COLECCIÓN PERMANENTE

FICHA TÉCNICA Título: Miquel Navarro: Ciudad muralla Fechas: enero–mayo 2004 Comisaria: Petra Joos Sala: 103A CONTENIDO DE LA PRESENTACIÓN Miquel Navarro (Mislata, Valencia, 1945) es considerado internacionalmente como una de las voces más personales dentro de la escultura contemporánea. Ciudad muralla (2000-01), recientemente adquirida para la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao y que ahora se presenta por primera vez, constituye una de las obras más representativas de la trayectoria de este escultor, que inició su actividad artística dedicándose a la pintura y al dibujo a mediados de los sesenta. En 1973 realizaría la primera de sus ciudades, en las que trabaja con los más diversos materiales, construyendo y modificando arquitecturas. Las ciudades de Miquel Navarro son generadores de espacios para la confrontación de ideas. En su recorrido artístico, el escultor ha ido proponiendo una revisión de nuestra noción del espacio, de la construcción de lugares y del propio cuerpo. Ciudad muralla se compone de pequeñas piezas de plomo, zinc y aluminio, y se extiende en el horizonte en una visión sólo interrumpida por las estructuras verticales que invaden el espacio. En ella, al igual que en el resto de sus paisajes escultóricos inspirados en el tejido urbano, el artista invita a reflexionar sobre la escala humana y sobre la diferencia y la confluencia entre lo real y lo mental, el orden y el desorden de la sociedad industrial, y sobre la dialéctica entre arquitectura y escultura. Según el artista "incluso mis esculturas más esquemáticas, sin dejar de ser figurativas, permiten seguir el rastro del hombre".

COLECCIÓN PERMANENTE

FICHA TÉCNICA Título: Arte pop Fechas: febrero 2004–primavera 2005 Comisaria: Tracey R. Bashkoff Sala: 104 CONTENIDO DE LA PRESENTACIÓN A comienzos de los años sesenta, el arte pop emergía en EE.UU. y en Inglaterra como movimiento singular. Ofreciendo una alternativa “más fría” a la emotiva pincelada del expresionismo abstracto, los artistas pop utilizaron la ubicua iconografía de la publicidad y los recursos del diseño gráfico para desafiar la frontera entre el arte elevado y la cultura popular. Como parte de una serie continuada de muestras que exhiben la colección de los Museos Guggenheim, Arte pop explora los fundamentos de este movimiento a través de obras de artistas significativos como Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen. Como homenaje histórico a la retrospectiva dedicada a James Rosenquist, la exposición recorrerá la evolución de los temas fundamentales del movimiento pop.

COLECCIÓN PERMANENTE

FICHA TÉCNICA Título: Bill Viola: temporalidad y transcendencia Comisarios: John Handhart y Maria-Christina Villaseñor Fechas: junio 2004-enero 2005 Salas: 103A y 105 CONTENIDO DE LA PRESENTACIÓN El Museo Guggenheim Bilbao presenta, desde junio de 2004 hasta enero de 2005, algunos de los trabajos más reciente de una de las figuras más relevantes del panorama artístico contemporáneo, Bill Viola. Viola, uno de los pioneros en el uso del vídeo, viene trabajando en este medio desde los años setenta, explorando la imagen en movimiento con creaciones monocanal, instalaciones y otras obras que reflejan su profunda vinculación con la historia del arte, la espiritualidad y otros temas relacionados con el concepto y la percepción. La exposición Bill Viola: temporalidad y trascendencia es una exploración temática del trabajo de este artista que reúne sus más significativas instalaciones recientes: Avanzando cada día (2002) y Cinco ángeles para el milenio (2001). Creada por encargo conjunto del Solomon R. Guggenheim Museum y el Deustche Guggenheim Berlín, Avanzando cada día es un ciclo en cinco partes de imágenes digitales proyectadas. En esta obra, Viola toma como referencia la pintura al fresco para crear una poderosa instalación que analiza los ciclos del nacimiento, la muerte y el renacer. Cada pieza —una proyección sobre la pared del espacio en que se instala— tiene una duración aproximada de 35 minutos y fue grabada con la tecnología más puntera en vídeo de alta definición. La obra se percibe como una experiencia arquitectónica en la que las cinco secuencias de imágenes que la integran se proyectan simultaneamente en una única sala. Para acceder al espacio que ocupa la instalación, los visitantes penetran literalmente en la luz de la primera imagen. Una vez dentro, se sitúan en el centro de un universo de imagen y sonido, con proyecciones en todas las paredes del entorno que les rodea. Cinco ángeles para el milenio es también una instalación integrada por cinco proyecciones. En esta obra, el artista ofrece una reflexión más ambigua, si bien impactante, sobre temas relacionados entre sí, a través de una iconografía de figuras que emergen y se sumergen en el agua, creando una vívida experiencia evocativa y sensorial. Dos obras relacionadas con las anteriores, pertenecientes a la Colección Permanente —El mensajero y Cruce— complementan esta presentación, ofreciendo un conjunto único para comprender la obra de Bill Viola y su tratamiento de la temporalidad y la trascendencia, temas recurrentes en su trabajo.

COLECCIÓN PERMANENTE

FICHA TÉCNICA Título: Gerhard Richter. Lawrence Weiner. Rachel Whiteread Comisaria: Tracey R. Bashkoff Fechas: junio–septiembre 2004 Salas: 301, 302, 303 y 304 CONTENIDO DE LA PRESENTACIÓN El verano de 2004 el Museo presentará en varias de las salas del tercer piso la obra de tres artistas contemporáneos de renombre internacional —Gerhard Richter, Lawrence Weiner y Rachel Whiteread— quienes han venido creando obras por encargo del Deutsche Guggenheim Berlin. En las últimas décadas Gerhard Richter (Dresde 1932) se ha granjeado la reputación de ser uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, sin limitarse a un único estilo. Su extraordinariamente variada producción incluye esculturas y pinturas, que van desde paisajes, pasando por coloristas abstracciones, hasta grises monocromos. Ocho gris, de 2002, consiste en ocho paneles de vidrio esmaltado que evocan temas que el artista ha venido investigando desde mediados de los años sesenta. Parte pintura, parte escultura y parte arquitectura, estos enormes paneles reflejan lo que sucede a su alrededor, siendo casi la sombra de una imagen siempre cambiante. A medida que el espectador entra y sale del plano de la obra, recrea escenas al azar que añaden un elemento más de aleatoriedad. Lawrence Weiner (Bronx, Nueva York, 1942) es un escultor pionero del arte conceptual cuyo medio de expresión fundamental es el lenguaje. Desde 1968, momento en que llegó a la conclusión de que la construcción de la obra de arte en sí misma no es esencial para su existencia, Weiner ha creado cientos de obras con el lenguaje como constante. Por encargo del Deutsche Guggenheim Berlin realizó NACH ALLES / AFTER ALL, una instalación bilingüe compuesta de diferentes textos que tratan las múltiples realidades de las cosas y materiales en su coexistencia e interacción en el espacio. La obra sigue la estela del explorador y científico Alexander von Humboldt (1769–1859) cuyo exhaustivo sistema de clasificación inspiró al artista en su análisis de los materiales mundanos que le rodean y el orden en el que existen. Rachel Whiteread (Londres 1963) ha creado una obra escultórica singular en la que transforma objetos cotidianos y espacios arquitectónicos en obras de arte poéticas y evocadoras de pensamientos. A finales de los años ochenta, Whiteread comenzó a realizar esculturas de objetos como camas, lavabos, bañeras y armarios con los que ponía de relieve los aspectos privados de la vida doméstica y reflexionaba sobre el cuerpo humano en términos simbólicos. Esta muestra presenta dos piezas de gran escala: Sin título (apartamento) y Sin título (sótano), ambas de 2001, creadas a partir de un edificio londinense que a lo largo de los años fue sinagoga, almacén textil y, posteriormente, residencia y estudio de la artista. Ambas obras encarnan la naturaleza genérica de gran parte de la arquitectura de la posguerra y reflejan las preocupaciones estéticas y sociológicas que han marcado este período de la historia de Europa.

COLECCIÓN PERMANENTE

FICHA TÉCNICA Título: Arte desde 1945: evolución, diversidad y diálogo Comisarias: Tracey R. Bashkoff y Petra Joos Fechas: noviembre 2004–abril 2005 Salas: segunda planta CONTENIDO DE LA PRESENTACIÓN Con Arte desde 1945: evolución, diversidad y diálogo, el Museo Guggenheim Bilbao presentará en otoño un amplio recorrido por la obra de los artistas más destacados de algunos de los más importantes movimientos, corrientes y tendencias del arte contemporáneo desde 1945 hasta nuestros días, como Carl Andre, Francesco Clemente, Anselm Kiefer, Willem de Kooning, Sol LeWitt, Brice Marden, Agnes Martin, Robert Mangold, Robert Motherwell, Clyfford Still, Antoni Tàpies o Eduardo Chillida, entre otros, evidenciando la evolución, diversidad y diálogo que se ha producido de forma paralela en muchos casos. Esta presentación se articula en cinco secciones. Salas 205, 206 y 207 El expresionismo abstracto, o pintura de acción, fue el primer gran movimiento artístico americano de la posguerra. Los principales pintores de esta tendencia trataron de aunar forma y emoción, centrando el contenido de su pintura en la expresión de la personalidad del artista. Algunos como Willem de Kooning o Robert Motherwell practicaron una pintura de trazo enérgico y gestual. Utilizaban además del clásico pincel, diferentes y novedosos procedimientos de aplicar la pintura, afirmando con ello la importancia de la superficie pintada. Con estos métodos, lograban crear formas desdibujadas distribuidas sobre el lienzo de manera bastante desigual que dotaban a la obra de un aspecto de no terminada. Otros artistas, como Mark Rothko y Clyfford Still, acentuaron la naturaleza universal de las aspiraciones humanas a través de grandes planos de color, lo que hizo que algunos críticos utilizaran el adjetivo de “místico” en su descripción de esta tendencia. Mientras el expresionismo abstracto acaparaba la atención de la escena artística americana, en Europa —principal escenario de los movimientos de la primera mitad de siglo— surgía una nueva tendencia plástica influida por las filosofías existencialistas que se dio en calificar como arte informal (sin forma). Representada por Jean Dubuffet, Antonio Saura y Antoni Tàpies, entre otros, esta tendencia se caracterizó por la espontaneidad en la ejecución de la obra y el abandono a las virtudes del gesto. Las propiedades físicas de la materia tenía una gran importancia para estos artistas, al igual que para el escultor Eduardo Chillida, quien en su obra explora conceptos como el límite, el vacío, el espacio y la escala.

Sala 202 Mientras que en los años cincuenta el expresionismo abstracto y su carácter gestual era la tendencia imperante en Estados Unidos, en los años sesenta surgiría un movimiento radicalmente opuesto: el arte minimalista. A pesar de su tendencia general hacia composiciones geométricas, las obras minimalistas varían enormemente, desde la evocación de lo sublime en los casi monocromáticos lienzos de Agnes Martin, hasta las rigurosas obras geométricas de Robert Mangold y las texturas aterciopeladas de Brice Marden. Carl Andre, por su parte, representa la esencia de la escultura minimalista, la abolición del pedestal, el uso de materiales industriales con superficies lisas y uniones mecánicamente precisas para crear un acabado impersonal y, por encima de todo, la simplicidad de la forma. Sala 203 La obra de Francesco Clemente (Nápoles, 1952) tiene sus raíces en el neoexpresionismo de principios de los años ochenta, una tendencia conocida en Italia como la transvanguardia. Clemente recupera nociones específicas de la pintura y técnicas tradicionales como el fresco, la acuarela, el dibujo o el óleo e incluye en sus obras elementos del pasado desafiando cualquier desarrollo estrictamente lineal. Estos motivos le sirven como instrumento de transición de una obra a otra, o de un estilo a otro. Referencias a las fuerzas elementales (tierra, agua, fuego y aire) se yuxtaponen a simbolismos de la cultura india, la historia religiosa o la astrología. Estas premisas se ponen especialmente en evidencia en La stanza della madre, una obra de grandes murales que evoca los decorados de los palacios medievales y renacentistas italianos, concebida expresamente para esta sala. Sala 209 La obra de Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945), ampliamente representada en la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao, se ha enmarcado dentro del neoexpresionismo alemán, tendencia que surge a finales de los años setenta y que recupera la pintura gestual y los contenidos alegóricos. El conjunto de obras que presentará esta muestra, a menudo de gran formato y con una paleta casi monocromática, ofrecerá una completa visión de la trayectoria del artista en los últimos quince años y abarcará una gran variedad de técnicas —pintura, escultura y fotografía— y materiales —láminas de plomo, paja, escayola, semillas, cenizas y tierra—. Sala 208 El artista norteamericano Sol LeWitt (Hartford, Connecticut, 1928) comenzó a realizar intervenciones directas sobre paredes a finales de la década de los sesenta y en ellas su búsqueda de formas simples y lógicas pone de relieve la idea que origina la obra, relegando a un segundo plano su realización y construcción. La pieza Mural nº. 831 (Formas geométricas), creada por LeWitt específicamente para esta sala en 1997, forma parte del grupo de obras concebidas para espacios concretos del Museo junto con las realizadas por Jenny Holzer, Francesco Clemente o Richard Serra, con las que se fomenta el diálogo entre el arte y la propia institución artística, potenciando los espacios arquitectónicos que pierden su tradicional condición de lugares discretos y neutros.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

FICHA TÉCNICA Título: James Rosenquist: retrospectiva Comisarios: Walter Hopps y Sarah Bancroft Sedes: Menil Collection y Museo de Bellas Artes de Houston; Solomon R. Guggenheim Museum,

Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao Fechas: mayo–octubre, 2004 Salas: Segunda planta CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN El Museo Guggenheim Bilbao presentará, entre mayo y octubre de 2004, James Rosenquist: retrospectiva, la primera muestra en más de 30 años que analiza, de forma exhaustiva, la obra de este artista en todo tipo de técnicas. La exposición reúne una selección de alrededor de 150 obras —pinturas, esculturas, dibujos, obra gráfica y collages— procedentes de museos y colecciones privadas de EEUU y Europa, así como de la propia colección del artista. Desde finales de la década de los cincuenta, James Rosenquist ha venido creando una obra fascinante y excepcional. Este artista fue uno de los líderes del arte pop americano de los años sesenta junto a sus contemporáneos Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol. Inspirándose en la iconografía publicitaria y de los medios de comunicación para evocar la vida cotidiana y el contexto político del momento, su obra gira en torno a la cultura popular desde una perspectiva global y con una mirada singular. Desde sus tempranos inicios como pintor de rótulos publicitarios hasta su más reciente uso de técnicas de pintura abstracta, la obra de Rosenquist evidencia un interés y un dominio de la textura, el color, la línea y la forma que siguen cautivando al espectador e influenciando a las nuevas generaciones de artistas. James Rosenquist: retrospectiva, que abarca mas de cuatro décadas de la trayectoria del artista, sitúa sus primeras obras pop en su contexto histórico, al tiempo que revela su importancia en el panorama artístico de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI. La exposición arranca con algunas de las obras abstractas que Rosenquist realizó tras su llegada a Nueva York en 1955, momento en que el expresionismo abstracto era la tendencia artística dominante. La exposición continúa analizando la evolución de su estilo en sus llamativas pinturas de los años sesenta, que evidencian su pasado como rotulista. Éstas le granjearon el reconocimiento público y le vincularon al arte pop; además, la muestra repasa su posterior evolución hasta el presente, incluyendo varios murales de proporciones monumentales y obras sobre papel, que guardan una estrecha relación con su pintura, así como numerosos collages preparatorios de sus cuadros. James Rosenquist: retrospectiva abarca la más extensa selección de obras del artista reunida hasta ahora en una exposición, ahondando en su proceso creativo y ofreciendo una visión de conjunto que permite comprender las inquietudes artísticas e ideológicas de este artista.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

FICHA TÉCNICA Título: Mark Rothko Comisarios: Oliver Wick y Petra Joos Sede: Museo Guggenheim Bilbao Fechas: junio–noviembre 2004 Salas: 305, 306, 307 CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN El Museo Guggenheim Bilbao presentará, entre junio y noviembre de 2004, la exposición Mark Rothko, una muestra monográfica que recorre la obra de este “pintor del silencio”. Los grandes planos de color característicos y la naturaleza universal de las aspiraciones humanas plasmada a través de su pintura granjearían a su obra el apelativo de “mística” entre algunos miembros de la crítica. Mark Rothkovich, como se llamaba originalmente, nació en Dinsk (Rusia) en 1903, pero con tan sólo diez años emigró junto con su familia a Estados Unidos. En 1921 ingresó en la Universidad de Yale con la intención de convertirse en ingeniero o abogado, pero dos años después la abandonó para instalarse en Nueva York, donde estudiaría durante un breve período en la Art Students League junto con Max Weber, quien le introdujo en el cubismo y le dio a conocer el trabajo de Paul Cézanne. Rothko llegaría a convertirse en uno de los grandes pioneros del arte de la posguerra y, concretamente, en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto americano, junto con Barnett Newman y Jakson Pollock, Sus obras, enigmáticas, hipnotizadoras y seductoras, plasman su ideal de que la pintura debe ser “la expresión simple de una idea compleja”. La exposición Mark Rothko, que ocupará las tres salas clásicas de la tercera planta, ha sido organizada por el Museo Guggenheim Bilbao con la colaboración de la Fondation Beyeler y los herederos del artista, y reúne un conjunto significativo de pinturas pertenecientes a distintas fases de la trayectoria creativa de Mark Rothko. Dividida en tres salas o “capillas de meditación“ —según el termino que acuñara el propio Rothko— la muestra presenta obras de los años cuarenta que evidencian la influencia del expresionismo y el surrealismo en el trabajo del artista; pinturas de los años cincuenta, que atestiguan su estilo maduro caracterizado por grandes rectángulos de color de bordes difusos, entre las que se incluye una de sus obras maestras, Sin título (1952) perteneciente a la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao; y finalmente, piezas de finales de los sesenta en las que sus grandes planos rectangulares de vivos colores tienden ahora a los grises y negros, reflejo el estado emocional del artista, que fallecería en el año 1970.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

FICHA TÉCNICA Título: Un Picasso escondido Comisarios: William Shank, Carmen Giménez y Petra Joos Sede: Museo Guggenheim Bilbao Fechas: septiembre–noviembre de 2004 Salas: 103B CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN Con motivo de la celebración en la capital vizcaína del XX Congreso del Instituto Internacional para la Conservación de Obras Históricas y Artísticas, que tendrá lugar entre los días 13 y 17 de septiembre de 2004, el Museo Guggenheim Bilbao, que colabora en la organización de este encuentro, presentará una muestra resultado de un estudio de investigación en torno a dos obras realizadas por Pablo Picasso en 1900. En la restauración llevada a cabo sobre la obra de Picasso Rue de Montmartre perteneciente al Museo de Arte Moderno de San Francisco, el investigador Jonathan Ashley-Smith ha descubierto, mediante técnicas radiográficas bajo Rue de Montmartre la existencia de una escena en un club nocturno del París de la época que se asemeja, de forma sorprendente, al cuadro Le Moulin de la Galette perteneciente a la Colección Permanente de los Museos Guggenheim. Esta exposición mostrará las dos obras objeto de este estudio, así como la documentación sobre los análisis científicos realizados y documentos de referencia —dibujos, fotografías y cartas— que sitúan las dos pinturas en el contexto de la producción artística de Picasso en su primer año de estancia en París. La presentación, realizada desde un enfoque fundamentalmente didáctico, pretende no sólo compartir con los expertos el resultado de la investigación realizada sino también ofrecer al público la oportunidad de conocer el trabajo, muchas veces desconocido, que se realiza en los departamentos de conservación de los museos.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

FICHA TÉCNICA Título: Jorge Oteiza Comisaria: Margit Rowell Sede: Museo Guggenheim Bilbao Fechas: octubre 2004–enero 2005 Salas: 301, 302, 303 y 304 CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN En el otoño de 2004 el Museo Guggenheim Bilbao presentará la más amplia retrospectiva dedicada a Jorge Oteiza (Orio 1908– San Sebastián 2003) en los últimos quince años. A pesar de que en 1957 obtuvo el primer premio de escultura de la Bienal de Sao Paulo —el galardón internacional más relevante en este ámbito— y de que Richard Serra le calificara como el escultor más importante de la primera mitad del siglo XX, su obra, paradójicamente, ha sido expuesta en escasas ocasiones. Ello se ha debido, en parte, a circunstancias históricas pero también al hecho de que el propio Oteiza no se mostrara demasiado interesado por la promoción internacional de su trabajo. En 1949 se presentó su primera exposición y a lo largo de la década de los cincuenta su obra fue ganando el reconocimiento internacional. En 1959, tan sólo dos años después de haber merecido el premio de escultura en la Bienal de Sao Paulo, Oteiza decidió abandonar la escultura para sumergirse en la investigación arqueológica y lingüística así como en la causa política y social del pueblo vasco, temas sobre los que publicó extensamente. En 1972 retornó a la escultura, realizando obras nuevas inspiradas en proyectos e ideas anteriores. A partir de los años ochenta, los museos comienzan a mostrar un mayor interés sobre su obra, adquiriendo piezas del artista y en 1988 la Caixa de Pensiones le dedica en Madrid una gran retrospectiva que muestra por primera vez todo el alcance de su empeño artístico; ese mismo año comparte el Pabellón español de la Bienal de Venecia con Susana Solano y por primera vez en veinticinco años su escultura se incluye en la exposición internacional “Qu’est-ce que la sculpture moderne?” en el Centre Georges Pompidou de París. Extremadamente personal y singular, la obra de Oteiza es difícil de definir. Aunque retrospectivamente se le podría relacionar con el minimalismo, las esculturas de Oteiza de los años cincuenta anteceden y ya anuncian las de los artistas americanos para quienes se acuñaría dicho término (Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra) por lo que, de algún modo, Oteiza fue pionero de una categoría que aún no se había formulado. El propio artista se declaró a menudo ferviente admirador de la vanguardia rusa de los años veinte y, en particular, de los escultores constructivistas y del pintor suprematista Kazimir Malevich. A partir de esta afirmación, de sus aspiraciones y sus esculturas, cabría calificar la obra de Oteiza como una forma de “constructivismo místico”.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

FICHA TÉCNICA Título: Miguel Ángel y su tiempo Comisario: Dr. Achim Gnann Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; The Graphische Sammlung Albertina, Viena;

Museo Guggenheim Bilbao Fechas: noviembre 2004–marzo 2005 Salas: 305, 306, 307 CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN

Bajo el título Miguel Ángel y su tiempo, el Museo Guggenheim Bilbao presentará en noviembre de 2004 una exposición que pretende evidenciar el papel decisivo del Renacimiento italiano en la cultura occidental y, especialmente, la importancia que alcanzó el dibujo no sólo como forma de expresión artística sino como instrumento de estudio para los artistas de la época. La muestra proporciona el contexto para las aproximadamente 70 piezas —dibujos y grabados— que analizan los logros artísticos de Miguel Ángel y sus coetáneos italianos de un modo innovador, con ejemplos del alto Renacimiento y el manierismo de Florencia, Roma y Venecia, así como de Parma, Urbino, Mantua y Verona. La exposición también investiga la influencia de Leonardo da Vinci sobre artistas italianos como Bernardino Luini y, junto con Miguel Ángel, sobre otros florentinos como Fra Bartolomeo, Andrea del Sarto y Baccio Bandinelli. Esta presentación también explora el arte de Rafael y sus discípulos Giulio Romano, Perino del Vaga y Polidoro da Caravaggio quienes, tras el Saqueo de Roma en 1527, exportaron el estilo del maestro a otras regiones. Miguel Ángel y su tiempo, que ocupará las tres salas clásicas de la tercera planta del Museo, presentará obras de Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, así como de Rosso Fiorentino, Parmigiannino, Francesco Salviati, Perino del Vaga, Ugo da Carpi, Tintoretto, Pablo Veronés y Federico Barocci, entre otros. Las piezas proceden de la Graphische Sammlung Albertina de Viena, que cuenta con la colección privada de dibujos de los Grandes Maestros más extensa del mundo. El Archiduque Alberto de Sachsen-Teschen (1738–1822) y su esposa, la hija de la emperatriz Mª Teresa, se dedicaron en cuerpo y alma a reunir esta colección, que hoy cuenta con cerca de 65.000 dibujos y más de un millón de grabados.

Para más información: Museo Guggenheim Bilbao Departamento de Comunicación Avenida Abandoibarra, 2 48001 Bilbao Tel: +34 944359008 Fax: +34 944359059 media@guggenheim-bilbao.es