Arte Informal

Con bases en el cubismo, futurismo y dadaísmo de la época moderna, el arte alcanzó una expresión abstracta con gran libertad. Los trazos, colores, volúmenes y formas eran instintivos, pero no carecían de fuerza decisiva, un esbozo apenas perceptible del efecto psicológico que quiere causar el artista con su obra.

Con la corriente del arte informal, el artista busca proponer soluciones creativas por medio de la utilización de materiales diversos: tela, tornillos, vidrio, entre otros; todo esto con el fin de crear algo libre y natural, con una calidad excepcional en el trabajo con aquellos materiales.

También se pueden apreciar obras de esta corriente que tienen una influencia particularmente fuerte del cubismo, donde hay una intención visible del autor en su obra, con la imposición de una retícula activa en la pintura como sucede con Kandinsky. En otros casos, parece que el trazo pierde toda intención y se convierte en meramente instintivo, pero transmite cierta fuerza e intención del artista en su obra, como se pueden apreciar en las obras de Lucio Fontana, a quien le bastaba expresar su arte aún si éste fuera en un sustrato efímero.

Sin embargo, a pesar del carácter espontáneo del arte informal, la expresión de la personalidad del artista no es algo que se pueda realizar tan casualmente. El artista debe de tomar en cuenta los aspectos estéticos de su obra aún cuando lo que desea plasmar pueda no poseer dichos atributos.

El arte informal plantea una forma de expresión nueva, una técnica que nace para romper con los esquemas de las anteriores corrientes, haciendo difícil diferenciar entre escultura, pintura y arquitectura por sus formas de expresión en que a veces se combinan entre sí. El arte informal no se mide por su creatividad únicamente, sino que se debe de apreciar por su técnica tan poco común pero eficiente a la vez.

Abstractos vs. figurativos

ResumenEl crítico reflexiona acerca del arte informal repasando las denominaciones que éste ha recibido: art autre, action painting, art informel, art brut, etc. Romero Brest propone llamarlo arte virginal o inconstructivo, aunque estima estos nombres ser tan inapropiados como todos los demás. Al analizar sus características propias y ubicar esta tendencia, con relación a otras en 1963, evalúa el aporte de los informalistas al cual se ha sumado el de los neo-figurativistas, los cultores del pop-art y del último superrealismo. Finalmente, el crítico considera el hecho de no haber surgido ninguna tendencia absolutamente nueva.

Comentarios críticosJorge Romero Brest (1905-1989) fue un profesor, crítico y gestor en el campo de las artes visuales argentinas. Durante el gobierno de Juan Domingo Perón (1895-1974), al ser demitido de sus cargos oficiales, pasó a dirigir la revista Ver y estimar. Más tarde, el gobierno de facto que derrocó a Perón el 16 de septiembre de 1955, autodenominado Revolución Libertadora, lo nombró Interventor del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, donde, en 1956, asumió como Director hasta 1963. En la década de sesenta estuvo al frente del Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella. El proyecto editorial de Ver y estimar funcionó con la colaboración con un grupo de discípulos surgido de los cursos de historia del arte que dictaba luego de haber sido despedido como profesor por las autoridades oficiales del Justicialismo. En 1960 y a pocos meses de haberse creado el Centro de Arte del Instituto Torcuato Di Tella (ITDT)-dirigido por un Consejo formado por Lionello Venturi, Ricardo Camino, Guido Di Tella y Jorge Romero Brest- se instituyó el Premio Instituto Torcuato Di Tella. Este centro tenía el propósito de cooperar en la difusión y la promoción de las artes visuales, además de mantener contactos con otros centros vinculados a la producción tanto nacional como extranjera. En este marco, el Premio ITDT se creó con la intención de dar una oportunidad a los jóvenes artistas argentinos para enriquecer su experiencia en el extranjero; sin embargo, su realización no sólo permitió el otorgamiento del premio-beca sino que fomentó la circulación del arte internacional en el medio local, convirtiéndose en un referente importante para la renovación plástica del momento. Hasta 1967, este premio se otorgó a los artistas nacionales y/o internacionales, con algunas variantes según el año en cuesión. A partir de esa fecha, cambió de nombre y se transformó en Experiencias Visuales, llamándose sóloExperiencias en 1968 y 1969.   En 1963, Romero Brest renunció a la Dirección del Museo Nacional de Bellas Artes y aceptó ser Director del Centro de Artes Visuales del ITDT. Este año, el Premio ITDT tuvo carácter Nacional e Internacional, contando con la participaron de los artistas extranjeros: Pierre Alechinsky, Janez Bernik, R. B. Kijat, Maryan, Hans Platschek, Achille Perilli, Paul Rebeyrolle, Larry Rivers, Antonio Saura. A su vez, los artistas argentinos seleccionados fueron: Mario Pucciarelli, Clorindo Testa y Rómulo Macció, premiados anteriormente, además de Roberto Aizenberg, Osvaldo Borda, Aníbal Carreño, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé, Rogelio Polesello, Rubén Santantonín, Antonio Seguí, Silvia Torras y Jorge de la Vega. Por otra parte, los Jurados fueron: Jorge Romero Brest, Jacques Lassaigne y William Sandberg. El documento da cuenta de las alternativas de funcionamiento del Premio Torcuato Di Tella; especialmente con relación a la continuación del certamen internacional, el cual permitía difundir la producción de los artistas extranjeros más renovadores del momento y promover la integración de los artistas nacionales en el contexto del Premio. Asimismo, la selección del Jurado —tanto con destacados críticos como directores de instituciones internacionales— manifiesta la voluntad de acercarlos al medio cultural argentino. Es interesante notar que esta

fuente se basa en un texto escrito en 1961. En él, Romero Brest agrega referencias a las últimas manifestaciones del arte, a través de las cuales expresa sus más recientes reflexiones, así como también la resistencia de quienes aún se oponen a estas tendencias.

1. El arte abstracto.

Es un estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza delcolor y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

Abstracción lírica.

La obra de Wassily Kandinsky ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo.

Abstracción geométrica.

La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir de la retícula cubista, a la que progresivamente redujo a trazos horizontales y verticales que encierran planos de color puro. Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su doctrina artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista. En Francia, la abstracción de Fernand Léger (Contrastes de forme, 1913-1914) y la de Picabia (Udnie, 1913) utilizó formas cubistas sin renunciar a la intensidad cromática. En Rusia, tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kazimir Maliévich rompió radicalmente con todas las viejas concepciones del arte al pintar en 1915 Carré noir dando lugar al suprematismo. Paralelamente, Vladímir Tatlin creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se llamaría el constructivismo. Alexandr Rodchenko, tras haber pintado sus tres monocromos (Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro, 1918), y El Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma para ir avanzando hacia una concepción utilitaria del arte que triunfó también en la Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas como László Moholy-Nagy o Josef Albers.

Otras formas de abstracción.

En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada biomórfica, que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por artistas como Joan Miró y Alexander Calder. En el periodo de entreguerras, Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad. El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y

Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de arte informal.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con el Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline) y con el Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still). Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria (Yaacov Agam, Jesús Rafael Soto, Victor Vasarely, Nicolas Schöfer y Bridget Riley, entre otros). El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, con los grupos BMPT y Support(s) - Surface(s) en Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.