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ColecciónBEEPdeArteElectrónico

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ÍNDICE

1. XI Edición 2016: “Portrait on the fly”, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau …………3

2. X Edición 2015: “M3X3”, Analivia Cordeiro…………………………………………………..…4

3. IX Edición, año 2014: “Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado de las manos”, Manu Arregui….5

“On Kawara Time Machine”, Manuel Fernández ……………………………………………..6

“Tropologías II (del archivo del Dr. Ripoche)”, Andrés Pachón………………………...….....7

4. VIII Edición, año 2013:

“Natura morte”, Charles Sandison……………………………….……………………………….8 “Systematic ensemble. Around a way of Reading”, Moisés Mañas…………………………..9

5. VII Edición, año 2012: “Máquina Stella”, Marcela Armas………………………………..…….10

6. VI Edición, año 2011: “Expanded Eye”, Anaisa Franco………………………………………..11

7. V Edición, año 2010: “The perpetual Storytelling Apparatus”, Julius Von Bismarck y Benjamin Maus…………………………………………………………………………………..….13

8. IV Edición, año 2009: “The EKRMZ TRILOGY”, Ubermorgen.com ……………...…………..15

9. III Edición, año 2008: “Luci”, Jose Manuel Berenguer………………..……….…………….....17

10. II Edición, año 2007: “Fascinum”, Christophe Bruno…………………………………….………………………….…...19 “Brainloop”, Davide Grassi…………………………………………………………………....……20

11. I Edición, año 2006: “Time Capsule”, Eduardo Kac…………………………………………………………………......21 “Independent Robotic Community”, Ricardo Iglesias y Gerard Kloger………………………..23

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1. XI Edición, año 2016.

Artistas: ChristaSommereryLaurentMignonneau. Obra: “Portrait on the fly”. Galería: Anita Beckers, Frankfurt. Alemania. Breve biografía sobre el artista: Pioneros en la investigación y desarrollo de sistemas de vida artificial e interactivos aplicados al mundo del arte, especialmente en el campo de las instalaciones interactivas. En la actualidad, son profesores de Interface Culture en la Universidad de Arte y Diseño de Linz, Austria, y en el IAMAS (International Academy of Media Arts and Sciences) en Gifu, Japón. Acreedores de numerosos premios internacionales, entre ellos el Golden Nica, Ars Electrónica 1994. Su obra ha sido expuesta en el Centre George Pompidou, el Museo de Arte Moderno de Helsinki, el Ars Electronica Center y el Inter Communication Center Gallery de Tokio, entre otros. Viven y trabajan entre Kyoto y Linz. Descripción de la pieza: La obra establece una interactividad empática con el espectador. De una forma muy sutil parece aludir a la tradición del retrato barroco y a la cuestión del “trampantojo”. La mosca multiplicada se “paraliza” y retrata al espectador cuando éste, de forma casual, “posa”. Se trata de una obra de extraordinaria plasticidad y dinamismo que traza un vínculo entre lo orgánico y la construcción de la identidad.

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2. X Edición, año 2015.

Artista: Analivia Cordeiro. Obra: “M3X3”. Galería: Anita Beckers, Frankfurt. Alemania. Breve biografía sobre el artista:

Bailarina, coreógrafa y arquitecto. Estudió Danza según el Método Laban en Brasil y Danza Moderna con Alvin Nikolais, Merce Cunningham, Gus Solomons Jr. y Viola Farber Dance Studios en Nueva York. Posteriormente, se formó en el Método corporal Eutony en Brasil. Licenciada en Arquitectura por la Universidad de São Paulo en Brasil, Máster en Multimedia por la Universidad de Campinas, y Doctora en Comunicación y Semiótica por PUCNSP, Brasil.

Considerada una de los pioneras del videoarte brasileño, ha creado performances y vídeos, destacando su sistema de notación, “Nota Anna”, del movimiento humano basado en el Método Laban. Sus obras se han expuesto en diversos países como Estados Unidos, Suiza, Argentina, Checoslovaquia y Yugoslavia.

Descripción de la pieza: Primera pieza de videoarte en Brasil así como la primera pieza de videodanza. Obra referencial e histórica (1973) que replantea el lenguaje de la danza a partir de una especial “notación” (Nota Anna) que luego se articula por medio de un programa de computación pionero. Esta creadora se encuentra en la estela del arte neo-concreto y en diálogo tanto con los primeros desarrollos de programación tecnológico-artística cuanto con las mutaciones de la danza moderna y del performance.

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3. IX Edición, año 2014.

Artista: Manu Arregui. Obra: “Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado de las manos”. Galería: Espacio Mínimo, Madrid. España. Breve biografía sobre el artista: Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Audiovisuales. En 2002 obtuvo la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín con la que completó su formación en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de Nueva York. En 2004 obtuvo el primer premio Videocreación y Formatos Digitales Caixa Galicia. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo ARTIUM de Vitoria, el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) de León, el Museo de Bellas Artes de Santander o la Fundación Ordóñez Falcón de Fotografía. Descripción de la pieza: Vídeo de 6´30” de duración donde se utiliza un tiempo, que trascurre de forma linear, para plasmar una investigación sobre los códigos y las connotaciones vinculadas a la gestualidad. A partir de una grabación de las manos en movimiento de varios bailarines profesionales y el empleo de un software de modelado en 3D para replicar esos movimientos y obtener los datos de posición y rotación correspondientes, la pieza aborda el tema del baile para reflexionar sobre tópicos como la fobia al afeminamiento y la masculinización.

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Artista: Manuel Fernández. Obra: “On Kawara Time Machine”. Galería: Moisés Pérez de Albéniz, Madrid. España. Breve biografía sobre el artista: Artista español que vive y trabaja en Madrid. Mediante el uso de las posibilidades que ofrece la web, gifs animados, escultura, video y fotografía, entre otros, investiga los nuevos procesos de producción de la imagen y su distribución en el espacio real y virtual en la era de Internet. Su obra forma parte de Artbase of Rhizome at the New Museum NYC y ha expuesto en Estados Unidos, Europa y Asia, incluido The Museum of Moving Image (Nueva York), The Armory Show, (Nueva York), Art Basel Miami Beach, ARCO Madrid and The Photographers Gallery (Londres). Ha sido jurado en el Premio "ERROR 415"dedicado a nuevos medios y tecnología organizado por ArtSlant. 2013. Descripción de la pieza: Proyecto en progreso que se desarrolla en Internet. Consiste en un contador javascript albergado en www.onkawaratimemachine.com que automatiza los trabajos basados en tiempo del artista conceptual japonés On Kawara desde el origen de sus “Date Paintings” -4 enero 1966- hasta la fecha actual chequeada en el sistema operativo del ordenador. El código CSS toma el aspecto de las pinturas, usando tipografía futura bold blanca sobre fondo negro.

El proyecto será completado en la fecha de la muerte de On Kawara, incluyendo una nueva variable en el código, el contador empezará a contar desde el origen de "Date Paintings" hasta la fecha de su muerte, creando una nueva forma de consciencia en el espectador/usuario en la relación con su propio tiempo.

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Artista: Andrés Pachón. Obra: “TropologíasII(delarchivodelDr.Ripoche)”. Galería: Ángeles Baños, Badajoz. España. Breve biografía sobre el artista: Magister en teoría y práctica de las artes plásticas contemporáneas (Universidad Complutense de Madrid) y Licenciado en Bellas Artes en la rama de Artes de la Imagen (C.E.S Felipe II-U.C.M.). En sus trabajos trata de escenificar, representar cómo nuestra realidad social se sustenta sobre un soporte ficticio, conformado por el imaginario mediático y cultural (con sus fantasías y mitos), así como por la ficción simbólica (lenguaje). Para ello se sirve de distintas estrategias, en torno al vídeo y la fotografía, que ayudan a discernir y reconocer estas ficciones. Descripción de la pieza: En 1900 el Doctor Ripoche envió al Museo Nacional de Antropología de Madrid una colección de fotografías referida a tipos africanos, procedentes del Museo de Historia Natural de París. En esta pieza se ha generado una máscara virtual en 3D para cada retratado mediante un programa de reconocimiento facial que necesita de dos imágenes fotográficas previas, necesarias, por otra parte, en todo registro antropométrico como éste: frente y perfil. Cada rostro fotografiado ha sido substituido por su imagen de síntesis, preguntándose así por la verdad que estas fotografías encierran, como lo posthumano puede reflejar la verdadera construcción que hay detrás de la imagen del “otro”.

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4. VIII Edición, año 2013.

Artista: Charles Sandison. Obra: “Natura morte”. Galería: Max Estrella, Madrid. España. Breve biografía sobre el artista: Sandison, que actualmente vive y trabaja en Finlandia, basa su trabajo en programas de ordenador creados por él mismo, a partir de algoritmos de dinámica molecular con los que genera palabras. Es un nombre de referencia internacional con obras en las colecciones de grandes museos como el Whitney de Nueva York o la Tate de Londres. Descripción de la pieza: Se trata de una lograda reinterpretación de unavanitas barroca desde la mirada de las nuevas tecnologías. Convencido de que el idioma es nuestra interfaz con la realidad, Sandisontrabaja con programas informáticos, creados por él mismo y controlados por algoritmos de dinámica molecular, que generan palabras y las dotan de vida. En el caso de la obra premiada, el artista utiliza un cuarteto de Byron, que hace referencia al carpe diem, el disfrute del instante, en una obra audiovisual generativa, y por lo tanto siempre distinta, que incluye elementos de la literatura, el romanticismo y la textualidad, además de una profunda reflexión sobre los nuevos medios.

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MENCIÓN ESPECIAL

Artista: Moisés Mañas. Obra: “Systematic ensemble. Around a way of Reading”. Galería: Rosa Santos, Valencia. España. Breve biografía sobre el artista: Doctor en Artes Visuales e Intermedia por la Universidad Politécnica de Valencia-España. Especialista Universitario en Programación de Intranets e Internet.CFP- Dpto. de Informática de Sistemas y Computación. DISCA. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente es profesor del Departamento de Escultura (Área Audiovisuales) de la Universidad Politécnica de Valencia. Desde 1996 hace uso de las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Para ello amplia sus estudios e investigaciones en arte electrónico con diferentes becas en Southampton Solent University, Reino Unido, Carnegie Mellon University, Pittsburgh, EE.UU, y Ars Electronica Center (AEC). Descripción de la pieza: Trabajo que forma parte de la serie “Around”, creada desde finales del 2011. Esta serie se centra en una sería de preguntas e intenta dar respuestas creativas y formales a partir de la intervención y desfragmentación de la sintaxis de los mensajes capturados en tiempo real en las redes sociales. Mediante un programa informático creado por el autor con lenguaje Open Source, el sistema envía uno de los mensajes seleccionado a los diferentes artefactos físicos, actuadores de la composición (proyecciones analógicas, motores, servomotores, luces, etc.) creando una composición cinético generativa sonora de naturaleza analógica con la capacidad de transformar el flujo de las redes sociales en un motor de dinamización escultórica audiovisual.

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5. VII Edición, año 2012.

Artista: Marcela Armas. Obra: “Máquina Stella”. Galería: Arroniz, Méjico. Breve biografía sobre la artista: Marcela Armas (Durango México, 1976) es una artista cuyo trabajo es el resultado de una investigación sobre energía y sostenibilidad, que recibió el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, así como del Laboratorio de Arte Alamenda de Ciudad de México. Descripción de la pieza: “Máquina Stella” es una escultura en forma de dodecaedro, cuyas partes (todas interconectadas) reciben carga eléctrica según la que demande más potencia, por lo que la imposibilidad de encontrar la distribución perfecta de la energía desemboca en un pequeño colapso. “La pieza es, finalmente, una metáfora del desigual reparto de la riqueza en nuestra sociedad, a partir de un pensamiento artístico abstracto sobre la distribución de la energía”, asegura Armas. Y añade, “para mí las máquinas en general son aparatos mucho más vulnerables de lo que parecen”, explicaba la artista, que ha creado un sistema que demuestra metafóricamente la insostenibilidad de nuestra sociedad actual. “Máquina Stella” es una escultura, que por su propia naturaleza, busca constantemente un equilibrio dinámico, tras coger energía eléctrica y repartirlas por un sistema de filamentos resistivos.

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6. VI Edición, año 2011.

Artista: Anaisa Franco. Obra: “Expanded Eye”. Galería: Adora Calvo, Salamanca. Breve biografía sobre la artista: Anaisa Franco ha desarrollado a lo largo de su carrera esculturas robóticas que interconectan lo físico y lo digital en forma de animaciones e intensidades buscando una química entre los materiales. Ella provee de imaginación y sentimientos a sus esculturas usando conceptos oníricos de psicología. Anaisa recibió en 2006 una beca para estudiar “MA in Digital Art and Technology” en la Universidad de Plymounth, UK y en 2007-2008 se le concedió una beca en el Mecad/Esdi de Barcelona para el desarrollo del proyecto “Connected Memories”. Más recientemente, en 2011,

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ganó una residencia en L´Estruch de Barcelona desarrollando un proyecto llamado “ThroughOut Breathing”, financiado por MINC. Expone internacionalmente. Descripción de la pieza: “Expanded Eye” es una escultura interactiva compuesta por un ojo gigante transparente que mira al usuario con una cámara infrarroja y proyecta sus ojos dentro de la escultura. La escultura invita a la gente a mirar hacia dentro y jugar con la visión en un contexto mágico donde la percepción se une con la autorreflexión y la observación. Esta obra es un complejo proyecto de investigación y creación desarrollado en Media-Lab Prado durante Interactivos 08 con la colaboración de Jacqueline Steck, Alvaro Cassinelli, Carles Gutiérrez y Oswald Aspilla Pérez. Lama la atención que es una pieza que existe solo cuando alguien la mira. Si no hay público, la gran esfera de plexiglás, que cuelga del techo simulando un ojo gigante, se mantiene vacía e inmóvil. Sin embargo, cuando el visitante se acerca a la cámara infrarroja colocada en un punto estratégico de la esfera, atrapa sus ojos y los multiplica y proyecta en el interior de la onírica escultura, generando un efecto caleidoscópico fascinante. Desde el punto de vista conceptual, la pieza se propone impulsar la reflexión sobre diversos temas de la creación artística, como la naturaleza del objeto de la mirada, la interactividad como voyeurismo y el uso de la luz en instalaciones multimedia como materia para esculpir. Antes de pasar a formar parte de la única colección de España especializada en obras electrónicas y digitales, que está reuniendo la empresa de informática Beep, “Expanded eye” ha sido pedida para su exhibición en tres muestras en Francia.

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7. V Edición, año 2010.

Artista: Julius Von Bismarck y Benjamin Maus. Obra: “The perpetual Storytelling Apparatus”. Galería: Art Claims Impulse, Berlín.

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Breve biografía sobre los artistas: Se trata de dos artistas alemanes, afincados en Berlín, y que suelen trabajar juntos en diversos proyectos relacionados siempre con el media art. Descripción de la pieza:

Una obra capaz de crear infinitas obras. Así se podría definir “The Perpetual Storytelling Apparatus” que cuenta una historia en imágenes, a través de los dibujos extraídos del Archivo de Patentes de Estados Unidos. El artefacto busca a través de Internet los dibujos, cuyas descripciones contienen unas de las palabras clave sacadas de un cuento proporcionado por los artistas, y los imprime en tiempo real bajo la mirada del público. La patente que mejor se relaciona con el texto analizado se utiliza como semilla y, a partir de ella, se va remontando a patentes cronológicamente anteriores. De ese modo, los dibujos de más de siete millones de patentes, muchos verdaderamente fascinantes, son reproducidos de forma continuada, como si de un cadáver exquisito del tercer milenio se tratara, en una larguísima hoja. Ésta puede ser cortada a la medida deseada, convirtiendo la máquina en una creadora perpetua de obras únicas. “The Perpetual Storytelling Apparatus” constituye una importante aportación al tema de las conexiones semánticas y de la traducción de la palabra a la imagen.

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8. IV Edición, año 2009.

Artista: Ubermorgen.com. Obra: “The EKRMZ TRILOGY”. Galería: Fabio Paris, dentro Expanded Box. Breve biografía sobre los artistas: El colectivo Ubermorgen, creado en Viena en 1999 por Hans Bernhard (fundador de etoy.CORPORATION) y Lizvlx, explora aspectos de la legalidad contemporánea como la seguridad, privacidad y copyright. Detrás de este nombre encontramos a uno de los colectivos contemporáneos más iconoclastas y controvertidos del media art. Descripción de la pieza:“The EKMRZ TRILOGY” son tres proyectos, cada uno sobre un gigante de la economía online que es posiblemente el aspecto más conflictivo y menos estudiado (desde el arte y desde cualquier otro ángulo) de la cultura digital contemporánea: GWEI - Google Will Eat Itself (2005-08) genera dinero a partir de los propios anuncios de Google situados en páginas web ocultas. Los ingresos generados se utilizan para comprar participaciones en la empresa número 1 de la red. Un modelo "auto-canibal" de deconstrucción de la economía digital que me recuerda poderosamente a ese meme que ya hemos visto circular: Si Google lo hacemos los usuarios, nacionalicemos Google!

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En Amazon Noir - The Big Book Crime (2006-07) los Bad Guys (Cirio, Lizvlx, Ludovico, Bernhard) se han apropiado de 3000 libros protegidos con copyright y que se venden en Amazon gracias a un robot de "perversión tecnológica". El programa en cuestión lo han acabado vendiendo al propio Amazon por una suma que se niegan a declarar.

The Sound of eBay (2008-09) genera sonido a partir de los datos de los usuarios del portal de subastas. Introduces tu usuario, tu email y recibes una notificación cuando tu canción está lista para descargar. Las piezas sonoras, presentadas en "estilo porno telexto" circulan por la red visualizadas como un paisaje audiovisual.

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9. III Edición, año 2008.

Artista: Jose Manuel Berenguer. Obra: “Luci”. Galería: Lluciá Homs, Barcelona.

Breve biografía sobre el artista:

José Manuel Berenguer (Barcelona, 1955) es director de En Red O-Simposio de Música Electroacústica y co-director del Sonoscop de la Orquestra del Caos, con sede en el CCCB. Es Presidente de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO y miembro de la Académie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges. Profesor de Sonido Digital, colabora con diversas universidades e instituciones de investigación artística. Artista inter-media fundador de Côclea así como de la Orquestra del Caos, fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de sonido y música del CIEJ de la Fundació La Caixa.

Descripción de la pieza:

“Luci” reproduce el funcionamiento de un sistema auto-organizativo inspirándose en el comportamiento de las luciérnagas de los manglares del sudeste asiático. Se ha observado que cuando el macho de la luciérnaga lanza una señal intermitente, la hembra responde con un destello similar. Primero, las frecuencias de las emisiones de luz tienden la una hacia la otra y, más tarde, se acoplan totalmente. Éste es tan sólo un ejemplo de lo que es una característica general de la naturaleza: la existencia de osciladores acoplados, sistemas que tienden a estabilizarse en determinadas secuencias periódicas de estados mientras no se produzcan fluctuaciones suficientemente fuertes como para romper la estabilidad de esas configuraciones.

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“Luci” consta de 64 unidades compuestas, cada una de ellas, por cinco emisores sensibles de luz y sonido cuyo comportamiento rítmico configura innumerables patrones caóticos que tienden a la estabilidad. Los componentes individuales carecen de información acerca del comportamiento del conjunto si bien, el comportamiento de Luci es manifiestamente más complejo que el de sus integrantes. La alteración en la luminosidad ambiental, producida por la intervención del visitante, estimula la comunicación de los componentes provocando un nuevo acoplamiento. Aunque los patrones polirrítmicos de adaptación no siempre son iguales y, a pesar de que los puntos de partida y los recorridos puedan ser esencialmente diferentes, siempre se termina en el mismo sitio. Luci es una muestra de que el mundo está lleno de relojes que se acoplan y cuyos latidos generan un ruido de dimensiones universales que nos da idea del orden que creemos adivinar en la Naturaleza.

“Luci” es, en última instancia, una alusión a la irreversibilidad de la vida y a la absoluta seguridad de la muerte

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10. II Edición, año 2007. BLACKBOX

Artista: Cristophe Bruno. Obra: “Fascinum”. Galería: Sollernis, Toulosse. Breve biografía sobre el artista: Christophe Bruno vive en París y trabaja exclusivamente con el ordenador como soporte y medio artístico. Sus trabajos han sido expuestos internacionalmente en lugares como: The Palais Of Tokyo (París), MOCA Taipei, New Museum of Contemporary Art (New York), Transmediale (Berlín) y ICC (Tokyo). Descripción de la pieza: “Fascinum” ha sido expuesta en la Galería Sollertis de Tolouse (2006), en la feria de arte internacional parisina (FIAC), en 2006; en el festival internacional de Lenguaje Electrónico de Sao Paulo (FILE), en 2004; y en el Third Nuit Blanche of Paris (2004) El trabajo, de 2001, muestra en tiempo real las fotos más vistas y buscadas, en un ranking de 1 a 10, en Yahoo. Con un selector dentro de Internet, pueden observarse las imágenes más buscadas en Estados Unidos, Reino Unido, Italia, Francia, España, Alemania e India, con actualizaciones cada dos minutos, aproximadamente. Ello permite hacer conexiones entre la “contabilidad y la globalización”, explica el artista: “Las imágenes vienen explícitamente de las noticias, que primero son grabadas por los grandes medios de comunicación y digeridas por la web posteriormente (…). Ese juego entre los medios e Internet es fundamental”, destaca.

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OFF ARCO

Artista: Davide Grassi. Obra: “Brainloop”.

Breve biografía sobre el artista:

Davide Grassi es un artista esloveno de origen italiano, que vive y trabaja en Ljubljana, Eslovenia. Su obra es de fuerte connotación social y está caracterizada por un enfoque intermedia. Es autor de numerosos videos, performances, instalaciones, documentales y proyectos intermedia. Es cofundador y miembro del Colectivo Bast (1999) y de la plataforma abierta de investigación para intervenciones en espacios públicos SilentCell Network (2003). Es cofundador (2002) y director artístico de Aksioma – Instituto de arte contemporáneo

Descripción de la pieza:

La obra del artista esloveno Davide Grassi consiste en una plataforma interactiva que utiliza un sistema de ordenador BCI que permite operar únicamente imaginando comandos de motor específicos. En la performance “Brainloop”, el sujeto, Markus Rapp, es capaz de investigar áreas urbanas y paisajes rurales que ve por Google Earth. Selecciona la localización, cámara, ángulos y posiciones y graba las imágenes en secuencias en un mundo virtual. En la segunda parte de la performance, vuelve a las secuencias y usa “Brainloop” para componer una banda sonora, seleccionando y manipulando grabaciones de audio en tiempo real, que el diseñador sonoro Brane Zorman recoloca en el espacio físico. El ambiente virtual permite al público percibir los eventos en 3D. El trabajo es resultado de una colaboración entre artistas eslovenos y científicos austriacos.

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11. I Edición, año 2006.

BLACKBOX

Artista: Eduardo Kac. Obra: “Time Capsule”. Galería: Blackbox, Bilbao.

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Breve biografía sobre el artista:

Reconocido internacionalmente por sus instalaciones interactivas y por sus trabajos de bio arte, Eduardo Kac explora la fluidez de la posición del sujeto en el mundo postdigital, cuestionando la evolución, la memoria y hasta la condición de la creación. Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza dialógica del arte. Artista contemporáneo con una visión poética y filosófica de la vida, Kac es sin duda uno de los mayores y más significativos representantes del arte de los nuevos medios. Debido a la prioridad que otorga a la vida y al proceso comunicativo sobre el resultado final, su arte recurre a la utilización de una increíble variedad de materials.

En 2000 adquirió fama mundial por la la creación de Alba, un conejo fluorescente. Kac también inventó un gen artístico en su obra “Génesis” y utilizó su cuerpo como campo de experiencia en “Time Capsule”. Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y bienales tan importantes como: Exit Art y Ronald Feldman Fine Arts, New York; Maison Européenne de la Photographie, Paris, y Lieu Unique, Nantes, Francia; OK Contemporary Art Center, Linz, Austria; Seoul Museum of Art, Korea; Museum of Modern Art, Rio de Janeiro; MAXXI – Museo Nacional de Arte del Siglo XXI de Roma, Yokohama Triennial, Japón, Bienal de Sao Paulo, Brasil; y Gwangju Biennale, Korea; y en el Museo Zendai de Arte Moderno de Shangai, entre otros.

Descripción de la pieza: El 11 de noviembre de 1997, Eduardo Kac creó su “Time Capsule” en el centro cultural Casa das Rosas de Sao Paulo (Brasil). En directo, emitido por televisión y por Internet, el artista se implantó un microchip digital frente a un serie de fotografías en color sepia que documentaban la vida de su familia en la Europa de los años previos a 1939. De esta forma, Kac se convirtió en el primer ser humano portador de un implante de microchip. Con motivo del décimo aniversario y con la exposición de la obra en su forma final, que agrupa los diversos elementos originales de esa intervención en directo, activó una webcast y un web scanner para hacer un seguimiento telerobótico e interactivo del implante en Internet.La pierna donde el artista brasileño Eduardo Kac se implantó un microchip no está lógicamente en venta, pero la memoria de aquella histórica acción, pionera del bioarte, forma parte de la innovadora colección BEEP. En concreto, posee una instalación formada por fotografías, dibujos, una radiografía, un vídeo y el dispositivo que sirvió para implantar el chip.

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OFFARCO

Artista: Ricardo Iglesias y Gerard Kloger. Obra: “Independent Robotic Community”. Breve biografía sobre los artistas: Ricardo Iglesias y Gerard Kloger son algunos de los artistas de referencia en el arte digital. Sus obras de net.art son una metáfora compleja sobre el funcionamiento de la sociedad y de la propia red. Son pioneros en el campo de la robótica interactiva.

Descripción de la obra:

La instalación se basa en sus estudios e inquietudes en la búsqueda y representación de nuevas formas de interactuación/comunicación entre elementos mecánicos (robots) y representaciones de carbono (humanos). El objetivo es mostrar como la comunicación, incluso entre robots, permite un mayor entendimiento y una mayor socialización. Se presenta una comunidad de robots de pequeño formato dividida en dos grupos. Cada grupo parte de un nivel de socialización primario y de un conjunto de sonidos, que forman un vocabulario propio. Este estado inicial consiste en un movimiento muy simple, dentro a un entorno espacial delimitado. Cuando se encuentra con otros robots, intercambia información de su estado y sus sonidos, y aumenta su grado de sociabilidad. Cada incremento significa un desarrollo de la complejidad de los movimientos, que le permite extender su exploración del espacio más lejos y a la vez posibilita nuevos encuentros, repitiéndose el ciclo.