Natalia Mosquera Rodríguez 

Diseño Gráfico VIII A 

 

 

LA INFLUENCIA DEL ARTE MODERNO  

Las  primeras  dos  décadas  del  siglo  XX  fueron  una  época  de  efervescencia  y cambios insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana.  El  carácter  de  la  vida  social,  política  cultural  y  económica  sufrió  un cataclismo  en  Europa,  la  monarquía  fue  reemplazada  por  la  democracia,  el socialismo  y  comunismo  soviético.  Los  avances  científicos  y  tecnológicos transformaron el comercio y la industria. Con la llegada del automóvil (1885) y el aeroplano (1903); el transporte cambió radicalmente.  

El  cinematógrafo  (1896)  y  las  instrucciones  inalámbricas  por  radio  (1895) presagiaron  una  nueva  era  en  la  comunicación  humana  con  la  revolución  en Turquía y la declaración de independencia de Bulgaria en el año 1908; las áreas subdesarrolladas  del  mundo  comenzaron  a  despertar  y  a  exigir  su independencia. La lucha con armas de avanzada tecnología y la matanza durante la primera de las dos guerras mundiales perturbaron hasta los cimientos de las tradiciones y las instituciones de la civilización occidental. 

Las  artes  visuales  experimentaron  una  serie  de  revoluciones  creativas  que cuestionaron sus valores, sistemas de organización y funciones sociales. 

Los puntos de vista tradicionales fueron desbaratadores, la representación de la apariencia  externa  no  satisfacía  las  necesidades  y  la  visión  de  la  naciente vanguardia europea, ideas elementales de color y de la forma, la potestad social, las  concepciones de  la  teorías  psicoanalítica  y  de  los  estados  emocionales mas íntimos se apoderaron de muchos artistas. 

Mientras algunos de los movimientos tuvieron una escasa influencia en el diseño grafico,  por  ejemplo  el  fauvismo  y  el  expresionismo  alemán,  otros  como  el cubismo,  el  futurismo,  el  dadaísmo,  el  surrealismo,  la  escuela  de  Stijl,  el suprematismo y el constructivismo tuvieron el impacto directo sobre el lenguaje gráfico de la forma y la comunicación visual de este siglo. 

CUBISMO 

El  cubismo  inició  una  nueva  tradición  artística  con  un  enfoque  distinto  que terminó con 400 años de influencia renacentista en el arte pictórico. 

El nacimiento de este movimiento es Les Demoiselles d’Avignon, Las señoritas de Avignon; del año 1907, del artista español Pablo Picasso (1881‐1973), con base en  las  estilizaciones  geométricas  de  la  escultura  africana  y  del  pintor 

posimpresionista  Paul  Cézanne  (1839‐1906)  quien  hizo  notar  que  el  artista debía “tratar la naturaleza en términos de cilindro, esfera y cono”. 

Las  figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen  las normas clásicas de  la  figura humana,  las  ilusiones espaciales y de  la perspectiva dan  lugar a un giro  ambiguo  de  planos  bidimensionales,  la  figura  sentada  es  observada simultáneamente  desde  una  multiplicidad  de  puntos  de  vista.  Durante  los siguientes  años  Picasso  y  su  compañero  Georges  Braque  (1882‐1963), desarrollaron el cubismo como un movimiento artístico. 

“Cubismo  analítico”  es  el  nombre  dado  al  trabajo  de  ambos  en  los  años  1919‐1912,  durante  este  periodo  estos  artistas  analizaron  los  planos  del  tema  de diferentes  puntos  de  vista  y  utilizaron  estas  percepciones  para  elaborar  una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos. 

En el año 1912 Picasso y Braque introdujeron elementos de collage de papel en su trabajo. El collage les daba libertad de composición, independientemente del tema y declaraban la realidad de la pintura como un objeto bidimensional. 

En  el  año  1913,  el  cubismo  evolucionó  hacia  lo  que  ha  recibido  el  nombre  de “cubismo sintético”. Uno de los representantes de este movimiento fue Juan Cris (1887‐1927).  Este  artista  primero  trazaba  una  estructura  arquitectónica rigurosa,  usando  las  proporciones  áureas  y  una  red  de  composición  modular, luego “colocaba el tema” sobre este esquema de diseño. 

Las  percepciones  de  los  colores,  las  formas,  los  carteles  y  la  arquitectura  del ambiente urbano como vistazos y fragmentos de información están montados en una composición de planos brillantemente coloreados. 

Las estilizaciones casi pictográficas de la figura humana y de los objetos fueron la inspiración principal del modernismo pictórico, que se convirtió en el estimulo fundamental del arte revivido del cartel de los años 20’. Los planos de color, los motivos  urbanos  y  la  precisión  angulosa  de  las  formas mecánicas  de  Fernand Léger  (1881‐1955)  contribuyeron  a definir  la  sensibilidad del  diseño moderno después de la primera guerra mundial. 

 

PRINCIPALES EXPONENTES 

• Pablo Picasso (1881‐1973) • Paul Cézanne (1839‐1906) • Georges Braque (1882‐ 1963) • Fernand Léger (1881‐1955) 

 

FUTURISMO 

“Proponemos  celebrar  el  amor  al  peligro,  la  costumbre  de  la  energía  y  la intrepidez,  valor  audacia  y  rebelión  serán  los  elementos  esenciales  de  nuestra poesía…Afirmamos que la magnificencia del mundo ha sido enriquecida con una nueva  belleza:  la  belleza  de  la  velocidad…Un  auto  de  carreras  que  parece 

moverse  sobre  la  metralla  es  mas  hermoso  que  la  “Victoria  de Samotracia”…excepto en la lucha, no hay mas belleza. Ningún trabajo carente de un  carácter  agresivo  puede  ser  una  obra  de  arte.”  Palabras  publicadas  en  Le Figaro  de  París  el  20  de  febrero  de  1909;  el  poeta  italiano  Filippo  Marinetti (1876‐1944)  fundó  el  futurismo  como  un movimiento  revolucionario  en  todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. 

El 11 de febrero de 1910, cinco artistas que se unieron a Marinetti publicaron el “Manifiesto  de  los  pintores  futuristas”,  Umberto  Boccioni  (1882‐1916),  Carlos Carra  (1881‐1966),  Luigi  Russolo  (1885‐1945),  Giacomo  Balla  (1871‐1958)  y Gino Severini (1883‐1966) de clararon su intención de: 

“Destruir  el  culto  del  pasado…invalidar  totalmente  toda  clase  de imitaciones…elevar  todos  los  atentados  al  rango  de  originalidad…considerar  a los críticos del arte como inútiles y peligrosos…dejar limpio el campo entero del arte de todos los temas y asuntos que han sido utilizados en el pasado…apoyarse y  glorificar  nuestro  mundo,  que  va  a  ser  transformado  continua  y espléndidamente por la ciencia victoriosa”. 

El manifiesto de la arquitectura futurista fue escrito por Antonio Sant’Elia (1888‐1916) 

 

PRINCIPALES EXPONENTES 

• Giovanni Papini (1881‐1956) • Umberto Boccioni (1882‐1916)  • Carlos Carra (1881‐1966)  • Luigi Russolo (1885‐1945)  • Giacomo Balla (1871‐1958) • Gino Severini (1883‐1966) 

 

DADAISMO 

Se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario después de que el poeta  Hugo  Ball  abrió  el  cabaret  Voltaire  en  Zurich,  Suiza;  como  un  lugar  de reunión para poetas, pintores y músicos jóvenes independientes. 

El dadaísmo afirmaba ser el antiarte y poseía un  fuerte elemento destructivo y negativo, rechazando toda tradición, buscó la libertad total. 

Se  revelaron  violentamente  contra  los  horrores  de  la  Guerra  Mundial,  la decadencia  de  la  sociedad  europea,  la  frivolidad  de  la  fe  ciega  en  el  progreso tecnológico,  la  insuficiencia de  la religión y  los códigos morales convencionales en un continente en pleno cataclismo. Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo.  

Asimismo el dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca se la letras como formas visuales concretas, no solo como símbolos fonéticos. 

El  dadaísmo  se  propagó  rápidamente  desde  Zurich  hacia  otras  ciudades europeas.  A  pesar  de  pretender  que  ellos  no  estaban  creando  arte  sino burlándose  y  difamando  a  una  sociedad  que  se  había  vuelto  loca,  varios dadaístas produjeron un arte visual significativo que fue una aportación para el diseño gráfico. Los artistas afirmaron haber inventado el fotomontaje. 

 

PRINCIPALES EXPONENTES 

• Tristán Tzara (1896‐1963) • Marcel Duchamp (1887‐1968) • Raoul Hausmann (1886‐1977) • Hannah Hoch (1889‐1978) • Kurt Schwitters (1887‐1948) 

 

SURREALISMO 

El surrealismo irrumpió en la escena de París en el año 1924 buscando “lo más real  que  el mundo  real,  tras  lo  real”,  el mundo  de  la  intuición,  los  sueños  y  el reino de los inconciente explorado por Sigmund Freud (1856‐1939). 

André  Bretón  (1896‐1966),  participante  del  dadaísmo,  fundó  el  surrealismo  y expresó en el Manifiesto del surrealismo en el año 1924: 

“Surrealismo: sust. Masc; automatismo psíquico puro por medio del cual se  pretende  expresar,  ya  sea  verbalmente  o  por  escrito,  la  verdadera función  del  pensamiento.  El  pensamiento  dictado  en  ausencia  de  todo control ejercido por la razón, la estética o por preocupaciones morales.” 

Este estilo no era un tema estético; más bien, constituía una manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un modo de vida. El surrealismo profesaba una fe  poética  en  el  hombre  y  su  espíritu.  La  humanidad  podía  ser  liberada  de  las convenciones sociales y morales. 

Los  pintores  surrealistas  figurativos  fueron  llamados  naturalistas  de  lo imaginario;  espacio,  color,  perspectivas  y  figuras  están  representadas  en  un naturalismo cuidadoso, imagen es un escape en un sueño irreal. 

 

 

PRINCIPALES EXPONENTES 

• Tristán Tzara (1896‐1963) • Louis Aragón (1897‐1982) • Paul Eluard (1895‐1952) • Giorgio de Chirico (1888‐1978) • Max Ernst (1891‐1976) • René Magritte (1898‐1967) 

• Salvador Dalí (1904‐1989) • Joan Miro (1893‐1983) • Hans Arp (1887‐1966)