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Contenido

Sección en Español

6 – SEXTA BIENAL DEL MERCOSUR. LA TERCERA ORILLA DEL RÍO por Marcela Römer

9 – III ENCUENTRO MUNDIAL DE ARTE URBANO ARTE ACCIÓN PLAZA Sayuri Guzmán

11 – BRASIL, PAÍS INVITADO EN ARCO’08

13 - “UNDER CONSTRUCTION”

14 – ART BASEL MIAMI BEACH 07

15 – FARINA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO ARGENTINO EN RÍO GALLEGOS

16 – LAS MEJORES VISIONES DE FIONA TAN

17 – “IN COLD BLOOD” La Historia, por Miguel Aguirre

18 – “SIGNOS DE LA CIUDAD”

20 – “CONSTRUIR, HABITAR, DESOCUPAR. PRÁCTICAS DE ESPACIO”

22 – “CUATRO MUJERES / CUATRO MIRADAS: VIDEOS”

26 – TRES AÑOS DEL MACRO DE ROSARIO

27 – NUEVA YORK ESTRENA MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

29 – FACE, NUEVA FERIA DE ARTE EMERGENTE EN MEXICO

30 – FOTOGRAMA 07, MONTEVIDEO – URUGUAY

33 – ARTE CON FECHA DE CADUCIDAD por Saúl Fernández

English section

38 – BREAKING THE WAVES, by Nikki Beem

39 – JOSEF STRAU – “Voices and Substitutes”

41 – “THE REAL STORY OF THE SUPERHEROES” by Elizabeth Ferrer

42 – SUBJECTIVE REALITY by Skot Olsen

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artfornews

Director / EditorGualberto Magallanes

Director ComercialLozano Saavedra Olavarrieta

Coordinadora GeneralYakira Rodriguez

CorrecciónManola Arocena

ColaboradoresMarcela Römer, Sayuri Guzmán, Carlos Ortíz Soriano, Nuria Fernández, Rossana Demarco,

Saúl Fernández, Nikki Beem, Elizabeth Ferrer, Skot Olsen

Fuentes ExternasAgencias

FotografíasMiguel Angel Magallanes, Muu Blanco, Zoilo Pimentel

Diseñoamg/design

Producción Generalartfornews press

[email protected]

[email protected]

artfornews es una publicación de artfor media group, s.a.

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SEXTA BIENAL DEL MERCOSUR. LA TERCERA ORILLA DEL RIOPorto Alegre, Brasil. 1 de Septiembre al 18 de Noviembre de 2007

por Marcela Römer

“La tercera orilla abre la posibilidad de una perspectiva independiente, un espacio entremedio que hace posible ver, considerar y juzgar ambas alternativas. La tercera orilla es, por tanto, un espacio radicalmente independiente, libre de dogmas o imposiciones, propicio a la observación.”

Así explicaba Gabriel Pérez-Barreiro, curador ge-neral de la bienal, la elección por su parte del titu-lo asignado a la misma. La denominación deviene de un cuento escrito en 1962 por Joao Guimaraes Rosa en donde un hombre decide irse a vivir a un bote en medio del río, el cual permanece inmóvil y genera esta tercera orilla. Su familia, en la orilla de tierra, termina aceptando esta decisión como tácita. La metáfora alude a la relatividad corpo-ral o existencial de acuerdo al lugar en donde nos situemos en relación al mundo circundante.

Interesante perspectiva teórica la que nos propo-ne el curador general que cuestiona de manera directa e inteligente las bienales del Mercosur que lo precedieron “situando” a ésta en la tercera posibilidad. Con respecto a esto comenta: “¿Y si existiera un modelo intermedio? ¿Y si fuera posi-ble encontrar uno que permitiera analizar la geo-grafía cultural en lugar de la geografía política? ¿Y si se diera lugar al artista, más que al curador nacional o al diplomático, para dibujar el mapa?”*

Este año los organizadores de la Sexta Bienal delMercosur decidieron contratar a un curador no bra-sileño, claro conocedor de arte Latinoamericano

ya que Pérez-Barreiro es curador en jefe de Arte Latinoamericano en el “Blanton Museum” en Aus-tin, Texas - además de poseer un extenso curricu-lum en la temática-; lo cual genera un corrimiento de diseño curatorial que la bienal andaba nece-sitando. Se suprimen los curadores por países y se piensa una problemática curatorial atenien-te a la contemporaneidad artística del Mercosur sin olvidar los vectores teóricos internacionales.

Así se proponen tres importantes cuestiones a tra-bajar: la necesidad de un nuevo modelo curatorial y geográfico, la necesariedad de una mayor rela-ción con el público y las inherentes reformas en lo administrativo y de gestión. La bienal se asien-ta en estas tres problemáticas que le darán base.

En cuanto al nuevo diseño curatorial las áreas de trabajo son las siguientes: Conversas que consis-te en la idea de que un artista invita a otros dos artistas en un diálogo productivo y luego la cu-raduría de la bienal les contesta con otro artista. Zona Franca que privilegia la visión de cuatro curadores con sus ideas específicas, ellos son: Moacir Dos Anjos, Inés Katzenstein, Luis Pé-rez-Oramas y el propio Gabriel Pérez-Barreiro.

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Tres Fronteiras en donde se invita a artistas que re-flexionan sobre la triple frontera de Argentina, Bra-sil y Paraguay que deviene de un programa de re-sidencias artísticas supervisado por Ticio Escobar.

En cuanto a lo educativo -uno de los pilares de la bienal- que establece los lazos con el público y con todas las instituciones educativas, es el artista y curador Luis Camnitzer quien ha sido designado para organizarlo. Cada pabellón posee una “es-tación pedagógica” en donde se reparte folletería de todos los artistas además de toda la informa-ción que se necesite. Camnitzer ha pensado la propuestas educativa sobre la suposición de que el espectador no es un ser pasivo, sino un crea-dor en potencia y, además, la idea de construir sentido desde la obra de arte en un modelo de conversación entre artistas, público y espacio pe-dagógico (docentes, instituciones, alumnos, etc.).

Dentro del proyecto curatorial de la bienal casi las dos terceras partes del mismo es de una calidad óptima, no solo hay artistas latinoameri-canos sino de varias latitudes, lo cual le da una apertura a la idea de lo latinoamericano como algo no encerrado en sí mismo. Como artistas invitados con tres grandes muestras se puede apreciar al brasileño Öyvind Fahlström, al urugua-yo Franciso Matto y al argentino Jorge Macchi.

En Conversas se destacan los siguientes grupos de artistas: Waltercio Caldas. Milton da Costa, Steven Reich y Jesús Rafael Soto con un mon-taje al estilo minimo conceptual de excepcional calidad. El grupo de Fernando López Lage, Aqui-bancada, Terrence Malick y John Baldessari con una propuesta fuertemente crítica al arte contem-poráneo donde conviven arte abstracto, cine, ins-talación y un excelente video de Baldessari del

año 1971 titulado “I Am Making Art” (Estoy ha-ciendo arte) en donde aparece el mismo artista repitiendo la frase innumerables veces -de cuerpo casi completo- moviendo sus miembros superio-res en una especie de construcción espacial del concepto. El grupo de Liliana Porter, Leopoldo Estol, Sylvia Meyer y Ceal Floyer en donde uno de los protagonistas de las obras es un hilo que es tomado por los artistas de diferentes mane-ras, un hilo real, uno dibujado, uno en concepto, y otras interpretaciones. Y por último el grupo de Osvaldo Salerno, León Ferrari, Beatriz González y Alejandro Paz, destacándose las obras de Sa-lerno (objeto realizado por Pablo Luces Contre-ras) sobre las torres gemelas, la exquisita obra de Ferrari titulada “Mariposas y aviones” y el video de Paz en donde un mendigo es custodiado por la ciudad de Guatemala por un guardaespaldas.

Con respecto a la sección titulada Tres Fronteras curada por Ticio Escobar, la obra más destacada es la del también guatemalteco a-1 53167 (Aníbal López). El artista se denomina mediante su núme-ro de identidad personal, su obra titulada: “Escul-tura pasada de contrabando de Paraguay a Brasil, 2007” es justamente eso: un contrabando fictico de cajas “vacías” desde Paraguay hasta la misma bienal del Mercosur instaladas como una esculturaconjuntamentmente con una serie de fotos y un video que dan cuenta de la acción del su-puesto contrabando. Escobar escribe en el tex-to de catálogo sobre la obra del artista: “Al en-comendar a las cajas selladas que preserven un adentro de puro vacío, a-1 53167 las está abriendo a cuestiones que van mucho más allá de la anécdota de un paso de contrabando. (...) convoca el tema de los subterfugios a los que debe recurrir el artista para hacer circular su obra en los países periféricos (...) el cacareado

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Blanco, fotografías invertidas de edificios y to-mas de la ciudad de Caracas que cuestionan tanto sea la mirada estática que poseemos delespacio de nuestra ciudades como también dan cuenta de la compleja situación política que vive la propia Venezuela. Merecen atención tam-bién las obras del venezolano residente en NY, José Gabriel Fernández como relectura de la obra de Alejandro Otero en una clave más des-pojada con cruces de la tauromaquia española.

Todos los artistas de la bienal son acompa-ñados por cuestionadores textos de todos loscuradores mencionados, notándose la intención concreta de su curador jefe de relacionar de manera constructiva imágen artística y texto. La edición de los seis libros es impecable, así como también el desarrollo pedagógico que la sustenta. En relación a las grandes muestras de los artis-tas invitados es de destacar la de Jorge Macchi, de gran solidez conceptual y artística. Sus mejo-res obras son: “Vidas paralelas”, el video “Vícti-ma serial”, “Nocturno, variación sore el Nocturno Nro. 1 de Erik Satie”, “Still Song”, el video “Time Machine” y “Fontana”. Macchi, uno de los artistas más sólidos de la Argentina de los ultimos diez años encadena de una manera prístina lo con-ceptual, lo cotidiano y la belleza en los límites.

En el texto base de la bienal Pérez-Barreiro re-marca en relación a las problemáticas internas de la misma: “La solución era discutir una bie-nal desde el Mercosur, más que del Mercosur”, ciertamente esta premisa ha quedado cumplida.

*Pérez-Barreiro, Gabriel en el texto introductorio de la “Sexta Bienal del Mercosur. La Tercera orilla del río” (cita anterior del mismo texto) - www.bienalmercosul.art.br

**Escobar, Ticio, texto del catálogo de la obra de a-1 53167 (Aníbal López) en Sección “Tres Fronteras”. Sexta Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil, 2007, pag. 117

Fotos del articulo: Cortesía de Muu Blanco

Mercosur Cultural sigue aún constituyendo una utopía (...) En segundo lugar, (...) un mundo ile-gal de pautas culturales y formas de subsisten-cia que nos acerca artículos inocentes, limpios de sus turbios pasados”.** La obra del guate-malteco habla de mucho más que el contraban-do típico de las tres fronteras (Paraguay, Brasil y Argentina), se refiere a problemáticas geopo-líticas, económicas y culturales, usando como excusa el campo del arte para cuestionarlas.

En la sección Zona Franca -la más extensa de la bienal- conviven diversas curadurías, las obras mas interesantes son (curadas por Dos Anjos): la del mexicano Francis Alÿs (en colaboración con Cuauhtémoc Medina y Rafael Ortega) titulada “Cuando la fe mueve montañas” del año 2002, obra bastante conocida del artista que cuestiona el con-cepto de frontera. La del brasileño Nelson Leirner de fuerte contenido político y duro cuestionamien-to al mundo capitalista en un tono lúdico pop. Las video instalaciones del inglés Steve McQueen y la importante instalacion del brasileño Cildo Meireles titulada “Marulho” representando un gran espigón de madera sobre un mar de libros azules con la palabra “agua” que se puede escuchar en todos los idiomas inimaginables. Con curaduria de Kat-zenstein se destaca la obra del jóven artista argen-tino Leopoldo Estol en una instalación que privile-gia la relación del concepto y el espacio individual de construcción subjetiva. Con la curaduría del mismo Pérez-Barreiro las obras más interesantes son: la del mexicano Yoshua Okon con una insta-lación de video sobre la temática de la policía en México titulada: “Oríllese a la orilla” en donde se da cuenta de la violencia policial de manera iróni-ca, y las de los norteamericanos Beth Campbell y Darío Robleto en un tono mucho más conceptual.

Con la curaduría del venezolano Pérez-Oramas (pabellón de un impecable montaje curatorial) se destacan las obras del venezolano Dr. Muu

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III ENCUENTRO MUNDIAL DE ARTE URBANOARTE ACCIÓN PLAZAHomenaje a Edgardo Vigo

Textos: Sayuri Guzmán

mente la preservación de obras de arte efimeras, adstractas ya sea por el uso de materiales tan diversos como el universo, ya sea por la misma fragilidad de la pieza. En este sentido nos pre-guntamos ¿ era el bloque de hielo la obra? o ¿ era la acción de pintar sobre el bloque de hielo? o podría ser la obra la tela que quedo mancha-da de pintura, de pisadas, de chorros sueltos.

EL BLOQUE DE HIELO FUE COLOCADO A LAS 10:30 AM SE DESPLOMO A LAS 6:30 PM Y TERMINO DE DERRETIRSE A LAS 9:45 PM.

MEA CULPAMaricarmen Rodriguez

Un péndulo marcaba el tiempo en un tic-tac, al igual que el sonido de la cajita de musica.Mari-carmen sube en su silla, pone los pies dentro de una bacinilla y llena la misma de petalos.

¿ Existe algo más absurdo que pintar sobre un bloque de hielo?, algunos en la Plaza pensaban esto y allí radicaba la esencia de la pieza de Ru-ahaidy. Pintar sobre el bloque de hielo resultaba fascinante, el agua diluía rápidamente la pintura y el bloque regresaba hacer el mismo. Después de varias horas el bloque fue texturándose, ad-quiriendo formas inesperadas guardando un poco más la pintura que los asistentes seguían hechando sobre él, principalmente los niños en-tendian que esta pieza era unica y exclusivamen-te para ellos. A Lombert que trabaja como con-servador de obras de arte, le preocupa particular

SIN TÍTULORuahaidy Lombert

Esta acción habla de desechar las culpas, eli-minarlas y ella representa la mujer objeto, la mujer muñeca, la mujer mascara, la mujer cu-bierta, la mujer finalmente vencida por la misma culpa que quiere desechar. Culpa de ser mujer.

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VERITAS SIN VIDVirgilio de Leon

do, con el arte, con su entorno familiar, de su vida. Esa vida que el arte transforma.

Frase escrita al muro_" No quiero ser li-bre de nadie, quiero ser libre de mí y el arte es mí libertad", Virgilio de León

Con cera Virgiilio escribe sobre el muro, al ser esta una frase invisible, rompe sobre ella cuatro bote-llas de vino tinto, para hacer la letra legible, llenan-do a su ves el lugar de un olor a vino embriagante. La acción está cargada de una energía personal, Virgilio habla de su relación con el mun

DILUCIÓNJochi Muñoz

El artista hizo ininterrumpidamente, por espacio de dos horas, barquitos de papel empleando la cromolitografía de Ntra. Sra. de los Dolores (La Dolorosa, la Metré Silí del panteón de la religio-sidad popular dominicana), y los fue colocando dentro de un balde de agua que contenía cloro.La imagen de la Santa se fuera diluyen-do poco a poco, como en la vida se van bo-rrando los recuerdos; como se van olvidando

los elementos culturales; como se va perdien-do la identidad; como va languideciendo el amor. Pero a la vez, el balde lleno de barquitos es un símil de la obsesión que mina la existen-cia del ser humano, y de la que muchas veces no se quiere (o no se puede) uno desprender. El balde con los barquitos fue dejado como instalación hasta el final de la celebración, constatándose el deterioro de los mismos.

Sayuri GuzmánArtista, Gestora CulturalCuradora y Coordinadora del “III Encuentro Mundial de Arte Urbano”. “Arte Acción Plaza”

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Además de las galerías y artistas brasileños que mostrarán sus obras en ARCO, museos, instituciones y centros de arte de la ciudad se sumarán con una extensa programación de exposiciones, conciertos y música de Brasil

Brasil será el centro de atención de la Feria Inter-nacional de Arte Contemporáneo, ARCO, uno de los más destacados eventos artísticos del circuito internacional, que celebrará su vigésimo séptima edición en Madrid del 13 al 18 de febrero de 2008. La presencia de alrededor de 20 galerías brasile-ñas – seleccionadas por Moacir dos Anjos y Paulo Sergio Duarte-, junto a la programación de más de una docena de exposiciones dedicadas a relevan-tes figuras del panorama artístico brasileño, en los principales museos y centros de arte de Madrid, contribuirán a promocionar uno los ejes emergen-tes más significativos de la escena artística actual.

El éxito de ventas que registró la pasada edición de ARCO y el exponencial crecimiento del mercado del arte en España, han intensificado el interés de galeristas y compradores internacionales, gene-rando excepcionales expectativas para la edición de 2008, que acogerá la selección de alrededor de 200 prestigiosas galerías de más de 30 países.

Un elaborado programa de coleccionistas invitados reunirá en esta edición destacadas personalidades del coleccionismo procedentes de todas partes del mundo. Con una relevante participación brasileña, ARCO será un punto de encuentro de coleccionis-tas europeos, norteamericanos, asiáticos e ibero-americanos que acudirán a esta cita atraídos por la alta calidad de las galerías y propuestas artísticas, así como por el dinamismo del mercado español.

Junto al Programa dedicado a Brasil, ARCO’08 también será escenario de una gran pluralidad

de propuestas que se ubicarán en los nuevos pa-bellones 12 y 14 de la Feria de Madrid. Este nuevo emplazamiento ha permitido una reestructuración del espacio y del diseño de secciones artísticas muy definidas. En esta nueva edición, las gale-rías se organizarán en las siguientes secciones:

• Programa General, núcleo central de la Fe-ria que reúne a salas de alto nivel de todo el mundo. La novedad de este último espacio será la segmentación de sus propuestas, que in-cluirá ARCO40 una selección de galerías que presenten obra reciente de un máximo de tres artistas en espacios fijos de 40m2, aportando una nueva visión de la práctica contemporánea.• Solo Projects, programa que acoge en cada stand propuestas de un solo artista creadas para la ocasión.• Expanded-Box, una apuesta por las ten-dencias más actuales que exploran la in-fluencia de las nuevas tecnologías en el arte.• y la nueva sección Performing ARCO, dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales con intervenciones de obras en vivo (performances).

Además de los espacios galerísticos, la feria también acogerá en el programa Grandes Co-lecciones las propuestas expositivas de aque-llas entidades públicas o privadas implicadas en la creación de colecciones de arte contempo-ráneo. Esta visión del mundo del arte se com-pletará con la presencia de un gran número de Publicaciones de Arte Contemporáneo que, con espacios diferenciados para revistas y editoras, acercarán a los visitantes las mejores publica-ciones de arte y pensamiento internacionales.

Esta amplia oferta artística estará reforzada por un variado programa paralelo de actividades que reunirá interesantes muestras dentro de las distintas expresiones de la creación contem

BRASIL PAÍS INVITADO EN ARCO’08PRESENTARÁ EN MADRID LO MEJOR DE SU CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

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poránea. Desde cine a conciertos, pasando por las propuestas creativas más innovadoras; las personas que visiten ARCO’08 encontrarán lo mejor del arte emergente en toda su diversidad.

Como adelanto de lo que será la participación de Brasil en la próxima edición de la feria, ARCO presentará en La Noche en Blanco, un aconte-cimiento cultural que concentrará en Madrid la noche del 22 de septiembre un total de de 173 actividades artísticas y culturales, la interven-ción Shada Shada La Chatte, de los artistas brasileños Assume Vivid Astro Focus (AVAF).

BRASIL EN ARCO’08 - GALERÍAS SELECCIONADAS:

Galeria Amparo 60, Galeria Ana Maria Niemeyer, Galeria André Millan, Galeria Anita Schwartz, Ga-leria Baró Cruz, Bolsa de Arte de Porto Alegre, Box 4, Galeria Brito Cimino, Galeria Celma Al-buquerque, Galeria Fortes Vilaça, Galeria Gentil Carioca, H. A. P., Galeria Laura Marsiaj, Galeria Leme, Galeria Léo Bahia, Galeria Luísa Strina, Lurixs, Galeria Manoel Macedo, Galeria Mariana Moura, Galeria Marília Razuk, Galeria Mercedes Viegas, Galeria Nara Roesler, Galeria Novem-bro, Galeria Oeste, Galeria Paulo Darzé, Galeria Raquel Arnaud, Galeria Triângulo, Galeria valu Oria, Galeria Vermelho, Galeria Virgilio y Ybakatu

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"Under Construction" (En construcción)

"Under Construction" (En construcción) es un proyecto de performance y arte corporal ideado y producido por el artista multimediático Carlitos Ortiz en octubre 2007. Se trata de la creación de un personaje que emula la fantasía, en represen-tación de la identidad cultural caribeña y la forma sobreproducida en que se construye en el contex-to social de Santo Domingo, capital de un país ter-cermundista en aceleradísimo crecimiento urbano.

Este surge, como la mayoría de los proyectos de este artista, como una forma de evidenciar la complejidad cultural del caribe incorporando ele-mentos que nos refieran a los tópicos que aborda.

El artista hizo apariciones en diferentes puntos de la ciudad, vestido con un diseño de Laura Guerrero Rosado en lona azul, la misma que se utiliza para "vestir" los edificios que se constru-yen por doquier. Algunos de estos lugares fue-ron Plaza Central, el puente peatonal de la 27 de Febrero al nivel del Ensanche Quisqueya, construcciones y parqueos, para terminar con la acción principal, realizada en el Malecón Libre a las 4:30 de la tarde del Domingo 21 de Octubre.

Durante la acción, el artista intervino la zona con un paseo calmado, portando un espejo y mirando a través del mismo a la concurrencia.

Luego intervino su cara con palitos de ropa, creando otra cara y dejando marcas en la mis-ma, evidentes a simple vista, causando una fuerte impresión en el público. Para finalizar, dibujó en el suelo una rayuela y jugó con algu-nas niñas que se incorporaron al performance.

Posteriormente, dibujó otra rayuela encima, re-presentando la forma en que este crecimiento urbano supone un gran desorden habitacional de construcciones informales superpuestas.

Las fotos fueron realizadas por Zoilo Pi-mentel, importante colaborador del artista.

El vestido estuvo a cargo de la diseñadora Laura Guerrero Rosado, contando con la co-laboración de Estrella Tió y Natalia Ortega.

FuentePERFORMANCE UNIT

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Tan solo tres dias faltan para la inauguración de la sexta edición de la Exposición Interna-cional de Arte, que se realiza del 6 al 9 de di-ciembre de 2007 y este es el segundo boletín de la sala de prensa de Art Basel Miami Beach

¿Qué hay en el programa además de las exhibi-ciones de 220 galerías provenientes de 30 países en el Miami Beach Convention Center? Art Basel Miami Beach presentará «Art Video Lounge», con un programa curado por Michael Darling (Curador de Arte Moderno y Contemporáneo Jon and Mary Shirley en el Seattle Art Museum), en el edificio del Botanical Garden cruzando la calle desde el Mia-mi Beach Convention Center. El foro de «Art Basel Conversations» presenta mesas redondas temáti-cas que giran en torno a los tópicos «Collectors as Producers», «The Future of the Museum in India», «Women in Art» y «Criticizing Art Criticism». Entre los oradores se incluyen personalidades tan pro-minentes como Anupam Poddar, Patrizia Re Re-baudengo, Maja Hoffmann, Richard Flood, Hans Ulrich Obrist, Dave Hickey, Daniel Birnbaum y mu-chos otros. En «Art Sound Lounge», los oyentes recibirán un sistema personal de sonido para que lo usen mientras recorren los jardines del Miami Beach Botanical Garden y disfruten un variado programa de piezas de audio de artistas y músicos tales como John Cage, Grandmaster Flash, Chris-tian Marclay, DJ Spooky, Pierre Schaeffer y mu-chos otros. El programa de «Art Sound Lounge» fue seleccionado y recopilado por David Weins-tein, Director Gerente de Art Radio WPS1.org.

Art Basel Miami Beach 07

Como exhibición satélite adicional de Art Basel Miami Beach se presentan proyectos de arte en espacios públicos, con trabajos de artistas inter-nacionalmente aclamados que incluyen a Haluk Akakçe, Alberto Baraya, Rodney Dickson, Je-ppe Hein, Claude Lévêque, Ryan McGinness, Susan Philipsz, Björn Dahlem y Jaume Plensa. Las veladas son el momento para eventos en-trelazados con énfasis en la música (Iggy and te Stooges), el cine (Lou Reed) y la arquitectu-ra (una conversación entre el arquitecto Jacques Herzog y el artista Doug Aitken, moderada por Terry Riley, Director del Miami Art Museum).

Los espacios de exhibición y de eventos de Art Basel Miami Beach se encuentran en el Miami Beach Convention Center, el Botanical Garden y el Collins Park, en la playa. Todas las formas concebibles de arte visual (pinturas, dibujos, es-culturas, instalaciones, fotografías, grabados originales, performances, videoarte y arte so-noro) estarán disponibles allí para su aprecia-ción y adquisición. Los precios abarcan desde unos cuantos cientos de dólares por ediciones limitadas y trabajos de artistas jóvenes, hasta varios millones por obras maestras dignas de un museo. Art Basel Miami Beach es la exposi-ción de arte más importante de las Américas.

en los próximos dias continuaremos informando desde Miami...

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Farina disertó sobre Arte Contemporáneo Argentino y difundió becas uni-versitarias en su visita a Rio Gallegos.

Varios compromisos trajeron a esta capital al recientemente nombrado secretario de Cultu-ra de la Municipalidad de Rosario, Fernando Farina, miembro titular del Fondo Nacional de las Artes y director de las prestigiosas salas ro-sarinas Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” y Museo de Arte Contemporá-neo de Rosario (MACRO) que actualmente pre-senta una muestra de artistas santacruceños.

Farina es licenciado en Bellas Artes, especia-lista en Teoría y Crítica de Arte, y además, in-geniero Civil. Según contó lo que más le cos-tó fue estudiar arte, por eso de la memoria para retener los datos de la historia del Arte.

Paradójicamente vino a dar cátedra de “Arte Argentino Contemporáneo” entre otras activi-dades, como un seminario de Curaduría que se realizó en el Complejo Cultural Santa Cruz.

Farina explicó a la prensa que “cuando uno se vuel-ve protagonista, empieza casi a contar sus propias vivencias, y ésto es lo que ha pasado conmigo que de alguna manera, el desarrollo del arte en los últi-mos años lo he vivido muy de cerca”. “Eso me per-mitió conocer la producción artística del país más allá de las dos grandes capitales como son Buenos Aires y Rosario, hasta llegar incluso a Santa Cruz”, contó refiriéndose a un trabajo realizado dentro del MACRO, en el marco de una reflexión sobre el Arte Contemporáneo Argentino, que incluye obras de artistas santacruceños que

se incorporan a la colección del Museo.

A Farina le resulta curioso Santa Cruz, sobre todo por la distancia, desde donde destacó que “sin embargo, siempre se las ingeniaron para acercar-se, dialogar, producir, y eso es muy interesante, para destacar, porque tienen muchas dificulta-des, ya que no existe una universidad donde se enseñe arte, la falta de una tradición artística, Santa Cruz se está construyendo, es muy joven”.

El artista y funcionario cultural contrastó esta rea-lidad con la de Rosario donde enfatizó: “los tene-mos a Antonio Berni y a Lucio Fontana, los dos más grandes argentinos artistas, rosarinos”, mien-tras que en Santa Cruz observó: “no existe esa tradición que de alguna manera te ubica en un lu-gar protagónico”. Desde ese lugar rescató la cons-trucción que se viene desarrollando. En ésto Fari-na destacó como “fundamentales” las becas que otorga el Banco Santa Cruz a través de su progra-ma para estudios universitarios en el ciclo 2008.

El artista vino a acompañar esta acción, junto con un concurso de Artes Visuales organizado por la Fundación Banco Santa Cruz y la Subsecretaría de Cultura, que lo tuvieron como jurado junto a Matil-de Marín y a Ezequiel Ezquenazi, quienes elegie-ron a los ganadores en la sala de capacitación del Banco. Posteriormente, en el Banco Santa Cruz se dictó una charla sobre Arte Argentino Contem-poráneo, Farina participó tambien de un seminario de Curaduría que se hace en el Complejo Cultural.

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"Time and Again. Fiona Tan".

La pequeña ciudad sueca de Lund presenta hasta finales de enero el trabajo de una de las creado-ras actuales con mayor proyección internacional, Fiona Tan (Indonesia, 1966), en una exposición organizada por la Konsthall de dicha ciudad en torno a la obra más representativa realizada por esta artista durante los últimos años. Desde sus inicios, Tan ha contando con el aprecio del público y la crítica hecho que ha estimulado su presencia frecuente en eventos internacionales de gran en-vergadura, como la Istanbul Biennial, la Biennale di Venezia o la Documenta de Kassel, además de su participación en múltiples exposiciones colectivas.

Uno de los elementos que más caracteriza la obra de Tan es el impacto visual de sus imágenes, pre-sentadas fundamentalmente a través de vídeos, fotografías o instalaciones. En todos estos forma-tos se confirma la influencia que ha dejado en ella ser hija de madre australiana, padre chino y vivir en Holanda, ya que su trabajo busca producir en el espectador una reflexión en torno a cuestiones relativas, particularmente, a la identidad propia frente al peso que ha tenido el colonialismo en el desarrollo de la historia contemporánea. Tan, pre-tende establecer un compromiso desde su obra apropiándose de referentes etnográficos, que sin negar la carga subjetiva que implican las huellas de sus orígenes ancestrales, quiere demostrar con la objetividad posible una visión referencial de todo aquello que nos define y nutre como se-res sociales. Desde el carácter documental, las imágenes de Tan se ven pobladas de asiáticos y africanos, o de paisajes de estos lugares, que muestran su esencia más originaria. Muchos de sus trabajos parecieran estar presentados con la intermediación de filtros de colores, que con una

Las mejores visiones de Fiona TanLa Lund Konsthall presenta una selección de lo más destacado de la artista

gama reducida de ellos, ofrecen una relectura de imágenes históricas con una estética que recuer-da la de reportajes de viajes exóticos. Más allá del declarado interés de Tan por adentrarse en el universo etnográfico como materia prima para ilustrar sus preocupaciones y referentes persona-les la artista incide también, y desde un sentido muy crítico, en torno a aquello que puede ser con-siderado o no propio para retratar, al margen de su sentido antropológico. Precisamente todo esto queda reflejado en la muestra "Time and Again. Fiona Tan", en la que desde dos piezas recien-tes: A Lapse of Memory (2007) y The Changeling (2006-07), se ha articulado el discurso de la expo-sición con piezas que datan desde 1997 hasta hoy.

Tan trata de darle vuelta a la historia como con-cepto proponiéndole al espectador una nueva for-ma de acercamiento a hechos que podrían verse de otra manera, y en ese intento, Tan pretende generar una conexión con los protagonistas de las narraciones que presenta. Así, esta creadora pro-pone que no necesariamente todo aquello que se visualiza en una imagen es lo que tiene la capaci-dad de transmitir contenido, razón que justifica su gusto por el juego de miradas al que suele recurrir, y que declara una relación muy consciente entre lo objetivo y lo subjetivo. Para reforzar esta inten-ción, Tan invita a cambiar nuestro papel y situarnos en el de ella como hacedora o en el del personaje de la historia, a través del uso de varias pantallas que focalizan las miradas de cada uno de los roles existentes en la narración. Por esta vía, la artista quiere acercarse a otro de sus grandes intere-ses, como es, la manera en que en Occidente se miran las imágenes y que en esta exposición se aprecia con el conjunto de piezas seleccionadas.

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“In cold blood”

La Historia, por Miguel Aguirre

El pasado 16 de noviembre, Miguel Aguirre (Lima, 1977) desembarcó en la galería Espacio Líquido con “in cold blood”, una selección de dibujos y pin-turas pertenecientes a dos de las series que han ocupado su capacidad creativa en los últimos tiem-pos: DD/MM y Dramatization. El gusto por el pe-queño formato y crudas escenas instaladas ya en el acervo visual contemporáneo jalonan una muestra que permanecerá abierta hasta final de año 2007.

Ambas series son fruto del proyecto de investiga-ción “La pintura de historia”: un discurso contem-poráneo desarrollado para un programa de docto-rado en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. En palabras del propio Aguirre, el proyecto busca-ba “-básicamente a partir de diversas reflexiones de algunos teóricos y críticos sobre la serie 18. Oktober 1977 del artista alemán Gerhard Richter- establecer la posibilidad y la pertinencia de la pin-tura de género histórico a principios del siglo XXI”. Un género olvidado durante la pasada centuria.

En DD/MM Miguel Aguirre lleva a la tela imá-genes con las que la prensa escrita ha glosado

distintos hechos trágicos de los últimos años. La serie, además de un ejercicio estético sen-sacional, intenta contrarrestar el acomodo men-tal del espectador ante la dureza de la realidad.

“Dramatization” es una serie pictórica sobre papel cuyo título ha sido prestado de series de televisión americanas en las que se recrea con sumo deta-lle situaciones dramáticas y generalmente violen-tas tales como secuestros, asaltos o accidentes. “Dramatization” trasciende este tipo de aconte-cimientos de repercusión limitada y los sustituye por otros con una carga histórica más amplia.

Miguel Aguirre resume su propuesta en Espa-cio Líquido como un “encuentro con el rigor his-tórico, formal y de contenido”. “El detonante de cada obra”, explica el artista limeño, “es un sen-timiento provocado por un hecho trágico a partir de su representación visual y/o puesta en esce-na (dramatización). Sin embrago, la pintura no intenta contagiar este sentimiento al espectador sino otorgar una distancia que permita el cues-tionamiento crítico del suceso y de su trasfondo”.

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SIGNOS DE LA CIUDAD

La ciudad es el lugar en el cual se entrecruzan la historia, la vida y la cultura de hombres, mu-jeres y grupos sociales, de ahí que a través del tiempo se haya constituido como legítima hibri-dación de lo heterogéneo. En ella conviven las más disímiles expresiones de vida y cultura, des-de el glamour de lo llamado culto hasta lo verná-culo, muchas veces confundido con lo “popular”.

Hay en la urbe actual múltiples espacios habi-tados y habitables. Unas zonas urbanas que a menudo configuran la forma de ser de los habi-tantes de una determinada manera, en la misma medida que los habitantes definen el espacio, tanto el doméstico como el colectivo. Dentro de cada lugar se desarrollan prácticas que determi-nan en buena medida el ser individual y social.

La exposición hace un recorrido por distintos as-pectos de la ciudad, a través de los videos de di-ferentes autores.

Dionisio González establece narrativas de gente que vive fuera de los límites de la ciudad, de una ma-nera a veces física y a veces psicológica. Trabaja sobre las favelas brasileñas, discursos sobre perife-rias. Cartografía para a remoçao: a cidade ajuntada.Cortesía de la Galería Max Estrella, Madrid

Sven Pählsson, en la trilogía Crash Course examina la cultura del automóvil y la carrete-ra a través de la experiencia del viaje en ver-tiginosas y laberínticas autopistas. Da una vi-sión de la sociedad contemporánea a través de sus principales obsesiones: los suburbios, las carreteras y los centros comerciales. Imá-genes todas del “progreso” y del consumismo.Cortesía de la Galería dels Angels, Barcelona

Isla Mágica de Juan Carlos Robles nos trae una escena tan cotidiana -el espacio abando

nado después del mercadillo- que casi es ya una parte insoslayable de la ciudad. La ciu-dad como mercadillo y el mercadillo como ima-gen de la urbe actual y a la vez de siempre. Camping Car vuelve a ser una visión de la ciu-dad desde la carretera, desde el coche como medio. Ahora son fragmentos de la ciudad los protagonistas. La proyección aparece fragmen-tada acentuado esta visión de la urbe. En el centro aparece la actuación de los Puts Marie, como un elemento más de la cultura urbana. Cortesía de la Galería Oliva Arauna, Madrid

Christoph Rütimann, en su obra Handlauf Zürich trabaja sobre la relación del hombre y la ciudad. Con la cámara en la mano realiza un seguimiento de la ciudad entera. Cualquier ma-terial puede ser soporte de su obra. La cáma-ra graba todo aquello que encuentra delante, enfrentando espacios, rodeando obstáculos. Cortesía de la Galería Skopia, Ginebra

El Zapillo es un barrio de Almería en el que el su-puesto progreso destruyó símbolos de la identi-dad. Marisa González. Muestra la voladura de las chimeneas de una fábrica y las declaraciones de los vecinos. Es la reflexión sobre la pérdida de identidad de la ciudad. Con la desaparición de es-tas peculiares edificaciones, cada ciudad ha per-dido un icono-símbolo, una seña de identidad de su historia, que la diferencia de los homogéneos y despersonalizados planes urbanísticos de hoy.

Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla rea-lizan en Amphibious (Login-logout) un reco-rrido por las zonas extrema y portuarias de la ciudad, esas zonas que quedan al margen de los centros urbanos, ordenados y sanea-dos, y que son como la otra cara de la ciudad, de la industria y del desarrollo peor entendido.Cortesía de la Galería Crousel, Paris

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El colectivo Arte90, conscientes también de su propia realidad geográfica como habitantes de un “espacio fronterizo” como es la zona del Estrecho y como ciudadanos inmersos en una situación so-cial de mestizaje y de cambio, una situación social de aculturaciones forzosas y de resistencia tam-bién cultural. En este trabajo, Identidades, apare-cen inmigrantes “ilegales” en un comercio ilegal.

Boomerang, de Alex Campoy, trayéndonos a la memoria las escenas tantas veces vistas de las huidas precipitadas de los “top manta”.

Iluminaciones urbanas, de Francis Naranjo abor-da su encuentro personal con la ciudad desde una perspectiva muy sociológica y a la vez literaria. Busca las calles en la ciudad en su comparación con los ríos, como tantas veces de ha comparado la vida con esos “ríos que van a dar en la mar”. Él recurre a las enseñanzas de Heráclito y compa-ra las calles, las ventanas, los coches... con esos ríos en cuya agua nunca te bañarás dos veces, las calles que nunca verás dos veces iguales.

Tomás Muñoz en su trabajo Andando por Roma, en el que un hombre va recorriendo la ciudad, las calles, los monumentos conocidos, como in-tentando apropiarse de su esencia, de su his-toria. Haciéndose uno con las aceras, con las casas. Algo parecido al trabajo que realiza la artista búlgara Eva Davidova, Location one & two aunque en este caso se trate de una vuel-ta a la ciudad que la vio nacer y que ella trata de recorrer con la memoria y los sentimientos.

En Burn, Samuel Sánchez busca un encuentro con la ciudad desde si misma. Una lectura des-de dentro, desde la visión de esos ciudadanos que viven encerrados en su mundo particular por deseo propio o por causas ajenas a su vo-luntad. Su trabajo Burn está garbado en Sevilla desde la ventana de la vivienda de unos ancia-nos que ven la gente pasar –ven la vida pasar-.

Love is blind es el resultado de un peregrinaje de Nicolás Dumit Estévez, en el que recorre unas calles de la ciudad de Nueva York. Es un reconoci-miento-apropiación de la ciudad como lugar, pero también un poner a prueba la solidaridad y la im-plicación de ciudadanos anónimos que se ofrecen –o no- a ayudar al viandante momentáneamente invidente. Dumit realiza este camino el 14 de fe-brero, día de los enamorados, desde el Museo del Barrio, hasta que la policía de la ciudad le detiene (en esta parte se oyen las voces de los oficialesexplicando que lo detiene por razón terrorismo.

Avelino Sala aborda en Reflexión estética otro aspecto de la cultura de la ciudad contemporá-nea, el de la música, y más concretamente el de la música nacida en la ciudad, casi diría que na-cida en las calles y para las calles de la ciudad.

Moments considered time, de Arthur Kleinjan, es una doble proyección (video y diapositivas) con for-mato de instalación, donde se proyectan una serie de fotografías encontradas de parejas “haciendo la corte”, en las barandillas de los puentes de El Cairo. Kleinjan elabora un discurso con estas foto-grafías y realiza un video en el mismo lugar, pero donde el tráfico y el sonido de los coches se super-ponen a los secretos que se cuentan los amantes.Cortesía de la Galería Ron Mandos, Rotterdam

O navio, de Jorge Santos, plantea una visión mucho más poética de la ciudad. Una ciudad que parece moverse por las aguas, casi como si de un gran na-vío se tratara. Al final decubrimos que somos noso-tros los que nos movemos alrededor de la ciudad.

Exposición organizada por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón con la colaboración del Cen-tro Andaluz de Arte Contemporáneo, Festival Inter-nacional de Cine de Gijón y Galería Espacio Líquido.

Sedes de exposición: Sala 2. Centro de Cultu-ra Antiguo Instituto y Galería Espacio Líquido

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Construir, Habitar, Desocupar. Prácticas de espacio.

En el Erakustaretoa de KOLDO MITXELENA Kulturunea

Esta exposición agrupa el trabajo de tres fotógra-fos, Adrian Tyler, Edward Burtynsky y Joel Meye-rowitz, alrededor de la idea de espacio, su relación con la arquitectura y su representación mediante la fotografía, en un total de 39 obras (las 12 de Adrian Tyler son dípticos). Está organizada en torno a la idea de un ciclo vital del espacio: su surgimiento y las condiciones para su percepción por parte del ser humano, su uso por el hombre y, finalmente, su destrucción, que produce la liberación de un volu-men para ser nuevamente ocupado por una nue-va forma de ordenación. Cada una de estas tres fases cuenta con un apartado en la exposición.

Ciudad del Vino El apartado dedicado al surgi-miento del espacio, Construir, está ejemplificado por las fotografías realizadas por Adrian Tyler du-rante el proceso de construcción del hotel dise-ñado por Frank Gehry para las bodegas Marqués de Riscal en Elciego, Rioja Alavesa. Tyler orga-nizó el proceso en una serie de imágenes toma-das desde un punto de vista repetido a lo largo de la obra, lo cual permite apreciar la evolución desde un espacio abierto, desocupado, a otro de-finido y limitado por las formas arquitectónicas. La presentación de su trabajo en dípticos permite conceptualizar este proceso y constatar, al mis-mo tiempo, el paradójico principio de que el es-pacio sólo es perceptible a través de sus límites.

Shangai Habitar es el término bajo el que se ha querido agrupar las distintas prácticas espaciales en la ciudad. Los modos en que utilizamos las di-versas tipologías de espacio (estén o no planifica

das para ello): ocio, desplazamiento, encuentro, trabajo..., así como los itinerarios que trazamos en la ciudad, constituyen formas de entender y, fi-nalmente, de narrar la ciudad. Pero en los últimos años venimos asistiendo a un nuevo fenómeno que ya no responde a los viejos modelos de las urbes europeas, diseñadas finalmente para el ciu-dadano, sino a los patrones de las aglomeraciones urbanas del futuro. Las megalópolis chinas son un nuevo ejemplo de organización, o desorganiza-ción, urbana en la que la dimensión del individuo queda diluida en la inmensidad de las construccio-nes. Así lo ha entendido el fotógrafo canadiense Edward Burtynsky, quien cerró su ciclo sobre Chi-na (iniciado con la serie sobre la presa de las Tres Gargantas) fotografiando el acelerado cambio ur-bano de ciudades como Shangai, donde la vieja trama urbana es literalmente borrada para sustituir-la por la de los grandes rascacielos de viviendas.

Zona cero Ese proceso que se vive día a día en China anuncia la tercera fase de la exposición: Desocupar. Para que un nuevo espacio (una nue-va configuración arquitectónica) surja en la ciu-dad, la anterior tiene que desaparecer dejando un hueco, normalmente transitorio pero que, a veces, se instala en el tiempo. Pero nunca un proceso así tuvo el dramatismo, la escala y las consecuen-cias humanas e históricas del atentado contra las torres gemelas de Nueva York. El colapso de ambos edificios, construidos como símbolo del modelo de vida y economía americano, supuso, realmente, el fin de una era en la mentalidad occi-dental para dar paso a otra marcada por el miedo.

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Los llamados “países del primer mundo” descu-brieron que su poderío económico y su modelo de sociedad del bienestar eran, a la hora de la verdad, terriblemente débiles contra quien no tiene nada que perder, salvo la propia vida. Tras el shock emo-cional, Nueva York inició la ingente tarea de retirar miles de toneladas de escombros y recuperar los cadáveres aprisionados entre ellos. Algunos jamás aparecieron. Joel Meyerowitz dedicó nueve largos meses de trabajo a registrar la memoria de ese proceso, cargado de esfuerzo y emoción, trabajo

que recogió en su libro Aftermath. La exposición presenta una breve selec-ción que da idea del proceso de des-ocupación y hueco, que no vacío, final.

Del 29 de noviembre al 9 de febrero en el Erakustaretoa de KOLDO MITXELENA Kul-turunea podremos disfrutar de la exposición Construir, Habitar, Desocupar. Prácticas deespacio

Información: [email protected]

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Cuatro mujeres/ Cuatro miradas: Videos

Cuatro mujeres/ Cuatro miradas: Videos, se mostró desde el viernes 9 de noviembre a domingo 9 de diciembre_en el MAC Quinta Normal de Santiago de Chile.

La vida íntima femenina, la pertenencia identitaria y una ácida mirada de una artista iraní a los hom-bres y mujeres de hoy, son algunos de los tópicos que abordan cuatro heterogéneas videastas na-cionales y extranjeras que confluyen en el MAC.

Las artistas que exponen individualmente sus úl-timos proyectos son: Ingrid Wildi –artista chilena residente en Suiza que expuso en la 51 Bienal de Venecia-, Claudia del Fierro –chilena que exhi-be la obra que realizó gracias a la residencia que hizo en Melbourne en torno a South Project-, Ma-ría Pía Serra –chilena que ahonda en las temáti-cas de las fantasías infantiles y en la presencia “del otro” en el contexto femenino-, y Ghazel –vi-deasta iraní residente en Francia y expositora en varias bienales, entre ellas Venecia y La Habana.

Un cuerpo femenino en una tina cuya agua se vacía lentamente mientras se escucha una can-ción folclórica chilena en versión hip hop, una iraní usando el chador mientras boxea, plancha o baila como española y entrevistas a tres hom-bres que hablan de una mujer que no esta pre-sente en la imagen, sino que se construye en el imaginario de los espectadores, a partir de lo que se dice sobre ella, son algunas de las esce-nas que se podrán visualizar en las cuatro expo-siciones de videoarte del MAC Quinta Normal.

Las artistas Ingrid Wildi (1963), María Pía Se-rra (1956), Claudia del Fierro (1974) y Gha-zel (1966) exponen en forma individual sus últi

mos proyectos, abordando temáticas diversas. Cada una de ellas representa algunas de las lí-neas curatoriales del MAC: Diáspora, que ex-hibe a artistas chilenos que se han formado en el extranjero y han logrado espacios de reco-nocimiento en ellos; Nacional, que promueve la producción artística chilena; e Internacional, que da lugar artistas y movimientos extranjeros.

Las expositoras y sus propuestas

Historias breves, Ingrid Wildi. Línea curatorial: Diáspora.

La artista chilena-suiza Ingrid Wildi presenta His-torias breves, un proyecto que ganó el Fondart y que se exhibirá en dos espacios paralelamente: MAC Quinta Normal y Galería Gabriela Mistral. Es una presentación monográfica de trabajos de video ensayos, que evidencian las problemáticas de la migración, la memoria, la identidad, la dislo-cación y la diáspora, los desplazamientos sociales y culturales. La curatoría está a cargo de Claudia Zaldívar, Directora de Galería Gabriela Mistral.

La videasta reside en Suiza desde los 18 años, se formó artísticamente en Zurich y Ginebra, y su carrera cuenta con hitos como su participación en el pabellón suizo de la 51a Bienal de Venecia.

Trabaja con fragmentos de entrevistas, que le per-miten enfrentar las historias del entrevistado con sus propias historias personales, a través de modelos

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sociales y depensamientos, problemas sicológicos y afectivos. También articula cuestiones en torno a realidades periféricas, intentando dar lugar y visi-bilidad a lo que es a menudo invisible e inaudible.

Su trabajo de video ensayo, mediante el cual co-bran la misma importancia el contenido ‘informa-cional’ y el lenguaje estético, lo presenta en forma de instalación, recomponiendo el espacio expo-sitivo en una especie de espacio cerebral, donde de una instalación a otra hay un cierto recorrido que las une, creando una dialéctica espacial y mental. Trabaja con la oralidad y la imagen, frag-mentando historias, dando a ver la naturaleza del video ensayo e invitándonos a repensar la rela-ción audio/visual en la mediación de contenidos.

En el MAC Quinta Normal exhibirá tres videos. Si c’est elle (Si es ella), 2000, dura 11:48 minutos. Tres hombres dan testimonio sucesivo de la identi-dad de una o más mujeres, que bien podrían ser la amante, la madre o la amiga. Los relatos se cruzan dando forma a un relato tipo ensayo, que en ocasio-nes pareciera ser la descripción de una sola mujer y su historia novelada. El montaje es atemporal.

En Quelquepart 1(En cualquier parte 1), 2001, video de 11 minutos. Tres proyeccionistas que trabajan en diferentes cines cuentan su percep-ción acerca del arte cinematográfico, confron-tándolo con sus vidas cotidianas y mezclándo-lo con las historias de personajes y películas.

¿Aquí vive la señora Eliana M…?,2003, es un vi-deo de 68 minutos,construido por fragmentos de entrevistas, que registra los momentos de la bús-queda que emprende Ingrid Wildi para encontrar a su madre, Eliana Merino. El itinerario, que abar-ca desde Santiago a Arica, incluye heterogéneos testimonios como el de la abuela de la artista dis-cutiendo sobre inmigración, un crítico de arte que analiza la tendencia del país a negar sus orígenes, hasta los comentarios de un tío anestesista, que resultan una metáfora del deseo de los chilenos a olvidar el pasado. El video termina con Wildi en un umbral preguntando dónde y en qué nivel el mapa de las historias narradas sobre Eliana M. puede situarse en la historia y en la idiosincrasia chilena.

En Galería Gabriela Mistral, se expone:

Portrait oblique (retrato oblicuo), 2005, video de 11:48 minutos, en español. Durante 3 me-ses Ingrid Wildi entrevista a su hermano, Hans Rudolf Wildi Merino, quien se encuentra luchan

do contra una larga depresión. Sentado frente a una cámara habla en voz monótona y desen-cantada, sobre filosofía, aspectos físicos, racis-mo cotidiano, inmigración e incluso astrofísica.

Los invisibles, 2007, video de 30 minutos, trata las problemáticas de los inmigrantes ilegales en Gi-nebra. Los protagonistas, colombianos, están per-manentemente absorbidos por el sufrimiento de ser deportados y retornados a su lugar de origen.

The sweet promise/ La promesa dulce, Claudia del Fierro. Línea Curatorial: Nacional

Conversaciones con doce inmigrantes que viven en Australia es el principal sustrato del video insta-lación The sweet promise/La dulce promesa, que Claudia del Fierro creó durante su residencia en Melbourne, becada por The South Project, un pro-grama del Museo Craft Victoria que intenta vincular, a través de residencias, a artistas del hemisferio sur.

La instalación que presenta en el MAC marca una diferencia en la trayectoria de la artista. Su primera etapa productiva estuvo marcada por la documentación audiovisual de acciones o inter-venciones en espacios públicos que ella misma protagonizaba, donde el humor predominaba en la construcción de personajes y situaciones. Actualmente aborda problemas de política con-tingente mediante la información obtenida de relatos orales vinculados a su historia personal.

En The sweet promise/La dulce promesa, Del Fierro alude a las variaciones de la política de inmigración de Australia, país que se formó gra-cias a las oleadas migratorias y cuyo gobierno actual es conservador y restrictivo respecto al tema comparado con los anteriores, que eran de tradición socialdemócrata. La artista basó sus planteamientos en la frase del antropólogo Peter Mason, quien señala que “el otro nunca está en casa”, refiriéndose a la incomodidad sufrida por quienes residen en países que no son el natal.

La instalación está compuesta por tres elementos. Uno es un video con entrevistas semi-estructura-das a doce inmigrantes –provenientes de Corea, Afganistán, entre otros- que llegaron a Australia y que hablan en sus espacios personales acerca de la pérdida, la pertenencia y las expectativas. Lo acompaña un fragmento audiovisual donde jó-venes estudiantes de arte interpretan dramática-mente diálogos de los inmigrantes entrevistados.

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Como complemento de los videos, se exhibe una fotografía en gran formato donde aparece la ar-tista simulando dormir dentro del espacio des-tinado para el equipaje de mano de un avión.

“En este trabajo se cruza mi experiencia personal con las de una comunidad marginal. Por un parte, está mi condición de inmigrante a temprana edad en Texas y, por otro, recoge la vivencia de viajar al extranjero específicamente a crear una obra. De alguna manera, habla de cómo un visitante puede ser un equipaje más, o quizás un exceso de equi-paje”, dice la artista, quien ha tenido una destaca-da participación en exposiciones colectivas como la 4ta Bienal Mercosur, Porto Alegre, Brasil; No lo llames Performance del Museo Centro de Arte Rei-na Sofia, Madrid; Museo del Barrio, New York; V Bienal de Video y Nuevos Medios, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Chile y en la Nove-na Bienal de Arte de la Habana 2006, entre otros.

Yo y todos los otros, Ghazel. Línea curatorial: Internacional

Ghazel nació en 1966 en Teherán, pero estudió en Francia, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos. Actualmente reside en París, donde destaca en el ámbito de las performances e instalaciones. Ha sido profesora en diversos talleres que abordan el arte como terapia, los que van dirigidos a jóvenes inmigrantes con problemas de delincuencia en In-glaterra y Estados Unidos. Ha expuesto en la 50ava. Bienal de Venecia y en La Habana, entre otros importantes espacios artísticos internacionales.

Temáticamente, el video instalación exhibido en el MAC es parte de la producción artística que comenzó en 1997: la serie Me, filmes protagoni-zados y editados por la artista que tienen como elemento gráfico distintivo el chador, velo de las mujeres islámicas. Con más de 660 escenas tipo scketch y veinte horas de películas, las distintas partes de esta serie han engrosado las coleccio-nes del Centre Pompidou, París y el MUMOK, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Austria.

Los dos trípiticos audiovisuales que presentará en el MAC son su trabajo más reciente e inédito. En Yo y todos los otros, la artista aparece ataviada con un chador, realizando una serie de actos como boxear, romper platos contra la pared, atajar la pelota, plan-char y emular a los prisioneros de Guantánamo.La escenificación de cada acto no denota particu-laridad alguna. según la artista: son calles, par-

ques, parques y habitaciones comunes, de dife-rentes lugares del mundo.

A pesar de que Ghazel usa una marca cultural propia del mundo musulmán con ironía y hu-mor negro, su obra no pretende quedarse en un plano étnico o religioso, sino que desea retra-tar los detalles de la vida cotidiana de hombres y mujeres, más allá de diferencias culturales.

“En este trabajo no intento hablar de mí. Si utili-zo mi imagen de mujer y de iraní, es porque soy ambas cosas. Bajo el el pretexto de un trabajo au-tobiográfico, intento retratar es al ser humano ac-tual, más allá del género y la etnia. El chador, que se ha transformado en un símbolo y en un vínculo entre distintos escenarios que aparecen en los vi-deos, es sólo un color local, tal como el humor negro que utilizo en mis obras”, explica Ghazel.

Tus Ojos, Tus Oídos, María Pía Serra. Línea cu-ratorial: Nacional

La vida íntima femenina, en contraposición a lo público, es una de las temáticas abordadas por María Pía Serra Banfi (1956), videasta chilena que ingresó tardíamente al mundo de arte: en 1981, se tituló de ingeniero civil industrial y recién en 1996, inició estudios de arte como alumna libre en la Universidad Católica de Santiago. El 2001 ingresa a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, donde realiza un Magíster en Artes Me-diales. La artista –que ha sido seleccionada en premios nacionales de gráfica digital-, como el Concurso Marco Bontá- ha expuesto en muestras individuales y colectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, en el Goethe Institut y en el MAC.

María Pía Serra expone el video instalación Tus Ojos, Tus Oídos compuesto por dos filmes dis-puestos de frente en una sala, que duran 12 mi-nutos aproximadamente. Las imágenes de ambos videos son disímiles: en una proyección, apare-ce una mujer en una tina que se va vaciando; y en la otra, una cámara subjetiva muestra una caminata a través de un bosque, hasta llegar a un tendedero donde cuelgan paños escritos con nombres de mujeres. Ambas escenas –unidas por música, una tonada chilena en clave urbana y ac-tual- han sido manipuladas técnicamente a través del contraste y el filtrado: en la primera, predomi-na el color rojo,en la segunda, el verde intenso.

Según el texto curatorial realizado por la periodista

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y magíster en Teoría e Historia del Arte, Ana Ma-ría Risco, la artista aborda el tema de la alteridad, enfocado en el rol de la mujer como sujeto silen-ciado en las manifestaciones culturales, ya sea por condiciones socioeconómicas o por prejuicios de género.

Serra se basa en los aportes de la intelectual india Gayatri Chakravorty Spitvak, quien centra su obra crítica en lo que ha llamado “la voz de los subalter-nos”, en referencia a aquellos grupos que en la his-toria o la literatura hegemónica no han tenido voz representativa. A partir de esos planteamientos, Serra buscó manifestaciones artísticas locales que

se relacionaran con el silenciamiento. Se inspiróen el poema de Gabriela Mistral “Todas íbamos a ser reinas”, que ejemplifica un imaginario de mujer cuya identidad se diluye al ver cómo las fantasías de infancias caen en el terrero de la imposibilidad.

La inclusión musical de la tonada Cuanto Tarda-ré en el video instalación se basa en que este género folclórico ha sido interpretado princi-palmente por mujeres desde la época de la co-lonia para celebrar la trilla y conjurar las penas de amor y desengaño. Compuesta en clave ur-bana y actual por el compositor nacional Diego Las Heras, esta versión de la tonada es interpre-tada por la cantante de hip-hop Mystica y ganó el primer lugar del premio Luis Advis, del 2006.

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El arte de fiesta: el Macro cumplió tres años Rosario de Santa Fe, Argentina

El Museo de Arte Contemporáneo de Rosario festejó durante todo el día viernes 16 de Octubre del 2007. Con muestras, desfile, brindis y fiesta para bailar hasta que las velas ya no ardian, es mas ni la cera quedaba!!!, tiraron la casa por la ventana…

En el marco de la celebración del tercer aniversario del Macro (Museo de Arte Contemporáneo de Ro-sario), se invitó a todos los rosarinos a participar de las actividades que se realizaron en ambas sedes.

La jornada dió comienzo en el Museo Castag-nino a las 13.00 donde se inauguró la mues-tra con las incorporaciones recientes. Las mis-mas constituyen el nuevo conjunto de piezas que pasaron a formar parte de la colección de arte argentino contemporáneo de la institución. Éstas fueron seleccionadas a partir de una in-vestigación que tuvo como eje las escenas ar-tísticas de Río Gallegos y Tierra del Fuego.

En tanto, a partir de las 18.00 el festejo se trasladó al Macro donde se habilitaron las muestras –Uso y abuso (Curador Externo Tercera Edición. Pisos 1, 2 y 3), Nuestras Bellezas (Obras de la colección Castagnino y Macro. Piso 4), El baile de las sillas (Laura Cogo. Explanada y Piso 5), Canto Prime-ro (Agustina Nuñez.Dibujos. Explanada y Piso 6), Salón de Belleza (Concurso abierto a todas las obras y especies. Explanada y Piso 7.), 40 de 40 (Silvina Salinas. Fotografías. Piso 9). Para las 19 se presentó un desfile y más tarde se invitó a todos los presentes al primer brindis del even-to mientras el jurado comienzó la deliberación.

Para las 21:30, luego a la emisión del dic-tamen de los jurados, tuvo lugar la ce-remonia de premiación en la explanada.

Cerca de las 24, se convocó a un segundo brin-dis para iniciar, media hora después, una de las características fiestas en la explanada del Macro.

imagen: (Flickr.com)

Ya pasaron tres años de que los antiguos silos cambiaron de color...

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Nuevo Museo de Arte Contemporáneo se suma a rica oferta cultural de Nueva York

El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo se suma a la rica oferta cultural de Nueva York, con su reapertura en un original edificio de cubos rectangulares diseñado por los arquitectos ja-poneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, del estudio Sanaa, en la parte baja de Manhattan.

El Nuevo Museo, el único de Nueva York de-dicado exclusivamente a exhibir arte contem-poráneo, fue fundado en West Village en 1977 por la comisaria Marcia Tucker con la misión de promover el nuevo arte y las nuevas ideas.

Tres décadas después de su fundación, el Nuevo Museo reabre sus puertas en la zona del SoHo con el objetivo de seguir siendo un lugar de experimen-tación continua, en el que se cuestione qué es el arte y cuál es el papel de los museos en el siglo XXI.

La comisaria Laura Koptman explicó hoy a Efe que el Nuevo Museo es 'especial' porque es 'el primer museo que se construye desde los cimientos en la parte baja' de Manhattan.

Koptman espera que los turistas que visiten Nue-va York no sólo vean el Museo de Arte Moderno (MoMA), sino también el Nuevo Museo, porque mientras el primero 'está dedicado a contar la historia de la modernidad, desde finales del si-glo XIX hasta la actualidad', el segundo expone 'lo mejor del arte contemporáneo más actual'.

El edificio del Nuevo Museo es ‘elegante y ur-bano’, de gran simplicidad de formas y bus-ca integrarse en el barrio tratando de refle-jar el carácter comercial de la calle Bowery,

según los arquitectos Sejima y Nishizawa.

'Hemos querido lograr establecer una relación entre el edificio, el museo, la calle Bowery y la ciudad de Nueva York', explicó por su parte a Efe la arquitecta Sejima, ya que los visitantes no sólo pueden ver las obras de arte que se exhi-ben sino también mirar desde la terraza del últi-mo piso la espléndida vista del bajo Manhattan.

A la hora de construir este edificio de sie-te pisos, formado por seis cubos rectangula-res desencajados, los arquitectos han que-rido jugar con la luz del día, de forma que la estructura, que parece monolítica desde el ex-terior, se convierte en el interior en dinámica.

El cambio de luz es una metáfora, según los responsables del museo, 'de la naturaleza siempre cambiante del arte contemporáneo'.

La primera exposición del Nuevo Museo en su nueva sede, titulada 'Unmonumental: El objeto en el siglo XXI', muestra esculturas de ensamblaje realizadas por treinta artistas contemporáneos emergentes y semi-establecidos, entre los que se encuentran los mexicanos Abraham Cruzvillegas y Gabriel Kuri.

En la muestra hay una fuerte presencia de ar-tistas alemanes, estadounidenses y británicos o que trabajan en Nueva York, Londres y Berlín.

Koptman considera que es lógico que así sea porque estas son las tres grandes capita-les del arte contemporáneo del mundo y don-de se concentra un mayor número de artistas.

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En la exposición se pueden ver, por ejemplo, las esculturas realizadas con ropas atadas de la esta-dounidense Shinique Smith, otra hecha con cami-setas antiguerra y con el lema 'I love NY' (Amo Nue-va York), de Lara Schnitger, y la escultura de una mujer con una vela en la cabeza de Urs Fischer.

Con esta exposición, el Nuevo Museo preten-de que el público se dé cuenta de que 'no vivi-mos en una torre aislada de marfil o en un tem-plo donde se preservan los monumentos y los ídolos, sino en un espacio donde las cosas se desarman, se prueban y se vuelven a armar', según se explica en el folleto de la muestra.

El lenguaje artístico de esta primera dé-cada del siglo XXI es 'de fragmentos y de formas, sonidos, imágenes degradadas, precarias y trémulas', explican los res-ponsables de este museo neoyorquino.

Este arte es, añaden, reflejo de la entrada en el nuevo siglo, que 'parece definida por la desaparición de monumentos y el borrar de símbolos y está marcada por imágenes indelebles de destrucción y ruina, desde la caída de las Torres Gemelas a la destruc-ción de los Budas de Bamiyán y el derribo de la estatua de Sadam Hussein en Bagdad'.

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México, 29 Nov (Notimex).- Con un total de 32 artistas mexicanos radicados dentro y fuera del país, quienes presentarán lo mejor del arte emer-gente, dará inicio esta tarde la Primera Feria de Arte Contemporáneo Emergente en México (FACE), en el Centro de Arquitectura y Diseño.

Con propuestas frescas se busca impulsar el trabajo de estos jóvenes que no han tenido la oportunidad de exponer su obra en el país y que no cuentan con el apoyo de ninguna galería.

La feria tiene por objetivo alentar la iniciación de coleccionistas y para esto, durante cuatro días, a partir de hoy, se fortalecerá la relación creador-coleccionista por medio de diversas políticas como crédito diferido, pago con tarje-ta, así como ventas de apartado, entre otras.

Esta se presenta como la primera de su tipo en México y la segunda en el mun-do, luego que iniciadora de este proyecto, se realizó a principios de este año en Japón.

De acuerdo con Marco Antonio Hernández, uno de los organizadores, se espera que debido al interés que despertó en el país asiático, aquí su-ceda lo mismo y pueda realizarse anualmente, in-crementando la cantidad de artistas emergentes y la actividad en el mercado de arte mexicano.

Refirió que los artistas fueron seleccionados a través de una convocatoria por un comi-té de siete especialistas invitados, entre co-leccionistas, galeristas, artistas y curadores.

El Centro de Arquitectura y Diseño (CAD) será el espacio idóneo para que nuevos artistas y público interesado en la compra de arte, descubran y com-pren pinturas, dibujos, esculturas, videos, fotogra-fías y obra gráfica, valuados hasta en 50 mil pesos.

Además de la presentación de las mencionadas obras, FACE contará con diversas pláticas di-rigidas al público, que orientarán a los coleccio-nistas que incursionarán en el mundo del arte.

Entre otros acontecimientos sociales que se llevarán

Alentarán con feria surgimiento de artistas y consumidores de arte.

a cabo destacan los talleres para niños, ofre-cidos por el camión “Jugando con Tama-yo”, del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

También resalta con la asociación “Ojos que Sienten, A.C”, que organizará una serie de acontecimientos para recaudar fondos en be-neficio de diversos programas para ciegos.

De éstos se puede enlistar “Una cena en la oscuri-dad”, en donde los meseros y demás personal son ciegos y atienden un cuarto completamente oscu-ro, en el cual los comensales tendrán que sensibili-zarse para aprovechar por completo la experiencia.

También una subasta silenciosa y una fiesta de la misma índole con la finalidad de concientizar la situación frente a la pérdida de algún sentido.

Con la misma finalidad, FACE ofrecerá las pro-puestas de la nueva gastronomía molecular ser-vida por el chef César Hernández, quien promete un modo incomparable de apreciar los alimentos.

Es importante tomar en cuenta este tipo de ini-ciativas, porque coloca al artista en el Mercado y lo situa en la dimension que realmente tiene en relación al publico en general y al coleccionis-ta, en estos casos desaparece la figura del ga-lerista o de la entidad galeria que es la que nor-malmente media entre el artista y el publico. En muchos casos se culpa a estas entidades por la falta de apoyo en la difusión, promoción y mer-cadeo de la obra, sin considerar que estas insti-tuciones tienen que luchar contra viento y marea en medios que les son adversos, en contextos que no las acepta incluso las rechaza, en muchos casos incitadas estas acciones por políticas es-tatales que no comparten las posiciones asumi-das por los artistas que cuestionan el sisitema.

Por sobre todas las cosas la importacia de es-tas activdades es la oportunidad que les abre a artistas jovenes y emergentes y para aque-llos que sin ser tan jovenes no tienen el es-pacio que merecen por su obra comprometi-da con la estética de los nuevos tiempos, la cultura, la política, la sociedad y la historia

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FOTOGRAMA 07

Encuentro Internacional de FotografíaUruguay

Primera edición del encuentro internacio-nal de fotografía Fotograma 2007, organizado por el Centro Municipal de Fotografía (CMDF)

Fotograma es un encuentro de carácter bianual, que apunta a promover el intercambio y la difu-sión de la producción fotográfica nacional e in-ternacional. Se trata de otra de las actividades del CMDF que, desde sus comienzos, se ha dedicado a la conservación y difusión del patri-monio fotográfico histórico y contemporáneo.

En este marco, entre octubre y diciembre, se exhi-ben más de setenta muestras fotográficas en dife-rentes puntos del país. Aproximadamente un cen-tenar de fotógrafos –nacionales y procedentes de otros países, como Argentina, Brasil, Perú, Chile, Alemania, España y Francia- expondrá sus traba-jos, conformando un amplio espectro de mues-tras que incluirá diversos estilos y tendencias.

Para la realización de este evento se con-tó con el apoyo de más cuarenta instituciones que se sumaron a la convocatoria aportando diversas perspectivas sobre la fotografía y po-sibilitando la concreción de un evento plural.

A su vez entre el 19 y el 21 de noviembre, du-rante el transcurso del Fotograma, se reali-zaron las Terceras Jornadas sobre Fotogra-fía –cuyo tema central fue “el autor”- y se ofrecieron revisiones de portafolios a cargo de fotógrafos, críticos y galeristas uruguayos y ex-tranjeros. También se dictaron talleres sobre con-servación y digitalización de fondos fotográficos.

Una de las intenciones fundamentales de FOTO-GRAMA es generar una instancia de intercambio y aprendizaje, originando un panorama de la pro-ducción fotográfica de nuestro país y del exterior.

El Centro Municipal de Fotografía (CMDF) de la Intendencia Municipal de Montevideo es una institución creada en el año 2002 de-dicada a la conservación y difusión del patri-monio fotográfico histórico y contemporáneo.

El CMDF custodia un acervo fotográfico de aproxi-madamente 80.000 fotografías históricas que datan entre 1865 y 1990 y de 8.000 fotografías contempo-ráneas que datan de 1990 hasta la actualidad. Se trata de fotografías producidas por la IntendenciaMunicipal de Montevideo desde el año 1916 y de donaciones o acuerdos con otras institucio-nes públicas o privadas y personas particulares.

A continuación citaremos algunas de las ac-tividades de las que disponemos informa-ción, en proximos números ampliaremos y publicaremos mas actividades relacionadas.

En el MAPI (Museo de Arte Precolombi-no e Indígena), se presenta el proyecto "NU-DOS" que cuenta con 3 muestras fotográficas:

La Danza de la Mariposa de Solange PastorinoA Medida, de José PiloneMáscara/Piel, de Suci Viera

La curaduría de las muestras es de Diana Mines

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Solange Pastorino - La Danza de la Maripo-sa - Las transformaciones del ser mujer, expre-sadas en forma alegórica a partir del ciclo vital de las mariposas: el proceso íntimo, dentro del capullo o crisálida, y su emergencia a la luz y el espacio abierto. La evolución de las imáge-nes apunta al despegue liberador, pero se de-tiene gozosamente en las etapas previas, don-de registra minuciosamente los cambios más sutiles. Los temas de fondo entroncan con los interrogantes universales de la identidad, la rea-lización personal, la autoconciencia y la libertad.

José Pilone: A Medida - El tema de las medidas encarado desde el territorio del propio cuerpo des-nudo. Las nociones de igualdad y diferencia son indagadas aquí en su relación con los y las de-más, pero también con los paradigmas culturales.

Convertido en sastre que se prueba el traje de su propia piel, cartógrafo de su propia geogra-fía, Pilone realiza un metódico ejercicio visual y vital donde bulle la aspiración de libertad, para comprender qué lugar (o no-lugar) le recono-cerá una sociedad ferozmente competitiva.

Suci Viera - Una máscara de cuerpo entero, que es la piel, registra las fluctuaciones de la imagen corporal en armonía o conflicto consigo misma y con los valores relacionados con la identidad de género mujer. Asoman las antiguas Venus prehistóricas, asociadas a la fertilidad, pero hoy es otro el significado del cuerpo femenino, ca-paz de pero no obligado a parir para validar su existencia. Nada mejor que el espejo con me-moria de la fotografía, para construir esa nue-va imagen e invitarnos a construir la nuestra.

En el marco de las Terceras Jornadas so-bre Fotografía, disponemos de breve infor-mación sobre dos de los talleres impartidos por Solange Zuñiga y David Iglesias Franch.

Solange Zuñiga

Introducción a la planificación y gerencia de co-lecciones audiovisuales, con énfasis en la docu-mentación fotográfica.

El objetivo de este taller es posibilitar la preserva-ción de colecciones audiovisuales, en especial las colecciones fotográficas. Identificar problemas y crear estrategias gerenciales capaces de minimizar los riesgos que sufren los documentos y promover la preservación y la accesibilidad de las colecciones.

Este curso tiene un abordaje gerencial, su

objetivo no es enseñar como realizar tra-tamientos de conservación y restauración.

Solange Garcia de Zúñiga (Brasil)

Presidenta de la Asociación Brasilera de Con-servadores y Restauradores de Bienes Cultu-rales – ABRACOR; Doctora en Ciencia de la Información por el IBICT – UFRJ. Maestra en Bibliotecología por la Universidad de Colum-bia – Nueva York, donde cursó el programa de post-grado en Administración de la Preservación.

David Iglesias Franch

Fotografía digital y patrimonio documental: Aná-lisis técnico y bases para la gestión de archivos

El objetivo del curso es asentar las bases de

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de trabajo para los responsables de la creación y custodia de archivos fotográficos digitales.

El curso está orientado a la comprensión y la ges-tión de fotografías digitales por parte de los centros patrimoniales o de profesionales de diferentes ám-bitos. La primera parte estará dedicada al análisis técnico de la imagen digital a fin de poder valorarla debidamente. La segunda parte se centrará en la definición de un sistema de archivo y de las tareas de gestión vinculadas, tales como la preserva-ción, la digitalización y la creación de metadatos.

David Iglésias Franch (Girona, 1971)

Técnico superior del Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI) del Ayuntamiento de Girona.Es licenciado en Historia por la Universitat Autò-noma de Barcelona (UAB) y en Documentación por la Universitat Oberta de Catalunya (UOC).

Es autor de diversos trabajos sobre archivos foto-gráficos y ha participado en varias sesiones forma-tivas y de divulgación. Es también autor y colabora-dor de publicaciones y comisario de exposiciones sobre fotografía histórica de la ciudad de Girona.

Actualmente centra su investigación en la gestión de la fotografía digital en centros patrimoniales. Por este motivo realizó en 2006 una estancia de 3 meses en la George Eastman House de Rochester (USA) bajo la tutoría de la Doctora Franziska Frey.

Recientemente ha participado como miem-bro del Grupo de Documentos Audiovisua-les de la NODAC (Norma de Descripción Ar-xivística de Catalunya) y como representante del CRDI en el proyecto europeo TAPE (Tra-ining for Audiovisual Preservation in Europe).

CONFERENCIA

PRESENTACIÓN DEL CENTRO DE INVESTI-GACIÓN Y DIFUSIÓN DE LA IMAGEN (CRDI) DE GIRONA.

Organiza: CMDF (Centro Municipal de Foto-grafía), en el marco de Fotograma 2007 en co-laboración con el CCE y la Escuela Univer-sitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines.

En proximo número mas informasción de las acti-vidades relacionadas a FOTOGRAMA 07

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Arte con fecha de caducidadSaúl FernándezFuente: LA NUEVA ESPAÑA

Cuatro expertos defienden que la perdurabilidad de las nuevas creaciones choca con la razón de ser de los museos tradicionales

El arte contemporáneo no tiene por qué ambi-cionar la eternidad. Desde las vanguardias his-tóricas existen creaciones artísticas perdurables de tal modo que incluso se puede fijar su fecha de caducidad. Esta circunstancia -la efímera creatividad- debe convivir con la razón de ser de los museos -centros conservatorios de arte.

Sobre estos dos presupuestos se movieron los in-vitados a una mesa de expertos en conservación y restauración de arte que clausuró ayer tarde las jornadas organizadas por la Escuela Superior de Arte de Asturias, las primeras centradas en el arte contemporáneo. Jaime Luis Martín, crítico de arte y colaborador de LA NUEVA ESPAÑA, moderó la mesa en la que estuvieron invitados la galerista Lau-ra Gutiérrez, el artista Jaime Rodríguez y el director de la Pinacoteca de Langreo, Gabino Busto Hevia.

Todos los intervinientes de la mesa de clausura se mostraron de acuerdo al afirmar que la per-durabilidad del arte contemporáneo puede ser el mayor de los problemas al que se pueda enfrentar el restaurador. Esta perdurabilidad puede venir de forma expresa por el artista o por circunstancias ajenas al propio creador. Es decir, y como dijo Jai-me Rodríguez, «por el azar». Con estas palabras el artista señaló la circunstancia de que, en oca-siones, los artistas pueden descubrir una fórmula artística, una manera de pintar «porque se cayó un pigmento determinado sobre un barniz». El problema viene después, cuando se intenta cono-cer la medida exacta de los ingredientes de esta fórmula, cosa que, según Rodríguez, no tiene por qué saber el propio creador. Esta impericia quími-ca Rodríguez no la considera mala. «Los artistas tenemos que crear y debemos saber preguntar cómo se hacen las cosas: No tenemos que aver-gonzarnos por ello», señaló Rodríguez. Con esto Rodríguez vino a confirmar que el artista no es siempre la fuente adecuada para la restauración.

En este sentido indicó Rodríguez la existencia de «artistas que trabajan para que sus obras puedan ser manipuladas». Gabino Hevia recordó que de esa manipulación puede venir un «deterioro posterior». Para evitar la inconsecuencia entre el princi-pal motivo de creación de los museos -la conserva

ción de sus piezas- y el arte efímero Gabino Hevia propuso un contrato entre el creador y el centro de arte. «Un museo no puede abandonar sus piezas», aseguró el director de la Pinacoteca de Langreo

Laura Gutiérrez, por su parte, puso sobre el tapete las dificultades con las que se enfren-ta una galerista privada -ella dirige en León Cubo Azul- a la hora de comerciar con piezas contemporáneas. Uno de los principales es el transporte de las piezas, a su juicio, el proble-ma mayor se da cuando «el cliente lleva la pie-za original a poner un marco y se hace mal».

A proposito de este articulo del periódico español LA NUEVA ESPAÑA incluimos una nota aparecida en Restauras, un portal español sobre los recursos de conservación y restauración de bienes culturales

¿Cómo conservar arte electrónico y digital?¿Emulación, Duplicación, Migración? ¿Estamos hablando de Conservación?

Pues sí, hace más de 30 años que los artistas han em-pezado a emplear sistemas digitales e Internet como soporte de su expresión personal. Hoy nos encontra-mos con Net Art, Media Art de las que sólamente que-da alguna documentación por la falta de capacidad de las instuciones encargados de su preservación de en-contrar sistemas eficaces para conservarlos. Los altos costes de los Derechos de Autor de estas obras han dificultado la difusión de estas obras a través de Inter-net y en consecuencia su conservación.

Muchas de esas obras también se han perdido por fal-ta de Especialistas en la Conservación de obras con soportes digitales, video, audio, etc. Actualmente diver-sas instituciones como la TATE, el MOMA, Standford University, entre otras, se encargan de investigar siste-mas de conservación de estas obras.

Hace algún tiempo se reunieron en Barcelona exper-tos mundiales en un simposio sobre conservación del patrimonio artístico y el uso de las nuevas tecnologías, organizado por el Mecad.

En este artículo del PAÍS podréis leer las conclusio-nes de esta reunión, donde encontraréis también inte-resantes propuestas como la que presenta Media Art Net, una plataforma-archivo online que se encarga de reconstruir la historia de estas expresiones artísticas,

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Breaking the Waves curated by Nikki Beem

Dorsch Gallery is pleased to present Breaking the Waves, a group exhibition curated by guest curator Nikki Beem. The exhibition will open on Saturday December 1st, and will be up until Saturday De-cember 29th, 2007. With work by over 20 artists, Breaking the Waves features painting, sculpture, videos, new media and performance that express a desire for change. Many of the pieces will unsett-le the viewer. Some works quiet busy thoughts, resist a hurried or categorical response. In the rush of noise when waves break, a shift occurs, representing both an apex and a new beginning.

Arnold Mesches' newest drawings demonstra-te how such a resistance might be possible.

Weaving a dense web of crisp black lines on white ground, this Seventy-one foot mural may at first seem illegible to a viewer accustomed to bright colors and broad graphics typified in most of what we read daily - brand names in grocery store aisles, signs from the highway, pink letters on the beach. Like looking into a forest, or the static on a channel we don't get, our eyes begin to pick out the very things we are used to see-ing, but bled of color and in an extreme display - a political rally in which so many flags wave over the crowd, that many waves seem one. Time Square, too, seems a field of lines of move-ment without the punctuation of color. The work exposes the politics in the colors we do not see.

Kyle Trowbridge's short film "Wishing Well" is also at once disturbing, celebratory, and wistful. In a grainy, black and white narrative that continuously repeats, two young boys run across empty tra-in tracks, through a vacant landscape and into a deserted warehouse where they throw rocks at the warehouse windows. Glass shatters over and over, in an increasing rhythm; once, the act is aggressive, rebellious and violent. Repeated, it penetrates our defenses, forcing us not only to question belief in the boys' "innate goodness" but also what in our society makes them explode.

Breaking the Waves presents art that is unexpected and unruly. The work seeks to move you or under-mine your assumptions. In a world where the ons-laught of stimuli causes a defensive numbness, the exhibition asks you to risk feeling something. This idea is demonstrated by Brandon Opalka whose works in the show include a 131' by 18' painting painted on the exterior of the west side of the Gallery.

Many pieces will be commissioned exclusi-vely for the exhibition. In addition to Trowbridge and Mesches, other Breaking the Waves par-ticipants include Rene Barge, George Bethea, Elisabeth Condon, Franklin Einspruch, Andy Gambrell, Robin Griffiths, William Keddell, Mark Koven, Brandon Opalka, Ralph Provisero, Brian Reedy, Marc Roder, John Sanchez, Claudia Scalise, Kerry Ware, Dan Weihnacht, and more.

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Josef Strau - Voices and Substitutes

“The real story of the superheroes”, Dulce Pinzón

Since the late eighties Strau has experimented variously with the social roles of gallerist, cu-rator, writer, musician and artist. His many me-tamorphoses make him difficult to fit into any of the usual art world categories. In Germany, his activities have made him a cult figure and he has influenced a whole generation of artists.

Strau’s experimental artistic practice is rooted in the written word. Initially his writings took the form of articles for catalogues and art journals; later they became autonomous narratives presented in the form of books and posters in the context of ex-hibitions. Over the last two years, Strau has been creating ‘narrative spaces’ in which he relates texts to objects and examines the way text relates to the three-dimensional medium of the exhibition. A re-ference point in this respect is Daniel Libeskind’s 2001 Jewish Museum in Berlin, a building in which text and architecture join hands to open up new metaphorical, literary and imaginative possibilities.

Strau´s texts are rapidly written, unpredictable and ever-changing. Sometimes plucked out of the air in a style reminiscent of the Surrealists’ ‘écriture automatique’, sometimes based on earlier written materials. In Amsterdam, his installation will be created around six text posters which will lie on the ground in piles for visitors to take away with them. Each of the posters will represent a particular per-son or figure, such as Schopenhauer or Libeskind.

Strau will use wire to weave three-dimensional structures in which his textual elements merge with objects like lamps. Strau has sometimes linked

these narrative installations to the Confessions of Jean-Jacques Rousseau. This twelve-volu-me biographical work recounts the eighteenth-century philosopher’s entire life since childho-od – complete with all the painful experiences, emotions and thoughts that are part of growing up. Strau’s texts likewise reflect the artistic con-ditions under which his objects are created and include countless references to his personal life.

Josef Strau first attracted public attention in the late eighties to early nineties with the Frie-senwall project space he created in Cologne to-gether with Stephan Dillemuth. The programme gained a reputation for launching new artistic ideas quickly and with a minimum of red tape. Strau himself celebrated a ‘non-productive atti-tude’: he lived the life of an artist without inten-ding to produce objects of commercial value.

In 2002 Strau set up the Meerrettich Gallery in Berlin, a glass pavilion on the Rosa-Luxem-burg-Platz where he presented performances, events, exhibitions and installations by artists like Jutta Koether, Isa Genzken, Josephyne Pri-de and Bernadette Corporation. The programme attracted a host of fans who attended the many happenings at the place on a more or less daily basis. In late 2006, Strau shut the gallery down, partly because he didn’t want the programme to become hackneyed and partly in order to devo-te himself full-time to his own artistic practice.

Strau’s most recent solo presentations are Don’t Climb The Pyramids at Greene Naftali in New York

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(2006) and Voices at the Buchholz Gallery in Colog-ne, an exhibition which opened on 26 October this year and is the counter part of Voices and Substitu-tes at the Stedelijk Museum. Strau has also taken part in group exhibitions at the Secession, Vienna, Portikus, Frankfurt and White Columns, New York.

This exhibition at the Stedelijk is being orga-nised by Martijn van Nieuwenhuyzen, Cura

tor at the Stedelijk Museum Amsterdam. In cooperation with Galerie Buchholz in Colog-ne and Greene Naftali in New York. An inter-view with the artist will be published in the Dec-ember issue of the Stedelijk Museum Bulletin.

On 13 November, Josef Strau gave a talk at the Ateliers, Stadhouderskade 86, Amsterdam, in collaboration with the Stedelijk Museum.

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"The real story of the superheroes", Dulce Pinzón

Elizabeth Ferrer*

The mise -en -scénes- staged by Dulce Pinzón (b.1974) a young Mexican photographer who li-ves in New York, might initially strike viewers as farcical, but "The real story of the Superheroes", a series begun on 2004, cogently illuminates the realities of immigrant life in the United Sta-tes. The series portrays real people going about their daily work -driving a limousine, laundering clothes, cleaning fish, or waiting on tables. But they are dressed as classic American superhe-roes: Noe Reyes , a restaurant deliveryman, is Superman, pedaling his bicycle with determina-tion as the New York skyline rises behind him. María Luisa Romero, a Brooklyn laundry atten-dant, is Wonder Woman. Captions identify the-se men and women and state their hometowns in México, their occupations, and the amount of money they send weekly to families in México.

The captions are a crucial element of Pinzón's photographic practice, framing her images as elo-quent statements on the most recent wave of im-migration from México. Mexicans have long cros-sed the border to achieve a "better life " in the US, settling mainly in the southwest and California. Most eventually became citizens. Most recently, unprecedented numbers have gravitated to New York, where work is available in restaurants and non-union construction sites, or in various servi-ce positions. Despite the low wages they earn, they send remarkable sums of money home to their families. A fish market worker, Juventino Rosas, provides his relatives with $400 each week. Waiter Sergio García remits $350 weekly.

In dressing her subjects as superheroes, Pinzón aims to convey the valiant nature of laborers who not only support extended families, but donate funds for such community projects as roads, schools and hospitals. Amidst the hardscrabble nature of their lives in New York, these deeds go

wholly unrecognized. Indeed the kind of laborers she portrays exist in a state of social invisibility, a condition familiar to all undocumented workers. In the same way that costume conceal secret iden-tities and elevate comic -book superheroes from the realm of the commonplace to the heights of mythic power, Pinzón endows her protagonists with a lofty status that eludes them in daily life.

Pinzón is also an immigrant, one who is keenly aware of the lure of American popular cultu-re. She could have dressed the "Superheroes" in Mexican costumes that would pay homa-ge to the country's tradition of revered, masked wrestlers. But she chose these awkward -fit-ting, imperfect costumes, symbols of their diffi-cult transitions across a border that is much cultural and psychological as it is geographic.

These portraits are meant to pay tribute to the specific individual portrayed, but they also function metaphorically, evoking the recent phenomenon of large scale Mexican immigration in New York, and more broadly, the state of economically and geo-graphically displaced persons anywhere. Pinzón hails from a country with an illustrious tradition of documentary photography, an approach she em-ployed in earlier series "Viviendo en el Gabacho" (colloquial for "Living in the United States"). With the Superheroes photographs she moves away from the language of documentation while exten-ding one of the central objectives s of the socially committed photographer, to erase the anonymity of common people. For Pinzón, embracing the di-rectorial mode offers an alternate means of using the camera to expose underlying truths -the hidden strength and nobility of those behind the masks.

*Elizabeth FerrerIndependent curator and writer based in New York

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SUBJECTIVE REALITY

A journey into the Neo-Psychedelic Art Movement featuring Skot Olsen

Skot Olsen, the featured artist in the show, wri-tes, "Many people believe there is more than one path to the divine. With this series of paintings, I intend to illustrate the fact that, for centuries, people have achieved enlightenment through the consumption of certain plants. These pain-tings depict Saints and Apostles who represent various hallucinogenic plants and states of cons-ciousness in the tradition of western religious art. Linking these substances with religion is no new feat, but with every new age, comes a need for new spiritual art and the Neo-Psychedelic Art Mo-vement satisfies that need in the 21st century."

When thinking of psychedelic art, most of us re-member the rock posters and comic books of the 1960's and 70's. Fueled in part by a surge in the use hallucinogenic drugs, the function of western psychedelic art was largely to support or advertise rock music and the counter culture. However, for thousands of years, many cultures such as those found in South America and Southeast Asia pro-duced very psychedelic art for religious reasons. Brightly colored temples, murals and tapestries depicting fantastic deities and creatures are also thought by many to be the by-product of the use of certain hallucinogenic plants. As the west slowly begins a shift away from conventional religion, its people are still hard-wired for a need to find spiri-tual enlightenment. This is one reason that more people than ever are experimenting with halluci-nogenic mushrooms and cactus. The states pro-duced by consuming these plants very often fill the need for a connection to nature and the eternall.

Note: The gallery does not promote illegal drug use, but is showing art that reflects a pleasu-rable state of mind other than accepted reali-tyconveyed through images, sculpture or light.

SUBJECTIVE REALITY will have three ope-ning receptions: December 6th, 7th and 8th.

Main Exhibition Space: Skot Olsen (www.skotolsen.com) will have 11 large paintings of Saints, where each represents a different natural hallucinogenic drug.

Gallery: Features 25 artists, including: Skot Ol-sen, Ron English, Lazaro Amaral, Chet Zar, An-thony Ausgang, James Seaboar, Niagara, Carrie Ann Bade, Angie Mason, Brandon Dunlap, Nemo Gould, Michael Hutter, Stephen Somers, Brett Hess, Mark Atomos Pilon, Scott Scheidley, Keith Weesner, Kamiel Proost, Nik Satterfield, Lesley Reppeteaux, Jacob Arden McClure, Rob Reger, Buzz Parker, Oliver Casse, Neil Gibson, Scott Saw, Annie Owens, Mars-1, Travis Louie and Pooch.

Each artist will show one very large piece of their interpretation of a hallucinogenic trip. DJ Elyse will be spinning in the main gallery with music specifically produced for this show.

Each evening will include a Neo-Psychedelic sound and light show by Phoenix of Rainbow Puddle. He will do his interpretation of a Neo-Psychedelic experience with projected color designs, and will have printed images from his light show and a DVD on display and for sale.

Dec. 6, 2007: A selection of the Pop Surrealist artists parti-cipating in this show will present their work and take questions from art patrons. This is a great opportunity to meet and discuss your ideas and thoughts with them. Some of the artists participa-ting are Skot Olsen, Niagara and Carrie Ann Bade.

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Dec. 9th, 2007: Juraj Kojs will perform with other avant-garde electronic music artists and will showcase the la-test trends in experimental electro-acoustic music and video from around the world. The programwill feature international artists performing with

live electronics and video, ethno instruments from Central Europe, and cyber instruments. Cutting-edge technology and creative imagination will en-gage your senses in what promises to be an exci-ting encounter with the interactive audio-visual art.

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