Contenidos Artística - Grado 9° representar tanto la forma como la estructura de un objeto. La...

2017

Gustavo Murillo López

I. E. Maestro Pedro Nel Gómez

Contenidos Artística - Grado 9°

CONTENIDOS ARTÍSTICA - GRADO 9° 2017


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PERÍODO 1 2

TEMA 1. COMPOSICIÓN EN EL ARTE 2 COMPOSICIÓN. 2 ELEMENTOS DE COMPOSICIÓN. 2 TEMA 2. LUZ Y VOLUMEN 5 LUZ 5 ILUMINACIÓN 5 TEMA 3. MANEJO DE INSTRUMENTOS 7 ESCUADRAS Y SU MANEJO 7 ESCUADRAS 7 TRAZADOS CON LAS ESCUADRAS 7 TRAZADO DE LÍNEAS RECTAS VERTICALES Y HORIZONTALES 8 TRAZADO DE RECTAS PARALELAS 9 TRAZADO DE PERPENDICULARES 10 TRAZADO DE LÍNEAS INCLINADAS 10 APLICACIONES 11 TEMA 4. CLASIFICACIÓN DE INSTRUMENTOS MUSICALES 12 CORDÓFONOS 12 AERÓFONOS 12 MEMBRANÓFONOS 12 IDIÓFONOS 12 ELECTRÓFONOS 13

PERÍODO 2 14

TEMA 5. HISTORIA DE LA PINTURA ANTIGUA 14 PINTURA EGIPCIA 14 TEMA 6. COMPOSICIÓN EN PINTURA 15 ESQUEMA COMPOSITIVO 15 EQUILIBRIO COMPOSITIVO EN EL CAMPO VISUAL (DISTRIBUCIÓN DE PESOS) 16 CRITERIOS Y LEYES COMPOSITIVOS 17 FORMA Y FONDO EN LA COMPOSICIÓN 18 LA LUZ 19 EL COLOR 19 COLORES CÁLIDOS Y FRÍOS 20 TEMA 7. GÉNEROS PICTÓRICOS 21 TEMA 8. LA CARICATURA 24

PERÍODO 3 25

TEMA 9. ANÁLISIS PICTÓRICO 25 PARTES DE UN ANÁLISIS PICTÓRICO 25 TEMA 10. ARTE CLÁSICO 26 ARTE GRIEGO 26 ARTE ROMANO 26 TEMA 11. LA OBRA DE ARTE 28 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES 28 ACTORES DE LA CREACIÓN ARTÍSTICA 28 TEMA 12. LA APRECIACIÓN ARTÍSTICA 29 EXPERIENCIA DE LA APRECIACIÓN ARTÍSTICA 29 TEMA 13. EL PROYECTO DE ARTE 30 CÓMO DESARROLLAR UN PROYECTO ARTÍSTICO 30



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Período 1

Tema 1. Composición en el Arte

Composición. La composición es la forma como se distribuyen los elementos de una obra en el espacio. La composición contiene elementos que son la materia prima de la comunicación visual y puede expresar múltiples ideas, las cuales no se encuentran en la sustancia física (pigmentos, soportes etc.), sino en la manera como el artista dispone los elementos que integran su obra.

Elementos de Composición.

El Punto Es el signo más sencillo que puede formar parte de una imagen; es de dimensión variable. El punto tiene gran fuerza de atracción sobre la mirada. Cuatro funciones plásticas principales del punto son:

crear pautas figurales o patrones mediante la agrupación y repetición.

2) convertirse en el foco de la composición.

3) favorecer el dinamismo mediante la sucesión de puntos.

4) crear líneas y texturas.

La Línea Se relaciona con la trayectoria seguida por un punto en movimiento. La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

Funciones plásticas de la línea:

Crea vectores de dirección, básicos para organizar la composición.

Aporta profundidad a la composición, sobre todo en las representaciones planas. Introducir en escena un objeto longitudinal, ubicado en el cuadro sobre una orientación oblicua, favorece la sensación de profundidad.

En todas las representaciones en perspectiva central se codifica la profundidad espacial gracias a las líneas convergentes.

Separa planos y organiza el espacio. No es función exclusiva de la línea.

Da volumen a los objetos bidimensionales. Las tramas de líneas entrecruzadas crean sensación de volumen (recurso de los grabadores).

Puede representar tanto la forma como la estructura de un objeto.

La Textura Textura es agrupación de pautas situadas a igual o similar distancia unas de otras sobre un espacio bidimensional, pueden tener relieve. Podemos reconocerla por el tacto, la vista o ambos. La textura puede tener cualidades ópticas u ninguna táctil (líneas impresas). La repetición de líneas y la repetición de puntos, crea trama que puede crear texturas. La función plástica de la textura es se capacidad para sensibilizar superficies. Las superficies texturadas ofrecen opacidad, pesan más y posee uniformidad. Los tipos son: orgánicas y geométricas. La otra función de la textura es la codificación del espacio en profundidad.

Simetría. Se refiere a la correspondencia de las partes de un todo, en cuanto a la forma, tamaño y posición.



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Asimetría. Contrario a la simetría; no hay correspondencia en proporción de las partes de un todo. La asimetría hace pensar en movimiento y libertad. Patrón.

Este elemento de composición da cuenta de la repetición de una forma organizada tomada como modelo, que puede ser determinado por la forma, por el color, o por la combinación de los dos. La figura base no es un patrón en sí misma, sino hasta que hace parte de una secuencia repetitiva. Las formas y elementos tomados como patrón imprimen, a las obras gráficas una gran riqueza visual, en cuanto desafían a la visión humana a crear un movimiento donde realmente no existe. Ritmo. Es el orden alternado en la sucesión y presentación de los elementos (patrón), teniendo como referencia el espacio y el tiempo, que están subordinados por intervalo y secuencia rítmica. El ritmo se logra en una composición por el juego de repeticiones de los elementos. Contraste. Contraposición o diferencia notable que existe entre personas o cosas.

El Color. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

Funciones Plásticas del Color

Contribuye a la creación de un espacio plástico bidimensional o tridimensional. Puede crear perspectiva basándonos en el contraste de luces y sombras o valor tonal del color.

Tiene la capacidad de crear ritmos espaciales. Basándonos en las diferencias de matiz y brillo, podemos representar una estructura rítmica.

Tiene manifestaciones sinestésicas. Hay una base estructural común para todas las clases de sensaciones. Poseemos una facultad de percibir propiedades que es común a la vista, el oído, el tacto y el gusto.

Significados del Color

El color posee carga de significaciones comúnmente aceptadas. Las convenciones culturales provocan que lo que en unas áreas geográficas expresa luto, en otras se transforma en alegría. Los colores no tienen una traducción exacta aunque se advierte cierta repetición de asociaciones.

Negro: los siniestro, lo desconocido, el misterio.

Gris: sugiere comedimiento e inteligencia. Grises son neutros, fríos, sin compromisos ni implicaciones. Transmite desánimo, aburrimiento. Hay quien lo relaciona con el pasado y la vejez.

Blanco: la luz y el día se emparentan con la pureza, color de la virginidad/ inocencia. Símbolo de la paz y la armonía.

Rojo: vinculado con el corazón, la sangre y la vida. Es agresivo, excitante. Implica acción y movimiento. Es un color muy visible, indicador de peligro.

Naranja: es rico y extrovertido. Fluorescente es uno de los colores más visibles. Es un color de alarma. Su brillantez aumenta cuando disminuye la luz solar.

Amarillo: color reflectante. Tiene un sentido de avance. Color más visible cuanto más saturado esté. Color de la jovialidad, de la risa y el placer. Es el color del oro y la opulencia. La alegría del amarillo deja paso a cualidades negativas como la traición, la cobardía o egoísmo.

Verde: es el color de la naturaleza y la esperanza. Es juventud y fertilidad. Tiene propiedades sedantes y tranquilizadoras. Puede llegar a ser podredumbre y decadencia. Es veneno y los celos son verdes, como los reptiles.

Azul: es infinito, noble y grandioso (cielo y mar). LO azul es bello y majestuoso aunque pasivo. La confianza y la fidelidad son azules. Tiene un componente frío; preciso y ordenado. Si pierde luminosidad tiene un aire triste.



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Violeta: color del lujo y a ostentación. Aroma del prestigio, la dignidad y la elegancia. El poder evocador lo lleva a representar otros valores: el misterio de la Pasión cristiana, el engaño, el hurto.

Actividad 1

Aplicando los elementos de composición sugeridos por el docente, diseña la tabla de skateboard que aparece en el link: http://www.educacionplastica.net/epv1eso/fabric/Compo_skateboard.html

Elabora la portada de un folleto aplicando elementos de composición vistos en clase, para ello se recomienda utilizar cartulina plana, papel iris de colores, tijeras, pegante.

http://www.educacionplastica.net/epv1eso/fabric/Compo_skateboard.html



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Tema 2. Luz y Volumen

Luz La luz nos permite distinguir los objetos y comprender su forma y su situación en el espacio. Las variaciones tonales (de luz) constituyen el medio con el que distinguimos la información del entorno.

Funciones de la Luz

Identificar formas y volúmenes.

Facilitar la dimensión comparativa con el entorno.

Apreciar texturas y aspectos cromáticos en los objetos.

Claves Tonales Entre la luz y la oscuridad existen en la naturaleza multitud de gradaciones, pero en la expresión grafico-plásticas esos grados se pueden restringir a unos pocos. La escala tonal más usada entre el negro y el blanco suele tener doce grados.

Luces y Sombras La luz que ilumina un objeto incide de manera diferente sobre él y esto hace que podamos distinguir su volumen y diferenciarlo del fondo del entorno. Cada cuerpo iluminado genera dos tipos de sombras:

• Una propia sobre la zona que no recibe la luz • Otra proyectada que reproduce sus contornos, pero que se deforma según la inclinación de la superficie donde se proyecta.

Iluminación Existen muchas maneras de iluminar un objeto que van a influir de notablemente en su grado de expresividad.

Iluminación Frontal La luz frontal produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez.

Iluminación Lateral La iluminación lateral destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además aumenta el contraste de la imagen.



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Iluminación Cenital La iluminación Vertical (cenital o inferior) aísla los objetos de su fondo y el elevado contraste que da a la imagen les confiere un aire dramático. Especialmente en retratos, puede llegar a hacer el rostro tenebroso e irreconocible

Contraluz El contraluz simplifica los motivos convirtiéndolos en simples siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción.

Actividad 2

Elabora una clave tonal utilizando lápiz 6B sobre papel durex, según las indicaciones del docente.

Elabora una esfera utilizando un lápiz 6B sobre papel durex aplicando los conceptos de luz y sombra según las indicaciones del docente.

Elabora el bodegón sugerido por el docente aplicando los conceptos de clave tonal y de luz y sombra según las indicaciones del docente.



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Tema 3. Manejo de instrumentos

Escuadras y su manejo Las escuadras y el compás son los instrumentos básicos para el dibujante o diseñador industrial. Su manejo es un a habilidad que se adquiere con la práctica continua y del razonamiento lógico en el trazado lineal. La combinación adecuada de las escuadras permite al dibujante o diseñador el trazado de rectas con relaciones de perpendicularidad, paralelismo e inclinación, relaciones estas que requieren de precisión y manejo de los instrumentos para lograr excelentes resultados en el trabajo que se realiza. La precisión, la limpieza y la adecuada presentación de los planos de dibujo dependen en gran parte del adecuado uso y mantenimiento que se les dé a los instrumentos.

Escuadras Un juego de escuadras está formado por dos triángulos rectángulos conocidos en las matemáticas como triángulos fundamentales. Una escuadra presenta la forma del triángulo rectángulo Isósceles y se denomina escuadra de 45°. La otra escuadra corresponde a un triángulo rectángulo escaleno y se conoce como escuadra de 30°x60°.

Para facilitar el manejo de las escuadras, es conveniente que la hoja de trabajo se fije a la mesa mediante pequeños trozos de cinta adhesiva fijados en los cuatro vértices de la hoja o formato de trabajo, con lo cual se logra mayor soltura para manipular el lápiz y las escuadras en forma simultánea. Las escuadras deben manipularse con la yema de los dedos, evitando el contacto de las palmas de las manos con la superficie de las escuadras y con la hoja de trabajo.

Trazados con las escuadras Mediante el trazado con las escuadras se puede garantizar le paralelismo y la perpendicularidad de las líneas en los dibujos. Al iniciar un trabajo con escuadras, se hace necesario definir una línea de referencia, la cual puede coincidir con una línea de la margen o del borde la hoja de trabajo. Esta línea ha de usarse cada vez que se suelten y se retomen las escuadras para el trazado de líneas rectas. Al trazar con las escuadras, una de ellas e debe utilizar como elemento de apoyo y la otra como elemento de trazo. Como guía para el desplazamiento de la escuadra de trazo, se debe utilizar la hipotenusa o lado de mayor longitud de la escuadra usada como apoyo.



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Trazado de líneas rectas verticales y horizontales Para el trazado de rectas verticales, inicialmente se hace coincidir el cateto mayor de la escuadra que ha de usarse como elemento de trazo, con la línea o borde vertical de la hoja, el cual ha de servir como línea de referencia. A continuación se debe ubicar la es cuadra de apoyo utilizando la hipotenusa como guía de desplazamiento para la escuadra de trazo. Se debe sujetar firmemente la escuadra de apoyo y deslizar con la otra mano la escuadra de trazo, hasta el punto donde se requiere el trazado; punto en el cual se sujetan las dos escuadras con una misma mano y se procede al trazado de la línea vertical.



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Luego, y manteniendo el apoyo, retoma la escuadra de trazo un poco más allá de la línea de referencia. Fijando la escuadra de trazo, se apoya la otra escuadra en el borde con el cual se realiza el trazo anterior. Sujetando la escuadra de apoyo, haz coincidir el cateto menor de la escuadra de trazo con el borde de apoyo. Por último, desplaza la escuadra de trazo hasta el punto donde se requiere el trazado de la línea horizontal.

Trazado de rectas Paralelas Para el trazado de rectas paralelas, es necesario ubicar un borde de la escuadra de trazo coincidiendo con la recta AB y, a continuación, se sitúa la escuadra de apoyo de tal manera que permita el desplazamiento paralelo del borde para el trazado de las rectas paralelas. Manteniendo firmemente apoyada la escuadra de apoyo, debe deslizarse la escuadra de trazo hasta la posición requerida y trazarse la línea paralela a lo largo del mismo borde, que previamente se hizo coincidir con la recta AB



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Trazado de perpendiculares Sea AB la recta a la cual se la traza la perpendicular. Apoyando las escuadras en las hipotenusas, debe coincidir uno de los catetos de la escuadra de trazo con la recta AB. A su vez, desliza la escuadra de trazo a lo largo del apoyo hasta la posición requerida, luego traza la perpendicular.

Trazado de líneas inclinadas Teniendo en cuenta los ángulos de las escuadras pueden trazarse rectas de 30°, 45°, 60°, 90°, 120°, 135° y 150° con respecto a una línea dada AB.



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Considerando los ángulos propios de las escuadras y la suma y resta de los mismos, es posible el trazado de rectas con inclinaciones de múltiplos de 15°.

Aplicaciones Utilizando los ángulos de las escuadras y conociendo la longitud de un lado, es posible construir algunos polígonos.

Actividad 3

Con la explicación del docente construye cada uno de los polígonos vistos anteriormente.

Elabora cada una de los tipos de línea vista en clase utilizando las escuadras.



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Tema 4. Clasificación de instrumentos musicales A lo largo de la historia se han realizado diversas clasificaciones de los instrumentos musicales, en la actualidad, la más utilizada es la creada por los musicólogos Erich M. Von Hornbostel y Curt Sachs en 1914, esta clasificación está basada en el modo de producir las vibraciones en los instrumentos para obtener los sonidos, y está considerada como el primer sistema aplicable a los instrumentos existentes en el mundo.

Cordófonos Son aquellos instrumentos que producen el sonido mediante la vibración de las cuerdas.

Cordófonos frotados: son aquellos que producen las vibraciones sonoras por medio de la frotación de las cuerdas. Cordófonos punteados: Son aquellos instrumentos que producen las vibraciones de las cuerdas,- y por lo tanto el sonido-, punteándolas con los dedos, uñas o plectros (púas). Cordófonos percutidos: Son aquellos instrumentos que producen el sonido al golpear o percutir las cuerdas. De todos los instrumentos de este grupo, el piano ha sido el que se ha impuesto en nuestra cultura.

Aerófonos Son aquellos instrumentos musicales que producen el sonido mediante la vibración del aire contenido dentro del tubo.

Instrumentos de viento- madera: Son aquellos instrumentos de viento construidos en madera, pero también se incluyen en este grupo aquellos que siendo de metal, presentan un timbre similar a los de madera. De qué color son los vientos Instrumentos de viento-metal: La familia de viento-metal, agrupa a los instrumentos que producen el sonido por la vibración de los labios en una boquilla o embocadura.

Membranófonos Son aquellos instrumentos que producen el sonido por la vibración de una membrana o piel tensada.

Membranófonos Percutidos: Aquellos instrumentos que producen el sonido al percutir la membrana mediante baquetas o las manos. Membranófonos Frotados: Aquellos instrumentos que producen el sonido al frotar uno de sus componentes, produciendo vibraciones que transmite a la membrana creando sonido. Membranófonos Soplados: Aquellos instrumentos que producen su sonido por la vibración de una membrana al ser soplada.

Idiófonos Son aquellos que producen el sonido por la vibración del instrumento entero.

Idiófonos de entrechoque: Son aquellos instrumentos que están formados por dos partes exactamente iguales que se entrechocan para producir sonido.

Idiófonos percutidos: Son aquellos instrumentos que se percuten para poder producir sonidos.

Idiófonos sacudidos: Son instrumentos que hay que sacudir para que suenen.

Idiófonos raspados: Son instrumentos que se raspan para que suenen, como el güiro que es un tubo de madera con muescas que se raspan con una varilla de madera.

Idiófonos frotados: Son instrumentos que se frotan para que produzcan sonido.



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Electrófonos Los electrófonos son aquellos instrumentos en los cuáles el sonido se genera o se modifica mediante corrientes o circuitos electrónicos.

Instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados: el instrumento es como el acústico, pero la amplificación se realiza por medios electrónicos. Instrumentos con generación eléctrica completa: Tanto la vibración inicial como la amplificación se realizan electrónicamente. El generador sonoro acústico (cuerda, etc.) es sustituido por otro de tipo electrónico que produce una señal oscilatoria armónica.

Actividad 4

En equipos de tres a seis estudiantes, construye un ritmo básico a partir de la combinación de sonidos utilizando vasos plásticos (no desechables) para la elaboración.

Puede servir de referencia los siguientes ejemplos: https://www.youtube.com/watch?v=XyyaWu8LSi4 https://www.youtube.com/watch?v=NSFieUSfxGU https://www.youtube.com/watch?v=M3eytXGkgL0

https://www.youtube.com/watch?v=XyyaWu8LSi4

https://www.youtube.com/watch?v=NSFieUSfxGU

https://www.youtube.com/watch?v=M3eytXGkgL0



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Período 2

Tema 5. Historia de la pintura antigua Arte por medio del cual se representa en una superficie plana un hecho real o imaginario a través del color y la forma.

Pintura rupestre El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. En sus temáticas representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Respecto al color, se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las heces, compuestos minerales como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinante orgánico resina o grasa. Los colores se untaban directamente con los dedos, aunque también se podía escupir la pintura sobre la roca, o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura.

Pintura Egipcia Fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso. Sus colores fueron vivos y variados en cada escena y las más antiguas pinturas parietales decorativas que se conocen fueron polícromas, y de colorido uniforme. Los tintes base se obtenían: el negro, del carbón, el blanco, de la cal o de yeso, el amarillo y rojo-ladrillo, del ocre natural del desierto, el verde, de la malaquita y el azul, del lapislázuli. El rojo se asociaba al desierto y al dios Set, el amarillo al sol, el azul al río Nilo, el negro a la fertilidad y el verde a la fecundidad. Los hombres usualmente se representaban en tonos más obscuros porque trabajaban bajo el sol, mientras las mujeres en tonos claros por ser ellas quienes permanecían en el hogar. Siempre dibujaban el rostro de perfil y el torso en posición frontal. En las pinturas donde aparecían varias personas el tamaño revelaba su importancia dentro de la estructura social.

Actividad 5

Por grupos de dos estudiantes realiza una presentación en power point donde identifiques:

dos ejemplos de pintura rupestre (imágenes)

diferencia entre pintura rupestre y petroglifos.

Dos ejemplos de pintura rupestre en Colombia.



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Tema 6. Composición en pintura Componer es organizar los elementos gráficos y plásticos en el espacio, ya sea en dos o tres dimensiones, de forma que la expresión visual tenga una coherencia formal y una lectura comprensible.

Formato La forma y orientación de la superficie de trabajo (soporte), influyen directamente en la composición de la obra y en las sensaciones que puede transmitir. Vertical:....... equilibrio y elevación. Movimiento ascendente Horizontal:... estabilidad, afirmación y continuidad. Cuadrada:.... centra la visión. Equilibrio visual Circular:........ Movimiento envolvente. Suspensión Ovalada:....... sosiego Triangular:.....presión

Línea visual El formato determina la disposición de las formas, que se agrupan y relacionan, formando la línea visual. La línea visual mantiene la atención dentro de los límites de la composición.

Las formas Las formas son figurativas cuando representan algo tangible. Las formas que no tienen un referente objetual son formas abstractas.

Composición Figurativa Composición Abstracta

Esquema compositivo Es el conjunto de líneas maestras sobre el que se estructuran los elementos más importantes de una composición. Generalmente está formado por:



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figuras geométricas: polígonos, círculos, óvalos ...

redes modulares simples y complejas

líneas rectas y curvas relacionadas entre sí. A veces, la complejidad organizativa de una obra hace casi imposible deducir su esquema compositivo.

Esquemas compositivos más habituales

Equilibrio compositivo en el campo visual (distribución de pesos)

Peso por posición Cualquier elemento incrementa su peso visual según se aleja del centro de la composición.

Peso por tamaño Cuanto mayor sea el tamaño de los elementos compositivos, mayor será su peso visual.

Peso por color Los colores cálidos, los oscuros y los tonos tierra resultan más pesados, mientras que los colores fríos y claros parecen más ligeros y livianos.

Peso por configuración y textura



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Las manchas de colores o texturas, compactos y densos, además de las configuraciones geométricas, resultan más pesadas que las formas de configuración libre y textura porosa que dejen entrever la superficie del soporte.

Criterios y leyes compositivos

Simetría axial Los elementos se disponen a los lados de un eje imaginario que divide el soporte en dos partes iguales. Para que exista equilibrio, el peso visual de los elementos debe ser el mismo.

Simetría radial La obra está estructurada en torno a varios ejes que parten de un punto situado en el centro geométrico de la composición, como si fueran los radios de una rueda.

Ley dela balanza La estructura compositiva se asemeja a la de una balanza, en la que la figura más importante ocupa el centro jerárquico y visual, siendo el principal foco de atención de la obra. A ambos lados de ella se disponen otras figuras, de carácter secundario y semejante peso visual, que hacen de contrapunto a la figura principal.



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Ley de compensación de masas El elemento principal de la composición se sitúa en un lateral del cuadro y se descentra. Para compensar el desequilibrio producido, se colocan otras formas o manchas con suficiente peso visual para contrarrestar el efecto del descentrado.

Uniformidad de masas Los pesos visuales de todos los elementos, formas o manchas, de la obra son semejantes y equilibrados, por lo que la composición resulta coherente y equilibrada. No existe un elemento principal que domine a los demás de forma jerárquica, todas las formas tienen la misma categoría e importancia. Lo que domina es una composición armónica y coherente de formas, texturas y color.

Forma y fondo en la composición El campo visual está delimitado por el formato y, sobre él, se distribuyen las formas y el fondo:

Formas: primer plano; protagonistas.

Fondo: planos secundarios.

Para destacar una forma respecto al resto de los elementos de una composición, se pueden variar su tamaño, textura, contorno, color, etc. Para integrar unos elementos con otros se busca semejanza de colores, formas y tamaños.



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Se considera que:

Toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura, lo restante actuará como fondo.

El fondo pasa por detrás de la figura.

La figura es por lo general de menor tamaño. El fondo es más grande y simple.

El color es más denso y compacto en la figura que en el fondo.

El fondo puede percibirse como plano o espacio.

La figura presenta mayor estabilidad, claridad, precisión; siempre está más cerca del observador.

Todo lo relativo a la figura se recuerda mejor.

La luz Es un elemento fundamental para destacar los valores de una escena:

Concentrando en una imagen el centro de interés.

Proyectando sentimientos de alegría, tristeza, misterio, emoción

Modificando formas con la creación del contraste (claroscuro)

Difuminando contornos y modelando superficies.

El color Al igual que la luz, el color es un elemento modificador de los aspectos estructurales de una obra plástica.

Colores armónicos: tranquilidad, seriedad, serenidad...

Colores contrastados: nerviosismo, emoción.

Colores cálidos: emoción, pasión.

Colores fríos: profundidad, tristeza.



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Colores análogos o armónicos Ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda de colores o círculo cromático. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de combinaciones es frecuente en la naturaleza.

Colores complementarios o contrastados Los colores complementarios se encuentran en puntos opuestos del círculo cromático. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.

Complementarios divididos En lugar de utilizar un par de complementarios, se utilizan los situados en posiciones inmediatamente adyacentes. El contraste en este caso no es tan marcado.

Doble armonía de complementarios Utiliza un par de asociaciones de colores complementarios.

Triadas o armonías de tres colores Se eligen tres colores equidistantes en el círculo cromático.

Colores cálidos y fríos



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Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son las gradaciones del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos, radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas. Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido, o un color primario y uno compuesto, se complementan.

Los colores cálidos parecen atraernos, mientras que los fríos nos mantienen a distancia. Pero las propiedades de calidez y frialdad no se refieren solamente a las reacciones del observador. Caracterizan también al objeto.

Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez.

El tono cálido parece más extenso y el frío más pequeño de lo que realmente es.

Los tonos cálidos avanzan sobre los tonos fríos, como los oscuros producen una impresión de mayores pesos, son utilizados los colores claros agrisados para las partes superiores de los edificios elevados, porque así expresan una mayor altura.

Los colores cálidos, son los mejores para formas y detalles que son vistos a poca distancia, los fríos, que tienen un enfoque menos definido, se prestan mejor para masas amplias y áreas grandes.

Actividad 6

Elabora una composición a partir de los conceptos vistos en clase utilizando técnicas secas, la composición debe buscar explorar la creatividad con la abstracción.

Tema 7. Géneros pictóricos



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Los géneros pictóricos se suelen clasificar en cuanto a su contenido temático: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura religiosa, mitológica, alegórica, de historia, de género, etc. No debe confundirse esta con las clasificaciones de la pintura según su técnica (dibujo, grabado, fresco, temple, óleo, encáustica, acrílica, mixta, etc.) o soporte (mural, lienzo, papel, etc.) Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un sólo género o subgénero: pintura de paisajes o "país" (campos, ríos y montañas, follajes, celajes, marinas, arquitecturas), pintura de flores, de animales, de ropajes, de joyas, etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo, ya que parecía que el artista que trataba sólo esos asuntos no valía para otros (de hecho, en la división gremial del trabajo pictórico, se les encargaban explícitamente esas partes de las obras mayores que firmaban maestros más importantes), y se contraponía al “pintor de historia”, que en una sola composición trataba todos esos elementos, incluyendo las figuras humanas en todo tipo de poses o actitudes). Se había establecido una jerarquía de géneros, estipulada académicamente. En el siglo XVIII, "pintor de género" era el que representaba escenas de la vida cotidiana (temas anecdóticos, como los que ya se habían tratado abundantemente en la pintura holandesa o por los bamboccianti), opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba temas religiosos (del Antiguo o Nuevo Testamento, vidas de santos o escenas alegóricas), mitológicos o históricos (del pasado remoto o más actuales -en ausencia de fotografía, la pintura cumple un papel de crónica de acontecimientos-). En cambio, a partir del siglo XIX, al perder la pintura de historia su posición privilegiada con los cambios estéticos de la pintura en la Edad Contemporánea, se otorgó igual categoría a las demás. Durante un tiempo, la "pintura de género" pasó a ser la que, sin ser "de historia", tampoco podía clasificarse en las principales cuatro categorías reconocidas (retrato, desnudo -o "academia"-, paisaje y bodegón -o "naturaleza muerta"-); siendo "pintor de género" el que no tenía ningún género definido. Finalmente, al eliminar cualquier jerarquía en la representación artística, se pasó a considerar pintura de género cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, al tiempo que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la historia del arte, haciendo así una síntesis entre los diversos conceptos anteriores.

El retrato Es una pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona. En un retrato predomina la cara y su expresión.

Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en fotografía un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición quieta.

El retrato aparece en el siglo V a. C. sobre las monedas de los reyes persas. El uso se expandió sobre todo desde la muerte de Alejandro Magno. Conoció un desarrollo considerable en la época romana. En la Edad Media se siguió realizando retratos en las monedas. Durante el Quattrocento italiano se hicieron efigies en medallones como monedas.

El desnudo Es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. La desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la estética y la moralidad de la época en que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la desnudez en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes parámetros sobre qué es aceptable: por ejemplo, aun en un museo en el cual se muestran obras con desnudos, en general no se acepta la desnudez del visitante. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El arte ha sido desde siempre una representación del mundo y el ser humano, un reflejo de la vida. Por ello, el desnudo no ha dejado de estar presente en el arte, sobre todo en épocas anteriores a la invención de procedimientos técnicos para captar imágenes del natural (fotografía, cine), cuando la pintura y la escultura eran los principales medios para representar la vida. Sin embargo, su representación ha variado conforme a los valores sociales y culturales de cada época y cada pueblo, y así como para los griegos el cuerpo era un motivo de orgullo, para los judíos —y, por ende, para el cristianismo— era motivo de vergüenza, era la condición de los esclavos y los miserables.



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En la actualidad, el desnudo artístico es ampliamente aceptado por la sociedad —al menos en el ámbito occidental—, y su presencia cada vez mayor en medios de comunicación, cine, fotografía, publicidad y otros medios, lo ha convertido en un elemento icónico más del panorama cultural visual del hombre y la mujer actual, aunque para algunas personas o algunos círculos sociales sigue siendo un tema tabú, debido a convencionalismos sociales y educacionales, generando un prejuicio hacia la desnudez, que es conocido como «gimnofobia» o «nudofobia».

El bodegón También conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía. Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo.

El paisaje Representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo). En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros géneros (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo esencial para la pintura japonesa.

Actividad 7

Elaborar composiciones relacionadas con los géneros de bodegón, desnudo y paisaje según las indicaciones del docente.



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Tema 8. La caricatura Una caricatura (del italiano caricare: cargar, exagerar) es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías. Su técnica usual se basa en recoger los rasgos más marcados de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos o simplificarlos para causar comicidad o para representar un defecto moral a través de la deformación de los rasgos, en tal caso es una forma de humor gráfico.

Características La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra representación humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la vestimenta, o bien aspectos comportamentales o los modales característicos de un individuo, con el fin de producir un efecto grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar situaciones e instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de grupos o clases sociales. En este caso, suele tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar el cambio político o social. La forma más común de las caricaturas políticas y sociales es la viñeta. Si bien el término caricatura es extensible a las exageraciones por medio de la descripción verbal, su uso queda generalmente restringido a las representaciones gráficas. Existen caricaturistas de muy distintas índoles, temas y estilos, ya que la caricatura, con muy pocas palabras (en algunos casos, sin palabra alguna) permite también hacer comentarios políticos en clave de humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi todos los diarios del mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de opinión, también suelen observarse caricaturas exentas en otros mass media, por ejemplo en ciertas revista de cómics, generalmente de índole satírica.

Caricatura política La caricatura política nace propiamente en Francia, tras las ilustraciones alusivas a temas controvertidos y de personajes como Napoleón III y Luis Felipe, que ponían en tela de juicio su credibilidad ante la opinión pública. Estas ilustraciones fueron impulsadas gracias a la difusión de la litografía que permitió la fundación de periódicos ilustrados en un mayor número. La caricatura política es desde entonces un sistema de lucha dirigido con virulencia contra personajes de la vida pública, con el ánimo de ridiculizarlos para resaltar sus errores. Además aporta una visión no formal a la opinión pública, permitiendo revivir el pasado gracias a la facultad del hombre de integrar elementos heterogéneos a la visión histórica.

Actividad 8

En equipos de dos estudiantes discute cuáles son las diferencias entre caricatura, comic o historieta y el dibujo animado, da ejemplo de cada uno.

Elabora una caricatura de tu agrado utilizando la técnica de tinta china sobre durex.



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Período 3

Tema 9. Análisis pictórico En el ámbito de las Artes Plásticas, se identifica con el nombre de Análisis Pictórico al ejercicio visual, emotivo, cognitivo y estético, por medio del cual un individuo da cuenta de los distintos aspectos formales y subjetivos que pueden apreciarse en una pintura, bien si la ha realizado él mismo u otro pintor.

Partes de un análisis pictórico La Academia ha determinado que un Análisis Pictórico es un ejercicio que básicamente debe sustentarse en tres partes o fases, a fin de poder producir, tanto en quien lo realiza como en quien lo lee a posteriori un entendimiento global de la pieza. De esta manera, las tres partes que debe contener todo Análisis Pictórico son las siguientes:

Lectura Objetiva Es el primer acercamiento que el individuo debe tener con respecto a la pieza, en él tratará de precisar los aspectos formales y técnicos de la obra, como por ejemplo los materiales en los que fue elaborada, el soporte sobre el cual fue realizado, los colores empleados, el manejo de la luz, las formas plasmadas por el autor, el tema de la pintura, el año en el que fue hecha, el autor a quien corresponde, el lugar en donde reposa la obra, de tratarse de una pieza que se encuentre bajo custodia de algún museo o institución, entre otros aspectos. Normalmente se tienen en cuanta al enfrentarnos a una obra pictórica los siguientes aspectos: Título de la obra Autor Contexto histórico Técnica Soporte Género Con respecto a la composición se analizan los siguientes aspectos: Esquema compositivo Centro de interés Peso visual Líneas Luz Colores

Lectura subjetiva Seguidamente, la persona que realiza el Análisis Pictórico puede darse a la tarea de indicar cuál es su parecer estético y particular sobre la obra, es decir, la impresión que esta genera en su mundo emocional particular, por lo que esta parte del estudio dependerá entonces de cada analista, pues se hará desde el punto de vista individual.

Actividad 9

Selecciona una pintura de un artista propuesto por el docente y realiza un análisis según las pautas vistas en clase. Realiza el trabajo en parejas Analiza en forma individual una obra seleccionada por el docente utilizando una impresión de la obra, papel calcante y colores.



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Tema 10. Arte clásico

Arte Griego El Arte de la antigua Grecia marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos, los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente. El arte griego va a representar el inicio del mundo clásico que se constituirá sobretodo en el siglo V a. de C. Es una cultura humanística que considera que el hombre es la medida de todas las cosas. Por ello la arquitectura va a buscar siempre una proporción que alcance la armonía en relación al hombre, sin, por ello, dejar de buscar la perfección.

Arquitectura y urbanismo La arquitectura griega emplea como material preferido la piedra, generalmente el mármol. Sus edificios se van a caracterizar por el equilibro del conjunto, la armonía de proporciones y, sobretodo, por la pureza de líneas. Son edificios adintelados (sin arcos ni bóvedas, empleando siempre techumbres planas). En todo edificio se van a distinguir dos elementos: el sustentante o columna, que consta de basa, fuste y capitel, y el sostenido o entablamento, que consta de arquitrabe, friso y cornisa. En estos dos elementos podemos distinguir la evolución de la arquitectura griega, ya que se desarrollarán tres órdenes arquitectónicos: el más antiguo es el “Dórico” (hasta el siglo V a. de C.), luego el Jónico (a partir del s. V) y el Corintio (más moderno).

La escultura La escultura griega va a sufrir una gran evolución durante todo el periodo de predominio griego, pudiéndola dividir en tres periodos, a pesar de lo cual se pueden observar una serie de rasgos comunes: a.- el gusto por el cuerpo humano: La griega va a ser una cultura humanística y antropocéntrica. Los mismos dioses se representan con modelos humanos, de forma que el ser humano se convierte en el protagonista indiscutible de la obra escultórica, donde se busca plasmar la belleza, a partir de la recreación de la anatomía, cuidando la proporción entre las partes del cuerpo. Esto lleva al surgimiento del canon, es decir, una medida para establecer las proporciones de las diferentes partes del cuerpo humano. b.- Son esculturas de piedra, generalmente de mármol y policromadas, aunque se ha perdido el color. Para esculturas de gran tamaño se utiliza el cobre, aunque hasta nosotros nos han llegado las copias romanas hechas en mármol. c.- La preocupación por la belleza, no sólo en la anatomía corporal, sino también en la expresión, tratando de que ésta muestre los sentimientos. Junto a ello, la representación del movimiento, bien de las figuras individuales, flexibilizando sus miembros, o estableciendo interrelaciones en el caso de grupos. Evidentemente ambas características se irán haciendo más evidentes a medida que evoluciona la escultura.

Pintura y cerámica La pintura no tiene el mismo desarrollo que la arquitectura o la escultura, y la pintura que hemos conservado, en su mayor parte, es la que se desarrolla sobre cerámica. En la cerámica podemos encontrar tres estilos: a.- estilo geométrico (1000-700 a. de C.). La decoración de la cerámica se realiza en bandas, en las que se alternan figuras humanas y de animales, con figuras geométricas. b.- Época arcaica (700-500 a. de C.). Existen dos fases: b.1.- se caracteriza por pintar las figuras de color negro, destacando sobre un fondo rojo. b.2.- las figuras son de color rojo sobre fondo negro. c.- Periodo clásico: (siglo V a. de C.). La decoración gana en naturalidad y calidad, mejorando la perspectiva de lo representado y los pliegues de la ropa.

Arte Romano Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, sentando las bases del arte occidental. Destacaron en arquitectura civil, con la



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construcción de carreteras, puentes, acueductos y obras urbanísticas, así como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos, termas, arcos de triunfo, etc. Desde el punto de vista cronológico, el arte romano se desarrolló con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo III a.C hasta el siglo V de nuestra Era. Siguiendo las etapas que su devenir histórico marca, destacan al menos la República, hasta el año 27 a. C., y el Imperio, que se extendió desde los tiempos de Augusto hasta la caída de Roma en manos de los bárbaros en el año 476 después de Cristo.

La escultura y pintura Inspirada en la griega, se centra igualmente en la figura humana, aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, destacando especialmente el mosaico.

La arquitectura Asimila y desarrolla la cultura griega (órdenes arquitectónicos, diseño de los templos, concepción escultórica), incorporándole características propias, tanto en materiales de construcción (mortero y cemento y hormigón romanos) como en elementos arquitectónicos (el arco -Arco de triunfo- y la bóveda, orden toscano y orden compuesto, principio de superposición de órdenes) y formas escultóricas. Desarrollo arquitectónico con gusto por lo colosal y magnificente, al tiempo que con un acusado sentido práctico y utilitario. (Puentes y acueductos -puente de Alcántara, Pont du Gard, Acueducto de Segovia-, calzadas). Edificios públicos (termas -termas de Caracalla-, teatro romano -Teatro Marcelo-, circo romano -Circo Máximo-, anfiteatros -Anfiteatro de Capua, Coliseo, Anfiteatro de El Djem-, etc.), religiosos (templo romano -Templo de Vesta, Maison Carrée, Panteón de Agripa-) y civiles (foro romano, basílicas, palacio romano)

Actividad 10

En grupos de dos estudiantes consulta en que consisten los tres órdenes griegos de la arquitectura y los tres cánones de proporción del cuerpo humano propuestos por los escultores griegos.



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Tema 11. La obra de arte Actividad humana que busca comunicar sentimientos, pensamientos, e ideas a los hombres de diversas latitudes y épocas. A través de la materia visible e invisible. Otra definición también puede ser; toda actividad humana que basándose en ciertos conocimientos los aplica el artista para alcanzar un fin bello.

Clasificación de las artes

Artes mayores El concepto de artes mayores se utiliza para aquellas artes, que buscan la expresión de la belleza, dando valoración a la figura del artista, su trabajo intelectual y minusvaloración del trabajo físico. Históricamente la pintura, la escultura y la arquitectura han sido consideradas como las artes mayores por excelencia, en tiempos antiguos se utilizaba la expresión maestro en las tres artes mayores para los artistas que habían demostrado su suficiencia como maestros en las tres artes. Los conceptos de artes plásticas o artes visuales son de uso posterior. En la actualidad podemos considerar un número más amplio de estas artes, teniendo como tales las siguientes: Arquitectura, Escultura, Pintura, Literatura/poesía, Danza, Música, Cine, Fotografía, Historieta, Artes digitales.

Artes menores Según los clásicos, son las que impresionan a los sentidos menores tales como el gusto, olfato y tacto, por lo que es necesario entrar en contacto con el objeto, entre ellas tenemos algunas como: Alfarería, Orfebrería, Cerámica, Jardinería, Carpintería.

Actores de la creación artística

Creador o artista Es el compositor de obras bellas. Al que ve siente, crea y realiza la belleza de una forma sensible.

Espectador No es el transeúnte curioso sino el individuo que posee ciertas disposiciones originales y las ha cultivado mediante la experiencia y el estudio disciplinado.

El crítico Es el exponente de una cierta madurez de la ciencia artística No aparece en las culturas muy jóvenes o sólo esporádicamente. El crítico de arte tiene su origen en el desarrollo de un espíritu reflexivo, que no se satisface con vivir del arte, sino que aspira a comprender racionalmente el sentido de cada obra artística.

El intérprete Las obras de arte deben pasar por una interpretación a fin de adquirir plena actualidad. Es el caso del teatro y la música. Cuyas obras, son representadas o ejecutadas por intérpretes idóneos. El intérprete se hace transparente y se hace de los ojos del espectador para dejarlo directamente en presencia de la obra original.

Actividad 11

En equipos de dos estudiantes consulta dos artistas locales de dos de las artes mayores enunciadas anteriormente mostrando y explicando un ejemplo de su obra más representativa. Prepara una exposición en power point.

En equipos de dos estudiantes responde: ¿es arte la caricatura? Argumenta tu respuesta.



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Tema 12. La apreciación artística La apreciación artística se concibe como un proceso en el que están implicados una obra única y original con ciertos atributos y diferentes tipos de espectadores en busca de valoraciones, experiencias significativas y sentidos. Integran el conjunto de los elementos de apreciación artística, un espectador motivado a una apropiación simbólica de la obra. Y por supuesto, la obra: Una forma de expresión determinada en principio por ciertas reglas o convenciones al servicio de una intención comunicativa y/o expresiva que el espectador va a construir a partir de sus conocimientos y sensibilidad.

Experiencia de la apreciación artística Analizar, interpretar y valorar son las tres operaciones básicas a realizar, si se quiere tener una experiencia con el arte que no se quede en lo trivial. Para analizar, es importante observar, escuchar o dado el caso, interactuar con la obra. Al mismo tiempo, es importante hacer una descripción de los elementos constitutivos de la obra, desde los más sencillos a los más complejos: sonidos, colores, formas, escenas, etc. Al interpretar, se deben considerar las características expresivas de los elementos que conforman una obra artística en función del tema y sus contenidos. Valorar una obra conlleva a emitir un juicio, luego de situarla dentro de una genealogía, un periodo histórico, una tendencia, su género y estilo. La valoración tiene por finalidad descubrir el grado de originalidad de una obra. El espectador además cuenta con otras opciones para apropiarse de una obra: Identificar y disfrutar la estética de sus elementos configurativos bajo los principios de armonía, contraste, espacio, composición, y ritmo. Percibir los posibles efectos que una obra produce en su sensibilidad, transformando su gusto, su manera de percibir la realidad, de pensar el arte, por citar algunos ejemplos. Asociar la obra artística a cualquier tipo de conocimientos, experiencias, vivencias, recuerdos, y a otras obras o expresiones en otros medios, no necesariamente artísticas. En otras palabras, vinculando a la obra con una historia íntima, personal, con otra objetiva de referencias entre obras artísticas (artes plásticas, danza, teatro, música), y de obras artísticas con otras manifestaciones estéticas (artesanías y diseños). El goce de una obra artística, puede provenir de circunstancias y detalles inesperados, sorpresivos, fuera de todo cálculo o estrategia para abordar la obra. Detalles de su realización técnica, de su producción, cambios notables entre una reproducción y la obra original, son sólo algunos ejemplos de las gratas sorpresas que guarda el arte a quien está dispuesto a dedicarle tiempo y atención. Otra manera de intensificar el disfrute de la obra artística, consiste en formular hipótesis de sentidos, significados y efectos posibles de la obra, y compartirlas con otras personas, explicándolas y analizándolas. Buscando diferencias y consensos para validar nuestro juicio estético.

Actividad 12

A partir de la temática vista en clase y un vídeo seleccionado por el docente sobre un artista en particular, elabora una apreciación de la obra de este artista.



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Tema 13. El Proyecto de arte El término proyecto proviene del latín proiectus, compuesto por el prefijo pro que significa hacia adelante o hacia el futuro, y edictus que se traduce como lanzar o arrojar. La etimología de esta palabra remite a la representación en perspectiva de una idea o concepto, alude a un número de labores específicas, relacionadas y coordinadas entre sí que se llevan a cabo para desarrollar determinados productos o servicios capaces de satisfacer necesidades o resolver problemas. En definitiva, es disponer, guiar y preparar el camino de lo que se va a hacer. En el uso corriente de la palabra proyecto se utiliza para designar el propósito de hacer algo. Saber plantear y desarrollar de manera óptima las ideas e inquietudes artísticas a través de un proyecto artístico es fundamental para ti si quieres ser artista visual. Las propuestas o proyectos artísticos bien estructurados son una guía, un método de trabajo para cualquier creador. El trabajo de organización te servirá para conseguir patrocinios, participar en concursos, llegar a espacios de exposición importantes... entre otras cosas. Un proyecto artístico no es una investigación, no busca solución a problemas científicos, no pretende plantear o promover nuevos conocimientos en los campos de las ciencias o de artes.

Cómo desarrollar un proyecto artístico

Seleccionando un método La clave para desarrollar un buen proyecto artístico radica en hacer un buen cálculo de su dimensión, ya que si el proyecto en cuestión presenta una óptima medida tendrá mayores posibilidades de llevarse a cabo. ¿Cómo se dimensiona un proyecto? Aplicando un método que nos ayude a contestar cuestiones fundamentales de planificación y desarrollo. Por lo general, todo proyecto debe responder a las siguientes preguntas:

¿Qué vamos a hacer? Nombre del Proyecto: lo que se quiere hacer.

¿Para qué lo vamos a hacer? Objetivos del proyecto: qué lograría ese proyecto.

¿Dónde lo vamos a hacer? Espacio físico.

¿Cómo lo vamos a hacer? Listado de actividades para concretar el proyecto.

¿Quiénes lo vamos a hacer? Los responsables de las distintas actividades.

¿Cuándo lo vamos a hacer? El tiempo que se tardará en hacer el proyecto.

¿Qué necesitamos para hacer el proyecto? Listado de recursos y cantidad necesaria

¿Cuánto va a costar el proyecto? Presupuesto: precios de los recursos, según cantidad y tiempo de utilización.

Actividad 13

Elabora tu idea de proyecto en el campo del arte que más te sientas cómodo de acuerdo a tus gustos y capacidades (pintura, fotografía, teatro, modelado en plastilina, música, danza entro otras)

Contenidos Artística - Grado 9° representar tanto la forma como la estructura de un objeto. La...

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