BADAJOZ 30 mayo 2010 - sfilarmonicaba.net · DEL 19 AL 30 DE MAYO DE 2010 • BADAJOZ...

BADAJOZdel 19 al 30 de mayo de 2010

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XXVII FESTIVAL IBÉRICO DE MÚSICADEL 19 AL 30 DE MAYO DE 2010 • BADAJOZ


GUARDIANART ENSEMBLE

XXVII FESTIVAL IBÉRICO DE MÚSICA

JUEVES, 19 DE MAYO DE 2010. SALÓN DE PLENOS DE LA DIPUTACIÓN. 20:30 H.

Guadianart Ensemble

ORIOL MULA, FLAUTA • ALFONSO PINEDA, CLARINETE • OIHANE IGERABIDE, ARPA • JOAN M. ALONSO, VIOLÍN •

FABIÁN ROMERO, VIOLÍN • MARTÍ VARELA, VIOLA • JOAQUÍN FERNÁNDEZ, VIOLONCELLO


GUADIANART ENSEMBLENace a partir del interés común que estos jóvenes,profesores del Conservatorio de Badajoz y de laOrquesta de Extremadura (OEX), han encontrado a lolargo de sus diversas trayectorias musicales.Combinando diferentes procedencias, (Extremadura,País Vasco, Cataluña, C. Valenciana) y, al mismo tiem-po, diversas tendencias musicales adquiridas enimportantes conservatorios de Europa, intentan ofre-cer una muestra de sensaciones musicales a travésde obras de grandes compositores para pequeñasformaciones de música de cámara, tales como el trío,el cuarteto con clarinete, o el sexteto con arpa.

ORIOL MULA, flauta Nace en Barcelona, y realiza sus estudios musicalesen los conservatorios de Barcelona, Orleans y París,con los profesores Joan Bayrena, Salvador Martínez,Arlette Biget y Florence Deletine. Durante el año2002 ha sido finalista del Concurso Permanente deJuventudes Musicales, y también primer premio enel Concurso de Jóvenes flautistas de Avon (Francia).Ha realizado conciertos por toda la geografía espa-ñola, y por Francia, Alemania, Luxemburgo, Escocia,Japón y Korea. Desde el año 2007 es profesor de laOrquesta de Extremadura (OEX).

ALFONSO PINEDA, clarinete Natural de Villanueva de la Serena (Badajoz), finalizósus estudios superiores de clarinete en elConservatorio Superior de Música de Badajoz conPremios Extraordinarios en las especialidades de cla-rinete y música de cámara. Ha realizado cursos deperfeccionamiento en España, Alemania, Italia y ReinoUnido. Miembro de la Schleswig-Holstein MusikFestival Orchester, con conciertos en Alemania yHolanda en su edición de 1999. Profesor en varios

cursos de clarinete: Lucena (Córdoba), Sepúlveda(Segovia), Alburquerque y Llerena (Badajoz).Colaboraciones con la Orquesta de Extremadura,Orquesta de Córdoba y Orquesta Sinfónica de Castillay León. Profesor del CSMB desde 1998.

OIHANE IGERABIDE ETXEBARRIA, arpa Realiza sus estudios de arpa en el Conservatorio deSan Sebastián y en el Centro Superior de Música delPaís Vasco (Musikene), con Frédérique Cambreling.Ha sido titular de arpa de la Orquesta Joven del PaísVasco (EGO), y colabora con la Orquesta Sinfónicade Bilbao y la Orquesta Sinfónica de Euskadi, entreotras. Es miembro de Krater Ensemble (SanSebastián) y Ensemble XX-XXI (Badajoz), especiali-zados en la música contemporánea. Desde 2008, esprofesora de arpa del Conservatorio Superior deBadajoz. Actualmente, recibe clases de los profeso-res Stephen Fitzpatrick y Alexandra Clemenz en laAcademia de Estudios Orquestales de la FundaciónBarenboim-Said de Sevilla.

JOAN ALONSO FERRER, violín Nace en Carlet (Valencia). Comienza sus estudiosde violín con el profesor Vladimir Katzarov.Posteriormente realiza sus estudios de Postgradoen la “Musikhochschule” de Freiburg (Alemania),con el profesor N. Chumachenco. Ha sido becadopor el Instituto Valenciano de la Música y la“Fundación Alexandre von Humboldt”. Ha sidomiembro de “Schleswig-Holstein OrchestralAkademie”, “Verbier Festival Orchestra”, “West-Eastern Divan Orchestra”. Desde 2006 es profesorde violín del Conservatorio Superior de Badajoz.

FABIÁN ROMERO GASTALDO, violín Nace en Picassent (Valencia), donde se inicia en la



música y más tarde en el violín en la SociedadArtístico Musical. Realiza sus estudios musicalesen los conservatorios de Torrent, Valencia yBarcelona, donde se gradúa en violín y música decámara con el profesor Agustín Leon Ara. Mástarde se perfecciona en la Universität für Musik deGraz (Austria) donde realiza estudios de violín ymúsica de camara con los profesores MaighréadMcCrann y Stephan Goerner. Ha sido miembro dela Joven Orquesta Nacional de España (JONDE),miembro reserva de la European Youth Orchestra(EUYO), así como de la Gustav MahlerJugendorchester. Desde 2006 es profesor de laOrquesta de Extremadura (OEX).

MARTÍ VARELA, viola Nace en Girona empezando a los 8 años de edadsus estudios de violín en el Conservatorio Municipalde Lleida, donde se gradúa 10 años más tarde.Durante el año 2000 inicia estudios superiores de

viola en el Conservatorio Nacional de Burdeos(Francia) con el profesor Jean Paul Minali-Bella. Hasido miembro de la Joven Orquesta Nacional deEspaña (JONDE), y en 2004 se traslada a la ciudadalemana de Freiburg para estudiar viola con el pres-tigioso profesor Wolfrang Christ. Desde 2008 esprofesor de la Orquesta de Extremadura (OEX).

JOAQUÍN FERNÁNDEZ, violoncello Nace en Madrid, y empieza sus estudios de violon-cello en el Conservatorio Superior de Música deBadajoz con la profesora Edita Artemieva.Posteriormente se traslada al Centro Superior deMúsica del País Vasco “Musikene” para estudiar conlos profesores Asier Polo y Damián Martínez dondese gradúa. Más tarde realiza estudios de postgradoen la ciudad suiza de Zürich bajo la tutela de RoelDieltiens. Ha sido miembro de la Joven OrquestaNacional de España (JONDE) y desde 2007 es pro-fesor de la Orquesta de Extremadura (OEX).



PROGRAMA

IClaude Debussy

Syrinx (para flauta sola)

Claude DebussyDanses (para arpa y cuarteto de cuerda)

Danse sacréeDanse profane

Herbert HowellsRhapsodic Quintet (para clarinete y cuarteto de cuerda)

IIClaude Debussy

Deuxième Sonate (para flauta, viola y arpa)PastoraleInterlude

Finale

Maurice RavelIntroduction et allegro (flauta, clarinete, arpa y cuarteto de cuerda)


Notas al programaLa música del siglo XX tiene uno de sus principales

puntos de partida en la música de Claude Debussy

(1862-1918). Influenciada por la tradición modal de

la Europa Medieval y Renacentista, y por el impac-

to que sufrió al conocer, en la Exposición de París

de 1889, la música del Gamelán de Java, la obra de

Debussy se estructura a partir del uso de escalas y

armonías exóticas (o sea, que no derivan del siste-

ma tonal mayor/menor europeo), y de la innovación

formal, alejándose de los patrones de desarrollo

temático derivados de la forma sonata. Debussy

tuvo una gran influencia del movimiento simbolista

francés (en concreto del poeta Mallarmé), y ha influi-

do a muchos compositores a lo largo del siglo XX.

Uno de ellos es Maurice Ravel (1875-1937); eran

admiradores mutuos, aunque eventualmente algu-

nos críticos crearan pequeñas rivalidades entre ellos.

Ravel supo hacer una síntesis de corrientes extre-

madamente variadas e imponer su estilo a partir de

sus primeras composiciones. Compositor ecléctico

por excelencia, supo sacar provecho de su interés

por las músicas de todos los orígenes. Reconocido

como maestro de la orquestación y por ser un meti-


culoso artesano, cultivó la perfección formal sin dejarde ser al mismo tiempo profundamente humano yexpresivo. El otro compositor del programa es el bri-tánico Herbert Howells, alumno de Ch. V. Stanford, asu vez alumno de J. Brahms. Aunque de una tradi-ción diferente a las de Debussy o Ravel, existe unclaro parentesco entre el Quinteto Rapsódico paraclarinete y cuarteto de cuerda y los conocidos cuar-tetos de cuerda de los maestros franceses. Lassonoridades “atmosféricas” y el uso idiomático delas cuerdas enlazan al quinteto con esas otras dosobras compuestas apenas 15 años atrás.

Syrinx: escrita en 1913, se considera una piezaclave en el desarrollo de la música para flauta solade principios del siglo XX. Permite gran libertad enla interpretación; originalmente estaba escrita sinbarras de compás. El nombre hace referencia almito de la persecución amorosa de la ninfa Syrinxpor el dios Pan.

Danses: en 1904, la casa de arpas parisina Pleyelencargó a Debussy una obra para arpa cromática. Asínació Danses: Danse sacrée et danse profane paraarpa y orquesta de cuerda. Pleyel había introducido ypatentado el arpa cromática en 1897; no tenía pedales,sino doble fila de cuerdas cruzadas. Tuvo una granaceptación en esa época, pero poco a poco fue aban-donada, por su gran tamaño y peso y por el tiempo querequería para ser afinada. Danses se sigue interpretan-do con el arpa de pedales, tanto con orquesta de cuer-da como con cuarteto de cuerda (adaptación del arpis-ta Fabrice Pierre, en este caso).

Rhapsodic Quintet: como casi toda la música deHowells, el quinteto tiene, básicamente, estructurade canción. A Howells le gustaba la cuerda por su

cercanía a las características de la voz humana, yningún instrumento de viento es más “vocal” en tér-minos de expresividad y capacidades melódicasque el clarinete. El adjetivo Rapsódico que le daHowells al quinteto se refiere a la organización enun solo movimiento con sus diferentes fases y“humores” y su clara estructura en arco en lo quese refiere a la construcción de la tensión y la disten-sión; ese Rapsódico no hace referencia a una formaambigua e indefinida. Al contrario, es una formaclara en la que el oyente no tendrá dificultad en per-cibir los dos temas principales así como unas defi-nidas y más que clásicas secciones: exposición,desarrollo y recapitulación.

Deuxième Sonate: para flauta, viola y arpa, es unade las últimas obras de Debussy. Compuesta en1915, es la segunda de un proyecto de seis sonatasque no pudo terminar y que pretendían rendir unhomenaje a los músicos franceses del siglo XVIII.Compuso sólo tres. Las otras dos son la Sonatapara violonchelo y piano, en re menor, y la Sonatapara violín y piano, en sol menor. La Sonata paraflauta, viola y arpa es, para muchos, la más aprecia-da de las sonatas de Debussy y una de sus obrasmás destacadas. Se divide en tres movimientos:Pastorale, Interlude y Finale.

Introduction et allegro: para arpa, flauta, clarinetey cuarteto de cuerda, fue compuesta en 1905 porencargo del constructor de arpas y pianos Érard,que había introducido el arpa de doble movimientode pedales (arpa moderna) en el mercado, y queríapromocionarla. Así pues, dos de las obras másimportantes del repertorio arpístico (Introduction etallegro y Danses) nacieron de una disputa entreconstructores de arpas.



IVÁN MARTÍN

IAGOBA FANLO



IAGOBA FANLO, violoncheloActualmente, ocupa la Cátedra de Violonchelo delReal Conservatorio Superior de Música de Madrid eimparte regularmente clases magistrales en la RoyalAcademy of Music de Londres. Colabora habitual-mente como profesor de la Joven Orquesta del Fes-tival Wagner de Bayreuth.En 1994 es seleccionado para interpretar el conciertode E. Elgar bajo las batutas de Y. Menuhin y Lynn Ha-rrell, debutando junto a éste y la orquesta de la RoyalAcademy de Londres ese mismo año. Ha sido solistacon London New Sinfonia, Northern Chamber Orches-tra, State Hermitage Chamber Orchestra, OrquestaSinfónica de Ciudad Real, Orquesta de Castilla y León,Orquesta Filarmónica de Málaga, Teplice PhilharmonicOrchestra, Virtuosi di Praga o la Orquesta Nacional dePanamá, interpretando los conciertos de Haydn, Dvo-rak, Boccherini, Tchaikovsky, Beethoven o Rodrigo en-tre otros, bajo prestigiosas batutas como O. Vicek, P.Halffter, H. Ávila, Y. Sharovsky, O. Lenard, J. Cantarell-Rocha o Collin Metters.Ha grabado para el sello Autor la integral de la obrapara violonchelo de los compositores J. Nin y J. Nin-

Culmell junto a la pianista Rosa Torres-Pardo, el di-rector A. Ros-Marbá y la Real Orquesta Sinfónica deSevilla. Para el sello Arsis, ha grabado recientemen-te las Seis Suites para violonchelo solo de J.S.Bach. Ha ofrecido recitales de violonchelo solo ycon piano en Europa, Rusia, Asia y América, traba-jando junto a compositores como M. Balboa, G. Li-geti, JM. Sánchez-Verdú, G. Kúrtag o C. Halffter yactuando en Festivales Internacionales como los deSalzburgo, Praga, Perelada, León, Otoño Soriano,Osaka o Edimburgo.Prestigiosos compositores españoles como E. Gui-merá, M. Del Barco, T. Aragüés, I. Bagueneta, P.Halffter o C. Perón le han dedicado sus obras.Ha realizado junto con A. Martínez Molina la prime-ra grabación de la recientemente descubierta obrade D. Porretti -junto con obras de L. Boccherini- pa-ra el sello Arsis.

IVÁN MARTÍN, pianoColabora con prácticamente la totalidad de las or-questas españolas, así como con la Orquesta deParís, Filarmónica de Estrasburgo, Virtuosos de Pra-


JUEVES, 20 DE MAYO DE 2010. SALÓN DE PLENOS DE LA DIPUTACIÓN. 20:30 H.

Iagoba Fanlo, violonchelo

Iván Martín, piano


ga, Filarmónica de Helsinki, Filarmónica de Zagreb,Sinfónica de Monterey (EE.UU.), Sinfónica de San-tiago de Chile, Sinfónica de Sao Paulo, OrquestaMundial de Juventudes Musicales, etc., de la manode directores como G. Albrecht, M. Benini, M. Bra-gado, J. Brown, Ch. Eshenbach, G. Herbig, P. Halff-ter, Ch. König, J.-J. Kantorow, K. Karabits, A. Lea-per, M. Á. Gómez Martínez, J. Mena, R. Montene-gro, J. Neschling, J. Pons, A. Posada, A. Scarano,M. Schønwandt, o J. Vicent, siendo invitado a parti-cipar en marcos tan destacados como “New YorkInternational Keyboard Festival” (EE.UU.), “OrfordInternational Music Festival” (Canadá), “Festival In-ternational La Roque d’Anthéron”, “Festival Interna-tional La Folle Journée”, “Festival Internacional deGrandes Pianistas” (Chile), “Festival InternacionalCervantino” (México), “Ciclo de Jóvenes Intérpretes

Scherzo”, “Festival Internacional de Música y Danzade Granada”, “Festival Internacional de Música dePerelada” o “Festival de Música de Canarias”.Comprometido con la creación musical, ha protago-nizado estrenos de obras de compositores como AGarcía Abril, C. Halffter, P. Halffter, P. Jurado, A. Mar-tínez, D. Roca o R. Paús. Ha debutado como direc-tor interpretando los conciertos para teclado deBach junto a la orquesta “Proyecto Bach” y los con-ciertos de Mozart junto a la orquesta de cámara “Li-ceo de Barcelona”.Próximamente presentará su primer disco para elsello Warner Music dedicado al compositor AntonioSoler. Futuros compromisos incluyen presentacio-nes en el célebre “Carnegie Hall” de Nueva York,EE.UU., Canadá, Alemania, Austria, Suiza, Italia,Reino Unido y Argentina.



PROGRAMA

IJohann Sebastian Bach (1685-1750)

Sonata en Sol menor BWV1029VivaceAdagioAllegro

Ludwig van Beethoven (1770-1827)Sonata en La Mayor op.69

Allegro ma non tantoAllegro molto

Adagio cantábileAllegro vivace

IIManuel de Falla (1876-1946)

MelodíaPau Casals (1876-1973)

RêveriePastoral

Miguel del BarcoSonata para violonchelo y piano*

AndanteAdagio espressivo

Aire de Zortziko-AndanteAllegretto

Allegro

Claude Debussy (1862-1918)Sonata en Re menor

Prologue: Lent, sostenuto e molto risolutoSérénade: Modérément animéFinal: Animé, léger et nerveux *Estreno absoluto



Notas al programaJ. S. Bach. Sonata en sol menor BWV 1029 paraviolonchelo y pianoSi exceptuamos el aria “Es ist vollbracht” de laPasión según San Juan y las contadas aparicionesen la instrumentación de alguna cantata, las com-posiciones más impor tantes de Johann SebastianBach para viola da gamba comparten la singular car-acte rística de ser transcripciones de piezas escritaspor el propio compositor para otros instrumentos.Así sucede con las tres sonatas para gamba y klavier,reelaboraciones evidentes de tríos (BWV 1027 y1028) o conciertos (BWV 1029) anteriores.Bach no elige la viola da gamba entre los instru-mentos de vanguardia dignos de obras tan monu-mentales como las que compuso para violín o vio-lonchelo. Esta constatación hace que el gambistadeba enfrentarse a problemas interpretativos bas-tante complejos. Aunque la dificultad técnica no seacomparable a la de las Partitas para violín o a la delas Suites para violonchelo, lo que sí resulta arduoes alcanzar un equilibrio sonoro entre las seccionessolo y tutti del concierto (en la sonata BWV 1029), oentre las partes dialogantes del trío, como en el casode la sonata BWV 1027. Curiosamente, ninguna fuente manuscrita reúne lastres sonatas para viola da gamba.Concretamente la BWV 1029 que oiremos estanoche fue transcrita en una copia posterior a lamuerte de Bach y es una sonata da camera en tresepisodios: Vivace, con una asombrosa construcciónpolifónica cuya variedad rítmica resulta excepcional.Adagio, movimiento lento extremadamente breve.Se trata de una pieza inmaterial de gran belleza.Allegro, donde Bach escogió una vez más el estilodel concierto a la italiana para concluir. Al ímpetu deltema principal se opondrá el encanto de un peque-ño motivo cantábile que reaparece varias veces a lolargo del fragmento.

L. v. Beethoven. Sonata en La mayor Op.69 paraviolonchelo y pianoCompuesta entre 1807-1808 corresponde a unaépoca de madurez muy fecunda (los años de lasSinfonías 4, 5 y 6). Fue dedicada al barón Ignatz vonGleinchenstein y al parecer tocada por primera vezpor Joseph Linke al violonchelo y Carl Czerny alpiano. Al contrario de las dos sonatas anteriores, laOp. 69 se abre directamente con un Allegro y care-ce de un verdadero movimiento lento, ademásabandona el discurso patético de las dos primerasen favor de una respiración y un lirismo más naturaly tierno, dejando claro así, la proximidad de laSinfonía Pastoral (Op. 68)1.- Allegro ma non tanto: monólogo expresivo de unagran belleza, donde se reconocen tres temas princi-pales, el primero abordado por el violonchelo al des-cubierto en un dolce melancólico al que sigue unarespuesta de piano que conduce a una pequeñacadencia; el segundo en mi bemol mayor es enérgi-co y presentado por el piano; algunos compases enpizzicato preceden al tercer tema en mi mayor. Serozan diversas tonalidades antes de la recapitulaciónque vuelve a traer los tres temas, todos en la mayor.La coda está basada en el primer tema.2.- Scherzo: Allegro molto, de carácter pastoril y conuna alternancia repetida entre modo mayor y menorque produce un efecto interesante.3.- Adagio cantábile, es extremadamente corto yprácticamente no hay tiempo más que para unaefusión de 19 compases que conducen al Allegrofinal.4.- Allegro vivace, de acuerdo con el espíritu gene-ral de la obra este movimiento es de carácter meló-dico. Tiene una larga coda que hace las veces de“desarrollo terminal” aportando una consolidacióndel primer motivo.



Manuel de Falla. MelodíaInteresado en un principio por la literatura y el perio-dismo, Falla, encuentra su vocación definitiva en lamúsica tras asistir a un concierto en Cádiz donde seinterpretaron, entre otras, obras de Edvard Grieg. Apartir de 1896 comenzó a viajar a Madrid, dondeasistió al Real Conservatorio de Música yDeclamación. Allí se perfeccionó en piano con JoséTragó, un condiscípulo de Isaac Albéniz y en 1897compuso Melodía, una obra para violonchelo ypiano dedicada a Salvador Viniegra, que junto conRomanza y Pieza en do mayor, es la única herenciadel compositor para esta formación instrumental.La Melodía y la Romanza permanecieron inéditashasta que fueron publicadas por Enrique Franco en1983. Se estrenó en Cádiz en el Salón Quirell el 16de agosto de 1899 con Salvador Viniegra al violon-chelo y el propio Manuel de Falla al piano. Es un bellí-simo ejemplo de música de cámara influenciada porel espíritu romántico, donde tanto el cello como elpiano dialogan de principio a fin. Escrita en re menor,tempo Andantino, tiene la tradicional forma ternaria(ABA) y sugiere un carácter amable y sencillo.Pau Casals. Reverie. Pastoral Son dos obras inéditas, como la mayoría de las quecompuso.

La Pastoral, está fechada en 1893, año en que segraduó en la Escuela Municipal de Música deBarcelona, trasladándose a continuación a vivir aMadrid con su madre y hermanos, donde completasu formación en el Conservatorio de Música yDeclamación, teniendo como profesor de música decámara a Jesús de Monasterio. La Reina MaríaCristina le otorgó una beca de 250 pesetas. Tambiénese año compone una romanza para canto y pianosobre una poesía de Heine, obra también inédita.

Reveríe, fué compuesta en 1896. En mayo de eseaño se incorpora como profesor en la EscuelaMunicipal de Música de Barcelona, de donde fue

alumno, y en noviembre accede como profesor decello al Conservatorio del Liceo. Comienzan sus con-ciertos en pequeñas sociedades como el Ateneo deBarcelona o el Ateneo Gracienc. A continuación consi-gue una plaza de violoncellista en la Gran Orquesta delTeatro del Liceo. Es en la Ciudad Condal donde coin-cide con Isaac Albéniz, Enrique Granados, EnriqueFernandez-Arbós, Agustín Rubio y Saint-Saens. Otrascomposiciones de 1896 son: Canciones Catalanasnúmeros tres y cuatro. La primera, se llama Al desper-tar de madrugada con texto de Apel Les Mestres, y lanúmero cuatro Qué cortas, mi vida, son las horas encolaboración con el mismo escritor y ambas inéditas.Y Claro de Luna para coro mixto y letra de JaimeRamón. Para terminar una cita suya: “La música, estemaravilloso lenguaje universal, tiene que ser una fuen-te de comunicación entre todos los hombres”. C. Debussy. Sonata para violonchelo y piano en RemenorEscrita por Debussy como improvisada en el veranode 1915, durante su estancia en Pourville, junto almar. En un principio, el compositor quiso titularlaPierrot enfadado con la luna. Es la primera de un pro-yecto de seis sonatas que no pudo terminar y con lasque pretendía rendir un homenaje a los músicosfranceses del siglo XVIII. Debussy no conseguiría ter-minar más que tres de ellas, las otras dos son lasonata para flauta, viola y arpa en fa mayor y la sona-ta para violín y piano, en sol menor.Se estrenó en marzo de 1916 y fue su composiciónuna verdadera lucha entre el cáncer que acabaríacon su vida poco tiempo después y la impotenciade no poder combatir en la primera guerra mundialque estaba arrasando Francia. Este hecho sumió alcompositor en una depresión que le impidió com-poner durante mucho tiempo. Es por ello que lasonata está impregnada de una terrible melancolía.Señalemos que el violonchelo posee la parte másimportante, con un piano a menudo confinado a un



papel de acompañante.Prólogo, construido con rigor a pesar de una ciertalibertad de espíritu. La entrada posee la majestuosanobleza de una Overture a la francesa. No obstante,el tono que duda entre mayor y menor deviene enun tema recurrente, que no solo se encuentra aquí,sino también en los otros movimientos. Sigue ense-guida un inquieto Allegro y culmina con el desvane-cimiento del Prólogo como un triste y lejano tintineode campanas.Serenata, tratada con un carácter fantástico y ligeroen una evocación de guitarras y mandolinas con ritmode habanera. El piano, situado en los graves, emula lamelancolía de un Pierrot- Finale, donde desfilan imá-genes de España, con algunas evocaciones de laIberia del autor, en particular, de Parfums de la nuit.

Miguel del Barco. Sonata para violoncello y piano.Comentarios del compositor sobre su obra.El 22 de diciembre del año 2003, el violonchelistaespañol Yagoba Fanlo y la pianista alemana UtaWeyand estrenaron, en un concierto organizado porlas Juventudes Musicales en Ciudad Real, mi pri-mera sonata para violonchelo y piano. Al díasiguiente, dentro del mismo ciclo, la obra fue toca-da en Sevilla y, posteriormente, los días 9 y 10 deenero de 2004, en las ciudades alemanas deMunich y Stuttgart. El éxito del estreno me animó aescribir una segunda sonata dedicada a IagobaFanlo que, con carácter de estreno absoluto, se pre-senta hoy, dentro del Festival Ibérico de Música, enun concierto generosamente patrocinado por laExcma. Diputación de Badajoz en colaboración conla Sociedad Filarmónica de nuestra ciudad.La SONATA consta de seis movimientos: 1) Andante.-Sobre una nota pedal de tónica, eltema principal es expuesto por el violoncello e imi-tado por el piano durante los primeros trece com-pases. Tras un breve puente aparece el segundo

tema estableciéndose entre ambos instrumentos unanimado e interesante diálogo, apenas interrumpidopor pequeños episodios, en imitaciones continuas.Un breve desarrollo temático da paso a la reexposi-ción del tema principal con algunas variantes. 2) Adagio.- Esta bella e inspirada melodía, entresa-cada de la conocida Salmodia para órgano del turo-lense Rafael Anglés (Teruel 1730-Valencia 1816),organista de la catedral de Valencia, apareceenvuelta en un sutil y delicado ropaje armónico. Elcompositor Joaquín Nin la llamó Aria en re menor yel musicólogo Dionisio Preciado la consideraba “unbrote tardío de melodía barroca”.3) Zortziko.- Mi estancia durante algunos años enSan Sebastián para ampliar mis estudios de órganoy armonía con el eximio maestro D. Luís Urteaga,me brindó la oportunidad de captar y asimilar elcarácter propio de una danza que los bailarines vas-cos, acompañados del txistu y el tamboril, escenifi-caban con singular maestría tanto en las fiestaspopulares como en los solemnes actos instituciona-les. El hecho de que el intérprete de la sonata aquien está dedicada sea donostiarra me movió aincluir, en su parte intermedia, esta ritual y significa-tiva danza vasca estructurada en tres partes: laexposición del tema principal expuesto por el vio-loncello e imitado literalmente por el piano; un moti-vo central y la reexposición del tema inicial. Andante y Allegretto.- Dos breves interludios, el pri-mero de tinte melancólico y el segundo de carácterfestivo, sirven de enlace entre el zortziko y el Allegro.Allegro.-Escrito en forma rondó. El tema principalintenso, dinámico y profusamente ornamentado delpiano, contrasta con la severa línea melódica delvioloncello en un diálogo trepidante y constante queva intensificándose hasta la cadencia final.

Miguel del BarcoMayo de 2010


ARTE VOCAL

El coro ARTE VOCAL nace en Villanueva de laSerena el día 1 de junio de 2001 con el fin de inter-pretar la música polifónica y acercarla al mayornúmero de personas posible haciendo de ésta unafuente de formación y a la vez de gozo. Arte Vocalquiere huir de concepciones arcaicas y dar un enfo-que moderno a la interpretación de la música coral

entendiendo ésta como una forma de expresión sinlímites fundamentada en la calidad sonora y en lavitalidad de sus interpretaciones. A la vez desarrollan una labor formativa de todossus miembros y organiza un seminario de formaciónbajo el titulo “Taller de Artesanía Vocal” en los quehan pasado profesores de la talla de Carmen Solís,


VIERNES, 21 DE MAYO DE 2010. IGLESIA DE SAN AGUSTÍN. 21 H.

Arte VocalMANUEL GUISADO, DIRECTOR


Julio Domínguez, Alfred Cañamero, Javier Busto,Estéban Urzelai, Albert Alcaraz, Marco AntonioGarcía de Paz e Isabel Mantecón. Como parte muy importante de nuestro proyectocoral, en el año 2003 nace: “Arte Vocal Infantil”, for-mado por unos 60 niños que a través del canto, laformación técnica y el disfrute, serán sin duda lacantera para futuras generaciones.En el mes de Junio del 2004, presentó su innovadorproyecto músico-teatral, “Amaranto, tragedias lor-quianas” en el que los cantores de Arte Vocal setransforman en personajes lorquianos, rompiendolas ortodoxas fronteras interpretativas, experimen-tando y profundizando más en la dimensión expre-siva de un coro. Entre sus actuaciones cabe destacar, la participa-ción en el Encuentro de coros “Hermano Daniel” deBadajoz, conciertos en la Concatedral de Cáceres,monasterio de Yuste, museo nacional de arte roma-no de Mérida, en el II Festival Internacional de Coros“Mario Baeza” celebrado en La Serena (Chile), y enlos Encuentros Internacionales de Coros de Évora,Palmela, Alqueidao da Serra, Alter do Chao y Lagoa(Portugal). En julio de 2005 participa representandoa Extremadura y España en el Festival Internacionalde Música Sacra celebrado en Roma (Italia) conactuaciones en las iglesias de San Ignacio y SanAgustín, así como una misa cantada en la Basílicade San Pedro del Vaticano. En Agosto de 2007 handado varios conciertos en Skara y Estocolmo(Suecia)En el año 2005 fueron finalistas del III ConcursoNacional de Coros “Antonio José” de Burgos. En el año 2007 consiguen el Primer Premio en elCertamen Internacional de Coros celebrado enVillafranca de los Barros.En el año 2008 obtienen la Lira de oro en elCertamen de San Vicente de la Barquera, así comolos dos premio especiales: Premio a la mejor inter-

pretación de Canción Marinera y el Premio especialdel público.En Junio de 2009 graba su primer disco titulado“Directos”, que recoge una muestra muy diversa delrepertorio del Coro y que tiene la peculiaridad dehaber sido grabado en directo en conciertos cele-brados en Cáceres, Don Benito y La Haba.En Julio de 2009 consiguen el máximo galardón queun coro puede recibir en España,ganando el GranPremio Nacional de Canto Coral y a la vez el premioen la modalidad de Folclore.En Marzo de 2010 participa ,como ganador delGran Premio Nacional, en el prestigioso EncuentroCoral de Tomelloso e interviene en la Gala deEntrega de Premios del 17º Festival Solidario delCine Español de Cáceres.

Manuel Guisado RodrigoDirige el coro Arte Vocal desde su fundación en elaño 2000. Combina su labor de dirección con la deformación de todos sus componentes.Actualmente es profesor de Educación Musical conuna amplia formación en Pedagogía Musical paraniños. Aunque una gran parte de su formaciónmusical es autodidacta, ha realizado estudios decanto en el Conservatorio de Música de Mérida conla profesora Mariana You Chi. Posteriormente haperfeccionado sus estudios de canto con CarmenSolís. También han sido numerosas las jornadas en lasque ha participado como ponente en cursos sobretécnica vocal y formación de coros en el ámbitoeducativo.Ha estudiado dirección coral con grandes maestrosdel panorama internacional destacando la participa-ción en los cursos de dirección coral con los presti-giosos directores Julio Domínguez, Carlo Pavesse,Javier Busto, John Wasburn, Mike Brewer, e IsabelMantecón, entre otros.




Posee un amplio bagaje en el mundo coral. Desdeel año 1989 fue director y fundador del grupo poli-fónico Discantus, agrupación de cámara dedicada ala interpretación de la música del Renacimiento.Durante los años 1999 y 2000 participó como direc-tor de los coros en la obra teatral ACIMOS (LaPasión) obteniendo un gran éxito tanto en la direc-ción de los coros como en aportaciones musicalesen la propia obra. Así mismo, en 2006 fue directormusical de la obra teatral “Amaranto, Tragedias lor-

quianas” en la que combina el teatro con el cantocoral y que ha supuesto una gran experiencia paratodos sus miembros.Además de dirigir al coro Arte Vocal, en 2003 dina-mizó la creación del coro Arte Vocal Infantil y estárealizando, junto con la Asociación que sustenta almismo, una labor de formación de todos sus com-ponentes para que sea ésta la base para ir exten-diendo la afición hacia la música coral y sea éstafuente de gozo para todo el que se acerca a ella.

PROGRAMAEl programa que se presenta esta noche está formado por obras de género sacro de diferentes estilos y épo-cas. Un abanico de propuestas donde la polifonía antigua se conjuga con los acordes del siglo XX y XXI dediferentes autores que destacan en el panorama coral.

Luigi MolfinoO SACRUM CONVIVIUM

Albert AlcarazAETAS CARMEN

Antonio LottiMISERERE

Javier BustoAGNUS DEI (misa Augusta) voces femeninas

Eric WhitacreLUX AURUMQUE

Felix MendelssohnDEN ER HAT SEINEN ENGELS

John TavernerSONG FOR ATHENE

Henryk Mikolaj GóreckiTOTUS TUUS

Per-Gunnar AlldahlPAX (?)

Javier BustoO QUAM SUAVIS EST

Javier BustoAVE MARIA

O MAGNUM MYSTERIUM

Albert AlcarazEXULTATE DEO


SOCIEDADE FILARMÓNICA ARTÍSTICA ESTREMOCENSE


SÁBADO 22 DE MAYO

POR LA MAÑANA, EN DISTINTOS PUNTOS DE LA CIUDAD, DE 11.30 A 13.30 HORAS

Música en la calle/Música na ruaBANDA DE ESTREMOZ, Artur Rouquina, director

CORO DEL CÍRCULO PACENSE, Dolores Navarro, directora

GRUPO “ALLA CORDA” DEL CONSERVATORIO

SUPERIOR DE BADAJOZ, Joan Alonso, director

GRUPO DE FLAUTA Y PERCUSIÓN DEL CONSERVATORIO DE

ALMENDRALEJO, Eva María Morales, directora


Banda de EstremozArtur Rouquina, directorA Sociedade Filarmónica Artística Estremocensefoi fundada em 11 de Agosto de 1871, não sen-do conhecidos os nomes dos seus fundadores.Desde o primeiro momento, a sua principal acti-vidade foi a intervenção na música filarmónicacom a constituição e manutenção da Banda Fi-larmónica.O seu primeiro fardamento foi estreado em 1891,tendo sido custeado pelos músicos filarmónicosa partir de actuações realizadas em diversoseventos. Foi-lhe conferido, pela Comissão Admi-nistrativa Municipal de Estremoz, em 19 de Ou-tubro de 1926, o título de Banda Municipal, ten-do-Ihe sido simultaneamente entregue uma fitacom as armas de Estremoz para o estandarte.Foi galardoada com a Medalha de Dedicação daCruz Vermelha Portuguesa em 6 de Outubro de1929. É Sócia Benemérita da Liga dos Comba-tentes desde 29 de Setembro de 1955. É asso-ciada do INATEL, da Confederação Portuguesadas Colectividades de Cultura, Recreio e Des-porto e da Federação de Bandas Filarmónicasdo Distrito de Évora. Tem sido ponto de encon-tro de gerações e gerações de estremocenses,sendo de salientar a fundação, no seu seio, doOrfeão de Estremoz “Tomaz Alcaide” em 1930 ea Orquestra Típica Alentejana e o seu RanchoFolclórico em 29 de Setembro de 1955.Na lira do seu estandarte encontram-se teste-

munhos e recordações das varias localidades vi-sitadas pela Banda Filarmónica, desde o Norteao Algarve, passando pela Região de Lisboa, portodo o Alentejo e pela Extremadura (Espanha).Para além da participação nas Marchas Popula-res e noutros eventos locais, tem colaboradodesde sempre no Carnaval de Estremoz. A acti-vidade foi mantida ao longo dos tempos graçasao empenho e dedicação de sucessivos dirigen-tes e gerações de músicos, que têm mantidocondignamente a Sociedade e a sua Filarmóni-ca.

O momento actualA colectividade conta actualmente com 211 asso-ciados e mantém em funcionamento a Banda Fi-larmónica, constituída por 40 músicos com idadescompreendidas entre os 10 e os 69 anos. Temigualmente em actividade uma Banda Juvenil, cu-ja primeira apresentação pública se realizou emDezembro de 2006. A Escola de Música encontra-se a funcionar em pleno, contando com 48 alunosde ambos os sexos, sendo a respectiva formaçãoministrada por 7 professores de diversas áreas.Apesar de não ser excepção relativamente aosproblemas que assolam a generalidade das as-sociações, a colectividade encontra-se numbom momento ao nível do empenho e motivaçãode todos os seus agentes, factores que auguramum promissor futuro...

PALACIO DE CONGRESOS A LAS 21 HORAS

Orquesta Extremadura en colaboración con el Festival Ibérico, (concierto de abono)

GEROK. ISABEL URRUTIA

CONCIERTO PARA VIOLA «DER SCHWANENDREHER». P. HINDEMITH

SINFONÍA Nº 2, OP. 61 EN DO MAYOR. R. SCHUMANN

MAXIMIANO VALDÉS, DIRECTOR • NILS MÖNKEMEYER, VIOLA

INFORMACIÓN DETALLADA EN EL PROGRAMA DE MANO DE LA OEX



BRASS BAND DE LA ORQUESTA METROPOLITANA DE LISBOA


DOMINGO, 23 DE MAYO. TEATRO LÓPEZ DE AYALA. 20.30 HORAS.

Brass Band de la Orquesta Metropolitana de LisboaREINALDO GUERRERO, DIRECTOR

A mais recente formação musical da Metropolita-

na. Consiste num agrupamento de metais forma-

do por alunos e professores das escolas deste

projecto, membros da Orquestra Metropolitana de

Lisboa e ex-alunos dos naipes de metais e per-

cussão da Academia Superior de Orquestra.

Sob a direcção do trombonista e maestro Reinal-

do Guerreiro (licenciado em Direcção de Orquestra

pela Academia Superior de Orquestra), assume

uma dimensão sinfónica e está vocacionado para


o grande repertório das bandas de sopros. Assim,veio preencher um vazio existente no panoramamusical nacional. Para além do elevado nível téc-nico e artístico em que assenta o projecto, realça-se o entusiasmo dos seus músicos e a grande em-patia que estabelece com o público.

Reinaldo GuerreiroMembro da Banda do Exército, onde exerce asfunções de Trombone Solo, é diplomado com o 8.ºgrau de Trombone na Escola de Música do Con-servatório Nacional e o Curso Superior de Instru-mentistas de Orquestra da Academia Nacional Su-perior de Orquestra (ANSO). Enquanto instrumen-tista já colaborou com a Orquestra Gulbenkian, aOrquestra Sinfónica Juvenil, Orquestra Metropoli-tana de Lisboa (OML) e a Orquestra AcadémicaMetropolitana (OAM). Tocou como solista na Or-questra de Sopros de Sintra, na OAM e na Bandado Exército. Durante o período de 2000 a 2004 foi1.º Trombone da OML. Para além da assídua cola-boração com a OML, desempenha as funções deProfessor da Classe de Trombone da ANSO (des-de 2000), e, paralelamente, de docente da EscolaProfissional Metropolitana (EPM). É licenciado emDirecção de Orquestra na classe do maestro Jean-Marc Burfin, na mesma academia. Actualmente di-rige o Brass Ensemble da Metropolitana, a Or-questra de Sopros da EPM, a Orquestra de Câma-ra de Sintra e a Banda da Sociedade FilarmónicaUnião Arrentalense. Foi agraciado, em 2008, pelaCâmara Municipal de Almada com a Medalha deOuro de Mérito Cultural.

Notas ao ProgramaPara um melómano mais desatento a música es-crita para bandas de sopros até pode parecer re-

pertório "menor". Com efeito, a sua dimensão sim-bólica fica muito aquém, por exemplo, do inco-mensurável património que decorre das tradiçõesseculares da ópera e dos diferentes formatos or-questrais. Porém, os parâmetros de avaliação esté-tica e cultural são neste caso (tal como noutros)muito relativos. Para além dos rituais de reconheci-mento instituídos nas mais prestigiadas salas deconcerto, nas revistas da especialidade e, sobretu-do, no discurso público dominante que tende a glo-balizar tendências, existem muitos outros critériosque compete a cada um de nós determinar. O graude comprazimento que cada momento musical nosproporciona será seguramente um deles. Assim,este programa desafia ideias feitas – preconceitos,portanto. Confronta-nos com música originalmenteescrita para os chamados metais – as trompetes,os trombones, as trompas, etc. –, mas num forma-to que não estamos habituados a associar a agru-pamentos exclusivamente compostos por instru-mentos de sopro. Afinal, a sinfonia tem sido o prin-cipal "veículo" da música orquestral nos últimosdois séculos e meio. É num contexto dominado pe-las cordas que mais depressa lhe identificamos onome. Surpreende-nos, todavia, a riqueza dos efei-tos musicais e a clareza do discurso que se conse-gue obter com este dispositivo instrumental. Stra-vinsky já havia inaugurado esse propósito em 1920,com a sua Sinfonia para Instrumentos de Sopro emmemória de Debussy. Tratava-se, ainda assim, deuma peça com um só andamento e apenas 10 mi-nutos de duração. Mas as quatro sinfonias que aquise escutam são bem mais fiéis ao modelo instituí-do. Alternam andamentos lentos com outros rápi-dos, manifestando uma coerência temática bastan-te vincada. Fazem inteira justiça à designação deque se apropriam.




Destaca-se ainda neste programa o facto de seapresentarem quatro compositores praticamentedesconhecidos do grande público, dois dos quaisrecentemente desaparecidos. São, porém, nomesrecorrentes no repertório de referência destes ins-trumentos. Alfred Reed foi um compositor norte-americano que assinou cerca de duzentas obraspara orquestra, agrupamentos de música de câ-mara, coro, e, naturalmente, para bandas de so-pros. Foi, para além disso, um maestro de cravei-ra internacional, formado na Juilliard School, emNova Iorque. Nesta mesma prestigiada escola for-mou-se Eric Ewazen, um dos mais importantescompositores do panorama musical americano naactualidade. Depois, Gunther Schuller, um trom-pista que integrou orquestras como a MetropolitanOpera, mas que em muitos momentos da sua ca-rreira mergulhou no universo do Jazz. Por último,Jan Koetsier, compositor holandês que desenvol-veu grande parte da sua carreira na Alemanha, nacidade de Munique. A fundação com o seu nome,e que estabeleceu ainda em tempo de vida, estásediada na Escola Superior de Música e Arte Dra-mática de Munique, tendo como desígnio apoiaros estudos de jovens trompetistas, trompistas,trombonistas e tuba, para além de promover a mú-sica de câmara para estes instrumentos. Seriasempre impossível num simples parágrafo fazeruma apresentação condigna com a importânciadestas personalidades. Felizmente, podemos aqui

escutar a sua música. A sinfonia de Reed foi escri-

ta em 1952 e explora todas as possibilidades de

conjugação entre os sopros e a percussão. É mú-

sica que remete para universos cinematográficos,

plena de drama e lirismo. Já na sinfonia de Ewasen

apresenta-se uma acentuada dinâmica rítmica e

melódica ao serviço do desenvolvimento das

ideias musicais e da construção de sucessivas

ambiências musicais. É hoje uma obra incontorná-

vel no repertório deste tipo de agrupamentos. O

mesmo acontece com a obra de Koetsier, que va-

gueia entre climas festivos e passagens em que

prevalece o lirismo expressivo. Esta é uma partitu-

ra que coloca à prova o virtuosismo dos intérpre-

tes. Por último, uma composição escrita por Schu-

ller em 1950, uma demonstração da complexidade

de escrita que este tipo de agrupamentos propor-

ciona. É um verdadeiro tratado de técnicas de

composição centenárias. No seu conjunto, estas

quatro sinfonias testemunham um acentuado

compromisso com a herança da música ocidental

dos últimos três séculos. Mas demonstram tam-

bém uma enorme vitalidade, conforme à reno-

vação dos cânones instituídos pela tradição, aqui

por intermédio de um dispositivo diferente: um

banda de sopros de grande fôlego.

Rui Campos LeitãoMusicólogo



PROGRAMA

“OS METAIS E A SINFONIA”

Alfred Reed (1921-2005)Sinfonia para Metais e Percussão n.º 1 [1952]

I. Maestoso - Allegro non troppoII. Largo

III. Con moto

Eric Ewazen (n. 1954)Sinfonia para Metais [1991]

I. Andante - AllegroII. Andante con moto

III. Allegro vivace

Jan Koetsier (1911-2006)Sinfonia para Metais, Op. 80 [1979]

I. AllegroII. LarghettoIII. Rondo

Gunther Schuller (n. 1925)Sinfonia para Metais e Percussão, Op. 16 [1950]

I. Andante - Allegro - AndanteII. Vivace

III. Lento desolatoIV. Quasi cadenza – Allegro


ENSEMBLE DE SAXOFONES SQUILLANTE

DAVID ALONSO SERENA


ENSEMBLE SQUILLANTEUnidos desde 2006 por una pasión común, losnueve saxofonistas titulados en el prestigiosoConservatoire National Supérieur de Musique etDanse de Paris que componen el EnsembleSquillante se han propuesto promover su instru-mento en el panorama musical actual. Estos jó-venes músicos han sido laureados internacional-mente en los concursos más prestigiosos, talescomo: Concurso Internacional Adolphe-Sax deDinant (Bélgica), Concurso Internacional Selmer-París de Ucrania, Concurso Internacional parajóvenes solistas de Gap (Francia), Concurso In-ternacional de Música de Benidorm, ConcursoInternacional Pacem in Terris de Bayreuth (Ale-mania) entre muchos otros y han actuado bajolas batutas más célebres como Plácido Domin-go, Christoph Eschenbach, Kent Nagano o PeterEötvös integrando algunas de las más prestigio-sas orquestas europeas como la Orquesta de

París, Orquesta Nacional de España, Orquestadel Capitole de Toulouse, la Mahler Chamber Or-chestra o el Ensemble Intercontemporáneo. Ellos apuestan por combinar las posibilidadesorquestales de esta formación con su calidad degrupo de cámara sin director.A pesar de su juventud, sus miembros son solici-tados para ofrecer recitales y masterclasses portoda la geografía mundial, pasando desde China,Japón, Hungría, Alemania a las ya frecuentes Es-paña y Francia. Como conjunto y en tan sólo 4años son varios los países que el Ensemble Squi-llante no deja de visitar asiduamente, entre los quedestacamos España, Bélgica y Francia como suslugares más frecuentes, obteniendo en cada unade sus actuaciones las mejores críticas por partede público y prensa. Recientemente han obtenido el “Premio delOyente” tras su paso por la Radio Clásica Fran-cesa (France Musiques) así como el Premio “Sel-



LUNES, 24 DE MAYO. SALA AZUL DEL PALACIO DE CONGRESOS. 21 HORAS

Ensemble de saxofones SquillanteFEDERICO COCA, SAXOFÓN SOPRANO • PASCAL BONNET, SAXOFÓN SOPRANO JULIEN CHATELLIER, SAXOFÓN ALTO •SIMON DIRICQ, SAXOFÓN ALTO • CEDRIC CARCELES, SAXOFÓN TENOR • ADRIEN LAJOUMARD, SAXOFÓN TENOR •GÉRAUD, ETRILLARD, SAXOFÓN BARÍTONO Y BAJO • HUGO SCHMITT, SAXOFÓN BARÍTONO Y BAJO • THOMASBARTHÉLEMY, SAXOFÓN BARÍTONO Y BAJO

DAVID ALONSO SERENA, SAXOFÓN SOLISTA

GILLES DUROT, PERCUSIÓN


mer” del Concurso de música de Cámara de laFNAPEC en París.La transcripción fue, al inicio, uno de los pilaresbásicos de este original ensemble, siendo ellosmismos arreglistas de su repertorio. Éste cuentaya con más de una veintena de obras: Haendel,Bach, Mozart, Mendelssohn, Ravel, Britten, Piaz-zolla…No obstante, ese creciente deseo de renovación,asociado al vivo interés de los compositores poreste instrumento, lleva al Ensemble Squillante acrear y estrenar músicas actuales. Siguiendo es-ta tendencia artística, este grupo intenta renovarla estructura estática del concierto tradicional,proponiendo nuevas formas de puesta en esce-na.Desde 2008, el conjunto organiza un curso de per-feccionamiento en Montefrío (Granada) que añotras año se ha consolidado como referencia saxo-fonística en cuanto a cursos de formación. Entre sus proyectos destacamos la próxima gra-bación para Radio France Musiques en el mes demarzo así como la publicación de su primer discoconsagrado a la tradición barroca.

DAVID ALONSO SERENAComienza sus estudios musicales en la Socie-dad Musical “Lira Carcaixentina”, así como en elConservatorio “Mestre Vert” de Carcaixent. Poste-riormente se traslada al Conservatorio Superior“Joaquín Rodrigo” de Valencia donde consigue elPremio de Honor de Grado Medio, Superior y elPremio “Mercedes Massí” al mejor expedienteacadémico de Grado Superior del curso 89-90.Completa su formación en diversos cursos de per-

feccionamiento con los profesores Rafael Sanz,Daniel Deffayet, Jean-Marie Londeix, MªBernar-dette y Claude Delangle. Ha destacado en diversos concursos internaciona-les obteniendo primeros premios en Benidorm, SanJuan, Tortosa, Limoges (Francia) y ha sido laureadoen dos ocasiones en Dinant (Bélgica).Ha colaborado con el grupo Nou Mil.leni , GrupInstrumental de Valencia, Ensemble Squillante deParís, Big Band Seda-jazz, con la J.O.N.D.E, RealOrquesta de Wallonie (Bélgica), Orquesta de Va-lencia, Orquesta Sinfónica de Galicia, OrquestaCiudad de Almería, Orquesta de la Ópera Estatalde Hungría, Orquesta Nacional de España, con di-rectores como Miguel Angel Gómez Martínez, Jo-sep Pons, Pablo González, Vasily Petrenko, PeterEtvös, etcHa realizado conciertos en salas como el Royal Al-bert Hall (Londres), Berliner Philarmonie (Berlin),Symphony Hall (Birmingan), Palau de la Música(Valencia), Auditorio Nacional (Madrid)... en festi-vales como Proms (Londres), Ciclo el legado deSax en el Palau de la música de Valencia, Festi-val de música del Castell de Peralada (Girona),Festival Ibérico de Badajoz.Forma dúo con el pianista Lucjan Luc y es miem-bro del grupo de saxofones “Adolphe Sax” deValencia con los que ha realizado grabacionespara RNE. En su labor pedagógica ha sido pro-fesor del Conservatorio de Lliria (Valencia), es in-vitado regularmente ha realizar distintos cursosen Valencia, Lugo, Pontevedra, Alicante, Carta-gena, Melilla,etc Actualmente es profesor nume-rario del Conservatorio “Hermanos Berzosa” deCáceres.




PROGRAMA

IJ. Haydn* (1732-1809)

Las Siete últimas palabras de Cristo en la CruzIntroduzioneIl Terremoto

M. Ravel (1875-1937)Le Tombeau de Couperin

PréludeForlaneMenuet

Rigaudon

A. Khachaturian (1903-1978)Concierto para violín y orquesta

Allegro con fermezza

Solista: David Alonso Serena

III. Stravinsky (1872-1971)

PulcinellaSinfoníaSerenata

Scherzino-Allegro- AndantinoTocatta

Gavotta con due variazoniMinuetto – Final

J.D. Michat*Massive HAKA

* Con la participación del percusionista Gilles Durot



Notas al programa

Las Siete últimas palabras de cristo en lacruz. J.HaydnEn 1785 Haydn recibe desde Cádiz un encar-go: componer una obra espiritual instrumentaldestinada a ilustrar las Siete Últimas Palabrasde Cristo en la Cruz y a ser presentada duran-te la Semana Santa gaditana. El compositoraceptó de buen grado la encomienda y escri-be “siete sonatas con una introducción y unterremoto final para gran orquesta”.Las crónicas apuntan a que la obra fue inter-pretada por primera vez el Viernes Santo de1786, en el oratorio subterráneo de la SantaCueva de Cádiz, cuya construcción, a expen-sas de José Sáenz de Santamaría, había con-cluido recientemente. Las Siete Últimas Palabras de Cristo en la Cruz,Hob. XX:1, es una obra conmovedora entron-cada en los cimientos mismos de la espirituali-dad. Su Introducción, escrita en Re menor(tonalidad denominada “de Requiem”) nosadentra de lleno en la atmósfera trágica delacontecimiento religioso. La primera Sonata,marcada por las llamadas al Padre y los pro-fundos suspiros, los pasajes cromáticos acen-túan hasta el éxtasis el ambiente de sufrimien-to. Tras una segunda Sonata nacida de la intro-ducción y con diversas variantes, la tercerarefleja las llamadas interrumpidas por pausas,lanzadas como en un último suspiro y con elpermanente simbolismo de la Cruz. Todo elloda a esta pieza un color trágico singular, baña-do por una tonalidad de Mi bemol Mayor al que

Haydn dio siempre un valor negativo. La cuartaSonata, compuesta en Fa menor, es aún mástrágica y da a la pregunta ¿por qué me hasabandonado? toda la claridad que precisa. Enla quinta, la polifonía y los cromatismos formanun deliberado contraste para el episodio dra-mático principal, en el que el grito de Jesús“tengo sed” separa los comentarios desenca-denados por el coro. La sonata número seis semuestra con montajes melódicos impregnadosde sufrimiento que evocan al diablo y el peca-do a partir de un Sol menor, tonalidad identifi-cada en la antigüedad con la muerte. La últimasonata, en Si bemol Mayor, la tonalidad delamor, es un canto a la confianza inquebranta-ble, en este caso en la redención. La pieza final,Il Terremoto, representa en música el temblorde tierra que provoca la muerte del Salvador, eldolor de la humanidad por la expiración deCristo crucificado.

Le tombeau de Couperin. M. RavelLa obra de Ravel, frecuentemente vinculada alimpresionismo, muestra además un audaz esti-lo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionis-mo, y es el fruto de una compleja herencia y dehallazgos musicales que revolucionaron la músi-ca para piano y para orquesta. Reconocidocomo maestro de la orquestación y por ser unmeticuloso artesano, cultiva la perfección formalsin dejar de ser al mismo tiempo profundamentehumano y expresivoLe Tombeau de Couperin (La tumba deCouperin) es una suite en seis partes parapiano, compuesta entre 1914 y 1917. Las



primeras cuatro piezas fueron orquestadas en1919 por el mismo compositor.La palabra “tombeau” (tumba) del título, hacereferencia a un homenaje musical a FrançoisCouperin y a toda la música barroca francesadel siglo XVIII. En gestación desde 1914, la obrafue casi por completo compuesta en 1917cuando Ravel, enfermo, había sido apartado delfrente, durante su participación en la PrimeraGuerra Mundial. Cada una de las piezas estádedicada a un amigo del músico, muerto en laguerra. El carácter apacible de la obra contrastacon el período tormentoso de su composición.Las piezas de la suite que presenta laEnsemble Squillante son:

- Prélude (en mi menor) a la memoria deJacques Charlot (quien transcibió Ma Mèrel’Oye para piano solo)

- Forlane (en mi menor) a la memoria deGabrel Deluc (pintor vasco de Saint-Jean-de-Luz)

- Menuet (en sol mayor) a la memoria deJean Dreyfus

- Rigaudon (en do mayor) a la memoria dePierre y Pascal Gaudin

Concierto para violín y orquestaA. KhachaturianAram Khatchaturian (1903-1978) es el repre-sentante armenio más importante de la músi-ca soviética. Pese a haber abordado casitodos los géneros, es en la música instrumen-tal donde sus dones coloristas, su sentido delritmo y su verbo de danza encuentran elcampo de acción apropiado.

Dejó una obra abundante donde destacan losballets Gayaneh (1942), Spartacus (1955-1957), 3 sinfonías y su trilogía de conciertospara piano(1936), violoncello (1946) y violín(1940) creados para los virtuosos más emi-nentes de su época. El Concierto para violín y orquesta en re menorestá dedicado al célebre violinista DavidOïstrakh que lo estrenó en Moscú el 16 denoviembre de 1940 bajo la dirección deAlexandre Gaouk.En esta ocasión vamos a escuchar el primermovimiento del Concerto en una versión paraEnsemble de saxofones y saxofón sopranosolista.El primer movimiento está indicado comoAllegro con fermezza. Una corta introducciónorquestal presenta elementos del primer temaque será expuesto por el solista con un carác-ter muy rítmico manteniéndose casi con undiatonismo total. Se establece un diálogoentre los pasajes virtuosísticos del solista con-testados por el “ensemble” que nos conducena un segundo tema Poco piú mosso , con uncarácter cantabile con elementos orientalesacercándose al exotismo caucásico y nórdico.Los dos temas volverán a aparecer con-duciéndonos a una cadenza construida conelementos del primer y del tercer movimiento(adaptación de David Alonso) y finalmenteconcluirá con una reexposición y coda final.

Pulcinella I. StravinskyÍgor Fiódorovich Stravinski (1882 –1971) fueuno de los músicos más importantes y



trascendentes del siglo XX. Compuso unagran cantidad de obras clásicas abordandovarios estilos como el primitivismo, el neocla-sicismo y el serialismo, pero es conocidomundialmente sobre todo por tres obras deuno de sus períodos iniciales —el llamadoperíodo ruso—: El pájaro de fuego (1910),Petrushka (1911) y La consagración de la pri-mavera . Para muchos, estos ballets clásicos,atrevidos e innovadores, prácticamente rein-ventaron el género. El éxito de una temporada en Londres en1918, que incluyó La Boutique Fantasque,motivó a Diaghilev el encargo a Stravinsky deuna partitura que consistiera en arreglos demúsica antigua. Así nació Pulcinella que seestrenó el 15 de mayo de 1920 en la Ópera deParís con una coreografía de Massine y laconducción de Ernest Ansermet. La obra, sinembargo, no fue una simple orquestación depiezas, en este caso de Pergolesi o atribuidasa él, ya que todo el trabajo suena como sifuese de Stravinsky. Basada en el personajede la comedia dell’arte napolitana, la partituraincluye partes vocales que sólo sirven comoelemento colorístico, ya que no están ligadas

a la acción ni corresponden a los caracteres

del escenario. Pulcinella marcó también el

primer retorno del autor a música del pasado

e inició un período neoclásico

Masive Haka. Jean Denis Michat.Jean-Denis Michat músico completo formado

en Paris en la especialidad de saxofón, com-

posición, análisis e historia de la música.

Actualmente es un reconocido concertista de

saxofón, profesor en el Conservatorio de la

Region de Lyon.

Compone en 2009 «Massive Haka» por encar-

go del Ensemble Squillante, inspirándose en

una danza ritual del pueblo Maori, tradicional-

mente interpretada en ocasiones como cere-

monias o antes de partir hacia la guerra.

Expresión de la pasión, del vigor y de la iden-

tidad de un pueblo, el “Haka” era una cos-

tumbre de importancia particularmente en el

momento de desear la bienvenida en los

encuentros sociales. Esta danza es célebre en

todo el mundo gracias al equipo Neozelandés

de rugby (All Blacks) que interpreta un Haka

antes de la disputa de cada partido.


ERIK SCHUMANN

GOTTLIEB WALLISCH

RALPH MANNO



Ralph Manno, clarineteNacido en Brühl, Alemania, es un destacado clari-netista de su generación. Durante sus estudios enColonia y Berlín recibe becas de carácter nacional einternacional como la Studienstiftung des Deuts-chen Volkes y de la Herbert-von-Karajan-Academyde la orquesta Filarmónica de Berlín y fue el gana-dor del Deutschen Musikwettbewerb. A la edad de 23 años llegó a ser el clarinete solistade la WDR Orquesta de Colonia y anteriormente fuellamado para formar parte de la Orquesta Filarmóni-ca de Munich, tras ser invitado por S. Celibidache.Además de las numerosas actuaciones con renom-bradas orquestas, se dedica con entusiasmo a lamúsica de cámara.Con sólo 29 años llega a ser profesor de clarinete dela Hochschule für Musik de Colonia. Imparte de for-ma regular masterclasses en USA, Japón, Sudamé-rica, Australia y Europa. Es solicitado para tocar ennumerosos festivales internacionales.La discografía de Ralph Manno es extensa y con-tiene la mayoría de las famosas obras clásicas pa-ra clarinete compuestas por Mozart, Beethoven,Brahms, Schumann, así como un amplio repertoriode composiciones francesas del siglo XX y obrasde Hindemith, Strawinsky, Messiaen, Bartok etc.

Muchas de estas grabaciones son discografía dereferencia.Las críticas aparecidas en el periódico Neue Züri-cher Zeitung sobre la interpretación de Ralph Man-no refieren: “Maravillosa intensidad sonora”. El NewYork Times titula su crítica: “En la cumbre de la mú-sica clásica”.

Erik Schumann, violínErik Schumann, nacido en Colonia en 1982. Su de-sarrollo musical se ve decisivamente influenciadopor Zakhar Bron, con quien estudirá en el Conser-vatorio de su ciudad natal. Además, ha asistido amasterclasses con Pinchas Zukerman, MiriamFried, Shlomo Mintz, Hermann Krebbers andGyörgy Pauk. Desde los inicios de su carrera musi-cal, Erik Schumann ha ganado numerosos premios:Primer premio en la séptima edición del ConcursoInternacional de violín Wieniawski-Lipinskide Lublin(Polonia), ganador de un premio en el Concurso In-ternacional de violín Jacques Thibaud (2002) y en elConcurso de violín Shlomo-Mintz (Suiza, 2003). ErikSchumann, es becado por la German National Aca-demic Foundation así como por la Deutsche Stif-tung Musikleben. En 2004, recibe el premio “Berns-tein Award” del Schleswig-Holstein Music Festival.


MARTES, 25 DE MAYO. TEATRO LÓPEZ DE AYALA. 21 HORAS

Trío de clarinete, violín y pianoERIK SCHUMANN, VIOLÍN • RALPH MANNO, CLARINETE • GOTTLIEB WALLISCH, PIANO



Como intérprete solista ha actuado en importantessalas de concierto: Prince Regentdel ’s Theatre deMunich, la Philharmonie de Cologne, Gewandhausde Leipzig, Konzerthaus de Viena, Tonhalle de Zu-rich, Victoria Hall de Geneva, Musikhalle de Ham-burg, Stadtcasino de Basel, Suntory Hall de Tokio, elArts Center de Seul, el Concertgebouw de Amster-dam, la Salle Pleyel de París, así como en el Louvre.Como miembro de grupos de cámara, ha trabajadojunto a intérpretes de fama internacional, como losdel Cuarteto de Tokyo, Claudio Bohorquez, MarkusGroh y Henri Sigfridsson. En la Academia Kronberg,en 2004, tocó con Juri Bashmet, Gidon Kremer yDaniel Hope. Elena Bashkirova le invita a formar par-te de la Orquesta de cámara Internacional del Festi-val de Jerusalén en 2009.Erik Schumann toca con un violín Stradivarius cons-truído en 1713.

Gottlieb Wallisch, pianoLa carrera de Gottlieb Wallisch es una de las másvertiginosas y representativas de la joven genera-ción de artistas austríacos. Virtuosismo y majestuo-sidad interpretativa caracterizan su ejecución.Nacido en 1978 en Viena, en el entorno de una fa-milia de músicos, estudió en la Universidad vienesade Música y Arte Dramático, licenciándose con ma-

trícula de honor. A los de 16 años, ganó el primerpremio en el prestigioso Concurso Internacional TheStravinsky Awards (USA). Su más reciente éxito hasido el de llegar a ser finalista del Concurso Interna-cional de piano Queen Elisabeth en Bruselas y en laXXI edición del Concurso Clara Haskil en Vevey.Gottlieb Wallisch ha tocado con importantes or-questas bajo la dirección de Giuseppe Sinopoli,Dennis Russell Davies, Lord Yehudi Menuhin, LouisLangrée, Sir Neville Marriner y Christopher Hogwo-od, entre otros. Numerosas giras de conciertos, lellevan a tocar en prestigiosas salas como el Carne-gie Hall de New York o las salas Wigmore Hall yQueen Elizabeth Hall de Londres. Tocó también conorquestas de Japón, África y numerosos países eu-ropeos como Alemania, Suiza y España.Ha participado en el ciclo internacional “Rising Stars”ofreciendo conciertos como solista en las principalescapitales europeas, así como en USA tocando enprestigiosas salas como la Musikverein de Viena,Konserthus de Estocolmo, la Société Philharmoniquede Bruselas, la Concert Hall de Atenas, la WigmoreHall de Londres y el Carnegie Hall de New York.Como personaje representativo de la tradición pia-nística vienesa ha sido seleccionado para grabarcon el sello LINN records bajo el título “Mozart inVienna”, que será presentado este mismo año.



PROGRAMA

IFrancis Poulenc (1899 -1963)Sonata for clarinet and piano

Allegro tristamenteRomanza. Très calmeAllegretto con fuoco

Bela Bartok (1881-1945)Contrasts for clarinet, violin et pianoVerbunkos: Moderato, bien ritmato

Pihenő: LentoSebes: Allegro vivace

IIIgor Strawinsky (1882-1971)

L'Histoire Du SoldatMarche du Soldat

Le violon du SoldatPetit Concert

Tango – Valse – RagDanse du Diable

Charles Ives (1874-1954)Largo for clarinet, violin and piano

Aram Khachaturian (1903-1978)Trio for clarinet, violin and piano

Andante con dolore, con molto espressioneAllegro

Moderato

Notas al programa

SONATA PARA CLARINETE Y PIANO. FrancisPoulenc (1899- 1963)La sonata para clarinete es una de las tres que

Poulenc escribió para instrumentos de viento conacompañamiento de piano: las otras dos son una paraflauta y otra para oboe. Parece ser que tenía en mentela escritura de otra para fagot pero no vivió lo sufi-ciente para hacerla. La reiteración de determinadas



células rítmico-melódicas, la coherencia en el lengua-je utilizado y el material musical con el que se gene-raron las tres sonatas que nos legó, obliga a pensarque todas formaban parte de un mismo conjuntohomogéneo. La obra fue un encargo de BennyGoodman, clarinetista que también tuvo que ver conContrastes de Bartok, que quería estrenarla con elpropio Poulenc al piano. La repentina muerte de éste,a causa de un fulminante ataque de corazón, en enerode 1963, impidió no sólo este estreno sino la conclu-sión de la obra, a la que faltaban articulaciones y lasindicaciones de dinámica. Fue estrenada, por fin, enabril con el propio Goodman al clarinete y LeonardBerstein como pianista. Está dedicada a un amigodesaparecido (como las otras dos sonatas para vien-to): el compositor suizo Arthur Honneger, miembrocomo Poulenc, del grupo francés de “Les Six”.La obra se articula en tres movimientos marcados porel patrón clásico de rápido – lento central – rápidofinal.-El primer movimiento se subtitula Allegro tristementelo que parece una paradoja (el de la sonata de flautaserá allegro malincólico): alegre y triste, a la vez. Estásubdividida en tres secciones contrastantes de“tempi” rápido inicial, lento central y final rápido.-El tiempo central es de una cristalina claridad en sumelodía. Simple y sobria pero profundamente emo-cional, elegante pese a los excesos de alguna que otrafiguración muy rápida. Poulenc logra el efecto dearrastrarnos tras de las notas que componen unamelodía no convencional pero conmovedora. El título,Romanza, indica sin lugar a dudas las intenciones delcompositor.-El tercer tiempo lleva la indicación de allegro confuego y responde con exactitud a las expectativas quedespierta semejante afirmación. Poulenc combina conhabilidad varios temas de corte rapsódico, muy ágiles

y articulados, en una curiosa mezcla de rasgos quasihumorísticos con otros serios y ampulosos lo que pro-voca una sensación extrañamente lúdica a quien losoye.

CONTRASTES. Bela Bartok (1881-1945)En respuesta a una petición del violinista JosephSzigeti, en 1938, Bartok acometió la tarea de escribiresta obra que, oficialmente, hay que considerar encar-gada (o sea, pagada) por el violinista norteamericanoBenny Goodman.Curiosamente, es la única obra de cámara de Bartokque incluye un instrumento de viento.El trío original, que se llamó Rhapsody, constaba dedos movimientos breves para que pudieran ser gra-bados en un disco de gramófono (en torno a 4 min.por cara) y fue estrenado en el Carnegie Hall en 1939.Estas piezas debían incluir una cadencia para violín yotra para clarinete. Bartok añadió un movimiento cen-tral, cambió el título por el de Contrastes y colaboró ensu re-estreno, en 1940, tocando el piano junto aGoodman y Szigeti. La obra se basa, como tantas deBartok, en melodías populares (canciones y bailes) delas actuales Rumanía y Hungría.Está fragmentada en tres movimientos que Bartoktitula Verbunkos, Pihenö y Sebes y en los que el autor,lejos de hacer una obra de lucimiento virtuoso perosencilla en cuanto a la audición puso en prácticas sushabituales recursos compositivos y un lenguaje actual(de entonces) altamente intelectual. -El primero de ellos se refiere a una melodía bailablede reclutamiento húngara muy estilizada rítmicamen-te y con una gran profusión de adornos en figurasbreves.Supuestamente, su audición incitaba a los jóvenes“reclutables” a incorporarse a filas.



-El segundo movimiento, Piheno (relajación), es pura-mente ambiental aunque hay quien la ha descritocomo volcánica en lugar de relajante. Su falta de unpulso fuerte y marcado está en contraste con la con-ducción vertiginosa de los movimientos extremos. Enella es posible adivinar el profundo respeto y casiveneración que Bartok sentía por la naturaleza.-El movimiento final, Sebes (danza rápida), es un guióndelirante, muy rápido, con abundancia de ritmos lla-mados “búlgaros o alla búlgara” en los que 13 pulsosse reparten en compases obligatoriamente asimétri-cos (ritmos cojos, para que nos entendamos). Habríaque añadir que Bartok propone “scordatura” para elviolín, esto es, una afinación distinta de la habitual enalguna de las cuerdas (en este caso, dos). Lo máscómodo, para mantener la tensión de las cuerdas, esinterpretarlo con dos violines afinados de manera dis-tinta: uno como siempre y el otro con la scordatura yapracticada. También, a veces, la parte de clarinete seinterpreta con dos clarinetes de tamaño y afinacióndistintos: en si bemol y en la. Esto es debido a la difi-cultad que entrañan algunos pasajes concretos parasu interpretación con el habitual clarinete en si bemol.

LA HISTORIA DEL SOLDADOIgor Stravinsky (1882-1971)La historia del soldado (1918) fue compuesta duranteuno de los períodos más difíciles de la vida deStravinsky. “La Revolución Comunista, que acababade triunfar en Rusia, me privó de los últimos recursosque aún me llegaban ocasionalmente desde mi país.Me encontré, por así decirlo, frente a frente con lanada, en un país extranjero y justamente en medio dela guerra”. Junto con sus amigos, el director ErnestAnsermet y el escritor C.F. Ramuz, buscó una manerade salir de apuros. “Ramuz y yo nos aferramos a laidea de crear una especie de pequeño teatro ambu-

lante, fácil de transportar de sitio a sitio, y de actuarincluso en pequeñas localidades.”Una colección de cuentos populares rusos ofreció eltema, particularmente las leyendas que trataban delas aventuras, y desventuras, del soldado desertor y elDiablo que inexorablemente viene a llevarse su alma.En la versión original, para siete instrumentos y narra-dor (el texto está escrito con notación rítmica) ademásde los actores, la acción es presentada por cuatro per-sonajes. El soldado y el Diablo hablan, bailan y actú-an. El narrador lee, incluso llega a entrometerse acon-sejando al desdichado héroe. La Princesa baila ymima su papel pero no tiene parte hablada. La accióntranscurre cuando el Soldado, de vueltas a su aldeanatal, es abordado por el Diablo. Éste le ofrece un libromágico que contiene el secreto para obtener unariqueza incalculable, a cambio del violín (alma) delSoldado. Éste acepta. El Diablo también invita a suvíctima a una visita de tres días. Al llegar a su aldea, elSoldado descubre que, en realidad, los tres días hansido tres años. Siguen una serie de aventuras en lasque el Soldado recobra su violín y conquista a laPrincesa. Sin embargo, finalmente, cae en las garrasdel Diablo, quien se lo lleva.En las amplias y límpidas sonoridades de esta partitu-ra hallamos la textura de la nueva estética clasicista. Elautor nos devuelve a la tradición de la graciosa músi-ca de entretenimiento, encarnada en la suite y diverti-mento del siglo XVIII. Aunque la “Historia” trae un ecodel infinito desencanto que impregnó los amargosaños de la guerra.Fue compuesta y estrenada (Lausanne) en 1918. Lasuite instrumental data de 1920 aunque la edición másfiable es de 1924 (Chester, Londres), realizada trasnumerosas revisiones del autor. La versión para tríoque hoy escucharemos se basa en una selección deesta última que el propio Stravinsky realizó para un



mecenas clarinetista aficionado. Desde su creación,este trío ha gozado de una gran popularidad entre losclarinetistas.

LARGO PARA VIOLÍN, CLARINETE Y PIANO. Charles Edward Ives (1874-1954)La historia de la música norteamericana no podríaentenderse sin la decisiva y trascendente figura deCharles Ives, pese a lo cual su Largo para esta com-binación de instrumentos no es una obra fácil de oír:raramente se interpreta. Como la famosa sinfonía nº 3,la fecha de composición de la obra es de 1901.Consiste en una nueva versión de una sonata paraviolín de fecha reciente (a 1901) que, a su vez, deriva-ba del Largo para violín y órgano. Los originales deestas obras, como tantos originales de Ives, estándesaparecidos.Parece ser que este Largo formaba parte de un Tríopara violín, clarinete y piano y que este es el únicofragmento que se ha conservado. Es una pieza deestructura ternaria donde la tercera sección se entien-de claramente como una recapitulación de la primera(A – B – A). Esta situación es perfectamente reconoci-ble por la sentimental melodía que el violín interpretaen estas secciones sobre un “silencioso” acompaña-miento ostinato del piano. El clarinete tiene un papelmás agitado, sobre todo en la sección central.La composición posee unos ritmos francamente com-plicados y alguna mezcla métrica (compases en com-plejas asociaciones) que otra. Fue estrenada en 1951y podría decirse que es una perfecta muestra, enminiatura, del personalísimo estilo de componer deCharles Ives.

TRIO FOR CLARINET, VIOLIN AND PIANO. AramKhachaturian (1903 – 1978)Pieza compuesta en 1932 por lo que se trata de una

las primeras del catálogo del músico de origen arme-nio aunque naciera en Tiblisi (Georgia). De hecho, poresa época aún estudiaba en el Conservatorio deMoscú. La parte de clarinete, al igual que en las dossonatas op.120 de Brahms, puede ser interpretadapor una viola. Este Trío denota bastantes influenciasestilísticas de Prokofiev (con quien compartiría denun-cias sobre sus obras por apartarse sensiblemente delas directrices “de la música clásica oficial popular”que estipulaba el Comité Central Partido Comunistaruso. Parece ser que el propio Prokofiev le animó ainterpretar este “Trio” en París.La tradicional secuencia de las obras de tres tiemposde alegre – lento – rápido se ve aquí modificada conun andante inicial, que el gran músico armenio subti-tula “con dolor y con mucha expresión”. Sobre unosacorde pausados de piano, piano y clarinete estable-cen una especie de duelo contrapuntístico interpreta-tivo a base de melodías con un cierto aire de virtuo-sismo (como si fuera una rapsodia zíngara) pero congran expresividad. El piano se incorporará lograndouna atmósfera muy exótica y colorista.El agitado segundo movimiento comienza con unscherzo y una melodía de escalas descendentes hastaque otra melodía de corte popular la sustituye, rela-jando el tiempo. La sección central combina estrepi-tosamente ambas ideas hasta que una cadenciahaga triunfar a la melodía popular. El movimientoacaba scherzando, como comenzó.El final consiste en una serie de variaciones sobreotra melodía popular con una evolución rítmica queva adquiriendo notoriedad a medida que avanza elmovimiento. El moderato final es el más largo delos tres, siete min., mientras que los dos primerosapenas duran cuatro minutos.

Jerónimo Gordillo


OTRA UTRERA (FLAMENCO CONTEMPORÁNEO)


MIÉRCOLES, 26 DE MAYO. TEATRO LÓPEZ DE AYALA. 21 HORAS

Otra Utrera (flamenco contemporáneo)ANTONIO MORENO, PERCUSIONES • JUAN JIMÉNEZ ALBA, SAXOFONES • RAFAEL DE UTRERA, CANTE • “BOBOTE”,BAILE Y COMPÁS

De soleá a toná, compact y polirritmos.

Una propuesta de Pedro G. Romero para Pro-yecto LorcaCon la colaboración especial de Rafael de Utre-ra (cante) y “Bobote” (compás y baile)

Si ha resultado natural que durante el siglo XX unanueva sensibilidad ligada a la revolución estéticade la música contemporánea valorase músicas de

nuestro pasado, nadie se extrañará de la estrecharelación entre esta nueva sensibilidad y el flamen-co. Con una historia similar, llena de relaciones ymutuas influencias –desde Isaac Albéniz y Manuelde Falla hasta Luigi Nono y Francisco Guerrero, pe-ro también, de muy diverso modo, en Silverio Fran-conetti, Ramón Montoya o Vicente Escudero- nopodemos enfrentarnos, al día de hoy, al hecho mu-sical "jondo" sin tener en cuenta estas referencias.Por eso, en un momento en el que soplan favora-



blemente estos vientos -desde Enrique Morentehasta Israel Galván, desde Mauricio Sotelo hasta Ar-cángel- es tan importante que Proyecto Lorca -losutreranos Juan M. Jiménez y Antonio Moreno va-liéndose simplemente de saxofón y percusiones, ai-re y tierra para la música- afronte con una nueva mi-rada esta tradición musical. Para empezar, ellos quetienen la formación de Conservatorio y el aprendiza-je en la academia musical europea, sin hacer distin-gos entre la música escrita y la de transmisión oral,deshaciendo las diferencias entre alta y baja cultura,deciden construir un repertorio amplio y rico, conmúsicas de distintas procedencias. Para su presentación se han propuesto tres estre-nos muy ligados a la propia Utrera –curiosamenteestán esas tres texturas que cohabitan en el fla-menco utrerano, tres niveles distintos, tres formasde estar en la música: la intensidad de Bambino, laligereza de Enrique Montoya, la profundidad deFernanda de Utrera, sólo por poner estos tresejemplos-. Así, repito, tres estrenos: el común de latradición musical norteafricana, a partir del miste-rioso "Mata y vete a Utrera" en la pieza de Máqui-

na P.H.; la amplia tradición musical utrerana de no

distinguir el cuplé y la solea, la tonadilla y la segui-

riya que ha inspirado a Alfredo Lagos su pieza.

"Seguiriya" ha dicho; por último para la composi-

ción de Mauricio Sotelo, “la solea de Fernanda”,

qué más decir, la piedra de su garganta y el aire

que allí sopla.

Pedro G. Romero

Proyecto Lorca son:

Juan M. Jiménez (saxofones)

Antonio Moreno (percusiones)

CRÉDITOS:

Pedro G. Romero, Dirección artística

Artistas invitados:

Rafael de Utrera, Cante

“Bobote”, Compás y baile

Ada Bonadei (VANCRAM), Diseño luces

Félix Vázquez, Diseño sonido

A negro, Producción

PROGRAMA

Máquina P.H.Acorde número 10

FarrrrrrrrucaMata y vete a Utrera

Mauricio SoteloMuros de dolor IDe Vinculis: gong

Muros de dolor IV: Solea de Utrera

Alfredo LagosEstudio sobre la liquidezEstudio sobre el ritmo

¿Dónde vivo yo?, Seguiriya


LUIS FERNANDO PÉREZ


JUEVES, 27 DE MAYO. TEATRO LÓPEZ DE AYALA. 21 HORAS

Luis Fernando Pérez, piano

Nace en Madrid en 1977. Estudia con Andrés Sán-

chez-Tirado en el Conservatorio de Pozuelo de

Alarcón donde obtiene las máximas calificaciones.

En 1993 ingresa en la Escuela Superior de Música

Reina Sofía donde estudia piano con los profesores

Dimitri Bashkirov y Galina Egyazarova y música de

cámara con la profesora Marta Gulyas. Continúa su

formación en la Hochschule de Colonia (Alemania)

con Pierre-Laurent Aimard y posteriormente con

Alicia de Larrocha, Carlota Garriga y Carmen Bravo

de Mompou en la Academia Marshall de Barcelona

donde obtiene el “Máster en Música Española”.

Ha recibido clases magistrales de maestros como

Leon Fleisher, Andras Schiff, Bruno-Leonardo Gel-

ber, Carmen Bravo de Mompou, Menahem Press-

ler o Fou Tsong, y ha sido galardonado en numero-

sos concursos, como el de Ibla (Premio Franz Liszt-

Italia) y el Enrique Granados de Barcelona (Premio



PROGRAMA

(BIENIO ALBÉNIZ 2009-2010)

Isaac AlbénizSuite Iberia

IPrimer cuaderno

EvocaciónEl PuertoEl Corpus

Segundo cuadernoRondeñaAlmeríaTriana

IITercer cuaderno

El AlbaicínEl Polo

Lavapiés

Cuarto cuadernoMálagaJerez

Eritaña

Alicia de Larrocha).Imparte clases magistrales en Hungría, Francia ydiversas ciudades españolas y es el Asistente de laCátedra de Música de Cámara en la Escuela Supe-rior de Música Reina Sofía.Su carrera le ha llevado por diversos escenarios deEuropa, Japón y Estados Unidos, y sus interpreta-ciones, tanto en su faceta de solista como de mú-sico de cámara, han sido acogidas calurosamentepor la crítica y el público. Su discografía, entre laque destaca la grabación de la Suite Iberia y Nava-

rra de Albéniz por la que ha recibido la Medalla Al-béniz, abarca estilos y autores muy distintos. El dis-co dedicado a las Sonatas del Padre Antonio Soler,editado en el sello Mirare, ha sido distinguido comodisco excepcional de la revista Scherzo y “Choc duDisc” de la revista Classica (Francia). En la prima-vera de 2010 ha visto la luz su último trabajo dedi-cado a Chopin, también editado en el sello Mirare.En 2010 tiene previstos conciertos por distintas ciu-dades de Alemania, España, Francia, Brasil, Japón,Polonia, Costa Rica…



Notas al programa

“Hay que hacer música española con acento uni-versal para que pueda ser entendida por todo elmundo”, decía Albéniz. A lo largo de toda su vidareivindicaría su discurso de lo español ya fuera através de su música, de su personalidad, o de sumanera de interpretar. La Iberia o, los Douze Nouvelles Impressions enQuatre Cahiers, según subtítulo del propio com-positor, compone actualmente una de las gran-des obras pianísticas del siglo XX . A lo largo delos cuatro cuadernos evoca una España idealpero al mismo tiempo la España real que cono-ció y vivió. En ella queda expresado el sonidouniversal de “lo español” tal y como él lo añora-ba desde su exilio. Su personalidad, llena decontrastes anímicos, se ve reflejada en estasestampas de gran sentido romántico, donde uti-liza las herramientas idóneas para plasmar suformidable dominio y conocimiento del pianismoromántico de Chopin, Schumann y Liszt , asícomo su no menos profunda relación con elpiano impresionista pleno de “atmósferas” y de“colores” de Debussy, Fauré, Chausson, D´Indy,Dukas, Lalo y, al fin, su extraordinario conoci-miento del material folklórico español. El Primer Cuaderno de Iberia, que por aquelentonces era la primera entrega de las DouzeNouvelles Impressions, se estrenó en la salaPleyel de París el 9 de Mayo de 1906, conBlanche Selva como intérprete. Los tres númerosque lo componen y que hoy conocemos comoEvocación, El Puerto y Corpus Christi en Sevilla,figuraban con los títulos originales que se man-tuvieron en las dos primeras ediciones deMutuelle: Prelude, Cadix y Seville.

- Evocación es un nocturno en forma de lied. Semueve en ambiente hispano-árabe de suavidadde ensueño y mágicas combinaciones armóni-cas. El primer tema algo ambiguo, pues recuer-da al fandango y a la malagueña, contrasta conun segundo tema con clara referencia a unacopla de la jota navarra. - El Puerto es luminoso y de carácter optimistareflejando el ajetreo del puerto de mar, en estecaso el de Cádiz y no el de Sta. María como secreyó en un principio, no solo por su nombre pri-mitivo Cadix, sino porque era además, el únicopuerto importante con actividad de donde partí-an los barcos de la zona para La Habana. Oponea un aura de ensoñación y lejanía, la brillantez dela danza, con un zapateado no exento de alusio-nes a la bulería o a la seguiriya, y cristalizandofinalmente en una coda meditativa que sirve decontrapunto a tanto bullicio.- El primer cuaderno finaliza con El CorpusChristi en Sevilla, una de las páginas más logra-das de la obra, en la que Albéniz nos ofrece unimpresionante mosaico sonoro. Sobre el repiquede los tambores aparece el tema popular de LaTarara que se verá sometido a múltiples transfor-maciones arrastrándonos a un desfile procesio-nal en el que escucharemos los tambores, lascornetas y la alegría de la muchedumbre. Lasdisonancias describen las desafinaciones oimperfecciones de las bandas en las procesio-nes. Aparece el tema de la saeta en la manoizquierda en fortíssimo. La coda recuerda laCatedral Sumergida de Debussy con los sonidosde campana très lontain, y el fa sostenido quemuestra la quietud de la noche.El Segundo Cuaderno está dedicado a BlancheSelva, que fue también la encargada de estre-



narlo, en esta ocasión en San Juan de Luz el 11de Septiembre de 1907. - En la Rondeña, cuyo título puede aludir a la ciu-dad de Ronda en Málaga o también a la forma de“cante” derivada del fandango, el ritmo de guaji-ra-petenera cede el paso a una copla de carác-ter gitano con la que termina por fundirse.Muchos autores han insistido en la afinidad de laRondeña con el segundo número de este cua-derno, Almería.- Almería, predilecta del compositor, alude a unlugar en el que su padre trabajó hacia 1860.Refiere el ritmo de siguiriya, el más jondo de losritmos flamencos que emplea el modo frigio.Antonio Iglesias se refiere a él de este modo: “Elparentesco viene dado por una estructura muysimilar: en medio, la copla de decires nostálgicos,una idéntica fluctuación rítmica ternario-binaria,un mantenimiento armónico como base para can-tar, su misma dificultad mecánica en lo puramen-te pianístico”. - Triana clausura el segundo cuaderno. En estaocasión, la danza estalla como un juego de luz ycolor a partir del esquema rítmico que originó lassevillanas en su entronque con la seguiriya.Triana, una pieza de las más difíciles del autor,evoca el famoso barrio de Sevilla, al otro lado delGuadalquivir y en ella puede intuirse el rasgueode las guitarras, las castañuelas y el taconeo.El Tercer Cuaderno dedicado a MargueriteHasselmans lo componen Albaicín, El polo yLavapiés, El 2 de Enero de 1908, el palacete dela princesa de Polignac, fue escenario de un reci-tal de Blanche Selva en el que figuraban los dosprimeros cuadernos del álbum y se estrenaba eltercero.- Este último se abre con El Albaicín, el barrio

gitano de Granada que asciende desde el centrode la ciudad a la Plaza de San Nicolás a travésde enrevesadas callejuelas. Granada, la ciudadque Albéniz amaba profundamente y que le sir-vió de inspiración; tanto es así, que Juan RamónJiménez le dedicó estas palabras de acento pro-fundo: “Tú que dejaste mi alma con tu son tantasveces clara y estremecida, acoge esta guirnaldaque cuelgo en tus cipreses, de rosas de mi vida”.El Albaicín está estructurado en serie de tresalternancias entre un tema principal a modo dedanza, motívico y rítmico, y el tema secundariomás libre y en estilo de copla. Incluso para elritmo del baile, Albéniz concreta instruccionesdirigidas al intérprete: Toujours nonchalant, uni-forme et mélancolique. Ese carácter melancólicoque debe impregnar todo el número cautivó aFalla y a Debussy, que la consideraron su páginapredilecta. Messiaen, sin embargo, habría deexpresar sus preferencias por el número siguien-te, El Polo. - El Polo, que nada tiene que ver con el deportede su mismo nombre (así lo reseña Albéniz conhumor en el manuscrito) y sí con el “palo flamen-co”, tiene claras resonancias moriscas y gitanas,con coplas de pie quebrado, reflejando el com-positor más el espíritu de esta forma que suesquema rítmico, incisivo desde el principio, yque acentúa el carácter obsesivo y melancólicode la pieza. - El cuaderno se completa con Lavapiés, laestampa en un principio no andaluza de la Iberiaque utiliza como base el Tango Andaluz, llena demalicia madrileña, de chisperos y majas, deaguafuerte goyesco. La vida callejera y los ruidosson representados con sonidos fortuitos y nume-rosas disonancias que recuerdan los fallos del



sistema de tubos de los organillos típicos deMadrid. El Cuarto Cuaderno se estrenó en la SocietéNationale de Musique de París el 9 de Febrero de1909.- Se inicia con Málaga, identificada en algunoscasos como unos verdiales (rito ancestral demúsica y danza pasado de padres a hijos y vin-culado a la recogida de la vid) y en otros, comoun peculiar ritmo de malagueña derivado del fan-dango ternario.- Le sigue Jerez, una de las últimas composicio-nes y sin duda, de las más ambiciosas. Aquí, elcompositor mira a las soleares. Antonio Iglesiasse refiere así a esta pieza: “La convencional orto-grafía musical es incapaz de contener los dese-os del compositor. Al atrevimiento armónico seune una cierta novedad en el procedimiento desubrayar o doblar, con una o dos líneas, los per-files de una página en la que no canta una solavoz, sino que la principal es seguida por otra uotras. El perfume oriental no le abandona, y elcante, con sus tintes dramáticos y nostálgicos,es arropado por el germen unificador, omnipre-sente con su peculiaridad rítmica”.

- El Cuarto Cuaderno, y la suite entera, se cierracon Eritaña, reducción de “Venta de Eritaña”,lugar donde en ese momento se encerraban ysorteaban los toros que se iban a lidiar en laPlaza de la Maestranza de Sevilla. De nuevo laevocación exultante de unas sevillanas trianeraspara coronar la obra en un clima de alegría ydesenfado.Estas doce maravillas que componen la Iberiaestán escritas, como cita el profesor JacintoTorres, con «una técnica colosal de formidableexigencia, cuyo resultado trasciende el geniomusical, el alma y la sensibilidad que la músicaespañola había decantado a través de siglos desu historia». Isaac Albéniz consigue aportar nuevos concep-tos estéticos que enriquecen el lenguaje musical,con la intensa emoción del flamenco, su duen-de, su fuerza y su exuberancia. Forja un nuevoestilo de música española que no se queda en elmero folklorismo. Iberia se convierte así en el punto inicial de unade las etapas más brillantes de nuestra música.

Nuria Domínguez


ENSEMBLE OXALYS

LAURE DELCAMPE



ENSEMBLE OXALYSEn 1993 un grupo de jóvenes ambiciosos delConservatorio de Música de Bruselas fundó elconjunto musical Oxalys. Desde entonces laagrupación logró convertirse en uno de los con-juntos profesionales más apreciados de la músi-ca de cámara en Flandes. Oxalys pisa las tablasmás bonitas del mundo y actúa en los festivalesmás prestigiosos. En España Oxalys actuó en laSociedad Filarmónica y el Museo Guggenheimde Bilbao, en el Auditorio Nacional, la FundaciónJuan March y la Fundación Carlos de Amberesde Madrid, en la Fundación La Caixa en Barcelo-na y en el Palau de Música de Valencia. Entre-tanto, cada uno de sus miembros desarrolla unacarrera internacional. Sin embargo, siempre via-jan desde las diferentes capitales europeas haciasu puerto de amarre en Bruselas, para seguir co-laborando en su proyecto común: Oxalys.

Oxalys en primer lugar cuenta la historia culturaleuropea de una manera directa a partir de la Ilus-tración, obteniendo un alto nivel profesional.Dentro de esta historia el conjunto quiere inter-pretar musicalmente los enlaces y los contrastesentre las diferentes naciones y épocas. Al ladode este aspecto filosófico, lo más importante si-gue siendo el puro placer de tocar y el amor ab-soluto hacia la música en toda su dimensión.Esta historia no hubiera sido posible sin el apoyode sus fieles socios de siempre: el conjunto esapoyado estructuralmente por la ComunidadFlamenca y la Comisión de la Comunidad Fla-menca de la región de Bruselas Capital. La resi-dencia de Oxalys es el Koninklijk Muziekconser-vatorium Brussel, ( Real Conservatorio de Músi-ca de Bruselas). Oxalys utiliza en sus conciertosrecursos visuales que hacen éstos más intere-santes y atractivos, recurriendo frecuentemente


VIERNES, 28 DE MAYO. TEATRO LÓPEZ DE AYALA. 21 HORAS

Ensemble OxalysTOON FRET, FLAUTA • PIET VAN BOCKSTAL, OBOE • NATHALIE LEFÈVRE, CLARINETE • GRAZIANO MORETTO, FAGOT •THOMAS DIELTJENS, PIANO • DIRK LUIJMES, HARMONIUM • GERT D'HAESE, PERCUSIÓN • HENRI ZOMERS, PERCUSIÓN• MURIEL CANTOREGGI, VIOLÍN • FRÉDÉRIC D'URSEL, VIOLÍN • EMI OHI RESNICK, VIOLA • MARTIJN VINK, VIOLONCHE-LO • KOENRAAD HOFMAN, CONTRABAJO

LAURE DELCAMPE, SOPRANO SOLISTA


PROGRAMA

IJ. STRAUSS (1825-1899)

Wein, Weib und Gesang Op.333 (transcripción de A. Berg)Annen-Polka op.117 (transcripción de C. Halffter)Unter Donner und Blitz op.324 (transcripción de W. Rihm)Schatzwalzer op.418 (transcripción de A. Webern)

IIG. MAHLER (1860-1911)Sinfonía nr. 4 (1899-1901)

(Transcripción para conjunto de música de cámara de Erwin Stein para la Asociaciónpara interpretaciones privadas de Viena. Director: Arnold Schönberg)

Bedächtig, Nicht eilen (Prudente, no acelerado)In gemächlicher Bewegung, Ohne Hast (Cómodamente impulsivo, sin prisa.)

Ruhevoll (Tranquilo)Sehr behaglich (Muy cómodo) (Wir geniessen die himmlischen Freuden) (La vida celestial)


a la creatividad de la diseñadora de modas TineDecleer.

LAURE DELCAMPE, sopranoLa soprano belga, Laure Delcampe realizó susestudios de piano y canto en el ConservatorioSuperior de Bruselas con Jules Bastin y conMichelle Wegwart. Se perfeccionó con WalterBerry, Mitsuko Shiraï y Harmut Höll.Laureada en 1997 en la “Fundación Belga de laVocación”. Primer premio en la categoría deÓpera y tercer premio en la categoría de Lied enel Concurso “Voz de Oro” en Francia.En Bélgica y Francia ha interpretado papeles como: Papagena (Die Zauberflöte, Avignon), Olympia (LosCuentos de Hoffman, Liège), Blonde (die Entführungaus dem Serail, Liège), Le Feu (L’enfant et les

Sortilèges, Bruselas La Monnaie), Il Piaggio (Ballatade Luca Francesconi, Bruselas La Monnaie)...Ha ofrecido numerosos conciertos y recitales enAlemania, Holanda y Francia, colaborando convarios conjuntos musicales como NeoBarock(Forum für Alte Musik Köln), Oxalys y los pianistasCatherine Mertens, Boyan Vodenitcharov, VladimirSverdlov y Muhiddin Demiriz.Ha grabado y estrenado “An die Nacht “ delcompositor Benoît Mernier con la OrquestaSinfónica de Liège, e interpretado ésta en Paris(Radio France) y en Tallinn con la OrquestaNacional de Estonia.Laura Delcampe ha actuado bajo la dirección deAlberto Zedda, Kasushi Ono, Marcello Viotti,Friedrich Pleyer, Patrick Davin, Louis Langrée,Ronald Zollman, Pascal Rophé entre otros.



Notas al programa

Johann Strauss y Mahler, Viena en torno alcambio del siglo XXNos es curioso pensar que la misma ciudad que,en la última mitad del siglo XIX, era centro y ante-cedente de la música entendida como historia ycorriente, ciudad que acogía a figuras comoBrahms, Bruckner, Wagner o Mahler, podía alber-gar también paradojas al manifestar rasgos comola melancolía crónica a la que Freud se refirió,cierto aire de fatalidad o sentimientos misántro-pos. Una especie de decadente y fatal desganaque, en su cotradicción es también capaz degenerar y cultivar el gusto por las artes y la músi-ca y depositar en ellas su propia desidia. Así es,hablamos de Viena, que en el terreno de la músi-ca culta era lugar de disputa entre guardianes dela tradición y los que profetizaban una moderni-dad liderada por Wagner. El mismo día de la muer-te de Brahms en 1897 un grupo de cuarenta artis-tas plásticos presididos por Gustav Klimt se reú-nen para formar la Secession, movimiento querevolucionará el panorama artístico de la capitalde los Habsburgo y que aparece como contra a laconservadora Academia Imperial de ArtesPlásticas. Cinco días después Mahler es elegidocomo director de la Opera Imperial.El fin de siglo nos trae las muertes de Brahms yBruckner, Hugo Wolf y, la del gran amigo deBrahms, el “rey del vals” Johann Strauss” II, elmás escuchado de los músicos en parques bai-les y cafés en los que la burguesía vienesa entre-tenía su tiempo alegremente. En 1904 Mahleracepta la presidencia honorífica de una nuevasociedad de música contemporánea (Vereinschaffender tonkuenstler in Wien) que, a semejan-

za de la citada Secession, quiere dar la espalda alacademicismo y orientarse hacia una modernidadde momento exagerada. La Viena de principiosdel s. XX asiste a triunfos artísticos con aires decambio, pero, igualmente muestra su talante anti-semita y observa la acensión y caída de Mahler en1907. Cuando toda esa zozobra acaba, como unadesgraciada metáfora de la descomposición delimperio, un grupo de admiradores, artistas reco-nocidos, entre los que está Schoenberg oWebern, despiden a Gustav Mahler y su esposaAlma en su huida a Nueva York .Quizá estos acontecimientos nos ayuden aentender mejor el paisaje cultural y los entresijossociales sobre los que la música que hoy escu-charemos se desarrolló. Aunque de intencionesmuy diferentes, las obras de la primera y lasegunda parte tienen un nexo seguramente ines-perado por los dos autores que las crearon, ycuyo germen está en ese final de siglo que, bre-vemente, hemos visitado: en noviembre de 1918,Schoenberg funda la Sociedad para las interpre-taciones musicales privadas de Viena, que, enpalabras de Alban Berg, pretende dar a los artis-tas y aficionados una idea más exacta de lamúsica actual. Se proponen presentar la músicamoderna, desde Mahler a Strauss, hasta la másreciente, en condiciones óptimas, a veces difíci-les de encontrar en los conciertos que se cele-braban. Las entradas se conseguían por suscrip-ción, se excluía a los críticos y se intentaba nointerpretar una obra hasta que estuviera lo sufi-cientemente ensayada como para poder obtenerde ella todas y cada una de las intenciones delcompositor. Alumnos de Schoenberg ayudan enesa tarea y así, con Webern y Berg a la cabeza,transcriben obras desde Bach a Mahler, pasando



por Schubert o Bruckner. Partituras que, por susdimensiones resultaban entonces imposibles deinterpretar en su forma original.Intentando que la situación económica de la aso-ciación pudiera soportar las intenciones de susmiembros, en 1921 la Sociedad organiza un con-cierto benéfico con obras del más popular de loscompositores vieneses: Johann Strauss II. Paraello, los dos alumnos preferidos de Schoenberg(Webern y Berg) realizan los arreglos de las obrasa interpretar y, es este precisamente, el hilo que daunión a las propuestas para el concierto de hoy,cuyos arreglos nacen de las decisiones deSchoenberg y sus discípulos ante los hechos his-tóricos del final de siglo que les tocó vivir.Johann Strauss II, seguramente el compositorque más popularidad ha conseguido entre la tradi-ción musical vienesa, nace en 1825 en esta ciu-dad, la misma que lo ve morir en 1899. Hijo de unafamilia de tradición musical, J. Strauss hijo, autorde las obras que escucharemos en la primeraparte, estudia violín y composición pese a la opo-sición de su padre y pronto tendría su propiaorquesta, haciendo competencia a J. Strausspadre.Son los valses las composiciones que le darán lafama y en las que más se prodigó, pero tambiénescribió otras numerosas obras de diferentesgéneros, sobre todo polkas y marchas, tambiénoperetas así como una ópera y un ballet. Es fácil latentación de hacer crítica ligera a esta música,que, si bien alberga la clara intención del entreteni-miento, también contiene el encanto de una socie-dad digna de ser observada y una elaboración deelevada factura que le llevó a ser muy estimadoentre los grandes compositores de música culta desu época (Wagner, Brahms, Liszt o más tarde,Ravel). El talento de Strauss y su irrefrenable ferti-

lidad otorgarán al vals vienés una envergadura sin-fónica que sobrepasa las dimensiones de la músi-ca de baile. Su fallecimiento en el final de sigloquizá sea también una simbólica coincidencia delfin de los días alegres y despreocupados que pre-ceden al conflicto que Centroeuropa y la ciudad deViena tuvieron que sufrir.El vals nace en Europa central a principios delsiglo XIX, una danza que consiguió sorprender alas gentes de su tiempo convirtiéndose en el bailede salón por excelencia. Su aceptación hace quese creen numerosas variantes, de las cuales elelegante y vivo vals vienés es el mayor exponen-te. En Johann Strauss II encontramos el apogeode esta danza y es el famoso Danubio azul el quemás popularidad consiguió en una conjunción demúsica culta y sensibilidad popular. De entre las obras de Strauss escucharemos hoycuatro de las más interpretadas habitualmente.La primera por orden cronológico, la Annen-Polka op. 117, interpretada por primera vez el 26de Julio de 1852. Es los que los vieneses llamanuna Polka Francesa, danza más refinada que laalemana.Wein, weib und Gesang op.333 (Vino, mujeres ycanciones) y Schatzwalzer op 418 (vals del teso-ro) se interpretarán en las versiones que Berg yWebern hacen respectivamente para la Sociedadde interpretaciones musicales privadas de Vienaen 1921. En transcripción de W. Rihm escucha-remos Unter Donner und Blitz op 324 (Bajo true-nos y relámpagos), posiblemente la más “ruido-sa” de las piezas de Strauss, en la que se evocalos sonidos de los truenos a través de una ince-sante percusión.En palabras de H. L. Mencken en su libroPrejuicios (1927), “El vals es magníficamenteimpropio, es el arte del sonido vuelto lascivo. Me


atrevo a decir que las composiciones de J. Strausshan llevado a la perdición a más criaturas quetodos los actores de cine y tratantes de blancasdesde la caída del Imperio Occidental. Hay algo enel vals que es irresistible”.

G. Mahler, Sinfonía Nº 4 en Sol Mayor: Continuando con ese hilo trazado en los finalesdel s. XIX, hemos observado la importancia de lafigura de Mahler en la vida musical vienesa. Losaños de creación de esta sinfonía coincidenexactamente con el final de siglo, con Mahlersiendo una de las más destacadas figuras musi-cales de la época. Compositor serio, intransigen-te y riguroso, su presencia era siempre un acon-tecimiento.Es en julio de 1899 cuando Mahler comienza atrabajar en la Cuarta Sinfonía, en la pequeña ciu-dad de Ausse y es al comenzar su periodo devacaciones como director en la Opera de Viena,cuando se dispone, con total obsesión, a realizar eltrabajo. Un año después, un depresivo y agotadoMahler llega a su nueva residencia de verano enMaiernigg-am, Wörthersee, en Carintia, donde laterminará, en agosto de 1900. La obra se estrenabajo la dirección del compositor el 25 de noviem-bre de 1901 en Munich, antes que el de su TerceraSinfonía.Para muchos estudiosos, esta Cuarta Sinfonía es elresultado y la síntesis de todo lo que Mahler habíaescrito hasta entonces, sirviendo de punto de infle-xión entre estas y las que vendrían más tarde. Larelación con las anteriores es tan estrecha que fueconcebida a partir de música originalmente pensa-da para la Tercera. Una de las principales fuentesde inspiración es la antología poética titulada Elcuerno mágico del doncel, en 1892 Mahler escribióuna brillante y transparente canción sobre uno de

estos poemas, a la que puso por título su primerverso. Los gozos celestiales son nuestros. Tuvo latentación de incluirla en su Tercera Sinfonía, perodescartó esa posibilidad y la reservó como últimomovimiento para la Cuarta. En su estreno, como enel caso de otras obras de Mahler, no encontró elpleno apoyo del público, hasta el punto de volver aabordar la partitura de nuevo revisándola y estre-nando esta última versión poco antes de su muer-te en Nueva York en 1911.Escrita en su concepción original para sopranosolista y orquesta de cuatro flautas, tres oboes, tresclarinetes, tres fagotes, cuatro trompas, tres trom-petas, timbales, percusión glockenspiel, arpas y lacuerda, quizá debamos recurrir a la figura del direc-tor de orquesta Willem Mengelberg para entendercómo se llega a la transcripción que hoy escucha-remos: Mengelberg -conocido sobre todo por dirigirentre 1895 y 1945 la Orquesta del Concergebouw, ypor relacionar esta sala con la música de Mahler-,conoce al compositor en 1902 y se hacen amigos,siendo el público holandés, a partir de aquí, recep-tor continuo de la obra de Mahler. En mayo de 1920organiza el Festival Mahler, en el que se interpretatoda su obra, culminando su campaña de 25 añosde difusión de las sinfonías del compositor. Es eneste festival cuando Schoenberg y uno de susmás cercanos colaboradores, Erwin Stein, secomprometen a hacer la transcripción de LaCuarta Sinfonía usando las anotaciones deMengelberg. Está será la versión obtenida, fruto,una vez más, del casamiento de la vanguardia deprincipios del siglo XX con el último gran expo-nente de un pasado, el último de los “viejos com-positores”.La idea que conduce esta obra es la infanciaingenua y perspicaz que nos lleva al paraíso can-tado del último movimiento, canción de alabanza



a los goces celestiales y la transfiguración delalma que se deja ver en los tres primeros movi-mientos y es cantado explícitamente en el últi-mo, concluyendo teñido de beatitud. La CuartaSinfonía recoge la gracia pastoral e infantil, peroestá asociada al vigor incisivo y sentimiento deambigüedad. Encontramos, en continua contra-dicción, la alegría despreocupada a veces ani-quilada por burlones rasgos que nos confunden,por aristas afiladas que nos anuncian ya lassiguientes sinfonías. Una especie de inestabili-dad que se solapa a la ironía. Juntas conviven laserenidad, la certidumbre y la duda.

Evaristo Valentí

Vida Celestial (texto del cuarto mvto.)(De Des Knaben Wunderhorn)

Disfrutamos los placeres del CieloY no por tanto evitamos los terrenales.No se han obtenido resultadosDebe ser oído en el CieloToda la Vida en gran PazPorque llevamos vidas de ángeles,Sea, sin embargo, totalmente feliz a su ladoBailamos y cantamos,Nos deslizamos y bailamos.Mientras San Pedro nos mira.

El lino del cordero de Juan anulala locura de Herodes, el carnicero.Esperamos pacientesE inocentes, pacientes,A que el Cordero sea sacrificadoSan Lucas sacrifique el ganso

Sin ningún pensamiento de dolor.El vino no cuesta nadaEn las bodegas del Cielo;Los Ángeles hornean el Pan.

Buenas hierbas de buenas clases,Crecen en la Huerta del Cielo,Buenos espárragos, lindas abejas,Y todo lo que queramos.¡Los platos enteros están listos para nosotros!!Ricas manzanas, ricas peras y ricas uvas,Y jardineros que nos dan de todo!Sean corzos, o liebres,En las calles públicasVienen corriendo hacia nosotros.

Siendo un día de fiesta sea bienvenido,Todos pescan con el mismo placerAhí va San Pedro corriendoCon su red y selloA la fuente celestialSanta Marta debe de estar cocinando.

Simplemente no hay música en la TierraQue se pueda comparar a la nuestraIncluso las once mil vírgenesSe atreven a bailar,Y la propia Santa Úrsula a reír.Simplemente no hay música en la TierraQue se pueda comparar a la nuestra.Cecilia y todas sus relacionesHacen excelentes músicos de la Corte.Las voces angelicales nos cantanY embriagan nuestros sentidos,Para que todos vivamos en alegría.



ARIEL HERNÁNDEZ

PABLO HERNÁNDEZ

LILA HOROVITZ ANA HERNÁNDEZ

JUAN CRUZ PEÑALOZA JUAN CRUZ PEÑALOZA


Grupo de tango instrumental integrado en sumayoría por músicos argentinos de reconocidatrayectoria en el mundo tanguero.La nueva propuesta surge por demanda de pro-gramadores para cubrir un perfil de agrupaciónque actualmente no es habitual y al mismo tiem-po, como una nueva propuesta de Ariel Hernán-dez (“Che Camerata” “Malevaje” “Vicente Ami-go”) en la que puede trabajar sus propias músi-cas, proponiendo tangos totalmente novedososy al mismo tiempo arreglos contemporáneos detangos clásicos, sin olvidar los de corte clásico.Demuestran así la auténtica versatilidad de estaagrupación.El grupo ha tenido recientemente una excepcionalacogida en Madrid, donde el público acudió ma-sivamente a los “Jardines de Sabattini” para ova-cionar la frescura de la nueva propuesta musical.

Ariel Hernández. Buenos Aires, ArgentinaBandoneonísta y compositor, lleva más de 10años vinculado al grupo Malevaje. Ha sido el res-ponsable de la composición y dirección musicalde los tres últimos trabajos discográficos de Ma-levaje. Con su grupo “Che Camerata” publicarásu tercer trabajo que verá la luz en este 2010.

Es el creador del ”Ariel Hernández Cuarteto”, una delas propuesta de tango instrumental más contempo-ránea del panorama tanguero actual. Próximamente saldrá a la calle el último discoque grabó en Buenos Aires “Tango Jondo” juntocon el cantante Antonio Bartrina y que está con-cebido para bandoneón y voz. Ha colaboradoentre otros con Amelita Baltar, Rubén Juárez, ElCabrero y en los últimos trabajos discográficosde Vicente Amigo.

Lila Horovitz. Buenos Aires, ArgentinaContrabajista, bajista, compositora y arreglistaargentina formada entre la música académica yla popular. Graduada en la especialización deTango y Folklore argentinos.Ha trabajado con importantes figuras de la esce-na argentina como la gran cantante Susana Ri-naldi, Walter Rios, Juan Carlos Cuacci, Juan Es-teban Cuacci, Guillermo Fernández, etc , dentroy fuera del país. Fue cofundadora del grupo“Tangata Rea”, iniciador del movimiento del tan-go joven de los 90, primero en Argentina y luegoen el resto del mundo.Desde su residencia en España (2001) ha traba-jado con figuras de la música, la escena y la dan-


SÁBADO, 29 DE MAYO. BIBLIOTECA DE EXTREMADURA (ALCAZABA). A PARTIR DE LAS 22 HORAS

Ariel Hernández Cuarteto - Tango work in progress -ARIEL HERNÁNDEZ, BANDONEÓN • LILA HOROVITZ, CONTRABAJO • JUAN CRUZ PEÑALOZA, PIANO • ANA HERNÁNDEZ,VIOLÍN • PABLO HERNÁNDEZ, SAXOFÓN INVITADO




za como Martirio, Compañía Rafaella Carrasco,Compañía Artango, Antonio Bartrina, Saulo Ga-rrido “Flamenco a tres”, Gerardo Malla, CoqueMalla, Juan Antonio Ramírez, Vasko Vassilev,Ezequiel Benítez entre otros.Como compositora ha hecho un importante apor-te al repertorio para contrabajo que ya integra elmaterial de estudio de escuelas y conservatoriosde Argentina, USA y España y que tiene entre susintérpretes a grandes contrabajistas como el nor-teamericano Gary Karr o la polaca Irena Olkiewicz,y ha compuesto, arreglado y producido músicapara audiovisuales, teatro y danza.En el área de la música clásica ha sido solista dela Orquesta de Cámara de Andorra y es colabo-radora habitual de varias orquestas de Andalu-cía. Ha sido invitada en numerosas ocasiones enlos Ciclos de Música de Cámara del Palau de laMúsica de Valencia. Como docente realiza workshops de tango paraestudiantes de música y músicos profesionalesen España y Europa. Acaba de lanzar su primerdisco como solista: “Preludio del Primer Día”. Juan Cruz Peñaloza. Córdoba, Argentina Nace en Córdoba (Argentina) en 1973. Estudiapiano, armonía y composición con Luis Lewín ycon el maestro Manolo Juárez. En 1999 graba suprimer CD solista, con composiciones propias.Desde 2002 reside en Madrid donde se desarro-lla como músico, sesionista y arreglista. Formaparte de BGP Trío (Música Argentina) grabandolos discos “En pampa y la vía” (2002) y “Tiempode carnaval” (2005), y realizando innumerablespresentaciones en Argentina y en España. For-mó parte de innumerables proyectos musicalesjunto a artistas como Rubén Juárez, Carlos Agui-rre, Primital, Ariel Rot, Andy Chango, Nuria Fer-gó, Guaraná, Alea, Pájaro Juárez, Pablo Sbara-glia, Lorena Mayol, Guille Arróm, Fernando Lu-

pano, Joe Vasconcellos, Soul Brasil, Ariel Her-nandez Cuarteto, Flavia N, entre otros.

Ana Hernández. Badajoz, EspañaComienza los estudios musicales en el conserva-torio de Badajoz, donde estudia con Manuel Tei-xeira y Olga Virskomiskaia. A los 11 años da suprimer recital de violín. Premio “Jóvenes Intérpre-tes” ciudad de Badajoz. Continúa los estudios degrado medio en Madrid y en 1999 supera las prue-bas de selección en la Royal Academy of Musicde Londres donde estudia con Clarence Myers-cough. Regresa a Madrid y estudia con Ara Mali-kian y Alfredo García y termina los estudios supe-riores en el Conservatorio Superior de Sevilla.Ha sido miembro de la JONDE y ha trabajado condiferentes orquestas profesionales, además de re-alizar recitales de música de cámara colaborandoen 2004 con el Trío Corlan (Miguel Borrego, DavidApellaniz y Angel Luis Castaño). Ha sido profeso-ra del Conservatorio de Coria del Río (Sevilla) y endiversas Escuelas de Música. Durante 2007-2008ha trabajado para la Compañía Nacional de TeatroClásico como músico de escena.Actualmente combina la actividad docente, conestudios superiores de violín barroco con el pro-fesor Hiro Kurosaki, y diferentes proyectos demúsica contemporánea (con Sebastián Mariné),flamenco y tango argentino.

Jacobo Aguirre, productor y técnico de sonido

Pablo Hernández Ramos, saxo invitadoSaxofonista y lider del grupo Sinouj, con el queactuado desde 2001 en numerosos festivales in-ternacionales de jazz y world music en Túnez,Francia, Argelia, Bélgica, Cuba y España (Circulode Bellas Artes de Madrid, Palau Robert de Bar-celona, Festival Play de Cáceres. Igualmente ha


colaborado con grupos como Nass Marrakech,Lucas Masciano y la Xunta (Barcelona 2003-04),Big Band del Corrillo de Salamanca (1996-99),Foofango, RolinBand, y con artistas como, JorgePardo, el Guadiana, Javier Paxariño, Dani Domín-guez, Sylvain Cathalà, Karim Ziad (Argelia 2003),Charbel Rouhana (Líbano 2004) Wast el Balad

(Egipto 2005), Larbi Sassi, Fawzi Chekili (Túnez2001-02), Yeyé de Cádiz. Ha estudiado saxo ycomposición con Toni Mateu, Fabrizio Cassol deAka Moon, Abdu Salim y con el compositor ar-gentino Guillermo Klein. Actualmente reside enMadrid, donde trabaja con Sinouj, Ogun Afrobe-at o Talk, entre otros grupos.


PROGRAMA

La casita de mis viejos Cobián - Cadícamo

Canaro en ParisScarpino - Caldarella

TotóAriel Hernández

El amanecerFirpo

PavaditaAnselmo Aieta

La nave CadmonAriel Hernández

Milonga del angelAstor Piazzolla

MalasañaAriel Hernández

Barrio MaravillasAriel Hernández

Viento SurAriel Hernández

Bye MomAriel Hernández

Milonga de AntuchoAriel Hernández


ENSEMBLE CONTEMPORANEUS - RAINHA DAS NEVES


DOMINGO, 30 DE MAYO. AUDITORIO DEL CÍRCULO PACENSE. 12.30 HORAS

Ensemble Contemporaneus

Rainha das Neves

MÚSICA DE ROGÉRIO MEDEIROS

Conto musical baseado na história homónima de Hans C. Andersen



SINOPSEO Ensemble Contemporâneus, plataforma delançamento de jovens artistas e criadores no pa-norama cultural moderno português, apresenta oseu mais recente projecto: um espectáculo emque o Texto, a Música e a Imagem se entrelaçamna construção da mais bela de todas as mensa-gens, capaz de prender a atenção de pequenose graúdos e de lhes alimentar a alma. Como “ro-tular” este espectáculo? Será justo chama‐lo de“teatro musical”? E será legítimo procurar que a“forma” se sobreponha ao conteúdo? E que con-teúdo é esse? Que mensagem, que moral sepretende transmitir? A palavra “Amor”, que mel-hor define a excelência do espírito humano, é apedra basilar deste espectáculo. É esse senti-mento honrado que toma forma no texto e quealastra à beleza dos sons musicais e da delica-deza das imagens. É ele, também, que permiteultrapassar todas as vicissitudes da vida.

ORQUESTRAÇÃO DA OBRAFlauta; oboé; fagote; trompete/percussão; trom-bone; violino/viola; violoncelo/percussão; con-trabaixo; Soprano/narrador.

Rogério Medeiros, compositorIniciou os seus estudos musicais em 1989 noConservatório Regional de Ponta Delgada. Em1998 ingressou na Escola Superior de Musica deLisboa onde frequentou o curso de Composiçãosendo aluno de : Sérgio Azevedo, Carlos Fer-nandes, Christopher Bochmann e conclui a li-cenciatura sob a orientação de António PinhoVargas. Estudou Violoncelo com:Michael Ross,Maxim Doujak, Teresa Portugal. Concluiu a Li-cenciatura em violoncelo na Esml, na classe daProfª ‐ Clélia Vital. A sua actividade divide‐se en-

tre a composição e o violoncelo, Foi membro daOrquestra Sinfónica Juvenil tendo realizado di-versos concertos por todo o País e no estran-geiro dos quais se destaca o Festival de Tianjinna China. Em 2005 foi lhe atribuída uma mençãohonrosa no concurso de composição “João Pe-dro Oliveira” organizado pelo concelho Portu-guês da Musica pela obra‐ “Melodrama Musi-cal” (para 10 instrumentos). Neste mesmo anofoi estreada pelos “Violonseis”(sexteto de vio-loncelos) a sua obra‐ “Versos” no auditório 2 daGulbenkian. Frequentou o seminário de Compo-sição realizado pela Fundação Gulbenkian eorientado pelo Compositor Emmanuel Nunes,em Outubro de 2005. Tem vindo a frequentarcursos de aperfeiçoamento do instrumento rea-lizados em: Viana do Castelo, Lisboa, Gui-marães e Caldas da Rainha onde teve a orien-tação de Levon Mouradian, Vaclav Bernasek,Peter Bruns e Paulo Gaio Lima . Frequentou ain-da um curso de música de Câmara Contem-porânea realizado pela Jeunesse Moderne, em2005 e que teve lugar em Chambéry, França. In-tegrou na Orquestra Sinfonietta de Lisboa tendorealizado alguns concertos, nomeadamente nafesta do Avante. Ainda em 2005 fez parte dosgrupos de música contemporânea EnsemblePlim e o Grupo de música Contemporânea daEsml onde participou no Festival Musica Viva,realizado por Miguel Azgime. Em Julho de 2006foi‐lhe atribuída uma menção honrosa no con-curso internacional de composição FernandoLopes Graça pela obra‐ “O Lobo, o Capuchinhoe a Avó”. Obra para pequena orquestra. Temvindo a realizar concertos com Orquestra Gul-benkian incluindo os workshops para Jovenscompositores Portugueses. Fez parte do Grupode musica tradicional Portuguesa‐ “Bicho de se-


te cabeças” em 2006. No final do ano de 2006foi aceite durante um período de três meses naHAMU (Academia de Música e Artes Performati-vas) em Praga, ao abrigo do programa SOCRA-TESERASMUS tendo integrado as classes JiriHosek e Tomas Hula em Violoncelo e Música deCâmara respectivamente. Fez parte da Orques-tra da Companhia de Ópera no Festival de Óbi-dos. Actualmente faz parte do Ensemble Con-temporaneus com qual tem realizado concertossob a orientação de Christopher Bochmann, RuiRibeiro, Roberto Perez, Paulo Lourenço, PedroAmaral e Vera Batista. É ainda membro da Or-questra de Câmara Portuguesa onde tem actua-do sobre a direcção de Pedro Carneiro, PedroNeves e Pedro Amaral.

Vera Batista, MaestroNatural de Lagos, iniciou os seus estudos musi-cais aos 5 anos na Escola de Música de Lagos,tendo posteriormente ingressado na Academiade Música de Lagos e no Conservatório MariaCampina em Faro, na classe dos professoresJoão Rosa e Oxana Anikeeva, respectivamente.Frequenta o 2º ano do Mestrado em DirecçãoCoral no Instituto Piaget de Almada. Licenciou‐seem Música área específica de Piano e Música deCâmara na Universidade de Évora tendo trabal-hado nas classes da professora Elizabeth Allen(Piano) e do professor João Vale (Música de Câ-mara). Frequentou Masterclass de Piano com Ál-varo Teixeira Lopes. A nível pedagógico exerceactividade na Escola de Música de Lagos comoprofessora de Piano e Formação Musical. Leccio-nou até 2007 na Academia de Música de Lagos adisciplina de Formação Musical e foi responsávelpela Classe de conjunto Coral. Paralelamente à

sua actividade pianística e pedagógica, exercedesde 2001 as funções de maestrina titular doCoro Infanto‐Juvenil de Lagos e é igualmente,desde Dezembro de 2006, maestrina titular doGrupo Coral de Lagos, grupo com o qual tem re-alizado desde então diversos concertos em Por-tugal e no estrangeiro. Frequentou diversos cur-sos de Direcção com os profesores Paulo Lou-renço, António Vassalo Lourenço, Teresita Gutie-rrez, Cara Tasher e Stephen Coker, tendo aindafrequentado como complemento à vertente daDirecção Coral aulas de canto e cursos de técni-ca vocal com as professoras Rute Dutra, SandraMedeiros, Ângela Silva, Ghislaine Morgan. Foimembro fundador do grupo VocalapArte – sexte-to vocal feminino e é membro fundador do En-semble Contemporâneus, exercendo funções depianista, trabalhando com os maestros PedroAmaral, Christopher Bochmann, Robert Perez,Paulo Lourenço entre outros. Desde a temporadade música de 2007 acumula funções de maestri-na assistente.

Ensemble Contemporaneus Estrutura profissional com um corpo efectivo de16 músicos, podendo contudo a sua formação enúmero de músicos variar consoante o repertó-rio a executar. A actividade de criação artísticado ensemble passa por dois grandes objectivosque são, por um lado a divulgação do repertórioescrito no século XX , e por outro a dinamizaçãoda escrita de novas obras musicais através doregular comissionamento de obras a composito-res portugueses e estrangeiros. Apresentou‐sedesde a sua fundação a 5 de Julho de 2003 di-versas vezes em concerto, interpretando obrasde compositores tão diversos como: Edgard



Varèse, Anton Webern, Karlheinz Stockhausen,

Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, Olivier Mes-

siaen, Heitor Villa‐Lobos, Sergei Prokofiev, Chris-

topher Bochmann, Eurico Carrapatoso, Rogério

Medeiros, Gonçalo Lourenço, David Heuser, Lin-

dembergue Cardoso, Ernst Widmer, Roberto Pé-

rez, entre muitos outros. Realizou a primeira au-

dição das obras escritas para o ENSEMBLE pe-

los compositores: João Nascimento, Cristóvão

Silva, Nuno Leal, Tiago Cutileiro, Ricardo Gue-

rreiro, Pedro Carimbo, Rogério Medeiros, entre

outros.



Fotografía portada y cartel

María Eugenia Raya

Diseño e impresión

Indugrafic, artes gráficas


Miércoles, 19 de mayoSalón de Plenos de la Diputación. 20. 30 horas

Guadianart EnsembleOriol Mula, flauta

Alfonso Pineda, clarineteOihane Igerabide, arpaJoan M. Alonso, violínFabián Romero, violín

Martí Varela, violaJoaquín Fernández, violoncello

Jueves, 20 de mayoSalón de Plenos de la Diputación. 20.30 horas

Iván Martín, pianoIagoba Fanlo, violonchelo

*Estreno absoluto de la Sonata paraviolonchelo y piano de D. Miguel del Barco

Viernes, 21 de mayoIglesia de San Agustín. 21 horas

Coro Arte Vocal (Villanueva de la Serena)D. Manuel Guisado Rodrigo, director

Sábado, 22 de mayoPor la mañana en distintos puntos de

la ciudad de 11.30 a 13.30 horas

Música en la calle/Música na rua

Palacio de Congresos. 21 horas

Orquesta Extremadura en colaboracióncon el Festival Ibérico, (concierto de abono)

Domingo, 23 de mayoTeatro López de Ayala. 20.30 horas

Brass Band de la Orquesta Metropolitana de LisboaReinaldo Guerrero, director

Lunes, 24 de mayoSala Azul del Palacio de Congresos a las 21 horas

Ensemble de saxofones SquillanteDavid Alonso, saxofón solista

Martes, 25 de mayoTeatro López de Ayala a las 21 horas

Trío de clarinete, violin y pianoErik Schumann, violin

Ralph Manno, clarineteGottlieb Wallisch, piano

Miércoles, 26 de mayoTeatro López de Ayala. 21 horas

Otra Utrera (flamenco contemporáneo)

Antonio Moreno, percusionesJuan Jiménez Alba, saxofonesRafael de Utrera, cante“Bobote”, baile y compás

Jueves, 27 de mayoTeatro López de Ayala. 21 horas

Luís Fernando Pérez, piano

Iberia de I. Albéniz

Viernes, 28 de mayoTeatro López de Ayala. 21 horas

Ensemble OxalysCuarta Sinfonía de G. Mahler

Laure Delcampe, soprano solistaToon Fret, flautaPiet van Bockstal, oboeNathalie Lefèvre, clarineteGraziano Moretto, fagotThomas Dieltjens, pianoDirk Luijmes, harmoniumGert D'Haese, percusiónHenri Zomers, percusiónMuriel Cantoreggi, violínFrédéric d'Ursel, violínEmi Ohi Resnick, violaMartijn Vink, violoncheloKoenraad Hofman, contrabajo

Sábado, 29 de mayoBiblioteca de Extremadura (Alcazaba) a partir de las 22 horas

Ariel Hernández Cuarteto - Tango work in progress -Ariel Hernández, bandoneónLila Horovitz, contrabajoJuan Cruz Peñaloza, pianoAna Hernández, violínPablo Hernández, saxofón invitado

Domingo, 30 de mayoAuditorio del Círculo Pacense a las 12.30 horas

Ensemble Contemporaneus“Rainha das Neves” (Conto musical baseadona história homónima de Hans C. Andersen)

Música de Rogério Medeiros

O R G A N I Z A P A T R O C I N A N C O L A B O R A N


BADAJOZ 30 mayo 2010 - sfilarmonicaba.net · DEL 19 AL 30 DE MAYO DE 2010 • BADAJOZ...

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