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Arte Sacro 2014

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XXIV FESTIVAL DE ARTE SACRODE LA COMUNIDAD DE MADRID

Del 21 de febrero al 6 de abril de 2014


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Arte Sacro 2014




Índice

PRÓLOGO

LAS CIFRAS DEL FESTIVAL

PROGRAMACIÓN

DOCUMENTACIÓN

MÚSICA, TEATRO Y DANZA

Concierto de Inauguración

Las lágrimas de San Pedro, de Orlando di Lasso

Mística, música y poesía ante el Entierro del Conde de Orgaz

Gloria, de Antonio Vivaldi

Música y danza de Oriente

Liszt, teatro sonoro (teatro para niños con música en directo)

Poesía de Santa Teresa y San Juan de la Cruz en concierto

En torno a Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach

Praga Magna. La música durante el reinado de Rodolfo II

Tomás Luis de Victoria para coro gregoriano y coro polifónico

Juan Hidalgo, tonos a lo divino y humano

Tres miradas, tres espíritus

La influencia de la música sacra en la música de cámara

Mística y cantos devocionales

La palabra oculta (teatro con música en directo)

Félix Máximo López y cuatro compositoras del XIX. Música

religiosa para un colegio femenino de Madrid del siglo XIX

Tomás Luis de Victoria

Cantata para un aniversario

¡Gaude Maria!, siglos de música y alabanza

El resplandor del último Beethoven

Illumination (danza)

Ubi Caritas: celebración de Pasión y Gloria

Sonatas del Rosario, de Heinrich Ignaz Franz von Biber

Cantar del alma

Música sacra, del Barroco al Clasicismo

In memoriam

Música original para flauta y órgano

Requiem, de David Popper

Johann Sebastian Bach. Memorias de Leipzig

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama (teatro con música

en directo)

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Piadoso y religioso encuentro galante

La fiesta de Pascua en Piazza Navona

Tenebrae

Góspel afrocubano

Stabat Mater, de Luigi Boccherini

Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Franz Joseph

Haydn

La flauta dulce y Johann Sebastian Bach

Del amor y del dolor

Stabat Mater, de Franz Joseph Haydn

CICLO DE CINE

Francisco juglar de Dios

Un buda

La última cima

El tormento y el éxtasis

Habemus Papam

DIRECCIONES

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El Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid alcanza este año la edición número veinticuatro. Como en anteriores ocasiones, el contenido que lo articula está dedicado a las expresiones artísticas que han dado lugar las diferentes concepciones de la espi-ritualidad a lo largo de la historia. Durante seis semanas, del 21 de febrero al 6 de abril, ofreceremos una extensa programación que contempla música, teatro, danza y cine.

En este dilatado periodo de tiempo, Arte Sacro ha preservado su identidad espiritual y se ha consolidado como una propuesta ya popular entre una parte de la ciudadanía madrile-ña. La aceptación del público, su amplio espectro estético, la revalorización de las obras y montajes, y en ocasiones la revelación de compositores españoles han hecho del certa-men uno de los más importantes de España, y entre los mejores en su género, de Europa.

La temática del Festival se conjuga armoniosamente con los espacios donde se de-sarrolla: edificios históricos, iglesias, palacios o teatros. Con este formato, Arte Sacro contribuye a difundir y destacar el rico patrimonio que poseemos en nuestra región, tanto por lo que se refiere a edificios históricos o iglesias, como a órganos y otros instrumentos musicales en perfecto uso, restaurados por la Comunidad de Madrid.

La programación tiene como hilos conductores la Mística y la Pasión y Gloria, desa-rrollados en trece conciertos o espectáculos. Además, el Festival llevará a cabo varias conmemoraciones. Por un lado, el 400 aniversario del nacimiento del excelente compo-sitor madrileño, poco conocido por el público, Juan Hidalgo, y que consistirá en la re-cuperación musicológica y el estreno de varias de sus obras. Por otro, ofreceremos un homenaje al compositor Claudio Prieto, en su ochenta aniversario, y recordaremos a El Greco con el concierto “Mística, música y poesía ante el entierro del Conde de Orgaz”.

Como en años anteriores, vuelve a ser objetivo del festival difundir a nuestros ar-tistas y compositores y extender nuestra programación por todo el territorio de la Comunidad. En esta edición tendrán lugar 37 estrenos absolutos y estará pre-sente en 20 municipios; contaremos con 34 compañías españolas, de las cua-les 27 son madrileñas, y nos visitarán intérpretes de Alemania, República Che-ca, Israel, Italia, Cuba, Colombia, Sudán, Siria, Argentina y Estados Unidos. Quisiera desde estas páginas animar a todos los madrileños y a quienes nos visiten durante estas fechas a que participen, una vez más, en el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, confiando que todos encontrarán motivos para disfrutar de sus propuestas.

Ana Isabel Mariño OrtegaConsejera de Empleo, Turismo y Cultura

5 de febrero de 2014

PRÓLOGO

Arte Sacro 2014XXIV FESTIVAL DE ARTE SACRO 2014


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FECHAS Y ESPECTÁCULOS Fechas: Del 21 de febrero al 6 de abril de 2014

XXIV edición

La programación está ordenada en 2 apartados:

MÚSICA, TEATRO Y DANZA CICLO DE CINE

En total se presentan:

44 espectáculos Música – 34 Teatro - 3 (con música en directo) Danza – 2 (1 con música en directo) Cine – 5

39 compañías: 33 españolas, 6 extranjeras

55 funciones Música – 43 Teatro - 4 Danza – 3 Cine – 5

43 conciertos

2 conciertos con solistas, coro y orquesta 10 conciertos con solistas y orquesta 1 concierto de coro y orquesta 2 conciertos de orquesta 3 conciertos con solistas coro y órgano 1 concierto con solistas, coro y cuarteto de cuerda 11 conciertos corales 13 conciertos de música de cámara

42 estrenos

Estrenos absolutos: 12 Estrenos en España: 5 Recuperación musicológica. Estreno en tiempos modernos: 25

34 espectáculos españoles

26 de la Comunidad de Madrid 3 de Castilla-León 1 de Cataluña 1 de Cataluña, Navarra y Valencia 1 de Galicia



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1 de Navarra 1 de Valencia

10 espectáculos internacionales

1 de Alemania 1 de Alemania y España 1 de Argentina 1 de Cuba y España 1 de Estados Unidos 1 de Israel 2 de Italia 1 de República Checa 1 de Sudán, Siria y España

ESPACIOS ESCÉNICOS

Los espectáculos tendrán lugar en 39 espacios diferentes:

19 espacios en Madrid Capital: Ateneo de Madrid, Basílica Hispanoamericana de la Merced, Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas, Fundación Olivar de Castillejo, Iglesia de la Concepción Real de Calatrava, Iglesia de San Antonio de los Alemanes, Iglesia de San Jerónimo el Real, Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel, Iglesia Parro-quial de San José, Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, Parro-quia de la Concepción de Nuestra Señora, Parroquia Nuestra Señora de los Ángeles, Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis Obispo, Parroquia Santuario de María Auxiliadora, Parroquia Virgen de la Milagrosa, Real Parroquia de San Ginés, Santuario del Inmaculado Corazón de María, Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer), Teatros del Canal (Sala Verde).

20 espacios en 19 municipios de la Comunidad de Madrid: Alalpardo (Iglesia Parro-quial de San Cristóbal), Alcalá de Henares (Catedral Magistral de los Santos Niños), Alcorcón (Teatro Municipal Buero Vallejo), Boadilla del Monte (Auditorio Municipal), Colmenar Viejo (Basílica de la Asunción de Nuestra Señora), Collado Villalba (Parroquia de la Virgen del Camino), Getafe (Iglesia Catedral de Santa María Magdalena), Hoyo de Manzanares (Teatro Municipal Las Cigüeñas), La Cabrera (Centro Comarcal de Hu-manidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte), Majadahonda (Casa de la Cultura Carmen Conde), Navalafuente (Parroquia de San Bartolomé), Paracuellos de Jarama (Iglesia Parroquial de San Vicente Mártir), Parla (Teatro Dulce Chacón), Pinto (Iglesia de las Capuchinas e Iglesia de Santo Domingo de Silos) , Rascafría (Iglesia Parroquial de San Andrés Apóstol), San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III), San Sebastián de los Reyes (Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir), Torrelodones (Teatro Bulevar), Torremocha de Jarama (Iglesia de San Pedro Apóstol).

Todos los espectáculos son de entrada libre, excepto:

22 de febrero, en el Teatro Municipal Las Cigüeñas, de Hoyo de Manzanares: 5 euros.

22 de febrero, en la Casa de Cultura Carmen Conde, de Majadahonda: 10 euros planta baja; 8 euros primera planta.



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23 de febrero, en el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte (Auditorio), de La Cabrera: 7 euros.

23 de febrero, en el Teatro Dulce Chacón, de Parla: 4 euros.

26 de febrero, en el Ateneo de Madrid: 8 euros (socios, entrada libre hasta completar aforo).

7 de marzo, en el Ateneo de Madrid: 8 euros (socios, entrada libre hasta completar aforo).

8 de marzo, en la Fundación Olivar de Castillejo, de Madrid: 6 euros




18 de marzo, en los Teatros del Canal (Sala Verde), de Madrid: 5 euros.



23 de marzo, en el Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas, de Madrid: 3 euros.

29 de marzo, en el Real Coliseo de Carlos III, de San Lorenzo de El Escorial: de 10 a 15 euros.

4 de abril, en el Ateneo de Madrid: 8 euros (socios, entrada libre hasta completar aforo).

4 de abril, en el Auditorio Municipal, de Boadilla del Monte: 5 euros adultos y 2 euros niños, 3ª edad y discapacitados.

5 de abril, en el Teatro Municipal Buero Vallejo, de Alcorcón: 12 euros patio de butacas, 10 euros anfiteatro, 9 euros paraíso. 30% mayores de 65 años y menores de 26 años presentando la tarjeta.

5 de abril, en el Teatro Bulevar, de Torrelodones: 10 euros.



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PROGRAMACIÓN


MÚSICA, TEATRO, DANZA Y CINE

Concierto de InauguraciónOrquesta Sinfónica de Radio Televisión Española. Francisco Valero-Terribas, director.Madrid. Basílica Hispanoamericana de la Merced.21 de febrero. 20:00 horas.

Las lágrimas de San Pedro, de Orlando di LassoCoro Tomás Luis de Victoria. Konrad von Abel, director.Madrid. Iglesia de la Concepción Real de Calatrava.22 de febrero. 20:15 horas.

Mística, música y poesía ante El entierro del Conde de OrgazNeocantes.Hoyo de Manzanares. Teatro Municipal Las Cigüeñas.22 de febrero. 20:00 horas.

Gloria, de Antonio VivaldiDifusión Ensemble Orquestal. Roberto Pálmer, director.Majadahonda. Casa de la Cultura Carmen Conde. 22 de febrero. 20:00 horas.

San Sebastián de los Reyes. Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir. 4 de abril. 20:30 horas.

Pinto. Iglesia de las Capuchinas. 6 de abril. 18:00 horas.

Música y danza de OrienteUmeyaLa Cabrera. Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte (Auditorio).23 de febrero. 12:30 horas.

Madrid. Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas. 23 de marzo. 19:00 horas.

Liszt teatro sonoro (teatro para niños con música en directo) Teatro Tyl Tyl. Elena Jiménez, piano. David Lovecchio, director.Parla. Teatro Dulce Chacón. 23 de febrero. 18:00 horas.

Poesía de Santa Teresa y San Juan de la Cruz en conciertoAzucena López, soprano. Karina Azizova, piano.Madrid. Ateneo de Madrid. 26 de febrero. 20:00 horas.

En torno a Rameau y Carl Phillip Emanuel BachOrquesta Barroca La Spagna. António Ferreira, director.

Madrid. Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis Obispo. 27 de febrero. 20:45 horas.

Praga Magna. La música durante el reinado de Rodolfo IICappella Mariana.Madrid. Real Parroquia de San Ginés.28 de febrero. 20:00 horas.

Tomás Luis de Victoria para coro gregoriano y coro polifónicoSchola Gregoriana de Madrid. Emilio Rubio, director. Schola Polifónica de Madrid. Antonio Peces, director.Paracuellos de Jarama. Iglesia Parroquial de San Vicen-te Mártir.1 de marzo. 20:00 horas.

Alcalá de Henares. Catedral Magistral de los SantosNiños. 2 de marzo. 20:30 horas.

Colmenar Viejo. Basílica de la Asunción de Nuestra Señora. 21 de marzo. 21:00 horas.

Madrid. Real Parroquia de San Ginés. 27 de marzo. 20:00 horas.

Rascafría. Iglesia de San Andrés Apóstol. 29 de marzo. 19:00 horas.

Collado Villalba. Iglesia Virgen del Camino. 4 de abril. 20:15 horas.

Juan Hidalgo, tonos a lo divino y humanoCamerata Iberia. Juan Carlos de Mulder, director.Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. 4 de marzo. 20:30 horas.

Tres miradas, tres espíritusCoral Maestro Barbieri. Ensemble La Gallarda. Fernando Rubio, director.Madrid. Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel.6 de marzo. 20:45 horas.

La influencia de la música sacra en la música de cámaraTrío Alborada.Madrid. Ateneo de Madrid.7 de marzo. 20:00 horas.

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PROGRAMACIÓN


Mística y cantos devocionalesGrupo Canzona.Navalafuente. Parroquia de San Bartolomé.8 de marzo. 18:00 horas.

La palabra oculta (teatro con música en directo)Ars Atlántica.Madrid. Fundación Olivar de Castillejo.8 de marzo. 12:30 horas.

Félix Máximo López y cuatro compositoras del XIX. Música religiosa para un colegio femenino del Madrid del siglo XIXÁngeles Tey, Irene Badiola, sopranos. Circe Molina, mezzosoprano. Eunyoung Yim, órgano. Coro Femenino Matritum Cantat. Javier Blanco, director. Pablo Heras, director.Madrid. Iglesia de San Antonio de los Alemanes. 11 de marzo. 19:00 horas.

Madrid. Parroquia Santuario de María Auxiliadora. 12 de marzo. 20:30 horas.

Tomás Luis de VictoriaLa Colombina.Madrid. Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel.13 de marzo. 20:45 horas.

Cantata para un aniversario Cecilia Lavilla, soprano. Isidro Anaya, barítono. Aura Garrido, narradora. José Ignacio Gavilanes, órgano. Coro Nur. Cuarteto Diapente. José Manuel López Blanco, director.Madrid. Parroquia de Nuestra Señora de los Ángeles.14 de marzo. 21:00 horas.

Francisco juglar de Dios, de Roberto Rossellini (Italia, 1950).Madrid. Ateneo de Madrid. 14 de marzo. 19:00 horas.

Un buda, de Diego Rafecas (Argentina, 2005).Madrid. Ateneo de Madrid. 14 de marzo. 21:00 horas.

La última cima, de Juan Manuel Cotelo (España, 2010).Madrid. Ateneo de Madrid.15 de marzo. 19:00 horas.

El tormento y el éxtasis, de Carol Reed (Estados Unidos, 1965).Madrid. Ateneo de Madrid. 15 de marzo. 20:45 horas.

Habemus Papam, de Nanni Moretti (Italia, 2011).Madrid. Ateneo de Madrid. 16 de marzo. 19:00 horas.

¡Gaude Maria!, siglos de música y alabanzaSchola Cantorum de Alcalá de Henares. Nuria Matamala, directora.Torremocha de Jarama. Iglesia de San Pedro Apóstol. 15 de marzo. 19:00 horas.

El resplandor del último BeethovenSylvia Torán, piano.Madrid. Teatros del Canal (Sala Verde). 18 de marzo. 20:30 horas.

IlluminationNehara Dance Group. Daniella Bloch, directora.Madrid. Teatros del Canal (Sala Verde).19 de marzo. 20:30 horas.

Ubi Caritas: Celebración de Pasión y GloriaCoro Semicírculo. José Mena Polo, director.Madrid. Iglesia Parroquial de San José.20 de marzo. 21:00 horas.

Sonatas del Rosario, de Heinrich Ignaz Franz von BiberMUSIca ALcheMIca.Madrid. Iglesia de San Antonio de los Alemanes. 21 de marzo. 19:00 horas.

Cantar del almaMarina Rodríguez Cusí, mezzosoprano. Marisa Blanes, piano.Madrid. Teatros del Canal (Sala Verde). 23 de marzo. 19:00 horas.

Música sacra, del Barroco al ClasicismoPilar Burgos, soprano. Eneida García Garijo, contralto. Manuel Mendaña, tenor. Gonzalo Burgos, bajo. Coro de San Jerónimo El Real. Camerata de San Jerónimo. Jesús Manuel Alonso, órgano. Vicente Sempere Gomis, director.Madrid. Iglesia de San Jerónimo El Real. 24 de marzo. 20:00 horas.

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PROGRAMACIÓN


In memoriamGúdrun Ólafsdóttir, soprano, mezzosoprano. Sonor Ensemble. Luis Aguirre, director.Madrid. Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer). 25 de marzo. 19:30 horas.

Música original para flauta y órganoRoberto Casado, flauta. Raúl del Toro, órgano.Madrid. Parroquia de la Concepción de Nuestra Señora. 28 de marzo. 21:00 horas.

Requiem, de David PopperCoro Maestro Barbieri. Fernando Rubio, director. Coro El Canto. Fernando Cobo, director. Coro Infantil Aula de Músicas. Ángela Morales, directora.Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid. Enrique Muñoz, director.Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.29 de marzo. 21:00 horas.

Johann Sebastian Bach. Memorias de Leipzig (1723-1750)Accademia del Piacere.San Lorenzo de El Escorial. Real Coliseo de Carlos III.29 de marzo. 20:00 horas.

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama (teatro con música en directo)Compañía Tribueñe. Hugo Pérez, director.Pinto. Iglesia de Santo Domingo de Silos. 30 de marzo. 18:00 horas.

Getafe. Iglesia Catedral de Santa María Magdalena. 6 de abril. 21:00 horas.

Piadoso y religioso encuentro galantePablo de la Cruz & Nova Camera Orquesta. David Santa-cecilia, concertino y director.Madrid. Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer).31 de marzo. 19:30 horas.

La fiesta de Pascua en Piazza NavonaLa Grande Chapelle. Albert Recasens, director.Madrid. Parroquia Virgen de la Milagrosa. 2 de abril. 21:00 horas.

TenebraeSinger Pur.

Madrid. Santuario del Inmaculado Corazón de María.3 de abril. 20:30 horas.

Góspel afrocubanoCámara Sacra. Flores Chaviano, director.Madrid. Ateneo de Madrid.4 de abril. 20:00 horas.

Stabat Mater, de Luigi BoccheriniInmaculada Laín, soprano. Harriet Kirk, mezzosoprano. Rodolfo Albero, tenor. Sestetto Camerata Lírica.Boadilla del Monte. Auditorio Municipal. 4 de abril. 20:00 horas.

Alcorcón. Teatro Municipal Buero Vallejo. 5 de abril. 19:00 horas.

Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Franz Joseph HaydnCuarteto Francisco de Goya.Colmenar Viejo. Basílica de la Asunción de Nuestra Señora.4 de abril. 21:00 horas.

La flauta dulce y Johann Sebastian BachErnesto Schmied, flautas.Alalpardo. Iglesia de San Cristóbal.5 de abril. 19:30 horas.

Del amor y del dolorOrquesta de Cámara Ibérica. Rebeca Cardiel, soprano. Marina Pardo, mezzosoprano. Miguel Fernández Llama-zares, director.Madrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. 5 de abril. 20:30 horas.

Stabat Mater, de Franz Joseph HaydnEva del Moral, soprano. Marta Caamaño, mezzosoprano. Ignacio Álvarez, tenor. Fabio Barrutia, bajo. Orquesta y Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director.Torrelodones. Teatro Bulevar. 5 de abril. 20:00 horas.

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MÚSICA, TEATRO Y DANZA

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ORqUESTA SINFÓNICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAñOLA

INTÉRPRETESORqUESTA SINFÓNICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAñOLA (OSRTVE). FRANCISCO VALERO-TERRIBAS, director.


PROGRAMA

Richard Wagner(1813-1883)

Preludio del acto I de Parsifal

Jesús de Monasterio(1836-1903)

Andante religioso

Luis de los Cobos(1927-2012)

Agonía recurrente (Meditación sinfónica), Op. 12

Felix Mendelssohn(1809-1847)

Sinfonía nº 5 “La Reforma”, en Re menor, Op. 107

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Basílica Hispanoamericana de la Merced.21 de febrero. 20:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

XXIV FESTIVAL DE ARTE SACRO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

MÚSICA

CONCIERTO DE INAUGURACIÓN

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NOTAS AL PROGRAMALa intención de Wagner de escribir una obra enmarcada en un ambiente predominantemente religioso o místico, con un protagonista de nombre Parsifal se remonta a 1854, en plena dedicación al libreto de la ópera Tristán e Isolda. Por entonces, imaginó por primera vez al personaje Parsifal, cuya aparición tendría lugar en un posible epílogo o continuación de la citada obra. Esta idea, descartada en aquel momento, comenzó a convertirse en realidad en 1857, cuando hace una primera escritura del texto. Pasarían, no obstante, muchos años más, hasta que, entre 1876 y 1877, redacta y da por concluido el libreto definitivo. Los cinco años siguientes los dedica a la composición de la ópera, que finaliza en enero de 1882.

Parsifal se estrenó en el Teatro de Bayreuth el 26 de julio de 1882, abierto para tal ocasión después de seis años en los que permaneció cerrado, desde su inauguración, en 1876, por falta de recursos financieros. En esa temporada se realizaron dieciséis representaciones de la ópera, todas ellas muy aclamadas. A los pocos días de la clausura, Wagner partió para Venecia, donde fallecería seis meses más tarde, el 13 de febrero de 1833.

En el Preludio al acto I de Parsifal, en el que la sensación de redención y trascendencia del espíritu está presente desde sus primeros compases, se condensa todo el ambiente religioso y sacramental que impregna a la obra, apareciendo los cuatro leitmotivs fundamenta-les que la dan cuerpo y cohesión estructural: el de la Cena, el del Grial (recogido del llamado “Amén de Dresde”, compuesto por Johann Gottlieb Naumann un siglo antes, y utilizado también por Mendelssohn en su Sinfonía de “La Reforma”), el de la Fe, y el de la lanza.

Un similar ambiente sereno y de tranquilidad espiritual se pone de manifiesto en la obra Andante religioso, para orquesta de cuerda, del compositor cántabro Jesús de Monasterio, nacido en Potes en 1836. Niño prodigio, recibió sus primeras lecciones de violín de su padre, a una edad muy temprana, comenzando a realizar interpretaciones públicas de su arte con tan solo cinco años. Después de unas breves estancias en Palencia y Valladolid, en 1843 viaja a Madrid para ampliar su formación. Gracias a sus grandes dotes violinísticas el Duque de la Victoria le concede una pensión que se prolongaría hasta el año 1848. En esta ciudad tuvo como maestros a José Vega, Juan Ortega y Antonio Daroca. Tras la muerte de su padre, en 1845, su tutor Basilio Montoya le facilita su estancia en los conservatorios de París y Bélgica, perfeccionando con Charles Auguste de Bériot su ya muy buena técnica violinística y ampliando sus conocimientos musicales con profesores como J. N. Lemmens, F. J. Fétis y F. A. Gevaért. Tras su vuelta a España, en 1854, despliega una gran actividad en el ámbito musical siendo nombrado Músico de la Real Capilla ese mismo año. De nuevo en Madrid es nombrado profesor de violín del Real Conservatorio, del que sería su Director entre 1894 y 1897, así como académico fundador de la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aparte de sus grandes cualidades como intérprete escribió un gran número de composiciones, en las que el violín o los instrumentos de cuerda son protagonistas, siendo el Andante religioso un claro ejemplo de ello. También desplegó una gran actividad en la gestión y organización de la vida musical, recibiendo, por su gran labor en todos estos campos, abundantes reconocimientos públicos.

Agonía recurrente (Meditación sinfónica), Op. 12, de 1966, pertenece al amplio catálogo compositivo de Luis de los Cobos (Valladolid, 1927 - Ginebra, 2012). De los Cobos realizó sus primeros estudios musicales en España, para continuarlos en Roma, Salzburgo, París y Viena. Doctorado en Derecho, por la Universidad de Madrid, su vida se vio fuertemente marcada por esta circunstancia, ya que ocupó diferentes cargos funcionariales en la OIT (Naciones Unidas) y en el Consejo de Seguridad Atómica, lo que le llevó a residir en Ginebra, donde fue profesor de la Universidad durante 23 años. Sin embargo, la música era su verdadera vocación y su mejor forma para conectar con el mundo: “componer ha sido una necesidad existencial, un imperativo categórico y un deseo íntimo de expresarme”. Su catálogo abarca alrededor de 50 obras repartidas entre todos los géneros: música de cámara, conciertos, música para orquesta de cámara y or-questa de cuerda, música sinfónica, así como un ballet y cuatro óperas. Su estilo se enmarca dentro de la modernidad europea siguiendo la estela de Shostakovich, y otros músicos, al margen del rupturismo propiciado por la Escuela de Viena y las corrientes vanguardistas derivadas de ella.

La Sinfonía nº 5 “La Reforma” fue compuesta por Mendelssohn, miembro de una familia de judíos conversos, en 1830 con motivo de la celebración del tercer centenario de La Confesión de Augsburgo, documento en el que se recoge una declaración o profesión de fe lute-rana. Dicha Confesión fue redactada en 1530 por Philip Melanchthon, reformador religioso alemán, por indicación expresa y aprobación de Martín Lutero, y su finalidad consistía en servir de respuesta a la Dieta de Augsburgo, de ese mismo año, con la que el emperador Carlos V intentaba calmar las tensiones, cada vez más crecientes, entre católicos y protestantes. No es de extrañar, por este motivo, que la sinfonía esté construida con temas específicamente luteranos, como el “Amén de Dresde”, utilizado de forma recurrente, aunque variado, en cada uno de sus cuatro movimientos, así como el himno “Ein feste Burg ist unser Gott”, compuesto por Lutero, en 1529, a partir del Salmo 46, que aparece como tema principal del último movimiento.

ORqUESTA SINFÓNICA DE RADIOTELEVISIÓN ESPAñOLAEl 27 de mayo de 1965 nace como una de las orquestas más jóvenes de la radio y televisión europeas, pudiéndose afirmar que cuando se habla de la actividad musical en nuestro país, a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, resulta indispensable hablar de la Orquesta Sinfónica de RTVE como protagonista de primerísima fila. Se presentó oficialmente en el Teatro de la Zarzuela de Madrid junto a su Direc-tor-Fundador, Igor Markevitch, con un programa que incluía obras de Prokofiev, Wagner, Falla y Beethoven. Solo unos días antes había debutado con Odón Alonso en el Festival de la SIMC interpretando obras de autores como Nilsson, Webern, Stravinsky y Schoenberg. Esas primeras actuaciones públicas marcaban ya las líneas maestras de la Orquesta: el repertorio clásico-romántico, la música española y el servicio a la creación musical de nuestro tiempo. Markevitch repetiría aquel concierto inaugural en 1982, pocos meses antes de su muerte, cerrando así un período histórico de la Orquesta.

Tras él desempeñarían el puesto de Director Titular Antoni Ros Marbà (1965-1967), Enrique García Asensio (1966-1984), Odón Alonso (1968-1984), Miguel Ángel Gómez Martínez (1984-1987), Arpad Joó (1988-1990), Sergiu Comisiona (1990-1998), de nuevo García Asensio (1998-2001), Adrian Leaper (2001-2010) y actualmente Carlos Kalmar es su Director Titular.

También han visitado la Orquesta maestros como Celibidache, Maazel, Rozhdestvensky, Kondrashin, Frühbeck de Burgos, Inbal, Walter Weller, López Cobos, Dutoit, Leif Segerstam, Albrecht, Rilling, y muchos otros. Entre los compositores que han subido al podio de la Or-



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questa para dirigir sus propias obras destacan los nombres de Nadia Bulanger, Carlos Chávez, Aarón Copland, Luciano Berio, Cristóbal Halffter, Tomás Marco, Mauricio Kagel o Kryzsztof Penderecki.

Aún siendo la radio y la televisión el vehículo natural de la Sinfónica de RTVE (lo que ha hecho de ella la Orquesta más escuchada de España), su residencia permanente en Madrid la ha llevado a distintas sedes hasta 1988 que se instala definitivamente en el Teatro Mo-numental. A la presencia del conjunto en los principales festivales españoles hay que añadir el espaldarazo internacional que podrían re-sumir sus actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York (1971), Royal Festival Hall de Londres (1975), Tonhalle de Zurich (1986), Théatre Chatelet de París (1986), Suntory Hall de Tokio (1988), L’Arsenal de Metz (1989), Festival Enescu de Bucarest (1995), Estrasburgo (1998) Festival de Otoño en Varsovia (2008).

En junio de 2007 realizó una gira de conciertos en distintos auditorios de Japón: Tokyo Metropolitan Art Space, Music and Art Center en Niigata, Ongaku Center en Takasakishi (Gunma) y Utsunomiyashi Bunka Kaikan en Tochigi; así como la grabación de dos programas para el Canal de Televisión Asahi en el Bunkyo Civic Hall de Tokio.

La Orquesta Sinfónica de RTVE mantiene una interesante actividad discográfica. Ha realizado innumerables grabaciones para el archivo sonoro de RNE. En los últimos años ha grabado para el sello de RTVE y, para los sellos VERSO, NAXOS y WARNER.

En el presente año la Orquesta Sinfónica y el Coro de RTVE ha recibido el premio “Codalario” a la Mejor Entidad Musical 2013 y el pre-mio ‘Personalidad’ por su aportación al panorama musical español por sus casi 50 años de magnífica trayectoria y por la difusión de la música de concierto al gran público, en el Festival Spanish Brass Alzira.

En el año 2015 la Orquesta Sinfónica de RTVE celebrará su 50 aniversario.

FRANCISCO VALERO-TERRIBASInició su formación como clarinetista en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, licenciándose después en Dirección de Or-questa. Tras ganar diferentes concursos para jóvenes intérpretes comenzó una intensa actividad como clarinetista en algunas de las más prestigiosas orquestas españolas (RTVE, ONE, OSM, etc.), mientras completó sus estudios en dirección en algunas de las Academias y Universidades de mayor reconocimiento internacional (Academia Chigiana, Fundación Eutherpe, Järvi Accademy, Manhattan School of Music, Lucerne Academy, Zürcher Hochschule der Künste y las Universidades de Alcalá de Henares y Granada ), con profesores de la talla de Kurt Masur, Bernard Haitink, David Zinman, B. Aprea, Paavo y Neeme Järvi. Así como con Soriano, Achúcarro y Horacio Gutiérrez en el repertorio con piano. Su trabajo con solistas ha sido ampliamente reconocido por colegas y críticos, el cual incluye colaboraciones con solistas, como Morley, Magri, Rodríguez, De Solaun, Petrova, Melikyan, Zhelezcheva, Burchuladze, etc. Así como estrenos de composiciones de Encinar, Díaz, Núñez, Zavala y Oliver Knussen.

Sus apariciones frente a orquestas incluyen formaciones de Estonia, Rumanía, República Checa, Brasil, Portugal, Francia, Bulgaria, Ita-lia, Suiza, Israel y España, entre las que cabe destacar Tonhalle-Orchester Zürich, Orchestra Sinfonica di Bari, North Czech Philharmonic, Bulgarian Opera State, BMS Río de Janeiro, Festival Strings Lucerne, Orquestra do Algarve, National Radio Orchestra Bucharest, Pärnu Linnaorkester, Haifa Symphony, Orquestra Simfònica de Balears, Orquesta de Extremadura, Oviedo Filarmonía, World Youth Orchestra y las Jóvenes Orquestas Nacionales de España, Estonia y Armenia.

Director de la Academia de música contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España (2011 y 2012), ha sido Director Asistente del Palau de les Arts “Reina Sofía”, de Valencia, además de en diferentes producciones operísticas y sinfónicas, colaborando frecuente-mente con Isaac Karabtchevsky, Yoel Levi, Bernard Haitink y Jesús López-Cobos.



Arte Sacro 2014



Arte Sacro 2014

CORO TOMÁS LUIS DE VICTORIA / KONRAD VON ABEL

INTÉRPRETESCORO TOMÁS LUIS DE VICTORIA: Cristina Marcos, Mercedes Vivas, Victoria Viana, sopranos I. Idoia Eguiazábal, Rosa María Ro-bledano, Reyes Sequera, sopranos II. Carmen Vela, Berta Botella, Patricia Ayuso, altos I. Julia Martino, Andrea Abilahoud, Daniel Martín, altos II. Vicente Sempere, Miguel Ercolino, Ricardo Navas, tenores I. Antonio Peces, Manuel Casas, tenores II. Alberto Cabrera, David Alegre, bajos. ANTONIO PECES GÓMEZ, director titular. KONRAD VON ABEL, director invitado.


PROGRAMA

Orlando di Lasso(1532-1594)

Lagrime di San Pietro (1594) - 20 madrigales espirituales y un motete

- Il magnanimo Pietro - Ma gli archi- Tre volte haveva- qual ‘a l’incontro- Giovane donna- Così talhor- Ogni occhio del Signor- Nessun fedel trovai- Chi ad una ad una raccontar- Come falda di neve

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Iglesia de la Concepción Real de Calatrava.22 de febrero. 20:15 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

POEMA SOBRE UNA IMAGEN EXPRESADO EN UNA GRAN FORMA MUSICAL

MÚSICA

LAS LÁGRIMAS DE SAN PEDRO, DE ORLANDO DI LASSO

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Arte Sacro 2014

- E non fu il pianto suo- quel volto- Veduto il miser- E vago d’incontrar- Vattene vita va!- O vita, troppo rea- A quanti già felici in giovanezza- Non trovava mia fe- queste opre e più- Negando il mio signor- Vide homo

NOTAS AL PROGRAMALas lágrimas de San Pedro, obra póstuma de Orlando di Lasso, dedicada al Papa Clemente VIII, está compuesta sobre el texto del poeta italiano Luigi Tansillo. Se compone de 20 madrigales espirituales, género sagrado en lengua vernácula y un motete final en latín, con lo que la obra queda articulada en 21 partes. La estructura externa de la misma contiene una simbología: la distribución en siete voces simboliza los 7 dolores de la Virgen María y las 21 partes, 7 veces las 3 personas de la Santísima Trinidad.

Este tema fue elegido por la iglesia católica como paradigma frente a la Reforma Protestante, ya que enaltecía el sacramento de la penitencia (atacado por el protestantismo), la humildad y el arrepentimiento como valores activos que se oponían a la justificación por la fe propia del mundo protestante. De esta manera la Iglesia quería divulgar entre los fieles el sentimiento de arrepentimiento y la petición del perdón divino, destacando así el lado humano del apóstol. Fue un tema a su vez, muy utilizado en la pintura de esa época, en pintores como El Greco o Velázquez.

No parece por lo tanto que la elección de este tema por Orlando di Lasso fuese una casualidad, ya que se mantuvo fiel al catolicismo y en su última etapa en Baviera compuso una gran cantidad de obras religiosas para el rito romano. La importancia del texto como inspirador de la obra se revela en la riqueza con que la música se va articulando según la palabra. Cada momento del texto según sea narrativo, doloroso, apremiante,… tiene un reflejo en la textura musical.

Durante su etapa juvenil y de madurez, Lasso utilizó para su música religiosa una armonía bastante compleja, con cromatismos y con un contrapunto en ocasiones recargado. En esta obra, la última de Lasso y considerada su obra maestra, el lenguaje ha experimentado una evolución: el contrapunto se ha vuelto más sencillo y en general la austeridad y el uso de medios compositivos más directos, crean una pers-pectiva más a largo plazo que, junto a la unidad que proporciona la forma basada en el texto, permiten vivir la obra como un todo.

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Está en la naturaleza del ser humano la búsqueda de una estructura que le permita integrar la diversidad de los sonidos en una unidad. Du-rante toda la historia de la música, los músicos han orientado más o menos conscientemente su esfuerzo hacia este propósito con el material sonoro propio de cada etapa y lugar. Con el desarrollo de la polifonía desde la Baja Edad Media y paralelamente a ésta, la adquisición de medios para establecer de una manera nueva la tonalidad (en el sentido de consolidar un centro tonal a través de quintas superiores e inferio-res, movimiento contrario de las voces y alejamientos modulatorios transitorios), se ha creado en la segunda mitad del siglo XVI un lenguaje sumamente rico y novedoso que va permitiendo a los compositores satisfacer la necesidad de estructuras más largas. En esta búsqueda está el embrión del barroco y del desarrollo de las grandes formas europeas de los siguientes siglos.

Las Lágrimas de San Pedro, de Orlando di Lasso, compuesta por 20 madrigales espirituales, en italiano, y un motete, en latín, sobre un poema de carácter reflexivo sobre las negaciones y posterior arrepentimiento de San Pedro el día de Jueves Santo, es una de estas grandes formas, considerada la obra maestra de este compositor. El tema, muy arraigado en la tradición pictórica de la Contrarreforma, es tratado por los mejores pintores de la época y sirve de síntesis entre la búsqueda espiritual de la Iglesia, en un momento de máxima dificultad, y la expresión artística de esta búsqueda: unifica esta visión de arrepentimiento con la literatura, ya que está expresado en un poema en italiano, la pintura (El Greco, Velázquez, Ribera…) y, en este caso, con la música.

Lasso es un compositor de extremada importancia, no sólo por su producción, sino también porque a lo largo de su vida difundió la música de origen franco-flamenco por gran parte de Europa (Italia, Francia y Alemania principalmente) y contribuyó como maestro al desarrollo de la composición con alumnos, tan decisivos en el desarrollo musical europeo, como Gabrieli. La creación de esta obra es el culmen de su labor y algunas de sus características (el número de voces, que es simbólico, la longitud y la profundidad que se revela en un ambiente de cierta tristeza) son quizá la razón de porqué se ha cantado tan poco en España.

Este programa será llevado a cabo por el director alemán invitado, Konrad Von Abel, difusor con su trabajo musical internacional, tanto como director, como maestro de música de cámara y orquesta, de la fenomenología musical, iniciada por el director rumano, Sergiu Celibidache. La búsqueda de una dirección que integre los distintos vectores musicales es la base de la orientación de su trabajo.

El propósito principal con este programa, además de cantar una música tan excepcional y difundir una obra que apenas ha sido cantada en España, es el de ofrecer una visión de Las Lágrimas de San Pedro como una unidad, articulada en varias partes, pero relacionadas de tal manera que se pueden integrar en un todo.



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CORO TOMÁS LUIS DE VICTORIASe funda en la Semana Santa de 1996, como consecuencia de la costumbre que venía teniendo lugar en la Iglesia de Brunete de interpretar, en dichas fechas, los responsorios del músico renacentista Tomás Luis de Victoria.

Nace, y así se mantiene desde entonces, como un coro de cámara especialmente interesado en la polifonía de dicha época y, en concreto, en el compositor que le da nombre, aunque también aborda obras de todas las épocas.

Su trabajo y entusiasmo común todos estos años, bajo la dirección de Antonio Peces, se manifiesta en el empaste y la sensibilidad que trans-mite en sus interpretaciones. El grupo aporta una experiencia y musicalidad consolidada, cultivando la música coral en todas sus facetas y la singularidad del arte de los grandes maestros. El trabajo ocasional concentrado en varios encuentros en los últimos tres años bajo la dirección de Konrad Von Abel y la preparación de varios programas bajo su dirección ha ampliado muy satisfactoriamente su perspectiva musical.

Ha recibido de forma continuada clases de técnica vocal a cargo de la soprano Alicia Barrenechea. Desde hace unos años participa como coro piloto en cursos de dirección impartidos por el director alemán Konrad Von Abel.

Cuenta con dos grabaciones, una de música religiosa del compositor Tomás Luis de Victoria y otra de música profana del Renacimiento.

Sus más de cien conciertos en La Rioja, Andalucía, Extremadura, Castilla y León, Castilla-La Mancha, País Vasco, Comunidad Valenciana y especialmente en la Comunidad de Madrid son una muestra de su intensa actividad con proyección nacional. Cabe destacar su participación en varias ediciones del Festival de Arte Sacro y del Festival Clásicos en Verano, ambos organizados por la Comunidad de Madrid, el ciclo Música y voz para la Pasión, del Ayuntamiento de Madrid, y en numerosos ciclos de polifonía, como el de Medina de Rioseco, Ciclo de Música Sacra del Desierto de las Palmas, en Benicàssim, o el Ciclo de Órgano y Música Sacra de la Catedral, de Getafe.

En los dos últimos años el grupo ha aumentado su número lo que le ha permitido abordar programas más ambiciosos como los dedicados a conmemorar el III Centenario de la muerte de Juan Bautista Cabanilles (1644-1712) con obras vocales de este autor y el motete Jesu meine Freude, de J. S. Bach, el V Centenario del nacimiento de Francisco Salinas (1513-1590), con obras polifónicas de sus coetáneos (Victoria, Lasso, Diego Ortiz...) o el programa titulado Salve Regina, con obras dedicadas a María Virgen, de Lasso y Victoria, incluyendo varias a doble coro y siendo acompañados por el organista José Ignacio Gavilanes.

Como no podía ser de otra manera, el grupo participó activamente en la celebración del IV Centenario de la muerte de Tomás Luis de Victoria (h. 1548-1611) interpretando en varias ocasiones su Officium defunctorum, a 6 voces.

En los dos últimos años han intervenido en el XXII Festival de Arte Sacro y XXV Festival Clásicos en Verano, ambos de la Comunidad de Ma-drid, XIII Ciclo de Música Sacra “La Soledad Sonora”, Los Levantes de la Aurora, en el Monasterio del Desierto de las Palmas (Benicàssim, Castellón). XXIII Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, Ciclo “Música y voz para la Pasión“, organizado por el Ayuntamiento de Madrid, y en el Ciclo de Conciertos de Órgano y Música Sacra, organizado por la Diócesis de Getafe.

ANTONIO PECES GÓMEZNace en Talavera de la Reina (Toledo). Inicia sus estudios musicales como clarinetista con Máximo Muñoz y Vicente Peñarrocha en el Real Conservatorio de Música de Madrid, a la vez que comienza a formar parte del coro Gaudeamus. Continúa sus estudios de clarinete en el conservatorio de Rótterdam con Walter Boeyekens y, posteriormente, en Madrid con Vicente Alberola. Continúa su formación académica con los estudios de contrapunto y fuga, segundo de composición y grado medio de piano, completando estos estudios con clases de técnica vocal impartidas por la soprano Alicia Barrenechea y clases de técnica Alexander por Simon Fitzgibbon.

Desde 1995 orienta su formación musical hacia el campo de la fenomenología, desarrollado por Sergiu Celebidache, a través de cursos de cámara impartidos por Jordi Mora y de cursos de dirección, fenomenología y cámara impartidos por Konrad Von Abel.

Ha colaborado con numerosas orquestas (Orquesta del Conservatorio de Rótterdam, Orquesta de Estudiantes de la Comunidad de Madrid, Teatro Madrid, Abadía, Carlos III, Siglo XXI, Complutense, Orquesta de Profesores del Conservatorio de Arganda), y es miembro de la Neue Internationale Philharmonie de Munich.

Como instrumentista de cámara, ha interpretado numerosos conciertos con grupos de música, como el Trío de Clarinetes Bouffil, el Octeto de viento del Conservatorio de Rótterdam, el trío con viola y piano Euterpe, el quinteto de viento Fundación…

Ha sido profesor de clarinete del Conservatorio de Ferraz, la Escuela de Música de San Lorenzo de El Escorial y del Conservatorio de Argan-da, donde, durante el curso 2006/07, dirigió su orquesta.

Ha dirigido numerosos coros, como el Coro del Conservatorio de Arganda del Rey, el coro Capilla Renacentista de Madrid, el Coro de la Escuela de San Lorenzo de El Escorial…Es fundador y director actual del coro Tomás Luis de Victoria de Brunete y, desde 2012, del coro Gaudeamus de Madrid, con los que ha interpretado numerosos conciertos. Con ellos ha participado en prestigiosos ciclos de música, como el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Medina de Río Seco, Festival Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Santo Domingo de La Calzada, conciertos para Patrimonio…



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KONRAD VON ABELNació en 1958 en Stuttgart, donde comenzó su formación musical en la Stuttgarter Hymnus-Chorknaben. Estudia piano y teoría musical en la Musikhochschule de Stuttgart dónde se gradúa en 1983. Además, entre 1986 y 1989, estudia Filosofía con el profesor Henrich y Musicología en la Ludwig-Maximiliamns-Universität de Múnich.

A la edad de 17 años conoce al maestro Sergio Celibidache, del que luego sería asistente artístico en la Filarmónica de Múnich y que es considerado como el padre de la dirección orquestal del siglo XX. Durante este tiempo (1986-1996) asumió la responsabilidad de las clases de dirección de Celibidache y comenzó su docencia en numerosos cursos de dirección internacionales.

Ha dirigido, entre otras orquestas, la Sinfónica Siciliana de Palermo, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Bari, Sinfónica de Chipre, Regional de Picardie, Filarmónica de Turín, Kokkola Finlandia Orchestra, así como otras en Alemania, Italia, Rumanía, Japón o Filipinas.

Para crear las condiciones de trabajo que requiere su manera de comprender la música formó la Academia Internacional de Música “Aso-ciación Celibidache” y la Orquesta de las Regiones Europeas (fundada en 1999), con la que actuó en Francia, México y Alemania, con gran éxito de crítica. Ha sido director artístico de la orquesta del Conservatorio Nacional de Burdeos (Francia) entre 2004 y 2006.

Es director fundador del Coro Monteverdi de Múnich, un conjunto altamente cualificado, con el que ha dado conciertos a cappella por toda Europa.

Sus energías están dirigidas a la formación de orquestas profesionales en diversos países (Italia, Francia, Venezuela o Filipinas) y a la ense-ñanza, que imparte en numerosos seminarios dedicados a la fenomenología musical. Sus clases magistrales de música de cámara y direc-ción en Francia, Suiza, Bélgica, Alemania, Rumanía o República Checa cuentan con participantes de todo el mundo.

Con motivo del centenario del nacimiento de Sergiu Celibidache, en 2012 dirigió la Misa en Fa menor, de Anton Bruckner, con la Neue Internationale Philharmonie, y los coros Monteverdi, Carmina Viva y Concentus Merula Landsberg A. Lech, en la Herkulessaal de Múnich. Con estas mismas formaciones tiene previsto realizar el Réquiem, de Mozart, en noviembre de este año y continuar con repertorio oratorio y sinfónico en años sucesivos.

TEXTOS

Le Lagrime di San Pietro (1560), de Luigi Tansillo (1510–1568

1.- Il magnanimo Pietro, che giuratoHavea tra mille lance, e mille spadeAl suo caro signor morir a lato,Poi che s’accorse vinto da viltadeNel gran bisogno haver di fé mancato,Il dolor, la vergogna, e la pietadeDel proprio fallo, e de l’altrui martiroDi mille punte il petto gli feriro.

1.- El gran Pedro, que había juradoen medio de mil lanzas y mil espadas,morir junto a su amado Señor, vio que,superado por la cobardía y la necesidad, su fe le había fallado:el dolor, la vergüenza y el arrepentimientodel propio error y de Aquel martirio,atravesaron su pecho con un millar de puntas.

2.- Ma gli archi, che nel petto gli aventaroLe saette più acute, e più mortali,Fur gli occhi del signor quando il miraro;Gli occhi fur gli archi, e i sguardi fur gli strali,Che del cor non contenti sen passaroFin dentro a l’alma, e vi fer piaghe tali,Che bisognò mentre che visse poiUngerle col licor de gli occhi suoi.

2.- Mas los arcos que en su pecho se aventuraron,la flecha más aguda y mortalfueron los ojos del Señor cuando le miraron;Sus ojos fueron los arcos y Su mirada las flechasy no contento con haber atravesado su corazón,entró en su alma infligiendo allí tales heridas,que necesitó por el resto de su vidaungirlas con las lágrimas de sus ojos.

3.- Tre volte haveva a l’importuna, e audace Ancella,al servo, et a la turba reaDetto, e giurato, che giamai seguaceNon fu del suo signor, né’l conoscea;Il gallo publicatol contumaceIl dì chiamato in testimon v’havea,Quando del suo gran fallo a pena avvistoS’incontrar gli occhi suoi con quei di Christo.

3.- Tres veces había él jurado a la inoportuna y audaz doncella,al siervo y a la cruel turbadicho y jurado que jamás había sido seguidorde su Señor ni lo conocía.El gallo se anunció insistentellamado a prestar testimonio,cuando apenas visto su error,sus ojos y los de Cristo se encontraron.

4.- Qual a l’incontro di quegli occhi sant Il già caduto Pietro rimanesse,Non sia chi di narrarlo hoggi si vanti,Ché lingua non saria, ch’al ver giungesse

4.- Del encuentro con aquellos ojos santos,lo que al ya caído Pedro le quedó,nadie hoy pudo pretender contarlo,ni lengua alguna acercarse a la verdad.



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Parea che’l bon signor cinto di tantiNemici, e de’ suoi privo dir volesse:Ecco, che quel, ch’io dissi, egli è pur vero,Amico disleal, discepol fiero.

Parecía como si el buen Señor, rodeado de tantos enemigos y privado de los suyos, fuera a decir:“He aquí que lo que dije viene a ser verdad,amigo desleal, discípulo orgulloso”.

5.- Giovane donna il suo bel volto in specchioNon vide mai di lucido cristallo,Come in quel punto il miserabil vecchioNe gli occhi del signor vide il suo fallo;Né tante cose udir cupid’orecchioPotria se stesse ben senza intervalloIntento a l’altrui dir cento anni, e cento, Quant’ei n’udio col guardo in quel momento.

5.- Ninguna mujer joven vio alguna vez su bello rostro reflejado en un espejo con tal claridad,como en aquel momento el viejo miserable vio su culpa en los ojos del Señor,ni pudo siquiera el ávido oído,escuchando atentamente y sin pausapor cien años y cien más,oír todo lo que la mirada le dijo en aquel momento.

6.- Così talhor (benché profane coseSiano a le sacre d’agguagliarsi indegne)Scoprir mirando altrui le voglie ascoseSuol amator, senza ch’a dir le vegne.Chi dunque esperto sia ne l’ingegnoseScole d’amor, a chi no’l prova insegne,Come senza aprir bocca, o scriver note?Con gli occhi ancora favellar si puote.

6.- Así, a veces (aunque las cosas profanas no merezcan igualarse a las cosas sagradas),se descubre, mirando al otro,sus deseos escondidos sin mediar palabra.¿Quién será pues el experto en el arte de amar que enseñe al inexpertosin decir o escribir palabra?Tan sólo con los ojos se puede hablar.

7.- Ogni occhio del signor lingua veloceParea che fusse, et ogni occhio de’ suoi,Orecchia intenta ad ascoltar sua voce.Più fieri, parea dir, son gli occhi tuoiDe l’empie man, che mi porranno in croce;Né sento colpo alcun, che sì m’annoiDi tanti che’l reo stuol in me ne scocca,Quant’il colpo, ch’uscío dalla sua bocca

7.- Cada uno de los ojos del Señor parecían ser lengua velozy cada uno de los ojos de Pedroparecían ser oídos escuchando intensamente Su voz.“Más crueles -parecía decir- son tus ojos, que las manos del impío que me pondrá en la cruz;no siento tanto las heridas que la cruel turba me infligió, como la que vino de tus labios”.

8.- Nessun fedel trovai, nessun corteseDi tanti ch’o degnato d’esser miei;Ma tu, dove il mio amor via più s’accese Perfido,e ingrato sovra ogni altro sei;Ciascun di lor sol col fuggir m’offese;Tu mi negasti, et hor con gli altri reiTi stai a pascer del mio danno gli occhi,Perché la parte del piacer ti tocchi.

8.- Ningún fiel encontré, ninguno de tantos amable, digno de ser mío.Pero tú, en quien mi amor cada vez más se enciende, más traicionero e ingrato te vuelves. Cada uno de ellos con sólo huir me ofenden; pero tú me negaste y ahora con esos otros culpables te encuentras, alimentando tus ojos con mi sufrimiento al haber tomado el camino fácil

9.- Chi ad una ad una raccontar potesseLe parole di sdegno, e d’amor piene,Che parve a Pietro di veder impresseNel sacro giro de le sue sereneLuci, scoppiar faría chi l’intendesse:Ma se d’occhio mortal sovente vieneVirtù, che possa in noi, ch’il prova pensi, Che puote occhio divin ne gli human sensi.

9.- Quien pudiese contar una por unalas palabras llenas de indignación y de amorque Pedro creyó ver inscritas en la sagrada mirada de Sus ojos serenos,estallar en lágrimas haría a aquel que lo entendiese:mas así como el ojo mortal puede ser a menudo fuente de virtud, ¿cuál sería entonces el efecto del ojo divino sobre el sentir humano?

10.- Come falda di neve, che agghiacciata Il verno in chiusa valle ascosa giacque,A primavera poi dal sol scaldataTutta si sface, e si discioglie in acque;Così la tema, ch’entro al cor gelataEra di Pietro allor, che ‘l vero tacque,Quando Christo ver lui gli occhi rivolse Tutta si sfece, e in pianto si risolse

10.- Como lecho de nieve congelado en invierno, escondido en el estrecho y profundo valle, en primavera, calentado por el sol, se funde y todo se disuelve en agua;así el temor dentro del corazón helado, era como estaba el de Pedro, cual silencio cierto,cuando Cristo tornó Sus ojos hacia él:todo se fundió en aquel momento, terminando en llanto.

11.- E non fu il pianto suo rivo, o torrente,Che per calda stagion giamai seccasse;Ché, benché il re del cielo immantinenteA la perduta gratia il ritornasse,De la sua vita tutto il rimanenteNon fu mai notte, ch’ei non si destasse,Udendo il gallo a dir quanto fu iniquo Dando lagrime nove al fallo antiquo.

11.- Y no fue su llanto río o corriente, que en cálida estación jamás secara;aunque el Rey del Cielo de una vez le devolviera la gracia perdida por el resto de su vida, nunca habría noche en la que él no despertara oyendo al gallo decir cuán injusto fue, derramando nuevas lágrimas sobre su antigua culpa.



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12.- Per lo sangue, che al cor se n’era andato,Lasciando fredde l’altre parti, e smorteDal raggio de’ santi occhi riscaldato Divenne fiamma, e per l’istesse porte,

Ch’era intrato il timor, fuggendo sparve;E nel suo loco la vergogna apparve.

12.- Aquel rostro que poco antes estabasalpicado del color de la muerte, por la sangre que se había apresurado hacia el corazón, dejando lo demás frío y mortecino, templado por el rayo de los ojos santos se convierte en llama, y por las mismas puertas por donde había entrado,el temor desapareció huyendo y en su lugar apareció la vergüenza.

13.- Veduto il miser quanto differenteDal primo stato suo si ritrovava,Non bastandogli il cor di star presenteA l’offeso signor, che sì l’amava,Senza aspettar se fiera, o se clemente Sententia il duro tribunal li dava,Da l’odioso albergo, ove alloraPiangendo amaramente uscì di fuora.

13.- Al ver el mísero cuán diferentese encontraba de cómo era antes,no bastándole el ánimo de estar ante al ofendido Señor, que le amabasin esperar dureza o clemencia de la sentencia que el duro tribunal le diera,del odioso lugar donde se encontraba, salió fuera llorando amargamente.

14.- E vago d’incontrar chi giusta pena Desse al suo grave error, poi che pauraDi maggior mal l’ardita man raffrena,Per l’ombre errando de la notte oscuraNe va gridando, ove il dolor li mena,E la vita, che inanzi hebbe sì a cura,Hor più ch’altro odia, e sol di lei si duole,E perché lo fe’ errar, più non la vuole.

14.- Deseoso de encontrar a quien justo castigo diese a su grave falta -pues el miedode mayores males reprime su mano temeraria, errando por las sombras de la noche oscuraiba gritando por donde el dolor lo llevó.Y la vida de la que antes poco se preocupaba,ahora la odia más que a nada y de ella se duele, y porque le hizo errar, ya no la quiere

15.- Vattene vita va, dicea piangendo,Dove non sia chi t’odi, o chi ti sdegni;Lasciami; so che non è ben, che, essendo Compagnia così rea, meco ne vegni;Vattene vita va, ch’io non intendo,Che una altra volta ad esser vil m’insegni;Né vo per prolungar tue frali tempre, Uccider l’alma nata a viver sempre.

15.- “Vete vida -decía llorando- donde no seas odiada o despreciada.Déjame, sé que no está bien que siendo compañía ingrata, vengas conmigo.Vete vida, ve, no pretendo que otra vez vengas a enseñarme a ser vil;ni quiero prolongar tu frágil existencia, ni matar el alma nacida para vivir siempre”.

16.- O vita troppo rea, troppo fallace,Che per fuggir qua giù sì breve guerra,Perder m’hai fatto in cielo eterna pace;Chi più desia goderti in su la terra,Più tosto senza te schernito giace;E chi vorria lasciarti, e gir sotterra,non vuoi mal grado suo, giamai lasciarlo Vaga di sempre a novo duol serbarlo.

16.- Oh vida tan culpable y falsa,que por huir de una breve discordia,me has hecho perder la paz eterna en el cielo.Quien más desea gozar de ti en la tierra,más pronto sin ti, humillado yace,y quien quería dejarte y estar bajo tierra, no puede a su pesar jamás dejarte,vagando por siempre con un renovado dolor.

17.- A quanti già felici in giovanezzaRecò l’indugio tuo lunghi tormenti,Che se inanzi al venir de la vecchiezza Sciolti fusser dal mondo, più contentiMorti sarían, poi che non ha fermezza Stato alcun, che si temi, o si paventi;Onde io vita a ragion di te mi doglioChe stessi meco, e stai più che non voglio

17.- A cuántos ya felices en su juventudno dio tregua tu largo tormento,que si antes de alcanzar la vejez fueran liberados de este mundo, más contentoshabrían muerto, pues una vida de temor o pavor no tiene validez alguna.Por eso vida, por tu causa me duele que sigas conmigo y no te quiero más.

18.- Non trovava mia fé sì duro intoppoSe tu non stavi sì gran tempo meco;Se non havesser gli anni, e il viver troppo Portato il senno, e la memoria seco,Pensar dovea, ch’io vidi dar al zoppo I pié, la lingua al muto, e gli occhi al cieco,E quel che più meravigliar fe’ l’ombre, Render l’anime ai corpi, onde eran sgombre.

18.- No habría encontrado mi fe este grave obstáculo si no hubieras estado tanto tiempo conmigo;si los años y el vivir no se hubieran llevado el sentido y la memoria,habría pensado que le vi dar pies al cojo, lengua al mudo y ojos al ciego,y lo más maravilloso para las sombras fue: regresar las almas a los cuerpos donde serían liberadas.

19.- Queste opre e più, che ‘l mondo, et io sapea,Ramentar mi dovean, che il lor fattoreFontana di salute esser dovea,

19.- Estos hechos y más que el mundo y yo sabemos,deberían haberme recordado que el que los llevó a cabo, es Fuente de salvación



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E sgombrar dal mio petto ogni timore;Ma come quel, che per l’età ch’avea,Era di senno, e di me stesso fuore.Nel gran periglio ricercando aitaPer tema di morir, negai la vita.

y liberaría de mi pecho cualquier temor.Sin embargo, como aquel que es temeroso por la edad, estaba yo sin sentido y fuera de mí,buscando ayuda en momento de gran peligro. Por el temor de morir, negué la vida.

20.- Negando il mio signor, negai quel ch’eraLa vita, ond’ogni vita si deriva;Vita tranquilla, che non teme, o spera, Né puote il corso suo giunger a riva;Poi che dunque negai la vita vera Non è, non è ragion, che unqua più viva;Vatten, vita fallace, e tosto sgombra; Se la vera negai, non chiedo l’ombra.

20.- Negando a mi Señor, negué lo que era, la vida de la que toda vida deriva;vida tranquila que no teme ni espera, ni puede su curso alcanzar la orilla.Para el que niega la verdadera vida, no hay razón alguna para que siga vivo;vete pues vida falsa y libérame rápidamente; si la verdad negué, no quiero sombra.

Motete.- Vide homo, quae pro te patior;Ad te clamo, qui pro te morior;Vide poenas, quibus afficior;Vide clavos, quibus confodior;Non est dolor, sicut quo crucior,Et cum sit tantus dolor exterior,Intus tamen dolor est gravior,Tam ingratum cum te experior.

Motete.- Ve hombre lo que por ti sufro;a ti te llamo que por ti muero.Ve las penas que me afligen.Ve los clavos que me penetran.No es dolor como el de la tortura.Y con tan grande dolor en lo externo,en lo interno el dolor es aún más grave cuando te encuentro tan ingrato.



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NEOCANTES

INTÉRPRETENEOCANTES: INGARTZE ASTUY, canto y recitación. GERMÁN TORRELLAS, flauta, vihuela de arco y guitarra. GEMMA TORRELLAS, violoncello.


PROGRAMA

I. El alma que quiere desasirse del cuerpo y partir hacia el Amado

Teresa de Jesús(1515-1582)

Vivo sin vivir en mí *

Francisco de la Torre(Cancionero Musical de Palacio, siglo XV)

Oh, cuán dulce serías muerte!

Anónimo(Romances y letras a tres voces, S. XVII)

Como suele el blanco cisne

II. La Muerte

Liturgia de los Sacramentos(Oración. Himno S. IX. Officium defunctorum)

Recomendación del alma *

Canto llano(Officium defunctorum: Contra sepulcrum)

In Paradisum

Teatros, fechas yhorariosHoyo de Manzanares.Teatro Municipal Las Cigüeñas.22 de febrero. 20:00 horas. Entrada: 5 €.

MÚSICA

MÍSTICA, MÚSICA Y POESÍA ANTE EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ

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Arte Sacro 2014

Francisco de Peñalosa(ca. 1470-1528)

Archivo musical de la Catedral de Tarazona

Ne reminiscaris, Domine (Motete)

III. El alma busca al Amado y emprende el camino hacia la Gloria

Teresa de Jesús(1515-1582)

Búscate en mí *

Anónimo(Biblioteca Nacional de Madrid, Ms. 1.361)

Vivo yo, mas ya no yo

Juan de la Cruz(1542-1591)

Otras coplas “a lo divino” *

Francisco Guerrero(1528-1599)

Oh virgen cuand’os miro

IV. La unión del alma con Dios


Noche oscura *


Si tus penas no pruebo

Juan Bautista Comes(1568-1643)

(Obras musicales de J. B. Comes,J. B. Guzmán, 1888)

que el rey del cielo


Llama de amor viva *

Francisco de Peñalosa(ca. 1470-1528)

Archivo musical de la Catedral de Tarazona

Adoro te, Domine Iesu Christe (Motete)

V. La vida eterna


(Canciones y Villanescas Espirituales, Venecia, 1589)

qué se puede desear


Suma de la perfección *


(Canciones y Villanescas Espirituales, Venecia, 1589)

¡Oh venturoso día!

¡qué buen año!

* Obras recitadas



Arte Sacro 2014

NOTAS AL PROGRAMASi hay un momento culminante en la existencia de todo creyente, si la condición humana está sujeta a una prueba definitiva, última e irrenun-ciable, ésta es, sin duda, la muerte. Sobre ella, sobre la actitud ante sus consecuencias, previas y futuras, y sobre la esperanza gozosa en esa muerte unida a los sentimientos amorosos más sublimes, sobre el Amor y la muerte, en fin, hemos realizado el programa. Contamos para ello con la colaboración de Pilar Gordillo, que nos ayudó en la selección de los textos poéticos y en la confección ideológica del programa, dándonos las pautas principales para presentarlo en esos cinco pasos fundamentales en los que las almas alcanzan por fin la gloria eterna.

La producción poética y musical sobre la muerte y su relación íntima con el amor durante los siglos XVI y XVII es enorme. No en balde esta idea forma parte fundamental del pensamiento renacentista y propone una vía de expresión que trasciende incluso al amor “humano”. Buena prueba de ello son los textos poéticos y la música que escuchamos en este concierto. La mística más elevada no se encuentra solo en la obra de Teresa de Jesús o de San Juan de la Cruz, está también presente, con una magnífica profundidad expresiva, en la creación artística de la mayoría de los músicos y poetas del Renacimiento y el Siglo de Oro.

I. El alma que quiere desasirse del cuerpo y partir hacia el amado.- Los versos del poema de Santa Teresa de Jesús Vivo sin vivir en mí, trasmiten ese deseo del encuentro con el Amado y suponen una de las páginas más hermosas de nuestra literatura. Esa misma serenidad apasionada está presente en ¡Oh, cuán dulce serías, muerte!, de Francisco de la Torre. Como suele el blanco cisne, una obra exquisita, relata los últimos momentos de la vida de San Ignacio que, cantando como el cisne ante la proximidad de la muerte, se entrega feliz a esa “dulce vida”. La descripción, al final de esta obra, de ese vuelo del alma es de una belleza plástica indescriptible.

II. La muerte.- La campana anuncia la muerte. La liturgia de difuntos incluye esta Oración de la Encomendación del Alma que se recita ante el cadáver. La antífona de canto llano In paradisum acompaña el cuerpo a la tumba, en la esperanza de la resurrección En el motete de Pe-ñalosa, Ne reminiscaris, Domine, se pide para el alma perdón y misericordia.

III. El alma busca al amado y emprende el camino hacia la gloria.- El alma abandona por fin el sepulcro y acude al encuentro con el amado. En los versos de Santa Teresa se manifiesta esta búsqueda esperanzada, vivencia que se expresa de forma paradójica en Vivo yo, mas ya no yo. Las Coplas “a lo divino”, de San Juan de la Cruz, mantienen este optimismo espiritual que impregna el camino hacia el paraíso prometido.

María, puerta de los Cielos, ofrece su virginal seno para acoger a sus hijos. Oh Virgen cuand’os miro, de Francisco Guerrero, uno de nuestros compositores más insignes, al que se conoce como “el cantor de María”, recrea de forma exquisita esa contemplación mariana.

IV. La unión del alma con dios.- Con Noche oscura, de San Juan de la Cruz, alcanza la cumbre del lirismo la mística castellana. Esa unión apacible y sobre todo amorosa, esa entrega sin condiciones, aparece también en la villanesca espiritual de Guerrero, Si tus penas no pruebo. Que el Rey del Cielo, de J. B. Comes pone de manifiesto el profundo agradecimiento al Amado por su sufrimiento. ¡Oh llama de amor viva!, de San Juan de la Cruz, describe este diálogo amoroso que está patente también en el motete de Peñalosa, Adoro te, Domine Iesu Christe.

V. La vida eterna.- En el particular estilo de las villanescas de Guerrero, capaz de aunar los ritmos más populares con los pensamientos más elevados se nos presenta en ¿Qué se puede desear? el gozo de la vida eterna.

La sentencia poética de San Juan de la Cruz da paso a la luz de la gloria. Las dos últimas obras del concierto, ¡Oh venturoso día! y ¡Qué buen año!, expresan el júbilo final de la salvación y la unión con el Amado para siempre…en de Montserrat.

NEOCANTESEs una formación de cámara que nació por iniciativa de Germán Torrellas, hace más de veinte años, desarrollando, desde entonces, una intensa actividad musical encaminada a ofrecer al público una visión, lo más auténtica posible, de la Música Histórica española. Todos los componentes del grupo tienen una sólida formación musical, habiendo acudido a los cursos más prestigiosos con los profesores y especia-listas más destacados de España y el resto de Europa.

En su larga trayectoria, el grupo ha visitado una treintena de países en Europa, Asia y América. Ha recibido el Premio Nacional del Disco por su grabación de la obra completa de Juan del Encina, ha acompañado a los Reyes de España en dos giras europeas y ha participado en los principales Festivales y ciclos de conciertos de nuestro país. En los últimos años cabe destacar su intervención en la mayoría de ciclos y festivales de Música Histórica de España. En octubre de 2000 el grupo realizó una gira de conciertos en Estados Unidos y Canadá que incluyó localidades de la importancia de Washington, Boston, Ottawa, Montreal o Quebec. En 2001 y 2002 llevó a cabo una gira española con el programa “Romances y letras” con música del Siglo de Oro. Durante el año 2003 ofreció medio centenar de conciertos en toda España... En 2004 estrena el programa “En torno a José Español”, presentado en el Festival de Sajazarra y con el que ha realizado conciertos en La Rioja, Burgos, Cantabria y País Vasco. También presenta “Música, mística y poesía”, concierto alrededor de El entierro del Conde de Orgaz, de El Greco. En 2005 estrena “La música de El Quijote”, realizando una larga gira por toda España. En el verano de 2006 estrena, en el marco del Festival de Santander, “Música para la adoración de la Cruz”, concierto que interpreta en una intensa gira en la Semana Santa de 2007, año en el que también estrena “Filis del alma mía. 20 canciones con nombre de mujer”. Se presenta, asimismo, en el Festival Medieval de Alburquer-que y en el Festival de Música de Maó, entre otros. Durante al año 2008 estrena los programas “Ay, qué prodigio” y “Gozos del Románico”, presentando su trabajo de nuevo en numerosos ciclos de conciertos y festivales de Aragón, Castilla-La Mancha y Castilla y León. Participan igualmente en el Ciclo de Música Culta del Instituto Cervantes, de Palermo.

En los últimos años han continuado su labor de investigación y recuperación de la música española, estrenando programas como “¡Huid del arco de Amor!”, dedicado a la música amorosa del Siglo de Oro y que han interpretado, entre otros, en el ciclo “Esquisses Ibériques”, organizado por la Embajada de España en la Sainte-Chapelle de París. También han participado en el Ciclo de Música de Cámara de Aranda



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de Duero, en el Festival de Semana Santa de Las Pedroñeras, en el Festival de Arte Sacro de Madrid o en el Festival de Música Medieval de Alarcos, donde han estrenado el programa “Los sospiros no sosiegan”, dedicado a la figura de Juan del Encina.

Asimismo, el grupo ha desarrollado una intensa labor de difusión de la música clásica, especialmente entre los más jóvenes, con programas como “¿Quién inventó la música clásica?”, “¡Vamos a la ópera!” o la exposición interactiva de instrumentos musicales “Mira y toca”, siendo ya más de 100.000 niños y jóvenes los que han disfrutado de sus actividades didácticas.

Su última propuesta, inaugurada en septiembre de 2013, es el micro-espacio cultural “La Cajita de Música”, que ofrece una actividad per-manente en torno a la música de cámara.

Crítica y público han elogiado unánimemente el trabajo de conjunto, la calidad de interpretación y la capacidad de comunicación de este grupo que ocupa un puesto de privilegio en el panorama de la música antigua española.



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DIFUSIÓN ENSEMBLE ORqUESTAL

INTÉRPRETESDIFUSIÓN ENSEMBLE ORqUESTAL. ROBERTO PÁLMER, director.


PROGRAMA

Antonio Vivaldi(1678-1741)

Gloria 1, RV 589

- Gloria in excelsis Deo- Et in terra pax- Laudamus te- Gratias agimus tibi- Propter magnam gloriam tuam- Domine Deus- Domine, Fili unigenite- Domine Deus, Agnus Dei- qui tollis peccata mundi- qui sedes ad dexteram Patris- quoniam tu solus sanctus- Cum Sancto Spiritu

1 Para cuarteto vocal (soprano, contralto, tenor y bajo), violín I, violín II, viola, violonce-llo, oboe, trompeta y clave u órgano continuo.

Teatros, fechas yhorariosMajadahonda.Casa de la Cultura Carmen Conde.22 de febrero. 20:00 horas. Entrada: 10 € planta baja, 8 €. primera planta.

San Sebastián de los Reyes. Iglesia Parroquial de San Sebastián Mártir.4 de abril. 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Pinto.Iglesia de las Capuchinas.6 de abril. 18:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

GLORIA, DE ANTONIO VIVALDI

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DIFUSIÓN ENSEMBLE ORqUESTALLa orquesta de cámara Difusión Ensemble ha sido creada para acercar y difundir la gran música.

Integrada únicamente por músicos de primera fila, como son los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, profesionales de la Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Nacional de España y concertistas, hacen de Difusión Ensemble uno de los más brillantes grupos orquestales del panorama musical actual.

El proyecto por el cual Difusión Ensemble fue creado vio la luz en la temporada 2005 con el disco Arte al derecho con la Música, un proyecto de la Comunidad de Madrid y el Instituto Madrileño del Menor y Familia, con el patrocinio de la Fundación Alicia Koplowitz y la Fundación Pryconsa. Obras de L. Boccherini, W. A. Mozart, J. Turina, B. Britten, J. Zárate…, con una primera edición de 5000 copias, fue elogiado por la crítica, así como retransmitido por Radio Clásica de RNE.

El propósito entusiasta de Difusión Ensemble en la presente temporada es llevar esta música a las salas de concierto. Muestra de ello han sido los recientes conciertos para el Festival Veranos de la Villa 2007, 2008, 2011, celebrado al aire libre en la Plaza de Oriente de Madrid para más de 2500 espectadores, y el Concierto de Nochebuena, patrocinado por Burberrys, junto al violoncellista internacional Josetxu Obregón.

Los próximos compromisos de Difusión Ensemble incluyen una serie de conciertos y diversas grabaciones y apariciones en diferentes Festi-vales, a nivel nacional e internacional. Celebrando su quinto aniversario con un concierto íntegro de música española en el prestigioso Teatro Diligentia de La Haya (Holanda), un ciclo para la Fundación Mutua, Fundación Alcobendas y Red de Teatros.

Difusión Ensemble interpreta asimismo obras de los compositores españoles más relevantes como: C. Halffter, J. L. Turina, T. Marco, J. Fernández Guerra, J. Zárate, E. Alonso…

ROBERTO PÁLMER Roberto Pálmer, director artístico y musical de Difusión Ensemble y director musical del ciclo de conciertos para jóvenes de la Orquesta Filarmónica de Málaga (2007-2009), fue recientemente invitado por el maestro David Zinman para participar en el 60 aniversario del Festival Internacional de Aspen (Colorado) y requerido como cover conductor del maestro James Conlon. Esta temporada viajará de nuevo a EEUU (Virginia) para ser el director asistente del Festival Nacional de Música 2011.

Semifinalista del prestigioso concurso Donatella Flick de Londres, ha dirigido recientemente a la Orquesta Filarmónica de Málaga, la Slove-nian Philharmonic, en un nuevo el ciclo de conciertos organizado por Juventudes Musicales (Ljubljana), la Orquesta Sinfónica de RTVE y un concierto-homenaje con los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, invitado por el maestro Encinar. Ha actuado con Difusión Ensemble dentro del Festival Veranos de la Villa dos años consecutivos y ha ofrecido un concierto íntegro de música española, celebrando el quinto aniversario de Difusión Ensemble, en el Teatro Diligentia de La Haya, comenzando un ciclo de conciertos dedicados a Beethoven (conciertos para piano y sinfonías).

Tiene compromisos con diferentes orquestas sinfónicas y una nueva colaboración con la Joven Orquesta del Festival de Bayreuth, en Ale-mania. Asiste al maestro John Nelson en el Palau de la Música de Valencia y ha sido invitado para dirigir en el festival Veranos de la Villa (año Liszt), por tercera vez (2007/2008/2011).

Ha dirigido recientemente a la Orquesta Sinfónica de Extremadura y a la ORCAM, en su segunda invitación.

Roberto Pálmer debutó internacionalmente en el Cankarjev Dom de Ljubljana, dirigiendo a la mítica Slovenian Philharmonic Orchestra. Tras estos conciertos, fue invitado para dirigir de nuevo la orquesta en la gala ofrecida junto a los solistas ganadores del concurso Temsig y re-querido para trabajar como director musical asistente, acompañando a la orquesta en todas sus giras y conciertos, lo que le ha llevado al Festival Bruckner, celebrado en la Grosser Saal de la Brucknerhaus, de Linz (Austria), los conciertos Europas Musik, en el auditorio BASF de Ludwigshafen (Alemania), y a la Stephanie Saal, de Graz (Austria), en gira con la Ljubljana Academy Orchestra.

Al mismo tiempo, fue seleccionado como integrante de la bolsa de jóvenes directores de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) y se hizo cargo de la grabación del disco Arte al derecho con la música, elogiado por la crítica, así como retransmitido por Radio Clásica de RNE, ofreciendo diversos ciclos de conciertos dedicados a difundir la música clásica en la juventud española.

Roberto Pálmer es natural de Madrid donde se graduó con las más altas calificaciones. Es ganador del Primer Premio del Concurso Nacional de Composición Ciudad de Alcobendas (1996) y finalista del XI Concurso de Piano Jacinto Guerrero (1998).

Se formó como director de orquesta con Imre Kollar (Hungría) y George Pehlivanian (Slovenia), dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Tavernes y la Joven Orquesta Bancaja. También fue aconsejado por Nicolaus Harnoncourt, en Viena, Walter Weller, en Bruselas, Leonard Saltkin, en EEUU, Adrian Leaper, Miguel Ángel Gómez Martínez y Marc Minkowski, en España, y John Nelson, en Francia.

Como director de ópera ha colaborado en las producciones de: Haendel (Giulio Cesare y Semele), Mozart (Bastian y Bastiana, Don Giovanni, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro y Cossi fan tutte), Rossini (El barbero de Sevilla), Donizzeti (El elixir de amor), Verdi (La Traviata), Puccini (La bohème y Tosca), Bizet (Carmen), Wagner (Sigfrido), Britten (Curlew River y The rape of Lucretia),… y ha sido aconsejado por George Manahan (New York Opera) y Nicholas Kraemer (Manchester Camerata).

Normalmente actúa con jóvenes solistas de prestigio, como hermanos Del Valle, J. Obregón, M. Bohinec, K. Meljnikov, V. Arriola, R. Domín-guez, F. J. Segovia, L. Nicole Russell, M. Vasil, G. Hutas, N. Mokareva, L. Chilaia, S. Teslia, F. Nemirovsky…

Muy involucrado en la difusión de la música de nuestro tiempo, Pálmer estrenó recientemente Shimmer, de Andrew Nishikawa, y dirige regu-larmente las obras de los compositores españoles más relevantes, como C. Halffter, J. L. Turina, T. Marco, J. Fernández Guerra, J. Zárate…



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UMEYA

INTÉRPRETESUMEYA: WAFIR SHAIKHELDIN, acordeón, percusiones y voz. SALAH SABBAGH, darbuka y daf. MÓNICA SADE, danza oriental.


PROGRAMA

Música y danza de Oriente.

- Río (Egipto)

- Perfume egipcio (Egipto)

- Ahlam (Afro-árabe, de Sudán) - Ya Shadi (Siria) - Tema popular sufí (Presente en todo el entorno cultural que abarca el sufismo) - Estambul (Turquía)

- Ya imam (Siria)

- Tema folklórico (Irak)

- Taqsim de ud (improvisación a solo)

- Aires de Marruecos (Marruecos)

- Nilo Azul (Etiopía-Sudán)

Teatros, fechas yhorariosLa Cabrera.Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte.23 de febrero. 12:30 horas.Entrada: 7 €

Madrid. Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas.23 de marzo. 19:00 horas.Entrada: 3 €

DANZA

MÚSICA Y DANZA DE ORIENTE

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NOTAS AL PROGRAMAEl grupo Umeya propone un viaje por la música y la danza de los países de origen de Wafir Shaikheldin (Sudán) y Salah Sabbagh (Siria), países frecuentemente presentes en las noticias por cuestiones bien diferentes a las culturales, y que cuentan también con un patrimonio de gran valor estético. Basándose en la música de sus orígenes, realizan también guiños a otras culturas musicales, tal vez más conocidas fuera de sus fronteras, como la egipcia y la turca, y a otras que siguen siendo bastante desconocidas, como la iraquí. La danza mostrará varios estilos de lo que se denomina genéricamente “danza oriental”, utilizando algunos de los elementos, como el sable o el velo.

África y Oriente Próximo se unen en el encuentro entre el sudanés Wafir Shaikheldin y el sirio Salah Sabbagh. Sus intrincados ritmos y me-lodías serán la base para el baile de Mónica Sade, bailarina técnica y expresivamente virtuosa, especializada en la práctica y la didáctica de las danzas clásica oriental y del sable.

WAFIR SHAIKHELDINHablar del sudanés Wafir Shaikheldin es hacerlo de 19 años de carrera en España, en los que ha pasado por experiencias tan eclécticas como la música antigua con Eduardo Paniagua, el pop celta de Hevia, el folk gallego de Luar Na Lubre, el folk castellano de La Musgaña, la música judía de Klezmer Sefardí y la rica fusión de Radio Tarifa. Incluso el pop más comercial, como Amistades Peligrosas han aprovechado su versatilidad y saber hacer. Wafir tiene además su propio repertorio, basado en su origen sudanés y su variada carrera.

SALAH SABBAGHVirtuoso percusionista sirio especializado no sólo en la música de su país, sino también en la persa, la egipcia y la balcánica. Desde su llega-da a España en 1977 ha acompañado a multitud de bailarinas profesionales, tanto en España como en América Latina, y a artistas de otros estilos, como Lole Montoya.

MÓNICA SADEBailarina especializada en danza oriental, de técnica cuidada y gran capacidad expresiva. Comienza a estudiar danza modern jazz de la mano de Nuria Muñiz, quien le orienta hacia la danza clásica, que estudia principalmente en la Escuela Superior de Danza, con Aurora Zerdán y Adolfo León, compaginando con formación de danza contemporánea, técnicas Graham y Limón.

Recibe clases de danza oriental con las maestras Cristiane Azem, Ana Saeeda… y talleres de formación con Gloria Alba, Eva Chacón, Ta-malyn Dallal, Kaeshi, Nigma,… en diferentes estilos, desde el clásico al tribal, especializándose en la Danza del Sable.

Realiza talleres de danza contemporánea persa y giro sufi con Banafsheh Sayyad y danza Bharatanatyam con Gloria Mandelik. Ha estudiado danza africana con Sonia Sampayo, Alboury Dabo, Papis Koite,… en España y Senegal.

Además de su trabajo con Umeya, es codirectora del espectáculo de fusión flamenco-oriental Ghawalim y su espíritu inquieto le ha hecho acercarse a técnicas de cabaret, danza tribal, etc.



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TEATRO TYL TYL

INTÉRPRETESCOMPAñíA TYL TYL: Ave María Tejón, Jesús Cardeña, Nerea Lovecchio, Ana Belén Serrano, Daniel Lovecchio, intérpretes. David Jiménez Duro, piano en vivo. Teatr Lalki i Aktora, diseño y realización de escenografía. Teatro Tyl Tyl, diseño de Luces. Mariani Marquerie, diseño y realización de vestuario. FRANZ LISZT, música. Teatro Tyl Tyl, técnico de luz y sonido. Renato Costa, fotografía. Teatro Tyl Tyl, producción. Ana Canalejo, secretaria de Producción. Pury Estalayo, distribución y campaña escolar. FRANZ LISZT, DANIEL LOVECCHIO, autores. DANIEL LOVECCHIO, dirección y puesta en escena.


PROGRAMA

Liszt, Teatro Sonoro. Versión teatralizada de la música del compositor húngaro Franz Liszt (1811-1886)

Teatros, fechas yhorariosParla.Teatro Dulce Chacón.23 de febrero. 18:00 horas.Entrada: 4 €.

TEATRO PARA NIÑOS CON MÚSICA EN DIRECTO

TEATRO

LISZT, TEATRO SONORO

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NOTAS AL PROGRAMATyl Tyl aborda esta versión teatralizada de la música de Liszt a partir de cinco piezas del compositor húngaro: Sueño de amor y las Consola-ciones 2, 4, 5 y 6.

Cinco personajes inspirados en la estética del Romanticismo juegan con la actitud, la manipulación de objetos y el movimiento, dando un aire mágico e inesperado análogo al de una danza.

La música de Liszt junto a la partitura coordinada del movimiento de los cinco actores, se despliega en una instalación plástica y lúdica a la que queda asociada.

Su estreno se llevó a cabo en los Teatros del Canal en la Jornada dedicada a este compositor, con una acogida maravillosa. La Embajada de Hungría lo llevará a este país en breve.

Se trata de un trabajo que asegura el éxito para público familiar. Es un espectáculo totalmente singular que mezcla la música, el teatro gestual (basado en rítmica Dalcroze) y elementos de magia.

Todo surge del juego al que la música en su esencialidad convoca.

La edad recomendada para la asistencia al espectáculo es a partir de 1 año.

TEATRO TYL TYLEl Teatro Tyl Tyl se inaugura en el año 1995 como “Centro de Investigación en las Áreas de Expresión Artística para la Infancia y la Juventud”. En este espacio, en constante crecimiento, se diseñan y desarrollan, anualmente, numerosos proyectos:

Producción artística teatral y musical (espectáculos creados para niños y jóvenes).

Representaciones dirigidas a público escolar y familiar, realizadas por la Compañía que gestiona el teatro: Tyl Tyl Teatro y Música y por com-pañías invitadas de ámbito nacional e internacional.

Escuela de Arte para alumnos de 3 a 18 años que trabajan, de manera globalizada, las áreas de teatro, música (método Dalcroze), movimiento y expresión plástica.

Ediciones y publicaciones, a través de su línea editorial, referidas a la educación, el arte y la infancia, siendo la más destacada la revista tri-mestral ECOS, arte y cultura para la infancia.

Servicio de biblioteca para alumnos, padres y profesionales.

Actividades específicas integradas en la organización de Semanas Temáticas, como Semana de Invención e Infancia, Semana Intercultural, Semana del Arte y Medio Ambiente.

Jornadas de Reflexión teórica, entre distintos profesionales de diversas ramas relacionadas con la educación, el arte y la infancia.

Cursos dirigidos a padres y maestros.

El Teatro Tyl Tyl es sede estable de Teatralia (Festival de artes escénicas para la Infancia y la Juventud de la Comunidad de Madrid).



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AZUCENA LÓPEZ / KARINA AZIZOVA

INTÉRPRETESAZUCENA LÓPEZ, soprano. KARINA AZIZOVA, piano.


PROGRAMA

Joaquín Rodrigo(1901-1999)

Cántico de la esposa (San Juan de la Cruz)

Manuel García Morante(1937)

IExclamaciones (Santa Teresa de Jesús)

- ¡Oh vida, vida!- ¡Ay de mí, Señor!- ¡Oh mortales, volved en vosotros!- ¡Oh Dios mío y mi sabiduría!

Federico Mompou(1893-1987)

Música callada, nº 1

J. Torres Noche oscura (San Juan de la Cruz)

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Ateneo de Madrid.26 de febrero. 20:00 horas.Entrada: 8 € (socios, entrada libre hasta completar aforo).

MÚSICA

POESÍA DE SANTA TERESA Y SAN JUAN DE LA CRUZ EN CONCIERTO

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Cantar del alma (San Juan de la Cruz)


B. Cerrato Dilectus meus mihi * (Santa Teresa de Jesús)



Gian Carlo Menotti(1911-2007)

Muero porque no muero (Santa Teresa de Jesús. Cantata, dedicada a las Hermanas Carmelitas descalzas de Santa Teresa)

* Estreno absoluto

NOTAS AL PROGRAMASanta Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz son dos de los poetas místicos españoles más musicados pese a que sus poesías han tarda-do cuatro siglos en adentrarse en el mundo de la música. No obstante, hoy por hoy, ya se puede afirmar que están incluidas en catálogos personales de grandes compositores, en programaciones de importantes conciertos y, por tanto y para siempre, en la historia de la música.

Los músicos anteriores al siglo XX, les dedicarían, por supuesto, piezas litúrgicas en gregoriano, pero sus poesías, al no estar escritas en latín, no pudieron ser musicadas para actos de la liturgia católica, lo cual no impidió que multitud de celebraciones piadosas, triduos y nove-nas estuvieran nutridas de canciones que contenían sus poesías. Ha sido en el siglo XX cuando se han vuelto a cantar las poesías de estos santos, tal como se hiciera otrora, con músicas robadas incluso de cualquier canción de la época.

Historiadores de música española dicen que el estreno en 1924 de El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, tuvo mucha influencia en los compositores españoles, e hizo volver sus ojos hacia la literatura y la música del Renacimiento Español.

A partir de entonces el acercamiento de los músicos a la poesía de estos dos místicos se ha incrementado hasta límites insospechados.

Por último, en 1942, fecha del centenario del nacimiento de San Juan de la Cruz y con el empeño e impulso que ejerció Dámaso Alonso en la poesía de estos dos grandes poetas contribuyó aún más a su difusión en ámbitos musicales.

AZUCENA LÓPEZSoprano, nacida en Ávila. Realizó sus estudios en el Real Conservatorio de Música y en la Escuela Superior de Canto de Madrid; fue alumna de Paloma Pérez Iñigo y Ana Mª Olaria y obtuvo el Título Superior en el año 1993. Continuó su formación con Ángeles Chamorro, P. Harrison e Ian Baar. Ha realizado cursos de perfeccionamiento y estilo con Alfredo Kraus, Rose M. Meister, Victoria de los Ángeles, E. Abad, Miguel Zanetti, E. Ferrari y M. Burgueras. Actualmente, con Josefina Arregui y repertorio vocal estilístico con F. Delfini. Especialmente interesada en la música de cámara, colabora con distintos grupos e intérpretes: Trío Sphor (clarinete, soprano y piano), Grupo Nereidas (ocho voces femeni-nas), Grupo Hidrópicus (cuarteto vocal y narrador), entre otros. Ha ofrecido recitales de lied, canción española, ópera y zarzuela acompañada por pianistas como M. Burgueras y K. Azizova. Junto al guitarrista Hugo Enrique, participa en Las Edades del Hombre (2004), ofreciendo un recital sobre la lírica de Santa Teresa y San Juan de la Cruz. Ha interpretado obras como: Gloria, de A. Vivaldi, Stabat Mater, de G. B. Per-golesi, Carmina Burana, de C. Orff, Misa en Sol Mayor, de F. Poulenc, Misa Brevis, KV 140, de W. A. Mozart, Tres canciones, de G. Rossini, Cantar del alma, de F. Mompou, Misa, de I. Stravinski, etc., con directores como Harry Christopher, Martin Schmidt, José Ramón Encinar, Ignacio Yepes, Jordi Casas, entre otros. Asímismo, ha tomado parte en montajes como L’incoronazione di Poppea (Fortuna), El pequeño deshollinador (Juliet), Música para niños y Una noche en la ópera. Ha actuado en escenarios como Auditorio Nacional, Teatro Monumental, Teatro Lara de Madrid, Tian Qiao Theatre de Pekín, He Luting Auditorium de Shanghai, así como en el 45º Festival Internacional de Música de Granada. Ha participado en numerosos homenajes a diversos compositores contemporáneos, entre los que cabe destacar el dedicado a Carmelo Bernaola en 2003 en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid, interpretando Ayer soñé que soñaba y en el que el Centro de Difusión de Música Contemporánea brindó al compositor González Acilu, en 2005, en el Auditorio Nacional, interpretando Bienaventuranzas y Omaggio a P. P. Pasolini.

KARINA AZIZOVANacida en Ashgabad (Turkmenistán) en 1976. Comenzó los estudios de piano en su ciudad natal con la profesora Natalia Mentyukova. En 1988 accede a la Escuela Central de Música de Moscú, donde continúa sus estudios con el profesor V. Bunin. Finaliza la titulación superior de piano en el Conservatorio P. Tchaikovsky de Moscú con el prestigioso profesor L. Naumov. En 1993 gana el primer Premio del Concurso Internacional de Piano de Ragutza (Italia); en 1994, el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano de Ostuni (Italia) y, en 1996, el Se-gundo Premio del Concurso Internacional de Piano de Vladucucaz (Rusia). En 2001 fue elegida entre los tres mejores instrumentistas del Ciclo de Jóvenes Intérpretes del Palau de la Música Catalana y ha sido pianista invitada a los Cursos de Música de Cámara que, bajo la dirección de María Joao Pires, se celebran en el Centro de las Artes de Belgais (Portugal). Desde el año 2004 Karina Azizova colabora con el trompista, de fama internacional, Radovan Vlatkovich. Ha participado en el Festival de Fez 2005 (Marruecos), acompañando a Teresa Berganza. Abarca un amplio panorama del repertorio, tanto clásico como contemporáneo, incluyendo estrenos de obras actuales. Ha ofrecido conciertos en el



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Ciclo de Jóvenes Músicos, organizado por la Orquesta y Coro de Radiotelevisión Española, en el Teatro Monumental de Madrid, en el Ciclo Conçert de Tarda en el Palau de la Música Catalana (Barcelona) y en el Ciclo de Conciertos del Museo Reina Sofía. Karina Azizova ha reali-zado numerosos recitales tanto en España (Fundación Juan March, Fundación Altadis, etc.) como en Estados Unidos, Irlanda, Rusia, Italia, Turkmenistán y China. En la actualidad es pianista titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid.



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ORqUESTA BARROCA LA SPAGNA

INTÉRPRETESORqUESTA BARROCA LA SPAGNA: Pablo Gutiérrez, Irene Benito, Marta Mayoral, Daniel Pinteño, Oleksandr Sora, Víctor Martínez, Beatriz Amezúa, Ricart Renart y María del Mar Blasco, violines. Lucía Ortiz y Raquel Tavira, violas. Alejandro Marías y Alberto Paulus, violoncellos. Sylvia Jiménez, contrabajo. Yago Mahúgo, clave. Alejandro Marías, violoncello solista. ANTÓNIO FERREIRA, director.


PROGRAMA

I.

Henry Purcell(1659-1695)

Abdelazer (Suite orquestal)

- Ouverture- Rondeau- Air I – Air II- Minuet- Air III- Gigue- Hornpipe- Air IV

Jean-Philippe Rameau(1683-1764)

Sexto Concierto de Six Concerts en Sextuor

- La Poule- Menuets I & II- L’enharmonique- L’Égyptienne

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis Obispo.27 de febrero. 20:45 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

EN TORNO A RAMEAU Y CARL PHILIPP EMANUEL BACH

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II.


Concierto para violoncello y orquesta en Remenor, RV 405

- Allegro- Adagio- Allegro

Tomaso Albinoni(1671-1751)

Sinfonía en Sol menor

- Allegro- Larghetto e sempre piano- Allegro

Carl Philipp Emanuel Bach(1714-1788)

Sinfonía para cuerda nº 6 en Mi Mayor,Wq 182

- Allegro di molto- Poco andante- Allegro spiritoso

NOTAS AL PROGRAMAEn el año 2014 se celebran dos importantes aniversarios dentro del mundo de la música. Por una parte, se cumplen 250 años de la muerte de Jean-Philippe Rameau y, por otra, celebramos los 300 años del nacimiento de Carl Philipp Emanuel Bach. Ambas figuras representan muy diferentes aspectos de un cambio artístico y social que en música acabaría suponiendo el paso del barroco al clasicismo.

En efecto, este programa pretende recrear las influencias desde todos los ámbitos posibles, y uno de ellos, qué duda cabe, es la religión. Si bien ninguna de las obras del programa son música litúrgica, la influencia de la religión en ellas es, cuanto menos, perceptible.

Iniciaremos nuestro concierto con la suite Abdelazer, composición que escribió Henry Purcell para la obra de teatro homónima de la dramatur-ga Aphra Behn. Si bien Londres ha sido un centro musical importantísimo de forma casi ininterrumpida durante los últimos seiscientos años, fue siempre más un receptor de músicos expatriados que una cuna de talentos. Nacido en Westminster, Purcell es el mejor músico que ha dado Inglaterra, al menos, hasta Elgar. La suite Abdelazer es una de las obras más célebres de su catálogo, y está articulada por una obertura a la francesa, un rondó y una alternancia de arias y danzas.

Por su parte, Rameau –compositor, clavecinista y teórico musical– pasa por ser el músico francés más importante hasta el siglo XIX. Además de remplazar a Lully como figura hegemónica de la ópera francesa, escribió el primer tratado de armonía moderna, lo cual dio un vuelco a la enseñanza musical (y, por ende, a la escritura) de consecuencias evidentes hasta nuestros días. Las piezas suyas que hoy escucharemos fueron concebidas para el clave, si bien fueron arregladas en el siglo XVIII para ser tocadas a seis voces: tres para los violines, una para las violas y dos para los bajos.

En la segunda parte de nuestro viaje, haremos parada en Venecia.

Allí escucharemos música de dos de sus más célebres compositores, Antonio Vivaldi y Tomaso Albinoni. Una de las características principa-les de la música del barroco fue precisamente la rivalidad entre Francia e Italia. Ambos países trataron de alejarse cuanto pudieron el uno del otro y, sin duda, el público atento percibirá un radical cambio de estilo en la música de la segunda parte del concierto. Esta escritura, vigorosa y exquisita, sutil y virtuosa, dará un paso más hacia la sinfonía clásica, que no habría sido lo que fue sin la figura de Carl Phillip Emanuel Bach.

Hijo de Johann Sebastian Bach y ahijado nada menos que de Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach estaba llamado a ser uno de los músi-cos más importantes del siglo XVIII. Vivió una época de cambio entre el barroco y el clasicismo y desempeñó un papel fundamental en esta transición, que fue larga y compleja. Su música, a veces llamada “preclásica”, oscila entre el “estilo galante” y el “sturm und drang”, que, literalmente, quiere decir “tormenta e ímpetu”. Es precisamente esta alternancia entre el equilibrio y las pasiones extremas, entre un “precla-sicismo” ordenado y un “prerromanticismo” exacerbado, lo que caracterizará la música de este periodo, encarnada de forma arquetípica por Carl Philip Emanuel Bach.

ORqUESTA BARROCA LA SPAGNAEl conjunto La Spagna fue fundado por Alejandro Marías en el año 2009, y adoptó su nombre en honor a la popular melodía que, con este título, sonó sin cesar en toda Europa entre los siglos XV y XVII.

En función de la música abordada, normalmente entre el renacimiento y el primer clasicismo, La Spagna puede presentar disposiciones muy diferentes, desde un reducido grupo de cámara hasta producciones orquestales y operísticas con directores invitados.

La Spagna toca con instrumentos originales o copias adaptadas a cada época y estilo, así como con unos criterios interpretativos de carácter histórico que ayudan a estar más cerca de la música en su esencia, tal y como fue concebida por sus autores. Esto no tiene una finalidad



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arqueológica, sino puramente artística, ya que, cuanto más cerca estemos del autor, con más ímpetu podremos expresar las emociones y afectos que él nos ha transmitido.

Los músicos que integran La Spagna son jóvenes profesionales formados en los conservatorios y escuelas más prestigiosos de Europa (París, Ginebra, La Haya, Basilea, Ámsterdam, Viena, entre otros), y son frecuentes colaboradores de algunas de las orquestas, directores y solistas más importantes del panorama internacional de la música antigua, tales como Philippe Herreweghe, Marc Minkowski, Ton Koopman, Bruno Weil, Sigiswald Kuijken, Hervé Niquet, Lucy van Dael, Paul Agnew, Enrico Onofri, Hiro Kurosaki o David Stern.

Son la imagen de una nueva generación de instrumentistas comprometidos no solo con ofrecer una interpretación impecable, sino también con respetar la perspectiva histórica y social de cada repertorio. www.laspagna.es

ANTÓNIO FERREIRANacido en Lisboa en 1970, António Ferreira estudió dirección de orquesta con Jean-Marc Burfin en la Academia Nacional Superior de Orques-tra y ha participado en cursos de dirección orquestal con el maestro Jean-Sébastien Béreau, antiguo profesor del CNSMD de París.

Alumno de la Fundação Musical dos Amigos das Crianças (FMAC), institución donde inició los estudios de piano con Maria Amélia Toscano, António Ferreira prosiguió posteriormente sus estudios de piano y de música de cámara en la Escola Superior de Música de Lisboa, con Jorge Moyano y Olga Prats, respectivamente. Frecuentó, además, los cursos de música de cámara de las Escolas de Música Portuguesas / Orquestra 91 e 92, con el maestro João Paulo Santos.

Como solista al piano, debutó con la orquesta de la FMAC interpretando obras de Saint-Saëns y Beethoven. Ha actuado igualmente en diver-sos conciertos y recitales, principalmente en la RTP y en la RDP, en el Salão Nobre del Teatro Nacional de San Carlos, en el Serviço Acarte de la Fundação Gulbenkian, en el Palácio Nacional de Queluz, en el Centro Cultural de Belém, en la Culturgest y en el Coliseu de Lisboa, entre otros. En el extranjero, ha actuado en España (Festival Internacional de Valencia y XXXI Semana Musical de Santa Cecilia de Badajoz – 2009) y en Francia (Salon Josephine y Parlamento Europeo en Estrasburgo).

Invitado por la Câmara Municipal do Montijo, formó parte del jurado del II Prémio Nacional de Composição Jorge Peixinho, realizado en 2007.

Desde enero de 2006, dirige el programa Prata da Casa, emitido en Antena 2, cuyo principal objetivo es la divulgación de la música culta portuguesa.

En 2006, en una coproducción de Antena 2 y el Centro Cultural de Belém, estuvo a cargo del ciclo de conciertos comentados As Janelas da Música – concertos conversados. Posteriormente, y en compañía de Artemrede (Teatros associados), este ciclo fue realizado en diversas zonas de Portugal, con un total de 37 conciertos, efectuados entre octubre de 2006 y mayo de 2007. Entre noviembre de 2008 y mayo de 2010 fue el responsable del ciclo de conciertos Música.com de Loulé.

En mayo de 2009 lanzó su primer CD: David de Souza “Tout près de mon coeur”, una monografía de David de Souza (violoncellista, director y compositor nacido en Figueira da Foz, en 1880, y fallecido en la misma ciudad, en 1918). El CD, con obras para piano solo, voz y piano y violoncello y piano, cuenta con la participación de la soprano Ana Leonor Pereida y del violoncellista Pedro Neves. En el terreno de la direc-ción orquestal, António Ferreira ha actuado al frente de diversas formaciones en conciertos realizados por todo Portugal, interpretando un repertorio variado con obras de Vivaldi, Haydn, Beethoven, Mendelssohn, Wagner, Milhaud, Barber y Ravel.

Actualmente es director titular de la Orquestra do Novo Círculo de Cultura Musical. Entre los conciertos realizados con esta formación, cabe destacar el Concerto Wellington (Figueira da Foz – 2008), el ciclo desarrollado en el Palácio de Queluz (2009), el espectáculo Noite de Ópera, con la soprano Ana Leonor Pereira y el tenor Carlos Guilherme (Lisboa y Vila do Conde – 2010) y el Concerto de Natal (Lisboa – 2010).

António Ferreira es fundador del Novo Círculo de Cultura Musical, una asociación que busca la promoción de las artes en Portugal.



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CAPPELLA MARIANA

INTÉRPRETESCAPPELLA MARIANA: Hana Blažíková, Barbora Sojková, sopranos. Vojtěch Semerád, Tomáš Lajtkep, tenores. Tomáš Král, barítono. Jaromír Nosek, bajo.


PROGRAMA

Luca Marenzio(1553-1599)

Dolorosi martir

Kryštof Harant(1564-1621)

Missa super Dolorosi martir

Diego Ortiz(1510-1570)

Nuntius celso


Maria Kron, die Engel schon

Tomás Luis de Victoria(1548-1611)

Duo Seraphim

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Real Parroquia de San Ginés.28 de febrero. 20:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

PRAGA MAGNA. LA MÚSICA DURANTE EL REINADO DE RODOLFO II

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qui confidunt in Domino

Philippe de Monte(1521-1603)

O bone Jesu

NOTAS AL PROGRAMAHacía finales del siglo XVI, Praga se convierte en la sede de la corte imperial. Rodolfo II, apasionado de las artes, invita a la nueva capital a los mejores artistas de la época, transformando lo que era una ciudad de provincias en uno de los centros culturales del Renacimiento en Europa, con un lustro comparable al de las cortes reales de Francia y España.

Cappella Mariana, conjunto vocal de cámara checo, especializado en polifonía medieval, renacentista y del temprano barroco, presenta el programa Praga Magna, en el que se incluye música sacra de Kryštof Harant (1564-1621), compositor de la corte de Rodolfo II, así como piezas de sus contemporáneos europeos que eran interpretadas, por entonces, en Praga.

CAPELLA MARIANASurgido en 2008, Capella Mariana es uno de los pocos grupos checos dedicados a la recuperación de obras cumbre olvidadas de la polifonía del Renacimiento italiano, inglés o flamenco. Los miembros del conjunto son cantantes consagrados a nivel internacional, que colaboran con el Collegium Marianum de Praga, participando en festivales de la talla del Festival de Sablé, el Festival Baroque de Pontoise, el Tage Alter Musik de Regensburg, la Primavera de Praga, el Bachfest de Leipzig o el Mozartfest. También se dedican a la interpretación de música barroca y prerromántica, que llevan a escenarios checos y extranjeros junto a agrupaciones como el Bach Collegium Japan, Collegium Vocale Gent, Tiburtina Ensemble, Collegium 1704 o Doulce Memoire. En diciembre de 2012 el grupo sacó su álbum titulado Sacrum et Profanum.

La dirección artística de Capella Mariana corre a cargo de Vojtěch Semerád, que, tras concluir sus estudios en la Universidad Carolina de Praga y el Conservatorio Nacional Superior de París, continuó su formación en el Pontificio Instituto Musica Sacra, donde profundiza en su conocimiento de los coros gregorianos y la polifonía renacentista.



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SCHOLA GREGORIANA DE MADRIDSCHOLA POLIFÓNICA DE MADRID

INTÉRPRETESSCHOLA GREGORIANA DE MADRID: EMILIO RUBIO, director. SCHOLA POLIFÓNICA DE MADRID: ANTONIO PECES, director.


PROGRAMA

Monográfico Tomás Luis de Victoria (1548-1611)

- Conditor alme siderum

- Ave Maris stella

- O Magnum Mysterium

- Benedictus Dominus

- Responsorio Misa de Requiem “Peccantem me quotidie”

- Communio Misa de Requiem “Lux aeterna”

- Una hora

- Tenebrae factae sunt

- Vexilla regis (more romano)

- Pange lingua

Teatros, fechas yhorariosParacuellos de Jarama.Iglesia Parroquial de San Vicente Mártir.1 de marzo. 20:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Alcalá de Henares.Catedral Magistral de los Santos Niños.2 de marzo. 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Colmenar Viejo. Basílica de la Asunción de Nuestra Señora.21 de marzo. 21:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

TOMÁS LUIS DE VICTORIA PARA CORO GREGORIANO Y CORO POLIFÓNICO

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SCHOLA GREGORIANA DE MADRIDLa Schola Gregoriana de Madrid es un coro cuya finalidad es la interpretación y estudio del canto gregoriano; sus componentes cuentan con una amplia trayectoria personal dentro del campo de la música coral.

Su fundación se debe al entusiasmo de los componentes del coro por la interpretación del canto gregoriano así como al análisis realizado por parte de distintos miembros del Coro de la oferta de este género musical en nuestro entorno, observando la escasa presencia de grupos dedicados a su interpretación, hecho que contrasta con la creciente demanda por parte del público para acudir a conciertos y oficios cuya base musical es el mencionado canto gregoriano, canto propio de la liturgia Católica que busca su origen en las salmodias hebraicas.

La creación del Coro Schola Gregoriana de Madrid se llevó a cabo gracias al profundo trabajo realizado por los miembros del Coro y, funda-mentalmente, por contar como Director, hasta diciembre de 2013, con Francesco Ercolani, músico romano especialista en todas las ramas del Canto Gregoriano y considerado por el Vaticano como el mejor cantante del mundo de esta especialidad musical.

Durante la Navidad de 2006/7 se ofrecieron conciertos en diversas Iglesias de Madrid (San Ginés, Oratorio del Caballero de Gracia…), y ha participado en el Ciclo del Ayuntamiento de Madrid de Música en la Navidad, así como en los programas de distintas juntas municipales y municipios de la Comunidad de Madrid.

En la Semana Santa de 2007 se ofrecieron, igualmente, diversos conciertos en las Iglesias más emblemáticas de Madrid, como San Ginés, Oratorio del Caballero de Gracia, San Antonio de los Alemanes, Iglesia de Santiago, Convento prerrománico de La Cabrera, antigua Catedral de San Isidro de Madrid, etc. En todos los conciertos se produjo una gran expectación y una desbordante afluencia de público destacando los conciertos ofrecidos en San Ginés, integrado en el Festival de Arte Sacro, a donde acudieron más de 750 personas, así como el de San Antonio de los Alemanes, dentro del Ciclo de Semana Santa del Ayuntamiento de Madrid, en donde una vez completado el aforo quedaron fuera de la Iglesia en torno a unas 700 personas.

El 30 de mayo de 2006, Telemadrid realizó un reportaje sobre el Coro en donde se ponía de manifiesto la importancia del canto gregoriano así como la trayectoria y proyectos del coro y de su director.

Desde el mes de junio de 2007 el coro ha sido contratado por la antigua Catedral de San Isidro de Madrid para participar musicalmente en la Misa Mayor (13.00 h.) de cada primer domingo de mes.

Durante el verano de 2007 ofrece diferentes conciertos en la Comunidad de Madrid integrados en el Ciclo de Clásicos en Verano, así como en la Iglesia románica de Santa Eufemia de Cozollos (Palencia). Cuenca… El 30 de junio de ese año participó, igualmente, en el Festival In-ternacional de Quintanar de la Orden (Toledo).

En noviembre de 2007 ofrece un concierto en la Catedral de Jaén dentro del Festival de Música Jaén 2007, al que acude tal cantidad de personas que el concierto debe celebrarse en dos lugares diferentes de la Catedral, la primera parte en la Sacristía renacentista y la segunda parte frente al Altar Mayor, con el fin de que todo el público que acudió pudiera escuchar al menos una parte del concierto.

Una novedad importante fue la constitución de la vertiente femenina del coro en 2007 con la creación de la Schola Gregoriana femenina de Madrid, siendo el primer coro de canto exclusivamente femenino de nuestro país. Desde ese momento la Schola Femenina viene ofreciendo conciertos de forma asidua en los distintos festivales de música de nuestro país.

En los meses de noviembre y diciembre de 2007 la cadena de televisión Telemadrid realizó sendos reportajes del coro para sus programas Madrid despierta y Madrid Directo.



Madrid.Real Parroquia de San Ginés.27 de marzo. 20:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Rascafría. Iglesia de San Andrés Apóstol.29 de marzo. 19:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Collado Villalba. Iglesia Virgen del Camino.4 de abril. 20:15 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

NOTAS AL PROGRAMALas Scholas Gregorianas de Madrid y la Schola Polifónica de Madrid en un intento de recrear la forma compositiva de Tomás Luis de Victoria han estudiado las obras de mayor profundidad espiritual para mostrar cómo debía ser el sonido que el Maestro castellano llevó a sus composi-ciones polifónicas a las que, en todos los casos, las hacía partir del Canto Gregoriano.

Tradicionalmente, el repertorio que se presenta es interpretado por un coro polifónico entonan-do, el mismo coro, las estrofas gregorianas.

La singularidad de nuestra interpretación se centra en que todas las obras serán interpretadas por tres coros: la Schola Gregoriana de Madrid masculina, la Schola Gregoriana de Madrid feme-nina y la Schola Polifónica de Madrid

Cada una de las composiciones se inicia con las interpretaciones del coro gregoriano que co-rresponda, fundiéndose el sonido con la interpretación de la polifonía, a quien el gregoriano cede el protagonismo.

El resultado es espectacular pues cada pieza recorre las formas monódicas y las polifónicas de la mano de cada uno de los tres coros que participan en la puesta en escena de la música vocal europea más profunda, compuesta en el siglo XVI.

Emilio Rubio en la Schola Gregoriana de Madrid y Antonio Peces en la Schola Polifónica de Madrid, llevan a cabo, bajo la coordinación de Francesco Ercolani, la dirección del presente Concierto.

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El hecho más destacado de 2007 se sitúa en la invitación cursada por el Vaticano a la Schola Gregoriana de Madrid para acompañar la liturgia de la Misa Mayor del 8 de diciembre, hecho excepcional si se tiene en cuenta que sólo se invita a cantar a coros externos al Vaticano en las misas “ordinarias” y nunca en festividades de relevancia para la Iglesia. De igual forma el coro fue invitado a cantar en la Audiencia Papal del 5 de diciembre, junto con el Papa. Una vez finalizadas las actuaciones en El Vaticano, que se llevaron a cabo gracias al patrocinio del Área de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid, el Papa ofreció al Coro integrarse en su séquito para acompañar musicalmente las actividades que desarrolle fuera del Vaticano. En 2008 junto con la Orquesta Sinfónica de Madrid ha montado e interpretado los Oficios y Misa de Difuntos, de M. R. de Ledesma cuyo concierto se grabó en directo por Televisión Española y en CD, que publicó la Comunidad de Madrid con motivo del bicentenario del 2 de Mayo de 1808.

De igual forma, en 2008 se ha integrado en la Red de Teatros de España habiendo realizado más de 50 actuaciones entre los que caben destacar las correspondientes a los ciclos de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, ciclos de Semana Santa de diferentes comunidades españolas, Guadalajara, Cuenca, Jaén, Palencia, Guadalupe, Murcia, así como en el Festival Vía Magna.

Recientemente el coro ha sido solicitado para participar en los actos de mayor importancia que se celebren en Roma en el seno del Cuerpo Diplomático.

El coro Schola Gregoriana de Madrid aparece con diferentes reseñas en el Libro de Oro de la Música Española en sus ediciones de 2007 a 2012 en las que figura como el único coro de Canto Gregoriano de nuestro país.

El 6 de abril de 2008, la Schola es llamada para intervenir en el reportaje titulado Música Mágica, incluido en el programa Cuarto Milenio, de la cadena Cuatro de televisión.

En diciembre de 2008 es seleccionado por el Ayuntamiento de Madrid para ofrecer un concierto al Cuerpo Diplomático acreditado en España.

En abril de 2009, ofreció un concierto en el Auditorio Nacional de Música, en mayo actúo en el Festival Internacional de Música y Danza de Úbeda y en julio fue invitado a participar en el I Festival de Música Antigua “Marqués de Santillana”, de Buitrago del Lozoya.

En junio de 2009 participa en la primera edición de La Noche en Blanco de Bilbao, actuando en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, así como en la reinauguración de la iglesia románico-mudéjar (año 1250 ) de Boadilla del Monte.

El 2 de diciembre de 2009 ofreció el Concierto del Patrimonio de la Ciudad de Alcalá de Henares.

A lo largo de 2010 es entrevistado por TVE, Telemadrid, TV La 8, Radio Nacional de España, así como por diferentes medios de comunicación en escrito.

Desde 2010 acompaña musicalmente a la Orden de los Caballeros de la Maestranza de Sevilla en el acto de investidura de los nuevos Ca-balleros.

En 2010 participa en los festivales de Arte Sacro de Madrid y de Getafe, así como en diversos ciclos de música para la Pasión. Con motivo del año Jubilar calceatense ofrece un concierto en la Catedral de Santo Domingo de la Calzada y en el Camino de Santiago ofrece su música en la Iglesia de Santiago de Medina de Rioseco.

En noviembre de 2010 la Schola Femenina participa en el Ciclo de Canto Gregoriano “Gaudeamus Domino”, en la Ciudad de Cuenca.

Desde enero de 2011 canta los primeros y terceros domingos de cada mes, en la cripta de la Catedral de la Almudena de Madrid, la Misa de las 13:00 horas, alternándose la Schola Masculina y la Schola Femenina.

En 2011 monta la Misa Flamenca “Los gitanos cantan a Dios”, en donde se alterna el flamenco y el gregoriano en una idea de ofrecer un gran contraste entre dos aspectos tan encontrados de la música.

En mayo de 2011 graba Música para los sentidos, su segundo CD.

En noviembre de 2011 graba, con la correspondiente caracterización, la música para un capítulo de la serie Toledo.

Durante el periodo de Pascua y Cuaresma de 2012 ha ofrecido 25 conciertos en torno a la Pasión con obras del Siglo XI de impactante ex-presividad religiosa y musical.

En 2012 graba para la serie de televisión La Partitura un programa dedicado al canto gregoriano.

A partir de enero de 2014 la Dirección correrá a cargo de Emilio Rubio.

EMILIO RUBIO SADIAEmilio Rubio Sadia cuenta con el Titulo Profesional de Profesor de Canto por el Conservatorio Profesional de Música “Teresa Berganza” de Madrid, es también Licenciado en Estudios Eclesiásticos por la Facultad de Teología San Dámaso, de Madrid, y Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Complutense, de Madrid.

En su juventud fue niño cantor de la Abadía del Valle de los Caídos. Realiza estudios Superiores de Armonía en el Conservatorio de Música Padre Antonio Soler, San Lorenzo de El Escorial. Está en posesión del Certificado de Estudios Gregorianos de la Abadía Benedictina de Santa



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Cruz. Ha participado en el XI Curso Internacional de Música Real Musical, en la especialidad de Canto, en el Colegio Mayor Juan XXIII, de Madrid, así como, en el año 1995 en el Stage International de Chant Grégorien. Abbaye Royale de Fontevraud.

Ha asistido, igualmente, al XXIV Curso Internacional de Música Antigua de Daroca, en la Sección de Canto Coral, organizado por la Institución Fernando el Católico y la Diputación de Zaragoza.

Es miembro Fundador de la Asociación Internacional de Canto Gregoriano-Sección Hispana (A.I.C.Greg.)

SCHOLA POLIFÓNICA DE MADRIDLa Schola Polifónica de Madrid es un Coro mixto cuya finalidad consiste en ofrecer, al entorno musical de nuestro país, una referencia de alta calidad vocal e interpretativa dentro del panorama de los coros de cámara especializados en el repertorio clásico a cappella español y europeo.

Su formación está integrada por cantores provenientes de diferentes ámbitos musicales, muchos de los cuales han cursado o cursan estudios de canto a nivel profesional, y todos movidos por la misma pasión por una interpretación musical filológica y de depurado gusto estético.

Su repertorio es muy amplio y, aunque su base es la polifonía sacra y profana del entorno de 1500, avanza en su interpretación para alcanzar las obras más impactantes de los siglos posteriores, llegando a tocar incluso el siglo XXI, con la ejecución de obras maestras musicales compuestas en este amplio espacio de tiempo.

La Schola Polifónica de Madrid ha realizado numerosos conciertos y funciones litúrgicas en estos tres años de vida, obteniendo siempre un acogedor éxito de público y de crítica en sus actuaciones, destacando los conciertos ofrecidos en el entorno del Ayuntamiento de Roma, Festival de Música Antigua de Buitrago del Lozoya, Ciclos de Semana Santa de Madrid, etc.

En diciembre de 2010 ofreció, entre otros, un concierto en el Museo del Prado.

En 2011 ha ofrecido diversos conciertos que abarcan tanto el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid como la Semana Santa, así como su participación musical en el acto de investidura de Doctor Honoris causa a Plácido Domingo por la Universidad Alfonso X El Sabio.

Durante este año ha ofrecido diversos conciertos centrados en la polifonía rusa para conmemorar el año de Rusia en España, destacando el celebrado en el Museo del Prado que se hizo coincidir con la exposición “El Hermitage en el Museo del Prado”.

En julio de 2011 participa en el Festival de Música Antigua “Marqués de Santillana”, de Buitrago del Lozoya, así como en la XVIII edición del Festival de Música de La Mancha.

En diciembre de 2011 ofrece el acompañamiento musical para la Clausura del Año Jubilar de la Cripta de la Catedral de la Almudena de Madrid.

En 2012 está presente en diferentes ciclos de música religiosa en el entorno de la Semana Santa, centrándose de manera muy especial en la polifonía rusa.

En mayo de 2012 realizó distintas actuaciones en el Centro Ruso de Madrid, participando también en diferentes festivales de música.

Para 2013 ha llevado cabo diferentes actuaciones tanto en Madrid como en el Auditorio de Cuenca Catedrales de Alcalá de Henares y de Getafe, Colmenar Viejo, Collado Villalba…

Para conciertos de carácter extraordinario la Schola Polifónica de Madrid ofrece programas exclusivos interpretados por la Schola Femenina y la Schola Masculina.

ANTONIO PECES GÓMEZNace en Talavera de la Reina (Toledo). Inicia sus estudios musicales como clarinetista con Máximo Muñoz y Vicente Peñarrocha en el Real Conservatorio de Música de Madrid, a la vez que comienza a formar parte del coro Gaudeamus. Continúa sus estudios de clarinete en el conservatorio de Rótterdam con Walter Boeyekens y, posteriormente, en Madrid con Vicente Alberola. Continúa su formación académica con los estudios de contrapunto y fuga, segundo de composición y grado medio de piano, completando estos estudios con clases de técnica vocal impartidas por la soprano Alicia Barrenechea y clases de técnica Alexander por Simon Fitzgibbon.

Desde 1995 orienta su formación musical hacia el campo de la fenomenología, desarrollado por Sergiu Celebidache, a través de cursos de cámara impartidos por Jordi Mora y de cursos de dirección, fenomenología y cámara impartidos por Konrad Von Abel.

Ha colaborado con numerosas orquestas (Orquesta del Conservatorio de Rótterdam, Orquesta de Estudiantes de la Comunidad de Madrid, Teatro Madrid, Abadía, Carlos III, Siglo XXI, Complutense, Orquesta de Profesores del Conservatorio de Arganda), y es miembro de la Neue Internationale Philharmonie de Munich.

Como instrumentista de cámara, ha interpretado numerosos conciertos con grupos de música, como el Trío de Clarinetes Bouffil, el Octeto de viento del Conservatorio de Rótterdam, el trío con viola y piano Euterpe, el quinteto de viento Fundación…

Ha sido profesor de clarinete del Conservatorio de Ferraz, la Escuela de Música de San Lorenzo de El Escorial y del Conservatorio de Argan-



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da, donde, durante el curso 2006/07, dirigió su orquesta.

Ha dirigido numerosos coros, como el Coro del Conservatorio de Arganda del Rey, el coro Capilla Renacentista de Madrid, el Coro de la Escuela de San Lorenzo de El Escorial…Es fundador y director actual del coro Tomás Luis de Victoria de Brunete y, desde 2012, del coro Gaudeamus de Madrid, con los que ha interpretado numerosos conciertos. Con ellos ha participado en prestigiosos ciclos de música, como el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Medina de Río Seco, Festival Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, ciclo de música de Santo Domingo de La Calzada, conciertos para Patrimonio…



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CAMERATA IBERIA

INTÉRPRETESCAMERATA IBERIA: Marina Pardo, mezzosoprano. Sara Águeda, arpa de dos órdenes. JUAN CARLOS DE MULDER, director


PROGRAMA

Juan Hidalgo(1614-1685)

Tres tonos a lo divino *

- Aves que al sol despertáis- Flores que al alba- Solo a Nuestra Señora

Gaspar Sanz(1640-1710)

Antonio Martín y Coll(c. 1680-1734)

Folías


Tres tonos humanos *

- Peinándose estaba un olmo- Ay, que sí, ay que no- De las luces que en el mar

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.4 de marzo. 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

EN CONMEMORACIÓN DEL 400 ANIVERSARIO DE SU NACIMIENTO

MÚSICA

JUAN HIDALGO, TONOS A LO DIVINO Y HUMANO

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Diego Fernández de Huete(1635-1713)

Canción italiana para arpa

Lucas Ruiz de Ribayaz(1626-c. 1677)

Anónimo

Españoleta y Canario


Tres tonos a lo divino *

- Ay amor, ay ausencia- Ay corazón amante (al Santísimo)- Cuidado pastor

Gaspar Sanz(1640-1710)

Pavana y jácaras para guitarra


Tres tonos *

- Ay que me rio de amor- Esperar, sentir, morir- Trompicábalas amor

* Recuperación musicológica. Estreno en tiempos modernos.

NOTAS AL PROGRAMAJuan Hidalgo de Polanco nació en Madrid en 1614 y fue bautizado en la iglesia de San Ginés. Hijo y nieto de guitarreros y violeros, tocaba el clave y el arpa. En 1632 ya aparece en las listas de pago de la Capilla Real como “músico de claviarpa”.

Cuando en 1677 se llevo a cabo un informe de los salarios y las habilidades de cada uno del los miembros de la Capilla Real se dice de él: “Es de superior habilidad y ha merecido los mayores honores de SS.MM. en todos tiempos. Con que, respecto a esto y a lo que ha servido en la cámara, no parece se le rebaje nada de cuanto goza”.

Los años cincuenta del siglo XVII fueron decisivos para la consolidación del nuevo género músico–teatral que perfilara Calderón, y el músico que fue capaz de asumir el reto de conjugar letra y música con este nuevo estilo fue Juan Hidalgo, arpista de la Cámara y Capilla Real, po-niendo música a gran cantidad de textos de teatro religioso y profano.

Hidalgo jugó un papel muy importante en la evolución de los “tonos humanos y divinos” que se puede decir que son el equivalente a las arias en la música italiana.

Gozó de mucha fama en vida y se conservan obras suyas en gran cantidad de archivos de España y América, tanto en castellano como en latín, y puso música a grandes plumas de su tiempo, entre ellos a Góngora, Lope de Vega y, sobre todo, a Calderón.

Juan Hidalgo murió en marzo de 1685. El joven rey Carlos II ordenó llevar a palacio todas las composiciones custodiadas por su viuda.

Se puede decir que Juan Hidalgo fue el gran compositor cortesano de gran parte del siglo XVII.

MARINA PARDOEn 1994 es seleccionada por Alfredo Kraus para perfeccionar sus estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y, en ese mismo año, se le concede el Primer Premio en el II Festival Lírico de Callosa d’En Sarriá, otorgado por Elena Obratzsova y la prestigiosa maestra Ana Luisa Chova. También ostenta la primera clasificación femenina en el VI Concurso Internacional Francisco Alonso y la Medalla de Plata al Mérito Artístico de Juventudes Musicales de Santander.

Ha ofrecido numerosos recitales con su pianista habitual, Kennedy Moretti, entre los que destaca el Winterreise, de Schubert en el Auditorio Nacional. Con el guitarrista José María Gallardo así como con su grupo La Maestranza ha actuado en el Festival de Guitarra de Dublín, en la sede de la UNESCO en Beirut y en el Teatro de la Filarmónica de Varsovia.

Dentro de la música sinfónica y bajo las batutas de Zedda, Malheiro, Valdés, García Asensio, Heltay, Encinar, Rilling, Guth, Levine, Stubs, Ortega, Alapont, Albiach, Brouwer, Frühbeck de Burgos, López Cobos, Herbig y Steinberg debuta en el Campoamor con Alexander Nevski de Prokofiev y destacan, entre otras, Das Lied von der Erde, de Mahler, en el Palacio Euskalduna de Bilbao con Ros Marbà, la misma obra en versión de Schoenberg-Riehn en el Palau de la Música de Valencia, Alt Rapsodie, de Brahms, en el Teatro Monumental de Madrid, Misa en La bemol Mayor, de Schubert, en la Liederhalle de Stuttgart con la Bachakademie, The Messiah, de Haendel, en la Mezquita de Córdo-ba, su colaboración con la Compañía Nacional de Danza en el espectáculo “Raptus”, de Nacho Duato, cantando los Wesendonk Lieder, de



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Wagner, en el Teatro Real y El amor brujo, de Falla, en gira por Argentina y Brasil, con la Real Filarmonía de Galicia, dirigida por Ros Marbà.En el terreno de la música antigua y barroca ha interpretado Dido y Eneas, de Purcell (Sorceress), L’Incoronazione di Poppea, de Monteverdi (Nerone) y Giulio Cesare, de Haendel (Sesto / Cornelia) y ha grabado para el sello K617, que distribuye Harmonía Mundi, el papel de Ulisse de la ópera, de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide, así como el de Argirio de la ópera, de Manzoni, Aminta, con la Real Compañía Ópera de Cáma-ra… Así mismo perteneció a la antigua formación de Al Ayre Español con el que actuó en los más prestigiosos festivales europeos del género (Herne, Utrecht, Libramont, Schleswig-Holstein, Societé Philarmonique de Bruxelles…), representando las zarzuelas barrocas Acis y Galatea y Júpiter y Semele, de Literes, y grabándolas para Harmonia Mundi, disco por el que recibieron el Premio Nacional de Música 2005 así como numerosos premios y reconocimientos discográficos. También ha cantado música barroca con Zarabanda (Álvaro Marías) y renacentista con los grupos Speculum y Camerata Iberia en eventos como el Festival Internacional de Santander, el de Aranjuez o el Emilia Romagna en Italia. Forma dúo con el vihuelista Juan Carlos de Mulder, con quien interviene en numerosos festivales especializados.

En el campo de la ópera “de repertorio” ha intervenido en numerosas producciones como Le Nozze di Figaro (Cherubino), Die Walküre (Gri-mgerde), Carmen (Mercedes), La Traviata (Flora), Die Zauberflöte (tercera Dama), Il barbiere di Siviglia (Berta), Lucia di Lammermoor (Alisa), Otello (Emilia), Tancredi (Ruggiero), Rigoletto (Maddalena), L’enfant et les sortilèges (L’ecureuil), Manon (Rosette), Elektra (Erste Magd), The Rape of Lucretia (Lucretia), La verbena de la Paloma (Cantaora, Señá Rita), Doña Francisquita (Aurora), Die Frau ohne Schatten (Dienerin), The Little Sweep (Miss Bagott), Eugen Onegin (Olga), La sonnambula (Teresa), bajo la dirección escénica de Sagi, Iturri, García, Poda, Bollaín, Guti, Rodríguez Aragón, Portacelli, Plaza, Pontigia, Kemp, López, Font (Els Comediants), García, Palés, Lavelli, Joel, Pizzi , Ichikawa y de Ana en los más importantes teatros españoles (Real, Zarzuela, Villamarta, Maestranza, Santander, Perelada, Arriaga), así como en el Carlo Felice de Genova (Onegin).

Intervino en La Tarasca, de Martín Pompey (estreno absoluto al que asistió el ya fallecido maestro) y Il viaggio a Reims, de Rossini (estreno en España). Antonio Noguera escribió para ella las Nanas, que estrenó en la Fundación Marcelino Botín dentro del ciclo Compositores Cán-tabros. En 2005 estrenó la ópera de cámara para mezzosoprano y actor El respirar de las estatuas, de Juan Manuel Artero, en el I Festival de Música Contemporánea de Toledo, junto al actor José Luis Gómez y el Grup Instrumental de Valencia, dirigido por Cerveró, en un programa que incluía las Folksongs, de Berio. Artero ha escrito posteriormente para ella Sobre lo inútil perpetuo, estrenado en la Residencia de Es-tudiantes de Madrid con motivo del centenario de Manuel Altolaguirre. Miquel Ortega le dedicó una de las canciones de su ciclo y en 2006 estrenó el Réquiem, de García Román, en los Festivales Internacionales de Granada y Santander.

En 2003 salió al mercado el disco The Caterpillar, Albéniz songs, grabado para el sello Deutsche Grammophon, con Rosa Torres Pardo y cuyo contenido ha interpretado en el Teatro Real, entre otros.

Uno de los roles de los que Marina Pardo ha hecho su caballo de batalla es “la Abuela” de La vida breve, de Manuel de Falla, que ha interpre-tado en numerosas ocasiones en giras con la ONE, ORTVE, New York Philarmonic, Israel Philharmonic, Dresdner Philarmonie, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y Nacional Danesa con los maestros Pons, Halffter, Ros Marbà y Frühbeck de Burgos, en salas como la Konzerthaus Wien, Avery Fischer Hall at Lincoln Center, en New York, o la Mare Palatui, de Bucarest.

SARA ÁGUEDAInicia sus estudios en el Conservatorio Arturo Soria de Madrid. En 2005 accede al grado superior de música en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza (CSMA) y, al mismo tiempo, comienza su andadura en la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), como músico de escena, en la que participa en numerosas producciones realizando giras nacionales e internacionales.

En 2007 comienza a profundizar en el estudio del arpa de dos órdenes con la profesora Nuria Llopis. El gusto por la música antigua le lleva a la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) para completar su formación como arpista histórica con Mara Galassi.

Ha participado en numerosos ciclos de música antigua de Europa y colabora con diversos grupos de música antigua, entre ellos Música Ficta, Capella Sanctae Crucis, La Capilla Jerónimo de Carrión, Telemann Ensemble, La Ritirata, Alfonso X el Sabio, Coro de la Comunidad de Madrid, Coral de Cámara de Pamplona, Capella de Ministrers, Luz y Norte, Capilla Extrematurensis, Los Afectos diversos...internacionales.

JUAN CARLOS DE MULDERNace en Lima y estudia en los conservatorios de Madrid, La Haya y Toulouse.

Ha trabajado como continuo en producciones de ópera barroca y oratorio bajo la dirección de Ph. Herrewege, J. C. Malgoire, Nigel Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo, entre otros.

En el campo de la música de cámara ha colaborado con Albicastro Ensemble, Hespèrion XX, La Romanesca-Orphenica Lyra y actualmente colabora con grupos como La Folía, Al Ayre Español, Accademia del piacere, Speculum, Músicos del Buen Retiro, Trulla de voces, Capella de Ministrers, Ministriles de Marsias, Accentus-Viena, etc.

Desarrolla una intensa carrera concertística que le ha llevado a las salas más prestigiosas de Europa, América y Asia.

Ha realizado más de 60 grabaciones de música antigua, desde el Medievo al preclasicismo.

Ha compuesto música para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Misántropo, de Molière, La vida es sueño, de Calderón) y Una noche con los Clásicos, de Marsillach, y recitales de poesía y música con Carlos Hipólito, Arturo Querejeta, M. Jesús Valdés, Adolfo Marsillach, Amparo Rivelles y Denis Rafter y, últimamente, como músico de guitarra barroca en La vida es sueño (2012 – 2013), con la CNTC, dirigida por Elena Pimenta.



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Actualmente compagina su trabajo en diversos grupos de cámara con la dirección del grupo Camerata Iberia, con el que ha grabado Songs and Dances from the spanish renaissance (MA Recordings), Música en torno al teatro de Calderón (Jubal), Barroco del Perú (Alma Records), La Spagna (Verso) y Flores de Música del siglo XVII. .Como solista de vihuela ha grabado El Maestro-Luys Milán (RTVE), Fantasías y diferencias (Fonti musicali) y Diego Pisador (Verso).

Ha dado clases en las universidades de Salamanca, México DF y en el Hong Kong School of Arts. Asimismo ha sido profesor de instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid entre 2004 y 2008.

En la actualidad es profesor invitado en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, Curso de Música Antigua de Castilla y León y Curso-Festival de Música Antigua de Daroca.



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CORAL MAESTRO BARBIERI / ENSEMBLE LA GALLARDA

INTÉRPRETESCORAL MAESTRO BARBIERI. ENSEMBLE LA GALLARDA: Manuel Pascual, corneta. Elies Hernandis, Álvaro Martínez, Ricardo Rodríguez, sacabuches. Silvia Mondino, Micaela Tocino, violines. Paloma García del Busto, violoncello. Luis Alberto Espinar, timbales. Ignacio Sánchez, organo. FERNANDO RUBIO, director.


PROGRAMA


Misa “O Magnum mysterium”

- Kyrie- Gloria- Credo- Sanctus- Benedictus- Agnus Dei

Henry Purcell(1659-1695)

Música para los funerales de la Reina Mary

- Man that is born of a woman- In the midst of life- Thou knowest, Lord

Claudio Monteverdi(1567-1643)

Beatus vir

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel.6 de marzo. 20:45 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

TRES MIRADAS, TRES ESPÍRITUS

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NOTAS AL PROGRAMAEl presente concierto pretende mostrar tres obras de tres genios de la música que no necesitan presentación: el español Victoria, el inglés Purcell y el italiano Monteverdi, sin la estéril ambición de buscar paralelismos forzados, o puntos de encuentro cogidos a vuelapluma; más allá de una relativa cercanía temporal, a caballo o ya plenamente inmersos en la transición del siglo XVI al XVII (tan sólo 84 años separan la muerte de Victoria, el primero de ellos, de la de Purcell). Lo que nos interesa aquí es precisamente las tres miradas tan diversas al mundo espiritual, tres estéticas geniales, cada una de las cuales marcó caminos nuevos, a modo de tres ejes de coordenadas, que aparentemente apuntan en direcciones completamente distintas del espacio, pero por ello colaboran a abrir ese espacio en tan diversas y ricas posibilidades para todos los que les siguieron. La cúspide de la última polifonía renacentista en el caso de Victoria, la revolución de métodos que abre la puerta al barroco y al nacimiento de géneros como la ópera, en el de Monteverdi; y la fusión de estilos que le permiten a Purcell marcar la vía del barroco inglés; la huella de los tres hizo que ya nada fuera igual en el desarrollo de la música de aquella época.

La Misa O magnum mysterium es una de las misas a cuatro voces más interpretadas de Victoria, por su perfección estilística, su limitación de número de voces, y la relación que le une a uno de los motetes más hermosos y conocidos del propio autor, el O magnum mysterium, que compusiera veinte años antes, y del que toma diversos motivos, aunque dado el profundo conocimiento que tiene de su propia obra, lo utiliza a menudo de forma tan sutil que no siempre resulta evidente, como sucede en otras misas llamadas “parodia”.

La Música para los funerales de la Reina Mary, que escribió Purcell con motivo del fallecimiento de la reina inglesa María II, a pesar de no ser una obra de gran formato, está reconocida como una obra maestra del autor, por su expresividad sobrecogedora y personalidad arrolladora; no es extraño pensar que esa fuerza expresiva emana del dolor auténtico que Purcell sintiera por la muerte de la soberana, a la que se supone le unía un estrecho vínculo personal. Si bien probablemente no sepamos nunca qué música sonó exactamente en aquel funeral, generalmente se suele presentar la obra con una estructura simétrica, en la que una estremecedora marcha y una canzona, repetidas, preceden, finalizan e intercalan tres motetes corales extraordinarios.

El Beatus Vir, de Claudio Monteverdi, es un magnífico ejemplo de la libertad estilística que supo imprimir el autor en cada obra que escribía; en este caso, sobre un texto religioso que pudiera sugerir un estilo más oscuro (“Dichoso el hombre que teme a Dios”), Monteverdi desata una auténtica fiesta sonora, llena de vitalidad y frescura, utilizando un estilo concertado que alterna las intervenciones de un coro a 6 voces con el lucimiento de un par de violines y bajo continuo, más un terceto de trombones opcional, a partir de una aparente simplicidad de motivos perfectamente trabados.

CORAL MAESTRO BARBIERIEl Coro fue creado hace ya más de 20 años, en el Curso 1986/87, por Enrique Muñoz, uno de los profesores de la Escuela Municipal de Música “Maestro Barbieri”, en el madrileño barrio de Orcasitas. Al año siguiente, con gran acierto, decidimos constituirnos en Asociación Cultural, con nuestra Acta de Fundación, Estatutos, Libro de Socios y Actas, formación de la Junta Directiva, etc., aún al amparo de la Escuela Municipal que proporcionaba instalaciones y pagaba al Director. Éramos el Coro de la Escuela, aunque con gestión y entidad propia.

Por diversos avatares y cambios de tendencias oficiales, aquella situación se truncó, con el relevo de casi todos los profesores en la Escuela y, al cabo de un tiempo “revuelto”, el Coro decidió independizarse de ella… aunque nos llevamos el nombre. Lo registramos y por eso ahora la Asociación Coral Maestro Barbieri seguimos siendo nosotros, sin ningún vínculo con la Escuela de Música del mismo nombre.

El Coro ha tenido tres directores hasta la fecha. Su fundador, Enrique Muñoz Rubio (de 1986 a 1989), es el actual director del Coro y Orquesta de la Universidad Autónoma de Madrid, prestigioso y reconocido compositor y pedagogo. Para los más antiguos, fue quién nos sacó la voz a pasear… y a día de hoy es uno de los compositores más prolíficos del panorama musical madrileño.

Enrique pasó voluntariamente el “testigo” a su compañero de la Schola Gregoriana, Segundo Jiménez, quién nos dirigió desde 1990 a 1996. Con Segundo conocimos en profundidad la música antigua y nos dedicamos mucho a ella. Gracias a él tenemos local de ensayo en el barrio de Arganzuela, cuando tuvimos que abandonar la Escuela.

Tanto Enrique como Segundo han sido a la vez entrañables amigos que se han implicado mucho con el grupo, y con los que seguimos cola-borando y manteniendo una excelente relación.

FERNANDO RUBIOFinaliza sus estudios de profesor superior de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, su ciudad natal. También realiza estudios complementarios de piano, así como diversos cursos y seminarios de dirección impartidos por Martin Schmidt, Juan Esteban del Pozo, Óscar Gershensohn, Josep Prats y María Felicia Pérez, habiendo trabajado durante años con Jordi Casas. En la actualidad amplía sus estudios de Dirección Coral en Milán (Italia) en la Milano Choral Academy, bajo la dirección del maestro Marco Berrini. Compagina su faceta de dirección coral con la de cantante solista y, desde 1991, es bajo titular del Coro de la Comunidad de Madrid, participando también en muy diversos grupos de cámara. Ha trabajado con directores del prestigio, como R. Frühbeck de Burgos, Claudio Abbado, Jesús López Cobos, García Navarro, Peter Maag, Helmut Rilling, Harry Christophers, Robert King, A. Ros Marbà, Gómez Martínez, S. Comissiona, Eric Ericson, Martin Schmidt, Odón Alonso, G. Rohzdestvensky, Leo Brouwer, etc.

Es, desde 1996, director de la Coral Maestro Barbieri; es co-director asimismo del Coro de Cámara Clavileño y ha dirigido en el pasado agrupaciones como el Coro Aldebarán y el Coro Allegro, habiendo dirigido, entre otras, obras como Gloria y Magnificat, de Vivaldi, Requiem, de G. Fauré, Pequeña Misa Solemne, de Rossini, Dido y Eneas, Funerales de la Reina Mary y Oda a Santa Cecilia, de Henry Purcell, L’elissir d’amore, de Donizetti, la Deutsche Messe, de F. Schubert, Il festino, de A. Banchieri, Misa en Re, de Dvorak, y diversas cantatas de J. S. Bach. En 2009 fue director invitado de la Orquesta Athanor, de Rivas (Madrid).



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TRÍO ALBORADA

INTÉRPRETESTRíO ALBORADA: Miguel Expósito, clarinete. Aldo Mata, violoncello. Patricia Arauzo, piano.


PROGRAMA

Max Bruch(1838-1920)

Ocho piezas para clarinete, cello y piano (selección)

Franz Joseph Haydn(1732-1809)

Trío, Hob XV: 12, en Mi menor

- Allegro moderato- Andante- Rondó. Presto

Robert Schumann(1810-1856)

Seis estudios canónicos, Op. 56

Joaquín Turina(1882-1949)

Trío en Re menor, Op. 34

- Preludio y fuga- Tema y variaciones- Sonata

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Ateneo de Madrid.7 de marzo. 20:00 horas.Entrada: 8 € (socios, entrada libre hasta completar aforo).

MÚSICA

LA INFLUENCIA DE LA MÚSICA SACRA EN LA MÚSICA DE CÁMARA

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NOTAS AL PROGRAMAHaydn a lo largo de su carrera escribió música sacra de gran envergadura - las misas son ejemplos superlativos, sin duda- pero fue hacia el final de su vida cuando nos dejó los dos oratorios quizá más populares de la historia (junto a los de Bach y Haendel), La Creación y Las Estaciones. En estas obras el elemento sacro y el sinfónico se funden tal y como en la música de cámara se funden los elementos “galantes” típicos de la época con los elementos del llamado estilo “antico” que hace referencia a la música contrapuntística del barroco. Era habitual que dicho estilo se asociase inmediatamente con la música sacra. Haydn nos sorprende ya en sus Cuartetos, Op.20, que finalizan con fugas, incluyendo de forma obvia la influencia sacra en la música de cámara. Otro tanto observamos en el magnífico Trío, Hob XV: 12, en Mi menor. Escrito entre 1788 y 1789, Haydn introduce un primer tema que resulta perfecto para la elaboración contrapuntística que explota con creces en el desarrollo.

Algo similar, aunque con una estética completamente diferente (la mayor influencia viene de la Schola Cantorum de París que lideraba Vincent D’Yndi, con su énfasis en la música contrapuntística), ocurre en la música del sevillano Joaquín Turina. La importancia de la Semana Santa andaluza es fundamental en su obra (véase La procesión del Rocío o El Jueves Santo a medianoche, la primera sinfónica, la última came-rística), donde no tiene reparos en amalgamar folclore con espiritualidad, música de cámara versus música sacra. En el laureado Trío No. 1, Op.35, escrito en 1925 y por el que recibió el Premio Nacional de Música en 1926, observamos que comienza con un Preludio y Fuga, algo que ya hiciera en su primera obra camerística de envergadura, el Quinteto con piano, Op.1. Las enseñanzas de la Schola se fusionan en una visión personal (y muy andaluza) del contrapunto y la religiosidad.

Robert Schumann tuvo en 1845 un deseo de estudiar contrapunto que le lleva a componer varias fugas y a estudiar la música de Bach. Todo esto le prepararía con creces para la escritura de su Requiem für Mignon o su Misa Sacra sobre textos litúrgicos. Quizá la obra más atractiva en este sentido sea sus Seis estudios en forma de canon, Op. 56, que Schumann compusiera para el piano con pedales. Adquirió un instrumento de dichas características con el único afán de acercarse mejor a la técnica del órgano (instrumento sacro por excelencia) y la calidad de la música es tal que desde muy pronto se transcribió para el medio camerístico, quizá resultando ideal en su versión para piano, clarinete y cello.

El caso de Bruch es diferente ya que, a pesar de escribir muchísimas obras sacras, hoy en día se le recuerda únicamente por su música ins-trumental. Resulta paradójico que habiendo sido católico su música fuera prohibida por los nazis. La “sinrazón” es el inspiradísimo Kol Nidrei que escribiera para la comunidad judía de Liverpool. Anécdotas aparte, sus piezas para clarinete, cello y piano nos ofrecen música emotiva que gracias a su carencia de texto nos expresa claramente la transcendentalidad y espiritualidad inefable de la música.

TRÍO ALBORADAAlabado y reconocido por la prensa más prestigiosa del panorama musical español, el Trío Alborada se forma en 2009 en el Instituto Inter-nacional de Música de Cámara de Madrid- siendo llamado “Trío revelación de La Escuela Reina Sofía” - El Cultural-. Este grupo de reciente formación se consolida tras ser premiado por la Sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes (AIE) para realizar una gira de conciertos por todo el territorio nacional, en la temporada 2011/12, y ser seleccionados para participar en el Festival 2013 de la academia de Villecroze, en Francia. A su paso por el XXV Festival Internacional de Música Española de León realiza diferentes estrenos escritos específicamente para ellos. Ha realizado grabaciones en directo para la radio Musique3 de Bélgica en el marco del Festival Internacional de Valonia, celebrado en Bruselas en julio de 2012, destacando el programa titulado “En torno a Montsalvatge”, que celebra el 100 aniversario del nacimiento del compositor. Futuros compromisos incluyen conciertos en Alemania, Cité des Arts de París, Austria, Sudamérica y por España. El Trío Alborada también es invitado de forma regular por numerosos conservatorios para impartir clases magistrales.

MIGUEL EXPÓSITOComienza los estudios con su padre y al poco tiempo accede al Conservatorio de Getafe, donde estudia con Joan Borrás. Continúa en Sala-manca con Carmelo Molina, donde obtiene Matrícula de Honor, y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Michel Arrignon y Enrique Pérez. A su vez, ha asistido a cursos de perfeccionamiento instrumental con Vicente Alberola, Wenzel Fuchs, Alessandro Carbonare, etc. Ha sido miembro de la JORCAM, Orquesta del Conservatorio Superior de Salamanca, NJO Summer Academy, Schleswig-Holstein Musik Fes-tival, Encuentro de Música y Academia de Santander y Orquesta-Escuela de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Ha colaborado en diferentes ocasiones con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y Orquesta Sinfónica de Madrid. Ha sido ganador del II Concurso Yamaha Ciudad de Jamilena (Jaén 2008), Premio Fin de Carrera (Conservatorio Superior de Salamanca 2009). Actualmente realiza un Máster en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler”, en Berlín, con Ralf Forster.

ALDO MATAEstudió con María de Macedo, Monighetti, Scholes, Starker y Rados. Recibe diversos premios y becas (Popper, Juventudes Musicales, Ful-bright, AIE, etc.) y su interpretación de la Sonata en Re Mayor, de Mendelssohn, queda registrada por Sony. Tiene una actividad profesional ecléctica: profesor de cello en el Conservatorio Superior de Salamanca, co-principal en la Orquesta de Castilla y León, miembro del cuarteto Granados, profesor de cuarteto en Musikene (2009-10), concertista (actuaciones en EEUU, Croacia, China, Bélgica, América del Sur, y en España donde ha sido invitado a los más prestigiosos festivales y ha tocado el Doble concierto, de Brahms, en el Auditorio Nacional de Ma-drid), estrenos de música contemporánea (Caprichos 5, de Leonardo Balada, que graba para Naxos), versiones historicistas de las Suites, de Bach, etc. Es invitado a ofrecer clases magistrales en Alemania (Hochschule Franz Liszt de Weimar), Portugal, Italia, China y Colombia siendo profesor habitual de los cursos de Madrid, Llanes, Molinos, Valencia de Don Juan, Tarragona y Presjovem. Actualmente toca un violoncello construido en Piacenza, en 1787, por Joseph Nadotti.



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PATRICIA ARAUZOFinaliza sus estudios superiores con Mención Honorífica, en Salamanca, con Patrín García Barredo, Claudio Martínez Mehner y Kennedy Moretti. Estudia en la Academia Liszt de Budapest con Kemenes, y es premiada por el programa “Jóvenes Excelentes” de Caja de Burgos. Recibe clase de Márta Gulyàs, Ferenc Rados, Bruno Canino, Menahenn Pressler y Frank Wibout. Participa en diferentes festivales y en audi-torios, como Palacio Nacional de las Artes de Hungría, Auditorio Sony y Palacio Marqués de Salamanca de Madrid, Sala Flagey de Bruselas, Palacio de Festivales de Cantabria, Palacio de Figueroa de Salamanca y Teatro Lope de Vega, entre otros. Colabora con el Centro Katarina Gurska. Es becada por la Escuela Superior de Música Reina Sofía donde estudia con Ralf Gothoni y Eldar Nebolsin. Recientemente ha sido premiada por Juventudes Musicales y ha recibido el Premio Mas i Mas del Concurso de Música de Cámara Mirabent i Magrans, de Barcelona. Durante 2012 ha sido profesora pianista acompañante de la cátedra de viola de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y, desde 2013, colabora con diversos centros de enseñanza musical de Madrid.



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GRUPO CANZONA

INTÉRPRETESGRUPO CANZONA: Miriam Torres Pardo, laúd y voz soprano. Ali-Reza Gholami, viola de gamba. Pedram Khosravi, daff y tomback. Luis Miguel Gholami, barítono.


PROGRAMA

Alfonso X el Sabio(1221-1284)

Cantigas

- Como podem per sas culpas- A creer debemos- Virga de Jessé- Nas mentes sempre

Anónimo(ss. XV y XVI)

El Canto de la Sibila (1400/1560)

Anónimo(siglo XIV)

Llivre Vermell de Montserrat (cantos y danzas de los peregrinos al Santuario de la Virgen de Montserrat)

- Ad mortem festinamus- O Virgo- Polorum Regina- Mariam Matrem- Laudemus Virginem- Los set goyts

Teatros, fechas yhorariosNavalafuente.Parroquia de San Bartolomé.8 de marzo. 18:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

MÍSTICA Y CANTOS DEVOCIONALES

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NOTAS AL PROGRAMAAlfonso X el Sabio, gran amante de la música, el arte y las ciencias, reúne en su corte a cristianos, judíos y musulmanes. Todo ello para la elaboración de la recitación de los cantos. Alfonso X el Sabio es un precursor de la unificación social. Las Cantigas cuentan los milagros de la Virgen y de cómo protegía en las batallas y curaba enfermedades. El Canto de la Sibila (siglo XV) tiene como antecedente un oráculo de la Sibila Eritrea, que vivió en el siglo II antes de Cristo, en el que se anuncia la segunda venida del Mesías al mundo y menciona el Apocalipsis. El Llivre Vermell es una recopilación de cantos y danzas que los peregrinos cantaban en alabanza a la Virgen de Montserrat.

GRUPO CANZONAMiriam Torres-Pardo comienza su carrera musical dando conciertos como cantante, acompañándose con laúd renacentista. Realiza la gra-bación discográfica Amarilli, con canciones del Renacimiento, con BMG Ariola, y que todavía se puede adquirir a través de Internet. Crea la agrupación Canzona en el año 2001 con los músicos Xurxo Varela Díaz, Ernesto Schmied y Felipe Sánchez Mascuñano. Para dar una nueva perspectiva al grupo cuenta con los músicos Ali-Reza Gholami y Pedram Khosravi, naturales de Irán; este hecho da un nuevo color a la agru-pación creando una fusión del conocimiento de Oriente y Occidente que se refleja en sus interpretaciones realizadas en la música medieval y sefardí, creando una atmósfera con una gama de sonoridades de oriente. Así mismo Ali-Reza, habiendo creado la música de varias obras teatrales como la de Ibrahim y Las flores del Corán, compone La puerta del cielo, con la que pretende sacudir las conciencias a través de los ámbitos sonoros de oriente y occidente; esta obra aparecerá próximamente en CD. Actualmente se ha incorporado al grupo Luis Miguel Gholami cuya hermosa y profunda voz aporta una riqueza armónica que completa a esta agrupación.

Canzona tiene un amplio repertorio que abarca desde el Medievo al periodo barroco, infundiendo a sus interpretaciones desde la solemnidad propia del Renacimiento español a la frescura y el manierismo del Renacimiento inglés.

MIRIAM TORRES PARDONace en Madrid. A los doce años comienza sus estudios musicales de guitarra con Demetrio Ballesteros y, posteriormente, de canto bajo la dirección de Mª Victoria Muñoz. Obtiene los títulos de Profesora Superior de Guitarra y Profesora Superior de Canto, en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con las máximas calificaciones. Asiste a las clases magistrales de Alfredo Kraus, Montserrat Caballé y Jaime Aragall. Ha sido becada en los Cursos de Interpretación de Música Española en Granada y Santiago de Compostela. Asiste a los cursos de Música Barroca, Canto y Laúd Renacentista realizados en El Escorial, L’Espluga de Francolí, Urbino (Italia) y Évora (Portugal). Hace su debut en el Hunter Collage de Nueva York, donde compone e interpreta la música para la obra Yerma, de García Lorca. Posteriormente actúa en numerosas salas de concierto y en ciclos y Festivales de música barroca. Es galardonada con el Premio de Canto Lucrecia Arana. Ha grabado villancicos del Padre Soler, la ópera La guerra de los gigantes, de Sebastián Durón, con Dial, y un CD de canciones del Renacimiento, Ama-rilli, acompañándose ella misma con laúd, y editado por BMG Arbola. Funda la agrupación de música antigua Canzona que, actualmente, se dedica a dar conciertos por España y Europa.

ALI REZA GHOLAMI Nació en Teherán (Irán). Comenzó sus estudios musicales a los ocho años estudiando violoncello, trompeta y musicología. Obtiene el título de Profesor Superior de trompeta y de Profesor Superior de Musicología en la Universidad de Teherán. Ejerce como trompetista de la Or-questa Sinfónica de Teherán y como profesor de musicología de la Universidad de Teherán. Interesándose por la música antigua estudia viola da gamba. Colabora con diversas agrupaciones camerísticas, tanto de música antigua como de música oriental, con una intensa actividad concertística y discográfica. Ha realizado investigaciones en el campo de la musicoterapia y la música curativa. Ha colaborado en trabajos teatrales en Teherán como compositor e instrumentista, así como en trabajos teatrales, en diversas bandas sonoras, como Miss Dazy, y en actuaciones en directo en La celosa de sí misma, de Tirso de Molina, con la Compañía del Teatro Clásico Nacional, bajo la dirección de Luis Olmos, y en Ligazón y La rosa de papel, de Valle Inclán, bajo la dirección de Juan Gargallo. Compone e interpreta la música para la obra teatral Ibrahim y las flores del Corán, representada en el Teatro María Guerrero y diversos teatros de la península, bajo la dirección de Ernesto Caballero.

PEDRAM KHOSRAVINació en Teherán (Irán), en 1974. Sus primeros pasos con el tomback los dio con su tío Homayuon Shahi. En 1988 emigró a España y, desde entonces, ha tomado clases con grandes maestros como Safa Shalpush, Mahmood Farahmand, Reza Samani y Behnam Samani. Ha dado conciertos, junto a grandes músicos, como Majid Javadi, Pejman Hadadi, Reza Samani, Sahryar Zarinpanjeh, en distintas partes de España. Ha actuado en el Festival de Músicas del Mundo, Centro Cultural Galileo, Noches de Shiraz, Museo Antropológico de Madrid, Recital de poesía, junto a Clara Janes en Círculo de Bellas Artes, y semanalmente en el Centro Cultural Casa Persa de Madrid. Actualmente participa como percusionista con el Grupo Canzona, junto a Ali Reza Gholami, Miriam Torres-Pardo y Germán Gholami, actuando en salas de concierto y festivales de música. Pedram Khosravi dice sobre el daf: “El daf es, posiblemente, uno de los instrumentos más antiguos que el ser humano ha creado. Tiene más de 4.000 años de historia dentro de la antigua Persia. Se trata del instrumento por excelencia de los derviches y es un pandero con más de 55 cm. de diámetro. Cuando la piel de un daf se rompe, los derviches dicen que ese daf es un mártir”.



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LUIS MIGUEL GHOLAMIEl joven barítono comienza sus estudios musicales a temprana edad llevando a cabo estudios de violín, lenguaje musical, etc. Asiste a semi-narios y cursos de educación auditiva y afinación y, descubriendo sus dotes vocales, comienza a estudiar canto bajo la dirección de Miriam Torres Pardo. Así mismo estudia instrumentos de percusión de Oriente, daf, tombak, panderos darbuka, como autodidacta y bajo la dirección de Salah Sabbagh. Ha impartido clases de música y pedagogía musical, para niños de siete a doce años, en la Fundación Pons. Ha realizado conciertos con el Grupo Canzona en salas de la Comunidad de Madrid y otras provincias, como en el Festival de Música de las Tres Culturas de Toledo o en el Ciclo de Música Antigua, en el Castillo de Manzanares El Real.



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ARS ATLÁNTICA

INTÉRPRETESARS ATLÁNTICA: Mónica de Nut, actriz y cantante. Manuel Vilas, arpa de dos órdenes 1


PROGRAMA

Gracia Baptista. Monja(España, siglo XVI)

Conditor alme

Santa Teresa de Jesús(1515-1582)

Mi amado para mí

Ayes del desierto

Anónimo gregoriano(siglo IX)

Ave maris stella

Pablo Bruna(1611-1679)

Ave maris stella

1 Copia del arpa conservada en el convento de clausura de la Encarnación (Ávila), construida en 1704 por Pere Elías.

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Fundación Olivar de Castillejo.8 de marzo. 12:30 horas.Entrada: 6 €.

POEMAS, TEXTOS Y MÚSICAS DE MONJAS DE CLAUSURA

TEATRO CON MÚSICA EN DIRECTO

LA PALABRA OCULTA

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Sor Leonor de Ovando(República Dominicana, siglo XVI)

Soneto

Sor Gertrudis de San Ildefonso(1652-1709)

Bebe la sangre de Cristo en el costado del divino cordero 1

Diego Fernández de Huete(Toledo, siglos XVII-XVIII)

Pasacalles

Francisca de los Ángeles(querétano, Méjico, 1674-1744)

Visión y descripción de su ángel de la guarda

Anónimo(siglo XVIII)

Versos para el colegio de niñas de San Miguel de Belém (Méjico)

Anónimo(Monasterio de Santa Ana, Ávila,

siglo XVIII)

Seguidillas

Sor Juana Inés de la Cruz(1648-1695)

Sátira: arguye de inconsecuentes el gusto y la censura de los hombres que en las mujeres acusan lo que causan.

Anónimo(siglo XVII)

Obra de falsas cromáticas

Sor María Jesús de Ágreda(Soria, 1602-1665)

Relato de la pasión de Cristo, de Mística ciudad de Dios.

Diego de Torrijos(1653-1691)

Pange lingua

Anónimo(siglo XVII)

Jácaras

Sor Juana Inés de la Cruz(1648-1695)

Dos sonetos burlescos

1 Fragmento de “La perla mística escondida en la concha de la humildad”. Monasterio de Santa Clara de quito (Ecuador)

NOTAS AL PROGRAMALa palabra oculta nos acerca a un mundo tan desconocido como fascinante: el de las monjas que desarrollaron su labor artística entre las rejas de los diferentes conventos a los que pertenecieron. Exceptuando los casos bien conocidos de Sor Juana Inés de la Cruz y Santa Teresa de Jesús, el resto de obras de estas mujeres son prácticamente desconocidas y accesibles desde hace muy pocos años.

Eran los conventos femeninos importantes centros culturales además de religiosos: nos encontramos con monjas actrices, poetisas, ensa-yistas, pintoras, músicas, etc.

En La palabra oculta podremos disfrutar de los poemas de amor profano, burlescos, eróticos y claramente feministas de Sor Juana Inés de la Cruz, los apasionados y extasiados versos de Santa Teresa de Jesús, la sensibilidad y amor a la poesía que desprende la obra de Sor Leonor de Ovando y dos auténticas rarezas: por un lado la curiosa descripción que Sor Gertrudis de San Ildefonso nos hace de cómo bebe la sangre del costado de Cristo, y, sobre todo, la violenta narración compuesta por Sor María Jesús de Ágreda (una de las mujeres más fascinantes del barroco español, cuyos textos rozan la herejía y que fue juzgada por el tribunal de la inquisición) de la pasión de Cristo, pasaje en el que se inspiró Mel Gibson para su polémica película La pasión de Cristo.

Mención aparte merece la curiosa descripción que hace la monja mexicana Francisca de los Ángeles de su ángel de la guarda; personaje emblemático de la ciudad de Querétaro, esta monja decía tener el don de la bilocación, era asaltada por constantes visiones y dialogaba con



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el niño Jesús.

La parte musical, a solo de arpa o acompañando los textos, procede de obras sacras y profanas de los siglos XVI al XVIII, incluyendo la pri-mera pieza de la historia de la música española creada por una mujer: Conditor alme, de Sor Gracia Baptista.

ARS ATLÁNTICAEl ensemble Ars Atlántica se formó en 2007 y está dirigido por el arpista Manuel Vilas. Se dedica a la interpretación de repertorio músico-teatral de los siglos XII al XVIII de ámbito latino (portugués, español, italiano e hispanoamericano), centrándose sobre todo en obras barrocas para voz sola y continuo e instrumentos melódicos y continuo. El primer disco de Ars Atlántica ha consistido en la primera grabación mundial de las cantatas venecianas procedentes del palacio Contarini, en Piazzola Sul Brenta (Padova), interpretada junto a la mezzosoprano Marta Infante, registro sonoro que recibió excelentes críticas, así como el galardón Prelude Award Music (Holanda) como uno de los mejores discos de música antigua del 2010.

Ars Atlántica y su director llevan adelante el proyecto de grabación de los 100 tonos humanos procedentes del llamado Manuscrito Guerra (segunda mitad del siglo XVII), que contiene piezas vocales procedentes de obras teatrales del barroco español; el proyecto se compone de la grabación de la totalidad de las piezas de este manuscrito en seis discos compactos, de los cuales ya han salido los dos primeros volúmenes en la discográfica inglesa Naxos, recibiendo excelentes críticas y dos premios: disco excepcional de la revista Ritmo (España, mayo de 2011) y disco del mes de la Musicweb internacional (USA, diciembre de 2012).

Ha actuado en el festival Via Stellae (Santiago de Compostela), en el Real Coliseo de Carlos III (El Escorial) y, en su formación a dúo, en el Museo del Teatro de Almagro, en la presentación de la edición facsímil del Manuscrito de música teatral de la Cofradía de la Novena.

MÓNICA DE NUTCantante de ópera, música antigua, jazz, música de raíz, música contemporánea y música experimental de vanguardia, también ejerce como actriz. Diplomada en pedagogía musical en la Universidad de Vigo y licenciada en la Escuela Superior de Canto de Madrid, se formó también en el canto tradicional en la Universidad Popular de Vigo, jazz en la escuela Estudio de Compostela, en el Seminario de Jazz de Pontevedra (S.P.J.) y música antigua con la clavecinista Chiao Pin kuo y con el contratenor Tu Schi Chiao.

Canta en varias agrupaciones y tiene numerosas grabaciones discográficas; recientemente acaba de presentar su primer disco autoprodu-cido de jazz contemporáneo, con el Mónica de Nut Trío, y su proyecto experimental de canto a cappella y performance Voz Soa, en solitario. Participó en óperas y teatro musical, como Orfeo e Euridice, de Gluck, Pomme D’api, de Offenbach, o Romeo et Juliette, de Gounod, desta-cando la interpretación de Jenny en A ópera dos tres reás, de Brecht y Weill, en producción del Centro Dramático Galego, dirigido por Quico Cadaval y protagonizada por Luis Tosar. www.monicadenut.com

MANUEL VILASNace en Santiago de Compostela, donde inicia sus estudios musicales. Estudia arpas antiguas de los siglos XII al XVIII, en Madrid, con Nuria Llopis y, en Milán, con Mara Galassi. Ha colaborado con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre español, Capilla Jerónimo de Carrión, Musica Ficta, Capela de Ministrers, Ensemble Elyma, Camerata Iberia, La hispanoflamenca, La galanía, Ars Longa, La Trulla de vozes, Orquesta barroca de Sevilla, coro nacional de España, etc. y en los más importantes festivales de España, Alemania, Cuba, USA, Ecua-dor, República checa, Paraguay, Austria, Portugal, Suiza, Francia, Bolivia, Bélgica, Argentina, Chile, Holanda… También realiza conciertos como solista con programas centrados en la música barroca española, americana e italiana, (conciertos ofrecidos en Holanda, Chile, España, USA y Cuba), además de conferencias y cursos a través de diferentes países. Ha colaborado tanto como acompañante como solista en más de 60 discos con diferentes grupos y discográficas. Ha participado en producciones operísticas en París y Viena (L´incoronazione di Poppea, de Monteverdi), Madrid, Ginebra y Méjico (La púrpura de la rosa, de Torrejón y Velasco), Múnich, Vigo y San Sebastián (Orfeo, de Monteverdi), así como en la recuperación de la obra escénica Andrómeda y Perseo en el Corral de comedias de Almagro y en las representaciones de la zarzuela Salir el amor del mundo, de Sebastián Durón, en el teatro Arriaga de Bilbao. Ha sido el primer arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española en Estados Unidos y en Cuba. Actualmente se encuentra centrado en un ambicioso proyecto de recuperación de piezas vocales del barroco español interpretadas exclusivamente con el acompañamiento del arpa de dos órdenes, tal como se hacía en la época. De este proyecto hasta este momento han salido cuatro discos compactos: uno para el sello Naxos con las Tonadas, de Sebastián Durón, con la soprano Raquel Andueza, otro con la mezzo Marta Infante titulado Tonos al arpa, para el sello Enchiriadis, un tercero con la soprano Estrella Estévez, para el sello Arsis, y muy recientemente, para el sello La ma de Guido, los Tonos,bde José Marín, junto al tenor Felix Rienth. Es el director artístico del proyecto de grabación de los 100 tonos del Manuscrito Guerra (siglo XVII), manuscrito que investiga desde hace más de diez años, y cuya grabación integral publicará la discográfica Naxos en 6 discos compactos. Los dos primeros CD de esta serie, realizados junto a la soprano Isabel Monar y el tenor Juan Sancho, salieron al mercado en 2011 y 2012, respectivamente. Ha sido invitado por el Festival de Flanders (Bélgica) para dar unas masterclass sobre arpas antiguas ibéricas y fue asesor en el proyecto patrocinado por la Generalitat valenciana de recuperación de los instrumentos de los frescos de la catedral de Valencia.

En 2008 funda el grupo Ars Atlántica, que se presenta en el Festival Via Stellae (Santiago de Compostela) con el estreno en tiempos modernos de las cantatas procedentes del palacio que la familia Contarini poseía cerca de Venecia. La grabación de estas cantatas, junto a la mezzo Marta Infante, fue galardonado en Holanda con el premio Prelude Classical Music como unos de los mejores discos de música antigua del 2010.

Asimismo, es pionero en el estudio de cierto tipo de arpas hoy totalmente olvidadas, como el arpa jesuítica chiquitana (Bolivia, siglo XVIII), y el arpa doble que circulaba por la corona de Aragón en el siglo XIV, que presentó recientemente interpretando obras de Guillaume de Machaut.



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Una de sus especialidades es ofrecer recitales con cantantes: ha acompañado a Marta Infante, Guillemette Laurens, Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes Hernández, Mariví Blasco, José Antonio López, Isabel Álvarez, Francisco Fernández Rueda, Yetzabel Arias, Monica Piccinini, etc.

Recientemente fue invitado a representar a España en el VI Festival Mundial de Arpa en la ciudad de Asunción (Paraguay), siendo el primer arpista en ofrecer un recital de arpa de dos órdenes en este país.

Posee su propio canal de youtube donde se puede ver y escuchar parte de su proyecto audiovisual que muestra diversas arpas antiguas en diferentes localizaciones de Santiago de Compostela (ArpaManuelVilas).



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CORO FEMENINO MATRITUM CANTAT / JAVIER BLANCO

INTÉRPRETESÁNGELES TEY, IRENE BADIOLA, sopranos. CIRCE MOLINA, mezzosoprano. EUNYOUNG YIM, organista. CORO FEMENINO MATRITUM CANTAT. JAVIER BLANCO, director. PABLO HERAS, direccion.


PROGRAMA

I. Félix Máximo López (1742-1821)

Stabat Mater *

- Stabat mater dolorosa (Estaba al pie de la cruz)- Cuius animam gementem (Cuya alma desolada)- O quam tristis et aflicta (Oh qué triste y afligida) - quae moerebat et dolebat (Ella sufría y se dolía)- quis est homo qui non fleret (¿qué hombre no llorará?)- quis non posset contristari (¿quién no se entristecerá?)- Pro peccatis sui gentis (Por los pecados de su pueblo)- Vidit suum dulcem natum (Veía a su dulce hijo)- Eia mater fons amoris (Ea, madre fuente de amor)- Fac ut ardeat cor mum (Haz que arda mi corazón)- Sancta mater istud hagas (Madre santa, haz esto)- Tui nati vulnerati (Reparte las penas de tu hijo conmigo)- Fac me vere pie flere (Haz que llore verdadera y piadosamente)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Iglesia de San Antonio de los Alemanes.11 de marzo. 19:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Madrid.Parroquia Santuario de María Auxiliadora.12 de marzo. 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA RELIGIOSA PARA UN COLEGIO FEMENINO DE MADRID DEL SIGLO XIX

MÚSICA

FÉLIX MÁXIMO LÓPEZ Y CUATRO COMPOSITORAS DEL XIX

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- Juxta crucem tecum stare (Estar contigo junto a la cruz)- Virgo virginum praeclara (Virgen de vírgenes excelsa)- Fac ut portem Christi mortem (que yo cargue con la muerte de Cristo)- Fac me plagis vulnerari (que con sus llagas me hiera)- Inflammatum et accensus (Inflamado y encendido)- Fac me cruce custodiri (que la cruz me guarde)- quando corpus morietur (Cuando mi cuerpo muera)

II. Félix Máximo López (1742-1821)

Misa grande a 3 *, para solistas (soprano 1ª, soprano 2ª, alto), coro a 3 voces iguales y órgano

- Interpolación: Motete Oración a Ntra. Sra. del Carmen *, de Sofía Vela de Arnao- Kyrie eleison- Gloria in excelsis Deo- Credo in unum Deum- Interpolación: Motete Oh admirable sacramento *, de Aurora Yoldi y Lozano- Sanctus Dominus Deus Sabaoth- Interpolación: Benedictus qui venit *, de María del Carmen López Peña- Agnus Dei qui tollis peccata mundi- Interpolación: Motete (despedida) *, de Paulina Cabrero y Martínez de Ahumada (1822-1893)

* Recuperación musicológica. Estreno en tiempos modernos.

NOTAS AL PROGRAMAEs música religiosa no destinada a la audición en concierto sino para ceremonias litúrgicas. Si perdemos de vista este enfoque, juzgaremos erróneamente la música de hoy. Creemos que el conocimiento de estas composiciones tiene un interés especial: 1º el anecdótico, porque se compuso expresamente para las ceremonias religiosas en un colegio de “señoritas”, en expresión del XIX; 2º, porque fue música compuesta por autores hoy desconocidos, pero no así en su tiempo; 3º, porque el archivo donde tales partituras están, el de la Iglesia de San Antonio de los Alemanes, puede aportar datos y luz sobre un capítulo apenas tratado en la Historia de la Música española del XIX cual es la música religiosa.

Dos fueron los colegios femeninos que, durante el siglo XIX, adquirieron renombre y fama en Madrid: el de Loreto y el de la Purísima Concep-ción, conocido éste, en el siglo XIX, como “De las Concepcionistas”. Podríamos decir que era un colegio de élite. Una de las condiciones para entrar, entre otras, era tener buena voz. Deducimos por el archivo musical estudiado por nosotros que en lo referente a la música la educación era esmeradísima: baste con echar una ojeada a las partituras que las “señoritas colegialas” interpretaban en las ceremonias reli-giosas y que se conservan en San Antonio de los Alemanes. Podemos colegir que se impartían enseñanzas de algún instrumento, quizá arpa, violín, mandolina, oboe, flauta… En tal Archivo encontramos obras para solistas y para coro (puede ser que para obras de mayor complejidad contrataran a cantantes profesionales), algunas con verdadera dificultad interpretativa, y, sobre todo, que requerían lectura musical fluida. Añádase que aquellas anteriores a 1923, fecha en que se instala en el coro un gran órgano, la mayor parte exigen instrumentos que actuaban en el recinto del coro de la iglesia de San Antonio, incluso orquestas al completo.

Desde 2009 vengo consultando, poniendo orden, catalogando y copiando a ordenador (unas 240 obras copiadas ya) dicho archivo que en algún momento estuvo a punto de ser arrojado a la basura. Hay verdaderas joyas musicales que podrían aportar más luz a la Historia de la música española del siglo XIX. Consta el nombre de más de 120 compositores nacionales cuyas obras se interpretaron en las ceremonias sagradas de San Antonio. El último maestro de capilla, Moisés Baylos Albéniz, primo del “otro” Albéniz, murió a finales de la década de 1950. Él fue el encargado de adquirir el órgano por 25.000 ptas. en 1922. Arruinado por filtraciones de agua, ha sido restaurado recientemente con subvención de la CAM.

En las misas se cantaban, y se cantan, partes fijas y partes variables, éstas al inicio, en el ofertorio, en la comunión y al final. De ahí que hayamos incluido en este programa motetes de cuatro compositoras –“rara avis” en el XIX—que escribieron expresamente para el citado Colegio. Lo mismo que en el caso de Fanny Mendelssohn, que publicó obras suyas con el nombre de su hermano, da la sensación de que el elenco masculino no veía calidad musical en las obras “de mujeres”. Apenas si quedan datos biográficos de estas cuatro compositoras. En el Diccionario de Efemérides de Saldoni se cita a alguna de ellas, quizá por ser alumnas suyas.

Desconocemos fechas de nacimiento y muerte de Sofía Vela de Arnao. Destacó como contralto, citada por Saldoni en muchas veladas mu-sicales madrileñas. Es conocida por un magnífico retrato pintado por Madrazo que figura en el Museo del Prado. Sofía estuvo casada con el poeta y libretista Antonio Arnao. Destacó también como compositora y participó con cierta frecuencia en las funciones del Liceo Literario de Madrid desde 1848. Dice Barbieri: En 1850 fue Federico Madrazo, en un retrato muy elocuente y casi mágico, el que la retrató y precisamente al verlo me hizo descubrir su existencia como gran cantante y su personalidad. Sofía fue muy amiga de la familia Madrazo y ella y su marido Antonio Arnao pasaban muchas veladas en casa de los Madrazo. En 1851 fue designada contralto de la Real Cámara de Madrid, interpre-



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tando para Isabel II las cuatro óperas que se representaron en el Palacio Real de Madrid entre 1849 y 1859: Luisa Miller de Verdi, La Straniera de Bellini, Ildeconda y La conquista de Granada de Arrieta, joven compositor bilbaíno. Un compositor, célebre en su tiempo, Francisco Asís de la Peña le dedicó su Sonata n.° 1 para piano. Arrieta, por su parte, le dedicó en una carta en 1887 su más famosa ópera, Marina. De su labor como compositora se conservan en el Archivo de SAA varias obras religiosas, de refinado gusto melódico, como las tituladas Memorare, Miserere al Santísimo Cristo de la Salud, Flores a María, Camino del Cielo y la que se incluye en este concierto.

Paulina Cabrero y Martínez de Ahumada (1822-1893) fue cantante, compositora e instrumentista, renombrada y distinguida en los salones de Madrid del s. XIX, citada por Saldoni en estrenos solemnes de obras religiosas. Fue discípula suya en el Conservatorio Mª Cristina, del que, como cantante, estrenó varias de sus obras, entre ellas un celebrado Stabat Mater. En 1866 tenía un catálogo de 56 obras publicadas. En su obra Primeras inspiraciones musicales se encuentran romanzas y canciones en español, francés e italiano así como himnos, coros, villancicos... En la referencia de Saldoni se dice: “…puede decirse que doña Paulina Cabrero de Ahumada es la profesora artista-música aficionada más distinguida de España, por reunir en ella un triple talento de compositora aventajada y distinguida cantatriz e instrumentista”. En el archivo de SAA se conservan varias obras, entre ellas una pequeña cantata de Navidad, Cantemos pastores, para piano, dos sopranos y bajo e “instrumentos pastoriles” (sic).

De la compositora Aurora Yoldi y Lozano nada hemos podido encontrar, de la que en el Archivo se guardan tres composiciones religiosas suyas para voces femeninas. En el ABC, del 18 de marzo de 1915, aparece la esquela de defunción de su marido, Ilmo. Sr. D. Alfonso Sierra y de León, que entre 1904 y 1905 fue Director de la Academia de Minería de Almadén.

Lo mismo ocurre con la compositora María del Carmen López Peña. Consta en la partitura Benedictus la fecha de 1917. Nada hemos encon-trado de su biografía. Incluimos esta breve obra, de apenas dos minutos, –Benedictus— dado que en el original de la Misa de Félix Máximo López no se incluye el “Benedictus”. Esto es así porque desde el siglo XVI y todavía en el siglo XIX este canto era independiente del Sanctus y se interpretaba tras la Consagración.

FÉLIX MÁXIMO LÓPEZFélix Antonio Máximo López Crespo (Madrid, 18 de noviembre de 1742 - id., 9 de abril de 1821) fue compositor y organista. En 1775 logró por oposición la plaza de 4º organista de la Capilla Real de Madrid, reinando Carlos III. Fue ascendiendo hasta primer organista al morir sus predecesores (1787, Miguel Ravaza; 1801, Juan Sessé). Al ser nombrado José Lidón, que era primer organista, maestro de la Real Capilla y rector del Real Colegio de Niños Cantores, Félix Máximo López pasa a serlo en 1805. La situación económica durante el reinado de Fernando VII, obligó a la Corte española a reducir gastos, cosa que afectó a los músicos. Por los libros de cuentas se sabe que quedó como único organista y su salario reducido de 16.000 reales a 984 en 1809, si bien en 1816 se le restituyó su salario primero. Casó dos veces y tuvo tres hijos. Murió en Madrid a la longeva edad de 78 años.

Hábil improvisador, produjo composiciones para tecla, especialmente órgano. Para la música vocal él mismo escribía los poemas que luego ponía en música, como la celebrada obra Función de los locos. Entre sus obras, los Seis minués fáciles, para clave, son los más conocidos. Citemos como obras destacadas, también, una Sonata pastoral y Ocho duetos para dos violines, obras publicadas en 1794, aunque su producción profana y religiosa, fue extensísima: villancicos a dos y tres voces con órgano, villancicos jocosos y místicos (1795); la citada Sonata pastoral, para clave y órgano (1796), misas; motetes, composiciones religiosas variadas, etc. También fue editado su libro “Obras poéticas, líricas y cómicas que su autor Félix Máximo López, organista de la Real Capilla de su Majestad compuso desde el año de 1874…”, encontrado en el Rastro por Barbieri.

Hay un retrato suyo en el Museo del Prado, del pintor Vicente López, pintado un año antes de su muerte, en 1820, pagado por su hijo Am-brosio. Tanto el libro anterior como dicho cuadro, con el compositor sosteniendo una partitura en su mano, suscitaron el interés de Barbieri que dejó interesantes datos de su biografía, familia y obras. En “La correspondencia Musical. Año VI Nº 269 25 Feb. 1886” hay una extensa reseña biográfica escrita por Barbieri que se puede consultar en Internet.

PABLO HERAS ALONSO

ÁNGELES TEYEn Madrid, su ciudad natal, se gradúa en la Escuela Superior de Canto en la especialidad de Ópera y Oratorio, obteniendo el Premio Fin de Carrera “Lola Rodríguez de Aragón”. En ese mismo año es reconocida con la Mención de Honor por la Sociedad Bach de España, interpre-tando un amplio repertorio de cantatas de ese mismo autor.

Su formación siguió con los maestros Zanetti y Lavilla y recibió clases de Victoria de los Ángeles y de Gundula Janowitz.

En su amplia trayectoria como solista destaca el repertorio dentro de la música barroca y de cámara, debutando en 1992 bajo la dirección musical de Cristophe Coin y Juanjo Granda, como director de escena, en Viento es la dicha de Amor, de José de Nebra. Colabora en distin-tas agrupaciones como Al Aire Español, La Folía, Capilla Real de Madrid, Young European Camerata, así como con la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, con quien graba un CD titulado Un Legado recuperado, bajo la dirección de Grover Willkins.

Ha sido dirigida por maestros como Luís Remartínez, Miquel Ortega, Alberto Blancafort, Franco Gil, Frühbeck de Burgos, Isaac Stern (hijo), Tomás Garrido, Fernando Eldoro, Mireia Barrera, Josep Pons, etc. en prestigiosos teatros y auditorios españoles, así como en Francia, In-glaterra, Alemania, EEUU, Polonia, Chile...

Su repertorio es muy extenso, destacando su interpretación en papeles mozartianos, como el de Susana en Las bodas de Fígaro, Ilia de Idomeneo, Zerlina en Don Giovanni, y de otros autores, como en Dido y Eneas, de Purcell, Acis y Galatea, de Literes...



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En oratorios ha interpretado El Mesías, de Haendel, Las estaciones, La Creación y Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Haydn, Scherezade, de Ravel, El sueño de una noche de verano, de Mendelsshon, Oficio y Misa de difuntos, de Ledesma, obra que comprende su más reciente CD, grabado con motivo del aniversario del Bicentenario de los fusilamientos del 2 de mayo.

Desde 1997 forma dúo con el guitarrista chileno Bernardo García-Huidobro con el que ha realizado numerosos conciertos.

En la actualidad perfecciona su repertorio con el prestigioso maestro inglés David Mason.

IRENE BADIOLA DONORROSOObtuvo sus titulaciones de Canto y Piano en el Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Ha participado en numerosos cursos de perfeccionamiento vocal y repertorio, con Isabel Penagos, Ángeles Chamorro, Massimo Sardi, Peter Harrison, Lorraine Nubar y, sobre todo, con Félix Lavilla.

Desde 1993 forma parte del Coro Nacional de España, actividad que compagina con sus actuaciones como solista. Así, ha participado en el Festival de Música Religiosa de San Clemente, con la Petite Messe Solennelle, de Rossini, ha hecho grabaciones con el Orfeó de Castilla y el Coro Vasco de Madrid. También ha interpretado papeles solistas en el Auditorio Nacional de Madrid, como en el concierto homenaje a Garrido-Lecca, dirigido por Pedro Calderón, o La Pasión según San Mateo, con Rafael Frühbeck de Burgos.

CIRCE MOLINA PASCUALComienza sus estudios musicales a la edad de ocho años en la Escuela Municipal de Música de Orcasitas, en Madrid, donde compagina más tarde con la especialidad de canto. Posteriormente ingresa en el Conservatorio Teresa Berganza, en el que finaliza sus estudios musicales. Realiza cursos de perfeccionamiento con diferentes cantantes del Coro Nacional. Ha formado parte, en sus inicios, de coros como San Pablo CEU o Castelnuovo Tedesco, colaborando como solista en el Coro Villa de Madrid o el Coro de Los Jerónimos, de Madrid. También ha forma-do parte, como solista, del Coro y Orquesta Lírica de Madrid, realizando conciertos de ópera y zarzuela por toda España. Ha pertenecido al grupo de música antigua Anticke, como solista. Desde varios años atrás, colabora como profesora de canto en diversos centros de música. Al mismo tiempo, dirige la Agrupación Coral Polvoranca, Coro Nosotras Mismas Chamberí y Coral Imperial. Recientemente ha puesto voz a la versión española de la grabación de los CD Max y Mía “Con la Música hacia la Vida” y posteriores ediciones, así como varios discos educativos para Yamaha. Ha realizado trabajos para Canal Cuatro y varios seminarios para profesores de canto.

EUNYOUNG YIMEstudió en la Universidad de Chungnam de Daejeon con Rosa Park. Finalizó su carrera obteniendo licenciatura en piano. Más tarde se tras-ladó a Madrid para perfeccionar sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con los profesores Fernando Puchol, Jacobo Ponce y Juan Antonio Álvarez Parejo. Recibió el Título Superior de Piano y el de Acompañamiento Vocal. Ha actuado como solista y pianista acompañante en varios conciertos en Corea y España. Ha ganado premios en Concursos del Ministerio de Cultura y Educación de Corea y el Concurso de la Fundación Católica de Corea

CORO MATRITUM CANTATEl Coro Matritum Cantat está formado por 70 voces mixtas. Bajo la dirección de Javier Blanco, ha recorrido gran parte de la geografía espa-ñola, actuando en marcos de gran tradición musical, las más antiguas Iglesias de Madrid, auditorios como el Auditorio Nacional, Monumental, Palacio de Festivales de Santander y distintas Universidades españolas.

También ha colaborado con orquestas de gran prestigio como la Sinfónica de Madrid, Sinfónica Neotonarte, O. S. Rey Juan Carlos I, Orquesta Matritum Cantat y Orquesta Ars Futura.

Por parte de las autoridades eclesiásticas de la Real Iglesia de San Ginés de Madrid, ha sido elegido como la agrupación coral que reviste de solemnidad musical los actos religiosos que se llevan a cabo en esta iglesia.

El Coro Matritum Cantat participa en distintos ciclos de música coral organizados por la Federación Coral de Madrid, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid.

El Coro Matritum Cantat, ha participado en distintos festivales, como la Semana Internacional de Música Religiosa de Cuenca, el Festival In-ternacional de Santander y el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, junto con la Orquesta Sinfónica de Madrid. También actúa de forma periódica en los ciclos de la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. El Coro Matritum Cantat ha participado en distintos concursos nacionales, obteniendo premios en los concursos de Infiesto (Asturias), Cocentaina (Alicante), Villalkor (Madrid), etc.

En el terreno internacional, ha ofrecido una serie de conciertos en Portugal y ha participado en el Primer Festival Internacional de Coros de la ciudad de Córdoba (Argentina), realizando una gira por las ciudades de Buenos Aires, Santa Fe, Iguazú, Rosario y Misiones.

Matritum Cantat ha grabado un CD de Música Navideña, con la Editorial San Pablo, en el que se refleja un recorrido histórico e intercultural de esta música. Con motivo de la conmemoración del Bicentenario del 2 de Mayo, la Comunidad de Madrid junto con el Gobierno de Aragón,



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edita un doble CD con la grabación en directo del concierto celebrado el día 5 de marzo de 2008, en la Colegiata de San Isidro de Madrid, donde Matritum Cantat interpretó, junto con la Orquesta Sinfónica de Madrid, el Oficio y Misa de Difuntos, de M. R. de Ledesma.

Posteriormente interpreta con la misma orquesta las Lamentaciones, de M. R. de Ledesma. Cabe destacar la elección del coro por parte de la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Comunidad de Madrid, y el maestro Luis Izquierdo, para la interpretación del Miserere, de H. Eslava, en el concierto homenaje a este director con motivo de su despedida en el campo de la dirección.

En su colaboración con distintos compositores actuales, ha estrenado obras sinfónicas y corales de Pedro Villarroig, José Antonio Galindo y Eddie Mora, entre otros.

Desde el año 2009, Matritum Cantat cuenta con su propia orquesta.

JAVIER BLANCO RUBIO Nace en Madrid, donde inicia sus estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música, obteniendo los títulos de profesor de piano, composición, acompañamiento, solfeo y dirección de coro. Becado por el Instituto de la Juventud, se traslada a Múnich y a Passau (Alemania), donde estudia dirección con Robert Sund, S. Kuijen, F. Brüggen, S. Sondeckis y piano con W. Schoat. En este período es miembro del Coro Filarmónico de Europa.

Amplía su formación con cursos de dirección de coros con Luis Vila, Maite Oca y Electo Silva, y en dirección de orquesta con Andrés Zarzo, García Asensio y Josep Vila.

Actualmente es director de la Escuela de Música y Danza MUSHI, Asesor musical de la editorial San Pablo y dirige el Coro Matritum Cantat, Coro de la Universidad Pontificia de Comillas, la Orquesta y el Coro Ars Futura, formado por profesionales; el coro infantil Mushi, la Escolanía St. Michael´s, y ha dirigido el grupo vocal-instrumental de música contemporánea Ad Libitum, Coral Cristóbal de Morales, Coral Polifónica del Reinado, la Escolanía NET y ha colaborado con la Federación de Puericantores.

Ha dirigido conciertos en prestigiosos auditorios como el Auditorio Nacional, Teatro Monumental, Auditorio Conde Duque, Centro Cultural de la Villa, Teatro Juan Bravo de Segovia, Sala Pleyel de París, Auditorio de Música de Lisboa, Auditorio de Bruselas, Auditorio de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Córdoba (Argentina), etc.

También ha realizado conciertos en distintas iglesias de la geografía española e internacional, como el Monasterio de El Escorial, Silos, Des-calzas Reales, La Encarnación, Catedral de la Almudena, Iglesia de la Mercé (Burgos), Santiago, Canterbury, Oxford, Salzburgo, Vaticano, Córdoba, Buenos Aires, etc.

En las Navidades del 2001 obtuvo el premio al Mejor Director en el IX Certamen Coral del Ayuntamiento de Madrid, y ha recibido numerosos premios dirigiendo distintas agrupaciones corales de Madrid.

PABLO HERAS ALONSOMi andadura musical comenzó en el Colegio SS.CC. de Miranda de Ebro, siguió en coros universitarios como tenor solista, hasta arribar al Coro Nacional de España en 1971, del que he sido Jefe de Tenores de1972 a 2003. Aunque mi formación en canto, piano, gregoriano, armo-nía, paleografía, dirección coral, etc. fue necesariamente autodidacta, no por eso olvido el reconocimiento agradecido a quienes fueron sus maestros: en los inicios, Leopoldo Eraso, tenor, Teresa Turné y Valentín Elcoro (Escuela Superior de Canto), Nigel Rogers y Marius van Altena (Cursos de música barroca en El Escorial), Ph. Herreweghe y Enrique Ribó (dirección coral).

He sido cofundador y tenor solista del Grupo SEMA (1972-2000); ocho años con Pro Musica Antiqua de Madrid, Camerata de Madrid (música barroca, dirigida por Luis Remartínez), Grupo Koan (música contemporánea, J. R. Encinar), y otros. Con ellos he grabado una treintena de discos, recorrido varias veces España y actuado en festivales de prestigio (Granada, Cuenca, Segovia, Santander, Barcelona, etc.), Francia, Alemania, Italia, Holanda, Dinamarca y Nueva York.

Licenciado en Psicología, he sido director del Colegio Ntra. Sra. del Carmen durante doce años. He escrito El canto gregoriano, Ed.PS, 1995, Las Capillas Musicales de Madrid de la E.M. al Barroco (2º Premio del VII Concurso de Materiales Curriculares de la CAM), La interpretación coral, tratado extenso con contrato de edición, El problema del ritmo en el Cancionero Musical de Palacio, así como artículos varios.

Desde 2006 edito artículos diarios sobre Humanismo en Periodista Digital. También tengo publicada una obra de poesía. He dirigido durante 25 años la Escolanía Ntra. Sra. del Carmen y el Coro de Cámara Francisco de Salinas (miembros del Coro Nacional), el Coro de Cámara Villa de Madrid, de 1998 a 2011, el Coro de los Jerónimos de Madrid, en 2007 y 2008. Hoy dedico los ocios al Archivo de San Antonio, a actua-ciones variadas y a escribir.



Arte Sacro 2014



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LA COLOMBINA

INTÉRPRETESLA COLOMBINA: Raquel Andueza, soprano. José Hernández Pastor, alto. Josep Benet, tenor. Josep Cabré, barítono.


PROGRAMA

- Selección de Officium hebdomadae sanctae, de Tomás Luis de Victoria (1548-1611)

- Feria quinta in Coena Domini - Ad Matutinum.

In Primo Nocturno:Antiphona: Zelus domus tuae - Versiculum: Avertantur retrorsum et erubescant.Lectio secunda quattuor vocibus: Vau. Et egressus est.

In Secundo Nocturno:Antiphona: Liberavit Dominus - Versiculum: Deus meus eripe me de manu...quartum responsorium: Amicus meus.Sextum responsorium: Unus ex discipulis.

In Tertio Nocturno:Antiphona: Dixi iniquis - Versiculum: Exsurge DomineSeptimum responsorium: Eram quasi agnusNonum responsorium: Senior espopuli

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel.13 de marzo. 20:45 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

TOMÁS LUIS DE VICTORIA

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- Feria Sexta in Passione Domini - Ad Matutinum

In Primo Nocturno:Antiphona: Astiterunt reges terrae - Versiculum: Diviserunt sibi vestimenta meaLectio secunda quattuor voc. par.: Lamed. Matribus suis

In Secundo Nocturno:Antiphona: Vim faciebant - Versiculum: Insurrexerunt in me testes iniquiquartum responsorium: Tamquam ad latronemSextum responsorium: Animam meam

IIn Tertio Nocturno:Antiphona: Ab insurgentibus me - Versiculum: Locuti sunt adversum me lingua dolosaSeptimum responsorium: Tradiderunt meNonum responsorium: Caligaverunt

- Sabbato Sancto - Ad Matutinum

In Primo Nocturno:Antiphona: In pace in idipsum - Versiculum: In pace in idipsumLectio secunda quattuor voc. par.: Aleph. quomodo obscuratum

In Secundo Nocturno:Antiphona: Elevamini portae aeternalis - Versiculum: Tu autemDomini mis-erere meiquartum responsorium: Recessit pastor nosterSextum responsorium: Ecce quomodo

In Tertio Nocturno:Antiphona: Deus Adjuvat me - Versiculum: In pace factus est locus ejusSeptimum responsorium: Astiterunt regesNonum responsorium: Sepulto Domino

- De solemni actione liturgica

In adoratione Crucis:Vere languoresEcce lignum Crucis – Popule meus. Agios o Theos et Sanctus 4 voc. – ego propter te flagellavi...

NOTAS AL PROGRAMAAbordar la interpretación de una obra como el Officium Hebdomadae Sanctae, de Tomás Luis de Victoria, plantea distintas cuestiones. Quede para musicólogos y estudiosos el análisis, la historia o el comentario de la obra en su entorno musical. Desde estas líneas solamente quisiera abordar algunas de las preguntas que inevitablemente surgen al preparar la interpretación de una obra de estas características. Al final, la verdadera solución está en una mezcla apropiada de todas las respuestas, así como en la búsqueda del equilibrio entre el autor y su obra, por un lado, y los intérpretes y su propio tiempo y sensibilidad, por el otro. Después el público decidirá si la proposición fue la adecuada.

Conviene decir, en primer lugar, que se trata aquí de una selección de las obras del Officium y más específicamente de las obras a cuatro voces en lo que podríamos considerar un recorrido por los puntos cruciales de la liturgia de estos tres días de la Semana Santa. Teniendo en cuenta que no se trata de repertorio “pensado” para concierto sino efectivamente de una colección de servicios litúrgicos, la tentación es grande de estructurarla de esta manera. Pero, una vez más, la duración de un oficio litúrgico se muestra incompatible con la duración de un concierto, además de que efectivamente estamos ofreciendo un concierto y no un oficio litúrgico. Aún así, la observación de la organización litúrgica tradicional, concebida como un todo, con un discurso completo y una práctica demostrada durante siglos, nos brinda un auxilio más que eficaz a la hora de concebir y organizar el programa de concierto, sin pretensión alguna de intentar la imposible reconstrucción de una Semana Santa a finales del siglo XVI.

En efecto, la opción tomada es la de estructurar el programa con lo que se podría denominar una “puesta en contexto”, que relaciona la obra



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de Victoria con el entorno global de la celebración litúrgica. Esto explica la presencia de antífonas y versículos en canto llano, así como los versos alternados de los salmos y lamentaciones, que, aunque no se ofrezcan en su totalidad, nos permiten tener una idea global del contexto real en que se interpretaban estas obras. Todo esto más allá de la posibilidad de presentarlas como una simple colección o antología de obras polifónicas de un maestro, grande entre los grandes, nos brinda una visión, aunque incompleta, menos parcial y menos seccionada de estos textos, poseedores de una fuerza expresiva rara en esta semana crucial de la tradición cristiana.

Haciendo un breve repaso, el Officium... contiene la música, puesta en polifonía, de las partes principales del oficio de maitines del Jueves, Viernes y Sábado Santos, además de unas pocas obras para el domingo que principia la semana, el Domingo de Ramos. Completan la co-lección algunos motetes no directamente implicados en la liturgia, aunque de temática claramente relacionada con los sucesos de la Semana Santa, así como un Miserere y un Benedictus a cantar en el oficio de laudes de los tres días y los famosos improperios, el Popule meus, para el Viernes Santo, durante la adoración de la Cruz.

Otro aspecto de difícil solución en una versión “contextualizada” de la obra de Victoria, es efectivamente el rito litúrgico por el que debe regirse. El Oficium…, publicado en Roma en 1585, donde Victoria vivió largos años, contiene también alguna obra de referencia claramente hispánica, en su melodía habitual en España, distinta de la romana. De hecho hay diferencia de opiniones entre distintos estudiosos sobre el canto llano “matriz” de las distintas partes del Officium..., como por ejemplo en las lamentaciones, que permitan descifrar si el Officium... fue compuesto en clave española o en clave italiana. Y la cuestión sigue sin estar verdaderamente resuelta. Aunque hoy día esto pueda parecer un problema menor, lo cierto es que para dar unidad y lógica al programa ha sido también importante asomarse a la cuestión y tenerla en cuenta.

Estamos también en una época, finales del siglo XVI, en la que colean las decisiones del Concilio de Trento. Si se habla mucho del Concilio en relación a la actividad musical, lo cierto es que en los trabajos del Concilio la música es mencionada en escasas líneas, más algunas para comentar la función del órgano en las iglesias. Pero sí es cierto en cambio que el Concilio generó gran cantidad de normas, reglas y otros textos prácticos en todos los ámbitos de la vida religiosa, muchos de los cuales sí tienen que ver con la música, lo que permite hacernos una idea más clara sobre la actividad musical de estas épocas. Conviene también no olvidar que Victoria trabajó durante años, además de en las distintas iglesias de las comunidades españolas de Roma, en algunas de las instituciones más comprometidas con la contrarreforma, como el Colegio Germánico, directamente implicadas en la “mise en oeuvre” de las normas del concilio.

La cuestión de los efectivos, así como el uso o no de instrumentos, es también importante. Si los archivos de las iglesias romanas, como los de las españolas, aportan gran cantidad de datos sobre el número de integrantes de las capillas musicales así como de sus funciones y responsabilidades, lo cierto es que el criterio que ha prevalecido en nuestra producción es el de la formación a cappella y a cuatro voces solistas, opción que se justifica por el carácter mismo de la composición.

Aunque este término, a cappella, sea también fuente de discusiones sin fin sobre su verdadero significado. Si por una parte parece general-mente aceptado que las normas impiden la presencia y actuación de instrumentos musicales durante las celebraciones de la Semana Santa, incluido el órgano, también es cierto que hay quien pretende, en referencia a este instrumento, que la prohibición se refiere solamente al “gran órgano” mientras el uso del positivo, como instrumento de acompañamiento o de continuo, parece posible y hasta probable.

En cualquier caso podemos afirmar que en este programa se ofrecen algunos de los momentos culminantes de la creación musical de Tomás Luis de Victoria, compositor en el que se da la estricta aplicación de la reglas de la polifonía clásica con el uso de una expresión de matiz moderno que, desarrollando la famosa teoría de los afectos, anuncia una sensibilidad barroca que en breve se expandiría por todo el mundo latino. Además del sentido dramático, casi teatral, de algunos de sus responsorios, en el caso de Victoria estamos, sin duda alguna, ante la búsqueda de la mayor expresividad con el mínimo artificio y la mínima decoración.

JOSEP CABRÉ

LA COLOMBINAEl camino de cuatro cantantes, solistas reputados, se cruza en diversas producciones. Madrigalistas del alma y, ante todo, buenos amigos, he aquí La Colombina, nombre elegido en homenaje a la famosa recopilación de música del siglo XV conservada en la Biblioteca Colombina de Sevilla. La Colombina, grupo cosmopolita de raigambre fuertemente latina, nació en 1990 con el propósito de cultivar la música religiosa y profana del renacimiento y del primer barroco y, aunque el repertorio predilecto del grupo sea el hispano, no renuncia a algunos “viajes” en compañías de música de Francia e Italia. Su orgánico esencial es el cuarteto, sin excluir formaciones vocales más grandes y colaboraciones instrumentales cuando el programa lo requiere. A lo largo de sus años de vida, el grupo se ha dedicado principalmente a los conciertos (por toda Europa, Colombia, México, Estados Unidos e Israel) y a las grabaciones discográficas, para el sello Accent y para K617. Después de un período de pausa, por cambios en sus componentes, renueva, a partir de 2004, su contacto con el público en concierto y con la realización, en disco en vivo, del Officium Hebdomadae Sanctae, de Tomás Luis de Victoria (Glossa), con la participación, además de los miembros ha-bituales del cuarteto, de cuatro solistas más, así como de la Schola Antiqua para las partes de canto llano.

RAqUEL ANDUEZANacida en Pamplona, inicia su desarrollo musical a los seis años en la escolanía Niños Cantores de Navarra, dirigida por José María Goi-coechea. A la edad de ocho comienza sus estudios de solfeo y violín, y a los catorce los de canto, todos ellos en el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate de Pamplona. Becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en la Guildhall Shool of Music and Drama de Londres, donde en el año 2000 obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y recibe el premio School Singing Prize, en reconocimiento a su trayectoria académica. En ese mismo año conoce al maestro Richard Levitt, quien ha sido su referente hasta el presente.

Colabora asiduamente con diversas formaciones: L’Arpeggiata, El Concierto Español, Conductus Ensemble, Orquesta Barroca de Sevilla, Al Ayre Español, La Tempestad, La Real Cámara, Hippocampus, Private Musicke, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, B’Rock, etc. En 2003 pasa a formar parte del cuarteto vocal La Colombina; en ese mismo año funda, junto al tiorbista Jesús Fernández Baena, un dúo



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especializado en música italiana del siglo XVII y desde 2004 canta con el grupo Orphénica Lyra, dirigido por José Miguel Moreno.

Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de toda Europa (París, Madrid, Barcelona, Bruselas, Utrecht, Praga, Bucarest, Vie-na, Nápoles, Granada, Londres), y en 2004 hace su debut en Estados Unidos en el Sundin Hall de Minneapolis. Ha sido dirigida por directores como William Christie, Fabio Biondi, Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Eduardo López-Banzo, Christina Pluhar, Andoni Sierra, Richard Egarr, Ottavio Dantone, Ernest Martínez-Izquierdo, Christian Curnyn, Pablo Heras, Sir Colin Davis, Jordi Casas, etc.

Ha realizado grabaciones para la radio francesa, belga, alemana, suiza y española, y también para los sellos Glossa, Verso, K617, NB Musika, Accentus y Harmonia Mundi. Su último trabajo, D’Amore e Tormenti, con el tiorbista Jesús Fernández Baena, ha recibido las mejores críticas de la prensa especializada.

JOSÉ HERNÁNDEZ PASTORTras sus estudios de piano y dirección (Conservatorio de Valencia, 1996) y musicología (Universidad de Oviedo, 1998), se decanta por su verdadera pasión dentro de la música: el canto y la investigación en la música antigua.

Merced a una beca del gobierno suizo y el Ministerio de Asuntos Exteriores (1998-2000), realiza estudios de alta especialización (canto en renacimiento y barroco) en la Schola Cantorum Basiliensis, el centro de mayor prestigio mundial en la investigación e interpretación de la música antigua, donde recibe clases de Richard Levitt (1998-2000) y finaliza sus estudios de diplomatura con Andreas Scholl (2000-2003). Asiste a su vez a cursos con René Jacobs, Montserrat Figueras, Anthony Rooley, Dominique Vellard y Nicolau de Figueiredo.

Considerado intérprete de gran expresión y belleza en la voz, pronto es requerido por directores de la talla de Jordi Savall o Dominique Vellard, Eduardo López Banzo, Carles Magraner y Fabio Bonizzoni. Ha actuado también bajo la dirección de Joshua Rifkin, Ives Corboz, y colaborado con La Capella Reial de Catalunya, Hesperion XXI, Al Ayre Español, Los Músicos de su Alteza, Ensemble Gilles Blinchois, Orquesta Barroca de Sevilla, La Risonanza, Capriccio Basel Barockorchester, La Colombina, La Capella de Ministrers, entre otros, cantando en las salas y festivales más importantes: Festival de Peralada, Styriarte (Graz), Festival de Innsbruck (Austria), Palau de la Música de Barcelona, Festival de Utrecht, Festival de Música Antigua de Antwerpen, Los Siglos de Oro de Caja Madrid, etc. En junio de 2006 hizo su debut en el Teatro Real de Madrid, con la ópera Dulcinea, de Mauricio Sotelo.

Entre su discografía como solista destacan el disco El Parnasso (Arcana 316), Motetti di Willaert (Stradivarius) y Misteri d’Elx. En grabaciones, formando parte de ensembles, caben destacar Carlos V Emperador y Villancicos coloniales (ambos en Alia Vox, Jordi Savall), Júpiter y Semele (Eduardo López Banzo, para Harmonia Mundi Ibérica, Al Ayre Español, Premio Nacional de Música) y Música de Zeballos (Dominique Vellard).

Es profesor de canto en los cursos de la Muestra de Música Antigua de Aracena y Curs de Musica Antiga de Guadassuar y ha sido invitado en los cursos de verano de la Universidad de Salamanca.

JOSEP BENETJosep Benet fue soprano solista en la famosa Escolanía de Montserrat. Prosiguió sus estudios de teoría musical, piano y violín en el Conser-vatorio Superior de Barcelona y estudios de canto con Jordi Albareda y Francisco Lázaro. Realizó los cursos de virtuosismo en la Hochschule für Musik de Múnich, donde fue becado por la Fundación von Humboldt. Es titulado superior de canto por el Conservatorio del Liceo de Barcelona.

Integrante o colaborador de grupos como Dulcis Harmonia, Ars Musicae, Clemencic Consort, Hespérion XX, Sequentia, Organum, Gilles Binchois, La Colombina, Concerto Italiano, La Chapelle Royale, Les Arts Florissants, Al Ayre Español, etc., o de orquestas como la Ciutat de Barcelona, de Cambra del Teatre Lliure, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Valladolid, Simfònica de les Balears, Simfònica del Vallès, Solistas de Moscú, de Cambra de Cadaqués, Pablo Sarasate de Pamplona, etc.

Su repertorio está integrado por música comprendida entre los inicios de la edad media y varios autores clásicos del siglo XX, tales como Stravinsky, Britten, Gerhard o Berio, y desde recitales con piano a obras de conjunto e intervenciones con orquesta. Ha hecho especial hin-capié en la obra de Bach de quien ha interpretado La Pasión según San Juan en la doble labor de tenor solista y dirección.

Su actividad concertística se ha desarrollado en el marco de prestigiosos festivales de toda Europa y en partes concretas de América e Israel. Ha realizado grabaciones para conocidas discográficas europeas y también para la radio y la televisión, tanto en el Estado Español como en el extranjero.

JOSEP CABRÉJosep Cabré fue alumno de Christopher Schmidt y Kurt Widmer en Basilea y de Jordi Albareda en Barcelona, ciudad donde nació, así como de Lise Arseguet, en París.

Ha sido solista invitado por numerosos conjuntos (Il Seminario Musicale, La Capella Reial de Catalunya o Hesperion XX, Il Teatro Lírico, The Harp Consort, La Fontegara de México, The Orchestra of the Renaissance, La Chapelle Royale, Ensemble Janequin, Ensemble Organum, Huelgas Ensemble...), y sigue siendo colaborador asiduo de alguno de ellos (Daedalus de Ginebra, Private Musicke de Viena, Ensemble Gilles Binchois, Ensemble Sequentia...) para la interpretación de repertorios entre la edad media y el barroco. Es también colaborador del compo-sitor y guitarrista Feliu Gasull y del organista Jean-Charles Ablitzer.



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Miembro fundador del cuarteto vocal La Colombina, grupo con el que desarrolla buena parte de su actividad actual, tanto en concierto como en grabación discográfica, ha sido asimismo director musical de la Capilla Peñaflorida en San Sebastián (País Vasco), con la que ha mante-nido una actividad creciente de interpretación y grabación de los repertorios hispánicos de los siglos XVI al XVIII.

Ha sido invitado en distintas ocasiones a impartir cursos especializados en repertorios barrocos por la Escuela Nacional de Música de la U.N.A.M. México; ha sido también director invitado del Coro de la Universidad de Xalapa (Veracruz), Solistas Ensamble de México; y ha par-ticipado también como docente en distintos seminarios de música antigua en Argentina, París, Festival Internacional de Sarreburgo y Festival de Flandes, entre otros.

También es fundador de la Compañía Musical, con la que realiza conciertos y grabaciones de distintos repertorios de los siglos barrocos, del canto llano barroco alternado con órgano al montaje de oratorios y otras obras vocales e instrumentales del barroco. Además es docente en Musikene, Centro Superior de Música del País Vasco.

Esta actividad es complementada con una presencia habitual en distintas emisoras radiofónicas (France Musique, BRT de Bruselas, Catalun-ya Ràdio, Radio Nacional de España, Radio Suisse Romande...) y con la grabación de numerosos discos para las principales firmas (K617, NBMusika, Accent, Harmonia Mundi, Sinphonia, Tactus, Almaviva, Virgin...), buen número de los cuales ha recibido premios de la crítica especializada:

— Feria V. In Caena Domini - Extractos de la liturgia del Jueves Santo en las Españas. Canto llano y polifonía, falso-bordón y contrapunto en los oficios del Jueves Santo en estas Españas nombradas en plural desde Ávila hasta Valencia y desde Lisboa hasta México. Victoria, Morales, Cardoso, Lienas, Brito…

— Feria VI. In Passione Domini (Tomás Luis de Victoria, Juan Pablo Pujol) - La liturgia del Viernes Santo. Los momentos culminantes del Offi-cium Hebdomadae Sanctae, de Victoria, con los responsorios del Viernes Santo. La reconstrucción de la Pasión según San Juan con todo el argumento bíblico organizado casi teatralmente a partir del canto llano y la polifonía de las “turbas”...

— La Canción y el Madrigal - La Europa latina en el Renacimiento (Francia, Italia y España) a través de las obras más conocidas en su tiempo. El paso de la canción al madrigal. Obras de Janequin, Sermisy, Marenzio, Vecchi, Encina, Fletxa...

— In natali Domini: Navidad en España y América - La celebración litúrgica, claro, pero también las canciones, villancicos o ensaladas canta-dos en las iglesias de España y América en los grandes festejos, con no poca preocupación de las autoridades por algunos “desbordamientos profanos” dentro de las iglesias... Obras de Victoria, Gaspar Fernández, Morales, Cárceres, Guerrero...

— La Justa: Madrigales y ensaladas de Cataluña en el siglo XVI - Los primeros madrigales, así denominados en la Península Ibérica, y las célebres “ensaladas”, revoltillo donde se mezclan lenguas, canciones religiosas y profanas, ritmos y onomatopeyas. Los textos poéticos más refinados, con Ausiàs Marc, y los más populares. Obras de Fletxa, Brudieu, Vila...

— Canciones, romances, sonetos de J. de la Encina a L. de Vega - El final del siglo XV y el XVI en España. Del villancico al romance. La canción poética andaluza y las villanescas espirituales. Textos del propio Encina y también de Lope de Vega, Góngora, Vivanco... Obras de Encina, Guerrero, Vásquez.

— Reyna Soberana - La tradición mariana en las Españas del siglo XVI. Autores cuyos nombres encontramos a menudo en nuestros progra-mas: Victoria, Morales, Guerrero, Vila, Cárceres... La emoción musical en honor de María. Obras para la iglesia, naturalmente, pero también el madrigal piadoso, la villanesca espiritual o la ensalada.

— Tomas Luis de Victoria: Ave Regina caelorum. Misa de la Asunción de la B.V.M. - Una misa completa a doble coro de Victoria entremezcla-da de motetes del mismo compositor, del canto llano del proprium de la misa, así como de obras instrumentales, según práctica documen-tada en esta época. (Cuatro cantantes y cinco instrumentistas).

— Tomas Luis de Victoria: Officium hebdomadae sanctae, Roma 1585 - Raramente ofrecida en concierto, he aquí la versión íntegra de una de las obras mayores del maestro abulense dedicada a la liturgia de los días centrales de la tradición cristiana, el triduo sacro, la Semana Santa. Lamentaciones, salmos y responsorios se encadenan entre polifonía y canto llano para contar la historia de estos días de Pasión. Este programa se ofrece en distintos formatos: Versión íntegra, con ocho cantantes y grupo de canto llano (5 cantantes) en tres conciertos distintos (jueves, viernes y sábado santo) y versión reducida, con cuatro cantantes en un solo concierto, selección de los tres días.

— Luces y sombras en el Siglo de Oro español - Música de una Capilla Musical entre el Renacimiento y el Barroco. Obras de Juan García de Salazar, Francisco Valls, Francisco Correa de Arauxo, Tomás Luis de Victoria, Francisco Guerau, Bartolomé de Selma y Salaverde, Josep Gaz, autores anóminos, alternadas con canto llano. Cuatro cantantes y tres instrumentistas.

— Francisco Guerrero: Motetes, canciones y villanescas - Francisco Guerrero, compositor, una vez más, más conocido que “escuchado”. Una selección de obras en latín y en castellano, para cuatro voces, sacadas de sus principales ediciones tanto litúrgicas como de sus célebres Canciones y villanescas espirituales.

— Jeudi Saint dans les Espagnes - (M.C. Khier, C. Cavina, J. Benet, J. Cabré). ACCENT - ACC 9394 D. Diapason D’Or - Le Monde de la Musique

— La Justa, Madrigals and Ensaladas from 16th century Catalonia - (M.C. Khier, C. Cavina, J. Benet, J. Cabré). ACCENT - ACC 94103 D. Diapason d’Or-Le Monde de la Musique -CD du mois à CD Classica (Italie)-Editor’s Choice et Favourite recordings of 95 de Gramophone (Grande Bretagne)-Grand Prix au Palmarès des Palmarès de la Nouvelle Académie du Disque 1995/96.

— Canciones, Romances, Sonetos... from Juan del Encina to Lope de Vega - (M.C. Khier, C. Cavina, J. Benet, J. Cabré). ACCENT - ACC 95112 D. Le Monde de la Musique-Disco Recomendado CD Compact.



Arte Sacro 2014

— In Natali Domini: Christmas in Spain and the Americas in the 16th Century - (M.C. Khier, C. Cavina, J. Benet, J. Cabré). ACCENT ACC 96114 D-Disco recomendado CD Compact.

— Tomás Luis de Victoria - Joan Pau Pujol/Feria VI in Passione Domini - (M.C. Khier, C. Cavina, J. Benet, J. Cabré). ACCENT ACC97124 D. 5 Diapasons, Diapason - Disco recomendado CD Compact - 9 Répertoire - CHOC de la Musique, Le Monde de la Musique.

— Cancionero de la Sablonara: Music in the Spain of Philip IV - ACCENT ACC99137D. 5 Diapasons, Diapason – CHOC de la Musique, Le Monde de la Musique-Disco Recomendado CD Compact – Editors Choice Gramophone Early Music.

— Officium hebdomadae sanctae (Roma 1585) - Tomás Luis de Victoria (R. Andueza, J. Hernández, J. Benet, J. Cabré; M. Match, Audrey Burgener, José Pizarro, Daniele Carnovitch; Schola Antiqua, Juan Carlos Asensio)GLOSSA GCD 922002. 5 Diapasons, Diapason - Le Monde de la Musique-Disco excepcional, Scherzo – Disco Recomendado CD Compact.

— Motetes, Canciones y Villanescas - Francisco Guerrero (R. Andueza, J. Hernández Pastor, J. Benet, J. Cabré) K617. Diapason d´Or.

— Ad Vesperas/Le manuscrit inédit de Rome - Tomás Luis de Victori (R. Andueza, J. Hernández Pastor, J. Benet, J. Cabré), K617209.



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CORO NUR / CUARTETO DIAPENTE

INTÉRPRETESCECILIA LAVILLA, soprano. ISIDRO ANAYA, barítono. AURA GARRIDO, narradora. JOSÉ IGNACIO GAVILANES, órgano.CORO NUR. CUARTETO DIAPENTE: Raúl Galindo, violín I, Unai Gutiérrez, violín II, Pedro Michel Torres, viola, Jacobo Villalba, violoncello. JOSÉ MANUEL LÓPEZ BLANCO, director.


PROGRAMA

I.

Alejandro Yagüe(1947)

La fuente

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

3 Cantos sacros (Cancionero de Schemelli)

Arioso, de la Cantata So du willst, Herr, Sünde zurechnen..., BWV 131

Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)

Salve Regina

Carlos Galán(1963)

Resurgere*

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Parroquia de Nuestra Señora de los Ángeles.14 de marzo. 21:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

CANTATA PARA UN ANIVERSARIO

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José de Nebra(1702-1768)

Tibi soli peccavi, aria del Miserere

Jesús de Monasterio(1836-1903)

Andante religioso

Carlos Galán(1963)

Infinito viaje, Op. 91- Homenaje a Claudio Prieto *

II.

Claudio Prieto(1934)

Cantata para un aniversario

* Estreno absoluto

NOTAS AL PROGRAMAUn homenaje cálido nos congrega en esta ocasión en torno a la figura de Claudio Prieto. Un homenaje en el que está, además, felizmente arropado por grandes nombres de la composición. Y como un homenaje nació la Cantata para un Aniversario, el homenaje que quisieron rendir sus hijos al matrimonio formado por Santiago Corral y Pilar López-Dóriga al cumplirse los cincuenta años de su matrimonio. Arropados también en la calidez familiar, a Claudio le llegó el encargo a través de Víctor Burell, una idea que le pareció “nueva, muy bonita e inusual por estos lugares” y que tuvo unas “significaciones de estímulo y alegría”. Claudio recibió los textos seleccionados por la propia familia del Géne-sis, Eclesiástico y Salmos e inmediatamente comenzó el proceso creativo, utilizando una plantilla de soprano, barítono, narrador, doble cuer-da vocal, cuarteto de cuerda y órgano. Como el propio autor escribía con motivo de su estreno en la Basílica Pontificia de San Miguel, “con esta base empezó a fraguarse lo que hoy es “Cantata para un Aniversario”, un comienzo repleto de ilusiones, de cariño y de preocupaciones. En este sentido, confieso mi incapacidad para separar estos tres conceptos, es más, he llegado a tal compenetración con esa mezcla de feli-cidad creativa y sentido autocrítico, que ya han pasado a ser habituales en mi mesa de trabajo. Ahora bien, creo que esta vez la preocupación ha sido mayor; no sabría explicar los motivos pero sí afirmar que ha existido. El material sonoro que motiva cada una de las cuatro partes en que está dividida la obra, surge en función a las impresiones personales derivadas del contenido de los textos. Me he esforzado en plasmar un mensaje transparente, emotivo, sin olvidar la elocuencia y la intimidad. Si tuviese que situar este trabajo dentro del total de mi producción, aseguraría que pertenece por entero a mis inquietudes últimas, orientadas hacia un entendimiento - el mayor posible- entre la propuesta y la persona o personas que la reciben. Por último deseo manifestar que esta pieza que acaba de nacer “Cantata para un Aniversario”, ha tenido para el autor de estas líneas significaciones de estímulo y alegría, y espero ilusionado que tenga alguna semejanza con el gesto maravilloso que la inspiró”. Un regalo para unas bodas de oro que hoy vuelven a su autor bajo el envoltorio de un obsequio en el marco del Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid.

LAURA PRIETO

Resurgere, Op. 74, para coro mixto, está dedicada a Francisco Moreno, director de la Escolanía con la que di mis primeros pasos en la música y, posiblemente, gran responsable de la pasión y entrega con la que vivo el lenguaje sonoro. Como es recurrente en mi catálogo cuando hago uso de la palabra, el texto hace referencia a un compromiso humano, en este caso con un claro sentido de esperanza, resurgimiento. Para ello me sirvo de las diversas conjugaciones latinas del verbo (resurgir, resurgiré, resurgiendo…). La obra, sustentada en una nota grave de los bajos va construyendo diversas edificaciones sonoras diferentes a modo de estudio de interválicas, mientras progresivamente la textura va adquiriendo mayor protagonismo.

El título Infinito viaje, Op. 91 (Música matérica XL), es una forma de homenajear a su dedicatario, Claudio Prieto. El autor palentino sufrió una grave enfermedad cuando estaba a punto de firmar su última obra (Viaje al infinito) dedicada al grupo Cosmos 21, que dirijo, por su XXV Aniversario. Decidí homenajearle con una obra para soprano, cuarteto de cuerda y coro. Primera obra en la que usando textos me planteo no alejarme de mi estética matérica más radical. Por lo tanto, intento evidenciar la energía que atesora el sonido per se (en este caso funda-mentado en fonemas y sílabas de los breves textos de W. Blake y Carrera Andrade), pero con una ordenación interna por conjuntos arbóreos (aunque esto sólo sea un pretexto estructural que no se ponga en evidencia). Viaje infinito, ya que se propone el desarrollo de un sonido inicial (do= C de Claudio, en nomenclatura sajona) hasta alcanzar una microforma de anillo, que acabará volviendo a su punto de partida. Mientras, una soprano solista recorre el espacio con las sílabas “filadas” de Infinito Viaje.

CARLOS GALÁN

CECILIA LAVILLA BERGANZANace en Madrid. Cursa estudios de Danza y Arte Dramático en Francia y EEUU y Arquitectura de Interiores en España. Recibe clases de canto de Isabel Penagos. Se dedica ampliamente a la música de cámara que prepara junto a Félix Lavilla, Juan A. Álvarez Parejo y actualmente jun-to a Miguel Ituarte y sus programas de lied con Manuel Cid. Desde entonces trabaja minuciosamente todo su repertorio con Teresa Berganza.

Con todo este repertorio ha actuado en los principales teatros y auditorios, tanto en España como en el extranjero. Formó, junto a Tu Shi



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Chiao, un dúo vocal con guitarra romántica; colabora asiduamente con el Cuarteto Diapente y ha cantado acompañada a la guitarra por C. Camisassa o G. Arriaga. Investiga e interpreta un repertorio amplio poco frecuente.

Participa asiduamente en producciones de ópera de diferentes teatros españoles, y colabora con orquestas interpretando especialmente oratorios. Entre sus grabaciones destacan obras de Víctor Carbajo, el Stabat Mater, de Pergolesi, El maestro de baile y otras tonadillas y, recientemente, la obra completa para voz y piano de Félix Lavilla.

ISIDRO ANAYAInicia su actividad musical como pianista para dedicarse posteriormente al repertorio lírico, tras finalizar los estudios superiores de canto, bajo la dirección de Ana Luisa Chova quien influye decisivamente en su carrera.

Ha cantado en las salas y teatros más importantes de nuestro país abarcando los roles principales tanto de ópera de repertorio y contemporá-nea como de oratorio y música contemporánea en festivales de gran prestigio, como el Ludwigsburger Schossfestpiele de Sttutgart, Festival d’Art Sacré de París, Festival de Arte Sacro y Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Teatro de Almagro, Veranos de la Villa de Madrid y Festival Internacional de Música de Toledo, Festival Internacional de Música Canarias, Festival de música de España en Rusia, Festival de Granada, Internacional de Santander, Quincena musical de San Sebastián, Festival de Úbeda, entre otros.

Aborda el repertorio contemporáneo con asiduidad.

Ha actuado bajo la dirección de Adrian Leaper, Tomás Garrido, George Phelivanian, Christian Badea, Enrique García Asensio, Jose Luis Temes, Miguel Ángel Gómez Martínez, Jesús López Cobos, Ralft Weikert, Donato Renzetti, Dimtri Loos, Kamal Khan, Oscar Gersensohn, Ibrahim Yazici, José Fabra, José de Eusebio, Vicente Egea, Cristóbal Soler, Gunnar Harms, entre otros y junto a orquestas como la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, Orquesta Nacional de España, Orquesta de la Comunidad Valenciana, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta de Tenerife y de La Coruña, OCB, Orquesta de Málaga, etc.

JOSÉ IGNACIO GAVILANESRealizó sus estudios superiores de órgano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, obteniendo el título de Profesor Superior de Órgano con las más altas calificaciones.

A partir de 1987, asiste a cursos internacionales de órgano, dirección orquestal, clave y bajo continuo tanto en España como en el extran-jero, con destacados intérpretes y directores, como Montserrat Torrent (Girona y Santiago), Helmuth Rilling y Daniel Chorzempa (Stuttgart), Andreas Staier (Seu d’Urgell), Jesper Christensen y Eduardo López Banzo (Salamanca).

Ha dado conciertos en diversas ciudades españolas y extranjeras, actuando como solista y colaborando, entre otras agrupaciones con la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de la RTVE y la Orquesta Sinfónica de Madrid, con la que ha intervenido en las óperas Die tote Stadt, de Korngold, Il prigioniero, de Dallapiccola y Suor Angelica, de Puccini, en el Teatro Real de Madrid, dirigidas por Pinchas Stein-berg e Ingo Metzmacher, respectivamente. Ha tocado bajo la dirección de Mathias Banner, Walter Weller, Cristóbal Halffter y Jesús López Cobos, con el que ha hecho el War Requiem, de Britten, junto a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

En los últimos años, centra su actividad en la música de cámara, en la que compagina tanto el órgano como el clave. Es miembro fundador del grupo de música barroca Telemann Ensemble, con el que viene actuando regularmente desde el año 2000, y colabora con grupos como la Capilla Jerónimo de Carrión, de Segovia, con la que ha grabado varios CD, para el sello Verso, con música barroca de la catedral segoviana.

CORO NUR El Coro Nur es un coro especializado en música de los s. XX y XXI compuesto por 28 voces mixtas con experiencia coral. Comenzamos a trabajar en 2007 por iniciativa de José Manuel López Blanco, nuestro director.

Uno de los objetivos que nos hemos propuesto es el de difundir y disfrutar de la música creativa y heterogénea de nuestro tiempo, incluida la de vanguardia. También solemos colaborar con compositores actuales españoles y extranjeros en el estreno y divulgación de sus obras. Entre otros destacados autores cuyas obras hemos tenido ocasión de estrenar –en varias ocasiones por encargo de la Comunidad de Madrid-- se encuentran Víctor Rebullida, José Luis Muñoz, Natalia Pobedina, Juan Manuel Conejo, José Antonio Galindo, Pedro Vilarroig, Cruz López de Rego, Eduardo Costa, Adolfo Núñez, Manuel Angulo o Francisco Otero.

CUARTETO DIAPENTE El Cuarteto Diapente se forma en Madrid y realiza su concierto de presentación en 2006. Desde entonces ha participado en diferentes reci-tales de música de cámara entre los que destacan actuaciones en el Auditorio Joaquín Rodrigo, Teatro Lara, Universidades Complutense y Politécnica de Madrid, Iglesia de San Jerónimo el Real y Museo de América en Madrid, así como la participación en el Festival Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid, el Festival Mujeres en la Música de Getxo y el Ciclo ACIMUS 2008. En 2008 realizan su debut en el ex-tranjero, con un recital en la Chapelle Notre-Dame de la Compassion, en París, interpretando obras de Boccherini, Beethoven, Tschaikovsky y Barber. El Cuarteto Diapente ha colaborado con la soprano Cecilia Lavilla, el pianista Juan Antonio Álvarez Parejo, el acordeonista Jesús



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Mozo y el guitarrista Gonzalo Noqué.

El Cuarteto está integrado por Raul Galindo y Unai Gutiérrez, violines, Pedro Michel Torres, viola y Jacobo Villalba, violoncello, formados en conservatorios de Madrid, La Habana, Stuttgart y Budapest. Como cuarteto han recibido consejos de la violinista Lara Lev y del pianista Fe-renc Rados. Participan como solistas instrumentales con Ópera de Cámara de Madrid, destacando sus actuaciones en el Auditorio Nacional en Madrid, Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, Auditorio de Murcia.

Los miembros del cuarteto desarrollan también una labor pedagógica en conservatorios de Madrid y Segovia. Jacobo Villalba toca un vio-loncello Vincenzo Sannino (Nápoles, 1911), cedido por Alberto Martínez O’Connor, y Raul Galindo toca con un arco E. Sartory, gentileza de Luis Fariza.

El Cuarteto Diapente ha estrenado obras de los compositores Agustín Bertomeu, Marvin Camacho, Agustín González Acilu, Enrique Muñoz, Jorge Taramasco y Mercedes Zavala. El Cuarteto Diapente ha publicado un CD con música de compositoras españolas del siglo XX y recien-temente un CD, de música de cámara con guitarra, del compositor austriaco Ferdinand Rebay (1880-1953), para el sello Brilliant.

JOSÉ MANUEL LÓPEZ BLANCORealizó sus estudios musicales en Madrid y los ha completado con numerosos cursos de dirección coral con prominentes directores como Lluis Vila, Josep Vila, Enrique Azurza, Jordi Casas, Mireia Barrera, Manuel Dimbwadyo, Josep Prats, Alain Langree (Francia), Nestor Andrea-nacci (Argentina), Alberto Grau (Venezuela), Carlo Pavese (Italia), Electo Silva (Cuba), Gary Graden (USA), Martin Smidth (Alemania), María Felicia Pérez (Cuba) y Johan Duijck (Bélgica). Estudió canto y técnica vocal con Victoria Marchante.

Su actividad profesional se reparte entre la pedagogía musical, la dirección coral y la composición. Ha sido integrante de varios grupos de rock y jazz. Es profesor de guitarra y solfeo y ha impartido clases en colegios y centros culturales de Madrid. Ha sido invitado en varias oca-siones por diversos coros madrileños para realizar talleres de música coral. Ha impartido clases de dirección coral a directores actualmente en activo.

Ha sido subdirector del coro Nuestra Señora de la Almudena, y director del coro infantil Nájera, el coro Fernando de los Ríos, el coro del Hospital Ramón y Cajal y la Agrupación Coral García Lorca, todos ellos de Madrid. Con este último ha obtenido el primer premio del 2º Cer-tamen Nacional de Masas Corales, celebrado en Cuéllar (Segovia) en diciembre de 1991. Ha obtenido asimismo la medalla de plata en los Certámenes de Participación Ciudadana de 1992, organizados por el Ayuntamiento de Madrid. Para el coro García Lorca compuso la Misa para Coro y Grupo estrenada en la Casa de la Cultura García Lorca junto con el grupo de rock Elva.

Ha participado en la grabación del disco Cristo va con nosotros, del Coro Once y Media de la parroquia de San Hermenegildo de Madrid, para el cual compuso varias canciones, entre ellas, la que da título al disco. Esta canción fue presentada al Primer Festival de la Canción Testimonio de Castilla León, celebrado en Valladolid, obteniendo el Primer Premio.

Desde 1990 hasta 1999 dirigió el coro Cristóbal de Morales para el que ha compuesto y arreglado diversas obras de su repertorio. Con este coro ha grabado el CD 5 Siglos de Música Coral. El coro Cristóbal de Morales obtuvo el Tercer Premio del Concurso Internacional de Coros de Andorra, celebrado en 1997.

Desde su formación, en 1997, hasta mayo de 2001 dirigió el coro de cámara Arcadia para el que ha realizado diversos arreglos de música de jazz y pop, estilos a los que este coro presta especial atención.

Desde 1998 hasta 2006 dirigió el Coro Magerit, de Madrid, especializado en música contemporánea, con el que ha obtenido los siguien-tes premios: Segundo Premio en el XV Certamen de Griñón, en mayo de 2006; Segundo Premio en el IV Concurso Nacional Antonio José (Burgos), en octubre de 2005; Primer Premio en el I Certamen de Villancicos de los Centros de Enseñanza Alkor y Villalkor de Alcorcón, en diciembre de 2004; Tercer Premio en el Concurso Coral de Ejea de los Caballeros, en abril de 2003; Segundo Premio en el Concurso Coral de El Molar, en mayo de 2001; Primer Premio en el Certamen Coral de la Semana Cervantina de Alcalá de Henares, en septiembre de 2000; Segundo Premio en el Certamen Coral Jesús Vicente Aguirre, en junio de 2000, organizado por el Ayuntamiento de Parla; Tercer Premio en el Concurso de Villancicos Villa de Rojales, en diciembre de 1998; Premio a la mejor canción castellana en el Concurso Coral de Griñón, en mayo de 1999; Accésit especial en el Concurso de Villancicos de la ONCE, en diciembre de 1999.

Con el Coro Magerit ha actuado en el Auditorio Nacional de Música y en el Auditorio de Zaragoza, donde interpretó el Requiem, de M. Duruflé, junto con el Coro de la Universidad Autónoma de Madrid y el Coro de la Universidad de Angers. En julio de 1999 participó, con gran éxito de público y crítica, en el VI Festival de Canto Coral del Pays D’Orthe, en Francia. En marzo de 2002 editó dos discos compactos: uno de música profana y otro de música religiosa, homenaje a la música del siglo XX. En 2003 realizó la grabación del CD Cantoral Religioso Amigoniano, encargado por la congregación de los RR. Terciarios Capuchinos. En 2004 graba el disco Magerit canta 4, del madrigal contemporáneo al rock. Otra actividad importante de este coro bajo su dirección ha sido el estreno absoluto de numerosas composiciones, tales como Limonar, de Corrado Margutti, Ave María, de Javier Ibáñez, Apropiación, de Ángel Faraldo, Este canto, de José Luis Muñoz, Magnificat, de Constancio Hernáez o Guerra y Dejadnos hablar, del propio José Manuel López Blanco. También en los cuatro discos aparecen algunas de las obras estrenadas por el coro y otras que nunca antes habían sido grabadas.

En 1998 se hace cargo de la dirección del coro Trovada, con el que ha ganado el primer premio en el Certamen de Corales Villa Rosa, en 2003 y nuevamente en mayo de 2009. Con este coro ha grabado los discos Collage de música coral y Villancicos de siempre.

Desde 2001 hasta 2011 dirigió el coro Microcosmos, de la Universidad Complutense de Madrid. Bajo su dirección, este coro ha sido premiado por su participación en el VII, X y XI Certamen de Villancicos Joaquín Vilumbrales (Alcorcón) con el Tercero y Segundos Premios respectiva-mente (diciembre 2001, 2004, 2005) y con el Tercer y Segundo Premio en el II y III Concurso Nacional para Coros Mixtos Villalkor (abril 2006 y marzo de 2007). En marzo de 2008 ganó el Segundo premio en el III Certamen Nacional de Polifonía Ciudad de Motril y, en 2010, el Segundo Premio en el I Certamen internacional de Corales Ciudad de Oliva. Con el coro Microcosmos ha grabado el disco La música española a través



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de la historia y ha realizado repertorio sinfónico-coral como el Réquiem, de Mozart, con la orquesta de Alumnos del Conservatorio de Rodolfo Halffter de Móstoles en la Universidad Complutense de Madrid, en mayo de 2007, y la Missa Brevis San Juan de Dios, de Hayd, en 2009.

Desde su fundación en 2003 dirige el Coro Vallekanta, agrupación que colabora con el prestigioso cantante y compositor de rock Miguel Oñate, para el que ha realizado los arreglos corales. El coro Vallekanta obtuvo el segundo premio en el Certamen de Corales Villa Rosa, en 2010. En septiembre de 2006 asume la dirección del coro Semicírculo, con el que ha actuado en sitios tan diversos como Cuzco (Perú) o el Auditorio Nacional, en Madrid.

En noviembre de 2007 funda el Coro Nur con el objetivo de difundir la música coral contemporánea. Este coro estrena obras de autores como Adolfo Núñez, Cruz López de Rego, Víctor Rebullida, Constancio Hernáez o Pedro Vilarroig, y participa en prestigiosos ciclos musicales como XI Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid, COMA 2009, el XXVII Festival Coral de Música Religiosa de Segorbe, o el Festival Clásicos en Verano, de la Comunidad de Madrid, en 2010.

En octubre de 2010 se hace cargo de la dirección del Coro del Alba Gregoriana, del Hospital Gregorio Marañón de Madrid.



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SCHOLA CANTORUM DE ALCALÁ DE HENARES *NURIA MATAMALA PICHOTO

INTÉRPRETESSCHOLA CANTORUM DE ALCALÁ DE HENARES. NURIA MATAMALA, directora.


PROGRAMA

Alfonso X, el Sabio (siglo XIII)

Santa Maria, strela do dia (Cantiga 100)


Regina caeli

Anton Bruckner(1824-1896)

Ave Maria

Edvard Hagerup Grieg(1843-1907)

Ave Maris stella

Sergéi Rachmaninov(1873-1943)

Bogoroditse devo

Teatros, fechas yhorariosTorremocha de Jarama.Iglesia de San Pedro Apóstol.15 de marzo. 19:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

* AñO DEL CUARENTA ANIVERSARIO

MÚSICA

¡GAUDE MARIA!, SIGLOS DE MÚSICA Y ALABANZA

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Lajos Bardos(1899-1986)

Domina mundi


Ave María

Franz Biebl(1906-2001)

Ave María

Henryk Górecki(1933)

Totus tuus

Javier Busto (1949)

Virgo Dei genitrix

César Alejandro Carrillo(1957)

Salve Regina

NOTAS AL PROGRAMAEl programa es un homenaje a la Virgen María, recorriendo el panorama de la música coral desde el siglo XIII hasta nuestros días. El reco-rrido se inicia con la Cantiga 100, que pertenece a las cantigas de Santa María recopiladas, y algunas de ellas compuestas, por Alfonso X. Fechada entre 1260-1284 contrasta con el carácter profano de otras cantigas medievales. Está escrita en galaico-portugués, y tiene textura de melodía acompañada.

Tomás Luis de Victoria está considerado el mejor representante del Renacimiento Español. La obra Regina caeli, escrita para ocho voces, es propia del estilo espiritual y directo que caracteriza al autor, que se convertirá en el paradigma de la música religiosa católica del barroco.

El Ave Maria de Antón Bruckner es una de las muchas composiciones de temática religiosa del autor. La obra de Bruckner está imbuida de una intensa religiosidad que busca la perfección formal al tiempo que quiere ser un himno de alabanza a María, en la que creía ferviente-mente.

Edward Hagerup Grieg está considerado como el compositor escandinavo más importante de su época y el que promovió la música naciona-lista noruega. En su Ave Maria puede apreciarse como Grieg maneja a la perfección la masa coral, dando lugar a una obra intimista y delicada.

Sigue la extraordinaria composición Bogoroditse Dievo, de Sergei Rachmaninov, cuyo texto en ruso es una variación del Ave María. Una joya del canto coral por su delicadeza y expresividad.

La obra del húngaro Lajos Bardos, Domina Mundi, comienza con el unísono de bajos y contraltos, a los que, progresivamente, se irán incor-porando el resto de voces hasta que, todos juntos, proclaman la grandeza de María.

La oración más cercana y habitual de todas, el Ave María, será interpretada a través de las composiciones de Joaquín Rodrigo, obra dulce y breve, compuesta en 1954, llena de sutilezas armónicas, y de Franz Biebl, versión a siete voces, compuesta en alternancia con el canto gregoriano.

El himno Totus tuus, de Henryk Gorecki, aborda uno de los temas recurrentes de la teología del Papa, Juan Pablo II, el de la necesidad de desarrollar una renuncia absoluta a la voluntad de Dios, por lo que se le identifica como un himno destinado al Pontífice, aunque de hecho se trate de un himno dedicado a la Virgen María en el que se la reconoce en sus advocaciones de Madre del Salvador y Madre del Redentor.

Sigue la obra Virgo Dei genitrix, del destacado compositor vasco Javier Busto, compuesta para voces blancas, en la que se advierte la in-fluencia de la nueva consonancia, acordes contemplativos, enlaces suaves y perfección en la escritura vocal.

Cierra el concierto Salve Regina, oración de saludo, petición y súplica, del compositor venezolano César Alejandro Carrillo, compuesta con gran dulzura y emotividad.

SCHOLA CANTORUM DE ALCALÁ DE HENARESFundada en 1974, es poseedora de un amplio repertorio de obras corales pertenecientes a todas las épocas y estilos. Su actividad coral se ha extendido a numerosas poblaciones y capitales españolas, y, en la Comunidad Europea, ha actuado en ciudades tales como Andorra, Burdeos, Talence, Mauleón, Nay, Roma, Spilimbergo, Venecia, Gémona, Anduins, Cornegliano, Loreto, etc. Son actuaciones programadas e ineludibles los conciertos de Semana Santa, Primavera y Navidad, la participación en la festividad anual de la Virgen del Val, patrona de Alcalá de Henares, y la organización del Encuentro Coral Cervantino Ciudad de Alcalá de Henares, que tiene lugar en el mes de octubre en el marco de la Semana Cervantina. Durante veintisiete años consecutivos ha participado en la ceremonia de entrega del Premio Cervantes, presidida por SS.MM. los Reyes. En 1999 celebra el 25º Aniversario de su fundación, siendo distinguida por S.M. la Reina Sofía que tuvo a bien ostentar



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la Presidencia del Comité de Honor, constituido al efecto, y por el Excmo. Ayuntamiento de Alcalá de Henares que le concedió la Medalla de Plata de la Ciudad. Durante muchos años ha formado parte de las representaciones anuales del Don Juan Tenorio en Alcalá de Henares.

En 2010 participa, en la Catedral-Magistral de Alcalá de Henares, en la Misa-celebración del V Centenario de la creación de la Universidad por el Cardenal Cisneros, en el Encuentro Cristóbal de Morales en Madrid, Encuentro de Polifonía Fuente del Oro en Cuenca, además de ofrecer su Concierto Sacro de Semana Santa en Alcalá, Madrid y Torrelaguna. En septiembre forma parte, en unión de Coros de la CAM y la Banda de la Diputación Provincial de Guadalajara, en el magno Concierto XXV Aniversario de la Federación Coral de Madrid, en el Auditorio Nacional. En diciembre participa en un Concierto en Salamanca, dentro del programa de intercambio Ciudades-Patrimonio.

Comienza el 2011 con la participación en la misa por el centenario del nacimiento del torero alcalaíno Luis Gómez “El Estudiante”. Durante los meses de marzo, abril y mayo ofrece, en distintas Iglesias de la CAM, su Concierto Homenaje a Tomás Luis de Victoria en el IV Centenario de su muerte. En el mes de junio hace partícipe a Alcalá de su Concierto de Primavera, con el nombre de Paseo Musical por España, en el Colegio de Málaga de la Universidad Cisneriana. Su Concierto de Navidad, ofrecido en Madrid y Alcalá de Henares, registró un gran éxito por su interpretación del Oratorio de Navidad, de Camille Saint Saëns.

En 2012 destacan sus Conciertos de Semana Santa en Alcalá y Madrid, el extraordinario de Primavera en homenaje a su Directora al cum-plirse veinte años al frente de la Schola, la celebración del XIII Encuentro Coral Cervantino Ciudad de Alcalá de Henares, los Conciertos de Navidad en Madrid y Alcalá de Henares, y el ofrecido en la nueva sede del Ayuntamiento de Madrid.

Comienza 2013 con la interpretación del Requiem, de John Rutter, en conciertos celebrados en Alcalá de Henares, Madrid y Guadalajara. En junio da su habitual Concierto de Primavera en el Patio de Santo Tomás de Villanueva, de la Universidad Cisneriana, y organiza el Encuentro Coral Internacional “Los Amigos”, en el Patio de Cristales del Museo Arqueológico Regional, en el que interviene junto al Coro Caro de Roma (Italia) y el Novi Cantores de Guadalajara.

NURIA MATAMALA PICHOTONatural de Guadalajara, ha realizado sus estudios de piano, armonía, contrapunto y fuga, composición y dirección de coro y orquesta en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Ha participado activamente en cursos nacionales e internacionales sobre pedagogía, sol-feo, piano, canto y dirección de coro y orquesta con maestros de la talla de Enrique García Asensio, Antoni Ros Marbà, Jesús López Cobos, Gennadi Rozhdéstvenski y Helmuth Rilling, entre otros. Desde 1992 dirige la Schola Cantorum de Alcalá de Henares. Es también directora de la Banda de Música de la Diputación Provincial de Guadalajara y del Coro Novi Cantores de la capital alcarreña. Actualmente es profesora de música en el Colegio Calasanz, de Alcalá de Henares.



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SYLVIA TORÁN

INTÉRPRETESYLVIA TORÁN, piano.


PROGRAMA

Ludwig van Beethoven(1770-1827)

Sonata nº 30 en Mi Mayor, Op. 109

- Vivace ma non troppo – Adagio Espressivo – Tempo I- Prestissimo- Andante, molto cantabile ed espressivo

Sonata nº 31 en La bemol Mayor, Op. 110

- Moderato cantabile molto espressivo- Allegro molto- Adagio, ma non troppo

Sonata nº 32 en Do menor, Op. 111

- Maestoso: Allegro con brio ed appassionato- Arietta: Adagio molto, semplice e cantábile

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Teatros del Canal (Sala Verde).18 de marzo. 20:30 horas.Entrada: 5 €.

MÚSICA

EL RESPLANDOR DEL ÚLTIMO BEETHOVEN

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NOTAS AL PROGRAMABeethoven consigue una sorprendente libertad en sus últimas tres sonatas escritas entre 1820 y 1822 al tiempo que trabajaba en la Misa solemne.

La concisión, el encanto y la profundidad en estas sonatas, tan íntimas y geniales, traslucen todavía sus luchas y sueños pero también la conquista tardía de la serenidad y el desapego.

La Sonata nº 30 en Mi mayor, Op. 109, está dedicada a Maximiliana Brentano, por la que Beethoven sentía un sincero cariño, ternura que se refleja en la sonata. El primer tiempo, Allegro vivace, es como una improvisación cuyo primer tema es interrumpido por el segundo, un Adagio recitativo muy poético y expresivo. Contrastando con el primero, el segundo movimiento, Prestissimo, está en Mi menor, con un ritmo muy vehemente. En el tercer tiempo la sonata alcanza su cenit, un Andante y seis espléndidas variaciones: gran originalidad de Beethoven en la conclusión (lo repetirá en el finale del Opus 111). El tema Andante cantabile con intimo sentimento es un canto noble y tranquilo, nacido en la intimidad del alma. La primera variación es como un vals lento; la segunda, leggiermente; la tercera, allegro vivace, es una invención a dos voces llena de energía; la cuarta, piacevole, contrasta con el estilo fugato enérgico de la quinta variación. En la sexta vuelve al tema, lo amplía, lo magnifica y culmina con luminosos efectos sonoros conseguidos con larguísimos trinos y acordes arpegiados. El tema flota sobre ellos con una gran sencillez y serenidad.

La Sonata nº 31 en La bemol Mayor, Op. 110, está compuesta en 1821. Iba a estar dedicada a madame Antonia Brentano, aunque finalmente quedó sin dedicatoria. Surge tras un periodo de enfermedad, de casi dos años, en el que Beethoven sufrió intensamente, física y espiritual-mente.

El primer movimiento, con amabilità, empieza con un primer grupo de temas de gran delicadeza. La serenidad melodiosa y la utilización de los registros extremos expresan el abanico de estados de ánimo del genio de Bonn. Una transición de arpegios que recorren el piano de arriba abajo, enlaza con el segundo grupo temático, con el que llegamos a un desarrollo breve y sencillo, y luego reexpone y termina con gran serenidad.

El segundo movimiento, Allegro molto, está inspirado en dos melodías folclóricas alemanas: “Nuestro gato ha tenido gatitos” y “Somos diso-lutos”. Son temas de sabor muy popular, un poco rústico, y es muy interesante el contraste con el trío en Re bemol Mayor: la mano derecha contrapone las corcheas a los contratiempos de la mano izquierda, que va picando del grave al agudo las notas del acorde de tónica con saltos peligrosos de un registro a otro. Se diría que Beethoven está de buen humor y lo manifiesta en una composición de efectos rítmicos muy modernos. Hay una reexposición y una breve coda, atacada con acordes violentos, que termina con un acorde arpegiado de Fa Mayor sobre tres octavas, el cual prepara el tono de Si bemol menor del siguiente movimiento. Es un final complejo, pero muy organizado, que trabaja una materia de formas antagónicas: recitativo, aria y fuga. Cinco partes encadenadas. Un adagio ma non troppo muy modulante, al estilo del recitativo, un arioso dolente, larga queja inconsolable, sobre acordes palpitantes en La bemol menor y, cortando esta efusión, una fuga a tres voces en La bemol Mayor, allegro ma non troppo, con un tema caracterizado por tres cuartas ascendentes sucesivas, que expresa su optimismo por la curación. Una vuelta al arioso dolente, esta vez en Sol menor, recrudecido de dolor con la indicación perdendo le forze, recae en el arioso dolente II, lo que nos lleva a un sentimiento casi sollozante. Después irrumpen diez acordes en Sol Mayor para preparar una plenitud sublime con la inversión de la fuga, poi a poi di nuovo vivente, que estalla en la magnífica coda en La bemol Mayor.

La Sonata nº 32 en Do menor, Op. 111, lleva implícita la palabra FIN. No se podría añadir nada a esta construcción. Habrá que esperar a Liszt para poder valorarla. Sintetiza la forma sonata por acumulación de contrarios, pues todo se opone entre los dos movimientos, la fuerza dinámica del primero contra la lentitud casi inmóvil del segundo. Do menor al comienzo, con su cortejo de reminiscencias y Do Mayor al final. Por un lado, el estallido con brío, la fiebre apasionada, la tensión; del otro, la sobriedad, semplice, el canto, la estabilidad. El primer movi-miento utiliza por última vez la forma sonata vivificada por el contrapunto para expresar con toda fuerza el inicio del universo, la creación del hombre y su rebelión ante la adversidad. El segundo explora la gran variación. Si el allegro mira hacia los años juveniles, el combate de sus demonios interiores, el adagio se abre hacia aires nuevos, casi irrespirables: el vértigo de las alturas. Nuestra tierra microscópica, alejándose a toda velocidad a medida que la música nos eleva en su desarrollo, sin lugar para la nostalgia.

Esta sonata es la última, la única con dos movimientos, tesis y antítesis, lo mundano y lo ultramundano, resistencia y sumisión, o los princi-pios femenino y masculino que Beethoven exponía con gusto.

El Allegro de la 111 es una forma sonata con elementos de la fuga.

El Adagio molto semplice e cantabile, como una tranquila constancia, es un tema y seis variaciones, de una sencillez e inocencia extraor-dinarias. La ingenua y cotidiana tonalidad nos lleva paradójicamente a lo desconocido. Luego comienza la metamorfosis. Las variaciones encadenadas nacen unas de otras, cada vez más densas y con ritmos más complejos. Páginas extraordinarias en su caligrafía estelar, que nos conducen a la luminosidad, en una experiencia que transforma y ensancha el espíritu.

SYLVIA TORÁN

SYLVIA TORÁNNace en Madrid y comienza sus estudios musicales a los seis años con Avelina López Chicheri y Vicente Sánchez. En 1974 ingresa en el Real Conservatorio Superior de Música de esta ciudad, en la Cátedra de Joaquín Soriano, obteniendo siempre Matrícula de Honor y finalizando sus estudios con Premio Extraordinario Fin de Carrera.

En 1982 es becada por la Comisión Fullbright para estudiar en la Juilliard School of Music de Nueva York, donde obtiene el Master of Music Degree bajo la dirección del pianista Earl Wild. Más tarde amplía sus estudios con Almudena Cano, en Madrid, y Halina Czerny-Stefanska, en Cracovia.



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En 1985 gana el Primer Premio del Concurso Internacional Masterplayers, celebrado en Lugano (Suiza) y, ese mismo año, hace su debut en el Carnegie Recital Hall de Nueva York, obteniendo elogiosas críticas en el New York Times.

En 1991 obtiene la beca de la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma.

En 2012 es galardonada con el Premio de Bellas Artes, modalidad de música, de la Comunidad de Madrid.

Ha actuado en recitales y conciertos con orquesta en México, Santo Domingo, Cuba, Polonia, Suiza, Holanda, Inglaterra (Wigmore Hall, Londres), Francia (Salle Gaveau, París) Italia, Eslovenia, Austria, Macedonia, Ucrania, Brasil, Chile, Canadá y un largo etcétera. En Estados Unidos ha tocado en Nueva York en el Carnegie Hall, en el Alice Tully Hall en Lincoln Center. En Chicago ha actuado en el Grant Park Festival con la Grantpark Symphony Orchestra y, en 1992, obtuvo un rotundo éxito con el Concierto breve, de Xavier Montsalvatge, en su actuación con orquesta en el Chicago Orchestra Hall.

En 1997 emprende una gira de conciertos por Brasil y Chile, patrocinada por la Agencia Española de Cooperación Iberoamericana. También ha realizado giras por Australia y Nueva Zelanda, patrocinada por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España. En 2002 fue invitada a tocar en Washington y en 2003 en Nueva York. En 2006 realizó giras por Francia e Italia.

Ha actuado como solista con diversas orquestas, tales como la Orquesta Nacional de España, Sinfónica de Galicia, Málaga, Valencia, Gra-nada, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Sinfónica de Madrid, Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona, Sinfónica de Alicante, Sinfónica de Elche, Orquesta Sinfónica de Bulgaria, Sinfónica de Massachussets, Virtuosos de Moscú, Orquesta de Lituania, Orquesta Sinfó-nica de Baleares, Philarmonia de Kiev, Orquesta de Cámara de Lubliana, etc. y con directores tales como Cristóbal Halffter, García Navarro, Paul Freeman, Saulius Sondeckis, Josep Pons, Leo Brower, Juan Udaeta, Juanjo Mena, Pedro Halffter, Vicente Egea, Guillermo García Calvo, Víctor Pablo Pérez, Philippe Bender etc.

Ha participado en ciclos tan importantes como Ibermúsica, Temporada de Cámara y Polifonía en el Auditorio Nacional y Teatro Real de Ma-drid, Comunidad de Madrid Festival de Otoño, Conciertos Extraordinarios de Juventudes Musicales y, en 2006, en el primer festival del nuevo auditorio de El Escorial, etc.

En 2007 tuvo un gran éxito en su participación en la integral de los conciertos de Beethoven, organizado por Patrimonio Nacional en el Mo-nasterio del Escorial, interpretando los Conciertos nº 1 y nº 4, y en 2008 interpretando el Concierto nº 1, de Brahms, en “Las Noches Mágicas” de El Palacio de La Granja, los Jardines de Sabatini, en Madrid, y en la Catedral de Palma de Mallorca.

Su última gira por Estados Unidos le ha llevado desde la costa oeste a New York, donde triunfó en el Carnegie Hall con un “Recital del Agua”, homenajeando a Isaac Albéniz.

Ha grabado un disco dedicado íntegramente a Chopin, con el sello inglés ASV, y próximamente verá la luz otro dedicado a música española y francesa. También ha grabado para Radio WFMT en Chicago, Los Ángeles, Radio Nacional de España, RTVE y para la TV polaca.

Sus próximos proyectos incluyen recitales y conciertos con orquesta en Europa y América y conciertos didácticos para niños.



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NEHARA DANCE GROUP

INTÉRPRETESNEHARA DANCE GROUP: Leia Weil, Snunit Baraban, Tzipi Nir, Dalia Peretz, Daniella Bloch, bailarinas. Ofer Laufer, diseño de iluminación y director técnico. Karin Lederman, directora de escena. Moran Arye, directora de producción. DANIELLA BLOCH, directora artística.


PROGRAMA

- Transcending Lights *

- Holding Makrame *

- Hat with a Feather *

* Estreno en España

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Teatros del Canal (Sala Verde).19 de marzo. 20:30 horas. Entrada 5 €.

DANZA

ILLUMINATION

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NOTAS AL PROGRAMATranscending Lights abre una ventana a los vuelos individuales de cada una de las cuatro bailarinas, quienes, como grupo, crean un aura de armonía y plenitud que las transforma en una única entidad.

La pieza, con música de Wim Mertens e Israel Brite, y original de Didi Erez, está interpretada por Leia Weil, Snunit Baraban, Tzipi Nir y Dalia Peretz. El vestuario ha sido diseñado por Olga Tsvetkov y Sonia D’Orleans Juste, esta última también responsable de la coreografía, siendo la directora de ensayo Naomi Nissim.

Holding Makrame es un monólogo sobre la vida, vista tanto por encima como por debajo del nivel de funcionalidad.

La obra está creada e interpretada por Snunit Baraban con la colaboración artística de Alex Shmurak y música de Acollective, Parachutes. El vestuario está diseñado por Inbar Nemirovsky

Hat with a Feather. “Las mujeres judías no pueden ir con la cabeza descubierta al mercado, estén o no casadas” (Shulchan Aruch, Even Haezer, 21-p2).

¿Un pañuelo, una bufanda o un chal? ¿Una coleta, una trenza o una peluca? ¿Una gorra, un sombrero de ala grande o quizás un pequeño sombrero de plumas que satisface todo mi deseo?

La obra Hat with a Feather presenta, a través de la danza, un debate sobre el tema del pelo de las mujeres y del cabello en general. La obra inspecciona el poder simbólico y el poder real subyacentes al tema del pelo y las historias que existen sobre el mismo, desde múltiples tra-diciones, y cómo ese poder afecta a la relación de la mujer consigo misma y con los demás.

La obra está interpretada por Leia Weil, Snunit Baraban, Tzipi Nir, Daniella Bloch o Dalia Peretz, con música de Yehudit Mizrachi, Piano Magic, bajo la dirección de ensayo de Dana Shoval. El vestuario es de Orit Shapira y la coreografía de Tammy Izhaki.

NEHARA DANCE GROUP Nehara Dance Group se compone de bailarinas que llevan un estilo de vida marcado por la religión judía. Las obras, siempre creativas, que ofrece Nehara, sirven de vehículo de unión entre los judíos y el resto del mundo, y de puente entre el mundo judío y el mundo de la danza profesional. El grupo tiene como objetivo conectar el sector religioso en Israel con la danza profesional, sin abordar las creencias religiosas o de fe, presentando el sector secular bajo un nuevo matiz de danza creativa.



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CORO SEMICÍRCULO

INTÉRPRETESCORO SEMICíRCULO. JOSÉ MENA POLO, director.


PROGRAMA

Venantius Fortunatus(c. 530-c. 600/609)

Vexilla Regis

Joseph Gentry Stephens(1972)

Ubi Caritas

György Deák-Bárdos(1905-1991)

Crucifigatur *

Anton Bruckner(1824-1896)

Locus Iste *

György Deák-Bárdos(1905-1991)

Eli, Eli *

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Iglesia Parroquial de San José.20 de marzo. 21:00 horas. entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

UBI CARITAS: CELEBRACIÓN DE PASIÓN Y GLORIA

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Zoltán Kodály(1882-1967)

Stabat Mater

Wolgang Amadeus Mozart(1756-1791)

Ave verum corpus *

Giuseppe de Marzi(1935)

Signore delle cime *

José de Cascante(1646-1702)

Salve Regina *

Esteban Salas(1725-1803)

Ave Maris Stella

Ludovico Viadana(1560-1627)

O Sacrum Convivium *

José Ignacio Prieto(1900-1980)

In Monte Olivetti

Ola Gjeilo(1978)

Ubi caritas

László Halmos(1909-1997

Jubilate deo *

NOTAS AL PROGRAMAUbi Caritas et amor Deus ibi est (Donde hay caridad y amor, allí está Dios).

El repertorio de este concierto está formado íntegramente por obras que representan por su temática, diferentes momentos de la Pasión. Partiendo del himno medieval Vexilla Regis, en honor a la cruz de Cristo, nos adentramos en un programa rico en texturas, que evidencian las maneras tan diversas en las que se ha tratado el tema en diferentes etapas de la historia de la música.

Congregavit nos in unum Christi amor (El amor de Cristo nos ha congregado y unido).

Los cantos a la Virgen, contemplativos y sublimes, nos muestran a la madre de Dios vista en diferentes momentos, unidos por el sentimiento de amor puro e incondicional a todos a través del Único.

Exultemus et in ipso jucundemur (Alegrémonos y deleitémonos en Él).

Todas estas obras son en sí mismas un amplio e interesante muestreo de lo que la fe y la devoción han sido capaces de crear va través de los siglos. No pretendemos ofrecer una muestra cronológica, queremos presentar ejemplos de los diferentes colores con los que se ha contado una misma historia. Son cantos de amor que expresan profundos misterios del espíritu.

Timeamus et amemus Deum vivum (Temamos y amemos al Dios vivo).

Pero no nos quedamos con la Pasión y Muerte, si algo hace a esta celebración importante para la fe cristiana, es que conmemora la Resu-rrección Cristo. Por eso incluimos cantos de júbilo y alegría, para celebrar el misterio de la Redención y la Resurrección, que le abre a la comunidad católica las puertas a la vida eterna.

Et ex corde diligamus nos sincero (Con sincero corazón amémonos unos a otros).

No olvidamos que en estos momentos de dificultad que nos han tocado vivir, la solidaridad, la caridad y el amor son las armas con las que contamos para hacer de este mundo un lugar menos inhóspito y más humano. Razón de más para llamar a nuestro concierto: Ubi Caritas.



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CORO SEMICÍRCULO Fue fundado en el curso 1962-63 por un grupo de alumnos de la Escuela Técnica Superior de Ingenieros Industriales de la Universidad Po-litécnica de Madrid. A lo largo de su andadura, la dirección musical ha corrido a cargo de personas que actualmente gozan de reconocido prestigio en los ambientes musicales nacionales e internacionales como José Mª Morales, Luís García Navarro, Miguel Groba, Antonio Fauró, Mariano Alises, José Manuel López Blanco, entre otros, siendo su director actual José Mena Polo.

Tras una primera época circunscrita al ámbito académico y otra de actividad divulgativa, a partir de 1989 el Coro inicia una nueva etapa sin limitaciones en cuanto a géneros, estilos o épocas, así como en la dificultad y amplitud de las obras abordadas. Entre sus actividades y actuaciones más importantes destacan las realizadas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en Radio Nacional de España, en el Centro Cultural Villa de Madrid, en colaboración con la banda Sinfónica Municipal de Madrid, y en la Semana de Música de Santa Cecilia, de Valladolid. En 1996 participa en el I Ciclo de Conciertos El Arte de la Polifonía en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en la Boda de S.A.R. María de Borbón ante SS.MM. los Reyes de España y en el XIII Otoño Polifónico en Aranda de Duero.

Desde 1995 participa en los Congresos Iberoamericanos de Ingeniería Mecánica como contribución cultural española, cantando en La Haba-na (Cuba), actuando en el Museo de la Revolución, Museo Nacional de Música y Conservatorio Municipal, en Coímbra (Portugal), en Cusco (Perú) y otros lugares.

Durante los siguientes años la presencia del Coro ha sido constante en diversos eventos como la intervención en los Festivales de Griñón y de Las Rozas de Madrid, en la ópera Carmina Burana, en 2002, y La Zarzuela, en 2003 y 2004, en la Plaza Mayor de Madrid, en Gijón, Mayorga de Campos y Medina de Rioseco, en Valladolid, en la Catedral de Astorga, en León, y en las Iglesias de Santa Isabel, Concepción y Rosario, en Madrid, con la interpretación del Stabat Mater, de Dvorak, con orquesta y solistas, en conciertos participativos en el Auditorio de Madrid, etc.

El Coro ha realizado cuatro grabaciones en CD: El fuego en el canto, El sesquicentenario de la ETSII de Madrid, Concierto en Medina y Con-cierto Extraordinario en Astorga, León. Ha recibido numerosos premios a su calidad musical en diferentes certámenes y concursos y recibe numerosas invitaciones para asistir a eventos nacionales y en el extranjero.

JOSÉ MENA POLONació en Caracas (Venezuela). Realizó la Licenciatura en Música, mención Dirección Coral, en el Instituto Universitario de Estudios Musicales, hoy Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), con los Maestros Alberto Grau y María Guinand. También realizó estudios de composición, con Adina Izarra y Blas Emilio Atehortúa, y canto con los maestros William Alvarado, Claudio Muskus, Sara Caterine e Isabel Palacios. Completó en el año 2005 la Maestría en Música, mención de Dirección Orquestal, con el maestro Alfredo Rugeles, en la Universidad Simón Bolívar. Asistió a cursos de especialización en Dirección Coral, con Eric Ericson, Werner Pfaff, Willy Gohl, Robert Sund, Helmuth Rilling y James Hedjuk, de canto gregoriano, con Berchman Goeschel y Luigi Agustoni, de composición, con Vic Nees, y participó en cursos de interpretación y canto con Hervé Niquet, Yvon Repèrant, Jordi Doménech, José Hernández Pastor y David Mason. Dictó talleres de arreglo, composición y dirección en diferentes festivales corales.

Recibió en 1992 el Premio Municipal de Teatro por la música original para la obra Anfitrión, de Molière. Estrenó en 1994 la obra Adagio, pre-lude and fugue for strings and percussion con la Oklahoma State University Chamber Orchestra. Ha publicado obras corales con diferentes editoriales en los Estados Unidos de América. Fue profesor de Dirección Coral en la Universidad Nacional Experimental de las Artes. Dirigió el Ensamble Vocal Dialecto Urbano y Voces Juveniles de Caracas, entre otras agrupaciones corales. Fue solista y director asistente de la Schola Cantorum de Caracas y la Camerata Barroca de Caracas.

Actualmente dirige el Coro Semicírculo, el Coro de la Escuela Coral de Madrid y el Coro del Instituto Cardenal Cisneros. Comparte su ac-tividad como director con la docencia y desarrolla su carrera como cantante participando como contratenor de recitales y conciertos con prestigiosas orquestas y agrupaciones.



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MUSIca ALcheMIca

INTÉRPRETESMUSIca ALcheMIca: Lina Tur Bonet, violín barroco. Daniel Oyarzábal, clave y órgano.


PROGRAMA

Sonatas del Rosario, de Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704)

I.

- Sonata de la Anunciación, en Re menor- Sonata de la Visitación, en La Mayor- Sonata del nacimiento del niño Jesús, en Si menor- Sonata de la presentación en el Templo/Ciaccona, en - Re menor

II.

- Passacaglia sobre el Ángel de la Guarda, para violín solo, en Sol menor- Sonata de coronación de espinas, en Si bemol Mayor- Sonata de la subida al Calvario de Jesús, en La menor- Sonata de crucifixión, en Sol menor

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Iglesia de San Antonio de los Alemanes.21 de marzo. 19:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

SONATAS DEL ROSARIO, DE HEINRICH IGNAZ FRANZ VON BIBER

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NOTAS AL PROGRAMA“De todos los violinistas del pasado siglo (el XVII), Biber parece haber sido el mejor, y sus solos son los más difíciles e imaginativos de todos los que he visto en la época”. Así se expresaba Charles Burney, probablemente el musicólogo y crítico más influyente del período barroco.

Heinrich Ignaz Franz von Biber nació un 12 de agosto del año del Señor de 1644 en la bohemia ciudad de Wartenberg. Poco es lo que sa-bemos de su vida, pero los documentos que nos la ilustran presentan a un virtuoso del violín y, dada ésta su condición, se estima que pudo ser Schmelzer quien le iniciara en los secretos del instrumento que empezaba a apuntar tan alto. Algunas teorías quieren ver en el segundo nombre de Biber, “Ignaz”-el cual no aparece en su partida de bautismo- la señal de su posible presencia entre los jesuitas en su juventud. Como tal, imaginamos que su rezo del rosario fuera frecuente.

Hasta 1668 Biber trabajó en la corte del Príncipe Johann Seyfried von Eggenberg, en Graz, y después Kromeriz -justamente donde se con-serva su conocida Sonata representativa - donde estuvo al servicio del obispo Karl Liechtenstein-Castelkorn. En 1670 empezó a trabajar para el arzobispo Maximilian Randolph von Khuenberg en Salzburgo. Llegó a ser nombrado Kapellmeister de la corte salzburguesa. Allí verían la luz obras inmortales, aunque algunas podrían haberse comenzado ya en Kromeriz.

Su fama trascendió fronteras. Realizó giras de conciertos presentando sus obras y tocándolas de manera virtuosa. Se cuenta que, en oca-siones, realizaba los bajos de sus espléndidas sonatas con su propio pie en la pedal del órgano, mientras que con su inagotable fantasía y los dedos de sus manos se dedicaba a realizar tiratas y ornamentaciones floridas y exuberantes con su violín. Gozó, por todo lo anterior, de una gran reputación en vida como violinista, pero además fue un prolífico compositor que, a diferencia de otros compositores, no sólo escribiría música instrumental sino también numerosa obra sacra, como Misas, Requiems y Motetes.

Las Sonatas del Rosario, de Biber, son una de esas obras únicas en la historia del arte. En una Salzburgo en la que aún se sentían los ecos del sabio Paracelso, en la ciudad que luego albergaría al genio universal de Mozart, nacía una de las obras más singulares y exquisitas que han sido creadas. Y, curiosamente, no hubo constancia de su existencia hasta el año 1889, siendo publicadas por primera vez en la Viena Jugendstill de 1905

Se calcula que serían compuestas alrededor de 1676, y se las conoce como las Sonatas del Misterio, Sonatas Bíblicas o Sonatas del Rosario. Quien compiló las obras introdujo al comienzo de cada una de ellas un pequeño grabado, realizado quizás especialmente para la ocasión, con una imagen alusiva a cada uno de los quince misterios, cinco gozosos, cinco dolorosos y cinco gloriosos.

Biber escribiría de su puño y letra, en latín, esta formidable dedicatoria y declaración de intenciones en la primera página de su manuscrito:

“Nobilísimo y Reverendísimo príncipe,Señor, Señor clementísimo.

Te dedico con toda humildad esta Armonía, que está consagrada al Sol de la Justicia y la Luna sin mácula, pues eres la tercera Luz, que has recibido de estos dos astros divinos. Como hijo resplandeces con una sacra dignidad, como hombre casto defiendes el honor virginal de la Madre. Por eso eres alimentado, como mereces, con el maná del cielo de manos de Jesucristo, y eres amamantado pródigamente por María nuestra Madre. Ella tomó la primera letra de su santísimo nombre y la puso al comienzo de tu nobilísimo nombre. De este modo adornó Ma-ría a Maximiliano. Encontrarás aquí mi lira de Cuatro Cuerdas afinadas de 15 modos diferentes en diversas sonatas, Preludios, Allemandes, Courantes, Zarabandas, Arias, Chaconas, Variaciones, etc., con el Bajo continuo, elaboradas con diligencia y, según mis posibilidades, con la mayor destreza. Si quieres saber el motivo de mi proceder lo explicaré con claridad: he consagrado todo ello en Honor de los XV Sacros Misterios, que Tú tan fervientemente promueves.

A ti, NOBILÍSIMA ALTEZATe dedico, postrándome, estas obras.Tu humildísimo siervo,Henr: Ignat: Franciscus Biber.

El Salzburgo del Príncipe-Arzobispo Maximilian Gandolph, Conde de Kuenberg estaba repleto de cofradías del Santo Rosario, con lo cual su rezo estaba muy extendido y se practicaba con asiduidad en una época que, curiosamente, coincide con la única que se recuerda en Viena de persecución de brujas. Fomentando el rezo del rosario se pretendía ofrecer la figura femenina contrapuesta e ideal.

El propio Arzobispo apoyaba a una de las cofradías más influyentes, en la cual se conservan unas bellas pinturas que representan los quince misterios de la vida de la Virgen más una decimosexta con el ángel guardián, recubriendo los muros de la sala de reuniones de dicha cofradía. En concreto, se encuentran dos ciclos completos de las imágenes, que recuerdan inequívocamente a aquellas que encabezan como ilustra-ción a cada una de las Sonatas que Biber dedicó a dichos misterios.

Como Kapellmeister del Príncipe, parece obvio pensar que esta obra le fuera encargada directamente por su benefactor. Posiblemente, y dado que, en esta época, el uso de la música favorecía a menudo la meditación sobre cualquier tema (sobre todo religioso), podemos imagi-nar que tuviese la función de acompañar los hechos que relatan las pinturas, invocando esas imágenes sobre las que concentrarse.

Las sonatas, al igual que el rezo del Rosario y de sus misterios, se reparten por temas en grupos de cinco:

Misterios Gozosos.

- Sonata 1: La Anunciación- Sonata 2: La visitación- Sonata 3: El nacimiento del niño Jesús- Sonata 4: La presentación en el Templo- Sonata 5: El niño Jesús es hallado en el Templo



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Misterios Dolorosos.

- Sonata 6: La agonía de Jesús en el huerto de Getsemaní- Sonata 7: La flagelación del Señor- Sonata 8: La coronación de espinas- Sonata 9: Jesús con la cruz a cuestas- Sonata 10: La crucifixión y muerte de Jesús

Misterios Gloriosos.

- Sonata 11: La Resurrección- Sonata 12: La Ascensión- Sonata 13: Pentecostés- Sonata 14: La Asunción de la Virgen- Sonata 15: La coronación de la Virgen- Passacaglia, en Sol menor para violín solo. Dedicada al Ángel de la Guarda.

La mayor particularidad de esta música es que cada sonata es interpretada con un violín en una scordatura distinta.

Existen varias teorías sobre la inclusión de la Pasacaglia final, única obra para violín solo sin acompañamiento del continuo y ya sin scorda-tura, en este ciclo de 15 Misterios.

La Sonata 16 está dedicada al Ángel de la Guarda, y su dibujo -esta vez a tinta- es idéntico en estilo a todos los otros grabados. Si bien algu-nos quieren ver en el hecho de que forme parte del cuaderno una economización del papel (tan al uso en una época en la que éste escaseaba o era difícil de obtener), otros lo atribuyen al hecho de ser un obsequio personal al arzobispo en el que “cabe ver un mensaje de protección a su persona, además de una imagen musical de firmeza (las cuatro notas sol-fa-mi-re, incesantemente repetidas)”. Sea como sea, la Pas-sacaglia es, a nuestros ojos, la culminación absoluta de tan magna obra, y su calidad indiscutible como obra independiente, sublima y eleva al cielo el rezo anterior.

La scordatura.- Esta cuestión de una afinación especial de las cuatro cuerdas del violín para cada sonata es un caso casi único en la historia de la música. La scordatura se utilizaba en alguna rara ocasión para el violín, pero con más asiduidad en otros instrumentos hasta el Seicento, si bien no tuvo gran acogida posterior por la dificultad extrema que ofrece para el violinista el hecho de cambiar constantemente la digita-ción necesaria. Para cada scordatura, la partitura está indicada con las “notas” que habría que tocar si el violín estuviera afinado de manera “normal” (sol-re-la-mi); sin embargo, al estar afinado de otra manera, el intérprete piensa unas notas mientras que escucha otras distintas. El hecho de que este fenómeno ocurra en 15 maneras completamente distintas entre sí, es uno de los mayores retos de la ejecución. Biber utilizará la scordatura también a menudo en otras obras.

Apenas Paganini o Mahler se atreverían posteriormente a utilizar este recurso en alguna obra suelta, pero sólo en una cuerda del instrumento o para un movimiento aislado. Aquí, como hemos explicado, esto ocurre en las cuatro cuerdas simultáneamente, y cambiando para cada pieza. El colorido y el virtuosismo derivados de esto son realmente expresivos y espectaculares.

La variedad y expresividad de estas piezas es, pues, inagotable, gracias a recursos de todo tipo y originalidad.

Simbología.- La pregunta de cuál sería el motivo que llevara a Biber a realizar una obra de tal complejidad y variedad de scordaturas ha lle-vado a múltiples teorías de simbolismo desde muchos ángulos e interpretaciones:

Por un lado encontramos las teorías matemáticas y astronómicas que relacionan la composición con Kepler y sus teorías en Harmonices Mundi . La constelación de la Lira simbolizaba el pensamiento armónico en la Astronomía. Muchos quieren ver, en la alusión a este instru-mento, así como al Sol y la Luna en la dedicatoria, una correspondencia con la tan largamente buscada relación platónica de los cuerpos celestes de Kepler.

Existen por supuesto motivos programáticos, obviamente religiosos, que consistirían en el establecimiento de un paralelismo entre la scor-datura y la historia que cuenta cada Misterio. Así, por ejemplo, la Sonata de la Resurrección tiene como scordatura re-sol-re-sol, lo cual en italiano quiere decir “rey sol”, clara alusión al Cristo resucitado. En La Visitación, la scordatura son dos pares idénticos de intervalos, como son idénticas las situaciones de Ana y María y, otra vez, en La Resurrección, cruza las cuerdas centrales entre el cordal y el puente, en clara alusión a la Redención por medio de la cruz.

No son pocos, por lo demás, los que apoyan las teorías numerológicas, que basan todo en la propia estructura del número 15=5+5+5 del rezo, con sorprendentes resultados cuando se cuenta el número de notas por sonata. Dieter Haberl comenta, por ejemplo: “las 496 notas del primer movimiento de la número 1 inducen a pensar que se trata de la plasmación musical del dogma de la Inmaculada Concepción, por ser 496 el tercer número perfecto tras el 6 y el 28. El número total de muchos de los movimientos de estas sonatas es divisible por 22, otro número cargado de referencias simbólicas por corresponder dentro del orden alfabético a la letra x, que representa la cruz.”

Por último, debe recordarse a aquellos que quieren ver significados alquímicos en la mención del Sol y la Luna, del “Rey Sol”, y otras alusio-nes herméticas.

Sea como fuere, la realidad es una y muy clara: se trata de los diversísimos colores con los que el violín suena cuando se cambia su estructura de afinación, y por consiguiente su resonancia de armónicos.

Por otro lado, el paso de Cristo y de María por los diversos acontecimientos que se narran en las sonatas los va sintiendo, durante la inter-pretación, tanto el instrumento como el intérprete.



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El aleteo de las alas del ángel de la Anunciación está maravillosamente escrito en la velocidad y agitación del arco en el comienzo y final de la sonata.

El violín se alegra con una scordatura muy resonante en la alegría de la Visitación, se tensa hasta límites insospechados en las sonatas cen-trales del expolio y de relaja tras la Resurrección. Tiembla bajo el arco en el terremoto tras la Crucifixión por los acordes extremos y rápidos, y su sonido se abre y expande con facilidad en la celebración de la Asunción.

Asimismo, el intérprete sufre el aumento de la tensión de las cuerdas bajo sus dedos (“como el filo de un cuchillo” dice Manze), teme que el instrumento pueda ceder a la tensión máxima, nota cómo el cuerpo del violín resuena extremadamente con la relajación de la tensión en los misterios gloriosos y, tengo que decir, también la mente del violinista, va progresivamente aumentando su desconcierto ante una de las mayores complejidades de la scordatura y se aturde enormemente durante la flagelación. Tras las sonatas dolorosas, la mente va recobrando poco a poco la “cordura” (nunca mejor dicho) según va acercándose la gran fiesta final.

Por fin, para cerrar el ciclo, la oración evocando al Ángel de la Guarda -que nos acompaña en nuestra vida al igual que las cuatro notas en ostinato eternum e independientemente de los años y las realidades que van cambiando- ya no hay scordatura, sino solo el recuerdo de ella, la calma, la vuelta a la normalidad para cerrar el círculo y la evocación.

No está claro si esta obra está concebida para tocarse como ciclo y de una sola vez, o más bien cada una en un momento del año litúrgico. La respuesta de unos es que no se pueden tocar seguidas en un concierto, ya que son tantas, tan radicalmente diversas las afinaciones exigidas que un solo instrumento no soportaría semejante trasiego de tensiones, si es que no se quiere tener a los oyentes esperando largos lapsos de tiempo hasta que el violín haya redefinido su personalidad sonora con la nueva afinación. Andrew Manze sostiene sin embargo lo contrario: tocarlas con el mismo violín es el único modo de plasmar en puridad todo el simbolismo de la obra, del cual ya hemos hablado.

Mi experiencia personal me lleva a considerar ambas posibilidades, si bien cuando las he interpretado todas ha sido necesario repartirlo en tres partes de concierto de unos 50 minutos cada uno, con lo cual se excede la duración habitual del concierto. Y, por supuesto, siempre con varios instrumentos, si bien algunos deben ser reafinados en distintos momentos. La experiencia como intérprete es única, emocional, física y mentalmente, y marcando un antes y un después, viviéndose como en ninguna otra ocasión en absoluta primera persona.

Heinrich Ignaz Franz von Biber dejó este mundo el 3 de mayo de 1704, y nos legó un vastísimo repertorio, regalo especial a los violinistas, que le podemos considerar el primero de los virtuosos de este instrumento rey. Mas siempre un virtuosismo lejano al exhibicionismo o a los vacíos efectos, y dedicado a los más altos ideales humanos, artísticos y espirituales.

LINA TUR BONET

LINA TUR BONETViolinista versátil, cuyo repertorio comprende más de 400 años, siempre con instrumentos originales de la época, actúa como solista en el Festival de Música y Danza de Granada, el Lufthansa Festival de Londres, el Styriarte de Austria, Festival Brezice de Eslovenia, o el Festival de Halle, llenando salas como el Musikverein de Viena, Palau de la Música de Barcelona, Auditorio Nacional de Madrid, Residenzwoche Munich, Sala de la Radio Vienesa, Teatro Solís de Montevideo, Coliseo de Buenos Aires, Teatro Municipal de Río de Janeiro, o Teatro de Santiago de Chile, siendo grabada en varias ocasiones por la BBC en Londres, RTVE, TV3, la radio y la televisión alemanas, las televisiones de Eslovenia, Croacia y Bulgaria y la ORF austríaca.

Es frecuentemente requerida como concertino en toda Europa, en agrupaciones como Il Complesso Barocco, Concerto Köln, Clemencic Consort, Orquesta de Cámara de Mannheim, Bach Consort de Viena, Neue Hofkapelle Munich, Orquesta del Palau de les Arts de Valencia, etc.

Dentro de su actividad con orquestas, colabora como violín primero con Les Musiciens du Louvre, Les Arts Florissants, Mahler Chamber Orchestra, BandArt o la Orquesta Mozart, grabando en varias ocasiones para Deutsche Gramophon y para Virgin, bajo la batuta de Claudio Abbado, Daniel Harding, John Eliot Gardiner, Marc Minkowski, William Christie, Fabio Biondi, Kent Nagano, Ottavio Dantone, Alan Curtis, Reinhardt Goebel, Richard Egarr o Tugan Sokhiev, actuando en el Lincoln Center New York, Berliner Philarmonie, Scala de Milan, Concertge-bouw Ámsterdam, Royal Albert Hall, Barbican Centre, Theatre des Champs Elysèes, Théàtre Royal de la Monnaie, Bunkamura Hall, Ópera de Sydney o Philarmonie de San Petersburgo.

Actuaciones de música de cámara con Mennahem Pressler, Georg Faust, Patrick Demenga, John Holloway, Thomas Brandis, Kenneth Weiss, Hiro Kurosaki o Christoph Hammer.

Estudió en las Universidades de Friburgo y Viena con los Profesores Nicolas Chumachenco, Gunther Pichler y Hiro Kurosaki, y recibió los consejos de Tibor Varga, Franco Gulli, Shmuel Askenasi, Augustin Dumay, Joseph Silverstein, Erich Höbarth y Rainer Kussmaul.

Ocupa una cátedra de violín en el Conservatorio de Zaragoza desde 2005. Ha registrado la primera grabación mundial de los tríos de Bocche-rini, Op. 34, las sonatas de Bach y Handel para violín y clave, un disco de música de cámara de la época de Mahler para la Radio austríaca, las sonatas de Elizabeth Jacquet de la Guerre, para el sello Verso, y un disco con obras de violín solo para el sello Cantus Records.

DANIEL OYARZÁBALNació en Vitoria en 1972. Fue premio de honor fin de carrera en las especialidades de clave y órgano. Posteriormente estudió órgano, clave e instrumentos históricos con Thomas Schmögner en el Conservatorio Superior de Música de Viena, órgano con Jos van der Kooy y clave con Patrick Ayrton en el Real Conservatorio de La Haya (Holanda). Asimismo profundizó en el estudio de la música de J. S. Bach, en el Conserva-torio de Ámsterdam, con Pieter van Dijk. Asistió paralelamente a cursos de especialización con Pierre Hantaï, Jacques Ogg, Michael Posch,



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Lars Ulrik Mortensen, Michael Radulescu, Hans Fagius y Oliver Latry.

En 1991 fue galardonado con el Premio Especial de la Prensa en la Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes en Ibiza, en 1998 obtiene el Primer Premio en Improvisación en el Concurso Internacional de Música de Roma y en 2002 el Tercer Premio en el XIX Concurso Internacional de Órgano de Nijmegen (Holanda), siendo el único español premiado en todas las ediciones del concurso.

Participa en numerosos festivales internacionales, tanto en calidad de solista como de continuista, realizando conciertos en toda Europa y en Japón. Entre sus últimos proyectos destaca la interpretación de las Variaciones Goldberg, de J. S. Bach, en varias ciudades españolas, Reggio Emilia, Bari y Viena, así como una gira de conciertos de órgano en Austria, incluyendo el famoso órgano monumental de St. Florian. Es organista titular de la Catedral de Getafe y el organista principal de la Orquesta Nacional de España.



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MARINA RODRÍGUEZ CUSÍ / MARISA BLANES

INTÉRPRETESMARINA RODRíGUEZ CUSí, mezzosoprano. MARISA BLANES, piano.


PROGRAMA

I.Federico Mompou

(1893-1987)Cantar del alma (San Juan de la Cruz)

Xavier Montsalvatge (1912-2002)

Cinco invocaciones al crucificado

- De passione Christi (Fortunatus, siglo XII)

- Pianto de la Madona (Iacopone da Todi, Siglo XIII)

- La Vierge couronnée (A. Flory, siglo XVI)

- Lamentación (Fray Íñigo de Mendoça, siglo XV)

- D’oració de Temps (Ramón Llull, siglo XIII)

Eduardo Toldrá(1895-1962)

Cantarcillo (Lope de Vega)

Madre, unos ojuelos vi (Lope de Vega)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Teatros del Canal (Sala Verde).23 de marzo. 19:00 horas. Entrada: 5 €.

MÚSICA

CANTAR DEL ALMA

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Pastorcito santo (Lope de Vega)

Consuelo Díez(1958)

No espantes el silencio (Lola de la Serna)

Tomás Marco(1942)

Romanzas romances n.5 Ballade des Pendus *(François Villon)

Antonio Noguera(1963)

Resonancias * (Luciano González Sarmiento)

* Estreno absoluto

NOTAS AL PROGRAMAJunto a los textos litúrgicos medievales que originaron las Cinco invocaciones al crucificado, compuestas por el gerundense Xavier Montsal-vatge el año 1969, para voz y conjunto instrumental (la versión que hoy se escucha es la realizada por el propio compositor para voz y piano), y estrenadas en el marco de la VIII Semana de Música Religiosa de Cuenca, este programa se adorna con la poética mística española de San Juan de la Cruz, cuyo Cantar de la alma que se huelga de conoscer a Dios por fee motivó una de las más bellas composiciones de Federico Mompou, Cantar del alma (1944), y cuyo Cántico espiritual sirvió a Joaquín Rodrigo para crear su Cántico de la esposa (1934). También los Villancicos de Lope de Vega son cultivados por Eduardo Toldrá y Joaquín Rodrigo, el primero con dos de sus Seis canciones, de 1940, y el segundo con uno de sus Tres villancicos, del año 1952.

Junto a estos modelos clásicos, tres pinceladas reflejo de la creación más cercana en nuestro tiempo: la canción intimista No espantes el silencio (1984), de Consuelo Díez, sobre textos de la poeta madrileña Lola de la Serna, y dos estrenos absolutos que jalonan el programa como un documento de intención histórica: la Ballade des Pendus, sobre un texto del poeta francés del siglo XV, François Villon, que si bien fue compuesta el año 1993 por Tomás Marco, como parte de sus 6 Romanzas romances para soprano y piano, hoy se escucha por primera vez en su nueva versión para mezzo y piano. Finalmente las Resonancias (2013) compuestas por el compositor tarraconense afincado en Cantabria, Antonio Noguera, sobre un poema de Luciano González Sarmiento ante las ruinas de la iglesia de Santa Leocadia en el valle de Toranzo de Cantabria.

MARINA RODRÍGUEZ-CUSÍ Nace en Siete Aguas (Valencia) y cursa sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, en la especialidad de Oboe y, pos-teriormente, Canto, con Ana Luisa Chova, obteniendo el Premio de Honor Fin de Carrera.

Ha sido galardonada en los concursos Eugenio Marco, de Sabadell, Festival Lírico de Callosa D’Ensarriá, Internacional de Música Española en Compostela y Concurso Internacional Francisco Viñas, de Barcelona.

Tras debutar con (Cherubino) Le nozze di Figaro, en el Palau de la Música de Valencia, comienza una intensa actividad en el campo de la ópera, interpretando, entre otros, los roles siguientes: Ottone (L’Incoronazione di Poppea), Cornelia (Giulio Cesare), Disinganno (Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Polinesso (Ariodante), Madame La Rose (La Gazzetta), Pippo (La gazza ladra), La Marchesa Melibea (Il viaggio a Reims), Smeton (Anna Bolena), Suzuki (Madame Butterfly), Romeo, (I Capuleti e i Montecchi), Olga (Eugene Onegin), Zia Principessa (Suor Angelica), Siebel (Faust), Bersi (Andrea Chénier), Azucena, (Il Trovatore), La belle (La Belle et la Bête); también en las óperas Tancredi, La zorrita astuta, Otello, Das Rheingold, Götterdämmerung, Der Fliegende Höllander, Der Rosenkavalier y Salomé, y en los escenarios del Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Arriaga y Euskalduna de Bilbao, Palacio de la Ópera de La Coruña, Kursaal de San Sebastián, Campoamor de Oviedo, Gayarre de Pamplona, Maestranza de Sevilla, Auditorium Palma de Mallorca, Villamarta de Jerez, Cervantes de Má-laga, Golden de Palermo, Alte Oper Frankfurt, etc.

Ha interpretado el papel de Zenobia de la ópera Radamisto, de Haendel, en el Concertgebouw de Ámsterdam y Musikverein de Viena, dirigida por M .Haselböck, Hermia, de A Midsummer Night’s Dream, y Ottavia, de L’Incoronazione di Poppea, en Staatsoper de Hamburgo dirigida por Simone Young y A. de Marchi, Ericlea, de Il Ritorno d’Ulisse in patria, en la Salle Pleyel de París, dirigida por William Christie, Messaggiera, de L’Orfeo, de Monteverdi, en Festival Perigord Francia, Rosmene, de Il prigioner superbo, en Festival Pergolesi Spontini de Jesi (Italia).

En oratorio y concierto interpreta Stabat Mater, de Pergolesi, Weihnachts-Oratorium y Magnificat, de Bach, The Messíah, de Haendel, Juditha Triumphans, de Vivaldi, Réquiem, de Mozart, Petite Messe Solennelle, de Rossini, Sommernachtstraum, Lobgesang y Die Erste Walpurgisna-cht, de Mendelssohn, Requiem, de G. Verdi, Te Deum y Réquiem en Re menor, de Bruckner, Kindertotenlieder, de Mahler, Los ángeles, de R. Chapí, La damoiselle élue y Le martyre de Saint Sébastien, de Debussy, El amor brujo y El sombrero de tres picos, de M. de Falla, Alegrías, de García Abril, Philistaei a Jonatha Dispersi, de Martín y Soler, Canciones negras, de Montsalvatge, en auditorios tales como: Auditorium Parco della Musica di Roma, Teatro Monumental y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de les Arts de Valencia, Palau de la Música y Auditori Principal de Barcelona, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Zipper Concert Hall y Schoenberg Hall de Los Ángeles, etc.

Participa en los estrenos de El mar de las sirenas, de Báguena Soler, y Maror, de M. Palau, en el Palau de la Música de Valencia, Los Pirineos y La Celestina, de F. Pedrell, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, La casa de Bernarda Alba, de M. Ortega, Compendio sucinto de



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la Revolución Española, de R. Garay, con la Grande Chapelle, Y en un instante todo fue silencio, de Tomás Marco, Divinas Palabras, de A. García Abril, en la reinauguración del Teatro Real de Madrid. Canta en las inauguraciones Gran Teatre d’Elx, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, bajo la dirección de Lorin Maazel.

En el Teatro de la Zarzuela de Madrid ha cantado Doña Francisquita (Aurora la Beltrana), Pan y toros (Princesa de Luzán), Los diamantes de la corona (Diana), La Calesera (Elena), La montería (Ana) y, en el Palacio de Carlos V de Granada, La Tempranica (Grabié, Gitana y Pastora) y Cecilia Valdés (Dolores e Isabel), etc. Ha sido dirigida por Manuel Galduf, Ros Marbà, Sergiu Comissiona, Alberto Zedda, Walter Weller, David Parry, Peter Maag, A. Allemandi, Marco Guidarini, Franz-Paul Decker, Antonio García Navarro, Miguel Ángel Gómez Martínez, Josep Pons, Salvador Más, Víctor Pablo, José Collado, A. Lombard, Ralf Weikert, Pascual Osa, García Asensio, Juanjo Mena, Eric Hull, Edmon Colomer, M. Haselböck, Angelo Cavallaro, M. Barbacini, John Nelson, Plácido Domingo, Lorin Mazel, Pinchas Steinberg, Petr Kofron, José Ramón Encinar, Yaron Traub, Andrea Marcon, Corrado Rovaris, Miguel Ortega, Cristóbal Soler, Álvaro Albiach, Ottavio Dantone, Marzio Conti…

Ha grabado en CD El sombrero de tres picos, para el sello Warner, con la Orquesta Filarmonía de Canarias, el DVD Tres sopranos con la Zarzuela, con la Orquesta Filarmonía de Madrid, y un DVD de La zorrita astuta, de Leoš Janáěek, dirigida por Kent Nagano, versión animada en castellano y catalán.

MARISA BLANESNacida en Alcoy (Alicante), la pianista Marisa Blanes es uno de los valores más sólidos del pianismo español actual con un reconocimiento refrendado públicamente por la crítica especializada como “virtuosa de excepcional elocuencia”, resaltando “su enorme versatilidad y cálida personalidad”.

Graduada en el Conservatorio Superior de Música de Valencia con el Premio Fin de Carrera, perfeccionó su estudios pianísticos con David Levine, en el Robert Schumann Institut de Dusseldorf, merced a una beca de la Fundación “Alexander von Humboldt” y de Música de Cá-mara, con el Cuarteto Amadeus, en la Escuela Superior de Música de Colonia, obteniendo por unanimidad del jurado “Summa cum Laude” en virtuosismo.

Ha recibido lecciones magistrales de Jeanne Marie Darré, Aldo Ciccolini, Vitali Margulis, Alexei Nassedkin y Paul Badura Skoda y ha desple-gado una intensa actividad concertística tanto como solista como en el ámbito de la música de cámara.

Es doctora en Música por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia y Premio Extraordinario a la Investigación de Tesis Doctorales concedido por el Instituto de Estudios alicantinos “Juan Gil-Albert”, destacando en su faceta de investigadora la publicación de su libro La obra pianística de Amando Blanquer, así como la grabación de sendos documentos discográficos con la obra pianística de dicho compositor y la obra camerística y vocal del compositor Luis Blanes. En enero de 2011 presentó el libro España en mi corazón, de Carlos Palacio, del que ha realizado la revisión, estudio y edición.

Asimismo posee un buen número de grabaciones discográficas que van desde Brahms, Liszt, Chopin hasta Granados, Poulenc, con referen-cias destacables de los compositores españoles del siglo XX (Carlos Palacio, Joaquín Rodrigo, Antón García Abril, etc.).

Dedicada al concierto como solista y en el marco de la música de cámara, Marisa Blanes ha dejado constancia de su calidad pianística en diferentes países de Europa y América en recitales y actuaciones orquestales con conciertos de Mozart, Beethoven, Chopin, Grieg, Falla, Montsalvatge, Stravinski, Blanquer…

Actualmente compagina su carrera concertística con la docencia como Catedrática de piano en el Conservatorio Superior de Música de Valencia ,del cual es profesora por oposición desde el año 1991.



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CORO DE SAN JERÓNIMO EL REAL CAMERATA DE SAN JERÓNIMO

INTÉRPRETESPILAR BURGOS, soprano. ENEIDA GARCíA GARIJO, contralto. MANUEL MENDAñA, tenor. GONZALO BURGOS, bajo. CORO DE SAN JERÓNIMO EL REAL. CAMERATA DE SAN JERÓNIMO. Brais García Maceiras, órgano, VICENTE SEMPERE GOMIS, director.


PROGRAMA

I.


Gloria, RV589 (per soli, coro a 4 voci miste e orchestra)

- Gloria in excelsis (Coro)

- Et in terra pax (Coro)

- Laudamus te (Duetto)

- Gratias agimus tibi (Coro)

- Propter magnam gloriam (Coro)

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Iglesia de San Jerónimo El Real.24 de marzo. 20:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

MÚSICA SACRA, DEL BARROCO AL CLASICISMO

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- Domine Deus (Aria soprano)

- Domine fili Unigenite (Coro)

- Domine Deus, Agnus Dei (Alto y Coro)

- qui tollis peccata mundi (Coro)

- qui sedes ad dexteram (Aria Alto)

- quoniam tu solus Sanctus (Coro)

- Cum Sancto Spiritu (Coro)

II.


Salve Regina

- Salve Regina (Adagio)

- Eja ergo (Allegro)

- Et Jesum (Largo)

NOTAS AL PROGRAMADe las dos Gloria, de Vivaldi, que se conservan en el primer volumen de la Obra Sacra de la Colección Giordano de la Biblioteca Nacional de Turín, la presente edición en Re Mayor (32, cc 90r – 129) es, indudablemente, la más significativa.

Junto con el Credo, Magnificat, Stabat Mater y algunos Salmos, está entre las mejores composiciones del compositor veneciano.

Desde que se hizo la revalorización de la producción de Vivaldi, estas composiciones están consideradas como la manifestación más elevada de su genio, por su fuerza y profundidad y por la expresión del sentimiento religioso, que pone de manifiesto su relevante sitio en la historia de la música sacra del siglo XVIII.

Muchos estudiosos, entre ellos Stevenson y Pincherle, han comparado algunas obras de Vivaldi con la música sacra de J. S. Bach: el Domi-nus Deus, pieza número VI del presente Gloria, que Pincherle llama, por su sugestiva inspiración, la Siciliana del undécimo concierto del Op. 3. Pincherle afirma que esta pieza es digna de compararse con una de las más bellas páginas de las Pasiones compuesta por el Kantor de Weimar.

Todo el Gloria es una verdadera magnificencia de la divinidad, la cualidad de la inspiración, la misma inquieta energía en el movimiento, típico de la música instrumental de Vivaldi, adquiere una fuerza superior, un clima expresivo repleto de colores y sensaciones, del cual fluye un regenerado esplendor polifónico: es el alma humana que eleva su voz a Dios, que aspira a lo divino como acto último y catártico de una religiosidad profunda.

En el título original se lee: “Gloria a 4 voci con Istro.ti del Vivaldi” (Gloria a 4 voces con instrumentos de Vivaldi). La parte vocal de la obra es para coro, pero hay algunas piezas solistas, como por ejemplo, el número VIII (Domine Deus, Agnus Dei), donde el tratamiento coral se alterna con los “a solo” de contralto. A menudo los “soli” no están especificados en el original. Esto ocurre en los movimientos III, VI y X. Es del todo evidente que, al haberse perdido el manuscrito, el editor ha optado por incluir las voces solistas, teniendo en cuenta las características de la escritura coral y de un acompañamiento instrumental más ligero. En consecuencia, de las doce piezas que se compone el Gloria (alguna de las cuales cortas, y otras muy cortas, como la número IV), tres son con solistas: la tercera, Laudamuste, la sexta, Domine Deus y la décima, Qui sedes ad dexteram. Una, la octava, Domine Deus, Agnus Dei, es para contralto y coro. Todas las demás piezas son exclusivamente con coro.

En la pieza número XI (Quoniam tu solus Sanctus), Vivaldi ha empleado el mismo tema que en la introducción (Gloria in excelsis Deo), dándole así unidad a la obra.

Es interesante anotar que a la instrumentación de la cuerda se le ha añadido un oboe y una trompeta en la introducción y en los dos últimos tiempos, donde estos dos instrumentos adquieren especial relevancia.

En su revisión, Gian Francesco Malapiero ha seguido las mismas normas como en las partituras del siglo XVII en general y con las de Vivaldi en particular, acorde con la práctica usual en todas las ediciones de la música instrumental de Vivaldi.

En 1766 el predecesor de Haydn, Gregor Werner, Maestro de Capilla del príncipe Esterházy, murió. Haydn entonces fue promocionado de Vice Capellmeister a Capellmeistser y permaneció en ese puesto hasta su muerte. Naturalmente, también se hizo cargo de los deberes de su



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predecesor, principalmente de lo que era la composición y producción de la música de iglesia. Hasta 1766 Haydn había compuesto muy poca música de iglesia en Eissenstadt, la mayor excepción había sido el Te Deum, para el Príncipe Nicolaus Esterházy, en 1764.

Así de explicable es en términos históricos el por qué la música de iglesia empezó a figurar de manera tan prominente, después de 1766, en la obra de Haydn: ese mismo año compuso la Missa in honorem B.M.V., seguida un año después del famoso Stabat Mater (obra que extendió su fama por toda Europa) y, sobre 1768, la perdida Missa Sunt Bona Mixta Malis.

La presente Salve Regina fue escrita en 1770 o 1771: el original fue datado en 1770, pero la fecha fue cambiada más tarde (probablemente por el propio Haydn) a 1771; y ésta es también la fecha de la copia en mano de Joseph Elssler (Gessellschaft der Musikfreunde, Vienna). Po-siblemente la obra se habría empezado a finales de 1770 y fue completada en el año siguiente. Originalmente, la obra fue escrita para cuatro solistas (“Quattro voci ma Soli” en el manuscrito) y solo para órgano y cuerda. El carácter de la parte del solo de órgano, que es bastante pro-minente, sugiere que Haydn podría haber tocado él mismo el instrumento. No sabemos para qué ocasión fue escrita la obra, probablemente para un servicio en la Schlosskapelle en Eissenstadt o, tal vez, para la cercana Iglesia de Barmherzigen Brüder, con la cual Haydn estaba en amistoso contacto (había compuesto para ellos la Missa San Joanni Deo, a mediados de 1770 y, asimismo, esta obra tenía también una elaborada parte de solo de órgano en el Benedictus).

Haydn realizó diversas importantes alteraciones y añadidos al original, incluida la supresión de un compás en el Eja ergo. Debió hacer este cambio en algún momento después de 1771, ya que casi todas las copias conocidas, e incluso en la publicación de Mollo, aparece el compás impreso. Aun más tarde alguien hizo grandes añadidos a la M.S: esto concierne a las dinámicas y, lo más importante, la división de las partes vocales en “solo” y “tutti”. Estos cambios en la partitura fueron hechos sin el conocimiento o aprobación de Haydn, ya que no aparecen en ninguna copia contemporánea.

Una copia directa del original, fue especialmente útil en determinar qué cambios del original fueron añadidos después. Por ejemplo: el compás en el Eja ergo que Haydn eliminó aparece en la de Elssler. Dos grupos de partituras antiguas en los Archivos de Eisenstadt se han preservado: uno en un principio perteneciente al Regenschori de Eisenstadt Stadtpfarrkirche, Carl Krauss (la página del título está firmada con sus iniciales), y otro que parece haber sido copiado para el coro del Príncipe, e incluso puede ser el material de la representación original.

Haydn quiso dejar claro que el Salve Regina de 1771 fue originalmente planeado para cuatro solistas y ejecutado por cuatro solistas. En su auténtica orquestación la obra suena delicada y como una pieza de música de cámara ampliada. En la versión que se ofrece hoy se han incluido las partes corales. La división entre solo y tutti es fácilmente evidente.

MARÍA PILAR BURGOS Nace en Alcañíz (Teruel). Realiza sus estudios musicales en los Conservatorios Superiores de Música de Valencia y Zaragoza, así como en el estudio profesional de música J.R. Santa María, donde estudia canto con Josefina Montiel, cursando estudios de técnica vocal, piano, armo-nía, etc. Posteriormente pasa a recibir clases con Isabel Penagos Valero, profesora de la Escuela Superior de Música de Madrid.

Fija su residencia en Viena (Austria), donde perfecciona técnica vocal con la Catedrática de la Hochschule fúr Music de Viena, Helena La-zarska.

Es alumna en las Master Class de cantantes tan reconocidos como Guillemet Laurens, (Francia), Jaume Aragall (España) y Alfredo Kraus (España), entre otros.

Ha sido premiada en los siguientes concursos de canto: Concurso Voz de más Porvenir de Ciudad de Logroño y, posteriormente, Primer Premio Concurso Nacional de Canto Ciudad de Logroño, Beca Montserrat Caballé-Bernabé Martí, Concurso-beca Ministerio de Cultura, Se-gundo Premio Concurso Internacional de Canto Maestro Alonso, Concurso Internacional de Canto Acisclo Fernández, (Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero), Mejor interpretación de una obra del Maestro Guerrero, Tercer Premio Concurso Internacional de Canto Pedro Lavirgen, Concurso Francisco Viñas y Concurso Otoño Lírico Jerezano.

Su repertorio abarca desde la música barroca, ópera, zarzuela, música española y oratorio, con obras como el Réquiem, Misa en Do y Misa de la Coronación, de Mozart, Membra Jessu Nostri, de Buxtehude, Stabat Mater, de Pergolessi, La Creación, de Haydn, Requiem, de Fauré, entre otros, y en el campo de la ópera, aborda papeles como el de Zerlina de Don Giovanni, y Despina de Cosi fan tutte, de Mozart, Rossina de El Barbero de Sevilla, de Rossini, Gilda de Rigoletto, de Verdi, Norma de Don Pascuale, de Donizetti, Musetta de La Bohéme, de Puccini, y Javotte de Manon, de Massenet, entre otros, con interpretaciones en España, Francia, Italia, Polonia, Alemania, Austria, etc.

En la actualidad compagina su actividad de cantante solista con su labor como componente del Coro Nacional de España.

ENEIDA GARCÍA GARIJONace en Alicante donde inicia sus estudios musicales en canto, piano y ballet Clásico en el Real Conservatorio de Música y Declamación obteniendo el Título de Profesora de Ballet Clásico. También cursa estudios universitarios obteniendo la Licenciatura en Historia y la Diplo-matura en Lengua Árabe por la Universidad de Alicante. Se traslada a Madrid donde continúa sus estudios de canto e inicia su tesis doctoral en Musicología gracias a una beca de I+D del Ministerio de Educación y Ciencia. Obtiene el Título Superior de Canto con calificación de Sobresaliente y el Premio Extraordinario de Estética Musical por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Ha sido profesora de Historia de la Música, Estética y Arte en los conservatorios de grado medio Arturo Soria y Joaquín Turina.

Su carrera musical se inicia con su participación en el Quinteto Vocal de Música Antigua Gregor, con el que realiza numerosas jiras por toda Europa con repertorio del siglo de oro español, realizando grabaciones para las radio y televisión de Francia, Bélgica y Portugal. Crea poste-riormente el grupo de cámara Romanticismo (voz, clarinete y piano), con el que da conciertos por toda España con repertorio del siglo XIX.



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Ha sido protagonista en varias producciones del Teatro de la Zarzuela, entre las que destacan el papel de Doña. Bárbara, en la zarzuela El hijo fingido, de Joaquín Rodrigo, y el papel de Manuela en Agua, azucarillos y aguardiente, de Federico Chueca, ambas con dirección de Miguel Roa.

Ha colaborado con la Orquesta y Coro Nacional de España en el II y III Concierto de Navidad con fragmentos de ópera y zarzuela bajo la dirección musical de Rafael Frühbeck de Burgos y la dirección escénica de Adolfo Marsillach y Nuria Espert, respectivamente.

En 2002 interpreta el papel de Charmione en la ópera Cléopatre, de Jules Massenet, junto a la soprano Montserrat Caballé, en el Festival del Mediterráneo, en Tívoli (Italia).

Ha realizado un ciclo de conciertos monográficos sobre la obra de Vicente Martín y Soler con motivo del 200 aniversario de su muerte y en colaboración con el R.C.S.de Música de Madrid.

En la actualidad es miembro del Coro de la RTVE. Ha intervenido en múltiples ocasiones como solista con la Orquesta y Coro de RTVE entre las que destacan: la Misa de la Coronación, KV 317, de W. A. Mozart, bajo la dirección de Enrique García Asensio, en el Teatro Calderón de Valladolid, el Requiem für Mignon, Op. 98, de Robert Schumann, bajo la dirección de Adrian Leaper, en el Teatro Monumental, la Petite Messe Solennelle de Gioacchino Rossini, en el Teatro Arriaga de Pamplona, la Missa Brevis, de Manuel de Burgos (estreno en el 50 Aniversario del Coro de RTVE), en el Teatro Monumental, Misa L’homme armé, de Johannes Ockeghem, en la Casa del Cordón en Burgos, Concierto de Villancicos sobre el padre Antonio Soler, en la Catedral de Málaga y el Teatro Monumental de Madrid, todos ellos bajo la dirección de Mariano Alfonso.

Como solista en los Ciclos de Música Coral del Coro de RTVE destacan Cuatro motetes, de Aaron Coplan, con dirección de L. Ramos, la Misa en Mi bemol menor, Op. 11, de Alexandre Guilmant, bajo la dirección de J. Duijck, Ciclo de canciones, de Franz Schubert, bajo la dirección de Mireia Barrera, Missa Papae Marcelli, de Giovanni Pierluigi da Palestrina, con dirección de Lorenzo Ramos, Ciclo de canciones, de Franz Schubert, bajo dirección de A. Huarte, Ciclo de canciones Juegos, de Fernando Remacha, bajo la dirección de D. Guindano.

Igualmente ha participado en los Conciertos de Radio Clásica entre los que destacan el programa monográfico sobre obra de G. Rossini, y el dedicado a D. Shostakovich y R. Schumann, ambos para cuarteto vocal y piano.

Es solista de la Orquesta y Coro de San Jerónimo El Real, con el que ha realizado conciertos por toda España, y especializada en repertorio religioso, tal como Réquiem, KV 626, Misa de la Coronación, KV 317, Misa Brevis, KV 192 y 192, de W. A. Mozart, Misa de San Nicolás, Hob.XXII/6, de F. J. Haydn, Misa en Si bemol Mayor, D 324, de F. Schubert, etc.

Tiene varias grabaciones para el sello RTVE, como la zarzuela La Revoltosa, en el papel de Soledad, junto a Plácido Domingo y la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Miguel Roa, la Missa Brevis, de Manuel de Burgos, “In memoriam”, monográfico de canciones de María Escribano, y “Villancicos” del Padre Soler, las tres bajo la dirección de Mariano Alfonso. Con el sello Classic d´Or graba la ópera Cléopatre, en el papel de Charmione, de J. Massenet, junto a Montserrat Caballé, bajo la dirección de Miquel Ortega, y el disco de “Mú-sica Sacra en los Jerónimos”, con arias de La Pasión según San Mateo, BWV 244, de J. S. Bach, y la Misa Brevis, KV 194, de W. A. Mozart.

MANUEL MENDAñARealiza sus estudios musicales en la Escuela Superior de Canto de Madrid, en España, y en la Hochschule y el Conservatorio de Viena, en Austria. Perfecciona sus estudios con Delmira Olivera, Miguel Zanetti, Helena Lazarska y Gerhard Kahry.

La Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid le contrata para interpretar en Madrid La Creación, de Haydn, y el Magnificat, de Bach.

Interpreta música de cámara, música española y oratorio en los más destacados auditorios de la geografía española, con obras como El retablo de Maese Pedro, de Falla, Pequeña misa solemne, de Rossini, y la Misa en Mi bemol Mayor, de Schubert, siendo esta última editada en CD por el Auditorio de Zaragoza.

Para la inauguración del teatro de Sankt Pölten, en Austria, participa en el montaje de la ópera de Monteverdi, L’incoronazione de Poppea. Así mismo ha realizado los papeles de Belmonte y de Aufidio en las óperas El rapto en el serrallo y Lucio Silla, de Mozart, respectivamente, tanto en España como en Austria.

Ha realizado conciertos de ópera, opereta y lied en Italia (Venecia y Bolonia), y en Viena (Austria) con las obras Membra Jesu Nostri, de Bux-tehude, Misa en Do Mayor, de Beethoven, Lobgesang, de Mendelssohn, y Misa en Mi bemol Mayor, de Schubert, esta última en la Catedral de dicha ciudad.

En el presente año ha interpretado El barbero de Sevilla, en el papel del Conde Almaviva, en Baden (Austria), y Armida, de Haydn, en el Fes-tival Internacional Haydn de Eisenstadt (Austria), como Clotarco, dirigido por Adam Fischer.

En la actualidad forma parte del Coro Nacional de España.

GONZALO BURGOS ARANDA Natural de Zaragoza, donde inicia sus estudios musicales. Culminando sus estudios de técnica de canto y piano en la Escuela Superior de Canto de Madrid.



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Forma parte del Coro de la Comunidad de Madrid desde febrero de 1996, en donde actúa en numerosas ocasiones como solista. Colabora en diferentes ocasiones con el Coro de RTVE y el Coro Nacional de España. Ha participado en diversas grabaciones bajo la dirección de Miguel Roa. Es el fundador del Grupo Alborada, con el que realiza multitud de eventos privados por toda la geografía española.

Ha actuado como solista bajo la dirección de maestros como Arturo Tamayo, Jordi Casas, Víctor Pablo Pérez, Antoni Ros Marbà, J. M. Horst-mann, Mariss Jansons, Miguel Roa, Lorenzo Ramos, Luis Antonio García Navarro, José Ramón Encinar y Jesús López Cobos, entre otros.

CORO DE SAN JERÓNIMO EL REALEl Coro de San Jerónimo el Real es un coro polifónico dedicado principalmente a la música sacra. Nacido en 1989 por iniciativa del entonces Párroco de Los Jerónimos, D. Manuel González Cano y de su organista D. Cristóbal Yubero. Junto con la orquesta, creada en 1990, ha par-ticipado en innumerables actos religiosos tales como bodas, funerales... tanto en la propia Parroquia de Los Jerónimos, a la que pertenece, como en otras Iglesias.

Su especialidad es la interpretación de Misas Solemnes de diversos autores (Mozart, Haydn, Schubert, Fauré, Beethoven, Handel....), acom-pañados por orquesta y solistas.

Además cuenta con un amplio repertorio de música profana y popular: óperas, zarzuelas, espirituales negros, villancicos...

CAMERATA DE SAN JERÓNIMOLa Camerata de San Jerónimo fue creada en marzo de 2011 para ofrecer conciertos sinfónico-corales con el Coro de San Jerónimo el Real.

La orquesta integrada por profesionales de reconocido prestigio tiene entidad propia, pudiendo ofrecer igualmente conciertos de cámara o sinfónicos.

Su composición puede variar dependiendo de las obras a interpretar en cada momento.

A lo largo de estos dos años la Camerata y el Coro han actuado en diferentes conciertos con gran afluencia de público.

En abril de 2011, y dentro del marco del XXI Festival de Arte Sacro, se ofreció el Réquiem, de W. A. Mozart, en la Real Basílica de San Fran-cisco el Grande.

A partir de esta fecha, Camerata y Coro han participado en diferentes conciertos en iglesias de la Comunidad de Madrid, con la Misa Ale-mana, de F. Schubert, Requiem, de G. Fauré, Misa de la Coronación, de Mozart, Misa en Sol Mayor, de F. Schubert, Missa Brevis Sancti Joannis de Deo, de Haydn, Conciertos de Navidad, Conciertos en honor a la Virgen María, etc., muchos de ellos dentro del Festival de Arte Sacro, auspiciados por la Comunidad de Madrid y otros por la propia Parroquia de los Jerónimos.

BRAIS GARCÍA MACEIRASNatural de La Coruña, inicia sus estudios musicales de manera autodidáctica consiguiendo las más altas calificaciones. Graduado con hono-res por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en las especialidades de piano, en la cátedra de Ana Guijarro, y acompañamiento vocal, con el catedrático Juan Antonio Álvarez Parejo.

Así mismo en su perfeccionamiento han influido maestros de la talla de Rogelio Rodríguez Gavilanes, Ton Koopman, Enrique Rueda, Óscar Gershensohn, Emilio Molina, Félix Lavilla, Luís Ángel de Benito, Aníbal Bañados, Carmen Díez, Manuel Cepero, José Valderrama y Edelmiro Arnaltes, entre otros.

Ganador del Concurso Hazen, como pianista, en la especialidad de música de cámara en 2006. Fruto de este premio ha ofrecido varios conciertos, así como la actuación en directo para Radio Nacional de España.

Su andadura profesional en el repertorio camerístico la inicia junto a la soprano Cecilia Lavilla Berganza, interpretando numerosos recitales por toda la geografía española.

Ha ofrecido recitales como concertista en diversos escenarios, entre los que destacan el Auditorio Nacional de Música de Madrid, Ateneo de Madrid, el Auditorio de la ONCE.

Como maestro repetidor y continuista actúa bajo la dirección de Cristóbal Soler y Oliver Díaz participando en la producción de Viva la ópera (Donizetti), representada en el Teatro Calderón de Valladolid (2011) y Veranos de la Villa de Madrid (2013).

Actualmente colabora como maestro repetidor del coro Koine, junto a Ignacio Yepes en su dirección, con quien ha montado las obras sinfónico-corales más representativas del repertorio clásico, como el Requiem alemán (Brahms), La Pasión según San Juan (Bach), etc., así como varios estrenos nacionales.

Como organista solista ha grabado la Misa de la Sagrada Familia, del compositor José Antonio Camuñas.

Como pianista solista, ha colaborado con la Orquesta Filarmónica de Costa Rica, bajo la batuta de. Marvin Araya. También como solista



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debutó en el Teatro Real de Madrid, el pasado diciembre de 2013, en el homenaje a la Reina Fabiola.

Entre sus próximos compromisos profesionales se encuentran tres conciertos en el Ciclo Satélites de la Orquesta y Coro Nacionales de Espa-ña, temporada 2013-2014 y 2014-2015, además de su colaboración en la Temporada en el Auditorio Nacional de Música de Granada Manuel de Falla, con el Requiem alemán, de J. Brahms, versión a 4 manos, junto a Beatriz A. Vizán, con quien forma dúo artístico. Dentro de sus inquietudes artísticas investiga en la parte compositiva para piano, improvisatoria y camerística, acompañando no sólo a algunos de los mejores solistas líricos españoles, sino también acercándose al género del jazz, de lo que es un ejemplo la colaboración con Donna Hightower, con quien grabó, en exclusiva, la obra original de José Luis Iturralde, Don´t never change.

VICENTE SEMPERENació en Elche, Alicante, donde, a muy temprana edad, comenzó los estudios musicales de flauta y violín.

Más tarde, en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, amplió y cursó los estudios de violín, flauta, composición y dirección de orquesta.

Ha sido profesor de flauta en la Orquesta Sinfónica de la RTVE.

Como ampliación a los estudios de dirección, asistió a las clases magistrales que ofrecía el prestigioso maestro rumano Sergiu Celibidache, sobre fenomenología musical, asistiendo asimismo al Curso Internacional para Directores de Orquesta impartido por el maestro en Bolonia , Italia. Vicente Sempere fue director de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad de Madrid, desde su creación, en l991, hasta 2002, en la que desarrolló una amplia labor pedagógica con conciertos en España y en el extranjero. Ha sido director titular de la Orquesta Ciutat d´Elx, de la Agrupación de Cámara de Madrid, de la Gran Banda Sinfónica de Músicos Valen-cianos en Madrid, así como director de la Escuela Municipal Manuel de Falla, de Alcorcón (Madrid), donde creó la Banda Municipal, la Coral Polifónica y el Coro Infantil. Vicente Sempere ha dirigido, como director invitado, muchas de las orquestas españolas.

En el campo de la composición, Sempere es autor de varias obras para orquesta, banda sinfónica, grupos de cámara y coro. Algunas de ellas han sido grabadas en CD y por Radio Nacional.

Desde el año 2009 es director de la Coral Villa de Méntrida.

En febrero de 2011 se hizo cargo del Coro de San Jerónimo el Real de Madrid y, en esa misma fecha, se creó la orquesta Camerata de San Jerónimo, que se incorporó a los conciertos sinfónico-corales ofrecidos por el Coro.



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SONOR ENSEMBLE

INTÉRPRETESGÚDRUN ÓLAFSDÓTTIR, soprano, mezzosoprano. ÁNGELA CASTAñEDA, mezzosoprano. FERNANDO AGUILERA, tenor. MARIO LIZÁN, bajo. SONOR ENSEMBLE: Kremena Gancheva, Raquel Hernando, violines. Virginia Aparicio, viola. José María Mañero, violoncello. Bárbara Veiga, contrabajo. Iván García, clarinete. Sebastián Mariné, piano. LUIS AGUIRRE, director.


PROGRAMA

Guillaume Lekeu(1870 - 1894)

Nocturno (mezzosoprano, piano y cuerdas)

Polyna Medyulyanova(1974)

Gedenkmesse ** (cuarteto vocal, cuerdas y clarinete)

- Hell und hoch gelegen (Luminoso y sublime)- Langsam (Lento)- Mässig langsam (Moderadamente lento)- Mässig (Moderado)- Nicht beeilend (Tranquilo)- Breit, langsam (Im Geist Gregonianische des Gesanges) (Amplio, lento, en el espíritu del canto gregoriano)

Sebastián Mariné(1957)

Dad, ad Patrem in memoriam * (mezzosoprano y conjunto instrumental)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer).25 de marzo. 19:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

IN MEMORIAM

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Philippe Hersant(1948)

In fremden Land **

- Wiegenlied (Canción de cuna)- Totentanz (Danza macabra)- Andenken (Recuerdo)- Phantasiestück (Improvisación)- Choral “In memoriam”

José Luis Turina(1952)

Callada partida * (mezzosoprano y sexteto con piano)

* Estreno absoluto** Estreno en España

NOTAS AL PROGRAMAIn memoriam, “en memoria”, o “en recuerdo de”, rinde un tributo de respeto, admiración y amor a personas ya desaparecidas físicamente pero que siguen de alguna manera viviendo entre nosotros, porque, sin entrar en consideraciones metafísicas, el espíritu de un ser humano perdura mientras se mantenga viva la llama de su recuerdo. De significado muy especial y profundo para varios de los intérpretes y com-positores, cuyas obras se interpretan hoy, son estas composiciones en las que los autores han volcado su espiritualidad, su sentido de la trascendencia, de la nostalgia, de la alegría y del amor que señalábamos al principio de estas líneas.

Bajo esos conceptos contemplamos el hermoso Nocturno, para mezzosoprano, piano y cuerdas, del compositor franco-belga Guillaume Le-keu (1870-1894), cuya prematura muerte privó a la música de un precursor del simbolismo y que muy bien hubiera podido ser el continuador natural de su maestro César Franck.

Polina Medyulyanova, uzbeka (Tashkent, 1974), posee un lenguaje musical muy atractivo basado en el entretejido de diferentes elementos que surgen de diversas fuentes como pueden ser el canto gregoriano o la música tradicional de Oriente Medio y Asia Central.

En 2003, y a petición del pintor y escultor alemán Lothar Seruset, compuso Gedenkmesse, una obra dedicada a la memoria de la esposa del pintor, Elisabeth Seruset y que sería estrenada en sus funerales. La paz y el consuelo que solicita la obra se manifiestan a través de seis breves y expresivos números escritos para cuarteto vocal, cuerdas y clarinete.

Dad = donad. Dad (inglés) = papá. Sebastián Mariné (1957) escribió en 2007 Dad, ad Patrem in memoriam, versión para voz y conjunto ins-trumental del Pater Noster. Utiliza la misma organización interválica, de ámbito muy restringido, de la Missa, Op. 47 (2002) y se estructura en dos partes separadas por un pasaje central (después de la petición-exigencia del pan diario) en la cual la voz actúa como un instrumento más, seguida de una cadencia del contrabajo. El carácter general es enérgico y rítmico, a la vez que melódico y expresivo.

La obra, dedicada a Luis Aguirre y al Sonor Ensemble, forma parte del conjunto de piezas que Mariné ha escrito a la memoria de su padre: la referida Missa, el Aleluya, para voz y órgano, y las Tres oraciones (Doxología, Domine non sum dignus y Deo gratias).

In Fremden Land (En tierra extraña), compuesta por Philippe Hersant en 2003 a instancias de la Asociación Patrimonio y Culturas Europeas, es una obra intensa, vigorosa, pero también profundamente sutil en la que se manifiesta claramente el pensamiento límpido y preciso de un compositor que hace pública su no alineación con ningún tipo de vanguardias. Hersant, francés nacido en Roma en 1948, tiene en su haber una vasta obra que le sitúa entre los compositores más destacados de la actualidad francesa.

El Coral “In memoriam”, con el que concluye In Fremden Land está dedicado a la memoria del compositor francés de origen polaco-judío Olivier Greif (1950-2000), en cuyas obras influyó notablemente el drama de su padre, superviviente de Auschwitz.

José Luis Turina (1952) habla de su obra en los siguientes términos: “Callada partida, para voz (o clarinete) y sexteto con piano nace de un encargo de Luis Aguirre, director del Grupo Sonor Ensemble, con quien me unen muchos años ya de sincera amistad, para conmemorar el primer aniversario del fallecimiento de su madre, Conchita Colón, a partir de un emocionado soneto compuesto por ella misma con motivo, a su vez, de la muerte de la suya y está dedicada a su memoria.

Dadas las especialísimas circunstancias del encargo, pocas veces como en esta ocasión he tenido la sensación inicial de encontrarme ante una empresa difícil de llevar a buen término, decidiéndome finalmente por resolver el conflicto (o eso creo) dejándome llevar por la vibración contenida en el poema, sin entrar en especulaciones estéticas y poniéndome en todo momento al servicio del sentido íntimo, doloroso y resignado, del soneto.

LUIS AGUIRRE, SEBASTIÁN MARINÉ Y JOSÉ LUIS TURINA

GUDRÚN ÓLAFSDÓTTIRLa mezzosoprano islandesa Gudrún Ólafsdóttir ha cantado por toda Europa y en Latinoamérica en lugares como el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Teatro Real, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, el Royal Festival Hall (Londres), Bozar Henry le Boeuf Hall (Bruse-las), el Coliseo de Buenos Aires y la Sala Glinka de la Filarmonía de San Petersburgo. Ha trabajado como solista con la Orquesta Sinfónica



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de Islandia, Sonor Ensemble, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta Sinfónica Estatal de San Petersburgo y la Philharmonia Orchestra de Londres. Ha cantado el papel del Gato en El gato con botas, de Montsalvatge, en una producción del Teatro Real de Madrid. Otros papeles operísticos incluyen Cenerentola, Dorabella, Rosina, Romeo, el Príncipe Orlowsky, Sesto (Mozart), Dido (Purcell), Carmen y Der Komponist. Ha estrenado numerosas obras de compositores de diferentes nacionalidades, algunas de ellas escritas especialmente para ella. Ha ganado numerosos premios en concursos internacionales de canto, incluyendo el Kathleen Ferrier Song Prize en la Wigmore Hall en Lon-dres, The Miriam Licette Scholarship en el Royal Opera House Covent Garden, el Premio Lied en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Zamora, Tercer Premio en el Concorso Internazionale de Música Sacra de Roma y el Premio al Mejor Intérprete de la Música de Joaquín Rodrigo en el Concurso Internacional Joaquín Rodrigo, en Madrid. Estudió canto con Rut Magnússon en Reikiavík, Laura Sarti en la Guildhall School of Music & Drama, Londres (Master of Music y Curso de Ópera) y Alicia Nafé, en Madrid. Sus CD incluyen Grieg-Schumann, con el pianista Víkingur Ólafsson, John Tavener: Iepo Oneipo Sacred Dream (Editor’s Choice, Gramophone Magazine), Apocrypha (Premio Nacional Islandés de la Música), Mine is Yours-Songs from Iceland and Spain y English and Scottish Romantic Songs for Voice and Guitar, con el gui-tarrista Francisco Javier Jáuregui. www.gudrunolafsdottir.com

LUIS AGUIRRENacido en Madrid, realiza estudios de Economía en la Universidad Autónoma, y Piano, Composición y Dirección de Orquesta en el Real Con-servatorio Superior de Música de Madrid, ampliando estudios en el Guildhall School of Music and Drama (Londres), Hochschule für Musik und Darstellende Kunst “Mozarteum” (Salzburgo) y en la Universidad de Indiana (USA).

Durante 1986 y 1987 fue Director Asistente de la Orquesta Nacional de España y en las temporadas 1995/96 y 1996/97 asumió la dirección titular y artística de la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona. Desde su creación, en 2004, es director musical y artístico del Sonor Ensemble, con el que ha realizado más de de centenar y medio de conciertos.

Ha actuado con orquestas sinfónicas y de cámara en numerosos países de Europa, América, África y Asia y ha realizado grabaciones para RNE, TV5, RTVE, Radio Nacional de Islandia y para el sello Fundación Autor.

Ha dirigido entre otras a la New Orchestra of Boston, Bournemouth Symphony Orchestra, Solistas del Metropolitan de Nueva York, Sinfónica de Santa Fé (Argentina), Filarmónica de Jalisco (México), The Nairobi Orchestra (Kenia), Sinfónica Nacional Portuguesa, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Sinfónica de Madrid y prácticamente a la mayoría de las restantes orquestas sinfónicas españolas.

Con sus encargos a diferentes compositores, el estreno de más de un centenar de obras y constante labor de divulgación, Luis Aguirre presta su contribución particular a la vida musical española.



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ROBERTO CASADO / RAÚL DEL TORO

INTÉRPRETESROBERTO CASADO, flauta. RAÚL DEL TORO, órgano.


PROGRAMA

Jesús María Muneta(1939)

Preludio Gaudete *, Op. 427/2, para flauta y órgano

Georg Friedrich Kauffmann(1679-1735)

Ach Gott, vom Himmel sieh darein, para flauta y órgano

José Antonio de Donostia(1886-1956)

Laudetur Christus in æternum **, para gran órgano

Frank Martin(1890-1974)

Sonata da chiesa, para flauta y órgano

Daniel Roth(1942)

Aïn Karim, fantasía para flauta y órgano

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Parroquia de la Concepción de Nuestra Señora.28 de marzo. 21:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

MÚSICA ORIGINAL PARA FLAUTA Y ÓRGANO

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Lani Smith(1934)

Preludios para flauta y órgano

- Así como soy- En la hora del juicio- Rezo a la Cruz de Cristo- Bajo la Cruz de Jesús- ¡Oh! Mi Salvador padeció en la Cruz- Cuando observo la Cruz de martirio

* Estreno absoluto** Estreno absoluto. Obra inédita, transcripción y edición de Raúl del Toro

NOTAS AL PROGRAMAEl concierto se abre con el estreno absoluto de Preludio Gaudete del compositor navarro, afincado en Teruel, Jesús María Muneta. A partir de una cita gregoriana la obra alienta en un clima de alegría manifestada por figuraciones rápidas, notas repetidas en staccato y ritmos pun-teados.

Casi oculta entre la espléndida floración del barroco germánico tardío con su constelación de cantatas, sonatas, conciertos, fugas y partitas, asoma una no muy extensa serie de piezas concebidas para la combinación de órgano con pedales y diversos instrumentos melódicos. Kauffmann, competidor de Johann Sebastian Bach para el puesto de kapellmeister de Sto Tomás de Leizpig, es el autor de una de estas pie-zas. En la que escucharemos hoy la melodía del coral Ach Gott, vom Himmel sieh darein es asignada a la flauta, mientras el órgano despliega en sus tres teclados (los dos manuales y el de pedales) una hermosa escritura en trío.

Se presenta en estreno absoluto la obra inédita Laudetur Christus in æternum, para gran órgano, del importante compositor y musicólogo guipuzcoano Padre Donostia. Escrita en 1910 sobre una melodía religiosa popular vasca, atestigua su elegante estilo romántico en sus prime-ros años: texturas densas y cálidas, conducción temático-armónica de sólida eficacia. A esto hay que añadir, en esta pieza, una amplitud en la forma y una variedad en la escritura superiores a sus otras composiciones de esta etapa. Así, encontramos ciertos recursos no frecuentes en otras creaciones de este periodo, como arpegios en valores rápidos, doble pedal polifónico, secciones fugadas o imponentes masas acórdicas con el tutti del órgano.

El organista y compositor suizo Frank Martin participó del Orgelbewegung, movimiento que buscaba el renacimiento del órgano y su música a partir de la recuperación de las tradiciones del Renacimiento y el Barroco. El título Sonata da chiesa evoca este histórico género de música instrumental sacra cuyos últimos grandes ejemplos debemos a W. A. Mozart. Lo diáfano de las texturas, los ritmos nítidos y el abundante uso del contrapunto significan en esta sonata de F. Martin la evocación del luminoso y vocal órgano lenguaje tardo barroco-clásico, tan diferente a las imponentes masas sonoras del órgano sinfónico que todavía prevalecía a mediados del siglo XX. La clara articulación de la flauta participa de este mismo espíritu.

Daniel Roth, sucesor de Widor y Dupré como organista del monumental Cavaillé- Coll de St. Sulpice, en París, informa de que al recibir el encargo de componer una obra para flauta y órgano pensó inmediatamente en el contraste dramático entre ambos instrumentos: el poder avasallador del órgano frente a la dulce fragilidad de la flauta. No por casualidad la frase que encabeza la partitura es un versículo del Magní-ficat: “...enaltece a los humildes y derriba del trono a los poderosos”. Precisamente, el título Aïn Karim hace referencia al pueblecito cercano a Jerusalén donde, tal y como relata el Evangelio de San Lucas, Santa María entonó este cántico durante la visita que realizó a su prima Isabel, estando ya encinta de Jesús.

El compositor norteamericano Lani Smith se basa en melodías religiosas de diversa procedencia para crear una serie de expresivas piezas en las que el tratamiento rítmico, motívico y armónico de los corales reviste formas diversas, siempre dentro de un lenguaje tonal clásico coloreado por ciertas inflexiones características de la música norteamericana.

RAÚL DEL TORO

ROBERTO CASADONace en Pamplona y estudia flauta con Begoña Agirre en el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate, de Pamplona, donde termina la carrera de flauta con el Primer Premio de Honor y el Título Superior de Música de Cámara, con Matrícula de Honor.

Posteriormente prosigue sus estudios en la Escuela Nacional de Música de Las Landas (Francia), con Hervé Hotier, y en la Escuela Nacional de Música Emile Clerisse, de Evreux (Francia), con Georges Alirol, donde consigue sendas Medallas de Oro por unanimidad.

También ha realizado estudios con las solistas de la Orquesta Sinfónica de RTVE, Mª Antonia Rodríguez, y de la Orquesta de Barcelona, Magdalena Martínez. Toma parte en cursos de perfeccionamiento con Jean Pierre Rampal, Alain Marion, Philippe Pierlot, Pierre Yves Artaud, Alexander Korneyev, Willy Freivogel, Luc Urbain, Aurèle Nicolet, Patrick Gallois, Sophie Cherrier, Philippe Bernold y Maxence Larrieu.

Ha dado numerosos conciertos como solista con orquestas como Sinfónica de Navarra Pablo Sarasate, Ciudad de Málaga, Swinging Strings de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Sinfonietta Académica, Amalur, Orquesta de Cámara Paulino Otamendi, Ensemble Sinkro, Banda de



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Música La Pamplonesa, etc., y de música de cámara en España, Francia, Italia, Polonia, Alemania, Eslovenia y Marruecos, participando en diversos ciclos y festivales, como los del Centro Cultural Conde Duque de Madrid, Festival Internacional de Música Electroacústica Punto de Encuentro, Festival Internacional de Música de la Asociación de Compositores Vasco-Navarros, Jornadas de Música Electroacústica de Vitoria-Gasteiz, Quincena Musical de San Sebastián, Matinées de Miramón, Cultur, Colegio de España en París, Fundación Juan March, Palau de la Música Catalana, L’Auditori de Barcelona, Semana de Música Turolense, Ciclo de Música Contemporánea de Pamplona, Fundación Altadis, Injuve, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro Gayarre de Pamplona, Teatro Rosalía de Castro de La Coruña, Summer Imago Sloveniae, Summer in Ljubljana Old Town, Centro Chopin de Szafarnia, Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, Auditorio Baluarte de Pamplona, Audi-torio Kursaal de San Sebastián, Festival de Segovia, Fundación Juan de Borbón, Festival Sinkro, Ciclo Carmelo Bernaola, Universidad de Gra-nada, Instituto Cervantes, Auditorio 400 del Museo Reina Sofía-CDMC, etc. Ha colaborado con la Orquesta Pablo Sarasate y la Orquesta de la Comunidad de Madrid y ha grabado para CRS Musical, TVE, RNE, Canal Sur, Tele5, Catalunya Radio, Arts records, Espacio Sinkro Records, Arion, Radio Nacional de Eslovenia, Canal 6 y Canal 4 Navarra. Es flauta solista de la Banda de Música La Pamplonesa y de Ensemble Sinkro.

Ha interpretado conciertos de solista con diversos directores, entre los que cabe destacar a Caroline Collier, Jesús María Echeverría, José Luis Temes, Koldo Pastor, Josep Vicent Egea, Pablo Anglés, etc. Entre sus premios más importantes caben destacar: Primer Premio por unanimidad del Concurso Nacional de Flauta Manuel Garijo(1993), Finalista del Concurso Nacional de Flauta Donostia 1995, 2º Premio del Concurso de Música de Cámara Fernando Remacha(1995), Primer Premio por unanimidad del Concurso Internacional de Flauta Buffet-Crampon (1996), Primer Premio de Flauta por unanimidad del Concorso Internazionale di Esecuzione Strumentale Rovere d’Oro, de Italia (1998), Tercer puesto en la modalidad de Viento (1998) y Diploma de Honor al Primer Flautista Clasificado del Torneo Internazionale di Musica (T.I.M.), de Italia (1998 y 1999), Primer Premio por unanimidad con felicitaciones del Concours National du Jeune Flutiste de Francia (1999), Primer Premio por unanimidad del Concurso de Música de Cámara de la UPNA (2000), Segundo puesto del Concurso Andaluz de Jóvenes Intérpretes (2000), Premio Especial del Jurado del Concurso Internacional de Flauta Donostia 2000, Primer Premio por unanimidad del Certa-men d’intèrprets de flauta Ciutat de Benicarló (2000), Primer Premio del Grand Prix de Flûte Gaston Crunelle, de París (2001), Primer Premio de los Encuentros 2001 del Gobierno de Navarra, y Accesit de El Primer Palau de Barcelona (2001).

Compositores como Koldo Pastor, Carlos Etxeberria, Martín Zalba, David Johnstone, Enrique Vázquez, Josep Vicent Egea, José Antonio San Miguel, José Antonio Barros, Jesús Garísoain, Ignacio Monterrubio, David Cantalejo, Alfonso García de la Torre, etc. le han dedicado sus obras, las cuales, han sido estrenadas por él.

Ha sido asesor docente de música del Departamento de Educación y Cultura del Gobierno de Navarra.

Numerosos de sus alumnos han ganado premios en concursos nacionales e internacionales.

Ha sido profesor de flauta del Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz y actualmente lo es del Conservatorio Pro-fesional de Música Pablo Sarasate de Pamplona.

RAÚL DEL TORORaúl del Toro es Titulado Superior en Órgano y Piano por el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate, de Pamplona, y de Clavicém-balo por el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián. Cursa también estudios de armonía, contrapunto, fuga, composición y canto gregoriano.

Perfecciona sus estudios de órgano en Barcelona, con Montserrat Torrent, y en el Sweelinck Conservatorium de Ámsterdam, con Jacques van Oortmerssen. Ha recibido también las enseñanzas de prestigiosos profesores como Jacques Ogg, Piet Kee, Jean Boyer, Jean Claude Zehnder, Jean-Pierre Leguay, Louis Thiry, Bernard Foccroulle, Wolfang Zerer y Daniel Roth.

En 1999 le es concedido el Premio Andrés Segovia – J.M. Ruiz Morales en el XLII Curso Universitario Internacional de Santiago de Compos-tela. En 2000 recibe, como miembro del grupo “La Trulla de Bozes”, el Primer Premio en el XXXVII Concurso Internacional del Festival Van Vlaanderen de Brujas. En 2003 obtiene el Diploma de postgrado y especialización del Departamento de Musicología del CSIC.

Ha ofrecido conciertos en toda la geografía española, así como en Francia, Italia, Polonia, Alemania, Rumanía, Holanda, Bélgica, Luxemburgo, Malta, Andorra, Estados Unidos, Filipinas y Japón. Igualmente ha efectuado diversas grabaciones discográficas, así como para emisoras de radio y televisión de varios países.

En 2002 es nombrado por oposición profesor de órgano del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, así como organista de la Real Capilla de San Jerónimo de la Universidad de esta ciudad.

Desde 2005 es profesor titular de órgano del Conservatorio Profesional de Música Pablo Sarasate, de Pamplona, y responsable de la cátedra de este instrumento en el Conservatorio Superior de Música de Navarra.

Actualmente es organista del órgano histórico John Hele & Co. (1878) de la iglesia de El Salvador, de Pamplona.



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CORO MAESTRO BARBIERI / CORO EL CANTOCORO INFANTIL AULA DE MÚSICAS / ORqUESTA Y CORO DE LA UAM

INTÉRPRETESCARMEN GURRIARÁN, soprano. FÁTIMA GÁLVEZ, mezzosoprano. ARA MALIKIAN, violín solista. ALFREDO CABELLERO,PILAR JUAN, GUILLERMO DE JUAN, violoncellos solistas. CORO MAESTRO BARBIERI. Fernando Rubio, director. COROEL CANTO. Fernando Cobo, director. CORO INFANTIL AULA DE MÚSICAS. Ángela Morales, directora. ORqUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID. ENRIqUE MUñOZ, Director


PROGRAMA

David Popper(1846-1913)

Requiem, para tres violoncellos y orquesta

Enrique Muñoz(1957)

Requiem *, para soprano, mezzo, coro y orquesta

John Williams(1932)

Tres piezas de La lista de Schindler, para violín y orquesta

* Estreno absoluto

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.29 de marzo. 21:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

REqUIEM, DE DAVID POPPER

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NOTAS AL PROGRAMAEl programa comprende tres obras de distintos estilos, pero teniendo como fondo la espiritualidad humana desde distintos ángulos. David Popper (1843-1913) fue un prolífico compositor checo de música para su instrumento, el violoncello. El Requiem, para tres violoncellos y orquesta, es quizás su obra más conmovedora. Fue compuesta en 1892 y dedicada a su amigo, el editor, Daniel Rahter. Muy expresivo, el material se divide entre los tres cellos de forma muy equilibrada. Se interpretó en el propio funeral de Popper, en 1913.

El Requiem, de Enrique Muñoz (Robledollano, 1957), es una obra dedicada a su padre y que será estreno hoy. Se compone de los números ordinarios de la misa de difuntos, a los que se añaden algunos menos frecuentes, en especial In paradisum (dedicado a Fauré) y un poema en castellano No estoy solo, a modo de canción. La obra está compuesta en un solo trazo sin pausa entre los distintos movimientos.

La honda expresividad y espiritualidad de la música para la película La Lista de Schindler de John Williams, es quizás una de las razones del éxito de esta película. Una melodía que está en el inconsciente colectivo gracias a su belleza desde su profunda sencillez. Escucharemos tres piezas, en forma de suite, de la música de la película.

CARMEN GURRIARÁNNacida en Orense, estudia canto, violoncello y piano en los conservatorios de Orense, Santiago de Compostela y Madrid. Obtiene el Título Superior de Piano con las máximas calificaciones bajo la dirección de Martín Millán. Bajo el magisterio de la soprano Elvira Padín finaliza el grado superior de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Asimismo amplía su formación con Claude Allard, The Scho-lars, Enedina Lloris, Hisperion XX, Helmut Deutsch y Sena Jurinac, y como pianista con J. M. Colom, A. Cano, J. Pierre Dupuy, L. Sinsev y S. Nebolsina. Estudia interpretación teatral en la escuela de actores Cuarta Pared, en Madrid. Realiza estudios de postgrado en Suiza con Rada Petkova, Dennis Hall y Esther de Bros, becada por la Xunta de Galicia y premiada por la Fundación Martha Moser de Suiza. Ha escenificado Amahl y los visitantes nocturnos, de Menotti, La voz humana, de F. Poulenc, El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, Cendrillon, de P. Viardot. Su interés por la nueva creación y su amplia preparación la consolidan como una especialista en el ámbito de la música de nues-tro tiempo, siendo invitada en numerosas ocasiones a interpretar repertorio del siglo XX y de compositores actuales. Ha sido calificada por éstos como “músico versátil, de perfecta afinación y depurado estilo”. Ha estrenado obras de Manel Rodeiro, David del Puerto, J. Arias Bal, P. Vallejo, A. Bertomeu, Jesús Rueda, J. M. López López, Jesús Torres, Falcón Sanabria, G. Acilu, A. Webern, L. Dallapiccolla, M. Feldman, Schnittke, G. Scelsi, entre otros, dentro del ciclo Música de Hoy, en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, en el Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela, el MARCO de Vigo, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Au-ditorio Nacional de Música de Madrid, en el Festival de Música Contemporánea de Alicante y Festival Are More. Ha grabado Pierrot lunaire, de Schönberg, y Stabat Mater, de Boccherini, ambos para RNE; un programa de música española del s. XVIII con el guitarrista Germán Muñoz, para TVE-2 y Sobre la noche, de David del Puerto, en un CD para el sello Verso. En el año 2002 fue seleccionada para participar en el ciclo Jóvenes Músicos de la Orquesta Sinfónica de RTVE. Ha cantado con la Orquesta de Cámara Andrés Segovia, la Orquesta Real Philarmonia de Galicia, el Proyecto Guerrero, el Grupo Modus Novus, la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Algunos de los directores con los que ha trabajado son P. André Valade, J. Ramón Encinar, P. Halffter, A. Ros Marbà, A. Leaper, E. García Asensio, etc. Ha estrenado la Tercera Sinfonía, de David del Puerto, para recitador, soprano, mezzosoprano y orquesta bajo la dirección de E. García Asensio. Forma parte del trío Rejoice, de música electrónica, junto con el acordeonista Angel L. Castaño y el compositor David del Puerto y ha fundado el cuarteto vocal a cappella 4 Frequencies. Recientemente ha actuado en el Festival de Música Contemporánea de Alicante y en la Fundación Juan March, interpretando obras de Schnitke, Denissov y Gubaidulina, junto al pianista Kennedy Moretti. Entre sus próximos compromisos figuran la interpretación de la Tercera sinfonía, de David del Puerto, con la Orquesta Sinfónica de Córdoba, un concierto en el Auditorio Reina Sofía con la Orquesta Sinfónica de RTVE, dirigida por Arturo Tamayo, y la participación en el Festival Via Stellae.

FÁTIMA GÁLVEZ HERMOSO DE MENDOZATitulada Superior de la Escuela Superior de Canto de Madrid, tiene una dilatada carrera como intérprete solista, tanto de zarzuela, como de ópera y oratorio. Ha actuado como solista en el Teatro Real, Teatro Albéniz y Fundación Juan March, de Madrid, Plaza Mayor de Sigüenza, Instituto Cervantes de Manchester, diversos Centros Culturales de Madrid y Castilla-La Mancha, con papeles como Pepa, de Agua, azucari-llos y aguardiente, Cherubino, de Las bodas de Fígaro, y Cantaora, de El amor brujo.

Ha pertenecido diez años al Coro del Teatro Real de Madrid y actualmente es componente por oposición del Coro Nacional de España, donde compagina su carrera internacional de cantante solista con los conciertos del Coro en el Auditorio Nacional de España y distintos auditorios de España y Europa.

ARA MALIKIANUna inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea. Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocida en numerosos concursos de prestigio mundial, entre los que cabe destacar los Premios Felix Mendelssohn (1987 Berlín, Alemania), Pablo Sarasate (1995 Pamplona, España), Niccolo Paganini (Génova, Italia), Zino Francescatti (Marsella, Francia), Rodolfo Lipizer (Gorizia, Italia), Juventudes Musicales (Belgrado, Yugoslavia), Rameau (Le Mans, Francia), International Artist Guild (Nueva York, USA), Premio International Music Competition of Japan, Premio a la Dedicación y el Cumplimiento Artístico del Ministerio de Cultura de Alemania, Premio MAX de las Artes Escénicas a la Mejor composición musical para espectáculo escénico, y galardonado dos veces en Los Premios de la Mú-sica en las categorías de Mejor álbum de nuevas músicas y Mejor intérprete de música clásica.

Como solista ha sido invitado en más de cuarenta países y en ciudades como: New York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel), Viena (Musikve-



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rein), Toronto (Ford Center), Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zúrich (Tonhalle), Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul, Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba, Bogotá, Múnich, Praga, Sevilla, Bangkok, Barcelona y Bilbao, entre otros. Y ha colaborado en conciertos de violín y orquesta, bajo la batuta de directores de la talla de Mariss Janssons, Peter Maag, Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez Martínez, Luis Antonio García Navarro, Peter Schneider, Vassili Sinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emil-son, Juan José Mena, Jo Ann Falletta, Pedro Halffter, Alejandro Posada, Cristóbal Halffter o Salvador Brotons. Ha tocado en las principales orquestas de España y, justo este año, ha presentado su propia orquesta, La Orquesta en el Tejado, en el Teatro Español de Madrid.

Ara Malikian tiene una amplia discografía con Warner Music que incluye obras de Antonio Vivaldi (Cuatro Estaciones, más de 80.000 copias vendidas para UNICEF), J S Bach (Sonatas y Partitas), Niccolo Paganini (24 Caprichos), Eugene Ysaye (6 sonatas), Robert Schumann (3 sonatas), Pablo Sarasate, Enrique Arbós, Astor Piazzola, Música armenia, Música flamenca, junto al guitarrista José Luis Montón (Manantial y De la Felicidad), así como música de Fernando Egózcue recogida en los álbumes Lejos y Con los ojos cerrados, disco presentado en los Teatros Arteria y en el Teatro Fernán Gómez, en el marco del Festival de Jazz de Madrid, en 2011.

Ara Malikian ha demostrado desde siempre un especial interés en acercar la música, tanto clásica como no clásica, a todos los públicos, para ello creó Cuentos del Mundo (Armenia), un espectáculo familiar, así como Mis primeras Cuatro estaciones, una versión dramatizada de las Cuatro estaciones, de Vivaldi, que se ha representado por toda España con gran éxito de público y crítica. En sus ensemble como Colores o Con los ojos cerrados cuenta con la presencia de grandes músicos en escena y juntos han tocado en el marco de grandes festivales. Sus espectáculos dramatizados como Los divinos, actualmente en gira nacional, PaGagnin, en gira internacional y galardonado con varios pre-mios, y Caprichos para violín y cuerda, proyecto que construye junto a la Compañía de danza Dragones en el andamio, han convertido a Ara Malikian, entre otras cosas, en un personaje de prestigio y de fama internacional que le permite colaborar siempre que puede en proyectos destinados a mejorar la vida de las personas más desfavorecidas, sobre todo cuando se trata de niños. En concreto, cada año colabora con la ONG Acción contra el hambre.

ALFREDO CABELLEROMiembro activo de la Nationaal Jeugd Orkest (Holanda) y de la Joven Orquesta Nacional de España. Colabora con la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española y la Orquesta Nacional de España y ofrece conciertos con diversas agrupaciones de música de cámara a lo largo de toda España. Es profesor en el Conservatorio Profesional de música Miguel Fleta, de Monzón (Huesca).

PILAR JUANHa sido miembro de la JONDE y de la Orquesta Sinfónica de Galicia, y ha colaborado con orquestas como la Orquesta de Valencia, la Or-questa Sinfónica de Euskadi, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta Nacional de España, la Orquesta de Cámara Reina Sofía y el Grupo Enigma-OCAZ. Ha formado también parte de distintas agrupaciones camerísticas y actuado en salas como el Palau de la Música de Valencia, el Palacio de Festivales de Cantabria, el Auditorio Nacional de Música, el Trinity College, en Dublín, y la Fundación Juan March, en Madrid.

GUILLERMO DE JUANFinaliza sus estudios en el Real Conservatorio de La Haya y en la Academia Nacional Holandesa de Cuarteto de Cuerda, en Amsterdam, y recibe puntualmente también consejos de violoncellistas de importancia, como Anner Bijlsma, Frans Helmerson o Tanja Teztslaff. Ha cola-borado con otras agrupaciones profesionales, como la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza o la Orquesta Filarmónica de Málaga.

ORqUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID (OCUAM)La Orquesta y Coro de la UAM realizan un intenso trabajo dentro de España y el extranjero para la promoción y difusión de la música clásica, acto que se ve reflejado especialmente en la grabación de dos CD y un DVD. Su actividad como intérpretes les ha llevado a representar a la UAM como entusiastas embajadores de la actividad musical y académica por diferentes partes del país y del extranjero, siempre con un reco-nocido éxito. Desde su creación, en el año 1995, están bajo la dirección de Enrique Muñoz Rubio. Han actuado en las salas más importantes de España, entre las que destaca el Auditorio Nacional, donde todos los años se realiza el concierto de cierre de temporada. La OCUAM es también invitada todos los años a participar en importantes festivales, entre los que sobresalen el Festival COMA y el Festival de Música Sacra de la Comunidad de Madrid, Creta, París y Angers (Francia). Ha grabado 2 CD, uno dedicado a música francesa y el segundo dedicado a la música de compositores españoles. Recientemente se grabó un DVD con un concierto de la 9ª Sinfonía, de Beethoven, junto a un documental donde se muestra todo el trabajo realizado por la OCUAM para llevar a cabo la interpretación y grabación de dicha obra.

ENRIqUE MUñOZEs profesor de la Facultad de Formación de Profesorado y Educación de la UAM, desarrollando como músico una triple vertiente, como docente, como compositor y como intérprete y director de orquesta y coros. En el campo de la composición, pertenece al grupo de composi-tores madrileños más activos, estrenando sus obras dentro y fuera de España y obteniendo premios nacionales e internacionales. Sus últimos estrenos han tenido lugar en Japón, Italia, Francia, Brasil, Finlandia Senegal, Rumanía, Taiwán y en el festival de compositores madrileños COMA 2007. Recientemente se ha editado un disco monográfico de parte de su música vocal a cappella por la casa discográfica EMEC en la serie Compositores Españoles, Vol. 8, interpretado por el Ensemble Vocal francés Soli-Tutti. En su trayectoria como director ha fundado y



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dirigido la Orquesta La Vihuela, el Coro Maestro Barbieri, la Coral Parque Norte, el Coro y Orquesta de la UAM, el Coro de Cámara de la UAM, y el Grupo Instrumental de Cámara de la UAM.



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ACCADEMIA DEL PIACERE

INTÉRPRETESACCADEMIA DEL PIACERE: Fahmi Alqhai, quintón. Rami Alqhai, viola de gamba y quintón. Johanna Rose, viola de gamba bajo.


PROGRAMA

Johann Sebastian Bach(1685-1750)

Coral: Liebster Jesu, wir sind hier, BWV 731

Trío Sonata nº 3, en Re menor, BWV 527

- Andante- Adagio e dolce- Vivace

Coral: Wenn wir in höchsten Nöten sein, BWV 641

14 Variaciones sobre un aria (Variaciones Goldberg), BWV 988

Teatros, fechas yhorariosSan Lorenzo de El Escorial.Real Coliseo de Carlos III.29 de marzo. 20:00 horas. Entradas: de 10 a 15 €.

MÚSICA

JOHANN SEBASTIAN BACH. MEMORIAS DE LEIPZIG (1723-1750)

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Trío Sonata nº 6, en Sol Mayor, BWV 530

- Vivace- Lento- Allegro

NOTAS AL PROGRAMAEl hecho de que Johann Sebastian Bach decidiera dejar su trabajo como Kapellmeister en Köthen y cambiarlo por un puesto de Kantor, mucho menos remunerado y con menos recursos musicales, en Leipzig y que su reciente esposa, Anna Magdalena, se viera obligada a aban-donar su profesión de cantante que poseía en esa ciudad y hacerse una nueva vida pegada a su marido, resulta hoy todavía incomprensible para muchísimos estudiosos de la vida del célebre compositor alemán.

Es indudable que las páginas más elevadas y profundas del organista de Eisenach fueron escritas en Leipzig: El arte de la fuga, La Misa en Si menor, Las variaciones Goldberg, La ofrenda musical, Las sonatas para violín y cembalo, entre otras muchas, constituyen el grueso de la composición más refinada y característica de Bach.

Una de las creaciones menos conocidas y más curiosas que escribió Bach en ese período, fueron las Sonatas a trío para órgano, cargadas de una gran espiritualidad. En este programa se tocarán dos de las más emblemáticas y brillantes que compuso y que servirán como apertura y cierre del concierto.

Estas trío sonatas enmarcarán 14 variaciones de las que Bach compusiera sobre un Aria y las dedicara a Hermann Carl von Keyserlingk, conde de Dresde, para que su cembalista Johann Gottlieb Goldberg las interpretara en las horas de insomnio de su señor.

Para completar este programa, dos corales para órgano arregaldos para trio de violas da gamba, posiblemente de los más reflexivos de la obra de Bach: Libster Jesu y Wenn wir in höchsten Nötten sein.

ACCADEMIA DEL PIACERECentrado desde su origen en el estudio e interpretación de la música del Renacimiento y el Barroco, nuestro conjunto vocal e instrumental ofrece hoy día un amplio abanico de programas: desde la exuberante y pomposa música francesa de la corte del Rey Sol, pasando por la mú-sica virtuosa de la Italia de principios del siglo XVII, hasta las músicas profana y religiosa española y andaluza del Renacimiento y el Barroco.

Accademia del Piacere combina la investigación musicológica y el rescate de música nunca interpretada con la gran capacidad técnica de sus componentes, tanto cantantes como instrumentistas y en su mayoría andaluces, que no en vano se cuentan entre los músicos más pres-tigiosos del panorama internacional de la música antigua. Estos elementos, junto a la fuerte personalidad musical de sus fundadores, dotan al grupo de una inconfundible y poderosa identidad, como han coincidido siempre en destacar la crítica especializada y el público.



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COMPAñIA TRIBUEñE / HUGO PÉREZ

INTÉRPRETESMª ÁNGELES PÉREZ-MUñOZ, MARíA MACIÁ, Arcángel San Gabriel. ESTíBALIZ MARTYN, María Santísima. BADíA ALBAYATI, Virgen Dolorosa. KATYA ANTIPOVA, Santa Ana. PABLO ROSSI, San José y Anciano Simeón. JOSÉ MIGUEL BAENA, Rey Melchor y Diavlo. IVÁN ORIOLA, Acólito. MIKAHIL STUDYONOV, Pianista.

FICHA TÉCNICAHugo Pérez y Miguel Pérez-Muñoz, diseño de luces. Cuadro de Santiago Martínez, escenografía. Hugo Pérez y Ana Moreno, vestuario. MIKAHIL STUDYONOV, música. HUGO PÉREZ, libreto y dirección.


PROGRAMA

- Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama

Santo retrato de Gabriel y María en seis jornadas que hacen siete con el glorioso epílogo a modo de auto sacramental.

Teatros, fechas yhorariosPinto.Iglesia de Santo Domingo de Silos.30 de marzo. 18:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

Getafe.Iglesia Catedral de Santa María Magdalena.6 de abril. 21:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

TEATRO CON MÚSICA EN DIRECTO

DONDE MIRA EL RUISEñOR CUANDO CRUJE UNA RAMA

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NOTAS AL PROGRAMAGabriel Arcángel es elegido, entre las Cortes Celestiales para anunciar a María la llegada del Mesías. Es su más ferviente “enamorado” pues antes ha vigilado en la sombra su infancia. A veces se impacienta y deja caer una pluma de pavo real de las que cubren el anverso de sus alas. Otras se posa en un arbusto, troncha una rama, el ruiseñor lo descubre y detiene su canto, pero la niña sólo ve al pájaro. Como si la naturaleza fuera testigo…

“Pergeñé esta función con la sola idea de escribir sobre el amor, un amor sublime, místico, reverberado, sobreimpresionado. En la que se presentan pasajes paralelos, omitidos o relegados por las Corrientes marianas. Hablar de mitología con la pluma y las barbas mojadas en la superstición popular y las tradiciones grecolatinas, judeocristianas aquilatadas en el complejo crisol de lo íbero. Conviven la métrica popular con rimas de arte mayor y verso libre, que desestructura y esculpe la obra con un particular ritmo”.

HUGO PÉREZ

El carácter de la música es descriptivo. Descubre una elipsis vertical que sube al cielo, que tras rebotar a ras del suelo, atisbando el reino de los ángeles caídos, vuelve a subir casi más allá del mundo místico...

La partitura de Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama es un maridaje de formas antiguas con lenguaje musical moderno. Partiendo de los esquemas de tradición española, como son la jácara, la zarabanda, el fandango, los tientos o la seguidilla. Las líneas melódicas se basan en las escalas simétricas exáfonas y octófonas. La armonía principalmente es modal. El piano se desnuda con las cuerdas al aire a veces pareciendo un instrumento de percusión, otras un arpa. A la hora de recitar reverberan las cuerdas por simpatía.

MIKHAIL STUDYONOV.

HUGO PÉREZ RODRÍGUEZ DE LA PICANace en Madrid en el año 1974. Estudia en el colegio Ágora y en California (Estados Unidos). Cursa filología hispánica en la Universidad Complutense de Madrid. Estudia fotografía y cine. Su profundo interés por las raíces del folclore hispano le lleva a recorrer toda la geografía buscando fuentes y matices de viejas tradiciones. Estudia baile con el Maestro Tomás de Madrid, canto con Jesús Aladrén, canción sefardí con Sofía Noël. Investiga canciones populares españolas, rescata viejas músicas archivadas, analiza movimientos de danza casi olvidados, diseña trajes recuperando simbologías relacionadas con ritos y tradiciones, establece un lenguaje sorprendente en sus películas... Participa en los homenajes del primer centenario de Federico García Lorca en Radio Nacional de España.

En 2003 Hugo Pérez comienza junto a Irina Kouberskaya a desarrollar un proyecto sobre la creación de un nuevo espacio teatral en Madrid. A finales de 2003 se abren las puertas del Teatro Tribueñe. Este nuevo espacio nace con vocación de defender y promover la herencia del arte en todas sus facetas y dimensiones.

El febrero de 2013 Hugo Pérez recibe junto a la directora Irina Kouberskaya el Premio Ojo Crítico 2012 de RNE, en la categoría de Teatro, por “su compromiso con un modo especial de concebir y de materializar el hecho teatral, al tiempo que investiga nuevos lenguajes escénicos, alternando textos ya consagrados con los de autores por descubrir”.

El 20 de marzo de 2013 estrenó, en el Teatro Español de Madrid, Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama, un auto sacramental del siglo XXI concebido como ópera de cámara, del que es autor y director, y cuya música original ha compuesto Mikhail Studyonov para un elenco de siete cantantes.

Como dramaturgo, director y escenógrafo ha creado Por los ojos de Raquel Meller, espectáculo estrenado en diciembre de 2006 que con-tinúa en cartel en Madrid, desde su estreno. Ha recorrido los escenarios de Barcelona, Zaragoza, Palencia, Ceuta, Barakaldo, Comunidad de Madrid y Ávila. El espectáculo no es una biografía exacta porque no nace con intención detectivesca o historicista; más bien ofrece unos ambientes, un aliento femenino, un deambular poético por los hechos. Raquel Meller recibió en vida todos los laureles y conoció el rechazo como todos los grandes del tablado.

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama (2012-2013) es un texto con reminiscencias de auto sacramental que bebe en tradiciones medievales, barrocas y sobre todo, en el acerbo popular que los grandes poetas anónimos nos dejaron. Los sonidos del pueblo entrelazando siempre lo culto y lo oculto, para elevar el legado espiritual que nos es dado entre las supersticiones y tradiciones atávicas, de las que hay que extraer una abstracta metáfora.

Un catalejo que es caleidoscopio (2011) es un espectáculo infantil creado para el ciclo de teatro para bebés “Rompiendo el Cascarón”, del Teatro Fernán Gómez. …Y azules rejas del Amor (2010-2013). Se trata de un espectáculo infantil creado para el ciclo de teatro para bebés “Rompiendo el Cascarón” del Teatro Fernán Gómez. Éste espectáculo ha girado por Francia (Festival de “Premières Rencontres de Villirs-le-Bel”, en París, en 2012, Bretaña, dentro de la programación de Très-Tôt-Teâtre, Caen, el Festival de Nantes “Petit el Grand” y Quimper, en 2013), Bélgica, e Italia (Festival “La casa sensibile”, en Asti, en 2012).

Lo malo es que casi nadie escucha (octubre de 2009). Un acercamiento poético a la vida y obra de Gloria Fuertes.

Planeta Sacromonte (febrero de 2009). Flamenco en una nueva experiencia visual y sensitiva, donde redescubrir aquellas danzas y músicas rituales de los gitanos se convierte en un impulso actual con aire de antaño. Es un acontecimiento especial donde zambras, tonadillas y cultu-ra gitana nos transportan a ese mundo casi olvidado pero real, donde los habitantes del Sacromonte llevan al espectador hacia otros lugares no conocidos del flamenco y de España misma.



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“… Si Granada es poesía en sus muertes y resurrecciones, el Sacromonte es prosa sobre prosa y poesía sobre poesía…”

Versión de El público, de Federico García Lorca (2008). Viaje a Lyon (Francia), dentro de la programación del Instituto Cervantes, y viaje a Arenas de San Pedro (Ávila), en 2010.

Variedades Taurinas (2006), espectáculo creado para las fiestas de San Isidro de Madrid. ¡Más despacio costalero!, exaltación de la Saeta (2006). Espectáculo creado especialmente para los festejos de Semana Santa del Ayunta-miento de Madrid, con la participación de la Agrupación Musical María Santísima de la Estrella de Granada.

Aquella danza María Santísima del Olvido (2004). Esta fantasía coreográfico-poética es un capricho a partir de los caudales inmensos de la danza española. Sin pretender ser una antología, es una evocación de las caricias al aire que se han desvanecido por exceso de siega sin siembra. Es, ante todo, una llamada de atención a la intención femenina en el baile, un homenaje a las inteligencias preclaras de Antonia Mercé, Pastora, Encarnación y Pilar López.

Pan de oro (2003-2007). Espectáculo de títeres para niños sobre el Misterio. Un intento de plasticidad mitológica, tomando como punto de partida estético a la imaginería barroca con todo su tremendismo y dulzura a cuestas. Es un retablo que acerca a la mirada del niño una pila de conceptos, leyendas y supersticiones, aireados por la tradición musical española.

El hilo negro (1999-2002). Espectáculo estrenado en el Teatro Nacional de Juventudes Fontanka de San Petersburgo (Rusia). Representacio-nes en el Teatro Thalía de Nueva York (Estados Unidos), en 2000, y en el Teatro Carlos III de El Escorial y en el Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes (Madrid), en 2002.

Entre 1996 y 1997 empieza su andadura como creador y cantante. Se sube a los escenarios de los Cafés Concierto, actúa en la sala Galileo de Madrid, el Café-teatro del Teatro María Guerrero y en el Círculo Catalán.

Como Codirector ha colaborado en los siguientes espectáculos:

La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca (2010-2013), junto a Irina Kouberskaya. Viaje a Argel dentro de la programación del Instituto Cervantes y el AECID, en 2012. Viaje a Rusia, abriendo la temporada teatral del Teatro Fontanka de San Petersburgo, participación en el XV Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria, en 2011.

Ensayos de Bodas de sangre, de Federico García Lorca (2013), codirigida con Irina Kouberskaya y estrenada en la Sala Tribueñe.

Como Diseñador de vestuario además de crear y diseñar todo el vestuario de sus propias obras, ha realizado el vestuario de los siguientes espectáculos:

Vestuario de Carmela en ¡Ay, Carmela!, de José Sanchís Sinisterra, dirigido por Maui Mira en San Petersburgo (Rusia), en 2012. El jardín de los cerezos, de Anton Chejov, dirigida por Irina Kouberskaya, en 2009. Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, en 2008, dirigida por Irina Kouberskaya

Cuatro obras de El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (El embrujado, La rosa de papel, La cabeza del Bautista, y Ligazón), de Valle-Inclán, en 2006, dirigidas por Irina Kouberskaya:

Como escenógrafo además de diseñar la escenografía de sus propias obras, ha diseñado la escenografía de los siguientes espectáculos:

La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, en 2010, codirigida con Irina Kouberskaya. Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, dirigida por Irina Kouberskaya, y cuatro obras de El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (El embrujado, La rosa de papel, La cabeza del Bautista, y Ligazón), de Valle-Inclán, en 2006, dirigidas por Irina Kouberskaya: Como actor ha protagonizado El público, de Federico García Lorca, entre 2008 y 2010. El hilo negro, entre 1999 y 2002, y Los mapas del aire, de M. A. Mendo, en 1992, dirigida por Juan Ramón Sánchez

Como artista plástico ha expuesto en la Galería Begoña Malone de Madrid, en la exposición colectiva “Arte contra el hambre” y en la expo-sición de óleos, junto al pintor Antonio Sosa, “Tú eres un teatro”, en 2012, y, en esa misma galería, la exposición fotográfica “Hay un niño que dice ¡ay!”, en 2010. También ha presentado la exposición fotográfica “El hilo negro” en la Fundación Argos, de Madrid, y en la Galería Borey-Art, de San Petersburgo, en 1999.

Ha recibido los siguientes premios: Premio Ojo Crítico, en 2012, concedido al Teatro Tribueñe y recibido junto a la directora del Teatro Irina Kouberskaya. Premio Mejor Dirección del XXXII Festival de Teatro Ciudad de Palencia por La casa de Bernarda Alba, codirigida con Irina Kouberskaya.

MIKAHIL STUDYONOVNació en Zaporozhie, Ucrania. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Estatal P. Mayboroda de Zaporozhie, bajo la dirección de la profe-sora L. Vigant, obteniendo el Primer Premio de Honor y titulándose como Profesor de Piano y Profesor de Acompañamiento. En 1992 ingresó en el Conservatorio Superior P. Tchaikovski de Kiev, estudiando con Z. Yeriomenko (alumna de N. Igumnov) y, más tarde, con el profesor Yuri Kot (Artista emérito de Ucrania).

En 1996 recibió Clases Magistrales con Dimitry Bashkirov y Fernando Palacios. Un año después continuó sus estudios de Música de Cámara



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en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la dirección del profesor Fernando García Escobar.

En 1999 se graduó con el Primer Premio de Honor en el Conservatorio Superior P. Tchaikovski de Kiev, obteniendo además los títulos de Concertista de Piano, Profesor Superior de Piano, Profesor Superior de Acompañamiento” y Profesor de Música de Cámara. En 2001 obtuvo el diploma de Profesor Superior de Música de Cámara en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Su actuación en el Festival de Música M. Lysenko de Kiev fue grabado en Radio Nacional en 1993. En 1997 dio un recital en la Sala Filarmó-nica Nacional de Kiev y al año siguiente en el Palacio de Villadompardo, en Jaén.

Desde 2001 trabaja como profesor de piano en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Asimismo colabora con las compa-ñías líricas de Nieves Fernández de Sevilla, Miramón Mendi, Ópera Cómica, Trotea Asociación Cultural y Compañía Lírica María Dolores Font.

Últimamente ha dado conciertos con artistas destacados como Ara Malikian, Vasko Basiliev, Yaroslava Shevchenko, Tatiana Melnichenko, Enrique Encinas, Rafael Lledó, etc., y en salas destacadas tales como Auditorio de Conde Duque de Madrid, Teatro Ateneo y Auditorio del Palacio de Congresos de Salamanca.

En 2005, 2006 y 2008 actuó en los festivales internacionales de música clásica Caprichos musicales, en Comillas.

En noviembre de 2009 participa en el Festival Internacional Zona Franca, en Parma (Italia).

En los veranos de 2010 y 2011 actuó en el Festival de Música Clásica Marqués de Santillana, en Buitrago del Lozoya.

Desde 2007 es el pianista titular y director musical de varios espectáculos de teatro en la Sala Tribueñe.

Desde 2008 es compositor y director musical de varios espectáculos de “La casa incierta”, compañía residente de Teatro Fernán Gómez de Madrid.

A partir de 2012 trabaja como pianista y elige la música para el espectáculo Elling, dirigido por Andrés Lima y protagonizado por Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez.

Tres de sus alumnos han sido ganadores en Concursos Internacionales de piano en Ibiza, San Sebastián y Villa de Salou.



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PABLO DE LA CRUZ / NOVA CAMERA ORqUESTA

INTÉRPRETESPABLO DE LA CRUZ, guitarra. NOVA CAMERA ORqUESTA: Gregorio Hervás, Rodrigo Calderón, Enrique Rivas, José Manuel Jiménez, Sergio Ramírez. violines. Silvia Villamor, Nadia Chaviano, violas. Ángel Paunov, Noel Mendez, violoncellos. JesúsHuiguero, contrabajo. Manuel Angulo, Iñaqui Urbina, oboes. Emilio Carrilero, fagot. Víctor Payá, Pablo Cadenas, trompa. DAVID SANTACECILIA, concertino y director.


PROGRAMA


Selección de Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, Op. 51 (1787)

- Introduzione (Maestoso ed Adagio)

- Sonata IPater, dimitte illis, quia nesciunt, quid faci unt (Largo)

- Sonata IVDeus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me (Largo)

- Sonata VIIIn manus tuas, Domine, commendo spiritum meum (Largo)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer).31 de marzo. 19:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

PIADOSO Y RELIGIOSO ENCUENTRO GALANTE

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Il terremoto – (Presto e con tutta la forza)

Luigi Boccherini(1743-1806)

Sinfonía nº 30, G523 (concertada con “chitarra obligata”)

- Grave- Allegro e con Imperio- Grave- Allegro

Darío González Moreira(1962)

Madera Santa

- Obertura- Recitativo- Allegro Solemne

NOTAS AL PROGRAMAEl encargo de Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz está íntimamente ligado al nombre del clérigo mexicano, nacido en Veracruz y afincado en Cádiz, José Sáenz de Santamaría, director espiritual de la cofradía de la Madre Antigua, quien encarga a Joseph Haydn la parti-tura para una celebración de Viernes Santo.

Primeras palabras: Padre perdónalos porque no saben lo que hacen (Pater dimitte illis, non enim sciunt, quid faciunt, Lucas, 23:34). Segun-das palabras: En verdad te digo, hoy estarás conmigo en el paraíso (Amen dico tibi hodie mecum eris in paradiso, Lucas, 23:43). Terceras palabras: Madre, he ahí a tu hijo…hijo, he ahí a tu madre (Mulier ecce filius tuus... ecce mater tua, Juan, 19:26-27). Cuartas palabras: Dios mío, Dios mío, por qué me has abandonado (Deus meus Deus meus ut quid dereliquisti me, Mateo, 27:46 y Marcos, 15:34). Quintas palabras: Tengo Sed (Sitio, Juan, 19:28). Sextas palabras: Todo se ha cumplido, Consummatum est, Juan, 19:30). Séptimas palabras: Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu (Pater in manus tuas commendo spiritum meum, Lucas, 23:46).

A este sacerdote se debe también la construcción del Oratorio de la Santa Cueva de la calle del Rosario, gracias a la herencia que, junto al título de Marqués de Valde-Iñigo, recibiera a la muerte de su padre; también decide decorar la mencionada basílica con obras de los pintores Remata y Goya, entre otros.

El proyecto del encargo musical estaba destinado al ejercicio de las tres horas de duración del oratorio de Semana Santa celebrado en Cádiz desde 1730, así como por las comunidades jesuíticas del Perú y México, a la que el clérigo pertenecía.

Así cada uno de los movimientos del encargo se oirá al arrodillarse y pronunciar cada una de las palabras de Cristo en la cruz, en latín.La encargada por Sáenz de Santamaría tuvo por intermediario a Francisco de Paula María de Micón, Marqués de Méritos, quien se ofreció a realizar dicho contacto.

La obra tiene una introducción además de los siete movimientos de las siete palabras. Fue estrenada en Cádiz en 1787, supuestamente en versión orquestal, aunque también hubiera podido estrenarse en versión cuarteto, la más difundida. Han aparecido otras versiones distintas: para tecla en la Catedral de Salamanca, otra para órgano en 1821 de Francisco Xavier Cabo y una versión para cuarteto y voces en el Palacio Real de Madrid.

La obra también tuvo dos estrenos en Viena, para la nobleza el 26 de marzo de 1796 y el 1 de abril de 1798 abierta a todo el público.

Todavía con las reminiscencias del reciente periodo Barroco, que se da por finalizado con la muerte de J. S. Bach en 1750, nos encontramos con sorpresa con la Sinfonía nº 30, G523, de Luigi Boccherini, escrita sobre los contenidos latentes del “concerto grosso vivaldiano” con vio-lines principales y ripienos 1º y 2º y concertando otros instrumentos de viento y de cuerda, entre los que encontramos una “guitarra obligata” y la incorporación solista u “obligata” de los dobles oboes mas el bajo, como el fagot, reforzándolo con dos trompas o metales que sujetan la estructura del viento. Lo realmente novedoso es la aportación de esta “guitarra obligata” (también solista), que sustituye a un hipotético clave, y que funde y suaviza las dos secciones de las que se compone esta orquesta, la guitarra se escucha siempre al fondo de los dos mundos sonoros y los compacta de manera magistral con escalas de tresillos que evocan ritmos afandangados dentro de una estructura tipo sonata del primer tiempo, un grave cantábile y una evocación ternaria y alegre de un minueto que cierra esta sinfonía de cámara.

El 7 de agosto de 1785 muere el protector de Boccherini y hermano de Carlos III, Luís de Borbón (en abril había fallecido su mujer Clementi-na). A petición de Luigi Boccherini y en atención a los deseos de su difunto hermano, el Rey Carlos le otorga una pensión vitalicia de 12.000 reales anuales.

Boccherini escribe al Príncipe Federico II de Prusia ofreciéndole sus servicios, quien le contesta, el 21 de enero de 1786, nombrándole com-positor de cámara (1000 coronas alemanas anuales)… Entre 1787 a 1797 Boccherini envió, de forma regular, las obras prometidas al ya Rey de Prusia Guillermo II; estas se copiaban por un amanuense en octavillas para enviarlas de forma segura y correcta (fueron 70 obras con



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tríos, quintetos, sinfonías, etc.), siendo 56 de ellas obras en exclusiva. Posteriormente se hacían copias de ellas en Berlín con destino a la Biblioteca Real.

En marzo de 1786, Luigi es nombrado director de la orquesta de María Josefa de la Soledad, condesa de Benavente y duquesa de Osuna. La orquesta de la duquesa estaba dirigida hasta la llegada de Boccherini por el compositor Lidón, al que substituyó, y contaba con el violinista Rafael García, el oboe Gaspare Barli, el clavicembalista Blas de Laserna y un “buen” guitarrista como era el propio duque de Osuna, (no hay que confundirle con el Marqués de Benavent, a quien según un manuscrito de la Biblioteca Nacional de Francia está dedicada esta Sinfonía). Boccherini pudo disponer de una orquesta de quince elementos (con un magnífico fortepiano) y de un archivo musical de primera categoría, pero también de continuos compromisos, entre ellos esta Sinfonía nº 30, G523.

La fecha que figura como propuesta en la edición Doblinger, que ha editado la parte general de esta obra en Alemania, es 1796/98, que co-rresponde al tiempo en el que Boccherini amenazó a su editor parisino Ignaz Pleyel con derivar su música a otros editores si no le actualizaba sus compromisos económicos. El número aplicado nº 30 pudiera suponer el orden numérico que adoptó durante el envío de aquellas 70 obras al Rey Guillermo II de Prusia.

La fecha de edición de estas particellas que figura en el Manuscrito de la Biblioteca de Francia, año de 1799, tiene otro número de clasifica-ción Op. 10 nº 4. Los compositores solían disponer varias numeraciones de una misma obra para diferenciarlas de cara a las liquidaciones de “Autores”.

En el original cedido por la Biblioteca Nacional de Francia (de dominio público) y que agradecemos a la Biblioteca Nacional Española que nos haya hecho llegar a la sede del Festival (Doña Isabel Lozano) se lee lo siguiente: “Sinfonia à grande Orchestra con due Violini Principale due di Ripieno, oboe, chitarra, corni, fagotto, violocello obligati e Bassoda. Luigi Boccherini Compositore di Camera che fú dal SS Inf. se Dn Luigi Borbon è della Maestrà di Guillermo 2º Ré di Prussia. Per il Sgre Matchesse di Benavent”.

La fecha de creación de la obra pudiéramos situarla probablemente entre 1876 y final de 1788, período en el que Luigi Boccherini envió aquellas obras a Guillermo II de Prusia, siendo una de las 14 composiciones sin exclusividad. Se desprende que Boccherini fue aceptado por Guillermo II, además de por su prestigio como músico, por influencia de su alumna “maestra de música del Rey”. Se podría incluso datar también el período de composición de sus célebres quintetos con guitarra, dedicados al Marqués de Venavent (como figura escrito en la lista de suscriptores del método que editara Federico Moretti, en Madrid, en 1799), en el mismo período de tiempo que esta Sinfonía.

El guitarrista que probablemente estrenara esta obra no fue el “Marqués”, pues teniendo en cuenta su suscripción al método de guitarra de seis cuerdas dobles de Moretti, su nivel sería el de un aficionado. Me inclino a pensar en el propio Federico Moretti que frecuentaba la corte en aquel tiempo (1799) que, ante la insistencia de los numerosos aficionados, escribió el método “Principios para tocar la guitarra de seis ordenes” ,dedicado a la “Reyna Nuestra Señora”. Moretti, que tocaba sobre una guitarra de siete cuerdas simples, aclara que ésta, la de seis órdenes, es la única guitarra que se conoce en España y la dirige a los aficionados prometiendo escribir algún capricho más adelante. Entre los suscriptores del método figura además de Venavent. destinatario de los famosos quintetos de Boccherini, el Padre Basilio. La colocación de los instrumentos viene determinada según una plantilla escrita al principio de la copia donde, de forma rectangular, coloca en la primera línea, de izquierda a derecha, la guitarra, al violín 1º principal, al violín 2º principal y las trompas 1ª y 2ª. En la segunda línea, de izquierda a derecha, los dos violines 1º y 2º ripienos, y oboes 1º y 2º, en el lateral izquierdo el contrabajo y en el derecho el fagot y el violoncello.

Es la primera vez, desde hace más de dos siglos, que vamos a escuchar esta música nuevamente en Madrid, donde nació, y con unas parti-cellas originales del tiempo de Boccherini con anotaciones, indicaciones de amanuenses de la época y correcciones, (en una hoja de la parte del violoncello) realizadas a mano y lápiz en alemán, que atestiguan la procedencia de la Biblioteca Real de Berlín.

Madera Santa, de Darío González Moreira, está compuesta en 2011, y es un encargo de la XXV edición del Festival Internacional Andrés Segovia de Madrid, dentro de la serie “Ecos del Mediterráneo”. Dedicada al inspirador de la misma y director artístico del Festival, Pablo de la Cruz, resalta los valores nobles de las maderas con los que se construye una guitarra y que dan un aire místico y religioso a la procedencia de las mismas (palosanto, caoba, cedro, pino abeto, ébano…). Colonias españolas que fueron religiosamente adoptadas y mantuvieron y mantienen su fe cristiana, proveían estos materiales preciosos como contrapeso de embarcaciones y base para reflejar una iconografía única en los artesanos, artistas, escultores o lutieres de instrumentos. El segundo movimiento de esta obra está grabado por La 2 de Televisión Española y puede verse en una grabación de 2011 realizada dentro del Festival Internacional Andrés Segovia.

PABLO DE LA CRUZNacido en Madrid, en 1955, se inició en la guitarra con el profesor Antonio Ruiz Berjano y posteriormente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con los profesores de armonía Ramírez Ángel y el Padre Masó, recibiendo su formación teórica de la mano del Padre Sopeña. Terminados sus estudios continuó trabajando con José Tomás quien influyó de forma decisiva en su carrera. Realizó cursos de perfeccionamiento junto a Manuel Barrueco, Oscar Gighlia y John Williams, asistiendo como becario a los cursos de Granada, Santiago de Compostela, Suiza y Academia Chillana en Siena.

Ha actuado en España (Auditorio Nacional de Música) Londres (Wigmore Hall) París (Salle Cortot), Italia (Sala Giovanni Paolo II), Chicago, Washington (Banco Mundial), New York (Carnegie Hall), Oriente Medio, Turquía, Yugoslavia, Canadá, México, Venezuela, Argentina y diversas giras de conciertos en EE.UU.

Diversos compositores como Carlo Domeniconi, Miguel Ángel Linares, Valentín Ruiz, Feliu Gasull, Tomás Bohorquez, Flores Chaviano, Jorge de Carlos y Jorge Cardoso, le han dedicado sus obras.

Ha estrenado en México el Concierto del Agua de Tomás Marco y, en España, estrenó Un tiempo fue Itálica famosa y Serenata al alba del día de Joaquín Rodrigo, con quien le unió una cordial amistad realizando halagos sobre la manera de interpretar su música, asistiendo a todos sus conciertos en la última etapa de su vida; ha estrenado también el Concierto para guitarra y jazz piano, de Claude Bolling, en el Festival Veranos de la Villa de Madrid.



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Directores como Sergei Salvarouwsky, Christian Florea, Antoine Mitchell, Sabatino Servilio, Lorenzo Castriota Skandenberg, M. Bufallini, Max Bragado, Zoran Andric y Tomás Garrido, han trabajado con él en diversos proyectos y grabaciones.

Su participación en festivales importantes de guitarra como Musikaste (San Sebastián), Milenario de la ciudad de Dublín (Irlanda), Gdansk y Lublin, Czestochowa (Polonia), Alicante, Linares, Vélez, Málaga, Córdoba, Giuliani de Bisceglie, L´Aquila, Guitarras Mundo (Argentina), Colonia Tovar (Venezuela), Rust (Austria), Milenario de la Ciudad de Dublín, Londres, Buth, Iserlohn y Andrés Segovia de Madrid, muestran la impor-tante trayectoria de éste guitarrista. Ha sido invitado con gran éxito, a una gira de conciertos en Australia seguida de una Master Clase en la Universidad de Camberra. También realizó una gira de conciertos en diversas localidades italianas, donde impartió clases magistrales y llevó su versión de West Side Story para trío jazz y guitarra y el Concierto para guitarra y jazz piano de Bolling ,con trío de jazz, piano, contrabajo y batería, que supuso todo un acontecimiento en los Festivales de Mottola y Bisceglie.

Su CD Cuentos de la Atlántida, junto a la Orquesta de Czestochowa, homenaje a Manuel de Falla, y Música para un paisaje, ha tenido un éxito notable de la crítica española, italiana y francesa; un segundo CD con guitarra sola, bajo el sello Guitart, con música de Bach, De Carlos, Car-fagna y Mario Gangi, acaba de tener una notable acogida por la originalidad del repertorio. Sus últimos trabajos son grabaciones para TVE, en una nueva línea, junto a la Orquesta Nova Camera, con arreglos para esta formación de música de Albéniz, Lecuona, Iradier y diversos músicos neo románticos y la incorporación de las “nuevas tendencias”.

Fue primer premio del concurso ISME, representando a España en las jornadas musicales patrocinadas por la UNESCO; es Director Artístico del Festival Internacional de Primavera Andrés Segovia de Madrid, con la autorización expresa de Doña Emilia Segovia.

Tuvo el honor de intervenir en el Pleno Necrológico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en homenaje a Andrés Segovia, además de despedir musicalmente a José Ramírez IV -con quien colaboró estrechamente- a petición expresa de la familia… Ha realizado multitud de grabaciones para RNE, BBC, TVE, TV Polaca, Televisión Rumana, Irlandesa etc. Debido a su trayectoria musical, en Polonia, se le concedió la medalla de la Ciudad de Cracovia y la de la Universidad Orta-Dou de Ankara.

En la actualidad, es profesor del Conservatorio Profesional Amaniel, de Madrid.

JOSÉ MANUEL JIMÉNEZ SUÁREZInició su carrera de violín con Ángela Velasco y estudió, posteriormente, con Brunilda Gianneo y Francisco Comesaña, con quien obtiene el Título Superior de Violín. Es el arreglista de los temas no originales que interpreta la Nova Camera Orquesta, para la que ha realizado arreglos, como Habanería, Albéniz, Lecuona, Iradier, y composiciones, como Suite Renacimiento y Piazzoliana, grabadas por Televisión Española. Ha hecho también arreglos para diversos grupos de cámara, además de trabajar para las orquestas de los Conservatorios de La Rioja y Arturo Soria, de Madrid. Ha realizado multitud de grabaciones y colaboraciones con agrupaciones jazzísticas variopintas y arreglado un sinfín de temas para estas formaciones. Es cofundador, desde abril de 2008, de la Nova Camera Orquesta, junto con Pablo de la Cruz, Director del Festival Andrés Segovia.

En la actualidad es profesor de música de cámara y jazz en el Conservatorio de Arturo Soria.

NOVA CAMERA ORqUESTAEstá constituida por los profesores de cuerda del Conservatorio profesional Arturo Soria de Madrid, de la que es director el violinista José Carlos Martín ganador de diversos concursos nacionales al frente de la orquesta de estudiantes de dicho conservatorio.

En el marco del Festival Internacional Andrés Segovia, se decidió crear una orquesta que pudiera desarrollar los estrenos que, cada año, realiza su Director Artístico, dentro de la serie Ecos del Mediterráneo, de una forma segura y coherente. Por este motivo, la Nova Camera Orquesta fue fundada en abril de 2008 por Pablo de la Cruz y José Manuel Jiménez Suárez, violinista de la orquesta.

Once son los músicos que integran dicha formación para la que José Manuel Jiménez Suárez realiza los arreglos de la música propuesta por la dirección del Festival. Existen proyectos para grabar y editar toda la música que estrenan dentro del marco del Festival Internacional Andrés Segovia.

La plantilla básica es, no obstante, ampliable en mayor o menor número, según exigencias del programa propuesto, pudiendo llegar a una dimensión similar a la de una orquesta sinfónica.

El último trabajo de la agrupación ha sido una grabación (Habaneria y Suite Renacimiento) para Los Conciertos de la 2, de Televisión Españo-la, en lugares artísticos, como la Sacristía de los Caballeros de Santiago y la Real Basílica de Nuestra Señora de Atocha.

DAVID SANTACECILIAMúsico madrileño (1981), licenciado en Filosofía, violín, música de cámara, violín barroco y clave. Realiza, así mismo, estudios de dirección de orquesta y composición. Ha asistido a numerosos cursos de formación y perfeccionamiento de violín con maestros como Vartan Manoogian y Boris Kouniev.

Ha sido concertino durante tres temporadas de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad de Madrid con la que ha actuado, como tal o en calidad de solista, en escenarios tales como el Teatro Monumental de Madrid, la Capilla Real de El Pardo, Catedral de León,



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Festival Internacional de Música de Segovia (estrenando como solista En el azul, de Alicia Díaz), o el Auditorio Nacional de Música de Madrid y efectuando numerosos registros para RTVE. Ha actuado como solista o director con diversas orquestas, como la Orquesta Sinfónica de San Sebastián de los Reyes, en 2002, la Orquesta Ciudad de Alcorcón, Orquesta Camerata de la JMJ, etc.

Como intérprete ha ofrecido recitales y conciertos por importantes escenarios nacionales e internacionales, realizando asimismo grabaciones para RTVE. Forma parte del Trío Dhamar (especializado en música contemporánea), del conjunto de cámara Tempo de cámara y primer violín del Cuarteto Cibeles, con los que actúa en la Fundación Juan March, Centro Cultural Conde Duque de Madrid, Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, Sala María Cristina de Málaga, Casino de Madrid, Auditorio Manuel de Falla de Granada, el Instituto Cervantes de París, Centro Cultural de España en Lima (Perú), etc. Asimismo ha colaborado en numerosas ocasiones con orquestas como la Sinfónica de RTVE, Orquesta SIC o la Sinfónica de Madrid.

Como director de orquesta ha realizado el Réquiem, de Mozart, a lo largo de la geografía española, durante 2006. Como compositor ha es-trenado obras con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Madrid y numerosos tríos y cuartetos.

Ha sido galardonado con Premio de Honor Fin de Carrera (1999), Premio de Honor en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (2001), en el Concurso Nacional de interpretación Jacinto Guerrero, de Toledo (2001), así como en el VII Concurso Nacional de Música de Cámara de Vinarós 2005 (Juventudes Musicales) y ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara de Yanguas (2005), entre otros.

En la actualidad compagina su actividad concertística con la docente, siendo profesor de diferentes cursos de verano, profesor responsable de la sección de cuerdas de la Orquesta Ciudad de Alcalá, profesor invitado a colaborar con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid y profesor, por oposición, en el Conservatorio Profesional de Música Amaniel, de Madrid, del que es profesor de violín, música de cámara y orquesta, impartiendo clases desde 2002.



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LA GRANDE CHAPELLE / ALBERT RECASENS

INTÉRPRETESLA GRANDE CHAPELLE. ALBERT RECASENS, director.


PROGRAMA ** Recuperaciones musicológicas. Estrenos en tiempos modernos.

I. San Giacomo degli Spagnoli (Maitines y Laudes)

Ruggiero Giovanelli(ca. 1560-1625)

Motete: Iubilate Deo, omnis terra, a 8

Jacobus de Kerle(ca. 1531-1591)

Salmo: Domine, quid multiplicati sunt, a 5

Giovanni Pierluigi da Palestrina(1525-1594)

Antífona: Haec dies quam fecit Dominus, a 8


Himno: Tantum ergo, a 5

Teatros, fechas yhorariosMadrid. Parroquia Virgen de la Milagrosa.2 de abril. 21:00 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

TOMÁS LUIS DE VICTORIA Y LA COFRADíA ESPAñOLA DE LA RESURRECCIÓN EN ROMA

MÚSICA

LA FIESTA DE PASCUA EN PIAZZA NAVONA

147


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II. Procesión en Piazza Navona

Cesare Bendinelli(1542-1617)




Serafino Razzi (1531-1613) Feo Belcari(1410-1484)

Lauda: Christo ver’huom’ e Dio, a 3


Motete: Ardens est cor meum, a 6

Motete: Ego sum panis vivus, a 4

Rocco Rodio(ca. 1535-ca. 1615)

Ricercata La mi re fa mi re (instrumental)Sobre el cantus firmus “Bassa Castiglia” o “Il re di Spagna”


Responsorio: Expurgate vetus fermentum, a 8

Cesare Bendinelli(1542-1617)

Fanfarria (instrumental)

III. San Giacomo degli Spagnoli (Misa, Vísperas y Completas)

Bernardo Clavijo del Castillo(ca. 1549-ca. 1626)

Tiento de segundo tono por Gesolreút (órgano)


Motete: O sacrum convivium, a 4

Giovanni Pierluigi da Palestrina (atribuido) (1525-1594)

Secuencia: Victimae paschali laudes, a 8

Francisco Guerrero /(1528-1599)

Lope de Vega(1562-1635)

Villanesca: Si tus penas no pruebo, a 3

Giovanni Luca Conforti(1560-1608)

Salmo: In exitu (Salmi passaggiati)


Antífona: Crucem sanctam subiit, a 5

Anónimo /Agostino Manni

(1547-1618)

Lauda: Anima mia, che pensi?, a 3


Antífona: Regina caeli, a 8



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NOTAS AL PROGRAMALa cofradía de la Resurrección de S. Giacomo degli Spagnoli –iglesia nacional de Castilla en Roma– organizaba, desde 1579, la fiesta de Pascua en Piazza Navona, una de las celebraciones públicas de mayor esplendor durante la época de supremacía española en Italia. Para la solemne procesión que tenía lugar antes del alba, se engalanaba la plaza con arquitecturas efímeras y escenas alegóricas acompañadas de luminarias, fuegos artificiales y música a cargo de los mejores cantantes de la ciudad situados en palcos o en el cortejo. No en vano era organizada como símbolo de la hegemonía de la nación hispana y como potente instrumento de propaganda. Miembro de la cofradía, Tomás Luis de Victoria estuvo vinculado a la procesión antes de su regreso a España en 1585.

Este programa evoca por vez primera la música que pudo haberse interpretado en la iglesia y en torno a la plaza durante esta importante fiesta romana. Se sucede una variadísima selección de obras vocales e instrumentales de compositores que, junto a Victoria, estuvieron implicados en la organización de la festividad (como Francisco Soto o Ruggiero Giovanelli) o cuya música se conservó en el archivo de S. Giacomo degli Spagnoli (Jacobus de Kerle, Giovanni P. da Palestrina, Giovanni Animuccia, Rocco Rodio o Francisco Guerrero). Esta recreación, además de ofrecer una nueva lectura de Victoria, nos sumerge, de manera novedosa, en la sonoridad que le fue familiar en su última etapa romana: desde las suntuosas obras policorales, con reminiscencias venecianas, hasta las sencillas laude spirituali del entorno del oratorio de San Felipe Neri.

Esta reconstrucción de La Grande Chapelle, que fue editada en doble CD por el sello discográfico Lauda y el Centro de Estudios Europa Hispánica (CEEH), con el apoyo de la Comunidad de Madrid, el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y la Fundación BBVA, y ha obtenido el reconocimiento de la crítica internacional, sitúa en su contexto a uno de los compositores más grandes que ha dado el Renacimiento español.

LA GRANDE CHAPELLE La Grande Chapelle es un conjunto vocal e instrumental de música antigua con vocación europea. Toma su nombre de la célebre capilla musical de la Casa de Borgoña y, posteriormente, de Habsburgo, que sirvió a la rama española hasta entrado el siglo XVII (conocida también como “capilla flamenca”), y a cuyo frente estuvieron maestros como N. Gombert, F. Rogier o M. Romero. Como en su época, La Grande Chapelle está formada por avezados intérpretes procedentes de diferentes países europeos. Esta heterogeneidad de la plantilla constituye un sello distintivo del conjunto, que rehúye la uniformidad tímbrica y da prioridad a los relieves sonoros.

Fundada por el maestro Àngel Recasens y dirigida actualmente por Albert Recasens, inicia su empresa en 2005, a partir de los resultados de la antigua Capilla Príncipe de Viana. Dicha transformación fue motivada por la necesidad de emplear grandes efectivos, a la luz de las investigaciones musicológicas propias llevadas a cabo en los últimos años.

La música sacra centra primordialmente el interés de La Grande Chapelle. Su principal objetivo es realizar una nueva lectura de las grandes obras vocales españolas de los siglos XVI al XVIII, con especial predilección por la producción policoral del Barroco. Al mismo tiempo, tiene el propósito de contribuir a la acuciante labor de recuperación del repertorio musical hispano. De ahí que, desde su seno, se estimule la inves-tigación (acopio de materiales, inventario, estudio y transcripción), el estreno de repertorio desconocido, la grabación discográfica e incluso la edición de obras según la metodología científica más contrastada.

Entre los encargos de recuperación musical realizados por La Grande Chapelle destacan el Oficio de difuntos en la Catedral de México (ca. 1700) (Festival de Úbeda y Baeza, 2005), música litúrgica de Domenico Scarlatti (Festival de Arte Sacro de Madrid, 2007), la zarzuela Briseida, de Antonio Rodríguez de Hita (Via Stellae de Santiago de Compostela, 2007), el auto sacramental La Paz Universal ó El lirio y la azucena, de Calderón de la Barca / Peyró (Semana de Música de Cuenca, 2008), Compendio sucinto de la revolución española (1815), de Ramón Garay (SECC, 2009), obras sacras de José Lidón y Manuel J. Doyagüe (Arte Sacro de Madrid, 2009), In Dominica Palmarum, de Juan García de Salazar (Festival Pórtico de Zamora, 2010), el Te Deum, de Nicolás Zabala (Consorcio para la Conmemoración de la Constitución de 1812), monográfico Alonso Juárez (Semana de Música de Cuenca, 2013), la Misa “Scala Aretina” y otras obras religiosas de Francesc Valls (Festival de Música Antiga dels Pirineus, 2013), etc.

La Grande Chapelle ha actuado en los principales ciclos de España y en los festivales de Picardie, Haut-Jura, Musica Sacra Maastricht, Laus Polyphoniae de Amberes, Rencontres musicales de Noirlac, OsterKlang-Festival (Theater an der Wien) de Viena, Cervantino de Guanajuato, Radio France et Montpellier, Ribeauvillé o en las temporadas de la Cité de la Musique de Paris o UNAM de México (Sala Nezahualcóyotl), entre otros. Ha sido invitada a realizar giras por Alemania, Gran Bretaña, EEUU, Canadá, Japón y China. En 2005, inició una ambiciosa serie de grabaciones creando su propio sello, Lauda, con el que ha editado trece discos hasta el momento. Dos han sido los principales ejes: explorar la relación entre música y literatura de los Siglos de Oro (Entre aventuras y encantamientos, LAU001; El vuelo de Ícaro, LAU003 y El gran Burlador, LAU006) y recuperar la producción sacra de grandes compositores españoles, generalmente a través de una reconstrucciones musicológicas rigurosas que ponen en su correcto contexto las obras litúrgicas (Missa pro Defunctis, de Mateo Romero, LAU002; Vísperas de Confesores, de José de Nebra, LAU004; Canciones instrumentales de Antonio Rodríguez de Hita, LAU005; Música para el Corpus de Joan Pau Pujol, LAU007 y el Oficio de difuntos, de Francisco García Fajer, LAU008; Misa O Gloriosa Vir-ginum, de Rodríguez de Hita, LAU009; In Dominica Palmarum, de Juan García de Salazar, LAU011 y La fiesta de Pascua en Piazza Navona. Tomás Luis de Victoria, LAU012). Para esta segunda serie, generalmente colabora con la Schola Antiqua de Juan Carlos Asensio. A finales de 2010, editó un doble CD dedicado a Cristóbal Galán (LAU010), en lo que constituye el primer monográfico dedicado a uno de los principales compositores españoles del siglo XVII. Su último CD (2013) recupera dos misas de Alonso Lobo, el maestro de la catedral de Sevilla y Toledo en tiempos de El Greco.

Por su calidad y su solvencia artística, los discos de La Grande Chapelle / Lauda han obtenido galardones y premios nacionales e internacio-nales de reconocido prestigio en el mundo de la música antigua, tales como dos Orphées d’Or (Academia del Disco Lírico de París, en 2007 y 2009), Sello del año de los Prelude Classical Music Awards 2007 (Holanda), 5 de Diapason, CD Excepcional de Scherzo, etc. Ha recibido el I Premio FestClásica (Asociación Española de Festivales de Música Clásica), por su contribución a la interpretación y recuperación de música inédita española durante el año 2010. Recientemente, su CD sobre La fiesta de Pascua en Piazza Navona ha sido galardonado con el Preis der deutschen Schallplattenkritik (PdSK), el prestigioso Premio de la Crítica Discográfica Alemana, en la categoría de Música Antigua (Bes-



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tenliste 4-2012) y el Critic’s Choice (selección de la crítica) de la célebre revista británica Gramophone (diciembre 2012).

ALBERT RECASENSNació en Cambrils (Tarragona). Inició, desde temprana edad, sus estudios musicales bajo la dirección de su padre, el pedagogo y director Ángel Recasens, principalmente en el Conservatorio Profesional de Vilaseca y Salou. Perfeccionó sus conocimientos musicales en la Escola de Música de Barcelona, Conservatorio de Brujas y Real Conservatorio de Gante (piano, dirección, canto coral, historia de la música y compo-sición). Asistió a numerosos cursos y seminarios de pedagogía musical, canto coral y dirección (Jorma Panula, Roland Börger). Paralelamente cursó la carrera de musicología en la Universidad Católica de Lovaina, en las secciones neerlandesa y francesa. Es doctor en musicología por esta universidad con una tesis sobre la música escénica madrileña del siglo XVIII. Desde entonces, combina la práctica musical, la gestión y la investigación musicológica, convencido de que es necesario un esfuerzo in-terdisciplinar y un compromiso total para divulgar el patrimonio musical olvidado. Ha publicado artículos musicológicos en varias revistas y enciclopedias, nacionales y extranjeras, y ha realizado la edición crítica de la zarzuela Briseida (ICCMU) y las Canciones instrumentales (Caja Madrid), ambas de Antonio Rodríguez de Hita, y el Liber primus missarum, de Alonso Lobo (Junta de Andalucía). Igualmente, ha sido miembro de proyectos de investigación sobre la tonadilla escénica (UAM), Red “Sólo Madrid es Corte” y Aula Música Poética (Universitat de Barcelona). Ha sido profesor en las universidades de Valencia y Autónoma de Madrid. Actualmente, su actividad docente se concentra en la Universidad Carlos III de Madrid (Máster de Gestión Cultural) y en la Universidad de Valladolid (Jornadas de Música Antigua).

En 2005 inició, junto a su padre, un ambicioso proyecto de recuperación del patrimonio musical español para colmar las lagunas de las instituciones públicas y universitarias, con la fundación del conjunto La Grande Chapelle y el sello discográfico Lauda, que culminan todo un proceso de recuperación, desde la investigación científica de excelencia hasta la interpretación musical. Desde entonces, está dando a conocer obras inéditas de los siglos XVII y XVIII (J. P. Pujol, C. Patiño, C. Galán, J. García de Salazar, F. Valls, J. de Nebra, A. Rodríguez de Hita, F. J. García Fajer, J. Lidón, etc.) en lo que constituyen estrenos o primeras grabaciones mundiales, contribuyendo así a la difusión del patrimonio histórico. Además del éxito de crítica y público, La Grande Chapelle, Lauda y su colección Música Poética han sido consideradas como paradigma de transferencia de conocimiento al entorno socioeconómico en el ámbito de las Humanidades y las Ciencias Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC).

En agosto de 2007, asumió la dirección artística de La Grande Chapelle. Desde entonces ha dirigido numerosos conciertos tanto de polifonía como de música barroca, destacando los ofrecidos en el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París, el OsterKlang-Festival de Viena, la Sala Nezahualcóyotl y el Festival Internacional Cervantino de México. Entre los estrenos de música teatral, cabe citar el auto sa-cramental La Paz Universal, de Calderón de la Barca, en la Semana de Música Religiosa Cuenca (con Antiqua Escena y Ana Yepes) y la ópera Compendio sucinto de la revolución española (1815), de Ramón Garay, en Úbeda, Oviedo y Vigo. Entre sus grabaciones recientes para Lauda figuran la reconstrucción de la Fiesta de Pascua en Piazza Navona en tiempos de T. L. de Victoria y el CD dedicado a misas de Alonso Lobo.



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SINGER PUR

INTÉRPRETESSINGER PUR: Claudia Reinhard, soprano. Klaus Wenk, Markus Zapp, Manuel Warwitz , tenores. Reiner Schneider-Waterberg, barítono. Marcus Schmidl, bajo.


PROGRAMA

Orlando di Lasso(1532-1594)

In Monte Olivetti

Wolfgang Rihm(1952)

Tristis est anima mea (de Sieben Passionstexte, 2001)

Cristóbal de Morales(ca. 1500-1553)

quanti mercenarii

Jacobus Arcadelt(ca. 1500-1568)

Lamentatio Jeremiae prophetae: Caph. Defecerunt prae lacrymis oculi mei

Salvatore Sciarrino (1947)

Responsorio delle Tenebre (2001)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Santuario del Inmaculado Corazón de María.3 de abril. 20:30 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

TENEBRAE

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Tomás Luis de Victoria(ca. 1548-1611)

O sacrum convivium

Domine, non sum dignus

Wolfgang Rihm Ecce vidimus (de: Sieben Passionstexte, 2001/2002)

Jacobus Gallus(1550-1591)

Peccantem me quotidie

Wolfgang Rihm Velum templi scissum est (de Sieben Passionstexte, 2002)

NOTAS AL PROGRAMADurante la Semana Santa, la Pasión de Cristo se manifiesta sobre todo en la intensidad de los oficios religiosos y la música compuesta especialmente para la ocasión. Las primeras notaciones escritas ya documentan que la muerte y resurrección de Jesús siempre han desem-peñado un papel fundamental en el canto litúrgico de los creyentes. Los textos suelen referirse a relatos y profecías del Antiguo Testamento, como por ejemplo los salmos penitenciales o las elegías de Jeremías. Se han conservado innumerables composiciones de los siglos XV y XVI, periodo en que el arte de la polifonía vocal había alcanzado su culminación, basadas en estos textos tan específicos para crear obras vocales como dolorosos lamentos. Esta tradición musical se ha mantenido durante siglos.

Curiosamente, compositores de nuestros días también recurren una y otra vez a textos litúrgicos pertenecientes al contexto de la muerte y resurrección de Cristo. Wolfgang Rihm (*1952), posiblemente el compositor alemán más relevante del siglo XXI, empezó a componer en el año 2001 un ciclo de motetes para seis voces a cappella sobre la Pasión, dedicados al Ensemble Singer Pur. En el concierto de esta noche, de estos siete textos sobre la Pasión Sieben Passions-Texte (todos ellos responsorios de Semana Santa), se presentan tres poderosas y expre-sivas imágenes sonoras. Rihm escribe su nueva polifonía enteramente al estilo de los “viejos Maestros”. En su partitura prácticamente no hay anotaciones sobre tempo o dinámica. Su consejo a los cantantes resulta casi críptico: “Creo que todo resultará evidente. Cantadlo como si fuera Música Antigua: entonces se oirá que no lo es.” El siciliano Salvatore Sciarrino (*1947) en su puesta en música del Responsorio delle Te-nebre (2001) recurre al tradicional canto antiguo de salmos de estilo antifonal, en el que estrofas gregorianas alternan con estrofas polifónicas. Los cinco maestros renacentistas del programa de hoy fueron todos ellos maestros aclamados en su época. El neerlandés Orlando di Lasso (1532-1594) se formó en Italia y más tarde se trasladó a Múnich, donde fue Maestro de Capilla – Kapellmeister – del coro y orquesta de la corte de Baviera, Bayerische Hofkapelle, que con él alcanzó gran celebridad en toda Europa. Jacobus Gallus o Jacob Handl (1550-1591) está considerado el compositor más importante de la región que hoy es Eslovenia. Trabajó en Praga, entre otros lugares, y nos ha legado un corpus de obra realmente inmenso, que incluye también numerosas piezas profundamente sentidas sobre la Pasión. El neerlandés Jacobus Arcadelt (†1568) es conocido actualmente sobre todo por sus madrigales. Pero su oscura Lamentatio Jeremiae Prophetae (para cinco voces masculinas) es una muestra sobrecogedora de su maestría en trasladar también el duelo y el lamento a sonidos musicales.

Naturalmente, también compositores españoles como Cristóbal de Morales (†1553) o Tomás Luis de Victoria (†1611) nos han legado inmor-tales obras maestras de su época. Morales está justamente considerado como el compositor ibérico más influyente de la primera mitad del siglo XVI. El lenguaje sonoro de Victoria, que al igual que Morales formó parte del coro de la Capilla Sixtina en Roma, estilísticamente apenas se distingue de la perfecta técnica de fraseo de G. P. da Palestrina (†1594). En cualquier caso, la época sublime de la polifonía vocal termina con estos grandes nombres. La música barroca ya estaba llamando a la puerta.

KLAUS WENK

SINGER PUREl propósito de hacer música a cappella en sus vidas se desarrolló en la escuela ya que, poco después de terminar, cinco antiguos miembros de la famosa escolanía Regensburger Domspatzen lo pusieron en práctica y fundaron el conjunto vocal Singer Pur, en 1992.

Fue un fortuito asunto de amor el que llevó a una soprano a sus filas. En 1994, el sexteto Singer Pur con una inusual combinación de voces (una soprano, tres tenores, un barítono y un bajo) ganó el primer premio en el Deutscher Musikwettbewerb. Un año más tarde, Singer Pur recibió el Grand Prix, para conjuntos vocales, en el Festival internacional de música de Tampere, Finlandia, lo que supuso su lanzamiento como el primer conjunto vocal de habla alemana. Pronto, sus apariciones en televisión y radio, así como grabaciones de CD, invitaciones a los festivales de mayor prestigio y conciertos en más de 40 países, establecieron su carrera internacional.

Singer Pur no tiene limitaciones estilísticas en sus programas, abarcando desde la música medieval hasta la vanguardista. Su repertorio incluye, además, un conjunto de nuevas composiciones y arreglos escritos para el grupo. Singer Pur a menudo colabora con músicos tan diversos como The Hilliard Ensemble, el compositor y clarinetista de jazz Michael Riessler y con orquestas como Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin y Rundfunk-Sinfonieorchester Köln.

La discografía de Singer Pur consta de 20 CD, varios de ellos galardonados. Dos discos de música del Renacimiento recibieron Le Choque de l’année, de la revista musical francesa Le monde de la Musique, y otros tres el premio ECHO Klassik, en 2005, 2007 y 2011, considerado el galardón más prestigioso otorgado a un CD en Europa.



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Singer Pur fue reconocido con el Premio de la Cultura de la ciudad de Regensburg, en 2008.

También cabe mencionar que sus dos volúmenes de arreglos escritos para y por el grupo fueron elegidos como la mejor publicación del año en 2009.

Desde hace varios años, Singer Pur apoya a jóvenes músicos, participando en los talleres internacionales de Europa Cantat, AMJ y Rhapsody in School.

En 2013, Singer Pur actuará en ocho países e impartirá dos talleres en los Estados Unidos. En este mismo año la agrupación ha recibido el prestigioso premio belga Caeciliaprijzen por su CD de Roland de Lassus, y también el Bayerischer Staatspreis für Musik - el premio del estado Bávaro para la música.



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CÁMARA SACRA / FLORES CHAVIANO

INTÉRPRETESCÁMARA SACRA: Akemi Alfonso, Dania Rodríguez, sopranos. Yelena Lafargue Jamierson, Ana Valdés-Miranda, mezzosopranos. David Santacecilia, Rodrigo Calderón, violines. Nadia Chaviano, viola. Ángel Paunov, violoncello. José Antonio García Fuerte, guitarra. Eduardo Ernand, teclado. Ángel Herrera, percusión. FLORES CHAVIANO, arreglos y dirección.


PROGRAMA

Arsenio Rodríguez(1911-1970)

Bruca manigua (son afrocubano)

Tony Rubí) Una luz en la oscuridad (bolero)

Margarita Lecuona(1910-1981)

San Lázaro (babalú)

Manuel Corona(1880-1950)

Santa Cecilia (canción)

Perla Moré(1919-1985)

Aleluya

Armando Medina Saludo a Changó (afro)

Teatros, fechas yhorariosMadrid.Ateneo de Madrid.4 de abril. 20:00 horas. Entrada: 8 € (socios, entrada libre hasta completar aforo).

MÚSICA

GOSPEL AFROCUBANO

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Flores Chaviano(1946)

Señor (de la Misa a la Caridad) *

María Teresa Vera(1895-1965)

Bolero a la Caridad

Gilberto Valdés(1905-1972)

Ogguere (canción de cuna afro)

Juan J. Sosa Salve (guajira son)

Gilberto Valdés (1905-1972)

Misa negra (bembè)

Flores Chaviano(1946)

Santo (de la Misa a la Caridad) *

Mayda Galano(1950)

Canto a María (bolero son)

* Estreno absoluto

NOTAS AL PROGRAMAEl término góspel significa “palabra de Dios” -godspell- música de origen cristiana que, en el caso de Norteamérica, es la resultante de la mezcla del cantoral y doctrinas evangélicas con las culturas afroamericanas. El góspel se hizo popular durante la década de los años 1930. Era un tipo de canto más sencillo y rítmico. Este mismo principio lo encontramos en las músicas afrocubanas que se sincretizan con la religión católica. En la variante cubana, el canto está muy ligado a los cantos y toques a los dioses del panteón Yoruba, que se mezclan con los santos católicos, siendo, en cualquier caso, cantos espirituales que invitan a las personas a su encuentro con sus dioses. Muchos compositores y trovadores más cercanos al catolicismo han compuesto canciones y misas de carácter popular y también con ritmos afrocubanos.

AKEMI ALFONSONacida en La Habana, comenzó sus estudios de música en Guanabacoa Habana. En 1991 pasa a formar parte del Coro de la Ópera Nacio-nal de Cuba. En esta etapa realiza varias giras internacionales además de papeles protagonistas en Óperas, como Bastián y Bastiana, de Mozart, La Traviata, de Verdi, y Rita, de Donizetti. En 1996, realiza una extensa gira por España y Portugal, participando en los Veranos de Madrid; en 1997 gana el premio Salto a la Fama, de televisión; en 1998 pasa a formar parte del elenco del espectáculo La Antología de la Zarzuela, de José Tamayo, realizando representaciones en Filipinas, Festival Internacional de Estambul, Auditorio Nacional de México… Con el espectáculo Una cena cantada, actúa en Oporto, Manchester, Londres, Verona, Milán, Turín Roma, Miami, etc. En 2000 se presenta en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid en la obra Amadeus, en el papel de Teresa Salieri.

DANIA RODRÍGUEZ RODRÍGUEZLicenciada en Canto Lírico, con Título de Oro, en la Universidad de las Artes de Cuba (2012). Graduada de dirección Coral en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana (2005). Obtuvo una beca de estudios de la Fundación Carolina para realizar un postgrado en el Liceu de Barce-lona con el maestro Eduard Giménez (2012). Actualmente continúa su perfeccionamiento en dicha institución. Ha sido galardonada en varios concursos en su país. En España obtuvo el Premio de la Ópera Estudio de Barcelona, de la Academia A Tempo, en el Concurso Internacional de Canto de Les Corts (2013), fue finalista en el Concurso Internacional de Canto Montserrat Caballé (2013) y seleccionada para participar en el Concurso Internacional de Canto Doctor Luis Sigall, de Viña del Mar (Chile), en 2013.

Entre los roles que ha cantado está la Reina de la noche (su debut a los 21 años en el estreno en Cuba de La flauta mágica, con el Teatro Lírico Nacional de Cuba, en una puesta en escena de Andreas Baesler, destacado director alemán, en 2009). Cantó el rol de Sofía de la ópera Il Signor Bruschino, de G. Rossini, con la Orquesta de la Opera Jove del Consevatori del Liceu, en una puesta en escena de Mikel Gorriz, en 2013. En su país ha cantado Dido y Eneas, de Henry Purcell, Bastián y Bastiana, de W. A. Mozart, Misa de los gorriones, de Mozart, y Stabat Mater, de Vivaldi, con la Orquesta del Liceu Mozartiano de La Habana, adjunta a la Universidad de las Artes de Cuba.



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ANA VALDÉS-MIRANDA CRESPONació en La Habana, Cuba. Inicia sus estudios de canto en España con la soprano checa Eva Novotna, pasando los exámenes de la Associa-ted Board of the Royal School of Music, de Londres. Recibió también clases de la eminente soprano cubana Daisy Rodríguez, en la ciudad de Nueva York. Durante seis años cantó con la Coral Ágora de Segovia, realizando múltiples conciertos con dicha agrupación, estrenando importantes obras y grabando dos CD. Durante varios meses asistió a los ensayos de la Coral de la Universidad Carlos III de Madrid. Ha sido miembro de la Coral Joaquín Rodrigo, de la Universidad SEK. Asistió varios años a múltiples cursos de técnica vocal y de canto coral patro-cinados por la Fundación Don Juan de Borbón. Formó parte de la Coral Talía, de la Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín de Madrid, con la que ha actuado recientemente en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Es miembro del grupo Cámara Sacra.

DAVID SANTACECILIAMadrid, 1981, Director, compositor, licenciado en filosofía, violín, música de cámara, violín barroco y clave .Ha realizado cursos de perfec-cionamiento con maestros como Vartan Monogian, Boris Kouniev, de cámara y clave con Ferenc Rador y Richard Egarr. Ha obtenido los siguientes galardones: Premio de Honor Fin de Carrera (1999) y Premio de Honor (2001) en el Real Conservatorio Superior de Música de Ma-drid, en Concurso Nacional de Interpretación Jacinto Guerrero (2001), VII Concurso Nacional de Música de Cámara de Vinarós (2005), Primer Premio en el Concurso de Música de Cámara de Yanguas (2005), etc. Ha sido concertino durante tres temporadas de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad de Madrid. Como intérprete ha realizado conciertos por toda la geografía española, así como grabaciones para RTVE. Colabora actualmente con otras agrupaciones musicales, como la Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta SIC, y es miembro del Cuarteto Cibeles. En la actualidad compagina su actividad concertística con la docente, impartiendo clases de violín en el Conservatorio Amaniel, de Madrid.

RODRIGO CALDERÓN LÓPEZEstudia en el Real Conservatorio de Música de Madrid, donde obtiene los títulos superiores de violín y de música de cámara. Ha recibido clases de Sonia y Hermes Kriales, Manuel Guillén, Víctor Martín, Vartan Monogian y, posteriormente en Bruselas, de Karen Arcutonian. Ha colaborado con diferentes agrupaciones musicales como la Orquesta Chamartín, la Orquesta de Extremadura, Filarmónica de Madrid, Filar-monía de España, Orquesta de Jóvenes de la Comunidad de Madrid. Es miembro fundador y gerente de la Symphonic Film Orchestra Madrid y director de la orquesta de la Escuela Municipal de Música Salmerón de Madrid.

NADIA CHAVIANORealizó sus estudios de viola en el Conservatorio Profesional de Música de Segovia, continuando sus Estudios Superiores en el Real Con-servatorio de Música de Madrid. Colabora habitualmente con diferentes orquestas españolas, como Reina Sofía Freixenet, Filarmonía de España, grabando los programas de El Conciertazo de Televisión Española, Sinfónica Europea del Mediterráneo, de Majadahonda, de San Sebastián de los Reyes, entre otras, dirigidas por los maestros Ros Marbà, Pedro Halffter, Odón Alonso, Leonardo Balada y Pascual Osa. También colabora con el Ensemble de Segovia, Cuarteto Cibeles y Trío Nova Cámara, de los que es fundadora, y Cámara Sacra, Ha actuado en París, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Auditorio de las Rozas, Festival de Soria, en los Jardines del Palacio de Aranjuez, así como en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en Portugal, Florencia, Institutos Cervantes de Miami y en Manhattan, Nueva York. Ha asistido a los cursos del maestro Bruno Giuranna. Actualmente trabaja en la docencia y estudia el Método Suzuki, en Edimburgo.

ÁNGEL PAUNOVCursa estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, finalizando con Premio de Grado Superior y Matrícula de Honor, y titulándose como Profesor Superior de Violoncello y Música de Cámara. Desde temprana edad ha pertenecido a numerosas or-questas y agrupaciones participando en numerosos festivales y ciclos musicales de prestigio. En Madrid ha sido becario y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Madrid durante 5 años. Ha colaborado también con la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Ha formado parte de varias formaciones de cámara como Aulos Piano Trío, Ara Malikiam Ensemble, Orquesta Harmonia Sphaerarum, Delios Ensemble y Cuarteto Fin de Siglo. Ha participado en grabaciones para músicos conocidos, así como bandas sonoras para cine y radio además de diversos espec-táculos musicales. Actualmente forma parte del Cuarteto Cibeles, sigue en colaboración con varias orquestas e imparte clases de violoncello, música de cámara y orquesta en escuelas municipales y privadas de Madrid.

JOSÉ ANTONIO GARCÍA FUERTESNacido en Llanes (Asturias), en 1973. Termina sus estudios de guitarra en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con el catedrático Miguel Ángel Jiménez. Su formación se completa asistiendo a numerosos cursos y masterclass con las figuras más relevantes. Ha tocado en numerosas localidades de España, Portugal, Inglaterra, Pakistán, países de Asia Central, Vietnam, etc. Se ha presentado como solista en impor-tantes salas junto a diferentes orquestas. Asimismo ha realizado grabaciones para Radio y TV. Es invitado a participar en festivales de música y guitarra, entre los más recientes Festival Luna Lunera, Festival Internacional Andrés Segovia, Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, International Guitar Festival, Bath (Inglaterra)… Presta una especial atención a la música de cámara siendo integrante de diversos grupos, como Trío Nova Cámara, Dúo Caprice, y colaborando estrechamente con otros muchos, como Cámara Sacra.



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EDUARDO ERNANDComienza sus estudios musicales a temprana edad y se licencia por el Instituto Superior de Arte de La Habana. Es concertista de piano y ha colaborado en diferentes montajes de óperas, zarzuelas y musicales, como El hombre de la Mancha. En la actualidad alterna su labor como instrumentista y pedagogo de piano.

FLORES CHAVIANOGuitarrista, compositor y director nacido en Cuba, ha desarrollado una intensa actividad concertística por diferentes continentes, de Asia a América, desde Pekín a New York, pasando por Berlín, Puerto Rico, México D. F., Miami, Los Ángeles, Polonia, Rusia, República Checa, Sue-cia, Italia, La Habana, Venezuela y, en España, en los Festivales Internacionales de Granada, Alicante, Navarra, Asturias, León, Auditorio Na-cional de Música de Madrid, etc. Es miembro de la Asociación de Compositores Madrileños. Ha realizado el estreno de decenas de obras de compositores actuales que le han dedicado sus partituras y tiene un amplio catálogo de obras para diferentes combinaciones instrumentales. Ha estrenado obras con las Orquestas Sinfónicas de Granada, recientemente con la Simón Bolívar de Caracas, del Principado de Asturias, Nacional de México, Gdansk (Polonia), Clásica de Madrid, del Principado de Asturias, de la Comunidad Autónoma de Madrid, de Cámara del Nalón, Nacional de El Salvador, Filarmónica de Montevideo. Su obra sinfónica Ni-Fe, fue interpretada en la sede de la ONU, en Nueva York, por la Orquesta del Nalón. Ha sido un gran difusor de la música del compositor Esteban Salas, máximo representante del barroco cubano, autor de música sacra. En diciembre pasado, realizó un concierto monográfico con la obra de Salas, organizado por The Cuban Cultural Center de New York. Para dar realce a tan importante acontecimiento fundó la Capilla Musical Esteban Salas de Nueva York.

En el próximo mes de marzo se estrena su obra sinfónico-coral Son de negros con texto de García Lorca. El estreno tendrá lugar en el Car-negie Hall y la sede de la ONU, en Nueva York.



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INMACULADA LAÍN / HARRIET KIRK/ RODOLFO ALBEROSESTETTO CAMERATA LÍRICA

INTÉRPRETESINMACULADA LAíN, soprano. HARRIET KIRK, mezzosoprano. RODOLFO ALBERO, tenor. SESTETTO CAMERATA LíRICA.


PROGRAMA

Stabat Mater, Opus 61, (versión 1800), de Luigi Boccherini (1743 – 1805)

- Stabat mater dolorosa (6’16). Soprano, soprano, tenor

- Cuius animam gementem (2’44). Soprano, soprano

- quae moerebat et dolebat (3’11). Soprano

- quis est homo, qui non fleret (1’32). Soprano, tenor

- Pro peccatis suae gentis (4’15). Tenor

- Eia mater, fons amoris (6’44). Soprano, soprano

- Tui nati, vulnerati (4’26). Soprano, soprano, tenor

- Virgo virginum praeclara (5’06). Soprano

- Fac ut portem Christi mortem (2’32). Soprano

Teatros, fechas yhorariosBoadilla del Monte.Auditorio Municipal.4 de abril. 20:00 horas. Entrada: 5 € adultos y 2 € niños, 3ª edad y discapacita-dos.

Alcorcón. Teatro Municipal Buero Vallejo.5 de abril. 19:00 horas. Entrada: 12 € patio de butacas, 10 € anfiteatro, 9 € paraíso. 30% mayores de 65 años y menores de 26 años presentando la tarjeta joven.

MÚSICA

STABAT MATER, DE LUIGI BOCCHERINI

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Arte Sacro 2014

- Fac me plagis vulnerari (2’15). Soprano, soprano, tenor

- quando corpus morietur (6’29). Soprano, soprano, tenor

NOTAS AL PROGRAMADesde el año 2000 Camerata Lírica de España viene apostando por ofrecer al espectador la máxima calidad tanto a nivel artístico como musical. La fidelidad a la partitura y a las formas ortodoxas de las obras clásicas no es obstáculo para su gran apuesta por la innovación y la creatividad en las formas actuales de vanguardia, todo ello acompañado de los mejores profesionales a nivel nacional e internacional.

En esta ocasión Camerata Lirica de España propone, la versión original del poco conocido pero muy hermoso Stabat Mater, Op. 61 (versión 1800), del gran compositor italo-español Luigi Boccherini. Boccherini compuso una primera versión del Stabat Mater en 1781 para una for-mación de soprano y quinteto de cuerda; compuso esta obra bajo la influencia de Pergolesi, pero Boccherini trasciende su modelo en estilo y forma componiendo una obra en la que, por encima de todo, está presente su característico estilo galante y una mayor elaboración y riqueza de las voces interiores en la línea de lo que también se estaba haciendo en Centroeuropa, consiguiendo un maravilloso Stabat Mater, esta primera versión, hasta época reciente, ha sido muy poco conocida debido a que solo existía un manuscrito que perteneció a Luis Picquot.

No se sabe por qué razón, si por interés de algún editor francés, por necesidades económicas o por dar nueva vida a una gran obra que permanecía apartada, Boccherini emprende en 1800 una segunda versión de su Stabat Mater pero en este caso para tres voces: soprano, mezzosoprano, tenor y orquesta de cuerda, nominándola como Stabat Mater, Opus 61.

Boccherini propone con este Stabat, ya en 1800, una visión totalmente diferente y renovada de otros Stabat escritos hasta entonces. La pieza estructura en once movimientos el texto completo del poema y mezcla recitativos ariosos libres y cuasi-arias de ópera para crear uno de sus más atractivos trabajos.

Esta plegaria, medita sobre el sufrimiento de María, Madre de Jesús, durante la crucifixión. El también llamado “llanto de María” presenta una actitud de la madre de Cristo muy poco acorde con la fuerza moral que habitualmente se le atribuye.

LUIGI BOCCHERINILuigi Rodolfo Boccherini fue un compositor y cellista toscano naturalizado español. Nacido en Lucca el 19 de febrero de 1743, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone fue escritor y poeta de cierto prestigio, que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el cello. Su padre le da las prime-ras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannuci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violoncellista; contaba tan sólo 13 años de edad. Impresionado su padre por las aptitudes de Luigi le envía a Roma a estudiar con Constanzi, un compositor célebre por esa época, autor de óperas y música sacra. Se familiariza con la obra de Palestrina y de Allegri, cuyo famoso Miserere impresionará al joven músico.

En 1757, después de terminar sus estudios en la Basílica de San Pedro en Roma, acompañó a su padre que había logrado obtener plaza para ambos en la corte imperial austríaca, en Viena, y no volvió a Lucca hasta 1800. Ante el relativo poco éxito de su carrera -y su escasa remune-ración- Boccherini inicia una gira de conciertos con su cuarteto de cuerda creado en 1764 con los violinistas Pietro Nardini y Filippo Manfredi y el viola Giuseppe Cambini. Su repertorio está formado por obras de Haydn, el propio Boccherini y otros compositores contemporáneos. Entre 1764 y 1768 compone dos oratorios Giuseppe Riconoscuito y Gioas, re di Guidea.

En 1768 se instala en París con su segundo violín Filippo Manfredi. Allí publica algunos cuartetos op.1 y tríos op.2. Poco a poco la fama de Boccherini crece. Entonces aparece en su vida el embajador de España en París, Joaquín Anastasio Pignatelli y consigue convencer a ambos de trasladarse a Madrid bajo la protección del infante Luis Antonio de Borbón y Farnesio, hermano pequeño del rey Carlos III.

Pero la situación no les es tan favorable como habían esperado. Numerosos músicos italianos que ya estaban en Madrid envidian el talento de Boccherini, además, el género más apreciado en la Corte es la ópera. En 1769 es nombrado violoncellista y compositor de la capilla real del infante Don Luis. Hacia 1770 empezó a componer el primero de sus quintetos para cuerda, una obra con la que ha sido ampliamente relacionado.

El año 1785 cambia sustancialmente su vida, fallece su esposa Clementina en Arenas de San Pedro y meses después, el 7 de agosto, su patrón Don Luis. Boccherini regresa solo y con 6 hijos. Una vez en Madrid consigue dos importantes patronazgos: es nombrado compositor de la corte de Federico Guillermo II de Prusia, sin obligación de residir en Berlín (nunca viajó a Alemania); y el de Feliph-Mariano de Riquer y de Sabater, cuarto marqués de Benavente (1713-1794).

Murió el día 28 de mayo de 1805, a los 62 años de edad y, aunque se cree que lo hizo siendo pobre, un reciente estudio de su testamento realizado por uno de sus descendientes directos demuestra que no murió rico, pero murió con dinero y no en la miseria. Boccherini fue en-terrado en la iglesia de San Justo de la Calle del Sacramento de Madrid, hoy basílica pontificia de San Miguel. En 1927 Mussolini llevó los restos del compositor a Lucca para ser enterrado en la iglesia de San Francisco, en el panteón de los hijos ilustres de esa ciudad toscana.



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INMACULADA LAÍNNace en Aranjuez donde inicia sus estudios de violín en la Escuela Municipal Joaquín Rodrigo. Posteriormente se traslada al Conservatorio Profesional Julián Orbón, de Avilés.

En Asturias da sus primeros pasos como soprano con el profesor Ramón Alonso del Conservatorio de Gijón. Decidida a entregar su vida al canto se traslada a Madrid donde estudia con Elena Muñoz Valdelomar; rápidamente destaca por su capacidad interpretativa y su calidad vocal, obteniendo el Grado Profesional de Canto con las más altas calificaciones.

Ingresa en la Escuela Superior de Canto donde es guiada por el eminente y gran pedagogo Ramón Regidor Arribas. Allí obtiene el Título Superior en la especialidad de Pedagogía de Canto con la más alta calificación en su especialidad. Colabora asiduamente como solista en compañías como Musiarte, Compañía Capricci, Divertilírica, Universidad Carlos III, etc. Desde 2008 colabora como refuerzo en el Coro RTVE, Capilla Real de Madrid y, en la última temporada de 2011, con el Coro Nacional de España.

Entre sus actuaciones cabe destacar el estreno mundial de la zarzuela Benamor, del maestro Pablo Luna, en el roll de Nitetis. Recientemente (verano de 2011) ha participado como solista en la clausura del Festival Intercéltico 5º 40’ de Gijón. Ha realizado clases magistrales con Carlos Chausson, Reri Grist, Vicenzo Scalera, Victoria Manso, Xavier Parés, etc. En la actualidad perfecciona su técnica con el celebérrimo tenor Rodolfo Albero.

HARRIET KIRKNacida en Londres en 1984, está considerada como una de las jóvenes mezzosopranos inglesas con más proyección en la actualidad.

Es licenciada y Máster en canto lírico por la Guildhall School of Music and Drama of London y becada por la Music Academy of the West, Santa Barbara, California, EEUU, con dirección de Marilyn Horne y Jennifer Larmore.

Ha cantado durante 2011 y 2012 en la Opera Holland Park.

Actualmente ha sido seleccionada por la ENO Opera Works, English National Opera para trabajar en sus producciones y en 2013 realizará una gira de conciertos por Inglaterra.

El año 2012 ha debutado en España con el rol de Rosina (Il barbiere di Sivigilia) para los Teatros de la Red de Madrid con una producción de Camerata Lírica de España.

Entre sus roles principales destaca en Sesto (Giulio Cesare), Carmen (Carmen), Cherubino (Le nozze di Figaro) y Dorabella (Così fan tutte).

Actualmente realiza una gira de conciertos temáticos sobre Debussy en Londres.

RODOLFO ALBERONacido en Zaragoza, es Profesor Superior de Canto con Premio de Honor fin de grado, Profesor de piano, Director de coro por el Conser-vatorio Superior de dicha ciudad y Master en creación e interpretación musical por la Universidad Rey Juan Carlos y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, siendo la tercera generación familiar en la cuerda de tenor. Creó y dirigió durante cuatro años el Taller Lírico-Master Class de la Universidad Carlos III de Madrid y actualmente cursa el doctorado en la Universidad Rey Juan Carlos.

Durante su periodo de formación fue finalista del “Concurso Internacional de Canto para tenores, Centenario de Miguel Fleta” y recibió clases de Dante Mazzola (Teatro y Accademia Alla Scala de Milano), Alfredo Kraus, Magda Olivero, Pilarín Andrés, Mariuccia Carando, entre otros grandes maestros.

Su actividad concertística se va desarrollando por la geografía española e internacional, habiendo actuado acompañado de orquesta en tea-tros y auditorios de todo el país, (Madrid, Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Málaga, etc.), destacando sus actuaciones en el Auditorio de Osaka (Japón), invitado por el maestro Dante Mazzola, director interno del teatro Alla Scala de Milano y la soprano japonesa Atsuko Kakioka, su concierto en el Círculo del Gran Teatro del Liceo de Barcelona y el Concierto Homenaje al ex presidente Adolfo Suárez en la Universidad Carlos III de Madrid.

Realizó una gira por importantes ciudades de Méjico con gran repercusión en medios de comunicación y prensa del país, y ha efectuado un concierto en la ciudad de La Habana con motivo del II Congreso Internacional de Cooperación Cultural Iberoamericana de la UNESCO. Ha sido invitado por el compositor de RTVE, Julio Mengod para estrenar Fantasía Aragonesa.

Fue elegido “Hombre del día” por el periódico El Mundo de Madrid por su espectáculo El Humor en la Ópera, con más de 160 representa-ciones por toda España y girando en la Red de Teatros de Madrid. Dentro de la ópera, debutó en Barcelona en el rol de Ferrando de Così fan tutte, de Mozart y ha efectuado giras con las óperas El barbero de Sevilla (Conde de Almaviva), de Rossini, Così fan tutte (Ferrando) y La flauta mágica (Príncipe Tamino), de Mozart, L’elisir d’amore (Nemorino), de Donizetti, L’Orfeo, de Monteverdi y Orfeo y Eurídice, de Gluck.

Con motivo del 400 aniversario de L’Orfeo, de Monteverdi, realizó una gira por España (Madrid, Zaragoza, Vigo, Salamanca, Orense, Ciudad Real, El Ferrol, etc.), con un espectáculo creado para el evento por el catedrático y musicólogo Álvaro Zaldívar.

En oratorio destacan el Stabat Mater, de Rossini, cuya última actuación tuvo lugar en la Basílica del Real Monasterio de El Escorial y el Stabat Mater, de Haydn.



Arte Sacro 2014

También ha realizado una gira de 25 conciertos por España con el ciclo de lied Dichterliebe (Amor de poeta), de Robert Schumann, conme-morando el bicentenario de su nacimiento y actualmente realiza una gira con un concierto temático de canción lírica española.

CAMERATA LÍRICA DE ESPAñADesde el año 2000 Camerata Lírica de España viene apostando por ofrecer al espectador la máxima calidad tanto a nivel artístico como musical.

La fidelidad a la partitura y a las formas ortodoxas de las obras clásicas no es obstáculo para su gran apuesta por la innovación y la creativi-dad en las formas actuales de vanguardia que le han otorgado un prestigioso lugar en el panorama musical independiente de nuestro país.

Sus cuidadas puestas en escena, de formales características clásicas, se alternan con apuestas muy innovadoras, siempre de gran calidad.

Cuenta con cantantes y músicos de primer nivel internacional que han actuado con grandes orquestas, como la Orquesta Nacional de Espa-ña, Orquesta de RTVE, Orquesta Sinfónica de Madrid, European Young Orchestra, Joven Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Castilla La Mancha, etc., en centros y auditorios de la categoría del Teatro Real de Madrid, Auditorio Nacional, Teatro de la Zarzuela, Teatro Monumental de Madrid, Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Palau de la Música de Barcelona, Auditorio de Zaragoza, Culturgest de Lisboa, Stadthalle de Wuppertal (Alemania), Kuntstwerkstatt am Hellweg de Bochum (Alemania), Teatro Juárez de México, Sydney Opera House (Australia), Carnegie Hall de Nueva York, Tulli Hall Lincoln Center de Nueva York, Hammersjöld Auditórium (Naciones Unidas), Miami (EEUU), Mahoroba Holl Center de Osaka (Japón), etc

ENSEMBLE CAMERATA LIRICAEstá compuesto por músicos profesionales de diferentes nacionalidades que se han conocido en España y se han reunido en el año 2004 para seguir con su labor musical y cultural. Cada uno de ellos tiene un importante historial artístico como miembros de orquestas como las de RTVE, Comunidad de Madrid y Orquesta Nacional de España. Desde su encuentro, la actividad del Sestetto ha sido incesante, habiendo actuado para ciclos del Ayuntamiento de Madrid en la Catedral de Almudena, Centro Cultural Galileo, o Centro Cultural Casa de Reloj. Asi-mismo han actuado en diversas poblaciones de la Comunidad de Madrid y de Castilla-La Mancha, dentro del ciclo de actividades de Caja Madrid. En el Festival Clásicos de Verano, en varias ocasiones.

Actualmente siguen con su carrera artística, poniendo máxima creatividad, conocimiento, arte, amor y esfuerzo en todas sus actuaciones.



Arte Sacro 2014

CUARTETO FRANCISCO DE GOYA

INTÉRPRETESCUARTETO FRANCISCO DE GOYA: Pablo Gutiérrez, violín I. Irene Benito, violín II. Marta Mayoral, viola. Alejandro Marías, violoncello.


PROGRAMA


Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, Op. 51 (1787)

- Introduzione (Maestoso ed Adagio)

- Sonata IPater, dimitte illis, quia nesciunt, quid faciunt (Largo)

- Sonata IIHodie mecum eris in paradiso (Grave e cantábile)

- Sonata IIIMulier, ecce filius tuus (Grave)

- Sonata IVDeus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me (Largo)

Teatros, fechas yhorariosColmenar Viejo.Basílica de la Asunción de Nuestra Señora.4 de abril. 21:00 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

LAS SIETE ÚLTIMAS PALABRAS DE CRISTO EN LA CRUZ

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Arte Sacro 2014

- Sonata VSitio (Adagio)

- Sonata VIConsummatum est (Lento)

- Sonata VIIIn manus tuas, Domine, commendo spiritum meum (Largo)

- Il terremoto – (Presto e con tutta la forza)

NOTAS AL PROGRAMA“Hace unos quince años me encargó un canónigo de la catedral de Cádiz una obra instrumental sobre las siete frases pronunciadas por Jesús en la Cruz. Durante la cuaresma era costumbre representar un oratorio en la catedral de Cádiz, y para dar mayor realce al espectáculo contribuían los no pocos aditamentos y adornos. Se velaban, por ejemplo, las paredes, las vidrieras y las columnas de la iglesia con paños negros, y sólo la gran lámpara en el centro del templo iluminaba las sagradas tinieblas. A mediodía se cerraban todas las puertas y daba comienzo la música. Tras un preludio apropiado, el obispo subía al púlpito, pronunciaba una de las siete frases y formulaba una meditación sobre ellas para descender después del púlpito y postrarse delante del altar. Esta pausa era colmada por la música. Luego el obispo volvía a subir al púlpito y volvía a bajar por segunda, tercera, cuarta vez, mientras la orquesta sonaba en los sucesivos intervalos entre los breves discursos del prelado. Mi composición debía adaptarse a este ritual. No era tarea fácil ejecutar siete adagios, uno tras otro y cada uno de diez minutos de duración, sin fatigar a los oyentes.”

Con estas palabras describió el propio Joseph Haydn el estreno de Las siete palabras de Cristo en la Cruz. Aunque en realidad este relato está lleno de inexactitudes, resulta muy interesante conocer la atmósfera para la que Haydn escribió la obra. No son pocos los datos que desconocemos acerca de su encargo, pero los estudiosos parecen estar de acuerdo en situarlo no en la catedral, sino en el Oratorio de la Santa Cueva, por mediación del don Francisco de Paula María de Micón, marqués de Méritos. Vivía el Cádiz de esos años sumergido en el espíritu de la Ilustración, situándose en muchos aspectos en la vanguardia cultural de la España decimonónica. Eran, además, tiempos de prosperidad económica dentro de la ciudad, que era puerto a las Américas, y buena prueba de ello es el enorme patrimonio artístico que la ciudad conserva de aquellos años. Sin ir más lejos, la capilla de la Santa Cueva, donde se estrenó Las siete palabras, de Haydn, fue encar-gada al más famoso arquitecto de la ciudad, Torcuato Benjumea, y decorada nada menos que por Francisco de Goya.

La obra en sí, tal y como le pidieron a Haydn, consta de una introducción musical, 7 sonatas en movimientos lentos para cada una de las siete palabras que pronunció Jesucristo desde la Cruz y un movimiento final que teatraliza el terremoto que, según el Evangelio de San Mateo, tuvo lugar tras la muerte de Jesús. La profundidad de esta obra y su originalidad formal la sitúan entre las páginas más interesantes del compositor austriaco. Existen de ella 4 versiones: una para orquesta (que pasa por ser la original), una para cuarteto de cuerda, una coral y una para piano. Todas ellas excepto la última son de mano del compositor y seguramente sea la segunda la más célebre de todas.

CUARTETO FRANCISCO DE GOYACuando se piensa en la España de finales del XVIII, lo primero que nos viene a la cabeza es la pintura de Francisco de Goya. Pero, ¿qué hay del sonido de aquella época? Mientras el genial pintor trabajaba en la corte madrileña, en Europa se estaba llevando a cabo una revolución musical que no solo llegaría importada a España, sino que desató una creatividad de primer orden injustamente olvidada. El compromiso y la ilusión por rescatar y divulgar este patrimonio musical desde su interpretación más fidedigna es, en efecto, la razón de ser del Cuarteto Goya.

El Cuarteto Goya es una agrupación joven y singular dentro del panorama camerístico español. Su marcada personalidad como cuarteto de cuerda viene dada por sus dos principios fundamentales: la recuperación, estudio y difusión del repertorio ibérico y la fidelidad a la perspec-tiva histórica de cada obra. Esto último, que no hace sino acercarnos más a la esencia de la música, pasa por la adaptación de instrumentos y técnicas a cada época, a cada lugar y a cada estilo, logrando así estar lo más cerca posible del sonido que tenían los compositores en la cabeza cuando pensaban en un cuarteto de cuerda.

Los miembros del Cuarteto Goya son instrumentistas formados en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y en la Escuela Reina Sofía que han ampliado sus estudios en Francia, Suiza y Holanda, especializándose en la interpretación historicista de la música de cámara. A día de hoy, colaboran con algunos de los músicos y orquestas más prestigiosos del panorama internacional de la música antigua.

En los dos últimos años, el Cuarteto Goya ha recibido el reconocimiento de entidades como el Instituto Cervantes, la Agencia Española de Cooperación Internacional, la AIE o el Festival Antiqva de La Caixa, lo que le ha proporcionado numerosas actuaciones dentro y fuera de nuestras fronteras.



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PABLO GUTIÉRREZHijo de sevillanos, nace en Madrid en 1983 y comienza su educación musical en el Conservatorio de Alcalá de Henares, ciudad Complutense donde pasará toda su infancia.

Comienza a interesarse por la interpretación historicista con instrumentos de época, en el mismo año de su graduación, en Real Conserva-torio Superior de Música de Madrid, con las más altas calificaciones. Fruto de este interés, y bajo la tutela del director de orquesta Philippe Herreweghe y de violinistas como Hiro Kurosaki, Alessandro Moccia o Enrico Onofri, se especializa en la interpretación de repertorio clásico y romántico con instrumentos de época en el Centre Européen de Recherche et de Pratique Musicales, en Saintes (Francia).

Desde entonces ha trabajado con músicos como Sigiswald Kuijken, Lucy Van Dael, Robert Levin, Bruno Weil o Marc Minkowski, quien en 2008 le seleccionó para formar parte de la orquesta Les Musiciens du Louvre, con la que ha tenido la oportunidad de trabajar en algunas de las salas de conciertos y festivales más importantes de Europa: Festival d’Aix en Provence, Festival Salzburgo, Opera Garnier de París, Opera Royal du Château de Versailles, Mozarteum de Salzburgo, Scuola Grande San Giovanni Evangelista de Venecia, Staatsoper de Viena, Barbican Center de Londres, etc., y con solistas de la talla de Bryn Terfel, Anne Sophie von Otter, Natalia Schutzman, entre otros. Al mismo tiempo, colabora asiduamente con L’Orchestre de Chambre de Toulouse, en sus programas barrocos y clásicos con instrumentos históricos, y es invitado como solista de segundos violines por la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Orquesta de Cámara Andrés Segovia, de Madrid, entre otras. En verano de 2010 es convocado para formar parte como miembro fundador de la nueva agrupación creada por Philippe Herreweghe en la Toscana italiana llamada Orchestra de la Madonnina del Giardino. En la actualidad, se especializa bajo la tutela del prestigioso músico Gilles Colliard en el CSRM de Toulouse (Francia), con el que, aparte de profundizar en el estudio de la interpretación barroca, ha comenzado a estudiar viola d’amore.

En 2007 crea junto al violinista Javier Illán, Sphera AntiQva, grupo que ha sido dirigido por músicos de la talla de Enrico Onofri o Hiro Kurosaki. En 2011 crea y dirige Complutum Musicae, ensemble formada por solistas de diferentes orquestas especializadas europeas.

Utiliza diferentes instrumentos, los cuales alterna dependiendo el programa a trabajar. Posee un violín Italiano de finales del siglo XVII para el repertorio barroco, un violín David Hopf (Kilngenthan, 1762-1786) para el repertorio clásico y, recientemente, le ha sido cedido un violín austriaco para interpretar obras del periodo romántico.

IRENE BENITOSantander, 1985. Comienza sus estudios de música bajo la dirección de América Fernández y Paula Bolado. Se forma en el Conservatorio Jesús de Monasterio, de Santander y, al mismo tiempo, con Jorge Nicolescu y Catalin Bucataru. Entre 2004 y 2007 es alumna de Zakhar Bron y Yuri Volguin en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y, en 2009, termina sus estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, bajo la dirección de Juan Llinares. Se forma desde entonces bajo la dirección de Sergei Fatkulin.

Ha sido becada por la Fundación Albéniz, el Gobierno de Cantabria y la Fundación Marcelino Botín.

Ha recibido los consejos de intérpretes como Silvia Marcovici, Gyorgy Pauk, Kolja Blacher, Mauricio Fuks, José Luis García Asensio, Rainer Sonne, Nicolás Chumachenco o Hiro Kurosaki. Ha participado en citas como el Festival Portugal-2004, el Encuentro de Música y Academia de Santander, o el Schlesswig Holstein Musik Festival, trabajando con directores como Mikhail Pletnev, Herbert Blomstedt, Antoni Ros Marbà, Joseph Wolfe, Jordi Savall, José Luis López Cobos o Sir Colin Davis. En 2011 y 2012 ha sido profesora de secciones de cuerda en la Joven Orquesta Sinfónica de Cantabria.

Actualmente profundiza en el estudio de la interpretación con instrumentos originales, bajo la dirección de Gilles Colliard, en el Conservatoire National de Région de Toulouse. Es profesora del Conservatorio de Torrelavega (Cantabria).

MARTA MAYORALObtiene el Título de Profesor Superior de violín en el Conservatorio Padre Antonio Soler (San Lorenzo de El Escorial), en 2001, y el Titulo Superior de violín barroco en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en 2013. Tras concluir estudios de perfeccionamiento en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, con el maestro Zakhar Bron, amplía sus estudios en Holanda, obteniendo el Bachelor in Music en las especialidades de violín y pedagogía en el Koninklijk Conservatorium (Conservatorio Real de La Haya) y en el Prins Claus Conservato-rium, habiendo estudiado con los profesores Coosje Wijzenbeek, Ilona Sie Dhian Ho y Florian Donderer, concertino de la Kammerphilarmonie Bremen (Alemania).

Ha sido profesora de violín en diversos conservatorios profesionales de la Comunidad de Madrid. Ha desarrollado también su actividad mu-sical en el ámbito de la Música Antigua, cursando estudios de violín barroco con Hiro Kurosaki, en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y con Antoinette Lohmann, en el Conservatorio de Utrecht. Colabora asiduamente con diversas formaciones instrumentales de interpretación histórica, como la Real Capilla de Madrid, Sphera AntiQua, La Tropa Barroca, Zarabanda, La Spagna o Aktuell Ensemble. Así mismo ha cursado estudios de postgrado en el Departamento de Música Antigua del Conservatorio de Toulouse (Francia) con el violinista Gilles Colliard.

Ha formado parte de la Orquesta de Cámara de la Escuela Reina Sofía y ha sido concertino de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad de Madrid. También ha formado parte de otras orquestas en España, Alemania y Holanda, tales como Orquesta Sinfónica del Koninklijk Conservatorium, Tilburgs Begeleidings Orkest, Steve Reich Festival 2003, Orquesta Sinfónica HFK Bremen (Alemania) o Nationaal Jeugd Orkest (NJO), trabajando con directores como N. Carthy, P. Halffter, J. R. Encinar, J. L. García Asensio, A. Ros Marbà, Peter Csaba, T. Vásáry, o Luciano Berio. Ha ofrecido numerosos conciertos en diversas salas europeas: Muziekcentrum Vredenburg (Utrecht), Arnoldschoen-bergszaal (La Haya), Concertgebouw de Amsterdam, De Singel de Amberes, Auditorio de Luxemburgo, Auditorio de Palma de Mallorca, Gran



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Teatre del Liceu, Palau de la Musica i Congresses, Teatro Real y Auditorio Nacional, Palacio de Festivales de Cantabria.

Como intérprete de música de cámara ha participado en diversos grupos como el Trío Chagall, Cuarteto Granados y colaborado con otras formaciones, tanto en España como Holanda. Ha recibido clases de Aníbal Bañados, Marta Gulyas, Antonello Farulli, Walter Levin, Hatto Beyerle, Ralph Gothoni y Kees Hülsmann.

Ha formado parte del Trío Esterhazy, junto al pianista Ignacio Prego y el violoncellista Josetxu Obregón, agrupación con la que ha realizado giras en colaboración con Juventudes Musicales de España, así como recitales en Holanda. Así mismo, tras la grabación de un CD en La Haya, el Trío debutó en mayo de 2007 en EEUU invitados al Simbsbury Music Festival, Sant James Festival (Nueva York) y River Crossing Series (Hartford, Connetticut).

ALEJANDRO MARÍASNacido en Madrid, en 1984, Alejandro Marías inició sus estudios de violoncello con Mariló Cuesta, Enrique Correa y María de Macedo. Ha recibido clases de algunos de los mejores violoncellistas del mundo, entre los que se encuentran Christoph Coin, Philippe Muller o Claudio Bohorquez, de gambistas como Wieland Kuijken, Marianne Muller, Hille Perl o Laurence Dreyfus y de violoncellistas barrocos como Anner Bylsma o Jaap Ter Linden. Obtuvo el Título Superior de violoncello en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, bajo la tutela de Miguel Jiménez y de Josetxu Obregón y, un año más tarde, fue licenciado en viola de gamba por el mismo conservatorio madrileño como discípulo de Pere Ros. Al finalizar sus estudios en España, cursó la Formation Supérieure au métier de l’Orchestre Classique et Romantique en el Centre Européen de Recherche et Pratique Musicales (Saintes, Francia), donde se especializó en la interpretación historicista del repertorio clásico y romántico con instrumentos originales. Ha sido miembro de la Jeune Orchestre Atlantique (2006-2009), de la Académie Baroque Européenne d’Ambronay (2010) y de la Orchestre Fançais des Jeunes (2010). En 2011 obtuvo el Máster de Concierto en violoncello barroco del Conservatorio de Ginebra, en la clase de Bruno Cocset, y actualmente compagina su actividad profesional con el Máster de Concierto en viola de gamba de la misma institución suiza, como alumno de Guido Ballestracci.

La carrera de Alejandro Marías, vocacionalmente compaginada con la enseñanza, es prometedora y versátil, no solo por los tres instrumentos que toca -violoncello moderno, violoncello barroco y viola da gamba-, sino también por la diversidad de formaciones con las que colabora, lo que le ha proporcionado actuaciones en España, Portugal, Suiza, Francia, Alemania, Bélgica, Bulgaria, Israel, Argelia, Argentina y Bolivia. Como solista, realiza a menudo recitales tanto en España como en Suiza y, recientemente, ha interpretado dos conciertos con orquesta, de Boccherini y de Vivaldi (este último bajo la dirección de Hiro Kurosaki).

Alejandro Marías es director artístico del conjunto barroco La Spagna y toca habitualmente en grupos como Zarabanda o Sphera AntiQva, además de ser miembro fundador del Cuarteto Francisco de Goya, una formación dedicada a la interpretación historicista de repertorio clásico para cuarteto de cuerda. La crítica especializada ha alabado sus interpretaciones del continuo en óperas como Dido y Eneas, de Purcell (Madrid, 2009), o Don Giovanni, de Mozart (Teatro Campoamor de Oviedo, 2010, junto a Aarón Zapico, Pablo González y la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias).

Como músico de orquesta, ha actuado ante los maestros Philippe Herreweghe, Marc Minkowski, Ton Koopman, Bruno Weil, Sigiswald Kui-jken, Hervé Niquet, Lucy van Dael, Paul Agnew, Enrico Onofri o David Stern, entre otros, y es frecuente colaborador de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Ha grabado en conjuntos de cámara para los sellos Warner y Columna Música, así como para diversas cadenas de radio y televisión de Europa y América.



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ERNESTO SCHMIED

INTÉRPRETEERNESTO SCHMIED, flautas.


PROGRAMA

Monográfico Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Preludio, BWV 999 (original para laúd)

Andante, BWV 1003 (original para violín)Gavotte en rondeau, BWV 1006 (original para violín)Sarabande, BWV 1004 (original para violín)Bourrée, BWV 1006 (original para violín)Gigue, BWV 1006, (original para violín)

Praeludium, BWV 998 (original para laúd)Sarabande, BWV 826 (original para clave)Allemande, BWV 813 (original para clave)Courante, BWV 813 (original para clave)

Teatros, fechas yhorariosAlalpardo.Iglesia de San Cristóbal.5 de abril. 19:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

LA FLAUTA DULCE Y JOHANN SEBASTIAN BACH

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Preludio, BWV 997 (original para laúd)Allemande, BWV 1004 (original para violín)Corrente, BWV 1004 (original para violín)Sarabande, BWV 997 (original para laúd)Gigue, BWV 997 (original para laúd)

Preludio, BWV 856 (original para clave)Largo, BWV 1005 (original para violín)

Suite V en Re menor, BWV 1011 (original para violoncello)

- Prélude ouverture et tres viste- Allemande- Courante- Sarabande- Gavotte I & II- Gigue

Andante, BWV 1041 (original para violín & orquesta)

NOTAS AL PROGRAMA“El único propósito de la música es la Gloria de Dios y la recreación del espíritu humano”.

Esta frase del propio Bach demuestra que el carácter religioso está siempre presente en toda su obra y la profundidad espiritual es marca indeleble en cada una de sus composiciones destinadas al culto o a la sala de concierto.

Las flautas dulces, con sus múltiples variaciones en formas y tamaños, son instrumentos que encierran un mundo de sonidos misteriosos y que han sido vehículo de un cierto misticismo desde sus orígenes hasta nuestros días.

Johann Sebastian Bach, maestro de los más variados repertorios y gran conocedor de las técnicas compositivas y experimentos musicales alcanzaría las cotas más altas posibles dentro del podio de los inmortales.

Aunque la flauta dulce fue elegida por el maestro para importantes partes en cantatas y conciertos no se conserva nada escrito por él para este instrumento en solitario. Mi intención es reconstruir un repertorio a partir de otras músicas concebidas para diversos instrumentos, so-listas o en compañía de otros.

Era frecuente costumbre el reescribir y adaptar de manera más o menos radical la propia música o la de otros autores a aquellos instrumentos a los que se destinaba el repertorio. Esta práctica la encontramos profusamente ilustrada en la propia obra de Bach y ejemplo de ello podría ser la transcripción de obras de violoncello al laúd o, más radical en su adaptación, varios conciertos con orquesta de maestros italianos, como Marcello o Vivaldi, reelaborados para clave solo.

ERNESTO SCHMIEDEspecialista en flautas históricas y director y creador de Speculum, ha actuado en numerosas salas de concierto de Latinoamérica, Europa, Oriente medio, Japón y norte de África. Invitado frecuente de importantes festivales y orquestas: Internacional de Santander, Houde Muziek Utrecht, Quincena Musical Donostiarra, Calw Festspiele, Appenzeller Konzerthaus, Musica Barroca do Porto, South Bank, Islington Early Mu-sic Week, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Concerto, Orquesta Schola Cantorum, Orquesta Barroca de Sevilla y Concierto Español. Colabora con solistas y agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el renacimiento hasta la música de reciente creación y obras dedicadas, como la Sinfonía Concertante, del compositor británico David Johnstone.

Dentro de su amplia discografía obtiene el prestigioso premio Choc de Le Monde de La Musique, en enero de 2000, por el primer trabajo discográfico de Speculum, Fumeux fume par fumee. Sus grabaciones dedicadas íntegramente al Cancionero de El Escorial cuentan ya con siete volúmenes premiados con 5 Diapassons de la revista Diapasson y 4 Etoiles de Le Monde de la Musique.

Es director artístico del Festival de Música Infrecuente y desde el año 2000 ha potenciado una programación ecléctica en consonancia con las exigencias de un público moderno en busca de lo novedoso, dentro de los límites que acota la calidad. El éxito de la fórmula de Música Infrecuente, se consolida cada vez más al contar diversas regiones del país que han contactado para llevar el Festival de Música Infrecuente a sus salas. Las sedes del festival se han afianzado en sitios como Santillana del Mar, Conde Duque de Madrid y Logroño.

Entre sus últimos proyectos sobresale Imaginarium, un recital solista de flautas y dispositivos electrónicos. La propuesta es una búsqueda de nuevas fronteras sonoras entre el mundo acústico y la síntesis electrónica. Las fronteras se extienden a límites extremos: este próximo verano tiene pensado desplazarse a la Antártida para ofrecer un performance de Imaginarium en este rincón casi inexplorado de nuestro planeta. También está en pleno desarrollo de un proyecto de gran envergadura, la música como vehículo de convivencia que refuerza los lazos de tolerancia entre culturas, sirviendo también como vehículo unificador.



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ORqUESTA DE CÁMARA IBÉRICA

INTÉRPRETESREBECA CARDIEL, soprano. MARINA PARDO, mezzosoprano. ORqUESTA DE CÁMARA IBÉRICA. MIGUEL FERNÁNDEZ LLAMAZARES, director.


PROGRAMA

I.

Giovanni Battista Pergolesi(1710-1736)

Stabat Mater

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Stabat Mater Dolorosa (Grave). Dúo Cujus animam gementem (Andante amoroso). SopranoO quam tristis et afflicta (Larghetto). Dúoquae moerebat et dolebat (Allegro). Altoquis est homo qui non fleret (Largo) Pro peccatis suae gentis... (Allegro). DúoVidit suum dulcem natum (Tempo giusto). SopranoEja, Mater fons amoris (Andantino). AltoFac, ut ardeat cor meum (Allegro). DúoSancta Mater, istud agas (Tempo giusto). DúoFac, ut portem Christi mortem (Largo). Alto

Teatros, fechas yhorariosMadrid. glesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.5 de abril. 20:30 horas.Entrada libre hasta completar aforo.

MÚSICA

DEL AMOR Y DEL DOLOR

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Inflammatus et accensus (Allegro ma non troppo). Dúoquando corpus morietur (Largo assai) -Amen... (Presto assai). Dúo

II.

Piotr Ilich Tchaikovski(1840-1893)

Serenata para cuerdas en Do Mayor, Op. 48

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Pezzo in forma di sonatina (Andante non troppo - Allegro moderato)Valse (Moderato - Tempo di valse)Élégie (Larghetto elegiaco)Finale (Tema ruso. Andante - Allegro con spirito

NOTAS AL PROGRAMAUno de los versos del Stabat Mater reza: “¡Oh dulce fuente de amor!, hazme sentir tu dolor para que llore contigo”. Una vez más, los senti-mientos de dolor y de amor, que tantas veces caminan juntos de la mano, sirven de fuente de inspiración para dos grandes obras de la música religiosa y profana, como son el Stabat Mater, de Pergolesi, y la Serenata para cuerdas, de Chaikovski.

Giovanni Battista Pergolesi nació en Jesi, Italia, en 1710. Inició sus estudios musicales con maestros locales y hacia 1725 fue enviado a un conservatorio musical napolitano, donde siguió cursos de composición, con Gaetano Greco y Durante, y de violín, con Doménico de Matteis. Completados sus estudios, en 1732 Pergolesi pasó a ser maestro de capilla del Príncipe de Stigliano, para luego entrar al servicio del Duque de Maddeloni, donde prosiguió la composición de ópera y música sacra. En 1736 Pergolesi cayó gravemente enfermo de tuberculosis, reti-rándose al monasterio de Pozzuoli, cerca de Nápoles, donde fallecería ese mismo año. Fue allí donde compuso, entre otras obras, el Stabat Mater, por encargo de la Cofradía de “San Luigi di Palazzo” de Nápoles, con objeto de reemplazar al Stabat Mater, de Alessandro Scarlatti, que se cantaba todos los viernes santos. No sorprende que un compositor que sólo vivió 26 años sea recordado sólo por dos obras: el Stabat Mater y La serva padrona -intermezzo de la ópera seria Il prigionier superbo-, las únicas obras de Pergolesi regularmente interpretadas hoy (con excepción de alguna música de cámara que puede no ser auténtica). Durante los años que siguieron a su muerte, su música fue muy popular. Manuscritos de sus obras cir-cularon extensamente, editores de todas partes sacaron a la luz tantas de sus composiciones como les fue posible y una verdadera fiebre de Pergolesi se extendió por toda Europa, influenciando a la nueva música que por entonces se producía. La obra original está compuesta para dos castrados (la Iglesia prohibía a las mujeres exhibirse y cantar en lugares de culto), uno soprano y otro contralto, aunque en la actualidad es interpretada por una soprano y una mezzo. Calificada por Bellini como “divino poema di dolore”, muestra una curiosa mezcla de estilos. La obra se inicia con un movimiento marcadamente expresivo -Stabat Mater- en el antiguo estilo barroco. Pergolesi le pone fin en el mismo estilo con un conmovedor y contrapuntístico coro de Amen. Pero su afinidad con la ópera cómica se hace evidente en el carácter de movimientos tales como el dúo Quando Corpus, nº 12, y las arias Quae moerebat, nº 4, y Eia Mater, nº 7, realmente operísticas. Mientras el nº 8, Fac ut ardeat, apunta al Barroco, O quam tristis, nº 3, tiene la misma atmósfera de la música sacra de Mozart, con sus delicados adornos armónicos. Stabat Mater (en latín Estaba la Madre) es una secuencia católica del siglo XIII atribuida a Inocencio III y al franciscano Jacopone da Todi. Esta plegaria, que comienza con las palabras Stabat Mater dolorosa (Estaba la Madre sufriendo), medita sobre el sufrimiento de María la Madre de Jesús durante la crucifixión. Múltiples compositores de distintas épocas y estilos han compuesto en base a este texto medieval.

El compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski nació en Votkinsk, en 1840. Su talento musical se manifestó muy pronto y recibió lecciones de piano, primero en su ciudad natal y más tarde en San Petersburgo, adonde la familia se trasladó en 1848. Entre las obras más conocidas que escribió se encuentran los ballets El lago de los cisnes, El Cascanueces, la ópera Eugene Onegin, las Sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta y los Conciertos para violín y para piano. Todas ellas fueron escritas en un estilo muy personal, que no era ni abiertamente germánico, como se empeñaban sus detractores rusos, ni abiertamente nacionalista, como se empeñaban sus detractores extranjeros. La vida interior de Tchaikovski fue azarosa y turbulenta. El fallecimiento de su madre, cuando él tenía 14 años, su temperamento inestable e hipersensible y su tendencia homosexual, algo no aceptado por la sociedad de su tiempo, le ocasionaron profundos problemas psicológicos. La acaudalada y culta viuda Nadezhda von Meck, admiradora de su obra, inició con el compositor una relación exclusivamente epistolar, pues jamás llegaron a verse, y le asignó una sustanciosa pensión, para aliviar sus problemas económicos.

Fue en 1880, durante este periodo de estabilidad sentimental, cuando Tchaikovski acometió la composición de una de sus obras más popu-lares: la deliciosa Serenata para orquesta de cuerdas. El estreno se produjo el mismo año, en un concierto privado del Conservatorio de San Petersburgo. En 1881 se presentó al público en la capital imperial y, en 1882, en Moscú. Tuvo un éxito inmediato, recibiendo felicitaciones por el trabajo de uno de sus héroes musicales, el pianista y compositor Antón Rubinstein. Según palabras del propio compositor a su mecenas “...la obra se escribió desde la compulsión interna. Esta es una pieza de corazón.” Desde entonces, esta ‘obra menor’ del gran compositor ruso, sigue conmoviendo a los oyentes por la melancólica belleza de su melodía.



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REBECA CARDIELLicenciada en Canto por la Escuela Superior de Canto de Madrid y Diplomada en Flauta Travesera por el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza, ha formado parte de la Capilla Renacentista durante dos años. Ha realizados cursos de perfeccionamiento tanto en flauta tra-vesera como en canto, en diversas modalidades: escena, big band, gospel, jazz, lírico, con maestros como Carlos Chausson, Eduardo López Banzo, Reri Grist, Helen Donath, Isabel Penagos, Nicola Beller y Ettore Papadia.

Ha sido alumna activa en las Master Classes de Monserrat Caballé y en el Curso de interpretación de ópera barroca impartido por el maestro Eduardo López Banzo. Ha participado en la primera representación de la zarzuela barroca Vendado es amor, no es ciego, de José de Ne-bra, en el papel de Eumene, bajo la dirección de Raúl Arbeloa. Ha actuado en el Festival Barroco de Málaga en la ópera Acis y Galatea, de Haendel, en el papel de Galatea. Ha formado parte del grupo barroco vocal Vozes Alayre, bajo la dirección de Lluis Villamajó y, con el mismo grupo, ha sido soprano ripieno durante dos años en La Pasión según San Mateo, de J. S. Bach., bajo la dirección de Eduardo López Banzo.

Ha actuado como solista en la ópera infantil Caperucita roja en el Teatro Bellas Artes de Madrid y, desde junio 2013, es miembro oficial de la Coral Cámara de Pamplona y de Nova Lux Emsemble. Desde 2008 forma parte de la asociación aragonesa Mikrópera, dedicada al acer-camiento del mundo de la ópera tanto a nivel escolar como familiar, con producciones como Hansel y Gretel, de Humperdink, en el papel de Gretel; las adaptaciones de la fábula de La hormiga y la cigarra, con música de Las bodas de Fígaro, Mozart, y Plumas de seda, cuento tradicional japonés, con música de Verdi y Puccini.

Miembro oficial del grupo vocal femenino Enchiriadis (Gran Premio Nacional de Coros 2010, 2º Premio de polifonía en el Concurso Interna-cional de Neuchatel, Suiza y en el I Certamen “A Capella”, de Berrioplano (Navarra). También ha actuado en la Sala Luis Galve, del Auditorio de Zaragoza, dentro del Festival Orillas, con los músicos Juan Aguirre y Carlos Quintero.

Entre 1995 y 2005 ha colaborado como soprano y como parte de la orquesta (flauta travesera) en El Mesías, de Haendel; como soprano y solista en la gira por España y EEUU con el coro One Voice, bajo la dirección de Allan Skoog, y en la orquesta que acompaña al coro de Azusa Pacific University, bajo la dirección de Gary Bonner. Ha realizado anuncios para televisión cantado y como parte del reparto (Telefónica, Cafés El Criollo), así como diversas colaboraciones en el programa El Hormiguero 3.0 (cabezas cantarinas).

Como cantante de gospel ha sido solista del espectáculo Broadwaymanía en el teatro Gaztambide (Tudela) y en el concierto de gospel en el Symphony Space de NY, dirigida por Gary Samuels. Miembro del Coro Gospel Agua Viva, como soprano y solista, con conciertos en Xátiva, El Escorial y en la Expo-2008, Zaragoza, bajo la dirección de Richard Smallwood y Nancy Rodemann. En la actualidad es miembro oficial de Gospel Factory, Madrid.

MARINA PARDOEn 1994 es seleccionada por Alfredo Kraus para perfeccionar sus estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y, en ese mismo año, se le concede el Primer Premio en el II Festival Lírico de Callosa d’En Sarriá, otorgado por Elena Obratzsova y la prestigiosa maestra Ana Luisa Chova. También ostenta la primera clasificación femenina en el VI Concurso Internacional Francisco Alonso y la Medalla de Plata al Mérito Artístico de Juventudes Musicales de Santander.

Ha ofrecido numerosos recitales con su pianista habitual, Kennedy Moretti, entre los que destaca el Winterreise, de Schubert en el Auditorio Nacional. Con el guitarrista José María Gallardo así como con su grupo La Maestranza ha actuado en el Festival de Guitarra de Dublín, en la sede de la UNESCO en Beirut y en el Teatro de la Filarmónica de Varsovia.

Dentro de la música sinfónica y bajo las batutas de Zedda, Malheiro, Valdés, García Asensio, Heltay, Encinar, Rilling, Guth, Levine, Stubs, Ortega, Alapont, Albiach, Brouwer, Frühbeck de Burgos, López Cobos, Herbig y Steinberg debuta en el Campoamor con Alexander Nevski de Prokofiev y destacan, entre otras, Das Lied von der Erde, de Mahler, en el Palacio Euskalduna de Bilbao con Ros Marbà, la misma obra en versión de Schoenberg-Riehn en el Palau de la Música de Valencia, Alt Rapsodie, de Brahms, en el Teatro Monumental de Madrid, Misa en La bemol Mayor, de Schubert, en la Liederhalle de Stuttgart con la Bachakademie, The Messiah, de Haendel, en la Mezquita de Córdoba, su colaboración con la Compañía Nacional de Danza en el espectáculo “Raptus”, de Nacho Duato, cantando los Wesendonk Lieder, de Wagner, en el Teatro Real y El amor brujo, de Falla, en gira por Argentina y Brasil, con la Real Filarmonía de Galicia, dirigida por Ros Marbà.

En el terreno de la música antigua y barroca ha interpretado Dido y Eneas, de Purcell (Sorceress), L’Incoronazione di Poppea, de Monteverdi (Nerone) y Giulio Cesare, de Haendel (Sesto / Cornelia) y ha grabado para el sello K617, que distribuye Harmonía Mundi, el papel de Ulisse de la ópera, de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide, así como el de Argirio de la ópera, de Manzoni, Aminta, con la Real Compañía Ópera de Cáma-ra… Así mismo perteneció a la antigua formación de Al Ayre Español con el que actuó en los más prestigiosos festivales europeos del género (Herne, Utrecht, Libramont, Schleswig-Holstein, Societé Philarmonique de Bruxelles…), representando las zarzuelas barrocas Acis y Galatea y Júpiter y Semele, de Literes, y grabándolas para Harmonia Mundi, disco por el que recibieron el Premio Nacional de Música 2005 así como numerosos premios y reconocimientos discográficos. También ha cantado música barroca con Zarabanda (Álvaro Marías) y renacentista con los grupos Speculum y Camerata Iberia en eventos como el Festival Internacional de Santander, el de Aranjuez o el Emilia Romagna en Italia. Forma dúo con el vihuelista Juan Carlos de Mulder, con quien interviene en numerosos festivales especializados.

En el campo de la ópera “de repertorio” ha intervenido en numerosas producciones como Le Nozze di Figaro (Cherubino), Die Walküre (Gri-mgerde), Carmen (Mercedes), La Traviata (Flora), Die Zauberflöte (tercera Dama), Il barbiere di Siviglia (Berta), Lucia di Lammermoor (Alisa), Otello (Emilia), Tancredi (Ruggiero), Rigoletto (Maddalena), L’enfant et les sortilèges (L’ecureuil), Manon (Rosette), Elektra (Erste Magd), The Rape of Lucretia (Lucretia), La verbena de la Paloma (Cantaora, Señá Rita), Doña Francisquita (Aurora), Die Frau ohne Schatten (Dienerin), The Little Sweep (Miss Bagott), Eugen Onegin (Olga), La sonnambula (Teresa), bajo la dirección escénica de Sagi, Iturri, García, Poda, Bollaín, Guti, Rodríguez Aragón, Portacelli, Plaza, Pontigia, Kemp, López, Font (Els Comediants), García, Palés, Lavelli, Joel, Pizzi , Ichikawa y de Ana en los más importantes teatros españoles (Real, Zarzuela, Villamarta, Maestranza, Santander, Perelada, Arriaga), así como en el Carlo Felice de Genova (Onegin).



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Intervino en La Tarasca, de Martín Pompey (estreno absoluto al que asistió el ya fallecido maestro) y Il viaggio a Reims, de Rossini (estreno en España). Antonio Noguera escribió para ella las Nanas, que estrenó en la Fundación Marcelino Botín dentro del ciclo Compositores Cán-tabros. En 2005 estrenó la ópera de cámara para mezzosoprano y actor El respirar de las estatuas, de Juan Manuel Artero, en el I Festival de Música Contemporánea de Toledo, junto al actor José Luis Gómez y el Grup Instrumental de Valencia, dirigido por Cerveró, en un programa que incluía las Folksongs, de Berio. Artero ha escrito posteriormente para ella Sobre lo inútil perpetuo, estrenado en la Residencia de Es-tudiantes de Madrid con motivo del centenario de Manuel Altolaguirre. Miquel Ortega le dedicó una de las canciones de su ciclo y en 2006 estrenó el Réquiem, de García Román, en los Festivales Internacionales de Granada y Santander.

En 2003 salió al mercado el disco The Caterpillar, Albéniz songs, grabado para el sello Deutsche Grammophon, con Rosa Torres Pardo y cuyocontenido ha interpretado en el Teatro Real, entre otros.

Uno de los roles de los que Marina Pardo ha hecho su caballo de batalla es “la Abuela” de La vida breve, de Manuel de Falla, que ha interpre-tado en numerosas ocasiones en giras con la ONE, ORTVE, New York Philarmonic, Israel Philharmonic, Dresdner Philarmonie, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y Nacional Danesa con los maestros Pons, Halffter, Ros Marbà y Frühbeck de Burgos, en salas como la Konzerthaus Wien, Avery Fischer Hall at Lincoln Center ,en New York, o la Mare Palatui, de Bucarest.

ORqUESTA DE CÁMARA IBÉRICALa Orquesta de Cámara Ibérica se forma en el año 2000 y está integrada por una selección de instrumentistas profesionales básicamente de cuerda procedentes de orquestas sinfónicas y conservatorios de Castilla y León, Asturias y Madrid. Desde 2001 es orquesta residente del Festival de Música Española de León.

La Orquesta Ibérica nació con el objetivo de especializarse en música española contemporánea, sin olvidar las creaciones de los composito-res de generaciones anteriores, y cubrir así la carencia de este tipo de agrupaciones en nuestro país. La orquesta ha logrado ya el respaldo de compositores españoles de renombre internacional, como Claudio Prieto, José Mª García Laborda, Mario Gosálvez, Salvador Brotons, Flores Chaviano o Leonardo Balada, quienes escriben obras para esta agrupación.

Entre sus numerosas actuaciones cabe destacar el estreno de Poema para un niño ausente, de García Laborda, junto al Dúo Ad Libitum, en 2001, la actuación en Riudoms (Tarragona) dentro de los actos conmemorativos del Año Gaudí, durante el 2002, y los conciertos de inaugu-ración del Festival de Música Española de León de los últimos años. Así mismo “la Ibérica” ha llevado la música española al Festival Ibéro-Andalou de Tarbes y Bigorre (Francia), alcanzando una calurosa acogida por parte del público francés.

En 2005 la orquesta estrenó en España el Concierto para guitarra solista, cuerdas y arpa, de Ernesto Halffter, con motivo del centenario de su nacimiento. En 2006 clausura el Ciclo “Martes Musicales”, de la Fundación Caja Vital en Vitoria, y estrena con gran éxito de crítica y público el Concierto para viola y cuerdas, de Salvador Brotons, bajo la dirección del propio Brotons. En 2007 la Ibérica inaugura el XX Festival de Música Española de León y estrena, bajo la dirección de Virginia Martínez, Perfil Gaudí, para cuerdas, de Salvador Brotons, y Tiento de Palacio, para arpa solista, cuerdas y percusión, del compositor leonés José Mª García Laborda. En julio de 2008, y bajo la dirección de Rubén Gimeno, estrena Cantos y toques rituales lucumíes, para guitarra, marimba y orquesta del cubano Flores Chaviano.

En noviembre de 2008, la Ibérica debuta, bajo la dirección de José Luis Temes (Premio Nacional de Música) en el Auditorio Nacional de Madrid y en la temporada oficial del Auditorio Ciudad de León, cosechando elogios de la crítica especializada y el aplauso del público.

En junio de 2009 la Orquesta Ibérica estrena con éxito en el Auditorio de León Caprichos nº 5-Homenaje a Isaac Albéniz, para violoncello y cuerdas de Leonardo Balada, con Aldo Mata (cello) como solista, bajo la dirección de José Luis Temes. En enero de 2010 la Ibérica participa en el Festival de Música Contemporánea de Málaga, bajo la dirección de Tomás Garrido. En junio de ese mismo año estrena Danzón Gran Vía, de Flores Chaviano, en el Auditorio de León y graba en el mismo escenario su primer CD, para el sello discográfico internacional NAXOS, con la obra para cuerdas de Leonardo Balada, todo ello bajo la dirección de José Luis Temes.

La Orquesta de Cámara Ibérica trabaja desde su creación bajo la dirección artística del violinista leonés Miguel Fernández Llamazares, actuando con concertinos y directores invitados, como Héctor Corpus, Víctor Parra, Serguei Teslya, Krzysztof Wisniewski, Pawel Hutnik, Salvador Brotons, Virginia Martínez, Rubén Gimeno, José Luis Temes o Aitor Olivares, y acompañando a solistas de reconocido prestigio, como las pianistas Teresa Pérez y Julia Franco, los violinistas Ara Malikian y Víctor Parra, el violista Luis Magín Muñiz, el acordeonista Iñaki Alberdi, los guitarristas Ignacio Rodes y Bertrand Piétu, la arpista Ségolène Brutin, las sopranos Rut Marcos, Mª José Sánchez, Marta Arce y Ana Mª Castillo y el violoncellista Aldo Mata.

Desde 2011 actúa en formación de Ensemble, colaborando con el violinista Ara Malikian en el espectáculo “Las 8 Estaciones: Vivaldi y Pia-zzolla”, girado con gran éxito por toda España. También ha realizado programas en los que mezclan la música y la danza, como “Tangos, milongas y habaneras”, estrenado en junio de 2013.

Entre sus proyectos más recientes destaca la interpretación del Gloria, de Vivaldi, junto al Coro Ángel Barja, en el Auditorio de León y en el prestigioso Festival Arte Sacro de la Comunidad de Madrid. Más información: www.orquestaiberica.com

MIGUEL FERNÁNDEZ LLAMAZARESProfesor del Conservatorio de León, es Titulado Superior de Violín y Música de Cámara y titulado Profesional de Viola. También es miembro del Dúo Ad Libitum, de La Locura del Barroco y fundador y director artístico de la Orquesta de Cámara Ibérica, con quien ha grabado para el sello Naxos un CD con obras de Leonardo Balada. Con el Dúo Ad Libitum ha grabado tres CD con la integral para violín y piano de Conrado del Campo, Julio Gómez, Rogelio Villar y José Mª García Laborda. Colabora frecuentemente con el violinista Ara Malikian. También ha graba-do en directo para EITB, RTVE y Radio Clásica. Desde 2003 dirige el Festival de Música Española de León.



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ORqUESTA Y CORO MATRITUM CANTAT

INTÉRPRETESEVA DEL MORAL, soprano. MARTA CAAMAñO, mezzosoprano. IGNACIO ÁLVAREZ, tenor. FABIO BARRUTIA, bajo. ORqUESTA Y CORO MATRITUM CANTAT. JAVIER BLANCO, director.


PROGRAMA


Stabat Mater, Hob. XXa

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Stabat Mater dolorosa (Largo)(Estaba la Madre dolorosa…)

O quam tristis et afflicta (Larghetto affettuoso)(¡Oh, cuán triste y afligida…!)

quis est homo qui non fleret (Lento)(¿qué hombre no lloraría…?)

quis non posset contristari (Moderato)(¿quién podría no entristecerse…?)

Pro peccatis suae gentis (Allegro ma non troppo)(Por los pecados de su pueblo…)

Teatros, fechas yhorariosTorrelodones.Teatro Bulevar5 de abril. 20:00 horas. Entrada: 10 €.

MÚSICA

STABAT MATER, DE FRANZ JOSEPH HAYDN

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Vidit suum dulcem natum (Lento e mesto)(Vio a su dulce hijo…)

Eia Mater, fons amoris (Allegretto)(¡Oh Madre, fuente de amor…!)

Sancta Mater, istud agas (Larghetto)(¡Oh, Santa Madre, hazlo así…!)

Fac me vere tecum flere (Lagrimoso)(Haz que mientras viva llore…)

Virgo virginum praeclara (Andante)(Vírgen de vírgenes gloriosa…)

Flammis orci ne succendar (Presto)(Para no arder por las llamas…)

Fac me cruce custodiri (Moderato)(Haz que sea custodiado por la Cruz…)

quando corpus morietur (Largo assai)(Y cuando muera el cuerpo…)

Paradisi Gloria(Del Paraíso la Gloria)

NOTAS AL PROGRAMAHaydn (1737-1806) es considerado como uno de los tres representantes del clasicismo musical junto con Mozart, de quien fue amigo y fer-viente defensor, y Beethoven, quien fue alumno suyo. Haydn influyó en ellos y fue decisivo para la evolución de la música clásica tal y como la conocemos hoy en día. En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.

En la partitura de su Stabat Mater, el compositor parece plasmar toda su sensibilidad religiosa que expresa la tragedia y el sufrimiento que vive la Virgen a los pies de la Cruz mientras asiste a la agonía de su hijo, convirtiéndose de esta manera en el paradigma de la Madre universal que sufre por toda la humanidad.

La partitura es de una inmensa belleza que mantiene, siempre dentro de la tragedia, una gran expresividad, pero siempre con un espíritu sereno y contenido.

EVA DEL MORAL Nacida en Madrid, cursa estudios de solfeo, armonía, piano y canto, obteniendo el Título Superior de Canto y Premio de Honor Fin de Carrera en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, bajo la cátedra de Pedro Lavirgen. Paralelamente realiza varios cursos de danza clásica y española y se licencia en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. Posteriormente, lleva a cabo estudios de perfec-cionamiento vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid, con la soprano Ana María Olaria y asiste, como alumna activa, a numerosos cursos y clases magistrales, recibiendo clases de técnica vocal de los maestros Alfredo Kraus, Manuel Cid, Dolores Cava, Dolores Ripollés, Suso Mariategui y Edelmiro Arnaltes.

Profesionalmente ha abarcado todos los géneros líricos: ópera, zarzuela, lied y oratorio.

Dentro del género Oratorio, cabe destacar la interpretación de obras como Exsultate Jubilate de Mozart, Stabat Mater de Pergolesi, Carmina Burana de Carl Orff, Magníficat de Bach, Réquiem de Fauré, Réquiem de Mozart, Te Deum de Charpentier, Messa di Gloria de Verdi, Stabat Mater de Dvoràk, Gloria de Vivaldi, Te Deum y Jubilate de Purcell, Magníficat y Credo de Vivaldi…

En Ópera ha interpretado el papel de Belinda en Dido y Eneas de Purcell, Frasquita y Micaela en Carmen de Bizet, Despina en Cosí fan Tutte de Mozart, Zerlina en Don Giovanni de Mozart, Musetta en La Bohéme de Puccini, Euridice en Orfeo y Euridice de Gluck, Gretel y El Hada en Hänsel y Gretel de Humperdinck, Carmosina en Don Quijote de Paisiello, San Ignacio en la ópera barroca anónima San Francisco Javier, Adi-na en L’elisir d’amore de Donizetti, Norina en Don Pascuale de Donizetti, Julieta en Romeo y Julieta de Gounod y Gilda en Rigoletto de Verdi.

En Zarzuela ha interpretado los siguientes papeles: Rosaura en Los gavilanes del Maestro Guerrero, Rosina en La canción del olvido del Maestro Serrano, Rosa en Maruxa de A. Vives, La corte de Faraón de V. Lleó, Cossette en Bohemios de Vives, Katiuska en Katiuska de So-rozábal, Margarita en Molinos de viento de P. Luna, Rosa en El rey que rabió de Chapí, Carolina en Luisa Fernanda del Maestro Torroba, La



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Antonelli en El dúo de la Africana de Fernández Caballero, Ana Mari en El caserío de Guridi, Raquel en El huésped del Sevillano de Guerrero, Mariblanca en El cantar del arriero de Díaz Giles, Marola en La tabernera del puerto de Sorozábal, Francisquita en Doña Francisquita de Vives, La Marquesita en El barberillo de Lavapiés de Barbieri…

Ha participado en la producción de Carmen de Bizet con el Teatro Villamarta de Jerez, en el papel de Frasquita, junto a la mezzo internacional Nancy Fabiola Herrera, la soprano Sabina Puértolas, el tenor Albert Montserrat y el barítono Angel Ódena. Esta misma Ópera, en el papel de Micaela, la ha representado en el Teatro Cafam de Bellas Artes de Bogotá.

Asimismo ha participado en la producción del Teatro Maestranza de Sevilla en la Ópera infantil Hänsel y Gretel en el papel de Gretel, que también ha representado en el ABAO de Bilbao.

Ha cantado en teatros y salas como el Auditorio Nacional de Madrid, el Teatro Monumental de Madrid, el Auditorio Alfredo Kraus de las Pal-mas de Gran Canaria, el Auditorio de Tenerife, Teatro Campoamor de Oviedo, Riojaforum, Palacio de la Audiencia de Soria, Teatro Falla de Cádiz, Palacio Valdés de Avilés, Teatro Euskalduna de Bilbao, Teatro Jovellanos de Gijón, Auditorio Ciudad de León, Gran Teatro de Córdoba, Gran Teatro de Huelva, Teatro Pérez Galdós de las Palmas de Gran Canaria, Teatro Guimerá de Tenerife, Teatro Municipal de Faro (Portugal), Teatro Sao Carlos de Lisboa (Portugal), Grand Thèâtre de la Ville de Luxembourg, Teatro Bellas Artes de Bogotá…

Ha trabajado con directores de escena como Gustavo Tambascio, Francisco López, Antonello Madau Díaz, Lino Nocerino, Umberto Fernán-dez, Luis Villarejo, Ricardo Campelo…

Ha cantado junto a pianistas como Manuel Ariza, Ricardo Estrada, Ángel Andrés Muñoz, Antonio López, Borja Mariño…

Ha sido dirigida por los maestros Chris Nance, Manuel Ivo Cruz, Luis Remartínez, Jorge Rubio, David Giménez Carreras, Pascual Osa, J. José García Caffi, José Luis Barrio Bastida, Michael Thomas, Antonio Palmer, Antonio Moya, Carlos Cuesta y Ángel del Palacio, entre otros.

MARTA CAAMAñONacida en Madrid, comienza sus estudios musicales a la edad de diez años. Está graduada con las máximas calificaciones en Canto y Teoría de la Música por la Associated Board of Royal Schools of Music de Londres, siendo además Licenciada en Canto por la Escuela Superior de Canto de Madrid, de la mano de Silvia Leyvinson. Ha asistido además a clases con el maestro David Mason. En el campo de la interpretación ha estudiado en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid y ha realizado cursos de perfeccionamiento en Improvisación Teatral con Stefan Metz, cursos de Texto clásico y contemporáneo (dicción e interpretación) con Carmen Dólera, curso de Interpretación Textual de Zar-zuela en la Escuela Superior de Canto y de Locución y Doblaje en el Instituto del Cine de Madrid.

Es Diplomada en Ciencias Empresariales por la Universidad Complutense de Madrid.

En el campo del oratorio destacan las interpretaciones de la Misa de la Coronación, Réquiem y Litaniae de Beata Maria Virgine (Lauretanae), de Mozart, Gloria y Credo, de Vivaldi, Te Deum, de Charpentier, Réquiem, de Dvorak, Oratorio de Navidad, de Bach, Oratorio de Navidad, de Saint-Saens, Requiem, de Michael Haydn, Te Deum y Jubilate, de Henry Purcell, Messiah, de Haendel, Novena Sinfonía, de Beethoven, Misa de San Ignacio, de Doménico Zipoli, siendo esta última interpretada en el Festival Internacional de Música de Santander.

En el campo de la ópera cabe destacar los papeles de Zia Principessa en Suor Angelica (Puccini), Dido y Hechicera en Dido & Aeneas (Pur-cell), Cherubino en Le nozze di Figaro (Mozart), San Francisco Javier en la ópera San Francisco Xavier (anónima), entre otros.

En el campo de la zarzuela destaca por sus papeles de Soledad, en La Revoltosa, y Cantaora, en La verbena de la Paloma.

En el campo de la música de cámara ha hecho numerosas grabaciones para Radio Clásica dentro del ciclo de cámara de la Orquesta Sin-fónica y Coro de RTVE, haciendo diversos cuartetos, tercetos y dúos de Pedro Ruymonte, Monteverdi, Mateo Flecha, Banchieri, Haydn, Rodríguez de Ledesma, Gomis, Granados, Guastavino, Pizzeti. Ha formado parte del grupo vocal femenino Spargens Sonum, dirigido por Javier Corcuera, de los grupos de cámara Ruymonte, dirigido por Miguel Mediano, el coro de La Capilla Real de Madrid, dirigido por Oscar Gershonsohn, y el grupo vocal Nabari, dirigido por Juan Pablo de Juan, entre otros.

Así mismo ha grabado un CD de música góspel con el grupo Ars Futura, bajo el sello de la editorial San Pablo.

Estuvo cuatro años en la plantilla del Coro de Radiotelevisión Española y desde 2011 forma parte de la plantilla del Coro Nacional de España.

Además imparte clases de técnica vocal desde 2012 en la Escuela de Música y Danza Mushi.

IGNACIO ÁLVAREZ Desarrolla su formación musical en la Escuela Superior de Canto de Madrid donde obtiene, en el año 2002, el Diploma Superior de Especia-lización para Solistas. En el año 1998 es seleccionado para ingresar en la Accademia Verdiana, con el maestro Carlo Bergonzi, en Busseto (Italia). Actualmente perfecciona técnica de canto con el tenor y maestro Francisco Ortiz.

Comienza su experiencia teatral en diversos roles en Compañías de ópera y zarzuela como La antología de la zarzuela, de Tamayo, y Com-pañía Lírica Española. Destaca el concierto con la soprano y maestra uruguaya Delmira Olivera, en el Teatro Ateneo de Madrid, interpretando obras de Bellini, Verdi y Donizetti. Concierto como solista en el Palacio de Congresos de Madrid, bajo la dirección de José de Felipe Arnaiz, con una Antología de la zarzuela. Tenor principal en el Gran Teatro de Elche, en la producción de ópera y zarzuela, bajo la dirección de Adrian Cobo. En la temporada 97/98 participa en las producciones del Teatro Calderón de las óperas Aida, Carmen, La Traviata, Madame Butterfly,



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Otello, La Bohème, Lucia di Lammermoor y Tosca.

Forma parte del coro del Teatro Real de Madrid (2000/2007) en las óperas: Aida, Simon Boccanegra, Il barbieri di Siviglia, Lohengrin, Don Carlo, Il trovatore, Pagliacci, Cavalleria rusticana, Los cuentos de Hoffman, etc.

En el año 2000 forma parte de la Compañia Popolare di Roma, con la que interpreta diversos roles en teatros de toda España, bajo la dirección de Tulio Galiardo: Normano y Arturo en Lucia di Lammermoor, Principe Yamadory en Madame Butterfly, Gastón en La Traviata y Spoletta en Tosca, entre otros.

Es seleccionado en el año 2004 por la Agencia artistica Giovanni All”Opera, dirigida por Nicola Della Santina, e interpreta Alfredo de La Tra-viata, en el Ciclo de Opera di Roma.

Participa como solista en el espectáculo de Zarzuela Tauromaquia en el Teatro Principal de Valladolid. Ofrece un concierto como solista en la sala Bellas Artes, con el grupo instrumental Arts Ensamble, interpretando Canticum, bajo la dirección del maestro José de Eusebio. Interpreta en el año 2009 el papel de Pilatos en la producción de la ópera La Pasión de la Cruz, de José Luis Tierno Jiménez, en el Ciclo de Semana Santa de la Ciudad de Cuenca.

En oratorio destaca su interpretación en el estreno de la obra, del maestro Peiro, Loa del primero y segundo Isacc, en la conmemoracion del Centenario de Calderón de la Barca. Tenor en la Misa, de Domenico Zipoli, retransmitida por RTVE, con motivo del Centenario de la Orden de los Jesuitas, así como, en el 2009, en el Auditorio Nacional de Madrid.

Participación como solista en la grabación, con el grupo Ars Futura, de un CD de góspel interpretando el espiritual Calvary, bajo la dirección de Javier Blanco. Interviene como solista en el Auditorio Nacional de Madrid interpretando Salmo 42, de Felix Mendelssohn-Bartholdy, bajo la dirección de Javier Corcuera.

En el año 2011 interpreta la Misa Choralis, de Franz Liszt, en el Ciclo de Semana Santa de Madrid. En marzo de 2011 estrena en el Teatro Alkázar Plasencia, como director artístico y escénico, el espectáculo lírico de canción napolitana Sogni di Napoli, con la dirección musical de Javier Blanco.

Actualmente es tenor titular del Coro de RTVE. Próximamente interpretará el Conte d’Almaviva, de la ópera Il barbieri di Siviglia, y el papel de Gustavo, de la zarzuela Los gavilanes.

FABIO BARRUTIANace en Madrid en 1979, donde inicia sus estudios musicales a temprana edad. Estudió viola, realizando diversos conciertos tanto como so-lista, como en orquesta o en agrupaciones de cámara. Su andadura musical comienza en 1991 en la Escolanía del Centro Cultural Fernando de los Ríos. En 1993, ingresa en el Coro de Cámara Castelnuovo Tedesco, como solista y subdirector, y, en 1996, en la orquesta del mismo nombre como solista de viola y ayuda de dirección.

Colabora con gran número de orquestas y coros: Luigi Bocherini, Orquesta Sinfónica Chamartín, Orquesta Sinfónica Pro-Naciones Unidas, Orfeón Filarmónico de Madrid, Orquesta Filarmónica de Madrid, Coro Vox Aurea, Orquesta Sinfónica de Castilla León. Coro y Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica y Coro de Radio Televisión Española (RTVE), Real Filarmonía de Galicia, Orquesta Sinfónica de Galicia, Coro y Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Escuela de la Sinfónica de Madrid, Orchester und Chor Berliner Bach Akademie, Banchetto musicale, The Rucheta Ensemble, Coro de la Comunidad de Madrid, Coro Titular del Teatro de la Zarzuela.

Ha realizado conciertos por gran parte de la geografía española y en el extranjero, Lincoln Center (NY), Konzerthaus (Berlín), Auditorio Nacio-nal de Madrid, Teatro Real de Madrid, Teatro Monumental (Madrid), Teatro Guimera (Tenerife).

Ha trabajado con directores de la talla de Nicola Luisotti, Josep Pons, Antoni Ros Marbà, Antonio Fauró, Maximino Zumalave, Víctor Pablo Pérez, Gabrielle Ferro, Jesús López Cobos, Alberto Zedda, Silvia Sanz, José Ramón Encinar, Jorge Rubio, Jordi Casas, Pascual Osa, Tulio Galiardo.

Su repertorio abarca todos los estilos, tanto en ópera -con roles interpretados como Don Pasquale (Don Pasquale, de Donizetti), Leporello y Don Giovanni (Don Giovanni, de Mozart), Guglielmo (de Cosí fan tutte, de Mozart), Figaro y Conde (de Las bodas de Fígaro, de Mozart)-, como en canción de concierto, con un amplio repertorio de canciones y ciclos, como Winterreise, de Schubert, Dichterliebe, de Schumann, entre otros, y oratorios, entre los que destacan El Mesías, de Haendel, el Réquiem, de Mozart y el Réquiem, de Fauré. En el Auditorio Nacional de Música de Madrid ha interpretado también obras como 9ª Sinfonía, de Beethoven, Carmina Burana, de Orff, y galas de ópera y zarzuela.

CORO MATRITUM CANTATEl Coro Matritum Cantat está formado por 70 voces mixtas. Bajo la dirección de Javier Blanco, ha recorrido gran parte de la geografía espa-ñola, actuando en marcos de gran tradición musical, las más antiguas Iglesias de Madrid, auditorios como el Auditorio Nacional, Monumental, Palacio de Festivales de Santander y distintas Universidades españolas.

También ha colaborado con orquestas de gran prestigio como la Sinfónica de Madrid, Sinfónica Neotonarte, O. S. Rey Juan Carlos I, Orquesta Matritum Cantat y Orquesta Ars Futura.

Por parte de las autoridades eclesiásticas de la Real Iglesia de San Ginés de Madrid, ha sido elegido como la agrupación coral que reviste de



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solemnidad musical los actos religiosos que se llevan a cabo en esta iglesia.

El Coro Matritum Cantat participa en distintos ciclos de música coral organizados por la Federación Coral de Madrid, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid.

El Coro Matritum Cantat, ha participado en distintos festivales, como la Semana Internacional de Música Religiosa de Cuenca, el Festival In-ternacional de Santander y el Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, junto con la Orquesta Sinfónica de Madrid. También actúa de forma periódica en los ciclos de la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. El Coro Matritum Cantat ha participado en distintos concursos nacionales, obteniendo premios en los concursos de Infiesto (Asturias), Cocentaina (Alicante), Villalkor (Madrid), etc.

En el terreno internacional, ha ofrecido una serie de conciertos en Portugal y ha participado en el Primer Festival Internacional de Coros de la ciudad de Córdoba (Argentina), realizando una gira por las ciudades de Buenos Aires, Santa Fe, Iguazú, Rosario y Misiones.

Matritum Cantat ha grabado un CD de Música Navideña, con la Editorial San Pablo, en el que se refleja un recorrido histórico e intercultural de esta música. Con motivo de la conmemoración del Bicentenario del 2 de Mayo, la Comunidad de Madrid junto con el Gobierno de Aragón, edita un doble CD con la grabación en directo del concierto celebrado el día 5 de marzo de 2008, en la Colegiata de San Isidro de Madrid, donde Matritum Cantat interpretó, junto con la Orquesta Sinfónica de Madrid, el Oficio y Misa de Difuntos, de M. R. de Ledesma.

Posteriormente interpreta con la misma orquesta las Lamentaciones, de M. R. de Ledesma. Cabe destacar la elección del coro por parte de la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Comunidad de Madrid, y el maestro Luis Izquierdo, para la interpretación del Miserere, de H. Eslava, en el concierto homenaje a este director con motivo de su despedida en el campo de la dirección.

En su colaboración con distintos compositores actuales, ha estrenado obras sinfónicas y corales de Pedro Villarroig, José Antonio Galindo y Eddie Mora, entre otros.

Desde el año 2009, Matritum Cantat cuenta con su propia orquesta.

JAVIER BLANCO RUBIO Nace en Madrid, donde inicia sus estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música, obteniendo los títulos de profesor de piano, composición, acompañamiento, solfeo y dirección de coro. Becado por el Instituto de la Juventud, se traslada a Múnich y a Passau (Alemania), donde estudia dirección con Robert Sund, S. Kuijen, F. Brüggen, S. Sondeckis y piano con W. Schoat. En este período es miembro del Coro Filarmónico de Europa.

Amplía su formación con cursos de dirección de coros con Luis Vila, Maite Oca y Electo Silva, y en dirección de orquesta con Andrés Zarzo, García Asensio y Josep Vila.

Actualmente es director de la Escuela de Música y Danza MUSHI, Asesor musical de la editorial San Pablo y dirige el Coro Matritum Cantat, Coro de la Universidad Pontificia de Comillas, la Orquesta y el Coro Ars Futura, formado por profesionales; el coro infantil Mushi, la Escolanía St. Michael´s, y ha dirigido el grupo vocal-instrumental de música contemporánea Ad Libitum, Coral Cristóbal de Morales, Coral Polifónica del Reinado, la Escolanía NET y ha colaborado con la Federación de Puericantores.

Ha dirigido conciertos en prestigiosos auditorios como el Auditorio Nacional, Teatro Monumental, Auditorio Conde Duque, Centro Cultural de la Villa, Teatro Juan Bravo de Segovia, Sala Pleyel de París, Auditorio de Música de Lisboa, Auditorio de Bruselas, Auditorio de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Córdoba (Argentina), etc.

También ha realizado conciertos en distintas iglesias de la geografía española e internacional, como el Monasterio de El Escorial, Silos, Des-calzas Reales, La Encarnación, Catedral de la Almudena, Iglesia de la Mercé (Burgos), Santiago, Canterbury, Oxford, Salzburgo, Vaticano, Córdoba, Buenos Aires, etc.

En las Navidades del 2001 obtuvo el premio al Mejor Director en el IX Certamen Coral del Ayuntamiento de Madrid, y ha recibido numerosos premios dirigiendo distintas agrupaciones corales de Madrid.



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CINE

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Ciclo de Cine


FRANCISCO JUGLAR DE DIOS, de Roberto Rossellini.(Italia, 1950). Duración 75 min.Reparto: Nazario Gerardi, Aldo Fabrizi, Aribella Lomaitre, Roberto Sorrentino, Severino Pisacane.

Relata once episodios extraídos de las Florecillas y de la Vida de fray Junípero, en los que se manifiesta la sencillez y la búsque-da de la perfección evangélica de los franciscanos. Precisamente, la vida cotidiana de éstos es la protagonista de la historia, más que el propio Francisco.

UN BUDA, de Diego Rafecas.(Argentina, 2005). Duración 115 min.Reparto: Agustín Markert, Carolina Fal, Diego Rafecas, Julieta Cardinali, Tina Serrano, Nelly Prince, Boy Olmi, Paula Siero, Vera Carnevale, Luis Ziembrowski, Juan Manuel Tenuta, Iván de Pineda.

Es la historia de un joven que, insertado en el mundo de la gran ciudad, lucha por evadir y posponer sistemáticamente su par-ticular y profunda necesidad espiritual, el desesperado anhelo de su alma por saber quién es él. La pérdida, el desengaño y la tragedia, lo llevan irremediablemente a adentrarse de un modo extremo en el abismo de prácticas ascéticas, abandonando completamente su vida, su entorno, su alimentación, y sacudiendo profundamente el mundo de las personas que lo rodean.

Teatros, fechas yhorariosCICLO DE CINEMadrid. Ateneo de Madrid. (Salón de Actos).

FRANCISCO JUGLAR DE DIOS.14 de marzo. 19:00 horas.

UN BUDA14 de marzo. 21:00 horas.Entrada programa doble 5 €. (socios entrada libre hasta completar aforo). LA ÚLTIMA CIMA.15 de marzo. 19:00 horas.

EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS.15 de marzo. 20:45 horas.Entrada programa doble 5 €. (socios entrada libre hasta completar aforo).

HABEMUS PAPAM.16 de marzo. 19:00 horas.Entrada 5 €. (socios, entrada libre hasta completar aforo).

LA ÚLTIMA CIMA, de de Juan Manuel Cotelo.(España, 2010). 82 min.

Pablo Domínguez, sacerdote, sabía que iba a morir joven y deseaba hacerlo en la monta-ña. Entregó su vida a Dios… y Dios aceptó la oferta. Ahora dicen que está vivo. Pablo era conocido y querido por un número incalculable de personas, que han dejado constancia de ello después de su muerte.

EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS, de Carol Reed.(Estados Unidos, 1965). Duración 133 min.Reparto: Charlton Heston, Rex Harrison, Diane Cilento, Harry Andrews, Alberto Lupo, Adolfo Celi.

Drama histórico basado en la vida del artista Miguel Ángel, en particular, en el periodo de tiempo que comprende el complejo proceso de decoración del techo de la Capilla Sixtina. En un primer momento, Miguel Ángel rechaza el encargo del Papa Julio II, pero acaba aceptándolo, pese a que su vocación es la escultura y no la pintura. La lentitud con la que, según el Papa, se desarrolla la tarea, provocará las quejas de un Pontífice temeroso de morir antes de ver terminado el trabajo.

HABEMUS PAPAM, de Nanni Moretti.(Italia, 2011). Duración 104 min.Reparto: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Margherita Buy, Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Ro-berto Nobile, Franco Graziosi, Massimo Dobrovic, Leonardo Della Bianca

El recién elegido Papa sufre un ataque de pánico justo antes de aparecer en el balcón de San Pedro en el Vaticano para saludar a los fieles, que han esperado pacientemente la decisión del cónclave. Sus consejeros, incapaces de convencerle de que es el hombre adecuado para el trabajo, buscan la ayuda de un famoso psicoanalista, famoso y ateo. Pero el miedo a la responsabilidad que ha recaído sobre él es algo a lo que debe enfren-tarse solo.bra Cardenal. Mientras, el mundo vive en un estado permanente de crisis, con la Guerra Fría como telón de fondo.

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Arte Sacro 2014

Direcciones


ALALPARDO

Iglesia Parroquial de San CristóbalC/ Martín Álvarez, 8Tel.: 91 620 21 22Desde Plaza de Castilla, autobuses 182 y 254

La flauta dulce y Johann Sebastian BachErnesto Schmied, flautas5 de abril. 19:30 horas

ALCALÁ DE HENARES

Catedral Magistral de los Santos Niños C/ Empecinado, 2Tel.: 91 888 09 30Desde el intercambiador de Avenida de América, los auto-buses 223, 227, 229 y Cercanías Renfe C2 y C7

Tomás Luis de Victoria para coro gregoriano y coro polifónicoSchola Gregoriana de Madrid. Schola Polifónica de Madrid. Emilio Rubio y Antonio Peces, directores2 de marzo. 20:30 horas

ALCORCÓN

Teatro Municipal Buero VallejoAvenida de Pablo Iglesias, s/nTel: 91 664 84 62Desde Príncipe Pío, autobuses 512 y 516Cercanías Renfe C5

Stabat Mater, de Luigi BoccheriniInmaculada Laín, soprano. Harriet Kirk, mezzosoprano. Rodolfo Albero, tenor. Sestetto Camerata Lírica5 de abril. 19:00 horas

BOADILLA DEL MONTE

Auditorio MunicipalC/ Isabel de Farnesio, 16Tel: 91 632 71 61Desde Intercambiador de Moncloa, autobús: 573Desde Aluche: 571 y 574Metro Ligero 3

Stabat Mater, de Luigi BoccheriniInmaculada Laín, soprano. Harriet Kirk, mezzosoprano. Rodolfo Albero, tenor. Sestetto Camerata Lírica4 de abril. 20:00 horas

COLMENAR VIEJO

Basílica de la Asunción de Nuestra Señora C/ Isabel la Católica, 2Tel.: 91 845 20 52Desde Plaza de Castilla autobuses 721 y 722 y Cercanías Renfe C4B


Las siete últimas palabras de Cristo en la CruzCuarteto Francisco de Goya4 de abril. 21:00 horas

COLLADO VILLALBA

Parroquia de la Virgen del CaminoPlaza Julio Hernández Rubio, s/n Tel.: 91 851 00 91Desde Moncloa autobús 687 y Cercanías Renfe C3, C8B y C10

Tomás Luis de Victoria para coro gregoriano y coro polifónicoSchola Gregoriana de Madrid. Schola Polifónica de Madrid. Emilio Rubio y Antonio Peces, directores4 de abril. 20:15 horas

GETAFE

Iglesia Catedral de Santa María MagdalenaPlaza de Santa María Magdalena, s/nTel.: 916 825 012Desde Atocha, autobús 441 y Cercanías Renfe C4

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama. (Teatro con música en directo)Compañía Tribueñe. Hugo Pérez, director6 de abril. 21:00 horas

HOYO DE MANZANARES

Teatro Municipal Las CigüeñasPlaza de la Iglesia, s/nTel.: 91 856 76 04Desde el Intercambiador de Moncloa autobús 611

Mística, música y poesía, ante El entierro del Conde de OrgazNeocantes

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Direcciones


22 de febrero – 20:00 horas

LA CABRERA

Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra NorteAvenida de la Cabrera, 96Tel.: 91 868 95 30Desde el intercambiador de Plaza de Castilla, autobuses 190B, 191, 194, 195, 196 y 199

Música y danza de OrienteUmeya23 de febrero. 12:30 horas

MADRID

Ateneo de Madrid (Salón de Actos)C/ Prado, 21Tel.: 91 429 17 50www.ateneodemadrid.comMetro: Antón Martín y SevillaAutobuses: 5, 6, 9, 15, 27, 32, 51, 52, 53, 57 y 150

Poesía de Santa Teresa y San Juan de la Cruz en conciertoAzucena López, soprano. Karina Azizova, piano 26 de febrero. 20:00 horas

La influencia de la música sacra en la música de cámara Trío Alborada7 de marzo. 20:00 horas

Francisco juglar de Dios, de Roberto Rossellini14 de marzo – 19:00 horas

Un buda, de Diego Rafecas14 de marzo. 21:00 horas

La última cima, de Juan Manuel Cotelo15 de marzo. 19:00 horas

El tormento y el éxtasis, de Carol Reed15 de marzo. 20:45 horas

Habemus Papam, de Nanni Moretti16 de marzo. 19:00 horas

Gospel afrocubano Cámara Sacra. Flores Chaviano, director4 de abril. 20:00 horas

Basílica Hispanoamérica de la MercedC/ del General Moscardó, 23Tel: 91 534 06 29Metro: Nuevos Ministerios, líneas 6, 8 y 10Autobuses: 5 y 149

Concierto de InauguraciónOrquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española.Francisco Valero-Terribas, director21 de febrero. 20:00 horas

Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras BajasC/ Felipe de Diego, 11Tel.: 91 507 97 40 Cercanías Renfe C2, C7 y C8 BAutobuses: 24, 57, 136 y 144

Música y danza de OrienteUmeya23 de marzo. 19:00 horas

Fundación Olivar de CastillejoC/ Menéndez Pidal, 3 bis Tel: 91 359 71 61Autobuses: 12, 14, 40 y 150. Metro L 10

La palabra oculta. (Teatro con música en directo)Ars Atlántica8 de marzo. 12:30 horas

Iglesia de la Concepción Real de CalatravaC/ Alcalá, 25Tel.: 91 521 80 35Metro: Sevilla Autobuses: 1, 2, 3, 5, 9, 14, 15, 20, 27, 37, 40, 45, 46, 50, 51, 52, 53, 74, 146, 149, 150 y 202

Las lágrimas de San Pedro, de Orlando di LassoCoro Tomás Luis de Victoria. Konrad von Abel, director 22 de febrero. 20:15 horas

Iglesia de San Antonio de los AlemanesC/ Puebla, 22Tel.: 91 522 37 74Metro: Gran VíaAutobuses: 1, 2 y 133

Félix Máximo López y cuatro compositoras del XIX. Música religiosa para un colegio femenino de Madrid del siglo XIX Ángeles Tey, Irene Badiola, sopranos. Circe Molina, mez-zosoprano. Eunyoung Yim, órgano. Coro Femenino Matri-

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Direcciones


tum Cantat. Javier Blanco, director. Pablo Heras, director11 de marzo. 19:00 horas

Sonatas del Rosario, de Heinrich Ignaz Franz von BiberMUSIca ALcheMIca21 de marzo. 19:00 horas

Iglesia de San Jerónimo el RealC/ Moreto, 4Tel: 91 420 30 78Metro: Banco de España, L. 2 y AtochaAutobuses: 19, 133 y 146

Música sacra, del Barroco al Clasicismo Pilar Burgos, soprano. Eneida García Garijo, contralto. Manuel Mendaña, tenor. Gonzalo Burgos, bajo. Jesús Manuel Alonso, órgano. Coro de San Jerónimo El Real. Camerata de San Jerónimo. Vicente Sempere, director 24 de marzo. 20:00 horas Iglesia de Santa Teresa y Santa IsabelGlorieta Pintor Sorolla, 2Tel.: 91 448 36 20Metro: IglesiaAutobuses: 3, 5, 16, 37, 40, 61 y 147

Tres miradas, tres espíritusCoro Maestro Barbieri. Ensemble La Gallarda. Fernando Rubio, director6 de marzo. 20:45 horas

Tomás Luis de Victoria La Colombina13 de marzo. 20:45 horas

Iglesia Parroquial de San JoséC/ Alcalá, 43Tel: 91 522 67 84Metro: Sevilla, Banco de España y Sol

Ubi Caritas: Celebración de Pasión y GloriaCoro Semicírculo. José Mena Polo, director20 de marzo. 21:00 horas

Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo SocorroC/ Manuel Silvela, 14Tel.: 91 593 33 10Metro: Alonso Martínez y BilbaoAutobús 21

Juan Hidalgo, tonos a lo divino y humano

Camerata Iberia. Juan Carlos de Mulder, director 4 de marzo. 20:30 horas

Requiem, de David PopperCoro Maestro Barbieri. Fernando Rubio, director. Coro El Canto. Fernando Cobo, director. Coro Infantil Aula de Músicas. Ángela Morales, directora. Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid. Enrique Muñoz, di-rector29 de marzo. 21:00 horas

Del amor y del dolor Rebeca Cardiel, soprano. Marina Pardo, mezzosoprano. Orquesta de Cámara Ibérica. Miguel Fernández Llamaza-res, director 5 de abril. 20:30 horas

Parroquia de la Concepción de Nuestra SeñoraC/ Goya, 26Tel.: 91 577 34 38Metro: Príncipe de Vergara y VelázquezAutobuses: 9, 19, 2, 23, 53 y 74

Música original para flauta y órganoRoberto Casado, flauta. Raúl del Toro, órgano28 de marzo. 21:00 horas

Parroquia Nuestra Señora de los ÁngelesC/ Bravo Murillo, 93Tel.: 91 533 43 43 Metro: Cuatro CaminosAutobuses: C, 3, 37, 45 y 149

Cantata para un aniversario Cecilia Lavilla, soprano. Isidro Anaya, barítono. Ana Garri-do, narradora. José Ignacio Gavilanes, órgano. Coro Nur. José Manuel López Blanco, director. Cuarteto Diapente14 de marzo. 21:00 horas

Parroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis ObispoC/ del Carmen, 10Tel.: 91 522 67 69Metro: Sol y Ópera

En torno a Rameau y Carl Philipp Emanuel BachOrquesta Barroca “La Spagna”António Ferreira, director27 de febrero. 20:45 horas

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Direcciones


Parroquia Santuario de María AuxiliadoraC/ Ronda de Atocha, 25Tel.: 91 506 21 07Metro: EmbajadoresAutobuses: 21, 34, 36, 41 y 119

Félix Máximo López y cuatro compositoras del XIX. Música religiosa para un colegio femenino de Madrid del siglo XIX Ángeles Tey, Irene Badiola, sopranos. Circe Molina, mez-zosoprano. Eunyoung Yim, órgano. Coro Femenino Matri-tum Cantat. Javier Blanco, director. Pablo Heras, director12 de marzo. 20:30 horas

Parroquia Virgen de la MilagrosaC/ García de Paredes, 45Tel.: 91 447 32 49Metro: Alonso CanoAutobús 7

La fiesta de Pascua en Piazza NavonaLa Grande Chapelle . Albert Recasens, director2 de abril. 21:00 horas

Real Parroquia de San GinésC/ Arenal, 13Tel.: 91 366 48 75Metro: Sol y Ópera

Praga Magna. La música durante el reinado de Rodolfo IICappella Mariana 28 de febrero. 20:00 horas

Tomás Luis de Victoria para coro gregoriano y coro poli-fónicoSchola Gregoriana de Madrid. Schola Polifónica de Ma-drid. Emilio Rubio y Antonio Peces, directores27 de marzo. 20:00 horas

Santuario del Inmaculado Corazón de MaríaC/ Ferraz, 74Tel: 91 758 95 30Metro: Arguelles Autobuses: 1, 21, 44, 74, 133, Circular

TenebraeSinger Pur3 de abril. 20:30 horas

Teatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer)C/ San Bernardo, 44Tel.: 91 532 85 31

Metro: Noviciado, Plaza de EspañaAutobús 147

In memoriamGúdrun Ólafsdóttir, soprano, mezzosoprano. Ángela Cas-tañeda, mezzosoprano. Fernando Aguilera, tenor. Sonor Ensemble. Luis Aguirre, director25 de marzo. 19:30 horas

Piadoso y religioso encuentro galantePablo de la Cruz & Nova Camera Orquesta. David Santa-cecilia, concertino y director31 de marzo. 19:30 horas

Teatros del CanalC/ Cea Bermúdez, 1Tel.: 91 308 99 99www.teatroscanal.comMetro: CanalAutobuses. 3, 12, 37 y 149

El resplandor del último Beethoven Sylvia Torán, piano 18 de marzo. 20:30 horas

IlluminationNehara Dance Group. Daniella Bloch, directora19 de marzo. 20:30 horas

Cantar del almaMarina Rodríguez Cusí, mezzosoprano. Marisa Blanes, piano 23 de marzo. 19:00 horas

MAJADAHONDA

Casa de la Cultura Carmen Conde Plaza de Cristóbal Colón, s/nTel.: 91 634 91 19Desde Intercambiador de Moncloa, autobuses: 651, 652 y 653

Gloria, de Antonio VivaldiDifusión Ensemble Orquestal. Roberto Pálmer, director22 de febrero. 20:00 horas

NAVALAFUENTE

Parroquia de San BartoloméPlaza de la Iglesia, s/nTel: 91 847 06 93Desde Intercambiador de Plaza de Castilla, autobús 726

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Direcciones


Mística y cantos devocionales Grupo Canzona8 de marzo. 18:00 horas

PARACUELLOS DE JARAMA

Iglesia Parroquial de San Vicente MártirC/ Real de Burgos, 13 Tel.: 91 658 02 56Metro: L.8 Autobuses: 101 y 20


PARLA

Teatro Dulce ChacónC/ Rosa Manzano, 3Tel: 91 202 47 11Desde Estación Sur, autobuses: 402 y 418Cercanías Renfe C4

Liszt, teatro sonoro. (Teatro para niños con música en directo)Teatro Tyl Tyl. Elena Jiménez, piano. David Lovecchio, director 23 de febrero. 18:00 horas

PINTO

Iglesia de las CapuchinasPlaza de las Capuchinas, s/nTel.: 91 248 38 01Desde Atocha, Cercanías C3 en dirección Aranjuez, y desde Legazpi autobús 241

Gloria, de Antonio VivaldiDifusión Ensemble Orquestal. Roberto Pálmer, director6 de abril. 18:00 horas

Iglesia de Santo Domingo de SilosPlaza de Egido de la Fuente, s/nTel: 91 691 12 14Desde Atocha Cercanías C3 en dirección Aranjuez, y des-de Legazpi autobús 241

Donde mira el ruiseñor cuando cruje una rama. (Teatro con música en directo)Compañía Tribueñe. Hugo Pérez, director

30 de marzo. 18:00 horas

RASCAFRÍA

Iglesia Parroquial de San Andrés ApóstolPlaza de la Iglesia, 1Tel: 91 869 13 18Desde Intercambiador de Plaza de Castilla, autobús 194


SAN LORENZO DE EL ESCORIAL

Real Coliseo Carlos IIIC/ Floridablanca, 20Tel.: 91 890 44 11 Desde el intercambiador de Moncloa autobuses 661 y 664 y Cercanías Renfe C3

Johann Sebastián Bach. Memorias de LeipzigAccademia del Piacere29 de marzo. 20:00 horas

SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES

Iglesia Parroquial de San Sebastián MártirC/ del Viento, 1Tel: 91 651 02 58Autobuses: 152 A, 152 B, 156, 161 y 166.

Gloria, de Antonio VivaldiDifusión Ensemble Orquestal. Roberto Pálmer, director4 de abril. 20:30 horas

TORRELODONES

Teatro BulevarAvenida Rosario Manzaneque, 1Tel.: 91 859 26 57 / 06 46Desde Intercambiador de Moncloa, autobús 631

Stabat Mater, de Franz Joseph HaydnEva del Moral, soprano. Marta Caamaño, mezzosoprano. Ignacio Álvarez, tenor. Fabio Barrutia, bajo. Orquesta y Coro Matritum Cantat. Javier Blanco, director5 de abril. 20:00 horas

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Direcciones


TORREMOCHA DE JARAMA

Iglesia de San Pedro ApóstolC/ Uceda, 7Tel: 91 843 16 96Desde Intercambiador de Plaza de Castilla, autobús 197

¡Gaude, María!, siglos de música y alabanzaSchola Cantorum de Alcalá de Henares. Nuria Matamala, directora 15 de marzo. 19:00 horas

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AGRADECIMIENTOSArzobispado de MadridAteneo de MadridAuditorio Municipal de Boadilla del MonteAyuntamiento de AlalpardoAyuntamiento de Alcalá de HenaresAyuntamiento de AlcorcónAyuntamiento de Boadilla del MonteAyuntamiento de Colmenar ViejoAyuntamiento de Collado VillalbaAyuntamiento de GetafeAyuntamiento de Hoyo de ManzanaresAyuntamiento de la CabreraAyuntamiento de MajadahondaAyuntamiento de NavalafuenteAyuntamiento de Paracuellos de JaramaAyuntamiento de ParlaAyuntamiento de PintoAyuntamiento de RascafríaAyuntamiento de San Sebastián de los ReyesAyuntamiento de San Lorenzo de El EscorialAyuntamiento de TorrelodonesAyuntamiento de Torremocha de JaramaBasílica de la Asunción de Nuestra Señora de Colmenar ViejoBasílica Hispanoamericana de la Merced de MadridCasa de la Cultura Carmen Conde de MajadahondaCatedral Magistral de los Santos Niños de Alcalá de HenaresCentro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte de La CabreraCentro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas de MadridFundación Olivar de CastillejoIglesia Catedral de Santa María Magdalena de GetafeIglesia de la Concepción Real de Calatrava de MadridIglesia de San Antonio de los Alemanes de MadridIglesia de San Jerónimo el Real de MadridIglesia de San Pedro Apóstol de Torremocha de JaramaIglesia de Santa Teresa y Santa Isabel de MadridIglesia de Santo Domingo de Silos de PintoIglesia de las Capuchinas de PintoIglesia Parroquial de San Andrés Apóstol de RascafríaIglesia Parroquial de San Cristóbal de AlalpardoIglesia Parroquial de San José de MadridIglesia Parroquial de San Sebastián Mártir de San Sebastián de los ReyesIglesia Parroquial de San Vicente Mártir de Paracuellos de JaramaIglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro de MadridParroquia de la Concepción de Nuestra Señora de MadridParroquia de Nuestra Señora de los Ángeles de MadridParroquia de Nuestra Señora del Carmen y San Luis de MadridParroquia de San Bartolomé de NavalafuenteParroquia Santuario de María Auxiliadora de MadridParroquia Virgen de la Milagrosa de Madrid

CONSEJERÍA DE EMPLEO, TURISMO Y CULTURADIRECCIÓN GENERAL DE ARTES ESCÉNICAS, MÚSICA Y AUDIOVISUAL

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: CONSUELO DÍEZ



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AGRADECIMIENTOSParroquia Virgen del Camino de Collado VillalbaReal Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El EscorialReal Parroquia de San GinésSantuario del Inmaculado Corazón de María de MadridTeatro Bulevar de TorrelodonesTeatro de la Escuela Superior de Canto (Palacio Bauer)Teatro Dulce Chacón de ParlaTeatro Municipal Buero Vallejo de AlcorcónTeatro Municipal Las Cigüenas de Hoyo de ManzanaresTeatros del Canal de Madrid

CONSEJERÍA DE EMPLEO, TURISMO Y CULTURADIRECCIÓN GENERAL DE ARTES ESCÉNICAS, MÚSICA Y AUDIOVISUAL

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: CONSUELO DÍEZ



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Arte Sacro 2014 -...

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