras veces es más bien un elemento de enlace entre la acción y el espectador, casi como siendo una conciencia colectiva de los espectadores.Pero para Roland Barthes la función primordial del coro es la de preguntar, la de incitar a la meditación, ya sea una pregunta al personaje, a los dioses, a sí mismo , es el coro es que hace manifiesta la pregunta fundamental de cada tragedia.

El vestuario

La máscara:Desde los ritos dionisíacos preteatrales, los actores griegos utilizaban las máscaras o, en su defecto, ocultaban sus rostros embadurnándolos con barro o azafrán. Este hecho tiene un simbolismo muy importante dentro del concepto del teatro como rito en sus inicios, y es que el ocultar el rostro bien con máscaras bien con productos, simbolizaba el revestirse de elementos nuevos y no comunes necesario para realizar el rito, era también un ritual. Más tarde, cuando el teatro fue teatro - nos referimos a la época clásica - la máscara era aquel elemento que transformaba al actor en personaje. Desaparecían con ella los rasgos del actor y se dejaban ver sólo los del personajes, recordemos que había máscaras de viejos trágicos, de viejos cómicos, de jóvenes, mujeres... La máscara daba pues las características del personaje, haciendo olvidar las individualidades del personaje. Las máscaras poseían, finalmente, rasgos tipificados. Con el tiempo, lo artesanos consiguieron verdadero realismo en las máscaras, pero siempre de acuerdo con el personaje. Por ejemplo, en aquella obra del cómico Aristófanes que hace salir a Sócrates a escena, se dice que la máscara que cubría al actor era tan igual al filósofo que el mismo Sócrates, que estaba entre los espectadores, tuvo que levantarse para que todos vieran que no era él el que se representaba a sí mismo.Pero además la máscara poseía unas enormes dimensiones, lo que haría que fuera mucho más visible para el público, y además, conseguiría junto con los enormes coturnos, guardar las proporciones. Por otra parte, las máscaras podrían servir de "megáfono" aumentando la voz del actor que la llevaba puesta, pero lo cierto es que los teatros griegos ya poseían una acústica perfecta, y tal cosa no era necesaria.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalY ya, acabando con la función más práctica de la máscara, permitía que un actor pudiera hacer de varios personajes sin ninguna confusión por parte del público.

Los coturnos:Los coturnos servían para dar altura al actor. de esta manera conseguían que los personajes nobles sobresalieran sobre el coro y por otra parte, servía para dar proporción al actor con las grandes dimensiones de la máscara. Así el actor era enorme, casi gigante, con lo que el público podía verle sin problemas. Por otra parte, estas grandes dimensiones conseguían un efecto aún mayor y psicológico en el público, acrecentaba su sobrecogimiento o catarsis junto con el personaje. Generalmente sólo se usaban en la tragedia.

Ropas:Por lo general, los trajes usados por los actores griegos eran túnicas, cortas o medias (quitón o clámide) y mantos. Jugaban con los colores a la hora de simbolizar, así, los reyes iban de púrpura, los personajes de luto con colores oscuros... Por lo general, las ropas oscuras para los personajes tristes, las alegres para los importantes y los colores normales para la gente del pueblo.Usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se guardara las proporciones con las máscaras y los coturnos. Además, usaban otros elementos como la corona en el caso de los reyes, símbolo de su poder.Por lo general, podemos decir que los trajes de los actores no discernía demasiado de la moda ateniense de la época.

El decorado

La skené, que en sus principios bien pudo ser un simple muro sin decorar, más tarde añadió algún que otro elemento colgado para embellecerla. En un principio el espacio escénico de debió decorarse, simplemente el actor suponía dónde se encontraba según el texto - en un palacio, en una fortaleza... - pero más tarde, y ya en época de Esquilo, el espacio escénico se representó por medio de un telón de fondo y unos bastidores llamados periactois. Ya con Eurípides existían plataformas móviles capaz de hacer volar a los dioses o a los personajes que así debieran hacerlo. Existían también plataformas elevadas que representaban el monte Olimpo, etc. También escaleras, terrazas, escotillas, etc. Veamos algunas de estas maquinarias un poco más concretamente:Grúa: rudimentaria grúa que hacía desaparecer o aparecer personajes (un caballo que se marcha volando, un dios que desciende, etc.Plataforma giratoria: para cambiar los decorados.Púlpito: donde se ponían los personajes que representaban dioses - un lugar más elevado, obviamente.Escaleras subterráneas: a través de ellas aparecían en escena personajes que procedían del hades.Para los efectos sonoros, poseían placas de metal para el efecto del trueno y con antorchas agitadas producían los efectos visuales de los relámpagos.

Los concursos

Cada año, cada autor presentaba a concurso cuatro obras: una tetralogía conformada por tres tragedias - que eran la trilogía, basadas en el mismo tema - y un drama satírico. Era el público quien, tras haber asistido a la representación, decidía quién debiera ser el ganador. Las primeras de estas fiestas se denominaron Las Dionisíacas.

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El teatro (edificio teatral)

Se dice que la acústica del teatro griego es perfecta, y la realidad es que esta afirmación no difiere de la realidad, los griegos construyeron sus teatros desde un punto de vista "democrático" y esto conlleva que tanto el de la primera fila como el de la última pudieran escuchar y ver - para eso las grandes máscaras y coturnos - la representación sin ningún tipo de problema, y de la misma forma. Tan sobrecogedora era una tragedia a fines visuales y acústicos para el espectador de la última fila como para quien estaba sentado justo en frente de la orquestra. Los griegos construyeron sus teatros aprovechando la inclinación natural de una ladera, de esta forma esta inclinación servía para construir sobre ella los asientos de los espectadores, los cuales disponían de forma semicircular.

Teatro de Epidauros (Grecia)

Obsérvese en el teatro de Epidauros cómo se aprovecha la inclinación de la ladera para construir los asientos de los espectadores. Existe también, frente a los asientos, una zona circular en medio de la cual hay un "cuadrado" que es el altar. Es la orquestra, donde se sitúa el coro.Contiguamente a la orquestra vemos claramente una zona rectangular, debía estar en alto, y se podía acceder a ella por medio de una escalera llamada parador. Esta zona elevada rectangular es la skené o escena. En ella se distinguía el proskenion, la escena propiamente dicha, donde el actor actuaba y se representaba, y la skené, inmediatamente detrás del proskenion donde existían unas habitaciones o una forma de ocultarse al público donde el actor cambiaba su máscara cuando debía cambiar de personaje o cuando debía salir de escena, etc. Como ejemplo, véase el Teatro de Epidauros.

Θέατρον

El término "teatro" con el que en la actualidad designamos tanto al género literario dramático como al espacio físico donde se llevan a cabo las representaciones de las obras teatrales , procede de la palabra θέατρον (theatron) del griego antiguo. "Cada palabra tiene su historia" dicen los lingüistas, y esto sucede con el θέατρον griego. En sus orígenes, θέατρον venía a significar "lugar donde se mira" o bien "lo que se me mira", pues se trata de un sustantivo creado a partir del verbo θέομαι (ver, mirar, contemplar, observar). Así, lo que en un principio significaba "el lugar donde se mira" algo que era el θέατρον (lo que se mira) también terminó significando "el conjunto de espectadores" y, aún más, un género literario basado en la representación donde los espectadores contemplan algo( el θέατρον) que es lo contemplado (el θέατρον) en un lugar para contemplar (el θέατρον): el teatro.

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El teatro romano

El llamado teatro grecorromano –que se extendió por el Mediterráneo poco antes del nacimiento de Cristo- ubicó el escenario de la skené sobre el borde de la orkhéstra. Los romanos tranquilamente unieron la skené con el auditorio, redujeron la orkhéstra a un semicírculo y, con su manía de la construcción en arcada, a menudo levantaron el teatro integro con una estructura libre sobre el nivel del suelo. El escenario estaba ricamente adornado con columnas, paneles y cornisas.

El primer teatro fue construido de madera en el 179 a.C. y pronto se destruyó. En el 55 a.C., cuando se estaba convirtiendo en imperio. Pompeyo construyó un teatro permanente de piedra. Solo otros dos teatros permanentes procedieron al coliseo, y sus peores espectáculos dominaron los entretenimientos, pero desde Inglaterra y España hasta el Asia menor se levantaron muchos teatros romanos.

Mucho antes de los días del Imperio Romano, Italia tuvo un teatro mucho más simple y popular. Era teatro de comedia, tenía raíces griegas y locales. En Roma, donde la comedia parece haber gustado más que la tragedia, se desarrolló la fábula togata –"fábula" o comedia, "con trajes locales".

1.- LOS ORÍGENES DEL TEATRO EN ROMA

De la misma manera que en Grecia aparece una rudimentaria representación teatral con motivo de las fiestas de la vendimia dedicadas a Dionisos o Baco, en la Italia primitiva nos encontramos con una serie de ritos religiosos inseparables de la realización del sacrificio, pero con aspecto teatral y dramático.

Sin embargo es en las reuniones plebeyas que acompañan a ciertos acontecimientos festivos, como la recolección, el casamiento, etc., cuando el carácter imitativo romano transforma en representación, en imitación, en mimo, en chanza cómica cualquier actividad, sea religiosa o profana. De aquí nacen los "Cantica Fescenina", improvisaciones, no siempre de buen gusto, generalmente obscenas, en versos Saturnios; las "saturae", representación total de música, baile, canto, mimo y farsa dramática.

Estos son los antecedentes de las "attellanae", que serán el teatro popular en Roma, juntamente con los intentos etruscos de representar las tragedias griegas e incluso de componer otras al modo griego. Proceden de una pequeña ciudad cercana a Nápoles, llamada Atela. Aquí tenían una especie de teatro de Arlequín, antecedente de la Comedia del Arte. No tenían miedo a que se les reconociese, puesto que actuaban con máscaras. Los personajes eran caricaturas. Los temas bastante generales y parecidos servían para toda clase de tramas y burlas improvisadas. Las "attellanae" tuvo éxito durante el imperio como farsa popular, no como género literario.

Desde el sur de Italia se introdujo el arte teatral griego. Esto sucedió a partir del año 272 a. C., cuando los Romanos conquistaron Tarento, en el sur de Italia, con lo que entraron en contacto con las poblaciones griegas de la Magna Grecia, avanzadilla de la cultura griega en Italia.

En todos los juegos ("ludi") ya fueran públicos o privados, se celebraban representaciones teatrales (ludi scaenici). Al principio eran las tragedias o comedias griegas ("Fabula Palliata" de "pallium" <vestidura griega>). Más tarde, a partir de Naevio, se pasa a tragedias de tema romano ("Fabula Praetexta" de "toga praetexta" <vestidura

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http://sapiens.ya.com/jomcoe/vida_diaria.htm#SCAENICI

Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalromana>). El romano adaptó la forma escénica a su propio carácter. Le iba mejor la comedia que la tragedia. La comedia agradaba más a la plebe.

Los lugares de la representación eran provisionales hasta que en el año 55 a. C. se construyó el primer teatro de piedra, el teatro de Pompeyo, con una capacidad de 20.000 espectadores. Generalmente sigue el modelo griego, de un semicírculo cerrado en su diámetro por la scaena y el frons scaenae. La orchestra, no es circular como en los teatros griegos, sino sólo semicircular. Los romanos utilizaron menos que los griegos los desniveles del terreno, y construyeron los teatros de fábrica, empleando arcos, bóvedas y galerías semicirculares para comunicar todas las localidades.

La métrica usada para las piezas teatrales era la yámbica, basada en el `yambo' (pie métrico de dos sílabas: breve – larga: (U —), y la trocaica, basada en el "troqueo" (pie métrico de dos sílabas: larga – breve: (— U). Se adaptaba bien a la lengua hablada, y su alternancia permitía distinguir las distintas partes de la representación: el "diverbium" o parte hablada y el "canticum" o parte recitada. De vez en cuando el `canticum' se convertía en "mutatis modis canticum" que era una parte cantada, incluso con acompañamiento instrumental de flautas: "tibia".

Los primeros dramaturgos, Livio Andrónico (antes de 272 - después de 207 a. C.) y Cn. Naevio (antes de 261- 201? a. C.) utilizaron temas griegos, sobre todo del ciclo troyano para sus obras escénicas: "Aquiles", "Ayax", "Egisto",... de L. Andrónico; "Danae", "El caballo de Troya", ... de Cn. Naevio. Ennio (239 - 169 a. C.) imitó a Eurípides en el ciclo troyano con sus tragedias: “Andrómaca cautiva”, “Hécuba”, “Ifigenia”, etc. También escribió comedias, pero no se conservan más que fragmentos.

Cn. Naevio fue el creador de la "fabula praetexta": "Clastidium", "Alimonia Romuli et Remi", son ya obras de tema romano. Fue también el creador de la comedia a imitación griega, pero con personajes y temas romanos.

2.- LA COMEDIA SUS TIPOS

En Roma tuvo mucha más aceptación la comedia que la tragedia. Sobre todo si la tragedia que le ofrecían los dramaturgos era la de tema griego, que no era representativo de la sociedad romana.

Sin embargo, las comedias de los principales autores romanos, Plauto y Terencio, son fabulae palliatae, es decir, piezas griegas, de personajes griegos, de localización griega. Pero los temas eran romanos, reconocibles para el público que se veía reflejado en ellos.

Se dice que Plauto no fue original en ninguna de sus obras, ya que eran una especie de refundición de otras, generalmente griegas, y generalmente, también, de los autores de la "comedia nueva" griega, cuyo representante principal fue Menandro (s. IV a. C.) Este procedimiento recibe el nombre de contaminatio.

Se trataba de comunicarse con el público; por tanto éste se tenía que reconocer. Poco importaba que los personajes fueran griegos, llamados con nombres griegos. Las situaciones eran romanas, y, aunque las tramas no eran suficientemente consistentes, y la sorpresa del desenlace no existía, el pueblo las seguía con interés y con mucha atención.

Los actores debían pronunciar perfectamente las frases, "cantar" correctamente los versos, si no querían oír el abucheo de unos espectadores que tenían un oído acostumbrado a la musicalidad de la lengua latina.

Apareció, no obstante, otro tipo de comedias, conocidas como fabulae togatae, que son el equivalente, en comedia, a las praetextae en tragedia. Sus temas son romanos, sus personajes son romanos, y consiguieron cierto éxito, aunque más modesto,

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalya que los personajes, las tramas, los escenarios eran más como para andar por casa. Se llegaron a llamar fabulae tabernariae, es decir, que tenían un carácter más doméstico.

Los autores más representativos de esta comedia latina fabula palliata, son Plauto y Terencio.

Titus Maccius Plautus 251 - 184 a. C.

Es el máximo representante de la comedia latina, por su lengua, su ambiente, sus personajes y sus temas. Aunque tiene por modelo la "comedia nueva" griega, se reconoce en sus piezas el mundo romano.Era un hombre de la plebe que conocía perfectamente a la gente, y que sabía plasmar los distintos caracteres en el escenario. No es muy sutil, pero esto no es lo más importante. Supo encontrar la adecuación e integración entre lenguaje, tema, personajes y composición, de manera que hacía que las situaciones, aunque repetidas, parecieran todas diferentes y originales.La vida de Plauto se desarrolla en la Roma amenazada por los Cartagineses con los que ya habían tenido entre los años 264 y el 241 un enfrentamiento armado, conocido como la Primera Guerra Púnica, y en cuyo transcurso nació nuestro comediógrafo. Los Romanos fueron los vencedores de esta guerra, que terminó con la batalla de Islas Egates. La Segunda guerra Púnica, tal vez la más conocida por la participación del gran general Cartaginés Aníbal, se desarrolló entre los años 218 y 201 a. C. y terminó con la batalla de Zama, ganada por uno de los Escipiones. Todavía se enfrentaron en una Tercera Guerra Púnica (148 - 146 a. C.) que supuso la destrucción total de Cartago y del peligro cartaginés.

LAS COMEDIAS DE PLAUTOSe conservan 21 obrasAmphitruo (El anfitrión) Asinaria (La comedia del asno) Aulularia (La comedia de la olla) Bacchides Captivi (Los prisioneros) Casina (El sorteo de Cásina) Cistellaria (La comedia del cofre) Curculio (El gorgojo) Epidicus (El esclavo astuto) Menaechmi (Los gemelos) Mercator (El mercader) Miles gloriosus (El soldado fanfarrón) Mostellaria (La comedia del fantasma) Persa (El persa) Poenulus (El pequeño Cartaginés) Pseudolus (El mentiroso) Rudens (El cable de los pescadores) Stichus Trinummus (Las tres monedas) Truculentus (El amenazador) Vidularia (La comedia de la maleta)

La vida de Plauto no es muy conocida. Parece ser que se dedicó al teatro como autor y como actor, y sus propias experiencias se reflejaban en la escena. No es extraño que por esta peculiaridad se le atribuyeran hasta 130 obras, de las que nos han quedado 21, que son las que Varrón propuso como auténticas. Se conservan completas excepto Vidularia, de la que se ha perdido gran parte.Plauto dio a la gente lo que quería: el público reclamaba que los temas fueran griegos, pero tratados a la romana, acomodados a la manera de ser de la plebe romana: vulgar, ruidosa, que buscaba encontrar en los personajes y situaciones las figuras que le eran familiares y de las que se podía reír a su gusto. Casi siempre trataban de lo mismo: un joven busca casarse con la joven que ama a pesar de mil obstáculos. Con todo, las situaciones y las intrigas son tan diferentes que no hay dos comedias iguales. Por esta situación desfilan todo tipo de personajes romanos: el padre cabezota, ridículo, el parásito, el esclavo desvergonzado, astuto y atrevido, el fanfarrón, las mujeres,...

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http://inicia.es/de/aforismos/aforismos_iv.htm#Hannibal

Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEl lenguaje es vivo, natural. Hace juegos de palabras, inventa vocablos nuevos, utiliza todos los recursos de la lengua familiar y vulgar: aliteraciones, asonancias, figuras etimológicas,... Cambia de ritmo según se lo pide la escena.Una de las formas de terminar una comedia, de presentar el desenlace, es el "reconocimiento". En muchas ocasiones se ha perdido la pista de un hijo o hija de alguno de los personajes cuando era niño, por diversas circunstancias: puede ser que se haya perdido, que haya sido secuestrado por piratas, que haya sido entregado a cambio de algo, etc. Al final de la obra aparece, y casi siempre es reconocido por alguna señal que tiene o por algún objeto que le fue entregado. En otras ocasiones hay algún personaje que da fe de que aquel chico o chica es quien dice ser. Con eso, los protagonistas que pretendían casarse se enteran de que son hermanos y no lo pueden hacer, o que son padre e hijo o hija, con lo que la obra termina en fiesta.El "prologus" precede a la obra. Expone la intención, el protector de la obra, el motivo por el que la ha escrito, y la exposición del tema. A veces su justificación. En algunas ocasiones es suficientemente oscuro, pero cuenta con la colaboración del espectador, porque de lo que se trata es de atraerse al público. Habla directamente a los espectadores y les hace cómplices de la trama. A veces es un dios el que presenta la obra y los personajes, otras veces un personaje especial que sólo realiza el prólogo. Hace alusiones conocidas por todos de manera que predispone a una mejor escucha y comprensión de la obra. Es una especie de guiño escénico. En estos versos de Casina se ve cómo, incluso, algunos prólogos se rehacían después de ver el éxito de la comedia:

Nos postquam populi rumores intelleximusStudiose expetere vos Plautinas fabulas,

Antiquam eius edimus comoediam.Desde que hemos oído las aclamaciones del pueblode que vosotros deseabais ardientemente las comedias de Plautohemos vuelto a poner en escena esta antigua comedia

ARGUMENTOS

AululariaLa comedia de la olla. El avaro Euclión ha encontrado una olla llena de monedas. La trama de la comedia son las preocupaciones del avaro para que nadie se entere de que la tiene, y ve ladrones que se la quieren quitar por todas partes hasta en las situaciones más normales.

Miles gloriosusEl soldado fanfarrón. Ya su mismo título nos lo dice: Pirgopolínice es un soldado, además de fanfarrón, simple. Cuenta por todas partes sus éxitos imaginarios, y se cree que esos éxitos van a ser la llave de muchas puertas, sobre todo la que él más desea que es la de su joven vecina; pero al final tiene que bajar a la realidad.

AmphitruoAnfitrión es el esposo de Alcmena, a la que pretende Júpiter. Éste se hace pasar por su marido para estar con ella, y de esa unión nace el héroe Hércules. Júpiter se hace acompañar por Mercurio, que toma el aspecto del esclavo Sosias. Cuando llegan los verdaderos Anfitrión y Sosias surgen los malentendidos que dan pie a la comicidad.

Menaechmi

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http://inicia.es/de/aforismos/aforismos_iv.htm#Hic

Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalDos hermanos gemelos que se parecen muchísimo y que son confundidos constantemente, aunque no se conocen entre ellos. Sin embargo, sin saberlo, han tenido los mismos avatares en su vida.

Han sido utilizados posteriormente sus temas, sus situaciones y sus personajes: Molière, Shakespeare, Racine, etc., han utilizado a Plauto para alguna de sus obras: p. ej.,

"L'avare" de Molière, imita la "Aulularia"; “El Anfitrión” del mismo autor francés, imita a “Amphitruo”; etc.

Personajes Personajes de Curculio

Hemos de decir que los personajes de las comedias, aun con nombre griego, son reconocibles en todas las épocas. Han sido trazados de forma magistral, de manera que han sobrevivido a sus autores y han tomado vida propia.Los personajes se repiten, pero no son los mismos: su carácter y su psicología varían de una comedia a otra, y en cada una tienen un aspecto y una personalidad diferente, aunque el tipo sigue siendo el clásico, por ejemplo, un parásito o un hábil esclavo.

Los viejos libertinos En casi todas las obras aparecen los viejos libertinos y calaveras que se arrepienten y que no quieren que sus hijos les imiten, pero que a veces vuelven a sus viejos hábitos. A veces son rivales de sus hijos en asuntos amorosos.

Los jóvenes Buscan engañar a su padre y unirse con la joven a la que aman en secreto.

El esclavo hábil y astutoPor lo general estos no lo pueden hacer solos y necesitan de la ayuda de un esclavo hábil y astuto, ladrón por necesidad y mentiroso, para que se salgan con la suya, engañando a su padre y desafiando los golpes y los castigos. Generalmente también ellos se aprovechan de la situación.

El traficante de esclavasSuele ser indispensable en las obras de Plauto el traficante de esclavas (leno). Avaricioso y corrupto, cínico y deshonesto, es el personaje odioso de las comedias y contra él van todas las situaciones antipáticas y ridículas.

El parásitoEl parásito, que se invita a comer en las casas de los ricos por medio de sus adulaciones y buenas palabras, soportando bajezas e incomodidades.

Las mujeresLas mujeres, muchas de ellas, las que más juego dan, son las cortesanas. Aparecen también mujeres maduras, esposas amantes; mujeres chismosas, metomentodo.

Las jóvenesLas jóvenes de condición libre, que aceptan el amor del joven, y que son amables, simpáticas y bellas.

TERENCIO P. Terentius Afer 185? - 159? a. C.

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalEl Africano", nació en Cartago, y llevado a Roma como esclavo. Fue liberto del senador Terentius Lucanus, y participó en los círculos más selectos de Roma, como amigo de Laelius y Scipio, los dos representantes de la cultura griega en Roma.Se distingue de Plauto por ser más preciso en la descripción de los sentimientos, aunque menos en la intriga de la obra teatral. Matiza mucho los caracteres y la psicología de los tipos tradicionales, pero dándoles ternura y delicadeza. Se nota en su lenguaje que trataba a personas de condición social distinguida.Sólo se conservan seis obras: (La muchacha de Andros); (La suegra); (El que se castiga a sí mismo); Eunuchus; Phormio; (Los hermanos).

TEATRO ROMANO

1.- INTRODUCCIÓN El teatro era el único género literario que en la época de la helenización de la cultura latina se había enriquecido ya en Roma con una rica tradición popular. Efectivamente, el carácter itálico se distinguía por una tendencia a la chanza, a lo grotesco y a lo mordaz (el italum acetum a que se refirió Horacio) que desde antiguo se plasmaba en representaciones improvisadas de gran raigambre popular. Entre estas manifestaciones preliterarias relacionadas con la escena destacan las "farsas atelanas" y el "mimo". Las farsas atelanas surgen entre los oscos y son pequeñas representaciones bufas basadas en la vida cotidiana y en la que aparecen tipos fijos representados por actores no profesionales cubiertos por máscaras: el viejo estúpido (Puppus), el jorobado (Dosenus), el glotón (Buccus), y el joven atolondrado (Maccus). Cuando por influencia de la helenización de la escena romana comienzan a representarse tragedias, las atelanas pasan de ser un género dramático menor a representarse a continuación de las mismas como exodium. El mimo era representaciones en que las tanto hombres como mujeres sin máscaras daban vida a escenas de la vida diaria partiendo de un texto en prosa. En la evolución del teatro romano va adquiriendo cada vez mayor popularidad, desplazando a las atelanas en el exodium de las tragedias. El origen del teatro y de las representaciones dramáticas regladas debe vincularse a la helenización general de la cultura romana tras la primera guerra púnica; la presencia de tropas romanas en el sur de Italia y en Sicilia no es ajena a este helenización. El teatro es el más claro ejemplo, aunque no el único, de esta habilidad de la civilización romana para apropiarse de manifestaciones artísticas de otros pueblos impregnándolas de su propio espíritu. Según la tradición las primeras representaciones dramáticas se deben a Livio Andrónico (c.284/204 a. de C.), a quien se le encargó, al parecer en el 240, la puesta en escena de un tragedia y una comedia traducidas del griego para celebrar los "ludi Romani" con motivo del fin de la primera guerra Púnica. En la denominación que la literatura latina utiliza para las obras dramáticas no se habla de tragedias y comedias; el término habitualmente utilizado para cualquier tipo de representación es "fabula". La distinción entre unas formas dramáticas y otras se basa más bien en el origen del asunto tratado y en la caracterización de los personajes en escena. Distinguían así los siguientes tipos de dramas:

TRAGEDIA Fábula crepidata o coturnata: Tragedia de asunto griego; se caracterizaba

porque los actores usaban el "coturno" o bota alta característica de los actores trágicos griegos.

Fábula praetexta: tragedia cuyo tema se basa en la leyenda o en la historia romana. Toma el nombre de la toga orlada que llevaban los hombres ilustres en Roma.

COMEDIA

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval Fabula palliata: comedia latina de asunto griego. Recibía este nombre porque los

actores se cubrían con el "pallium" o manto griego. Fabula togata: comedia sobre temas y personajes romanos. Los actores vestían

la toga.

Tampoco existió en Roma en los primeros tiempos una especialización de los dramaturgos en trágicos y cómicos. Los iniciadores del género, Livio Andrónico y Nevio, escribieron indistintamente obras de argumento trágico y cómico, sólo a partir de Plauto se observa una tendencia a ceñirse a uno de los géneros. Los distintos tipos dramáticos tuvieron desigual suerte en su desarrollo y, de la misma forma, su conservación y transmisión también ha sido desigual. La tragedia de argumento griego (fabula crepidata) y, en bastante menor medida, la de asunto romano se cultivó con cierta asiduidad entre el 240 y el 90 a. de C., fecha en que muere Accio, el último trágico de la época de la República. Sin embargo conocemos poco de esta actividad dramática: los nombres de varios autores -Ennio, Pacuvio y Accio-, además de algunos títulos y fragmentos. A partir de este momento la tragedia decayó y no se tiene noticia de ninguna tragedia en el último siglo de la República. En la época del imperio el gusto del pueblo por los espectáculos circenses y por el mimo relegó la producción dramática, y más concretamente la de asunto trágico, a los círculos intelectuales donde era recitada; se cargan así las tragedias de ese tono retórico característico de la mayor parte de la literatura de la época de Claudio y Nerón. De este período conservamos las tragedias escritas por Séneca el Filósofo, únicas que nos han llegado completas y entre las que se incluye una praetexta, que no debe considerarse obra suya. La fabula palliata está en cambio magníficamente documentada en las obras de los dos grandes cómicos de los primeros siglos de la República: Plauto y Terencio. La comedia dejó prácticamente de escribirse y representarse en el siglo I a. de C., ante la competencia del mimo que había ido evolucionando hacia un tipo de farsa licenciosa, con gran número de personajes y que llegó a ser extraordinariamente popular. Aunque la mayor parte de las obras dramáticas que nos han llegado están basadas en originales griegos, sin embargo la libertad en el trabajo de adaptación es total. Los autores latinos no sólo introducen situaciones nuevas y referencias a su momento histórico, sino que también utilizan en una misma obra argumentos de distintos originales griegos e incluso escenas de autores distintos. Este procedimiento se conoce con el nombre de contaminatio y es particularmente visible en las comedias de Plauto y Terencio.

2.- LA COMEDIA

2.1.- Características generales El desarrollo de la comedia literaria basada en originales griegos (fabula palliata) se vio mediatizado por la existencia desde antiguo, según hemos señalado más arriba, de formas escénicas muy elementales (atelanas, carmina fescennina, mimo), pero profundamente arraigadas en el gusto popular. Nevio consiguió, sin apartarse de los modelos griegos, introducir en sus comedias algunas notas de color itálico que acercó la palliata al público; en esta línea continuó Plauto que consiguió para la palliata un nivel general de aceptación. Sin embargo la competencia con las formas dramáticas autóctonas fue una constante en la evolución de la comedia en Roma, y en la preferencia del público por ellas está la clave de la corta vida de la comedia en comparación con otros géneros también tomados de Grecia. La fabula palliata se inspira directamente en la Comedia Nueva ateniense; se denomina así a la última fase de la comedia ateniense que se desarrolla aproximadamente entre el 325 y el 263 a. de C. Los máximos representantes de esta Comedia Nueva son Dífilo, Filemón y Menandro. Era una comedia de costumbres que reflejaba la vida privada de las clases acomodadas. En esta

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalcomedia burguesa la acción gira en torno a la vida y costumbres de una serie de tipos fijos: el esclavo avispado, el viejo avaro, el joven enamoradizo, soldados fanfarrones, cortesanas desenvueltas, doncellas honestas, etc. Las situaciones de la comedia nueva eran atemporales y se podían fácilmente adaptar a otro tiempo y a otro lugar. Como ya se ha dicho, a partir de Nevio fue práctica habitual la contaminatio: utilizar más de un original e incluso en ocasiones más de un autor como modelo. Los autores romanos utilizaron la forma griega para acentuar lo que en la comedia más se aproximaba al gusto de los espectadores romanos: las situaciones equívocas, los dobles sentidos, la parodia, etc. Se produjo en cierto sentido una latinización de la comedia que culmina cuando se ponen en escena tipos y costumbres de la vida cotidiana de Roma, surgiendo así la fabula togata. La fabula palliata tenía una estructura formal tomada de sus modelos griegos y, aunque no siempre encontramos la misma estructura, podemos distinguir en ella las siguientes partes: *Didascalias: son obras de los gramáticos posteriores. en ellas se consignan el nombre del autor, titulo de la obra, datos sobre la fecha y circunstancias de su estreno. Igualmente se recoge el nombre de la obra griega utilizada como modelo y el de su autor. No siempre han existido o se han conservado; todas las obras de Terencio se nos han transmitido con su didascalia correspondiente, sin embargo la mayor parte de las comedias de Plauto carecen de ellas.

Argumento: es un resumen de la obra realizado también por los gramáticos posteriores.

Prólogo: exposición del argumento a cargo de un actor o de un personaje simbólico. Los prólogos de las comedias latinas son una magnífica fuente de información sobre el teatro de siglo II a. de C. Los prólogos de Plauto son joviales, pretenden divertir y, además de su carácter expositivo, incluyen chistes y advertencias jocosas a los espectadores. Los prólogos de las comedias de Terencio tienen una

mayor profundidad y contienen la réplica del autor a los ataques de que era objeto; dada la importancia de los prólogos en las obras de Terencio, volveremos sobre ellos al ocuparnos de su autor.

Diálogo o diverbia: partes dialogadas en verso. Cantica: parte del texto de las comedias que se cantaba con acompañamiento de

flauta. En el teatro de Plauto, como veremos más tarde, estas partes cantadas tienen un amplísimo desarrollo.

2.2.- Autores de palliatae Aunque Livio Andrónico y Ennio cuentan entre sus obras dramáticas con algunas comedias, con anterioridad a Plauto sólo Nevio mostró mayor inclinación hacia este género. Ya hemos aludido a su tendencia a introducir en sus comedias tópicos itálicos para acercarlas al público. Poco sabemos sobre el carácter y estilo de sus comedias porque sólo tenemos escasos fragmentos, pero los títulos -Los carboneros, El alfarero, El adivino...- sugieren temas de la vida común. Sin duda alguna podemos conocer de forma bastante exacta el desarrollo de la comedia latina gracias a la obra de dos grandes comediógrafos de la época republicana: Plauto y Terencio.

2.2.1.- PLAUTO (c 255 a.C.- 189 a. C.) Fue el más popular de los autores de comedias y dominó absolutamente la escena romana desde el 215 a. de C., fecha de su primer éxito escénico, hasta el 184 a. de C., año de su muerte o, al menos, de su última representación. Plauto nació en Sarsina, ciudad de Umbria, hacia el 255 a. de C. y abandonó pronto esta ciudad. La mayor parte de las informaciones que poseemos sobre la vida y obra de Plauto proceden de Varrón, erudito del siglo I a. C., que dedicó grandes

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalesfuerzos a llevar alguna claridad sobre las circunstancias de la vida del poeta umbro. Se sabe que en su juventud trabajó en el entorno de compañías dramáticas (Varrón utiliza la fórmula in operis artificum scaenicorum), donde pudo adquirir su conocimiento poco común de los aspectos técnicos y del repertorio tanto griego como romano. Al parecer posteriormente se dedicó al comercio y fracasó; como consecuencia del endeudamiento provocado por su actividad comercial se vio forzado a trabajar como esclavo en un molino. En esta situación escribe tres comedias que obtienen un rápido éxito y que lo convierten, ya hasta su muerte, en el ídolo de los espectadores. Desde el 215 y durante un trentenio aproximadamente produce para la escena un abundantísimo número de comedias. Plauto es el primer poeta romano que se especializa en un sólo género literario; sus contemporáneos Nevio y Ennio no sólo conjugan dentro de la actividad dramática comedia y tragedia, sino que, probablemente llevados por el ambiente heroico de estos primeros años de expansión de Roma, componen también poemas épicos. En Plauto no encontramos alusión alguna al momento político, ni utilización satírica de cosas o personas relacionadas con el Estado: su elección es el género cómico que se acomoda a su talante jovial e inclinado a la risa fácil sin segundas intenciones. En este sentido Plauto es una personalidad excepcional en la literatura latina; sus obras están llenas de la gran alegría de vivir y del espíritu burlón de su autor. De la enorme popularidad de Plauto da fe el hecho de que ya en el momento de su muerte circularan como suyas unas ciento treinta comedias. Varrón, en su estudio sistemático de la obra plautina, estableció como auténticas sin ningún género de dudas veintiuna comedias de esas ciento treinta atribuidas. Todas sus obras son palliatae, basadas en originales griegos de la "Comedia Nueva"; su relación según el orden en que aparecen en los manuscritos es la siguiente: Amphitruo, Asinaria, Aulularia, Captivi, Curculio, Casina, Cistellaria, Epidicus, Bacchides, Mostellaria, Menaechmi, Miles Gloriosus, Mercator, Pseudolus, Poenulus, Persa, Rudens, Stichus, Trinummus, Truculentus y Vidularia, ésta última está en estado fragmentario. En estas comedias se repiten con escasas variaciones tipos y situaciones, de forma que resulta difícil, por no decir imposible, establecer un criterio de clasificación; el único título que conviene a todas es el genérico de "comedia de enredo" con múltiples complicaciones y situaciones cómicas. Sin embargo, con algunas reservas y para facilitar su aprendizaje, se pueden agrupar las comedias plautinas bajo los siguientes epígrafes:

Comedias basadas en el equívoco o cambio de personas: Bacchides, Amphitruo, Menaechmi.

Comedias basadas en el "reconocimiento", es decir en el descubrimiento del verdadero origen y condición de determinadas personas y que da lugar a un súbito cambio de fortuna: Cistellaria, Curculio, Epidicus, Poenulus.

Farsas cómicas. Asinaria, Persa, Casina. Comedias de caracteres: Pseudolus, Truculentus. Comedias en las que confluyen motivos y situaciones: Aulularia, Captivi,

Trinummus, Miles Gloriosus. Plauto no oculta en ningún momento que sus obras están basadas en otras griegas; utiliza para referirse a su trabajo el término "vertere" (traducir) y, en ocasiones, cita el autor y la obra que utiliza como modelo. Sin embargo, como hizo Nevio con anterioridad, maneja los modelos griegos con una absoluta libertad; no sólo mezcla fragmentos de distintas obras y de distintos autores griegos (la ya comentada contaminatio, de la que Plauto hace un amplio uso), sino que además modifica el original cortando o añadiendo, insertando recursos cómicos típicamente itálicos, recreando situaciones con mayor fuerza cómica y, en definitiva, dando lugar a una comedia totalmente diferente, profundamente romana. La finalidad última del teatro plautino es divertir: pretende conseguir un efecto cómico en cada escena, aunque para ello tenga que sacrificar la lógica interna de la acción. Para lograr el efecto cómico deseado no le importa al autor caer en contradicciones, anacronismos e incongruencias; la caracterización de los personajes es a veces extravagante y las situaciones se alargan frecuentemente más allá de lo

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalverosímil, Todo ello contribuye a dar a las comedias de Plauto un carácter fantasioso que es su principal virtud y que las convierte en intemporales. También en el campo de la estructura formal se distancia Plauto de sus modelos griegos, creando una forma nueva de comedia con entidad propia. Como ya se ha comentado, desde Livio Andrónico el teatro romano concede mayor importancia a las partes cantadas que el teatro griego; Plauto acentúa esta tendencia, creando una comedia en la que la parte dialogada o recitada (diverbia) ocupa en la mayor parte de las obras sólo un tercio del total. Los cantica se enriquecen en su estructura y en su métrica; no sólo incluyen parlamentos y recitados al son de flauta, también se encuentran fragmentos melodramáticos (arias, solos, duos) interpretados con acompañamiento instrumental. Este carácter melodramático de las comedias de Plauto, unido a su lenguaje cotidiano y popular de gran fuerza cómica, les confiere un carácter propio e inconfundible. Plauto gozó siempre de una gran acogida entre el público y sus comedias se siguieron representando con gran éxito mientras existió una tradición teatral viva en Roma. Durante el clasicismo de los últimos años de la República y de la época de Augusto la popularidad de Plauto sufre un cierto retroceso por influencia de los grandes poetas del momento, en particular Horacio, a quienes disgustaba en general la literatura de la época arcaica. A partir del Renacimiento Plauto vuelve a ser leído y representado, ejerciendo sus obras gran influencia en el teatro inglés del siglo XVI. Como muestra de esta influencia de las comedias plautinas en el teatro europeo de los siglos XVI y XVII baste decir que La comedia de los errores de Shakespeare utiliza el argumento de Menaechmi y que El avaro de Moliére recuerda al Euclión de la Aulularia

2.2.2.- TERENCIO (185-4? a. C.) La vida del segundo de los grandes comediógrafos latinos está marcada por dos factores determinantes: por un lado, su brevedad, ya que no se extendió más allá de veinticinco o treinta y cinco años; por otro, su estrechísima relación con la aristocracia filohelénica que se reunía en torno a los Escipiones y que es un factor imprescindible para entender las comedias de Terencio. Publio Terencio Afer nació en Cartago, en el norte de África; su fecha de nacimiento es incierta. Suetonio, biógrafo del siglo I de nuestra Era que escribió una extensa "vita" del poeta, da como fecha para su nacimiento el 185/184 a. de C.; sin embargo, algunos estudiosos de la literatura latina proponen adelantar la fecha hasta el 190. Se sabe con seguridad que, siendo todavía adolescente, llegó a Roma como esclavo del senador Terencio Lucano, quien le dio una esmerada educación y le concedió la libertad. Como era costumbre adoptó el "nomen" de su patrón, Terencio, y mantuvo en el "cognomen", Afer, la referencia a su procedencia geográfica. Probablemente en casa de su amo y protector conoció y se ganó la benevolencia de los espíritus cultos y refinados de la ciudad. Roma vivía un momento excepcional, comenzaba su expansión victoriosa por el Mediterráneo oriental, y parte de la aristocracia romana había adoptado el ideal cultural griego; en el llamado Círculo de los Escipiones se reunían filósofos (Panecio), historiadores (Polibio), retores (Leilo) y poetas (Lucilio), todos movidos por el mismo deseo de difundir e integrar en la literatura latina las formas literarias griegas. A este mundo culto y refinado pertenece Terencio y con frecuencia se le ha considerado como su portavoz. En el año 160 a. C. emprendió un viaje a Grecia por causa que desconocemos y en el transcurso del mismo, en circunstancias igualmente oscuras, falleció. Suetonio da como fecha de su muerte el 159. La corta carrera dramática de Terencio se extiende por espacio de seis años; entre el 166 y el 160 escribió seis comedias palliatas, cuyas fechas de estreno conocemos perfectamente, ya que todas se nos han transmitido con su correspondiente didascalia. La mayor parte de sus comedias siguen originales griegos de Menandro, el más moderado y moral de los autores del Comedia Nueva. La relación de las comedias de Terencio según el orden de su representación es el siguiente:

Andria ("La mujer de Andros"), estrenada en el 166.

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval Hecyra ("La suegra"). El primer estreno, que fue un sonoro fracaso, tuvo lugar en

el 165. Heautontimoroumenos ("El atormentador de sí mismo), en el 163 Eunuchus ("El eunuco"), en el 161 Phormio ("Formión"), en el 161 Adelphoe ("Los hermanos"), en el 160. En este mismo año tiene lugar el segundo y

tercer intento de estreno de Hecyra, que sólo en el tercer intento consigue el éxito. Como se puede observar, a diferencia de Plauto, el éxito de público no fue para Terencio algo inmediato, si bien cuando se produjo, en concreto con el Eunuchus, éste fue rotundo. Pero no sólo tuvo que enfrentarse el poeta con la indiferencia y frialdad del público en sus primeras obras, sino que durante toda su corta carrera dramática tuvo que hacer frente a la crítica de otros poetas dramáticos y literatos. A defenderse de estos ataques consagró el poeta los prólogos de sus comedias, y en ello es totalmente original. El prólogo, como ya hemos señalado, era un elemento fundamental en las obras dramáticas. Generalmente en Grecia, tanto en la tragedia como en la comedia, se utilizaba el prólogo-exposición, en el que se presentaba de forma concisa el tema de la pieza teatral. Muy excepcionalmente, la Comedia Nueva añadía a la exposición de la trama el elogio de la obra y de su autor (prólogo-elogia). Plauto utiliza todo tipo de prólogo, aunque prefiere el prólogo-benevolencia. Terencio rechaza los prólogos-exposición por considerarlos groseros y convierte los suyos en prólogos literarios en los que intenta dar respuesta a las acusaciones que se le formulaban, razonaba sobre los modelos utilizados y exponían sus ideas sobre su obra. El conjunto de los prólogos terencianos son una magnífica fuente para el estudio de su autor. Las respuestas de Terencio nos permiten conocer qué críticas se le formulaban. Se le acusaba de aceptar colaboración de sus nobles amigos para escribir sus comedias, de plagiar trozos y personajes de otros autores romanos, de "contaminar" los originales griegos y de debilidad de estilo. Después de la muerte de Plauto los gustos habían cambiado y los círculos literarios no aceptaban de buen grado la latinización de los originales griegos. Terencio se somete al gusto imperante y mantiene en sus comedias el ambiente griego. Huye deliberadamente del chiste fácil, de las tramas complicadas, del recurso a la caricatura, en definitiva de todo aquello que había conferido a las comedias de Plauto su peculiar estilo. En Terencio toda la comedia gira en torno a la caracterización de los personajes, las inconsecuencias y el contraste entre ellos es el medio escogido por el poeta para provocar la hilaridad, que siempre será moderada, más próxima a la sonrisa que a la abierta risa de Plauto. Quizá este sea unos de los puntos débiles de la obra de Terencio: sus obras son de un gran altura desde el punto de vista lingüístico, la caracterización psicológica de los personajes está lograda, pero el conjunto carece de fuerza cómica. La nota dominante de sus comedias no es la burla, sino más bien la piedad, la ternura y la melancolía. Sus personajes son amables y no guardan relación alguna con los estereotipos caricaturescos pintados por Plauto. En las comedias de Terencio los esclavos son serviciales, los hijos respetuosos, los padres afectuosos y preocupados, las matronas respetables, etc. En conjunto traza unos cuadros de menor efecto cómico, pero de gran valor humano. Terencio pretende escribir obras de teatro de un elevado nivel artístico. Su lengua es de gran pureza y elegancia. Desde la época imperial se le proponía como modelo de "sermo urbanus". En resumen, Terencio por sus conocimientos literarios, por sus gustos elevados, por su estilo elegante alejado de toda vulgaridad,es un representante cualificado de lo que en su época se llamó "humanitas", cualidad que el propio poeta resumió admirablemente en este conocidísimo verso: Homo sum: humanum nil alieni puto (Heautontimoroumenos v.25).

3.- LA TRAGEDIA

3.1.- La tragedia en la época de la República

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalComo ya se ha indicado la tragedia comienza en Roma después de la conquista de Tarento en el 272 a. de c., que supuso a su vez la "conquista" de Roma por la cultura griega, según recoge el célebre verso de Horacio: Graecia capta ferum victorem cepit. Desde esta época hubo poetas que tradujeron o vertieron al latín dramas griegos, Se piensa generalmente que la tragedia no alcanzó nunca en Roma la popularidad que lograron la comedia y otras formas escénicas. Quizá la razón de esta opinión generalizada resida en que sólo nos quedan escasos fragmentos de las tragedias de la época republicana y su carácter retórico los hace poco atractivos. Pero lo cierto es que la tragedia tuvo una larga vida en Roma; se siguió representando por espacio de más de doscientos años y los romanos de la época clásica conocían y apreciaban a Ennio, Pacuvio y Accio como grandes trágicos.

3.2.- La tragedia durante el Imperio: SÉNECA (Lucio Anneo)(4? - 65 D. C.) Durante los primeros años del principado de Augusto se confirma la tendencia a la desaparición de la tragedia y de otras formas de drama literario con pretensiones escénicas. Ya en gran parte del último siglo de la República se había constatado la ausencia de otras nuevas para su representación. Por otra parte, el paso del tiempo había dado lugar a cambios tanto en el estilo como en los gustos literarios, lo que hacía que las obras de los tragediógrafos republicanos parecieran cada vez más arcaicas y rudas a medida que pasaba el tiempo. El público romano, menos cultivado que el griego, mostraba preferencia por los espectáculos circenses y, dentro de los espectáculos escénicos, el mimo, las atelanas y las pantomimas sustituyeron a las obras dramáticas de mayor valor literario. De esta forma en el siglo I d. C. la tragedia se convierte en un ejercicio literario dedicado exclusivamente al recitado y la lectura en círculo literarios e intelectuales. La última representación de una tragedia nueva de la que se tenga noticia oficial tuvo lugar en el año 29 a. C; se trata de la puesta en escena del Thiestes de Lucio Varo Rufo promovida por el propio Augusto para celebrar su victoria en Actium. Algo más tarde tenemos noticias de una segunda tragedia del poeta Ovidio titulada Medea. Ambas obras de la época augústea se han perdido completamente y sólo conocemos los títulos y referencias de los estudiosos de los géneros literarios como Quintiliano. Dado este estado de cosas, resulta sorprendente que precisamente las únicas tragedias que se nos han conservado completas se sitúen en este período en el que su representación había caído en desuso. Efectivamente, existe un "corpus" de diez tragedias, integrado por nueve "fabulae coturnatae" más una "praetexta", atribuidas a Séneca el Filósofo (5-65 d. de C). De ese conjunto de obras, ocho son con toda seguridad de Séneca: Hércules Furens, Troades, Phoenissae, Medea, Phaedra, Oedipus, Agamemnón, Thyestes; una, Hércules Oateus, es de atribución dudosa y la "praetexta", titulada Octavia, no puede ser de ninguna manera obra suya. No se sabe exactamente qué lugar ocupan cronológicamente las tragedias en el conjunto de la extensísima obra de Séneca. Generalmente se ha considerado que fueron escritas en su primera época, con anterioridad a la redacción de sus tratados filosóficos, pero lo cierto es que no hay ningún dato objetivo que corrobore dicha opinión. En cuanto a la relación de las tragedias senequianas con sus originales griegos, hay que decir queSéneca sigue la práctica habitual en el teatro latino y mezcla distintas obras griegas en una misma tragedia. Utiliza en mayor medida como modelo las obras de Eurípides que la de los dos trágicos anteriores. Aunque sigue habitualmente las versiones tradicionales de los mitos, difiere notablemente en su tratamiento escénico; Séneca demuestra un gusto especial por los detalles truculentos, por la desmesura en la expresión de los sentimientos y pasiones que lo alejan de la tragedia clásica griega; sus personajes, cuyo análisis psicológico es riquísimo, tienen un código de valores morales radicalmente distinto al de los personajes de Eurípides. Su estilo es marcadamente retórico, caracterizado por la precisión y el laconismo que se expresa frecuentemente por medio de aforismos y sentencias. Las tragedias de Séneca no tuvieron gran influencia en su época, pero en cambio ejercieron

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalun profundo influjo a partir del siglo XV en el teatro italiano e inglés. Los manuscritos de las obras de Séneca recogen también una tragedia praetexta, titulada Octavia. Es la única obra de su género que se nos ha conservado, pudiéndose afirmar hoy con toda certeza que no es el filósofo cordobés y que debe fecharse en una época ligeramente posterior, durante el reinado de los primeros Flavios. Utiliza como argumento la desdichada vida de Octavia, hija de Claudio y Mesalina, obligada a casarse con Nerón y asesinada después en el exilio.

La Lírica en RomaLa literatura romana se conformó a partir de la literatura griega que le sirvió de modelo. entre los muchos poetas romanos, hay que destacar fundamentalmente a -Virgilio (70-19 a J.C) escribió al principio de su carrera las églogas, diez poemas pastorales elegantes y vivos que se convirtieron en modelos perpetuos en su género llamados las Bucólicas. A estas siguieron las Geórgicas, poemas llenos de gracia sobre la vida de los agricultores. - Horacio (65-8 a J.C) se convirtió en el maestro de la oda adaptando hábilmente los metros griegos al latín con el concurso de su propia voz llena de gracia. De su mejor poesía se desprende también un humor chistoso. Uno de sus poemas más conocidos es aquel que empiza con las palabras Beatus ille... (feliz aquel...). -Marcial cultivo y perfeccionó la más corta de las formas poéticas, el epigrama, que con sus cortos y socarrones versos fueron modelo en su género.

La Narrativa en Roma Destacaron unas pocas figuras, entre ellas Lucio Apuleyo con su Metamorfosis (a menudo traducida como El asno de oro) es una narración en prosa entretenida que trata de un hombre que se convierte en asno por equivocación y narrea su historia desde el punto de vista del animal. Incluye también la historia, elegantemente relatada, de Cupido y Psique.

El Teatro en Roma Se conservan 21 obras de teatro del primer genio verdadero de la literatura romana, Plauto. La comedia fue la aportación romana más firme para el desarrollo del drama; las obras vivas y ágiles de Plauto sirvieron de modelo a la comedia europea posterior y han sido representadas e imitadas hasta hoy. Su mundo de amos ignorantes, esclavos astutos, doncellas inocentes y jóvenes sin esperanza que se enamoran absurdamente fue heredado por el segundo genio romano cómico, Terencio. Sus obras son más tranquilas y graciosas que las de su predecesor, menos divertidas, pero quizá más conmovedoras.

http://sapiens.ya.com/jomicoe/literatura_latina.htm#CONTENIDOS

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EDAD MEDIA

Cronología

476 Caída del Imperio Romano Occidental 527 Comienzo del Reinado de Bizancio, del Imperio Bizantino711 Ocupación árabe de España 768 Comienzo del Reinado de Carlomagno 843 Tr. de Verdún. División de Europa y surgimiento de Italia, Francia y Alemania.

2ª mitad del s. IX Se instala el Feudalismo 987 La dinastía Capeto se apodera de la corona francesa 1099 Se inician las Cruzadas a Jerusalén 1154 La dinastía Plantagenet toma la corona inglesa 1215 La Carta Magna en Inglaterra limita el poder del rey y crea el Parlamento 1244 Cruzada para acabar con los herejes de Francia

2ª mitad del s. XII Resurgimiento de las ciudades. Nace la burguesía 1337 Comienza la Guerra de los 100 años 1378 Gran Cisma de Occidente, tres papas reinan a la vez 1453 Los turcos toman Constantinopla. 1492 Cristóbal Colón llega a América.

Decaimiento de la actividad teatral.

Poder de la Iglesia Cristiana (Católica) Pueblos bárbaros bélicos e impetuosos (celtas, vándalos, sajones, francos, etc.) Rastros de la cultura clásico greco-romana

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Tipos de Drama en la Alta Edad MediaSimilar en casi toda Europa (entre siglos V y XII)

1. Drama Litúrgico: oficio religioso cristiano2. Drama cómico: expresión cómico profana3. Teatro Erudito (Literario) profano y cristiano (Hrosvita)

1. Drama Litúrgico: oficio religioso cristiano Altar de la Iglesia >>> Puerta del templo >>>> Atrio >>>>> Plaza Pública Misa, Iglesia >>>>>>> Corporaciones o gremios (ministerium – mester -

oficio) Religioso >> ceremonia ritual en el altar mayor: oficio sobre el nuevo

testamento. Elemento didáctico, catequístico. Drama litúrgico >>>> Misterios o milagros >>>> moralidades. En su primera etapa permanece estrechamente ligado al rito. Ejecutado por los ministros (sacerdotes) en latín. Con escenario múltiple y simultáneo cuyo centro es el altar. Principalmente drama de temas religiosos. Sin respeto a las tres unidades “aristotélicas” Actores aficionados pertenecientes a corporaciones, gremios o

hermandades.

2. Drama cómico: expresión cómico profana Herencia de la comedia clásica y el teatro popular A cargo de mimos, mendigos, trovadores, juglares. Poco a poco se transforma en un drama mixto. Surge a partir del espectáculo cómico de los Histriones:

Bufones, Trovadores y Juglares (de joculatores o joculares)Saltatores, thymelici, bufones, gladiatores, praestigiatores, palestridae.

Participan de las fiestas populares como las antiguas “saturnales carnavalescas romanas”, las “libertates dicembris” o “la fiesta de los tontos”.

En Italia los joculatores o joculares Francia Jongleurs del “joueurs de personnages”

Adam de la Halle compone el “Jeu de Robín et Marión” y “Jeu de Adam”

3. Teatro EruditoProfano: Imitación de Drama Greco Latinos por una elite, que lee y compone obras sin mayor repercusión. Copias de obras de Plauto y Terencio.

Teatro erudito religioso: Dramas sagrados de estilo clásico como el de la monja Hrosvita de Gandersheim (¿935-973? D.C): monja sajona, autor de obras de ingenua moral, comedias que imitan la técnica de Terencio, que pretenden valorar la castidad como virtud cristiana. Entre sus obras destacan: Galliano, Dulcio, Calíamaco,

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalAbraham, Panfucio y Sapientia (sabiduría). Todas leídas en conventos y estudiada sólo por filólogos.

EVOLUCIÓN DEL DRAMA RELIGIOSO MEDIEVALDrama litúrgico al drama popular

Finalmente se mezclan en los teatros nacionales en la baja E. Media (s XIII >>) dando origen a un teatro religioso con elementos del drama popular, pagano y folclórico.

TEATRO DIDÁCTICO RELIGIOSO - POPULARDrama Litúrgico

Carácter litúrgico, catequístico dentro del oficio religioso (misa)

En el altar, interior de la iglesia

Representado por sacerdotes dentro de la misa o servicios.

Celebrados en fiestas religiosas

Representación de pasajes bíblicos (autos)

Acción llena de ritos simbólicos en latín.

Situaciones simples, catequística, con personajes tipificados (virtudes y vicios)

Drama mixto

Carácter religioso, popular, ilustrativo.

En el atrio o patio de iglesia y monasterios.

Por artesanos, sociedad o hermandades.

Mezcla de fiestas populares y fiestas religiosas.

Se introducen elementos y personajes cotidianos. (diableries)

Gran parte en lenguas locales (romances)

Situaciones inspiradas en pasajes bíblicos y/o leyendas cristianas populares: alegorías, ritos, cuadros vivos, etc.

Drama religioso – popular

Carácter festivo, popular, religioso, intercambio-comercial.

En la plaza pública, en la calle (ciudades-burgos). Escenarios naturales-urbanos, simultáneos, “mansiones”, carros.

Repr. y producido por gremios o hermandades, artesanos.

Fiestas populares y actividades comerciales, ferias y transacciones.

Se introducen elementos del teatro pagano-popular: mimos, trovadores, bufones, etc.

Se desarrolla en lenguas nacionales y populares.

Situaciones más complejas, personajes con dimensión más sicológica y caracteres:

Auto-sacramentales: Misterios, moralidades, milagros.

También se abre a temáticas populares, amorosas, (inspiradas en literatura bucólicas, pastoriles, romances)

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Drama religioso popularEl drama sagrado o autosacramentales

Consolidación del Drama Mixto

A partir del siglo XII (Baja Edad Media)

Misterios - Milagros - Moralidades.

Proviene del drama litúrgico (con un claro fin DIDÁCTICO) Se pide espectacularidad. Grandes producciones organizadas por gremios, artesanos y sociedad o

hermandades, con vestuarios y decorados complejos. Se representan en ciclos como el “Miracle de Notre Dame”>> Milagros Autosacramentales (España) Mystery o Mystères (Francia) Miracles (Inglaterra) Sacre Rappresentazioni (Italia) Geistliche Spiele (Alemania)

Moralidades – Dramas morales – interludes – moralités.

Sub-géneros de drama religioso popular

Milagros: Dramas religiosos que relatan leyendas populares en que interviene un milagro de personaje sagrado (Virgen María, Jesús, Santos…)

Misterios: Dramas religiosos que relatan pasajes de la biblia (Santo sepulcro, Adán y Eva, pasión y muerte de Cristo, Corpus Christi, Apóstoles, El Diluvio, etc.)

Moralidades: Dramas religiosos que relatan con un fin extremadamente DIDÁCTICO, fin moralizante. Usando personajes alegóricos (simbólicos, personificación de conceptos, por ej: los pecados y virtudes capitales).

Tipos de escenarios

Principalmente Mansiones o escenario múltiple en la plaza pública. En carros, carretones vagons o pageant vagons. Escenarios circulares En menor medida en las ruinas de antiguos teatros greco romanos, tb. Coliseo.

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EL TEATRO RENACE ANTE LOS ALTARES MEDIEVALES

Durante casi dos siglos el teatro europeo yació muerto. Entre el año 400 a.C. y aproximadamente el 1600 no hubo un solo dramaturgo que escribiera una gran obra teatral.

A lo largo de cuatro o cinco siglos, el teatro griego repuso los clásicos del siglo V y produjo insignificantes obras nuevas. En cuatrocientos o quinientos años más el teatro romano decayó como un fruto pasado de madurez. Desde cien años después de la caída de Roma –entre los siglos XI y XIII- no hubo teatros.

El teatro romano, "iglesia del Diablo" Una de las causas que conspiraron contra el teatro romano, fue la hostilidad de la

iglesia cristiana.La decadencia del teatro correspondió al surgimiento del cristianismo. Ya en el

año doscientos de esta era se lo llamaba "iglesia del Diablo". Los cristianos eludían los teatros y, desde el siglo IV los concilios de la iglesia exigían que los sacerdotes se fueran de las bodas no bien aparecieran los actores para tomar parte en las obrillas y farsas que se representaban en esas ocasiones. En el siglo V no se permitió a los actores tomar la comunión, concilios posteriores prosiguieron sus ataques a los histriones, como se llamaba a los actores.

El drama de la misa

El drama que la iglesia católica generó en la última mitad de la Edad Media tuvo sus raíces en la misa de comunión instituida en el siglo IV. La misa fue la ceremonia que con mayor facilidad podía evolucionar hacia el teatro. El núcleo de la misa era fijo y constante, pero a veces se incorporaban "tropos", o sea, palabras o cantos breves. Uno de estos tropos, anotado por primera vez en un manuscrito del siglo IX consistía en cuatro versos en latín que representaban el diálogo entre el ángel y las tres Marías en el sepulcro de Cristo. El obispo escribió el desarrollo de la acción y hasta aconsejó a los sacerdotes acerca del modo de moverse. Un sacerdote personificaba al ángel, y otros tres a las mujeres que acudían a ungir el cadáver. El ángel cantaba en latín y las mujeres replicaban.

Esta sencilla escena resultó tan popular entre quienes la vieron y oyeron que los sacerdotes incorporaron otras más.

Del latín al lenguaje popular

Aunque esta primera referencia a una representación eclesiástica proviene de Inglaterra, es probable que el drama litúrgico, como se lo llama, comenzara en Francia en

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalel siglo IX y se extendiera rápidamente a otros países del continente. En un principio se representó en latín; pasado un tiempo, se repitió cada línea en el idioma vernáculo.

Al aumentar el número de las obras litúrgicas, otros decorados, además del sepulcro de Cristo, invadieron el edificio de la iglesia, como por ejemplo el Cielo, el Infierno y el Limbo, y lugares como casas.

El primer texto, que ha sido representado al exterior, es Adán. Es obvio que parte de su decorado estaba en el frente de una iglesia, pues una indicación escénica señala que Dios entra y sale por una de sus puertas.

El tema de los dramas eclesiásticos recitados al aire libre muestra la confusión que hay a veces acerca del teatro medieval. Se dice a menudo que se dieron las obras en las iglesias hasta que se hicieron tan complicadas en decorados y tan cómicas en su representación del Infierno y del Diablo que las autoridades de la iglesia se lavaron las manos en todo ese asunto y se dieron las obras teatrales a las corporaciones o gremios de artesanos, para que se las representara en la plaza del mercado. La verdad es que Adán fue presentado al exterior por la clerecía en el siglo XII, mientras algunas obras siguieron siendo representadas en el interior de las iglesias y catedrales hasta el siglo XVI.

La plaza del mercado no era el único escenario aparte de la iglesia. Los franceses utilizaron a veces teatros antiguos. Las corporaciones inglesas dieron en ocasiones sus obras en los propios salones, pero habitualmente las montaban sobre carromatos y así las transportaban a todas las ciudades.

Producciones costosas y espectaculares Hay datos de diversas representaciones que son demostrativos de lo costosas

que eran y de la intrincada maquinaria escénica que empleaban. Por ejemplo, hacían moldes de cabezas de diablos o dragones con madera de troncos, diluvios artificiales, animales mecánicos, y utlizaban mucha luz. Los actores, en un principio sólo hombres y más tarde mujeres y niños, recibían, como es natural, una paga por su trabajo.

Dramas sobre ruedas en Inglaterra

Inglaterra contribuyó con un tipo de representación original y complejo: sus "carros para espectáculos". En los siglos XI y XII se representaban los dramas bíblicos en las iglesias, pero cuando fue necesario llevar las representaciones al exterior, los ingleses –que no tenían plazas de mercado amplias, o éstas eran pocas- crearon una especie de espectáculo ambulante que dividía a la obra en porciones pequeñas. Una corporación distinta producía y representaba cada episodio separado del largo texto. Éstos eran interpretados en forma sucesiva en las diversas "estaciones" de la ciudad. De ese modo, en cientos de ciudades y pueblos, unos cuarenta o cincuenta episodios avanzaban por las viejas y sinuosas calles para hallar un nuevo auditorio que aguardaba en cada "estación". Un relato de la época describe el carro para espectáculos como un "teatro...muy grande y alto, ubicado sobre ruedas", y otro lo describe como "un lugar alto construido como una casa con dos habitaciones, abierta la de arriba, para la representación". Los decorados deben de haber sido mucho más sencillos que las "mansiones" en Francia, pero las vestimentas eran tan extravagantes casi como aquellas.

Confusión de tiempos y términos

El tema de los dramas eclesiásticos recitados al aire libre muestra la confusión que hay a veces acerca del teatro medieval. Se dice a menudo que se dieron las obras en las iglesias hasta que se hicieron tan complicadas en decorados y tan cómicas en su representación del infierno y del diablo que las autoridades de la iglesia se lavaron las manos en todo ese asunto y cedieron las obras teatrales a las corporaciones o gremios de artesanos, para que se las representara en la plaza del mercado. La verdad es que Adán

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalfue presentada al exterior por la clerecía en el siglo XII, mientras algunas obras siguieron siendo representadas en el interior de las iglesias y catedrales hasta el siglo XVI.

La plaza del mercado no era el único escenario aparte de la iglesia. Los franceses utilizaron a veces teatros antiguos. Los italianos dieron algunas de sus sacre rappresentazioni en el Coliseo romano. Los españoles las representaron en los corrales de sus ciudades más importantes. Las corporaciones inglesas dieron en ocasiones sus obras en los propios salones, pero habitualmente las montaban sobre carromatos y así las transportaban a todas las ciudades.

Las representaciones eran muy costosas y en ellas se empleaba una intrincada maquinaria escénica; por ejemplo utilizaban troncos para hacer moldes de cabezas, elaboraban también animales mecánicos y diluvios artificiales entre otras cosas.

Los actores, en un principio solo hombres y más tarde mujeres y niños recibían, como es natural, una paga por su trabajo.

Inglaterra contribuyó con un tipo de representación original y compleja: los "carros para espectáculos". En los siglos XI y XII se representaban los dramas bíblicos en las iglesias, pero cuando fue necesario llevar las representaciones al exterior, los ingleses –que no tenían plazas de mercado amplias, o éstas eran pocas- crearon una especie de espectáculo ambulante que dividía la obra en porciones pequeñas. Una corporación distinta producía y representaba cada episodio separado del largo texto. Estos eran interpretados en forma sucesiva en las diversas "estaciones" de la ciudad. De ese modo, en cientos de ciudades y pueblos, unos cuarenta o cincuenta episodios avanzaban por las viejas y sinuosas calles para hallar un nuevo auditorio que aguardaba en cada "estación". Un relato de la época describe el carro para espectáculos como un "teatro... muy grande y alto, ubicado sobre ruedas", y otro lo describe como "un lugar alto construido como una casa con dos habitaciones, abierta la de arriba: la habitación inferior, para arreglarse y vestirse; la de arriba, para la representación". Los decorados deben de haber sido mucho más sencillos que las "mansiones" en Francia, pero las vestimentas eran tan extravagantes casi como aquellas

Por qué se retrajo la iglesia

Hay muchas razones por las cuales la mayor parte de los misterios (obras eclesiásticas) fueron eliminadas de las iglesias. El motivo que se suele dar es puramente material. Tanto aumentaron el número de las mansiones y su complejidad, que dejaban poco espacio en las iglesias, y hasta en las catedrales, para la muchedumbre de espectadores que deseaban verlos.

Sin embargo, podemos hallar una razón más poderosa que explique el éxodo del drama de las iglesias. No sólo se removieron las representaciones a las plazas de la mayor parte de las ciudades y poblaciones, sino que, la clerecía pronto traspasó a los legos de las corporaciones la responsabilidad de escribir, producir y representar los misterios. Sin duda alguna, las cuestiones sobre el teatro en las iglesias se estaban volviendo molestas.

La iglesia católica se había esforzado siempre por extender su influencia haciéndose cargo de las ceremonias y festivales populares, o tolerándolos.

Pero algunas festividades que la iglesia adoptó o toleró causaron serios trastornos. Había ciertos ritos paganos agrícolas que nos retrotraen a los ritos de Dionisos. Naturalmente, algunas de esas ceremonias paganas cayeron bajo la prohibición eclesiástica.

Fiesta de los tontos

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Teatro Clásico Griego, Romano y MedievalLas autoridades eclesiásticas se vieron turbadas por otro festejo popular: la fiesta

de los tontos. Ésta comenzó con bastante inocencia, como una fiesta para el clero menor. Pero durante el siglo XII la fiesta de los tontos se puso sumamente ofensiva. Entonces, en vez de elegir al rey de los tontos o borracho de la parroquia, los clérigos jóvenes comenzaron a llamarlo obispo o papa de los tontos. Comenzaron a permitirse canciones y danzas indecorosas en la iglesia, jugaron a las cartas y dados delante del altar y, finalmente, hicieron burla de la propia misa. Del siglo XII al XIV, muchos eclesiásticos y concilios trataron, con poco éxito, de desarraigar este sacrilegio tan disfrutado por el populacho y el clero menor.

Los papas contra las obras teatrales

Los papas estaban contra las obras teatrales, un ejemplo es el papa Inocencio III quien emitió una bula en 1210, por la que ordenaba la exclusión de los misterios en todas las iglesias. El obispo de Lincoln identificó los misterios con libaciones, y otros obispos censuraron los ludi o comedias populares, y muchos espectáculos representados a veces en terreno sacro o dirigidos por clérigos menores.

Además había problemas con las escenas de los misterios que incluían diablos y el infierno. Estos episodios se habían alargado cada vez más cuando los clérigos que tenían a su cargo las obras descubrieron cuán populares eran entre sus feligreses esas demonologías jocosas.

Al sacar el drama del interior de las iglesias y ponerlo en manos de las corporaciones no se hizo nada por reformar la cuestión. El diablo y sus esbirros se convirtieron en la característica más notoria y apreciada de los misterios. El auditorio sin educación de la época obtenía sin duda igual placer de los tormentos realistas del infierno como de las cómicas malandanzas de los demonios.

El actor profesional

La clase de hombre que se había dedicado mil años antes a interpretar teatro dejaba en la Edad Media su banco de zapatero o su taller de carpintero para interpretar personajes.

Muchos creen que los autores aficionados de farsas en París pronto se hicieron profesionales y presentaron sus comedias en lugares cerrados, cobrando precios reducidos.

LA MÚSICA MEDIEVAL

Como se puede comprobar en las innumerables referencias que aparecen en grabados, códices, pinturas y esculturas de la España medieval, tanto la población cristiana como la musulmana y la judía (1) del país mostraron en la época una enorme afición por la música. Y gracias a la confluencia durante ocho siglos de las tres culturas hispanas, que vivieron entonces momentos de considerable esplendor, la actividad artística será constante en la Península Ibérica y se producirán obras y manifestaciones musicales de enorme interés y trascendencia para la cultura española y europea, en las que los instrumentos de cuerda tendrán un protagonismo destacable.

El auge musical comenzó durante el Califato de Córdoba (s.IX d.C.), uno de los periodos más brillantes de la civilización musulmana en España, en el que tuvieron lugar

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalgrandes avances en ciencias como la medicina, la agricultura, la arquitectura y la astronomía y en el que se difundieron obras filosóficas y poéticas que causaron asombro en Europa. A pesar de que la música era considerada por las leyes religiosas islámicas como un arte indigno que sólo estaba permitido ejercer a esclavos y esclavas, los gobernantes del Califato cordobés, al igual que sucediera en otras metrópolis árabes como Bagdad, Medina o Damasco, no tuvieron reparos en rodearse de numerosos músicos, cantantes y bailarinas y en reclutar a los mejores artistas de Oriente para que animaran la vida de sus palacios.

De esta forma llegó a la Península Ibérica un músico de origen persa conocido como Ziryab (de nombre Abul Hasán Alí ibn Nafí), que con el paso del tiempo se iba a convertir en la figura más importante de la música hispano-musulmana. Establecido en Córdoba al servicio del califa Abderramán II, Ziryab introdujo importantes innovaciones en el arte musical de la época como la incorporación de una quinta cuerda al laúd, instrumento árabe por excelencia del que era un virtuoso, o la enseñanza del canto en tres fases (ritmo, melodía y ornamento). Pero la aportación más trascendente del genial artista a la cultura española será sin duda la composición de miles de nuevas melodías inspiradas en la tradición musical de la población del sur de la Península que se convertirán en la base de la llamada música andalusí (arábigo-andaluza).

Tras el brillante periodo cultural del Califato de Córdoba, la música continuó disfrutando en la España musulmana (Al-Andalus) de una importante actividad en ciudades como Sevilla, Toledo o Granada y como consecuencia de su larga presencia en la Península Ibérica, los dulces y melodiosos sonidos orientales, las canciones de amor y los particulares melismas del canto árabe quedarán integrados y profundamente arraigados en la música española, sobre todo en la andaluza, pues Andalucía fue la tierra que albergó por más tiempo la cultura musulmana. La riqueza del arte hispano-musulmán medieval tendría además en la época una notable influencia en la música de los reinos cristianos en formación y también en la música europea, especialmente en el arte de los trovadores franceses. (2) Y a medida que la población musulmana se iba retirando al norte de Africa ante el avance cristiano su influjo se dejaría notar también en los países del Magreb.

Por otra parte, la primera invasión árabe en el siglo VIII había ocupado la práctica totalidad de la Península Ibérica sometiendo a la población del anterior reino hispano-visigodo, pero casi inmediatamente, la población cristiana que se había refugiado en las montañas de la cornisa cantábrica y de los Pirineos inició la lucha por reconquistar el territorio perdido. De esta forma, tras la creación del primer reino cristiano medieval, Asturias, surgieron otros reinos y condados como León, Castilla, Navarra, Portugal, Aragón y Cataluña que en su empuje hacia el sur consiguieron expandirse hasta los ríos Ebro y Duero (ver mapa ilustración). Y gracias a la liberación de la franja superior de la Península Ibérica comenzaron a introducirse en España las influencias musicales europeas, impulsadas sobre todo por la creciente popularidad en el continente de la ruta peregrina conocida como Camino de Santiago. La llegada a partir del siglo X de centenares de peregrinos europeos que cruzaban cada año los Pirineos para visitar el sepulcro del Apóstol Santiago en la ciudad de Santiago de Compostela trajo consigo una amplia variedad de canciones religiosas y profanas y un número considerable de instrumentos que pronto se difundieron y fueron asimilados por la población hispano-cristiana.

Como consecuencia del fervor religioso de la sociedad europea medieval, el monopolio cultural de la iglesia fue casi absoluto en los reinos cristianos. No obstante, a pesar del férreo control académico eclesiástico y del misticismo que impregnaba la mayor parte de la producción musical de la época, el pueblo llano también pudo satisfacer su

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medievalafición artística gracias a la actividad de los primeros músicos populares que surgieron en España en el siglo IX, los juglares, a los que se unieron más tarde otros conocidos músicos: los trovadores.

Los juglares (y juglaresas, pues había muchas mujeres en el oficio) comenzaron su actividad en los reinos de León y Castilla, donde recorrían pueblos y caminos entreteniendo a la población con malabarismos y recitando, al son de diversos instrumentos, las gestas de los grandes caballeros y las batallas y pasiones entre moros y cristianos. Pero su popularidad creció de forma tan vertiginosa en la Península Ibérica que al poco tiempo su presencia se extendió a otros reinos cristianos e incluso a los musulmanes. Y con la llegada en el siglo XII de la tradición trovadoresca, que se introdujo en la Península Ibérica desde la Occitania francesa a través de los condados catalanes, el repertorio se amplió con nuevas composiciones líricas. Junto a la conocida épica castellana de los juglares, los trovadores ejercieron su arte también en la lírica galaico-portuguesa, donde eran más frecuentes las alabanzas religiosas a Dios y la Virgen.

Durante gran parte de la Edad Media, juglares y trovadores gozaron de un extraordinario éxito en los reinos hispanos, tanto cristianos como musulmanes, y ésto permitió el intercambio de conocimientos y el mestizaje musical al margen de los conflictos territoriales y los recelos religiosos que enfrentaban a unos y otros en la época. Y como consecuencia de su incesante actividad y los continuos viajes que realizaban por toda la Península, juglares y trovadores contribuyeron de manera fundamental a la difusión de las diferentes formas musicales y poéticas de la España medieval y a propagar las lenguas romances derivadas del latín que empezaban a tomar cuerpo entre el pueblo llano, especialmente el catalán, el castellano y el galaico-portugués. Además, la incorporación de juglares judíos y moriscos (musulmanes cristianizados) en la profesión ayudó a que las lenguas árabe y hebrea se mantuvieran vivas en los reinos cristianos.

Ministriles

En lo que se refiere a la música instrumental, juglares y trovadores también cumplieron un papel importante en la España medieval, pues sus crecientes exigencias artísticas propiciarán el progreso técnico de los instrumentos de cuerda que van a destacar en gran parte de Europa a partir del Renacimiento. En sus primeros años, los juglares solían acompañar sus poemas y canciones con la vihuela frotada con arco, que entonces presentaba una apariencia cercana al violín actual, aunque también utilizaron un instrumento parecido, la cítola. Más tarde, sin embargo, abandonaron el arco y pasaron a puntear las cuerdas de la vihuela con plectro (vihuela de péñola) y a utilizar otros instrumentos como las guitarras. Los trovadores, por su parte, recurrieron principalmente al refinado sonido del laúd, por influencia de la tradición occitana, aunque también utilizaron con frecuencia la vihuela y la guitarra latina.

Pero tras sus inicios bohemios recorriendo caminos y villas, la actividad de juglares y trovadores se trasladó a los salones y capillas de castillos y palacios, donde se instalaron como músicos profesionales al servicio de nobles y reyes. Y en ese marco tan aristocrático la técnica instrumental alcanzará su mayor avance, ya que en su nueva función de músicos cortesanos, también llamados ministriles, los antiguos juglares y trovadores cumplirán dos cometidos fundamentales: por un lado, interpretar música culta, refinada e íntima en conciertos de cámara o capilla acompañando a los cantantes, y por otro, amenizar las veladas y fiestas con una música más alegre y desenfadada.

Notas:(1) - La población judía se había instalado en la Península Ibérica desde principios de nuestra era, y durante la Edad Media vivió con relativa independencia tanto bajo dominio musulmán como cristiano, hasta que comenzaron las persecuciones religiosas en los reinos cristianos en el siglo XIII.

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Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval(2) - Los árabes recogieron la sabiduría musical de los clásicos griegos a través de las culturas persa y bizantina, y gracias a los músicos hispano-musulmanes, Europa recuperó la base musical griega que se perdiera en la oscura Edad Media.

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Apuntes Teatro Clásico Griego, Romano y Medieval

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