ARCO se creó en 1981 gracias a la iniciativa de la galerista Juana de Aizpuru y desde entonces, con algunos momentos de altibajos, se ha convertido en el referente de la creación artística en España.

Es preciso señalar que ARCO es una feria con marcada orientación económica y no se trata como otros eventos (Venecia, Kassel) de propuestas culturales más o menos dirigidas por instituciones o comisariada por críticos de arte, curatores o intelectuales vinculados al mundo de la creación.

Este hecho es fundamental para entender qué se puede ver en ARCO.

Se ve lo que los galeristas esperan vender (por ello la repetición de algunos de los monstruos sagrados del arte contemporáneo) y para ello, en muchas ocasiones, acuden a lo que puede resultar más novedoso en el contexto artístico y eso es lo que a los alumnos puede resultar más atractivo.

La visita a ARCO debe realizarse con el sano escepticismo implícito en cualquier proceso vinculado a la práctica del arte en un mundo tan cambiante y relativista en cuanto a sistema de valores como en el que vivimos.

Las imágenes han sido seleccionadas por los propios alumnos sin ninguna mediatización. Ellos son os responsables del criterio y de los comentarios en los que de una u otra forma se terminan proyectando.

SUSY GOMEZ: #211 . 2006 Foto 240 x 180 cmMauro Mauroner Contemporary Art Salzburg - Vienna

He escogido esta imagen porque nada más verla es la que más me ha gustado y llamado la atención. No puede ser una obra pintada ni esculpida, pero es una foto que puede transmitir diferentes sensaciones.La principal comunicación que he visto entre ella y yo, ha sido la relación con la moda que tiene, aspecto que me encanta y al que pienso dedicarme.Parece ser una foto de una modelo con un vestido precioso y tratada para colocar la imagen de una paloma blanca como con alas de agua extendidas y puesta sobre la parte del cuello de la joven. Luego en la parte inferior de la imagen se encuentra una mancha entre las piernas de color azulado con lentejuelas (todo era imagen) rojas y alguna en menor cantidad amarilla, todo con un aspecto descendente. Luego otra mancha en la parte inferior izquierda del mismo tono azul pero esta vez degradado.Mi explicación de lo que veo no se si será valida pero es lo que me transmite y es algo rara… para mi la paloma blanca significa algo puro por el color, y paz y libre por el animal que es, las alas como de agua no las entiendo pero queda esteticamente muy bien eso si. La mancha entre sus piernas, las lentejuelas rojas recuerdan ala menstruación porque están como que salen de entre las piernas y cae…que el fondo de la mancha sea azul…nose.Sea lo que sea, la fotografía me encanta. Irene de la Cuesta Ruiz

El titulo de esta obra es STILL STEAL STEEL que viene a decir como robar todavía Acero, en la placa venia seguido de un #5 por lo que e investigado este autor cuenta con más obras del mismo estilo, el artista es SUODH GUPTA pintor. Este cuadro tiene unas dimensiones de 199 por 364cm, realizado en petróleo y esmalte sobre lienzo, esta obra pertenece al estilo de arte contemporáneo hecha en 2008.Es una obra en la que aparecen diversos materiales de cocina en las que se encuentran desenfocadas, y me pareció llamativa por la luz que emitía el cuadro al natural y me hizo pararme durante varios segundos para intentar adivinar los elementos que el autor había pintado

Adrián Álvarez

JUAN GENOVÉS : Arco II   acrílico sobre tela y tabla. 180x200 cm.

Se encuentran dos grupos muy numerosos de personas, uno a cada lado del arco. Utiliza mucho el juego de llenos y vacíos, lo que le lleva a tener una composición cuidada. La luz proviene de la parte alta del cuadro, la podemos percibir por las sombras que desprenden los cuerpos de las personas dibujadas. Utiliza diferentes técnicas ya que una parte del dibujo (central, arco) es plana y otra (personas) tienen un cierto relieve. No te hace pensar que es un cuadro muy detallado, pero al ver de cerca las personas se ven los brillos y volúmenes que a dado a las ropas,las cabezas... algo sí detallado. Utiliza un punto de vista alto,hace sentir al autor que esta encima de la obra. es una obra del 2008; el año pasado ya vimos alguna obra de este mismo autor y al igual que este año me llamo la atención. He elegido esta obra por su técnica, su forma de plasmar los volúmenes con un volumen real. Este autor en otros cuadros se ayuda de elementos como algodón,papel...para plasmar ese volumen. me llamó la atención su perspectiva. Me gustó que sin definir cada persona se viera claramente lo que es,hacia donde mira... que transmita un movimiento.

Esther Rosillo

La obra es de NIKHIL CHOPRA, es una foto y se titula “¿Qué voy a hacer con toda esta tierra?”.

El protagonista de la foto es un hombre vestido con ropa de otras épocas, como las que llevaban militares o gente de alto rango. Tiene la mirada perdida en el fuego y esta solo.

La elegí porque me pareció extraño, ya que nunca había pensado en qué era lo que pensaba la gente cuando llegaba a colonizar un sitio…lo que sentía al descubrir una tierra nueva.

Lo que expresa esta foto es soledad, tristeza, no tener a nadie con quién compartir aquello que se ha descubierto, aquello nuevo y bello…estar tirado en el bosque, sin saber qué hacer y por dónde comenzar

Esta obra también me gustó porque, a diferencia de muchas, tenía un título que le daba coherencia, no cómo el resto que son o “Untitled” o cosas por el estilo. A parte de tener título, es uno que conlleva un significado y no es otro titulo como “Hombre y fuego”, que a veces uno se encuentra con obras así.

Me hace reflexionar sobre si lo que uno desea, es realmente lo que uno quiere. Si lo que uno ansia le va a satisfacer, o se va a encontrar ante una hoja en blanco, con demasiadas cosas que rellenar, y un vacío enorme…Y eso te lleva a pensar y pensar.

Y después de pensar mucho y llegas a la única pregunta: ¿Qué voy a hacer con todo esto?

 

Verónica Benavides

JAN FABRE: Ik men mijn eigen brein II (I Drive my Own Brains II) , 2008. Pintura sobre silicona médica, encere y textil, cuero y metal.

 

Dudaba entre distintas obras a elegir, pero me he quedado con ésta porque me resulta bastante interesante y porque “cuenta” muchas cosas.

Me resulta curiosa porque me he documentado y el muñequito de la obra, es el autor de la misma y la fecha que pone en la obra, es la de su nacimiento. Sabiendo esto, me gusta más de lo que ya me gustaba ésta obra.

Creo que quiere expresar que él es el que manda sobre su cerebro y a su vez, sobre sus pensamientos, acciones, etc., desde que nació.

El caso de que esté montado sobre su cerebro llevado por las riendas, expresa que él lleva las riendas de su cerebro, y que él manda sobre sí mismo.

Creo que podría ser una obra con fines hacia el espectador y querer decir que si él “conduce sobre su propio cerebro”, todo el mundo debería hacerlo sobre el suyo propio.

 

 María Obregón Matos

El cuadro es de JOAN MIRÓ, artista contemporáneo en la que todas sus obras tienen unas características similares pero que detenidamente son completamente diferentes, estaba tenían expuesto en Arco 09 por el precio de 9.000 euros con marco incluido, Miró jugaba mucho con colores y formas simples, deformaba una imagen a su estilo y eso era lo que lo hacía único en su tipo de arte, son cuadros muy bien compuestos por el peso de las zonas, en este consta de una figura en el centro de forma cuadrada, negra para que destaque respecto al fondo, que mayoritariamente en todas las obras de este suele ser blanco, esa misma figura negra tiene en su interior un rectángulo amarillo, juega aparte de con el amarillo con el verde que son dos colores plásticos y muy vivos que juntos van muy bien, no consigo interpretar lo que con ello quiere expresar, encima de la figura negra esta una persona que se puede apreciar claramente, aunque también puede tratarse de un vehículo de dos ruedas y eso explicaría el otro circulo, no lo puedo saber ya que no he conseguido encontrar información de esta obra en concreto, si de una persona se tratara vería la cara negra los brazos trazados con líneas simples y el cuerpo azul, rojo, y verde como si la mezcla de los dos se tratara, en una esquina hay una forma negra y rebaja esa fuerza dándolo más equilibrio a la composición creando un brazo en la imagen negra del centro así el cuadro está equilibrado visualmente y al verlo no te declinas inconscientemente a la parte de arriba a la derecha, tres puntos difuminados de diferentes colores reflejan los planetas alejados esos colores claros dan una estética al cuadro más viva quitando los colores oscuros y poco intensos que utiliza en la composición como un amarillo sucio o un negro, las estrellas son asteriscos alargados y muy simples una vez más en la parte izquierda para ayudar a equilibrar el peso al brazo negro como si de una balanza se tratara, el cuadro por supuesto que no está bien dibujado, por supuesto que es muy simple de hacer, pero es perfecto tal y como está, por su composición, por el equilibrio y el dinamismo, o por el razonamiento que tiene respecto a las obras y que habría que estudiarlo muy detenidamente, como lo que en verdad es el cuadro y no lo que nosotros podemos ver, la obra no sé cómo se llama por qué no la he encontrado en Google pero se ve a simple vista quien es el autor.

Sergio Garrido

 CHINTAN UPADHYHAY Elegí su obra por la multitud de colores que tenía el cuadro, me llamó la atención la figura y la forma que tenía, los colores que utiliza son colores fuertes y vivos que resaltan la expresividad del cuadro, en la mayoría de las obras aparece la imagen ya sean bebés u otras figuras... y su sombra. En los cuerpos que dibuja se pueden observar imágenes como si estuvieran tatuadas. Es un artista visual , en sus obras se pueden ver "bebés" que están pintados como si fueran "robots"o "cybors". Sus obras tienen que ver con las clonaciones y los medios genéticos y tecnológicos. Chintan tiene en su mente, el sujetar un cuerpo como un dispositivo artificial, reemplazar el cuerpo. La pornografia a sido siempre preferencia de Chintan.

Álvaro González

MARINA ABRAMOVIC: The family III, 2008 Tirage chromogénique marouflé sur dibond 180 x 225 cm

Este cuadro lo vi antes de ir a ARCO en una revista y me llamo la atención porque es un cuadro muy triste donde se ve claramente las diferencias entre una niña pobre a la que explotan de una forma muy violenta y que se ve obligada a manejar con armas desde sus primeros años de vida, y una niña adinerada o de clase media a la que sus padres le dan todo. Creo que todos los niños y niñas del mundo tenemos derecho a vivir nuestra infancia y opino que con este cuadro la artista quiere decir eso. Por que esas niñas se vean obligadas a vivir en una situación de guerra y pobreza seguro que cuando duermen sueñan con tener cariño, amor… a eso hará referencia la cama.

Cristina López

JORGE PINEDA: Mambrú. 2006.Nueve figuras;cedar wood,lead,fabric;each 60x4x8 in (152.4 x 10.2 x 20.3 cm)

He elegido la obra de Jorge Pineda por que es lo que mas me ha llamado la atención. Cuando la vi, y me informe sobre ella preguntando a la señora que había. Son una serie de muñecos mambrú,”el niño que se fue a la guerra y no volvió”. Jorge Pineda ha puesto en fila a varios muñecos armados aparentemente iguales, pero tienen sus caras cubiertas, como si fueran con verdugos pero cada muñeco la tiene de unos colores “Estan uniformados solo por la actitud corporal, cada uno tiene su propia individualidad, sus efectos y sus defectos”.Con esta obra a mí me da a entender que quiere expresar la bestialidad del ser humano, el silencio obligado, la incomunicación, la perdida de valores, es como una transformación del ser humano en animal, que por lo que me he informado muchos de los escritores se suelen basar en este tema ahora para tratar sus obras.Yo doy a entender que se basa en la bestialidad del ser humano por que como unos niños tan pequeños pueden estar preparados y armados para ir a la guerra a matar a gente en vez de jugar, ir a la escuela ha aprender....y no estar preparados ya para ir a la guerra en vez de disfrutar de su niñez. Alba Mª Velázquez Rodríguez

TONY OURSLER: Untitled  100 x 84 x 84 técnica: fibra de vidrio, proyección y herramientas

Tony Oursler en su obra Influence Machine muy parecida a la obra en cuestión (untitled) representa un homenaje al código Morse usado por personas que se comunicaban por este medio con el mundo de los muertos. En mi opinión nada más que vi esta obra me entró un escalofrió sentí a la vez miedo y confusión, no me imaginaba nada así en ARCO una reproducción de una mujer con aspecto lúgubre intentando simular a una persona muerta en un objeto con forma de ovoide con hacha clavado y con una sierra atravesándolo (a mi esto me recordó a los típicos zombis de las películas de miedo),me alucinó también el juego que hacía con las luces y las sombras dando aspecto de duda y la voz de la mujer, espectacular. Este autor quiere expresar que sus obras son espejos intentando que nosotros nos identifiquemos con la obra. En mi opinión la obra tendría que haber estado en otro lugar ya que donde estaba había mucha luz y si no hubiera tanta tendría mas sombras por lo tanto reflejaría mas incertidumbre y daría mas “morbo” a la obra, por otro lado también respecto al lugar esta obra estaba al lado de una proyección de mariposas llena de vida, aunque puede que esto la dé mas expectación a la obra al pasar de una a otra. Para mi un error en la obra a sido el idioma del video dado que estamos en España, ya se que el ingles es un idioma internacional pero si estamos en España las cosas tienen que estar en español.

Jorge García

RODRIGO OLIVEIRA

Asiduamente estamos en plena exposición de redes modulares que pasan desapercibidas en nuestras vidas cotidianas. En esta ocasión es la inspiración de Rodrigo Oliveira que lo aplica a la obra de arte. A continuación realizaremos un breve análisis de la obra.

La disposición de un panel que juega con degradados de color partiendo de un azul para finalizar en amarillo, a su vez, apuesta por el uso de vanos que se reflejan en el espejo proporcionándonos una sensación de tridimensionalidad formando una serie consecutivas de elementos geométricos. Asemejándose a las ventanas de una edificación de viviendas.

La obra tiene una composición sencilla, pero que se hace compleja visualmente. Resultándonos atractiva y de gran potencial visual, formando una obra única y diferente dependiendo del espectador que aparece manifestado en ella.

Luis Avila

FERNANDO GUITIÉRREZ / HUANCHACO : Sin Título Óleo sobre MDF  2008

He elegido esta obra porque fue una de las que más me llamó la atención de ARCO, principalmente por sus colores, realismo, y por lo cómico que tiene. Me he estado informando un poco, y el artista, nacido en Perú en 1978, empezó a hacer cuadros con aires de cómic, sobre un personaje llamado Superchaco. Por las obras que he visto de este artista, se le podría encajar en el hiperrealismo, debido a la técnica que utiliza y el detalle que alcanzan sus cuadros. Todos tienen multitud de colores, bastante llamativos, y en casi todas mete textos con caracteres chinos o japoneses. La viñeta que aparece en esta obra es muy cómica a mi parecer (tanto en el sentido de cómic” como en el de gracioso). El personaje que figura a la derecha, es una Tost-Hada (se centra en ella en otra obra también expuesta en ARCO). Viéndola de cerca, se aprecia el dominio que tiene del óleo, ya que están muy detalladas tanto las caras, como las vestimentas, y los detalles

Jorge Valle

SANTIAGO YDÁÑEZ: Sin título.

No titula ninguna de sus obras porque cree que es forzarlas y que no lo necesitan. Está hecha con acrílicos, en tonos oscuros que le dan un aspecto más lúgubre. Es un autorretrato. Primero se ha hecho la foto y después lo ha pasado a pintura. La he escogido porque fue de las que más me gustó, por su expresión, por los colores y la forma en la que está pintado.

Andrea Muñoz

HEIKO BLANKENSTEIN : “When you breath in, i breath out” (Cuando tu aspiras, yo espiro) 2009 - Caja de luz 90 x 127 cm.

Este cuadro me llamó la atención por el método que utilizó: la caja de luz. Además, solamente con la utilización de un contraste alto (un negro y un verde), ha hecho un dibujo con precisión y bien definido. También los temas que representa no son muy comunes en el arte, explora los principios cognoscitivos de metafísica humanista y los sistemas de teoría del caos. Heiko Blankenstein crea las composiciones fuerte lineares que representan fenómenos naturales no vistos.

Cristina Fernández Labrador

RAFAEL SENDIN: Oborvki , 1996227,44x 156,49 cm impresión de fotografía sobre metacrilato

El autor, en su obra, realizada como antes he dicho sobre metacrilato, utiliza una fotografía en la cual podemos apreciar un paisaje de una playa de cantos rodados, con un mar de fondo, y unas nubes que parecen reflejar un atardecer, o un día un poco oscuro; juega de una manera especial con el espectador dejando libre un hueco en el cuadro, pudiendo ver el material sobre el que está hecho.

Este hueco es la silueta de una persona, y lo que hace con el propio espectador es crearle un efecto como que él fuera al mismo tiempo obra y espectador, y a la vez, como si pudiera estar viviendo en ese justo momento la que el autor quiso reflejar esa fotografía.

 Si analizamos más detalladamente la fotografía de este artista podremos decir que el foco de atención lo fija en la silueta del hombre que es el reflejo del propio espectador. podemos observar también las sombras de esta fotografía, viendo claramente que van de izquierda a derecha marcando también el movimiento que recorren los ojos al mirar la fotografía. La forma vendría dada por la silueta de metacrilato del cuadro, y el fondo, por la profundidad del horizonte que viene marcada por el mar.

El formato que usa es una lámina de metacrilato de tamaño rectangular. en la obra casi no podemos apreciar el gramaje de la fotografía. El autor utiliza un gran plano general para poder reflejar el personaje y el paisaje del fondo. la iluminación de la fotografía es natural, aunque luego al ponerla en una exposición las luces sean artificiales. de la tonalidad podríamos decir que esta realizada en color. la obra es plana pues su formato es una plancha de metacrilato, pero la foto refleja una profundidad determinada, haciéndonosla ver como si fuera en 3d. la foto ha sido tomada al aire libre, la imagen podría situarse en un lugar concreto como puede ser una playa.

Hay dos planos, uno la silueta, y otro el fondo que la conforma. En mi opinión creo que no es una foto instantánea, sino que ha habido un previo estudio.

 Escogí esta obra porque me impactó el juego que hace entre ella y el espectador, y porque al verla me pareció impresionante

Jaime Fresno

RODOLPHO PARIGI: “She lost control” (ella perdió el control), 2009

Respecto a la obra en si, cabe decir que es un cuadro pintado con acrílicos y óleos utilizándolos de forma simple, sin difuminar y con tonos mate con bastante pigmento, pintado sobre lienzo de dimensiones de 200 x 200 centímetros. A mi parecer es una obra abstracta, sus formas geométricas están trazadas con precisión y parecen simular una especie de ciudad futurista. El peso de la obra está centrado en el medio, donde podemos apreciar unas formas más finas y delicadas que todo lo demás, que pueden representar de una forma abstracta una mujer, ya que se ve el pelo. Es un cuadro hecho con fuerza, con pasión que da una sensación alegre. A mí, personalmente, me ha llamado la atención esta obra por las dimensiones y el colorido tan llamativo que tiene sobre un fondo blanco.

Nuria San José

IAN MONROE : Long Term Tendencies, 2006; vinilo sobre aluminio 201 x 201 cm.

Utiliza aspectos tridimensionales con formas de todo tipo, insertando formas poligonales y formas lineales.

Los colores que utiliza son muy bien contrastados con el fondo dando mas fuerza a las partes de adelante que resalten, que tengan mas fuerza sobre las partes de atrás. Utiliza un juego de espacios un poco raro, quedando zonas unas por encima de las otras. Elegí esta obra porque me pareció una obra muy interesante en el aspecto de que es un cuadro no muy grande que resalta a la vista.

Me gustan mucho los colores que utiliza sobre todo para el fondo, que da una sensación como de espacio, y la perspectiva y profundidad de las formas.

Jairo Prieto Merino

KENICHI YOKONO: Carved Word and enamel- dreamy gaze 4, 2008

 He elegido esta obra por que me llamo la atención, y por que me pareció muy interesante la forma de representar escenas cotidianas de esa manera, usando solamente esos dos colores. Me gusto el uso de un formato redondo en vez de cuadrado como suele ser normal.

La obra esta compuesta por dos cuadros de las mismas dimensiones (91 x 91) en formato redondo. Todas las obras de esta artista están relacionadas, todas son en blanco y rojo y en todas aparecen escenas cotidianas y normalmente aparecen mujeres como las de estas dos obras.

Elisa Ortega

HUGO ALONSO RUÍZ: Carneóptica. Acrílico sobre lienzo; 150 x 150, 2007

 Es carne óptica, carne azul que se enreda sobre sí misma y se mezcla con el resto de sus semejantes en un escenario poliédrico y cambiante, donde una puerta abierta siempre se acaba convirtiendo en un sitio de tránsito, en un mero clic, una ventana más de tantas otras cuya actualización nunca acaba de tener lugar ya que es un elemento permanentemente cíclico. Es una crítica al “video-basura”…algunas de las películas descargadas no son más que monstruos de sus originales, con un sonido autónomo y una imagen rota característicos de la baja calidad necesaria para una rápida circulación. Cualquier información se puede abordar de manera simultánea por multitud de vías, que a su vez se ramifican hacia otras direcciones cuyo abanico engloba el amplio espectro que va desde el official site al blog personal. “YouTube” ha sustituido, o más bien reinventado, una televisión que parece agonizar rodeada de sus propios excrementos. Todo es anónimamente personal. “Me interesa la idea de desmembramiento, exceso y caos enunciada por quienes han dirigido su trabajo hacia el campo de la denominada ‘nueva carne’, pero mi intención es llevarla a un terreno en el que ya no son las vísceras de los cuerpos las que explotan y agreden la retina del espectador, sino las entrañas de las imágenes que se pasean por dentro de nuestra pantalla de LCD y se comprimen y estiran hacia el infinito hasta salpicar el teclado del ordenador con sus píxeles.” Para mí, este cuadro es de un estilo surrealista con características pictóricas de Dalí, que se aprecian claramente en el desmembramiento de los cuerpos, como si de alguna forma se derritiesen, igual que los relojes de Dalí en “La persistencia en la memoria”. Me gusta el tema que trata por que lleva razón, hay muchísimos videos, no solo en “YouTube”, como indica aquí Hugo Alonso, que hacen daño a la vista, o incluso al corazón, hay tal saturación de información que ya hay cosas que no se deberían filmar o fotografiar. Respecto a la técnica que ha usado, me parece impresionante la capacidad que tiene para conseguir esos tonos grisáceos, y borrosos de la televisión que aparece al fondo. Y una curiosidad, se aprecia una banda azul que recorre en la parte derecha del cuadro, que se entrecorta en dos líneas blancas, que son el perfil de esa banda, con los cuerpos desmembrados, después se entrecorta en otras dos líneas discontinuas negras y blancas, que si las observas fijamente con los ojos se verá que parece que se mueven. Eso se llama ilusión óptica.  Daniel Martín Ordax

ISAAC MONTOYA: Fantasmas, 2008. Fotografía en caja de luz/ duratrans 180 x 275 centímetros.

He elegido ésta obra porque se puede decir que hay tres obras en una y esto me ha llamado la atención. La imagen cambia de forma con una especie de plástico de color, que el autor ha llamado Efecto FF (Filtro Fantasma).

La primera imagen es como la vemos con nuestros propios ojos y la segunda y tercera con el “filtro fantasma”. A cada uno las imágenes les dirá una cosa, a mí la primera me transmite como una situación de felicidad, de una situación incontrolada y las dos últimas, una situación como de agonía, de tristeza…por causas diferentes. La segunda parece que sufre por la pobreza y la tercera por la pérdida de un ser cercano.

María Rueda

ERIK SCHMIDT: Von Fremden Früchtestehlen240 x 170 cm. Óleo y yeso sobre lienzo

Realmente he cogido esta obra porque me ha llamado la atención la cantidad de pintura que ha gastado el autor.

Bajo mi punto de vista la figura que sale al fondo deja imaginar al espectador que lo que sale al fondo puede llegar a ser lo que él quiere que sea.

Respecto a los colores, creo que es interesante el cómo con colores tan vivos a primera vista y oscuros en segundo plano, crea la sensación de tapar algo oscuro con algo vivo.

Irene Sánchez Ibáñez

DARYA VON BERNER: Fuera de lugar (Prostitución) 170cm altura

Un tema tan común como es la prostitución aparece una vez más en nuestras vidas, en esta ocasión se manifiesta en forma de obra de arte. Un expositor donde podemos exponer nuestras joyas: rojo y blanco; pasión y pureza; erotismo, pasión, exaltación…Y es que, un dulce nunca amarga a nadie -¿Gusta?- -¿Quiere?- y, es así, como nos muestran la prostitución, pero hay otra cara. La prostitución podemos considerarla como una profesión más en las que existe una oferta y una demanda como podría darse en cualquier empresa de servicios. La obra nos ofrece la visión de las diferentes castas en la red de la prostitución de la típica “puta” de clase baja a la señorita de compañía pasando por los valores intermedios. He escogido esta obra, porque me parecía interesante ya que nunca había visto una crítica de estas características, no obstante en otros ámbitos ya existen.

María García de la Fuente

Se trata de una obra hiperrealista (conocido también como realismo fotográfico o realismo radical surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo xx ), el autor es chino y a sido comprada por una galerista china esta pintura se logra a base de sacar una fotografía y ya sea por medio de un proyector o de una cuadricula rellenar los cuadrados para que se asemeje lo máximo posible a la imagen. esta obra en concreto cuesta unos 55.000 euros.En mi opinión es bastante cara si tenemos en cuenta que no es una pintura que demuestre maestría sino que se realiza rellenando cuadritos, aunque eso si es un verdadero trabajo de "chinos", no suele tener un concepto ni hablar de algo en particular simplemente es una pintura que presenta una especie de juego para el espectador de si es una fotografía o es verdaderamente una pintura .He de decir que a mi sí me gusta ya que es una pintura a la que no tienes que buscar significado simplemente representa algo de una forma evidente y a la vez te gusta sin tener que pensar de lo que habla, y esto actualmente no es muy frecuente.

Roberto de Roa

LILIANA PORTER: Forced Labor. 2008. Escultura - mixta

 No sabría decir muy bien por qué elegí esta obra, supongo que en un principio lo que me llamó la atención fue el contraste de colores, el azul intenso de la arena y el blanco de la balda. No entiendo la relación que existe entre estos elementos y el hombrecito pequeño con el carretillo, que parece que acaba de atravesar la arena. También las formas circulares que se insinúan en esta deben de ser importantes en el significado de la obra.

Alba Qora López

JEAN-MICHEL OTHONIEL: Twin Lovers, 2008

Es un collar gigante (100x150x290) realizado con bolas que son cristales espejo y aluminio. No parece una obra de arte que llame la atención porque hace de un objeto cotidiano un objeto de museo y le cambia el uso ya reducido al cuello de una mujer para darle un uso decorativo a cualquier espacio, sobre todo contemporáneo.

Marina Cantabrana