DOSSIER DE L’ESPECTACLE TEBASLAND - Temporada · PDF fileSòfocles, Dostovievsky,...

Foto: BIBIANE BORDOLI

Sala La Planeta

Dissabte 25 d’octubre a les 21h

www.temporada-alta.net

TEBASLANDDE SERGIO BLANCO

DOSSIER DE L’ESPECTACLE


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FITXA

INFORMACIÓ BÀSICA

Dramatúrgia, direcció i posada en escena: Sergio BlancoIntèrprets: Gustavo Saffores i Bruno PereyraAssitent de direcció: Florència MirzaEscenografia, vestuari i il·luminació: Laura Leifert i Sebastián MarreroVídeo art: Miguel Grompone Gestió de mitjans, comunicació i premsa: Valeria PlanaProducció: Adrián Minutti i Salvador ColladoProducció a l’Estat espanyol: Complot i FIZ Cádiz

Dia i hora: Dissabte 25 d’octubre, 21 hLloc: Sala La PlanetaPreus: 18€Durada: 1 h 30 min

Espectacle en castellà

ESTRENA A CATALUNYA

Amb la col·laboració de: Durant Temporada Alta La Sala la Planeta compta amb la col·laboració de:

Amb el suport de:


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PRESENTACIÓ

Una gàbia que és una metàfora, una pista de bàs-quet que sembla instal·lar-nos en un pati de presó, una cel·la mental, l’espai de confrontació entre un pare i un fill, la història d’un parricidi, la duresa d’un barri perifèric que connecta amb la Tebes grega. No és cap revisió contemporània d’un clàssic: n’és l’assimilació real, una obra que omple les paraules d’un ritme rabiós. Dos registres lingüístics, dues vides, diferents edats: una equació amb moltes in-cògnites per a un sol complot, el d’aquest autor a cavall entre París i l’Uruguai.

Con ecos de Kafka, de Freud, de A Sangre fría de Capote,

de Sófocles y los clásicos griegos, Sergio Blanco aborda un

parricidio a golpes de tenedor. Un “uno contra uno” mar-

cadamente contemporáneo en la cancha de las palabras.

Avec des échos de Kafka, de Freud, du Capote de De sang-

froid,de Sophocle et des classiques grecs, Sergio Blanco

aborde un parricide à coups de fourchette. Une lutte “à un

contre un” fortement contemporaine dans le terrain des mots.

With echoes of Kafka, Freud, the Capote of In Cold Blood,

Sophocles and classical Greek tragedy, Sergio Blanco tells

the dark tale of patricide, committed with a fork. A one-onone

combat in the realm of words with a markedly contemporary

flavour.


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Per Juan Carlos Olivares

La connexió amb ultramar de Temporada Alta no és nova.

Buenos Aires va ser des de l’inici un dels seus ports de

referència. Durant moltes edicions l’escena argentina va

acaparar la ruta transatlàntica, afavorida pels nexes entre

la capital de Buenos Aires i Barcelona. Aquest monopoli

gairebé sentimental es va trencar per incorporar altres

maneres d’entendre el teatre a Iberoamèrica. El terme

no és casual: inclou una amplitud geogràfica i lingüística

que va fer eclosió la passada edició amb la companyia

brasilera que dirigeix Christiane Jatahy, entossudida a re-

naturalitzar els clàssics europeus des d’una òptica amer-

icana. Però ha estat Mèxic el gran descobriment de les

últimes edicions. Una nova generació de creadors que

utilitzen l’escena per a una revisió crítica del seu passat

recent. Teatre de la memòria que no sempre es conforma

amb el document. Realitat i ficció s’agermanen en rela-

cions heterodoxes. Els membres de Lagartijas tiradas al

Sol són uns experts a qüestionar la història que entrel-

laça Mèxic i els mexicans. Si El rumor del incendio era la

reconstrucció del moviment guerriller dels anys seixanta

i setanta i Montserrat la persecució del fantasma d’una

mare absent (potser un mockumentary), Derretiré con

un cerillo la nieve de un volcán és un projecte que re-

visa l’hegemonia –també de discurs– del Partido Revo-

lucionario Institucional (PRI) sobre la història recent de

Mèxic. El “partit oficial” que després d’uns anys d’exili

electoral ha tornatper continuar confonent el seu relat

amb el dels mexicans.

Julia, l’adaptació que Jatahy va presentar l’any passat

a Girona de l’obra de Strindberg, jugava amb la doble

dimensió del cinema i el teatre, a més d’afegir humitat

tropical a l’erotisme nòrdic. Sobre aquesta relació entre

la pantalla i l’escenari ara ha construït una obra que, a

partir de Les tres germanes de Txékhov, reflexiona sobre

els somnis d’escapar a algun indret on sigui possible ser

feliç. I si elles marxessin a Moscou? és una conversa

sobre la utopia dels llocs sobre els quals aboquem l’es-

perança d’una vida millor; fugir del present per

refugiar-nos en un futur situat en una arcàdia feta a la

mesura dels nostres somnis i frustracions.

Viejo, solo y puto està dirigit pel també autor Sergio

Boris, però neix de les aportacions dels intèrprets du-

rant els assajos. Dramatúrgia nascuda de la (inter)ac-

ció actoral que és gairebé una fórmula d’èxit per a cert

teatre argentí alternatiu. Un laberint d’accions i emocions

que en aquest muntatge té un reflex exacte en una es-

cenografia que juga a fet i amagar amb el públic entre

les prestatgeries d’una farmàcia del suburbi històric del

sud de San Telmo. Teatre basat en la matèria primera de

l’intèrpret que acara la rígida normalitat de la classe mit-

jana i les seves crisis amb el drama dels qui han escollit

buscar una altra normalitat, una altra sexualitat.

D’Uruguai arriba Tebasland, l’ambiciós text de l’autor i

director francouruguaià Sergio Blanco. Emulant Truman

Capote en A sang freda, fantasieja amb la trobada a la

presó entre un parricida i el dramaturg que vol reflexionar

sobre la mort violenta del pare a partir d’una experièn-

cia real. Blanco porta la situació cap a un inesperat bu-

cle dramàtic que transforma l’imaginari treball de camp

en l’estímul de la ficció: la representació d’una trobada

que mai no es produirà. El text, que recull paraules de

Sòfocles, Dostovievsky, Maupassant i Freud, s’allunya

així de la interrogació ètica per centrar-se en la mateixa

naturalesa teatral. En comú El projecte La máquina de

la soledad és l’exemple que el pont entre els dos con-

tinents funciona. Shaday Larios de la companyia mex-

icana Microscopía i Jomi Oligor de l’espanyola Hnos.

Oligor han unit la passi que senten per l’objecte i el seu

valor ocult per reivindicar junts el plaer físic de tocar i

llegir una senzilla carta. Ells s’han autoerigit en dipos-

itaris d’una memòria fixada en tinta, alhora perenne i

fràgil. Han recorregut els mercats ambulants dels seus

respectius països (a Mèxic, a més, continua viu l’art de

l’escrivent de cartes) per rescatar epístoles oblidades i

els seus tresors (segells, fotos, miniatures), i així trans-

formar l’escriptori en un microescenari que narra una

història d’amor en la distància.

Suplement Temporada Alta de La Vanguardia. Divendres 26 de setembre

Iberoamèrica, un pont obert al futur


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La Sala La Planeta acollirà per primera veg-ada a Catalunya Tebasland, l’obra que signa i dirigeix Sergio Blanco. El text, que pren com a punt de partida la reconstrucció del crim del parricida Martín Santos acaba centrant-se en com es desenvolupa la representació escènica de les trobades entre els dos personatges: el parricida i un dramaturg que està interessat en escriure la història del crim. Blanco s’allunya així, dels judicis de valor i de la part ètica i moral del crim en pro les possibilitats estètiques de la posada en escena de l’obra.

Tebasland, que va ser especialment escrita i dissenyada l’any 2012 per al Teatro Sant Martín de Buenos Aires, va ser declarada d’Interès Cultural pel Ministerio del Interior d’Uruguai.

L’obra s’inspira no només en el mite d’Èdip, Rei de Sòfocles, sinó que pren referències del sant europeu del segle IV Sant Martí de Tours. A més, fa un repàs d’altres texts clàssics que

aborden el tema del parricidi, com Els Germans Karamazov de Dostoievski, Un parricida de Maupassant i Dostoievski i el parricidi de Seg-mund Freud.

SINOPSI

OBRA DECLARADA D’INTERÈS CULTURAL PEL MINISTERIO DEL INTERIOR D’URUGUAI


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Tebasland és una obra que va ser especial-ment creada per al Teatro San Martín de Bue-nos Aires. Sergio Blanco, director i drama-turg uruguaià a qui va ser encarregat el text, ens explica la història d’una parricidi prenent referències de grans textos clàssics que parlen d’aquest crim, no només d’Èdip Rei de Sòfo-cles, sinó també d’Els germans Karamazov de Dostoievski, d’Un parricidi de Maupassant o de Dostoievski i el parricidi de Sigmund Freud. Fins i tot s’inspira en la vida de Sant Martí de Tours.

Blanco va inspirar-se en uns nois que jugaven a bàsquet en una pista engabiada de París-l-loc on resideix des de fa molts anys-. Bruno Pereyra i Gustavo Saffores esperen el públic reclosos dins d’una gàbia, que fa de metàfora de la garjola on viu el parricida.

Saffores fa el paper d’un dramaturg que vol escriure la història sobre l’home que ha matat el seu pare, mentre que el criminal, Bruno Pereyra, desenvolupa com si fos un actor la possible escenificació teatral de l’episodi de la mort.

Aquesta història, una producció de la com-panyia Complot, no centra el drama en el noi que ha matat el seu pare amb 21 punyalades de ganivet, sinó que aprofita tots els elements dins i fora de l’escenari -text, actors, gàbia-

com a eina narrativa per donar èmfasi al fet teatral. A més, Blanco opta per afegir una pan-talla dividida en sis parts que serveix per mos-trar tot allò que succeeix dins i fora d’escena i a més, per dotar l’espectador de múltiples punts de vista.

Sergio Blanco, que amb aquesta obra va tornar a Uruguai després de gairebé una década, ar-riba al Temporada Alta amb la força d’una po-sada en escena que té el prestigi d’haver estat declarada d’Interès Cultural pel Ministerio de l’ Interior d’Uruguai.

SOBRE L’ESPECTACLE...

EL CRIMINAL INTERPRETA COM SI FOS UN ACTOR LA POSSIBLE ESCENIFICACIÓ TEATRAL DE L’EPISODI DE LA MORT


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EQUIP ARTÍSTICDIRECCIÓ I DRAMATÚRGIA SERGIO BLANCO

Sergio Blanco va néixer a Montevideo, Uruguai, l’any 1971. Va realitzar estudis de filologia i art teatral i va ser alumne i assitent de direcció de difer-ents directors com Atahualpa del Cioppo, Antonio Larreta, Nelly Goitiño i Aderbal Freire-Filho. Al seu país, ha dirigit els muntatges de Ricard III, Macbeth i Cyrano de Bergerac.

L’any 1993 va marxar a viure a París gràcies a una beca d’estudis que va guanyar amb el Premio Flo-rencio Revelación. Allà va realitzar els estudis de Direcció teatral de la Comédie Française, juntament amb directors i mestres de l’escena europea com Alain Françon, Georges Lavaudant, Daniel Mes-guich y Matthias Langhoff. Durant uns anys, la seva activitat teatral va estar dividida entre el seu país natal i França, on finalment va decidir quedar-se a viure fins ara.

Entre els textos més coneguts de Blanco hi ha Slaughter, .45’, Kiev, Barbarie, Kassandra, El salto de Darwin i Tebas Land; peces que han es-tat estrenades i publicades tant al seu país com a l’estranger, a més d’estar traduïdes, la gran majoria, a diverses llengües.

Ha estat reconegut amb diversos premis, tals com el Premio Nacional de Dramaturgia d’Uruguai, el Premio Nacional de Dramaturgia de la Municipa-lidad de Montevideo, el Premio del Fondo Nacional de Teatro, el Premio Florencio al Millor Dramaturg i el Premi Internacional Casa de las Américas.

Des de l’any 2008 dirigeix la Compañía de Artes Escénicas Contemporáneas COMPLOT i des de fa sis anys treballa pel Ministeri d’Educació i Cultura de França coordinant i dirigint tallers d’escriptura literària a diferents centres educatius. A més, durant els últims anys, també s’ha dedicat a impartir semi-naris, cursos i conferències a diverses institucions culturals i universitàries de França, Uruguai, Argen-tina, Brasil, Cuba, Espanya, Burkina Fasso i Grècia.

Al març de 2013 va ser designat per la Universidad Carlos III de Madrid amb el càrrec de Director Gen-eral Artístic i Acadèmic del projecte europeu Cross-ing Stages que reuneix els Departaments d’Inves-tigació Teòrica y Producció Teatral de diverses Universitats europees.


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“Gustavo Saffores y Bruno Pereyra logran un trabajo absolutamente natural y creíble”Javier AlfonsoSemanario Búsqueda

“Y de un espectáculo que ofrece dos actuaciones impecables, dirigidas por el mismo Blanco, maneja con elegancia los pasajes de un nivel de ficción a otro, desmigaja y masca las motivaciones primeras y últimas del parricidio tran-sitando ágilmente de lo simbólico a lo concreto y logrando un nivel de empatía que trasciende (...)”Georgina TorelloSemanario La Diaria

“Blanco dirige con sentido común, en las antípodas de la sobreactuación afec-tada, y logra imponer un fresco despojado de eufemismos, adjetivos y obvias moralejas”Semanario Búsqueda, agosto de 2013

“Se trata de los personajes. Antes eran roles, símbolos, máquinas, experimen-tos, mecanismos. Ahora, el propio dramaturgo metió su cuerpo en las palabras.”Semanario Caras y caretas, septiembre de 2013

“Es sustantivo el trabajo de los actores, y si Gustavo Saffores vuelve a dejarnos ver a un actor con gran capacidad expresiva, la actuación de Bruno Pereyra es consagratoria.”Semanario Voces, agosto de 2013

“El diálogo pone en evidencia cuán pequeña es la distancia sicológica entre los ciudadanos honestos y obedientes a la ley con los transgresores violentos”.Semanario Hebreo, agosto de 2013

SOBRE TEBASLAND LA PREMSA N’HA DIT...


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Javier AlfonsoBúsqueda8 de agosto de 2013


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Vida Cultural BUSQUEDA ■ Jueves 1º de agosto de 2013 ■ Pág. 44

Agarró, y se nos murió. Ayer cerró sus ojos para siempre Jorge (“el Cuque”) Sclavo, un entrañable amigo de esta casa, que fue la última en la que pu-blicó sus columnas de humor costumbrista, cálido y tierno como él.

Había nacido en 1936 y a lo largo de su vida, bohe-mia, dura, complicada, pero que jamás le hizo perder la sonrisa, se destacó en muchas áreas de la cultura.

Fue escritor de novelas, con las que ganó premios, libretista y actor de teatro, de radio, de televisión y de café-concert, en los que combinaba el humor con la música, de la que fue un entendido y un exquisito intér-prete. Sabía mucho de jazz, de tangos, de cine, y fue crítico de algunas de estas disciplinas en publicaciones que también se fueron, como “Marcha” y “Peloduro”.

Cuque escribió tres novelas: “Un lugar para Piñeiro”, “Primer cielo, primera piedra” y “De los espejos, y lo feroces que son”. Las tres ganaron premios: la primera fue primer premio en la Feria Nacional del Libro y el Grabado en 1996, la segunda y la tercera ganaron el primer premio de novela édita del Ministerio de Educa-ción y Cultura en 1972 y 1986. Dejó una novela inédita, “Desde el paraíso”, en una suerte de guiñada genial, que —ojalá— se transforme en su novela póstuma.

Fue fundador y director de la revista “Misia Dura” y cuentos suyos aparecieron en las dos antologías de Ángel Rama (“Cien años de raros” y “Montevideo, gentes y lugares”), así como en las de Eduardo Ga-leano (“Su majestad el fútbol”) y de Mercedes Ramí-rez (“Los nuevos”).

Publicó asimismo recopilaciones y ensayos: uno en España sobre Felisberto Hernández y “El Caso Cle-mente Colling”, en Cuadernos Hispanoamericanos, y varias crónicas sobre El Hachero, las Historietas de Peloduro, El Flaco Cleanto y Mónica por Mónica.

Sus inolvidables obras de humor fueron “El petiso Larrosa Ilustrado”, “El Quiosco de Cuque”, “Los Ble-ques de Cuque”, “Los Tangos de Cuque”, “Los Abo-minables Cuques”, “Enciclopedia Cuque’s” y “Cuque contraataca”.

Pero, por encima de todo, Cuque fue un amigo, de esos con los que las horas largas del viejo periodismo de presencia y máquina de escribir, pre-cibernético, daba para entretenidos cafés con humo de cigarro, generalmente culminados con alguna copa en un bar, antes de regresar a casa.

Como ese mundo que ha desaparecido, también ahora ha desaparecido él. Nos quedan sus “bleques”, en los que nos arrancaba siempre una sonrisa me-lancólica, como la que debe estar esbozando ahora, desde la nube que le tocó, viendo y comprobando que lo recordaremos siempre.

Kid Gragea

Chau, Cuque

En agosto de 2012 la primera edición de “La Escena Vocal” fue una de las ma-yores sorpresas de la temporada mu-sical montevideana. Un festival de cá-mara, dividido en conciertos líricos, cla-ses magistrales y conferencias a cargo de artistas internacionales. La chilena Verónica Villarroel y la española Nan-cy Fabiola Herrera, ambas sopranos de primera línea mundial, entregaron un lla-mativo despliegue artístico y didáctico. El éxito logrado aseguró la segunda edi-ción, nuevamente al cuidado de la pro-ductora y curadora María Julia Caama-ño, una melómana y gestora experta en música clásica, quien desde este año es además presidenta del Centro Cultural de Música.

Caamaño concibió este II Festival In-ternacional “La Escena Vocal” en clara continuidad con el primero, con una pro-gramación reducida, atractiva y abar-cable.

En el marco de Montevideo Capital Ibe-roamericana de la Cultura, 14 músicos de Argentina, Brasil, Estados Unidos, Rusia y Uruguay (nueve cantantes y cinco ins-trumentistas) ofrecerán, entre el sábado 3 y el domingo 11, cinco recitales, tres cla-ses magistrales y una gala lírica, todo en la Sala Verdi, con óptima acústica para esta propuesta de piano, voz y guitarra.

Cada recital incluirá canciones y arias de ópera reunidas con criterio temático. El espectador podrá leer las letras subti-tuladas y tendrá información sobre obras, autores e intérpretes en un completo pro-grama-librillo. Una gala final reunirá a to-dos los artistas e invitados especiales, en una antología de hitos de la ópera.

La soprano rusa Olga Makarina, una estrella mundial que ha cantado en el Metropolitan Opera House, el New York City Opera y el Lincoln Center, ofrecerá el viernes 9, junto a la pianista Carmen Ma-riño, el recital “Alma rusa”, con canciones de clásicos como Glinka, Dargomyzhs-ky (sobre textos de Pushkin), Korsakov, Chaikovsky y Rachmaninov. El sábado

10 a las 14 dará su clase magistral so-bre técnica vocal y por la noche cerrará la gala con piezas de Donizetti y Verdi.

De la lírica uruguaya estarán el bajo Ariel Cazes, últimamente lejos de los es-cenarios por su tarea como director artís-tico del Sodre; el tenor Gerardo Marandi-no, y los barítonos Alfonso Mujica y Darío Solari, de vasta presencia en Europa.

Tres cantantes argentinos con presen-cia internacional integrarán el plantel de esta segunda edición: la mezzo-soprano Virginia Correa Dupuy, el bajo Lucas De-bevec y la soprano Carla Filipcic Holm, de gran labor en la primera edición.

El contratenor brasileño José Lemos, formado en Uruguay y especializado en música barroca, cantará antiguas bala-das inglesas y portuguesas con el reco-nocido guitarrista uruguayo nacionaliza-do estadounidense Marco Sartor.

En el piano estarán las uruguayas Car-men Mariño y Carla Ferreira Romaniuk, la argentina María Cristina Piez y su com-patriota Fernando Pérez, quien luego de su notable tarea en la primera edición, abrirá el festival junto a Correa Dupuy el sábado 3 a las 20 h. y dará una clase magistral para pianistas acompañantes el domingo 4 a las 18.

La experiente mezzo-soprano Raquel Pierotti, hoy directora de la Escuela Na-cional de Canto Lírico, completa la grilla de clases magistrales, el martes 6 a las 20.

En el marco del festival se presentará el disco “En el aire conmovido” (Vivace), que reúne las mejores performances de la primera edición.

Todos los recitales serán a las 20 y la gala del domingo 11 a las 18. Las entra-das se venden en Red UTS, Red Pagos, Tienda Inglesa y en la sala (Soriano 914), a $ 150, $ 100 (Socio Espectacular), el abono para los cinco recitales $ 600 y las clases magistrales tienen entrada li-bre. El programa completo está en www.salaverdi.montevideo.gub.uy.

J. A.

“La Escena Vocal”, del 3 al 11 de agosto en Sala Verdi

Voz desnuda

Un parricidio cometido con un tenedor, la mayor tra-gedia de Sófocles, la obra cumbre de Truman Capo-te, la cárcel, la escritura de una obra teatral, San Mar-tín de Tours, la tecnología aplicada a la vigilancia y las comunicaciones en tiempo real, los mecanismos de re-cepción en las redes socia-les y el teatro, la decadencia del cine como medio. Todo eso se condensa en Tebas Land, obra inspirada en el mito de Edipo que el drama-turgo uruguayo Sergio Blan-co, radicado desde hace ca-si 20 años en París, desde donde proyecta su carrera a Europa, Latinoamérica y Japón, estrena mañana viernes 2 en la sala Zavala Muniz.

Un dramaturgo (Gustavo Saffores) escribe una his-toria sobre un hombre que mató a su padre y desarro-lla con un actor (Bruno Pe-reira) la posible pero muy compleja representación teatral del episodio. Esa es la síntesis de la pieza escrita por encargo para el Teatro San Martín de Buenos Ai-res, con la que Blanco vuel-ve a dirigir en Uruguay luego de casi una década. El au-tor de “Calibre 45”, “Kiev” y “Kassandra”, el director que a los 19 años ganó el Flo-

rencio Revelación en 1991 por su versión de “Ricardo III” en el Castillo del Parque Rodó, conversó con Bús-queda sobre su nueva obra, la relación del teatro con el “mundo de la mirada” y so-bre su concepto del cine co-mo un “sistema fascista”.

“El parricidio está en el ADN de la literatura y del tea-tro occidental. Además de ‘Edipo Rey’, que para Aristó-teles es la obra trágica mo-delo, está en el cuento ‘Un parricida’, de Maupassant, en Kafka, en Dostoievski, es el soporte de una gran parte de la escritura analíti-ca de Lacan y Freud, espe-cialmente en su prólogo de ‘Los hermanos Karamazov’. Es la metáfora que permi-te superar la ley paterna y regocijarse, lo cual es muy interesante para un creador, que está permanentemente trabajando contra las leyes que rigen el universo, para desobedecerlas”, afirma.

La creación de una obra teatral y el choque entre dos galaxias son asuntos cen-trales en esta pieza. El pro-tagonista es un dramaturgo que vive en París y se llama S., pero Blanco aclara que la obra no es autobiográfica: “Hay elementos míos, es-tá mi preocupación al cum-plir 40 años por la inexora-

ble cercanía de la muerte de mi padre, pero la obra no es una autobiografía. Uno trabaja con sus vísceras pe-ro S. no soy yo. Me interesó hacer colisionar esos dos mundos: el del asesino de su padre, encerrado en la

cárcel, y el del escritor que lo vampiriza. El encuentro en-tre dos personas siempre es fascinante de ver, con lo que implica de violento, de eró-tico, de disputa, de miedo; los mecanismos de atrac-ción, de distanciamiento y de separación; los víncu-los de poder, sometimiento, manipulación, humillación. El encuentro es el gran pro-blema de nuestra contem-poraneidad porque cada vez más nos movemos en

circuitos que anulan la po-sibilidad de encontrarnos. Las redes sociales virtua-les son extraordinarias, pe-ro suplen el encuentro real. En sistemas fantasmagóri-cos, enmascarados detrás de una pantalla, volvimos al gran baile de máscaras del siglo XVIII en Venecia”.

● El cine, un arte fas-cista. El espectáculo es filmado por cinco cámaras y el espectador puede ver esas proyecciones en tiem-po real en el escenario, más conexiones directas con las 32 cámaras del Solís, y en-laces en vivo con las cáma-ras de vigilancia de algunos centros penitenciarios uru-guayos. Además de los dos actores, el público accederá a un sistema de pantallas controlado desde el teatro por Miguel Grompone, que transmite lo que sucede en el escenario, dentro y fue-ra del teatro y dentro de las cárceles. El espectador es filmado permanentemente desde que entra hasta que sale. A su vez, reclusos y policías podrán presenciar el espectáculo desde las penitenciarías. “Queremos reflejar ese panóptico per-manente en el que vivimos y como la cárcel está en la ficción, quisimos que estu-viera también en el plano real”, explica.

Más en el plano filosófi-co que en el puramente ar-tístico, Blanco desarrolla su idea del encuentro y dispara munición gruesa. “El verda-dero frente a frente es fun-damental para el ser huma-no. Y el teatro es en cierta forma un encuentro en ese espacio de ‘convivio’ (con-cepto acuñado por el críti-co argentino Jorge Dubatti) entre la escena y la sala. El encuentro está en el ADN del teatro, palabra que vie-ne del griego teatron, que se traduce como ‘mirador’. Es el lugar donde se viene a mirar, donde se traza un eje de ida y vuelta entre el espectador y el escenario. Es la gran diferencia con el cine, que es un arte fascista, un arte asimétrico que im-pone imágenes a la mirada y somete al ojo a imágenes dadas, sin permitirle elegir”.

Puede sonar exagerada, tremendista y hasta teme-raria la acusación al respon-sable de prodigios como “El ciudadano”, “El Padrino” y “2001, odisea del espacio”. ¿Por qué fascista? es la re-pregunta obvia a esa pro-vocación a la patria cinéfila. Blanco reconoce la bendi-ción de conocer a Bergman, pero arremete: “Creo que el fascismo no impide decir algo sino que obliga a decir algo. El cine te obliga a mi-rar. No te permite un campo visual donde tú puedas op-tar con tu mirada. En el cine el montaje te presenta y te corta imágenes. Se detie-ne y se acelera la imagen, y todos vemos lo mismo, es-temos donde estemos. Fas-cismo puro. Sin embargo en el teatro el espectador de-cide dónde y cómo mirar y maneja los tiempos y la ve-locidad de su mirada. El es-pectador hace el montaje.

Y cada mirada es distinta. Kafka decía algo bellísimo: ‘El cine es el uniforme para el ojo’”.

● Imagen vs mirada. “El cine está muriendo”, profe-tiza Blanco. No solo alude al circuito de proyección, “desesperado porque la gente vaya a ver siempre las mismas historias”, sino al medio expresivo. “Admi-ro profundamente a Pasoli-ni, Bergman, Fellini, Welles, la nouvelle vague y el cine americano de la posguerra. Pero eso no me impide ver que ese sistema discursi-vo no funciona más. El cine fue algo típico del siglo XX, que es el siglo de la imagen y de los totalitarismos: del fascismo, del nazismo, del estalinismo y del capitalis-mo a ultranza. El cine es un paréntesis en el siglo de los horrores: de Auschwitz, de los Gulag soviéticos, de las dictaduras latinoamerica-nas, de llevar el capitalismo a la explotación del hombre por el hombre”.

Por el contrario, sostiene que el siglo XXI “es el siglo de la mirada, muy distinta a la imagen, y por eso mismo creo que el cine está con-denado a morir”. “Hoy las redes son de ida y vuelta,

las aplicaciones satelitales como los GPS, los sistemas endoscópicos que nos mi-ran por dentro. Somos mi-rados permanentemente. El Solís tiene 32 cámaras internas de control, un ciu-dadano europeo es obser-vado por cámaras unos 15 minutos por día. Y creo que si el arte de la imagen es el cine, el arte de la mirada es el teatro”.

Asegura que con su juicio no se posiciona sobre si el cine es bueno o malo. “No es un juicio moral. Planteo que en el siglo XXI el cine pasa a ser un sistema ob-soleto de manifestación de discursos porque utiliza me-canismos de recepción que no funcionan más porque en el mundo de la mirada funciona lo que puede ser mirado en un juego de ida y vuelta, sabiendo que yo es-toy mirando a quien me está mirando y que está siendo visto. Eso el cine no lo per-mite”.

Serán nueve únicas fun-ciones, los viernes y sába-dos a las 21 h. y los domin-gos a las 19, en la Zavala Muniz, entre el viernes 2 y el domingo 18, con entradas a $ 300, en venta en Red UTS.

Javier Alfonso

“Tebas Land”, escrita y dirigida por Sergio Blanco, del 2 al 18 de agosto en la Zavala Muniz

Jinete apocalíptico del celuloide

Sergio Blanco

Semanario Caras y caretasSeptiembre


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Theater’s Land

Tebas Land, escrita y dirigida por Sergio Blanco. Con Bruno Pereyra y Gustavo Saffores. En Teatro Zavala Muniz, los sábados a las 21:00 y los domingos a las 19 horas.

Tebas Land fue escrita en 2012 por Sergio Blanco “especialmente” para el Teatro San Martín de Buenos Aires y es una producción de COMPLOT, explica el sitio del Teatro Solis. La organiza el topos del parricidio en una aparente doble clave: literaria -Maupassant, Dostoievsky, Sófocles y, uno de sus mejores exegetas, Freud- y (apócrifamente) testimonial -el expediente jurídico “imaginario” y las conversaciones, por consiguiente ficticias, con el joven que cumple la pena descrita y fotografiada en dicho documento. Antes de pisar el teatro Zavala Muniz, comprar la entrada y darla al acomo-dador, el espectador fue informado, entonces, de los referentes cultos del texto, pero también de su artificio y, en última instancia, de la exhibición imperiosa de ese artificio. Todo va a ser, se promete, una operación literaria.

La entrada en la sala descubre las formas espaciales y polivalentes que toma dicha operación: en escena Bruno Pereyra y Gustavo Saffores esperan al público, plácidamente recluidos en una estructura metálica, celda/cancha de básquetbol diseñada por Laura Leifert y Sebastián Marrero, mientras suena en loop, perseverando hasta que se acomoda todo el público, la martirizante “Amada amante” de Roberto Carlos. La salida del recinto férreo, por parte de Saffores, y la explicación de las premisas oficia de segundo comienzo: él es un dramaturgo que fue invitado por el Teatro San Martín para escribir y dirigir una pieza y, tras un intento fallido, propuso (re)presentar en el mismo teatro las entrevistas a un parricida verdadero (la escena, a diferencia del sitio del Solis, evita la denuncia de su propia ficción). El monólogo inicial coloca al espectador ante un juego autobiográfico que se expande por todo el texto en diferentes modalidades: Saffores, se establece, será llamado S. siguiendo a los personajes de Kafka, y es una S. que funciona con referencias múltiples: es un poco el mismo “S”ergio (Blanco), un poco “S”igmund (Freud) y, un poco “S”ófocles y, seguramente, un poco el mismo “S”affores. Altas dosis de autorreferencialidad, entonces, y otras tantas de metateatralidad. Mientras Saffores encarna, con mucha solvencia, en su dramaturgo al centro de referencias mixtas, Pereyra se desdobla para ser, a un tiempo, el parricida imaginado y el actor que lo representa.

Y de un espectáculo que ofrece dos actuaciones impecables, dirigidas por el mismo Blanco, maneja con elegancia los pasajes de un nivel de ficción a otro, desmigaja y masca las motivaciones primeras y últimas del parricidio transitando ágilmente de lo simbólico a lo concreto y logrando un nivel de empatía que trasciende inclusive, su construcción abier-tamente artificiosa, y, en última instancia, termina por transfigurar en red de salvataje la red de la cancha-celda del comienzo, impacta la construcción lindante con lo maniqueo de sus personajes. Un dramaturgo y director sofisticado y culto que parece instruir a los demás personajes, más que interactuar con ellos; un asesino marginal e ignorante, pero potencialmente inteligente -si guiado y legitimado por el primero- cuya historia de vida (el abuso físico y verbal de su padre) puede sólo generar la empatía exaltada del espectador; un actor que no es, por supuesto, el Pereyra real (ni la rep-resentación de un Pereyra ficcional), sino la versión casta, iletrada, hacendosa y en ocasiones casi estúpida, de un actor en sus primeras armas que “asimila” las lecciones de escena y de vida del director. Y aunque se pueda objetar que toda descripción de los personajes es reductiva, e inclusive tendenciosa, y que lo que acabo de hacer es condensar la hora y media que dura el espectáculo en una lista subjetiva de calificativos y acciones, la operación misma de Tebas Land, por su condición eminentemente “meta” instala, de manera urgente, ciertas preguntas:

¿Qué discurso se genera desde la escena sobre las dinámicas de construcción del mismo espectáculo y, por extensión, de la maquinaria teatral en su conjunto? ¿Qué relaciones se pretende instalar entre la ficción y la realidad desde el teatro?¿Cuál es el rol de figuras tan cuestionadas hoy como el dramaturgo y el director? ¿Qué imagen forja Te-bas Land del actor y cuál es la que éste tiene a los ojos de la comunidad? Detrás del hoy casi obligado recurso a la metateatralidad siempre se esconden -o se exhiben- programas, discursos, prioridades. Tebas Land exige al espectador ponderar y contestarse algunas de estas preguntas.

Georgina Torello – La Diaria (Montevideo)

Georgina TorelloSemanario La Diaria1 de agosto


012

GUIA PER A LA IDENTIFICACIÓ I ORGANITZACIÓ D’ESPECTACLES


013

VENDA PREFERENT

VENDA ANTICIPADA A PARTIR DEL 12 DE SETEMBRE

AVANTATGES I DESCOMPTES


014

Els mitjans oficials:

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