CINECLUB 2T 2015 - cuenca.es · el mauritano Abderrahmane Sissako y está claro que sabe de lo que...

CINE-CLUB CHAPLINCUENCA

TEMPORADA XLIV: 2014-2015

PROGRAMACIÓN

SEGUNDO TRIMESTRE 2015

Charles Chaplin con Mahatma Gandhi.

ATENCIÓN AL HORARIO

6 DE MAYO

La película Boyhood, de Richard Linklater, tiene una duración de 165 minutos. Por tanto, este día sólo habrá dos sesiones, la primera a las 17 horas y la segunda a las 20,30 horas. No se proyectará cortometraje.

17 DE JUNIO

La última sesión de la temporada estará formada por un programa doble, con un tí-tulo moderno y otro clásico, con el siguiente horario:

17 y 22 horas: Maps of the Stars, de David Cronenberg19,30 horas: Viaggio in Italia, de Roberto Rossellini

Sesiones del Cine-Club

Las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multicines Odeón Cuenca (Sala Cinco), todos los miércoles de la temporada, de octubre a junio. Estas proyecciones están reservadas a socios de Cine-Club, exclusivamente. Para poder acceder, es imprescindible presentar el carnet de socio y la tarjeta anual correspondiente. Rogamos la máxima cola-boración de todos los socios para evitar situaciones molestas.

Cada miércoles se ofrecen tres sesiones, que comenzarán puntualmente a las 17, 19,30 y 22 horas. La proyección incluye un cortometraje y un largometraje que se ofrecen de manera ininterrumpida.

La sesión correspondiente al 6 de mayo tendrá un horario especial, a causa de la lar-ga duración de la película. Las proyecciones se llevarán a cabo a las 17 horas la primera y a la 20,30 la segunda, sin cortometrajes.

La última sesión de la temporada, el 17 de junio, estará formada por un programa doble que incluye una película moderna (17 y 22 horas) y un título clásico (19,30 horas).

Socios del Cine-Club

Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayor de edad (18 años) y cumplir las obligaciones sociales.

La inscripción quedará formalizada mediante el abono de una cuota de ingreso de 12 euros.

La cuota anual es de 55 euros, pagaderos por adelantado al inicio de la tempora-da, bien mediante la domiciliación bancaria o mediante cobro a domicilio. Una vez abo-nada la cuota, el socio obtendrá la tarjeta numerada con la que podrá acceder a las se-siones semanales.

El impago de la cuota durante los primeros 15 días de la temporada presupone la re-nuncia del socio a continuar ejerciendo sus derechos y, por tanto, se producirá la baja in-mediata en el Cine-Club.

Recomendaciones

Las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter especial en el cuidado de al-gunos detalles, tales como el silencio que debe mantenerse durante las proyecciones, el respeto a la proyección íntegra (incluyendo los títulos de crédito fi nales, la audición total de la banda sonora, etc.), evitar comer palomitas y otros elementos afi nes, no hacer en voz alta ruidos o comentarios que puedan molestar al resto de espectadores, etc.

El cortometraje forma parte de la sesión íntegra y merece todo los respetos por lo que no es de recibo utilizar esos minutos para incorporarse a la proyección con retraso.

Por ello se ruega la máxima puntualidad y una total colaboración para evitar moles-tias a los socios que sí ocupan su butaca antes de que se apaguen las luces.

Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afl uencia media de socios a las se-siones, rogamos que se ocupen todas las butacas, no dejando algunas vacías y menos aún ocupándolas para dejar bolsos, abrigos, etc.

EL CINE-CLUB, EN LA WEB

Puedes encontrar información sobre el Cine-Club, la programación actualizada y la relación histórica de todas las películas proyectadas desde la primera sesión en:

www.chaplincineclub.wordpress.com

Si deseas recibir información personalizada sobre el Cine-Club entréganos tu direc-ción de correo electrónico y te la enviaremos semanalmente.

8 de abril 2015Sesión número 1485

TIMBUKTU

Los alrededores de Timbuktu han caído en manos de extremis-tas religiosos. Kidane vive tranquilamente en las dunas con su esposa Satima, su hija Toya e Issam, un niño pastor de 12 años. En la ciudad, los habitantes padecen el régimen de terror im-puesto por los yihadistas: prohibido escuchar música, reír, fu-mar e incluso jugar al fútbol, por no hablar del rigor sobre las mujeres. El caos que reina en Tombuctú no parece afectar a Ki-dane hasta el día en que accidentalmente mata a Amadou, un pescador que ha acabado con la vida de “GPS”, su vaca favorita.

Título original: Timbuktu. Nacionalidad: Francia, Mauritania. Director: Abderrahmane Sissako (2014). Producción: Armada Films / Les Films du Worso / Dune Vision. Productores: Etienne Comar y Sylvie Pialat. Guion: Abderrahmane Sissako, Kessen Tall. Fotografía: Sofi ane El Fani. Música: Amin Bouhafa

Actores: Ibrahim Ahmed, Toulou Kiki, Abel Jafri, Fatoumata Diawara, Hichem Yacoubi, Kettly Noël, Kettly Noël, Pino Desperado, Layla Walet Mohamed, Mehdi A.G. Mohamed, Adel Mahmoud Cherif, Salem Dendou, Mamby Kamissoko, Yoro Diakité, Cheik A.G. Emakni, Zikra Oualet Moussa, Weli CleibDuración: 97 minutosVersión original con subtítulos en español

Escribió Carlos Boyero en “El País” que esta película es “el retrato más escalofriante y con sensación de veracidad que he vis-to sobre el yihadismo; las imágenes y la atmósfera son de primera clase, condición indispensable para que cualquier historia merezca ser contada. Y no está dirigida por la propaganda occidental, con sus infi nitos medios y su capacidad para que las denuncias, ama-ñadas o no, verdaderas o manipuladas, lleguen a infi nito público, sino desde el corazón de ese infi erno, con gente que parece no inter-pretar sino que han vivido en su propia piel esa barbarie. La dirige el mauritano Abderrahmane Sissako y está claro que sabe de lo que habla. También consigue transmitir al espectador la furia reposada de los verdugos, el miedo de los habitantes de Tombuctú ante esos invasores que van a prohibirles sus eternas costumbres en nombre de Alá, y porque tienen el poder de las armas o simplemente el po-der”. Sobre esa barbarie generalizada, cada vez más extendi-da, que es el yihadismo impulsado desde una versión radica-lizada del Islam se han escrito y dicho ya muchas cosas, casi todas atinadas y algunas disparatadas y hemos visto tam-bién, repetidas, esa imágenes terribles de ejecuciones graba-das en vídeo con el objetivo fundamental de que las difun-das las televisiones occidentales. Sabiendo todo eso, nos falta por ver una interpretación realista, coherente, sin concesio-nes y ofrecida por alguien que pertenece a ese mundo, esto es, un musulmán respetuoso con sus creencias y horrorizado por lo que los fanáticos están haciendo manipulando una re-ligión y una cultura que no es así. Asistiremos, pues, a todos los horrores, que sabemos, pero que ahora veremos rodados con seres reales en escenarios igualmente reales. Por si nos quedaba alguna duda. Lleva razón también Boyero cuando proclama su gozo porque “esta película la haya realizado un musulmán tan inteligente como indignado, tan humano como re-presentativo de que no todo está perdido en la rebeldía de muchos fi eles del islam contra la intolerancia y el deber de derramar sangre impura”. Y que se ha atrevido, añadimos, a desafi ar las iras que ha provocado entre los fanáticos. Abderrahmane Sissako nació en Mauritania, en 1961, pero pasó su infancia en Malí (de donde era originario su padres), regresando a su país na-tal en 1980 antes de ir a estudiar en el Instituto estatal de Cine de Moscú, de 1983 a 1989. A principios de la década de los 90 se instaló en Francia, comenzando allí su carrera cine-matográfi ca. Aunque hasta ahora era desconocido en Espa-ña, tiene acreditada ya una fi rme fi lmografía que incluye los cortometrajes Le jeu (1989), Octobre (1993), Le chameau et les bâtons fl ottants (1994), Sabriya (1997), los mediometrajes Ros-tov-Luanda (1997), La vie sur terre (1998) y los largometrajes Heremakono (2002), Bamako (2006), premiado en el festival de Estambul y el título actual, Timbuktu. Sissako trabaja como asesor cultural para la presidencia del estado mauritano.

Un accidente marca y distancia a una madre y a su hijo. Ella llega a ser una famosa artista; él, un peculiar cetrero que vive marcado por una doble ausencia. Veinte años después, una jo-ven periodista propicia un encuentro entre ambos en el lugar más alejado de la Tierra, que los lleva a plantearse la posibili-dad de entender el sentido de la vida y del arte a pesar de las in-certidumbres.

Nacionalidad: España, Canadá, Francia. Dirección y guion: Claudia Llosa (2014). Producción: Wanda Vision, Arcadia, TVE, CANAL+, TV3. Productores: José María Morales, Ibon Cormenzana y Phyllis Laing. Fotografía: Nicolas Bolduc. Diseño de producción: Eugenio Caballero. Música: Michael Brook. Montaje:Guille de la Cal. Vestuario: Heather Neale

Actores: Jennifer Connelly (Nana), Cillian Murphy (Iván), Mélanie Laurent (Ressemore), William Shimell (Newman), Zen McGrath (Iván con 10 años), Winta McGrath (Gully), Oona Chaplin (Alice), Peter McRobbie (Ike), Ian Tracey (Hans)Duración: 112 minutosVersión original con subtítulos en español

NO LLORES, VUELA


Claudia Llosa (Lima, 1973) estudió Ciencias de la Comu-nicación en la universidad de la capital peruana y luego hizo un master de guión de cine y TV en la Escuela Su-perior de Artes y Espectáculos TAI, en Madrid. Trabajó en los sectores de la publicidad y la TV en su país natal, hasta que debutó en el cine con Madeinusa (vista en el Cine Club el 25-10-2006) a la que siguió La teta asustada (Cine Club, 06-05-2009), marcando con ambos títulos un estilo propio, ciertamente personal, de sólido contenido literario pero con una expresividad visual de enorme fuerza, combinan-do situaciones de profunda realidad con una sorprendente capacidad imaginativa, muy en la línea del realismo mági-co que tan excelentes frutos ha dado en la narrativa hispa-noamericana y también en el cine. Hija de la artista plás-tica Patricia Bueno Risso y del ingeniero Alejandro Llosa, sobrina del premio Nóbel Mario Vargas Llosa, estudió en el Newton College, y una vez graduada ingresó en la uni-versidad limeña pasando en 1998 a la de Nueva York am-pliando estudios en Sundance. En el año 2010 participó en la exposición (D)efecto Barroco, Políticas de la imagen hispa-na, impulsada por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, con el cortometraje El niño pepita, producción vi-sual dirigida a analizar la función de la imagen “mágica” en un contexto de saturación mediática. Nos encontramos, desde luego, ante una de las más importantes personalida-des emergentes en el mundo del cine iberoamericano que, en esta su tercera película da un avance cualitativo al em-prender un desarrollo más elaborado, más internacionales, alejándose de aquellos dos primeros títulos vinculados a su mundo natural. No llores, vuela, representa un cambio idiomático (está rodada en inglés) y de ambientación (Ca-nadá), pero también, como la crítica ha hecho notar, pre-senta un ostensible salto adelante en potencia visual y na-rrativa para introducir a Claudia Llosa en la madurez, sin renunciar a algunas cuestiones que hasta ahora han forma-do parte de su peculiar idiosincracia, porque la fantasía si-gue latente, a través de la fi gura de una hacedora de mila-gros, que en otros lugares llaman santones o curanderos, capaces de despertar en los demás seres humanos una con-fi anza ciega en que allí, en ella, encontrarán remedio a sue-ños y necesidades. Como ha escrito Javier Ocaña, “Llosa aplica puro lenguaje cinematográfi co a sus indagaciones: exqui-sito tratamiento del sonido, original utilización de la banda so-nora, excelente combinación de rostros en primer plano y tensio-nes naturales en plano general, y ritmo de montaje exacto. Hasta conformar una obra hipnótica y excitante, paradójicamente má-gica y rigurosa” .

Hubo un momento en que los destinos de la Unión Soviética y de su equipo nacional de hockey sobre hielo conocido como “El ejército rojo” se cruzaron, mezclaron y confundieron: una di-nastía única en la historia del deporte. El ex-capitán del equi-po, Slava Fetisov, evoca su trayectoria fuera de lo común: pri-mero adulado como un héroe nacional y luego condenado como enemigo político.

Título original: Red army. Nacionalidad: Rusia. Director: Gabe Polsy (2014). Producción: Sony Pictures Classic. Productor: Jerry Weintraub. Guión: Gabe Polsky. Fotografía: Peter Zeitlinger, Svetlana Cvetko. Música: Christophe Beck, Leo Birenberg.

Duración: 85 minutosVersión original con subtítulos en español

RED ARMY


Conviene no simplifi car las cosas. Podría decirse que esta pe-lícula es un documental sobre un equipo de hockey sobre hie-lo. Dicho así, muchísimos espectadores decidirían ir a otro sitio y no perder el tiempo viendo una película en torno a un depor-te minoritario, de escasa implantación en España y que no tiene para la mayoría ningún interés. Quienes piensen así se equivo-can de parte a parte. Red Army no es solo una apasionante pelí-cula, que llega al borde del thriller, tal es la tensión dramática y la intriga que consigue generar sino también una construcción ci-nematográfi ca de primera categoría, realizada con maestría dig-na de una buena película de aventuras. A lo que se debe aña-dir la simbología latente en todo el relato, al establecer un nada sutil paralelismo entre los avatares del equipo nacional soviéti-co de este deporte y el auge, caída y desintegración del sistema político que lo encumbró. Ese “Ejército rojo” es uno de los pro-tagonistas de la historia social, cultural y política de su país: al igual que la URSS, pasa por una época de grandeza y luego lle-ga la decadencia, y fi nalmente los cambios que trae la Rusia con-temporánea. Red Army, presentado por Werner Herzog, cuenta la extraordinaria historia de la guerra fría sobre el hielo y la vida de un hombre que se atrevió a enfrentarse al sistema soviético. En una entrevista emitida por RTVE, su director, el norteameri-cano de origen ruso Gabe Polsky, lo resume así: “Quería utilizar la historia del equipo deportivo más importante de la Unión So-viética como una metáfora para hablar del auge y caída del ré-gimen comunista”. Para ello utiliza como hilo conductor a uno de los más destacados miembros del equipo, víctima fi nal de la dureza del opresor sistema soviético, que le impulsó a abando-nar el país y refugiarse en Estados Unidos de donde volvió, años más tarde, para encontrarse una nación muy diferente. “Fetisov me ha confesado que nunca se había abierto tanto, nunca había sido tan sincero, de manera pública sobre esa historia y que, a lo mejor era el momento apropiado –confi esa el director-. Además me facilitó el acceso a sus excompañeros y logré abrir sus cora-zones al límite para que contasen su historia con toda la since-ridad posible”. Pero ¿por qué fue tan importante el equipo so-viético de hockey sobre hielo?. Porque el creador de su estilo, el entrenador Anatoli Tarásov fue un visionario, ya que usaba los principios del ballet, el ajedrez, la literatura… para llevar a sus jugadores a un nivel creativo realmente asombroso en el que pri-maba el juego en equipo, dando lugar a una forma verdadera-mente sorprendente y espectacular de entretejer el juego y hacer unos pases increíbles. Entrenaban usando técnicas de gimnasia, de ballet y, sobre todo haciendo muchos ejercicios de compañe-rismo, de espíritu conjunto hasta el punto de que vivían 11 meses al año juntos sin ver a sus familias por lo que se forjó una quími-ca muy especial entre ellos. Ante el pueblo, eran héroes, símbolo del poderío soviético. Todo ello se vino abajo, con la caída del sis-tema y la instauración de la Perestroika que los convirtió en ído-los caídos. Red Army es un apasionante fresco de varias décadas de historia de Rusia, contado de una forma amena, sorprenden-te e incluso divertida.

Una familia va a esquiar a los Alpes. Están en un restauran-te cuando se produce una avalancha y todo el mundo es presa del pánico. Ebba, la madre, llama a su esposo Tomas para que le ayude a proteger a sus hijos, pero Tomas ha huido para salvar su vida. La avalancha se detiene sin ocasionar daños; sin embar-go, el universo familiar no volverá a ser el mismo. La actitud de Tomas ha despertado dudas y ahora busca desesperadamente la forma de recuperar su lugar como padre de familia.

Título original: Turist. Nacionalidad: Suecia, Francia y Noruega. Dirección y guion: Ruben Östlund (2014). Producción: Plattform Produktion / Swedish Film Institute / Film I Vast / Essential Filmproduktion. Productores: Philippe Bober, Erik Hemmendorff y Marie Kjellson. Fotografía: Fredrik Wenzel. Música: Ola Flottum.

Actores: Johannes Kuhnke (Tomas), Lisa Loven Kongsli (Ebba), Vincent Wettergren (Harry), Clara Wettergren (Vera), Kristofer Hivju (Mats), Brady Corbet (Brady)Duración: 120 minutosVersión original con subtítulos en españolPremios Guldbagge: mejor película, mejor director. Critics Choice Awards: mejor películas de habla no inglesa. Críticos de Chicago: mejor película extranjera. Globos de oro: nominada a la mejor película de habla no inglesa. Festival de Sevilla: Giraldillo de oro a la mejor película y mejor director.

FUERZA MAYOR


Ruben Östlund era perfectamente desconocido en casi toda Europa hasta que el año pasado fue “descubierto” con su cuarta película, que se paseó por todo el continente obteniendo un premio tras otro. Nacido en Stycso, Vastra Götalands, Suecia, en 1974, tras realizar estudios académi-cos comenzó a dedicarse al rodaje de documentales depor-tivos, con especial predilección por el esquí, surgiendo así una vocación decidida por el mundo de la imagen, que le hizo ingresar en la Escuela de Cine de Gotemburgo, don-de se graduó en 2001, realizando varios cortometrajes, casi todos premiados en distintos festivales. Una vez titulado, con su compañero Erik Hemmendorff fundó la productora Plattform Produktion, con la que realizó sus primeras pe-lículas: De Ofrivilliga (2008), Hándelse vid bank (2009) y Play (2011). A la cuarta, en este caso, fue la vencida y con Fuer-za mayor ha conseguido un considerable impacto en el que tiene mucho que ver la arriesgada propuesta de romper un viejo molde bien establecido por la cultura al uso: un pa-dre (o madre) siempre se sacrifi ca por sus hijos. Romper ese sagrado principio de la buena educación y las correctas maneras sociales lleva aparejado consigo un notable im-pacto, al que se añade la espectacular puesta en imágenes, territorio en el que la experiencia de Östlund le permite moverse como el pez en el agua: la montaña, la nieve, las avalanchas y los esquíes son su ámbito natural y un terri-torio en el que sabe desenvolverse perfectamente con la cá-mara. El resultado es una película sorprendente, bellísima, que ha merecido cálidos elogios de la crítica. Así, por ejem-plo, Peter Debruge señala en “Variety” que es “visualmen-te impresionante, incluso en sus momentos más banales, y per-ceptivo emocionalmente casi hasta la exageración”. Divertida y triste a la vez, como señala otro comentarista es “meticu-losa y deliberadamente acelerada, golpea inesperadamente al es-pectador como una avalancha emocional”, dice Michael Phi-llips mientras encontramos comentarios referidos a la es-tructura familiar tan fuertemente golpeada y la reacción posterior para intentar recomponer los principios origina-les, en un sistema de complacencia burguesa bruscamen-te golpeada en los aspectos que más pueden doler, ponien-do de relieve cuán profunda puede ser la fragilidad huma-na. Quizá para concluir este acercamiento a un fi lm que se presta a múltiples consideraciones sobre la condición más íntima de las personas, podamos resumir todo con una fra-se extraída de la crítica de Luis Martínez en “El Mundo”: “Poco a poco, entre la turbación y el frío, el director construye una perfecta tela de araña de la que es imposible zafarse. Brillan-te hasta la más dolorosa de las perfecciones”.

Oscar a la mejor actriz secundaria (Patricia Arquette). Globo de oro a la mejor película, mejor director y mejor actriz secundaria. Premio BAFTA a la mejor película, director y actriz secundaria. Festival de Berlín: premio al mejor director. Festival de San Sebastián: gran premio de la FIPRESCI a la mejor película del año. Círculo de Críticos de Nueva York: mejor película, director y actriz secundaria. Independent Spirit Awards: mejor director y actriz secundaria. Sindicato de Actores: mejor actriz secundaria.

Título original: Boyhood. Nacionalidad: Estados Unidos. Director: Richard Linklater (2014). Producción: IFC Films. Productores: Richard Linklater, Cathleen Sutherland. Guión: Richard Linklater. Fotografía: Lee Daniels, Shane Kelly. Diseño de producción: Rodney Becker. Montaje: Sandra Adair. Vestuario: Kari Perkins

Actores: Patricia Arquette (Olivia), Ellar Coltrane (Mason), Lorelei Linklater (Samantha), Ethan Hawke(padre), Jordan Howard,Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Libby Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham, Ryan Power


BOYHOOD (MOMENTOS DE UNA VIDA)

6 de mayo 2015Sesión número 1489

Esta es la historia de Mason desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relacio-nes que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amo-res, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje ínti-mo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

La relación de premios obtenidos por esta película, y que incluimos en la fi cha técnica, es tan abrumadora que no cabe en un espacio reducido, de manera que los aquí se-ñalados forman una mínima parte del total. Este público y masivo reconocimiento (que, sin embargo, no encontró el refrendo del oscar que se esperaba) no viene a ser sino la constatación de que nos encontramos ante uno de los títulos más sorprendentes de los realizados en las últimas décadas, con muchos tantos a su favor para pasar a ingre-sar la lista de las mejores películas de todos los tiempos. Richard Linklater (Houston, Texas, 1960) es ya uno de los directores contemporáneos de trayectoria más defi nida y horizonte afi anzado, a través de una línea creadora muy personal. Su primer fi lm, Slaker fue seleccionado para el festival de Sundance. El tercero, Antes del amanecer, ganó el león de oro en Berlín. En su trayectoria viene desarro-llando una actitud muy inteligente, alternando películas de cierta comercialidad con otras de carácter más perso-nal, en las que no falta una acentuada corriente crítica. Títulos como Waking life (2001), Escuela de rock (2003), la extraordinaria y aclamada Antes del atardecer (2003) y su secuela Antes del anochecer (2013), junto con Fast food na-tion (2006), que pudimos ver en el Cine Club el 21-11-2007 marcan el fi rme camino de este director, del que ahora nos llega una película insólita a la vez que magnífi ca. “Bo-yhood (Momentos de una vida)” es un drama rodado con el mismo grupo de actores durante doce años, concreta-mente desde 2002 a 2013, que trata de un viaje tan épico como íntimo a través de la euforia de la niñez, los sísmi-cos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo. Este simple enunciado nos da cuenta de la magnitud de la empresa, porque en un medio como el cine, condicio-nado siempre por las premuras en el rodaje, plantear una película a lo largo de doce años para seguir la evolución física y mental de un niño es algo tan insólito como mag-nífi co es el resultado.

El día de San Valentín, la tensión es palpable en Brasserie Ro-mantic, el restaurante de Pascaline y Angelo. Mientras la no-che de Paul y Roos va cuesta abajo, Walter está tratando de li-gar con Sylvia. Y justo cuando la noche está en pleno apogeo, llega Frank, el antiguo amante de Pascaline. El lío está servido.

Título original: Brasserie Romantiek. Nacionalidad: Bélgica. Director: Joël Vanhoebrouck (2012). Producción: A Private View, Artémis Productions. Guión: Jean-Claude Van Rijckeghem, Pat van Beirs. Fotografía: Ruben Impens. Música: Tuur Florizoone.

Actores: Koen de Bouw, Barbara Sarafi an, Anemone Valcke, Zoë Thielemans, Filip Peeters, Axel Daeseleire, Sra de Roo, Ruth Becquart, Wouter Hendrick, Mathijs Scheepers, Tine Embrechts, Thomas Janssens


BRASSERIE ROMANTIC


No tenemos muchas oportunidades de ver entre nosotros pelí-culas surgidas en Bélgica, un país europeo en el que, además, como se sabe, residen los órganos de gobierno de la Unión Eu-ropea, ese conjunto plurinacional al que pertenecen casi todos los países europeos situados en el sector occidental del conti-nente, incluido España. Si efectivamente formáramos una ver-dadera unidad social y cultural, no solo económica, las pelícu-las de los respectivos países circularían con fl uidez de uno a otro y no se convertirían, como en este caso, en raros ejempla-res que parecen llegados del tercer mundo. Joel Vanhoebrouck nació el 10 de junio de 1974 en Vilvoorde (Bélgica). En 1997, sus estudios en el RITS (Instituto neerlandés de las artes au-diovisuales y escénicas) de Bruselas concluyen con la produc-ción y la dirección de un cortometraje llamado Tunnel, segui-do por distintas participaciones en la producción de cortome-trajes y largometrajes en fl amenco y francés. En 2003 dirige su primer corto (bilingüe), Josephine, con el que obtiene el Premio del Jurado a la mejor película fl amenca de fi cción en el Festi-val Internacional de Cortometrajes de Leuven en 2003. Como actor, interpretó un pequeño papel de director en Zot van A, fi lm dirigido por Jan Verheyen. Desde 2008 ha dirigido varios episodios de series de televisión fl amencas como Vermist, Code 37 y Double Life, que en 2011 obtuvo el premio a la mejor se-rie dramática por la Vlaamse Sterren Televisie. En 2013 produjo una nueva serie televisiva, Eigen kweek, para la VRT. Esta serie, compuesta de seis partes, consiguió atraer a un número récord de espectadores y fue galardonada con el premio de la Vlaam-se Sterren Televisie a la mejor serie dramática en 2014. En 2012 dirigió su primer largometraje, Brasserie romantic, elaborada en tono de comedia agridulce porque Pascaline, la dueña, solo ad-mite reservas para dos en un día tan especial para los enamo-rados. Todo lo prepara con sumo cuidado, incluyendo un im-presionante menú de degustación listo para ser servido a los comensales, pero a la hora de la verdad todo se complica por-que en la intimidad de las mesas surgen discrepancias, disgus-tos, confl ictos en las parejas teóricamente bien avenidas. Y eso afecta también a Pascaline, la dueña. Como escribió Pere Vall en “Fotogramas”, “como si de un teatro se tratase, con su escena-rio y su backstage, el restaurante que sirve de único marco de esta co-media belga tiene que acoger una en teoría tranquila velada de la no-che de San Valentín. Nada más lejos de realidad: salvo dos o tres pa-rejas (secundarias, eso sí), oiremos y veremos de todo menos palabras amables y encantadoras y gestos amorosos. Todo, al ritmo que mar-ca la entrada de los diferentes platos de la carta. ‘Brasserie Roman-tic’ es tanto una anticomedia romántica como un estudio del amor (y del sexo), y como estos dos últimos a menudo son perjudicados por los celos, las decisiones inesperadas, las ataduras y (en el caso de uno de los comensales) los problemas mentales. Eso sí, como personajes bu-ñuelianos con su Ángel Exterminador en la puerta, nadie se irá de la brasería hasta que su vida no haya dado un vuelco: para bien o para mal. Es el mejor y más sano postre posible”.

En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret That-cher, el Sindicato Nacional de Mineros convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un gru-po de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los trabajadores, pero el sindicato no acepta el di-nero. El grupo decide entonces ponerse en contacto directo con los mineros y van a un pueblecito de Gales. Empieza así la cu-riosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común.

Título original: Pride. Nacionalidad: Reino Unido. Director: Matthew Warchus (2014). Producción: Calamity Films. Guión: Stephen Beresford. Fotografía: Ted Raddcliffe. Música: Christopher Nightingale

Actores: Ben Schnetzer (Mark Ashton), Monica Dolan (Marion Copper), George MacKay (Joe Cooper), Bill Nighy Cliff), Andrew Scott (Gethin Roberts), Imelda Staunton (Hefi na

Headon), Dominic West (Jonathan Blake), Paddy Considine (Dai Donovan), Joseph Gilgun (Mike Jackson), Jessie Cave (Zoe), Freddie Fox (Jeff Cole)


Premio BAFTA al mejor debut de un director novel. Nominada en los Globos de Oro a la mejor película.

PRIDE


Con toda seguridad, cualquier afi cionado al cine recuerda Full Monty y su enorme impacto popular y mediático. La referencia es inevitable, porque Pride encaja claramente en aquel singular estilo, sigue la línea abierta por aquella película y ofrece una nue-va versión, cáustica, libre, rompedora, de la crisis socio-econó-mica-laboral y sus ramifi caciones en la vida de los seres huma-nos. Es un género en el que los ingleses son, lo han sido siempre, maestros: cómo tomar una situación real, dramática, seria, envol-verla en bromas e ironías para entre risas y llantos llegar a dar forma a una sátira social de enorme calado. Basada en un hecho real, sucedido durante el gobierno con mano de hierro de Mar-garet Thatcher, el fondo dramático de la historia es intentar ex-plicar y exponer las relaciones entre dos comunidades de origen y fi nes absolutamente diferenciados, un sindicato minero por un lado y el colectivo homosexual por otro. Cuando estos últimos deciden poner en marcha la campaña Lesbians and Gays support the miners surge la confrontación y la polémica. Los mineros, al fi n y al cabo honorables hombres de pelo en pecho, calibraron al-gunos riesgos de imagen si se mezclaban con la alegre mucha-chada gay y rechazaron su apoyo pero los activistas, lejos de des-animarse, decidieron pasar a la acción directa y eligieron un pe-queño pueblo minero galés para intervenir y llevar hasta allí su oferta de colaboración. El resultado fue tan sorprendente y esti-mulante como divertido. El responsable de este extraordinario desaguisado fílmico es Mathew Warchus (Rochester, Inglaterra, 1966), dramaturgo y director teatral, casado con la actriz Lauren Ward. Estudió música y teatro en la universidad de Bristol y ha dirigido montajes en el Teatro Nacional de la Juventud, la Bristol Old Vic, la Royal Shakespeare Company, el Royal Nacional Thea-tre y también en escenarios operísticos. Ganó el premio de actor más prometedor por su actuación en Mucho ruido y pocas nueces, y más tarde recibió varios galardones ya como director, por sus montajes de Enrique V y Volpone. En el año 2014 fue nombrado director del prestigioso Old Vic Theatre, de Londres, sustituyen-do a Kevin Spacey. Su acercamiento al cine ha ido acompañan-do por una cálida acogida desde el sector de la crítica, unánime al valorar su trabajo en Pride como una auténtica oleada de aire fresco, orientada a llegar al gran público pero desde unos pará-metros de rigor, autenticidad y calidad, cuestiones que olvidan quienes creen que ese género (el público) está formado por ne-cios a los que puede darse cualquier patraña sin que nadie pro-teste. La capacidad de denuncia que muestra Warchus es consi-derable, sin renunciar para ello a una estimulante dosis de di-versión para conducir todo el espectáculo hacia un fi nal cargado de sentimentalismo conmovedor. Hay en la mirada retrospecti-va del director un evidente cariño hacia sus personajes, de uno y otro bando y una mirada crítica hacia aquel periodo de singu-lar dureza política, episodio del que deberían haberse extraído aprendizajes sólidos que, por lo visto en el tiempo presente, no han sido capaces de arraigar. Un canto a la solidaridad, la ener-gía, el compromiso y la amistad marcan considerablemente esta película que, como en tantas otras, pone de relieve cómo detrás de la risa se encuentra un profundo mensaje humanista.

Solo, hundido y sin recursos, el excampeón olímpico de lucha libre Mark Schultz es invitado por el millonario John du Pont para viajar a su lujosa fi nca y montar juntos un equipo para los Juegos de Seúl 1988. Mark tiene también otras intenciones, pero una vez instalado en el centro de entrenamiento de la gran-ja Foxcatcher, lo que en principio parece una relación de amis-tad y respeto mutuo se vuelve algo más oscuro debido a la perso-nalidad explosiva de Du Pont y la presión psicológica que ejer-ce contra todos los de su alrededor.

Título original: Foxcatcher. Nacionalidad: Estados Unidos. Director: Bennett Miller (2014). Producción: Sony Pictures / Annapurna Pictures / Likely Story / Media Rights Capital. Productores: Bennett Miller, Jon Kilik y Anthony Bregman. Guion: E. Max Frye y Dan Futterman. Fotografía: Greig Fraser. Música: Rob Simonsen.

Actores: Steve Carell (John du Pont), Channing Tatum (Mark Schultz), Mark Ruffalo (Dave Schultz), Sienna Miller (Nancy), Vanessa Redgrave (Jean du Pont).

Duración: 129 minutosVersión original con subtítulos en españolFestival de Cannes: mejor director. Independent Spirit Awards: distinción especial. American Film Institute: Top 10 (una de las diez mejores películas del año).

FOXCATCHER


Foxcatcher ha sido una de las grandes sorpresas del año 2014, al alcanzar unos niveles que nadie esperaba al co-nocer su planteamiento pero que, a la hora de la reali-dad, se salió de los esquemas iniciales previstos para al-canzar una distinción sobresaliente, como lo prueban sus cinco nominaciones al oscar, tres nominaciones a los Globos de Oro, cuatro nominaciones en la Critics Choi-ce Awards y otras muchas clasifi caciones similares en las que casi siempre están incluidos los nombres del direc-tor, Bennett Miller y del actor Mark Ruffalo. Bennet Mi-ller (Nueva York, 1966), graduado por el Instituto Mama-roneck, centro en el que conoció a Dan Futterman, con el que colaboraría en la escritura del guión de Truman Ca-pote. Antes de rodar su primer fi lm consiguió una consi-deración de prestigio como publicista y en 1998 dirigió el documental The Cruise, sobre la fi gura de un guía de tu-rismo en Nueva York, por el que recibió un Emmy y el máximo galardón del Forum Internacional en el festival de Berlín. A continuación rechazó varios proyectos hasta que en 2055 logró el necesario apoyo fi nanciero para ha-cer Capote, con una memorable interpretación de Philip Seymour Hoffman, que recibió numerosas nominaciones a los grandes premios del cine americano. En 2009 dirigió Moneyball, un éxito tanto de crítica como de taquilla, a la que sigue la actual, Foxcatcher, sobre la que Javier Ocaña ha escrito en “El País”: “El placer de ver una gran película solo lo supera ver una gran película sobre la que no sabías casi nada, o de la que andabas equivocado sobre su trama, concepto e intenciones. Foxcatcher es una de ellas. De modo que si desco-nocen su relato, sigan así porque si conectan con su personalí-simo estilo, brillante pero no apto para los buscadores de place-res fáciles, probablemente queden boquiabiertos no sólo con su estrambótica historia, sino sobre todo con la maestra propuesta escénica y de montaje de Bennett Miller que con sólo tres pelí-culas, todas excelentes, se ha revelado como poseedor de un uni-verso propio, concepto tan manido que, justo por eso, debiera in-tentar explicarse. Hay en el cine de Miller, y en Foxcatcher en particular, una mágica convergencia entre el tempo en los diá-logos, el ritmo de montaje, la puesta en escena, la introducción de la música, la tenebrosa fotografía, el tratamiento del sonido, los insertos de objetos y el insólito ejercicio del silencio como clímax dramático. Sin necesidad de escribir sus guiones, Miller está componiendo una obra auténtica, personal y arriesgada, y en Foxcatcher, basada en hechos reales y con interpretaciones mayúsculas, hay un historión detrás, pero tan extravagante que se podía haber contado de mil maneras distintas, y quizá la co-media absurda era la más adecuada (y obvia)”.

Termina el verano en un pueblo de la Umbría italiana. Gelso-mina vive con sus padres y sus tres hermanas pequeñas en una granja destartalada donde producen miel. Las chicas crecen ale-jadas de todos, pues su padre cree que se acerca el fi n del mun-do y prefi ere el contacto con la naturaleza. Sin embargo, las es-trictas reglas que mantienen unida a la familia empiezan a que-brarse con la llegada de Martin, un joven delincuente enviado por un programa de reinserción, y la grabación de un concurso de televisión en la zona.

Título original: Le meraviglie. Nacionalidad: Italia, Suiza, Alemania. Directora: Alice Rohrwacher (2014). Producción: Tempesta / Rai Cinema. Productores: Carlo Cresto-Dina, Karl Baumgartner, Tiziana Soudani, Michael Weber. Fotografía: Hélène Lovart. Diseño de producción: Emita Frigato. Música: Piero Crucitti. Montaje: Marco Spoletini

Actores: Maria Alexandra Lungu (Gelsomina), Sam Louwyck (Wolfgang), Alba Rohrwacher (Angelica), Sabine Timoteo (Cocò), Luis Huilca Logroño (Martin), Monica Bellucci (Milly Catena)


Festival de Sevilla: premio especial del jurado, premio a la mejor actriz (Alexandra Lungu). Festival de Cannes: gran premio del Jurado.

EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

3 de junio 2015Sesión número 1493

Alice Rohrwacher (Fiesole, Italia, 1981) es hija de padre ale-mán de ofi cio apicultor y madre italiana. Estudió literatu-ra y fi losofía en la Universidad de Turín y se especializó en la escritura de guiones en los cursos de la Escuela Holden, también en la ciudad turinesa. Su primer experiencia en cine la llevó en cabo en 2006 cuando dirigió una parte del documental Checosamanca, el episodio La fi umara.. En 2011 dirigió su primer largometraje de fi cción, Corpo celeste, estre-nado en la Quincena de los Realizadores del festival de Can-nes, donde recibió un apasionado aplauso de la crítica y el premio Nastro d’Argento al mejor director novel. El país de las maravillas es su segunda película. Antes también dirigió el episodio Una canzone, del fi lm colectivo 9x10 noventa. Nos encontramos ante una película que es un auténtico descu-brimiento que, a la vez, provoca verdadera admiración por la capacidad de Rohrwacher para introducir en apenas dos horas un mundo de tal complejidad, cargado de un sin de sugerencias, observaciones y detalles, con multitud de mati-ces que podrían pasar inadvertidos de atender sólo al plan-teamiento general y no a la minucia de cada momento. Pero eso ocurre, se nos ofrece, de manera tan sencilla y lineal, con una tan delicada sutileza, sin subrayar en exceso los de-talles, que el espectador cree asistir a la contemplación de un enorme fresco en el que se acumulan personajes y paisa-jes, sin subrayar especialmente ninguno. Todo ello, además, envuelto en una fi lmación que tiene mucho de onírico, de ensoñaciones visuales que entroncan la realización de Ro-hrwacher con el mundo felliniani, en busca de una belleza inmanente que surge de la propia capacidad de la directo-ra para introducir la cámara en la búsqueda de sensaciones que parecen imposible de recoger en imágenes. La llegada de elementos extraños (un equipo de rodaje de TV, un de-lincuente) al sosegado mundo donde vive Gelsomina con su familia va a producir una auténtica conmoción emocional que dará lugar a los múltiples incidentes que marcarán en adelante la ruptura del mundo planteado en los inicios del relato. Todo ello contado de manera tan natural, sorpren-dente en un universo cinematográfi co marcado por tantas películas donde mandan el estrépito, la confusión, el artifi -cio. Por el contrario, como se ha escrito, esta es una película que se diría ajena a su propia importancia, donde la cáma-ra de la cineasta se mueve sin afectaciones, con la grandeza de una literatura invisible, limpia de barroquismos y retrué-canos, precisa al desvelar una belleza que no parece buscar, implacable al registrar verdades que emergen de forma na-tural, sin condicionamientos ni subrayados. Por resumir y concretar: una auténtica maravilla.

Ambientada en los años anteriores a la II Guerra Mundial, muestra la vida cotidiana de una pequeña y humilde familia que vive en Tokio. La historia comienza cuando Takeshi encuen-tra una colección de diarios que escribió su ya difunta tía Taki Nunomiya, criada de la familia Hirai que vivía en una casita con tejado rojo, en Tokio. A través de esos íntimos escritos, va-mos conociendo la realidad de la familia antes de que estalla-se la guerra.

Título original: Chisai Ouchi. Nacionalidad: Japón. Director: Yoji Yamada (2014). Producción: Guión: Yoji Yamada, Emiko Hiramatsu, a partir de la novela de Kyoko Nakajima. Fotografía: Masashi Chikamori. Música: Joe Hisaishi.

Actores: Takako Matsu, Haru Kuroki, Hidetaka Yoshioka, Satoshi Tsumabuki, Chieko Baisho, Takataro Kataoka

Duración: 136 minutosVersión original, con subtítulos en español

Festival de Berlín 2014: premio a la mejor actriz (Haru Kuroki)

LA CASA DEL TEJADO ROJO


Yoji Yamada (Osaka, Japón, 1931) es un veterano guionista japonés que debutó en la dirección en 1964 manteniéndose en un discreto papel en su país donde, sin embargo, tras de-butar con su primera película, consiguió fama como direc-tor de una saga que pudo parecer interminable, formada por 48 entregas en formato cine, desde 1969 a 1995, Tora-San, un vagabundo interpretado por Atsumi Kiyoshi y que se inició con la titulada “Nikai no tanin”. También dirigió otra serie, de cuatro capítulos, dirigida a público juvenil, Gakko, roda-da a partir de 1994. Su nombre encontró un hueco en los cir-cuitos occidentales gracias a El ocaso del samurai (vista en el Cine Club el 22-02-2006) y lo confi rmó con The Hidden Bla-de (La espada oculta), a la que siguieron Love and Honor (2007) y Una familia de Tokio (2013; Cine Club 05-02-2014). Aunque nació en Osaka, debido al trabajo de su padre, ingeniero que trabajaba en el ferrocarril sur de Manchuria, a partir de los dos años fue criado en esta región asiática, volviendo a su país tras el término de la II guerra mundial. Después de reci-bir su título académico en la Universidad de Tokio en 1954, ingresó en la empresa cinematográfi ca Shochiku, trabajando como guionista y ayudante de dirección. Escribió su primer guión en 1958 y dirigió su primera película en 1961. Duran-te su ya larga dedicación al cine, en el que sigue activo a pe-sar de tener 84 años, ocupó en cierta ocasión la presidencia del sindicato de directores de Japón y continúa impartien-do enseñanza en la Universidad Ritsumeikan. En 2010 fue homenajeado en el Festival de Cine de Berlín con la proyec-ción de su última película durante el acto de entrega de pre-mios, además de recibir el premio Cámara de la Berlinale por sus numerosas contribuciones a la programación del festi-val. A pesar de que ha sido poco y mal conocido en Europa, a donde sus películas empezaron a llegar de manera muy tardía, Yamada debe ser considerado como uno de los nom-bres fundamentales del cine mundial de todas las épocas, una narrador en imágenes cuya profundidad ha sido equi-parada a su compatriota Kurosawa o a John Ford. Estamos hablando de un humanista, en toda la acepción de esa pa-labra, que se encuentra especialmente a gusto en el terreno de la comedia, tejiendo historias de calado íntimo en las que predominan los sentimientos de los seres humanos, a la bús-queda siempre de elementos que puedan llegar de manera directa al espectador. Aunque ha realizado incursiones en argumentos de periodos antiguos de la historia de su país, se mueve especialmente a gusto narrando situaciones con-temporáneas extraídas de la vida sencilla y doméstica, que fi lma con auténtica sabiduría narrativa en la que, de acuer-do con la tradición del cine japonés, mezcla largos periodos de silencio con otros de mayor expresividad con momentos no exentos de una declarada orientación hacia la nostalgia.

La familia Weiss son vecinos de Hollywood y cada cual tiene un secreto muy oscuro. El padre es un gurú de autoayuda con más traumas que sus clientes; la dulce madre, Cristina, es despiada-da a la hora de manejar la carrera de su hijo; el niño actor, Ben-jie, es un auténtico psicópata de 13 años… y ahora se une a ellos la enigmática Agatha, recién salida del psiquiátrico tras incen-diar el hogar familiar y que empieza a trabajar para la actriz en decadencia Havana Segrand, alrededor de la cual se mueve una historia de traumas, celos y asesinato que podría hacer saltar las vidas de todos los que la rodean.

Título original: Maps to the stars. Nacionalidad: Canadá, Alemania. Director: David Cronenberg. Producción: Integral Film / Prospero Pictures / SBS Productions / Sentient Entertainment. Productores: Saïd ben Saïd, David Cronenberg, Martin Katz. Guión: Bruce Wagner. Fotografía: Peter Suschitzky. Diseño de producción: Carol Spier. Música: Howard Shore. Montaje: Ronald Sanders

Actores: Julianne Moore (Havana), Mia Wasikowska (Agatha), John Cusack (Dr. Stafford), Robert Pattinson (Jerome), Olivia Williams (Cristina), Sarah Gadon (Clarice), Evan Bird (Benjie)


17 y 22 horas

MAPS TO THE STARS


Regresa a nuestro Cine Club David Cronenberg (Toronto, Canadá, 1943) tras un largo periodo de ausencia en el que sus películas encontraron acogida en las salas comerciales. Nosotros lo tuvimos con M. Butterfl y (04-05-1994) y Spider (12-02-2003), dos buenas ocasiones de inmersión en el pe-culiar estilo de un director que fi gura en la nómina de los mejores y más prestigiosos de las últimas generaciones, con una muy clara vocación hacia el género fantástico, rozando el terror pero sin entrar abiertamente en él y menos aún con uso y abuso de los recursos truculentos con que se enmasca-ran las posibilidades narrativas que esta modalidad ofrece. Hijo de un periodista y una concertista de piano, mientras estudiaba biológicas y literatura inglesa en la universidad (se graduó en 1967), escribía relatos cortos y descubrió su in-terés por el cine. Atraído desde los inicios de su carrera en el género fantástico, rodó dos cortos de este estilo y trabajó para la TV de su país natal como realizador de telefi lms an-tes de vincularse defi nitivamente a Hollywood. David Cro-nenberg es uno de los directores más innovadores del actual cine americano, uno de los escasos ejemplos que mantiene la industria de Hollywood con cierta capacidad de riesgo en la temática que utiliza y en la forma elegida para desarrollarla. En su fi lmografía hay notables altibajos, como resultado de esa constante búsqueda en la que está inmerso y que le lleva a fi lmar películas muy desiguales, pero envueltas todas ellas en un hálito que nos hace adivinar enormes posibilidades, como si Cronenberg no consiguiera rematar del todo la fae-na que se propone, dejando la sensación insatisfecha de que tenía en sus manos un material excelente que promete mu-cho más de lo que da, a pesar de que esto ya es mucho. Así ocurre con Vinieron de dentro de... (1975), Rabia (1976), Scan-ners (1980), La zona muerta (1983), La mosca (1986), Insepara-bles (1988) o M. Butterfl y (1993), que supuso una ruptura en la línea habitual del director, a la que siguieron Spider (2002), Una historia de violencia (2005), Un método peligroso (2011) y Cosmópolis (2012), entre otras. Maps to the Stars se incluye en el ya amplio repertorio de películas en que Hollywood me-dita sobre sí mismo, o sea, sobre el mundo de los actores y las estrellas. El guionista, Bruce Wagner, ya ha sido res-ponsable de varias incursiones sobre esta temática, a la que ahora se une el carácter iconoclasta de Cronenberg para ela-borar una terrible sátira sobre los comportamientos de ese entramado de personajes ambiciosos, soberbios, ególatras cuando no abiertamente psicópatas. Como hilo conductor, la gran Julianne Moore en la que bien podemos ver sinteti-zados los pecados y también, por qué no, la grandeza de la industria del cine, diseccionada aquí por el director con un bisturí irónico, incluso cruel, en el que no falta un amable to-que de humor negro.

Un matrimonio inglés viaja a Italia para vender una villa que ha heredado cerca de Nápoles. Al alejarse de su habitual am-biente londinense y encontrarse en un paisaje y en un mundo que le son ajenos, la pareja experimenta sentimientos olvidados entre los que surgen los celos y el resentimiento.

Nacionalidad: Italia, Francia. Director: Roberto Rossellini (1953). Producción: Italiafi lms, Sveva Films, Junio, Les Films Ariane, Francinex. Productor: Roberto Rossellini. Guión: Vitaliano Brancati, Roberto Rossellini, Antonio Pietrangeli, a partir de la novela Duo, de Colette. Fotografía: Enzo Serafi n. Decorados: Piero Filippone. Música: Renzo Rossellini. Canciones: Giacomo Rondinella. Vestuario: Fernanda Gattinoni. Montaje: Jolanda Benvenutti.

Actores: Ingrid Bergman (Katherine Joyce), George Sanders (Alexander Joyce), Maria Mauban (Marie), Paul Muller (Paul Dupont), Leslie Daniels (Tony Burton), Natalia Ray (Natalie Burton), Anna Proclemer (La prostituta), Jackie Frost (Judy), Lyla Rocco (Miss Sinibaldi), Bianca Maria Cesaroli (Una amiga de Judy), Giacomo Rondinella


VIAGGIO IN ITALIA(TE QUERRÉ SIEMPRE)

17 de junio 201519,30 horas

Ingrid Bergman nació en Estocolmo el 29 de agosto de 1915. De haber vivido, cumpliría cien años este verano, pero murió en 1982, dejando tras ella una estela de elegancia, dignidad y buen hacer cinematográfi co. Este centenario nos anima a programar como cierre de la temporada una de sus obras más signifi cati-vas, a la vez que menos conocida del gran público y que perte-nece a la etapa en que compartió su vida con el director italiano Roberto Rossellini, con el que tuvo tres hijos durante sus ocho años de matrimonio. Estudió en la Escuela de Declamación de Estocolmo, tras haber trabajado un tiempo en compañías de afi -cionados, pero nunca llegó a terminar sus estudios a causa de su debut en el cine, en 1934, actividad que interrumpió en va-rias ocasiones para actuar en el teatro. En 1940 se traslada a Estados Unidos, de donde sale en 1949 para vivir una apasio-nada historia de amor con Roberto Rossellini. En ese momen-to estaba casada con el doctor Aron Petter Lindström un pres-tigioso cirujano sueco pero también afi ncado en América, con el que tenía una hija, Pía, pero Ingrid lo abandonó tras quedar embarazada de Rosellini. La sociedad americana reaccionó in-dignada, sin que sirviera de nada el prestigio y popularidad de que gozaba la actriz. Según los amigos personales de Linds-trom, éste nunca pudo superar el drama que para él supuso el abandono de Ingrid. Por su matrimonio con Rossellini duran-te el periodo 1950-1955 trabajó en Italia. Ganó el oscar a la me-jor actriz por Luz que agoniza (1944) y Anastasia (1956) y como mejor secundaria por Asesinato en el Orient Express (1974), ade-más de estar nominada en otras cuatro ocasiones. En cuanto a Rossellini (Roma, 1906) ya era uno de los puntales básicos del neorrealismo al que se incorporó brillantemente desde sus pri-meras películas, con títulos esenciales como Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (1946), Germania, anno zero (1947), Stromboli (1949) o Francesco, giugllare di Dio (1949). Fue en el rodaje de Strom-boli cuando se conocieron Rossellini y Bergman, comenzando así una intensa (aunque no muy duradera) relación profesio-nal y personal. Ella ya era una actriz consagrada por el éxito y la fama, pero la sintonía entre ambos fue inmediata. Uno de los episodios de este amor fue Viaggio in Italia, bautizada en Espa-ña en su estreno con el ridículo título de Te querré siempre, basa-do en una novela por entregas publicada en el diario Marian-ne en 1934. El argumento se articula a través del seguimiento de los trayectos recorridos por los dos protagonistas, por sepa-rado, a través del paisaje napolitano en un itinerario que acaba llevando a que sus miradas enfrenten la realidad, que les obli-gará a realizar una toma de conciencia sobre sus respectivos sentimientos a partir de la asunción de que hay en ellos un va-cío que hasta entonces habían querido ignorar. Hablamos, por tanto, de una historia de profunda interioridad emocional, a la que Rossellini se acerca con pulcritud, atento a los cuerpos, las miradas, las frases medidas que transmiten la angustia y el do-lor por lo que parece inevitable. La fragilidad que envuelve a los seres humanos, la inestabilidad interior, son elementos que cobran vida en esta película emotiva y, a la vez, luminosa.

Depósito Legal: CU-1-2014

CINECLUB 2T 2015 - cuenca.es · el mauritano Abderrahmane Sissako y está claro que sabe de lo que...

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