EL ELOGIO DE LA SOMBRA - ebuah.uah.es

El elogio de la sombra. Luces y sombras a través de la historia del arte

III

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EL ELOGIO DE LA SOMBRA LUCES Y SOMBRAS A TRAVÉS DE LA HISTORIA DEL ARTE

TRABAJO FIN DE MASTER

Máster Universitario en Formación del Profesorado de ESO, Bachillerato,

Formación Profesional y Enseñanza de Idiomas

Especialidad Artes Plásticas y Visuales.

Presentado por:

Dª Mónica González Gutiérrez

Dirigido por:

Dra. Dª María Carmen Alcaide Spirito

Alcalá de Henares, a 17 de Junio de 2019


IV


V

DEVENIR DE LUZ Y SOMBRA

Hay momentos en que la luz te invade,

te transporta en sus alas y te lleva

hacia las latitudes donde habitan los sueños.

Y mientras esa luz efímera te habita,

se configura todo en ti de modo nuevo,

porque en lo hondo la vida te susurra

su más bella salmodia.

Mas ¡ay! también la oscuridad es arrendataria

del corazón humano y viene a importunarlo;

lo aprisiona en su tela de araña,

lo conduce al lugar

donde reina la densa tiniebla,

lo confina, le ciega ventanas y puertas.

Y en este devenir,

en este alternativo acontecer

de luces y de sombras

de pesadumbre y gozo,

se teje el entramado de las vicisitudes,

donde la incertidumbre del futuro se apacienta.

(Rodríguez de Vera, I. 2007. Luces y sombras).


VI

RESUMEN

El elogio de la sombra, luces y sombras a través de la historia del arte. Es un trabajo de

investigación cualitativa llevada a cabo a través de una metodología teórica la cual

emplea un método histórico, que tiene su origen en el análisis del ensayo “El elogio de

la sombra” del autor japonés Junichiro Tanizaki (1933).

En este libro el escritor recapacita sobre la idea de identidad cultural, asociada al

concepto de sombra. Esta reflexión abre muchos interrogantes y relaciona muchos

conceptos y contenidos. La primera parte del trabajo de investigación analiza y

relaciona cada aspecto que trata Tanizaki en su libro.

La segunda parte del trabajo de investigación continua con la metodología teórica,

realizando un recorrido histórico que explique el concepto luz y sombra y su

significación a lo largo de la historia del arte y desde el punto de vista pictórico.

La investigación culmina con una propuesta educativa llevada a cabo durante el

periodo de prácticas en el Colegio Internacional J.H. Newman por los alumnos del

bachillerato artístico.

PALABRAS CLAVE.

Luz. Sombra. Identidad. Cultura. Historia del Arte.


VII

ABSTRACT

In Praise of Shadows, lights and shadows throughout the history of art. It is a

qualitative research carried out through a theoretical methodology that uses a

historical method, which has its origin in the analysis of the essay "In Praise of

Shadows" by the Japanese author Junichiro Tanizaki (1933).

In this book, the writer deals with the idea of the cultural identity associated with the

concept of shadow. This reflection opens many questions and connects many concepts

and contents. The first part of the research analyzes and relates every aspect that

Tanizaki deals with in his book.

The second part of the research continues with the theoretical methodology. This is

the realization of a historical tour that explores the concept of light and shadow and its

meaning throughout the history of art from a pictorial point of view.

The research ends with an educational proposal for the students of the High School for

the Arts, which was carried out during my internship at J. H. Newman College

International.

KEY WORDS

Light. Shadow. Identity. Culture. History of Art.


VIII

ÍNDICE

1 INTRODUCCIÓN .................................................................................... 1

1.1 Tema .............................................................................................. 1

1.2 Motivación, alcances y límites ........................................................ 2

1.3 Objetivos ........................................................................................ 4

1.3.1 Objetivo general de investigación ............................................ 4

1.4 Metodología ................................................................................... 4

2 TEORÍA DE LA LUZ ................................................................................ 6

2.1 Qué es la luz ................................................................................... 6

2.2 Comportamientos de la luz ............................................................ 6

2.3 Tipos de luz .................................................................................... 7

2.4 Dirección de la luz .......................................................................... 7

2.5 Calidad e intensidad ....................................................................... 7

2.6 Mapa de iluminación ...................................................................... 8

2.7 Cómo se producen las sombras ...................................................... 8

3 MARCO TEÓRICO ................................................................................. 9

3.1 Introducción ................................................................................... 9

3.2 Análisis del ensayo El elogio de la sombra .................................... 12

3.3 Orígenes históricos artísticos de la luz y de la sombra, analizados

desde el punto de vista pictórico .................................................. 22

3.4 La luz y la sombra en el panorama artístico actual ....................... 30

4 PROYECTO EDUCATIVO ...................................................................... 36

4.1 Contenido ..................................................................................... 36

4.1.1 Tema, área y materia del proyecto educativo ........................ 36

4.2 Nivel educativo ............................................................................. 37

4.3 Fundamentación .......................................................................... 37

4.4 Criterios educativos y didácticos del centro ................................. 37

4.5 Resumen ...................................................................................... 39


IX

4.6 Justificación .................................................................................. 40

4.7 Competencias ............................................................................... 41

4.8 Objetivos ...................................................................................... 42

4.8.1 Objetivos generales de etapa ................................................. 42

4.8.2 Objetivos específicos ............................................................. 43

4.9 Motivación ................................................................................... 43

4.10 Contenidos a desarrollar .............................................................. 44

4.11 Actividades a desarrollar .............................................................. 44

4.12 Procesos de evaluación ................................................................ 45

5 CONCLUSIÓN ...................................................................................... 47

6 REFERENCIAS ..................................................................................... 50

6.1 Bibliografía ................................................................................... 50

6.2 Sitios WEB .................................................................................... 51

7 ANEXOS .............................................................................................. 52


X


1

1 INTRODUCCIÓN

1.1 Tema

La primera acción lógica a la hora de afrontar un trabajo de investigación es la elección

de un tema de interés. Es importante que la propuesta elegida sea atractiva para el

alumno que realiza el trabajo y desde luego, para el tribunal que lo corrige.

Se tuvieron en cuenta cuatro reglas para la elección del tema, que cita Umberto Eco

(2003) en su libro, Cómo se hace una tesis. Parece que son reglas banales pero se

considera que de fundamentales deben de ser tenidas en cuenta. El autor describe que

la primera regla es que el tema debe de corresponder con los intereses del estudiante.

Es importante también que las fuentes sean asequibles, refiriéndose de nuevo a las

fuentes, estas deben de ser manejables, es decir, accesibles a la capacidad cultural del

alumno que realiza el trabajo y por último, que el cuadro metodológico de la

investigación esté a la altura de la experiencia de doctorando. Eco, U. 2003. (p.23)

En definitiva, se tiene que abordar un tema, el cual uno sienta que está capacitado de

afrontar con cierto éxito, o que le agrade y se sienta cómodo o que le aporte desde

luego, cierto interés.

La elección del tema del presente trabajo, derivó de la necesidad de elaborar una

propuesta educativa a desarrollar con el alumnado de bachillerato artístico, para la

asignatura de dibujo artístico. Este hecho se produjo durante la etapa en prácticas en

el Colegio Internacional J.H. Newman. Los estudiantes del colegio donde se hizo el

Practicum están acostumbrados a trabajar por proyectos, así que, aparte de

desarrollar una propuesta atractiva, había que sentar una buena base docente, para

que los alumnos pudieran tener herramientas a la hora de afrontar sus proyectos

personales.

El elogio de la sombra es un ensayo cómodo de leer, ameno y entretenido. Se pensó

que podía ser una buena fuente de recursos temáticos, aprovechables por los

alumnos. Primero, es un libro que habla sobre una cultura distinta a la occidental,

razón por la cual puede llamar la atención sobre el alumnado y otra razón importante


2

es que abarca un amplio abanico de temas, que puede facilitar la elaboración de un

proyecto interesante por parte del alumnado. Se completó la clase didáctica con un

referente teórico, donde se explica cómo ha influido y cómo los artistas han sabido

manejar, el concepto luz y sombra para poder expresar un lenguaje acorde a su época

y a sus necesidades expresivas, desde el punto de vista pictórico.

1.2 Motivación, alcances y límites

La idea primigenia o el germen del marco teórico de este trabajo de investigación,

parte de la lectura de un breve ensayo, escrito por el autor japonés Junichiro Tanizaki

(1886-1965) en el año 1933.

En el libro, el autor trata múltiples aspectos pero todos se centran en un concepto

primordial, que es la identidad de una cultura, la japonesa. El año de edición del libro-

ensayo es clave, porque es el momento en el cual Japón comienza un proceso de

occidentalización, adoptando costumbres nuevas para olvidar otras ancestrales.

Se puede decir sin lugar a duda, que la gran protagonista del libro de Junichiro Tanizaki

es la sombra, sutil y elegante como la cultura japonesa. Encontramos el opuesto en la

cultura occidental, donde es la luz la que tiene un significado positivo frente a la

sombra. Desde luego, la luz y la sombra tienen distintas connotaciones y es en este

término donde nace el tema de la presente investigación. Por tanto, este es un trabajo

que pretende profundizar en el concepto claro y oscuro, luz y sombra, basado en el

ensayo del escritor japonés Junichiro Tanizaki, desde el punto de vista físico, metafísico

y psicológico, incidiendo en el plano artístico.

El reto de este trabajo tiene su origen en la investigación de la importancia, tanto del

uso como de la interpretación de la luz y la sombra a lo largo de la historia del arte, en

diferentes culturas y por diferentes artistas plásticos, desde el punto de vista pictórico.

Se tratará de dar respuesta a porqué el término luz y sombra tiene connotaciones

opuestas, dependiendo de las épocas y como se acuñan significados distintos,

obedeciendo a la cultura y costumbres que se esté examinando. Es interesante

descubrir como el concepto luz, es protagonista en todas las culturas y civilizaciones

occidentales como uno de los símbolos más importantes, de hecho el simbolismo y el


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dominio de la luz y la sombra ha generado por una parte mucho saber y por otra parte

ilusión y magia.

Al igual que el punto, la línea y el plano son elementos básicos que configuran una

obra artística. La luz y la sombra, son fundamentos indispensables si queremos aludir a

alguna característica artística. Este es otro punto de interés que suscitó la elaboración

de este proyecto, hecho por una estudiante de Máster de formación del profesorado

cuya especialidad son artes plásticas y visuales. Se consideró un tema de investigación

muy rico que puede revertir positivamente tanto en la propia formación del futuro

docente como en el alumnado, a la hora de desarrollar una propuesta educativa, la

cual tuvo lugar durante el periodo de prácticas en el Colegio Internacional

J.H.Newman.

Lo más atractivo del proceso teórico de investigación que se ha llevado a cabo, es

tener la sensación de que un punto lleva a otro. Uno tiene la impresión de estar

tejiendo un trabajo con hilo que nunca se acaba, como la paciente Penélope en la

Odisea de Homero. El concepto luz y sombra está tan intrínseco en nuestra cultura y

nuestro modo de hacer que no nos damos cuenta del inmenso temario y materias que

abarca.

El inicio de la investigación, se centró en el análisis del ensayo El elogio de la sombra

para continuar con el estudio de la luz y la sombra a lo la historia del arte, pero un hilo

lleva a otro y te das cuenta de cómo influye en otros campos como la estética,

decoración, comic, la literatura e indiscutiblemente en el séptimo arte, es decir, el

cine. El principal límite a tener en cuenta en la realización de esta investigación tiene

mucho que ver con el alcance del tema.

Una propuesta que parte de un concepto tan rico te propone el reto de cribar mucha

información para poder centrar el tema de investigación en un punto. Es este aspecto

quizás la peor parte, ya que todas las vías de investigación resultan muy interesantes y

te abren a conocimientos y relaciona conceptos que realmente resultan atrayentes y

es fácil perderse y desviarse del guión planteado a la hora de desarrollar el presente

trabajo de investigación.


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1.3 Objetivos

1.3.1 Objetivo general de investigación

Diseñar una propuesta educativa, rica, interesante y motivadora para desarrollar con

alumnos de bachillerato artístico, durante el periodo de prácticas realizado en el

Colegio Internacional J.H. Newman en el año 2019.

Los siguientes objetivos específicos pretenden facilitar el logro de este objetivo

general.

o Analizar los diferentes aspectos que se tratan en el ensayo El elogio de la

sombra.

o Comprender el significado tan contrario que se le da al concepto luz y sombra,

en la cultura oriental y en la occidental.

o Buscar nexos y puntos en común entre la cultura oriental y la occidental.

o Estudiar cómo ha influido en la cultura occidental el dominio de la luz y la

sombra desde el origen.

o Analizar el desarrollo y significación de la luz y la sombra a lo largo de la historia

del arte en la cultura occidental desde el marco pictórico.

o Desarrollar una propuesta educativa interesante.

1.4 Metodología

El método de investigación empleado para poder dar respuestas a las preguntas

formuladas en este trabajo fin de máster, se basa en un estudio cualitativo de carácter

teórico. Para ello se emplea un método histórico de análisis documental, que consiste

en recopilar información objetiva de hechos pasados y presentes, usando fuentes de

información primaria o secundaria. El análisis documental, pretende recopilar y

organizar todos los datos de interés, de esta manera, se establece un acercamiento y

un mayor enfoque de toda la información recogida a través de las diversas fuentes

consultadas.

El objetivo de la investigación cualitativa es comprender y analizar lo ya estudiado por

otros investigadores, con el fin de indagar y tener una visión más amplia del objeto de


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estudio, que en este caso se trata de explicar el concepto luz y sombra a través de la

visión de Tanizaki y a lo largo de la historia del arte desde el enfoque pictórico.

El fin último de este proceso es conseguir dar sentido y respuesta a las preguntas que

se plantean en el presente trabajo de fin de máster. Es decir, la orientación que toma

este proceso cualitativo de recopilar información, está asociado a la obtención de

conclusiones.

Estas conclusiones, no se manipulan de ninguna forma, se observan, se describen y se

comparan entre ellas. Por lo tanto, se puede decir que se emplea un método

descriptivo basado en datos teórico históricos. Se analizan datos ya acontecidos

recurriendo a fuentes históricas o documentales.

Se elige realizar un trabajo basado en temas histórico-teóricos, por un interés

intelectual de cultivar una materia que tiene mucho provecho para una futura carrera

docente, aparte de una satisfacción personal de acercamiento a un tema que cada vez

suscita mayor interés para esta estudiante.

Espero que este proyecto resulte al lector tan interesante como ha sido el hecho de

elaborarlo.

Lo bello no es una sustancia en sí, sino un juego de claroscuros producido por la

yuxtaposición de las diferentes sustancias que van formando el juego sutil de las

modulaciones de la sombra. (Tanizaki, J. 2005. p. 69).


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2 TEORÍA DE LA LUZ

2.1 Qué es la luz

Se denomina luz, a aquel tipo de radiación electromagnética cuya característica

principal es que permite la visión en el ser humano. Se llama por tanto luz visible y

viaja por el espacio a una velocidad de 300.000km/s.

La luz solar formada por un conjunto de ondas electromagnéticas, se pueden separar

utilizando un pentaprisma óptico. Cada color corresponde a una longitud de onda, que

es el resultado de señales transmitidas al cerebro por los conos y bastones situados en

la retina.

Longitud de onda (nm).

Violetas: 380 – 436. Amarillo: 566 – 589.

Azul: 436 – 495. Naranja: 589 – 627.

Verde: 495 – 566. Rojo: 627 – 770.

La luz en un medio homogéneo se propaga en línea recta.

2.2 Comportamientos de la luz

La luz no puede pasar a través de un cuerpo opaco, sólo puede atravesar un medio

traslucido. Los comportamientos de la luz atienden a la reflexión, refracción y

absorción.

Reflexión. La reflexión puede darse por dos factores. Especular, que es cuando la luz

choca con una superficie pulimentada y como consecuencia los rayos rebotan

paralelamente, como en el caso del espejo. La reflexión se considera difusa, cuando los

rayos se reflejan en distintas direcciones.

Absorción. Consiste en la capacidad que tiene un cuerpo de absorber la luz,

produciendo en consecuencia el color, el tono y la textura. Es importante señalar que

la reflexión al 100% no existe, dado que un objeto siempre absorbe algo de luz. El color

blanco refleja el 95% y el negro el 1% de luz.


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Si un objeto absorbe las radiaciones azules, reflejara el amarillo (verde y azul). Si

absorbe las radiaciones verdes, reflejará el magenta (azul y rojo). Si absorbe las

radiaciones rojas, reflejará cian (verde y azul).

Refracción. Cuando la luz, pasa de un medio transparente a otro que tiene distinta

densidad, se produce un cambio en su dirección, debido a la distinta velocidad de

propagación que tiene la luz en los diferentes medios materiales.

2.3 Tipos de luz

Un hecho muy importante a la hora de percibir los objetos, es determinar qué tipo de

luz los ilumina. La luz sitúa los objetos en el espacio y hace visible su forma.

Según la fuente, la luz puede ser natural, que es la iluminación que nos llega a través

del Sol. Es una luz cambiante, dependiendo de la hora del día y de la situación

atmosférica.

Otra fuente de iluminación es la luz artificial, que se puede modificar a nuestro gusto,

cambiando la dirección, temperatura, color o intensidad.

2.4 Dirección de la luz

Comprende la dirección del foco de luz respecto al objeto, de este modo puede ser.

o Luz frontal: El foco de luz se sitúa delante del objeto. Como consecuencia la

figura queda plana, sin apenas contrastes de luz y sombra.

o Luz lateral: El foco se coloca a un lado del objeto. Aumenta la sensación de

volumen porque consigue grandes contrastes.

o Contraluz: El foco está detrás del motivo. La figura queda en sombra en

contraste con los contornos exteriores muy definidos.

o Luz cenital: Sitúa el foco de luz arriba del objeto. Se crea un efecto de

deformación del objeto.

2.5 Calidad e intensidad

Obedece al tamaño y potencia de la fuente luminosa. Puede ser luz dura, cuando el

foco es de gran intensidad y por consiguiente la sombra será muy oscura y recortada.

La luz blanda es la que procede de una fuente más extensa como puede ser un día

nublado, es una luz más tamizada que ofrece una sombra muy difuminada.


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2.6 Mapa de iluminación

o La luz principal. Cuarzo o fresnel. Luz dura. Menor intensidad que la de contra.

Es la que envuelve la escena. Se puede colocar delante de la escena en

diagonal.

o Luz de relleno. Photoflood. Luz suave de relleno. Menor intensidad que la luz

principal.

o Stiko. Pantalla blanca, plateada o dorada. Poliespan, sábana blanca, etc.

Ventana. Paraguas.

o Luz de contra. Cuarzo o spot. Mayor intensidad que la principal, separa el fondo

del sujeto o motivo. Se dirige hacia la escena.

o Luz de fondo. Tungsteno o cuarzo. Se proyecta contra la pared o con dirección

al fondo. La intensidad suele ser variable.

o Luz de color. Tungsteno o cuarzo. Luz con el color que se desee resaltar.

2.7 Cómo se producen las sombras

La luz cuando choca contra un objeto opaco, al quedar obstaculizada produce detrás

de este una zona de oscuridad. Si el ángulo que forma la dirección de la luz con el

objeto es mayor, el resultado es una sombra alargada y como consecuencia si el ángulo

de luz es menor la sombra es más corta.

La sombra es una carencia de luz y sólo la resistencia de los cuerpos opacos que

impiden los rayos de luz. Por su naturaleza, la sombra pertenece a la oscuridad,

mientras que la luz, por su naturaleza, pertenece a la luminosidad. La una

esconde, la otra revela. Siempre están juntos sobre los cuerpos; y la sombra tiene

más poder que la luz. (Da Vinchi, L. citado en Castillo, I. J. 2005)


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3 MARCO TEÓRICO

El fin de la jornada.

Bajo una pálida luz

Corre, danza y se retuerce enloquecida

La Vida, impúdica y vocinglera.

Así, tan pronto como en el horizonte

Sube la noche voluptuosa,

Calmándolo todo, incluso el hambre,

Borrándolo todo, incluso la vergüenza,

El poeta dice: “¡Por fin!”;

Mi espíritu, como mis vertebras,

Invoca ardientemente el descanso;

Con el corazón lleno de fúnebres sueños,

Voy a acostarme boca arriba Y a envolverme en vuestros cortinajes, ¡Oh refrescantes tinieblas!

(Baudelaire, C. 1998 p.226)

3.1 Introducción

En la cultura occidental cuando cae la noche y se llena todo de oscuridad, el sentido de

la vista es sustituido por la imaginación, que nos lleva a un mundo inseguro e incierto

donde habitan seres fantasmagóricos. Desde la antigua Grecia se extiende esta

dimensión simbólica de la noche. Es precisamente Nix, la diosa de la nocturnidad la

que engendra a los dioses que encarnan el engaño, la vejez, el dolor, los sueños, la

discordia, la muerte, etc. Es decir todo lo negativo y misterioso que existe en el mundo

tiene como origen lo nocturno, la oscuridad y la sombra.

Platón para explicar la alegoría de la Caverna en el libro La República, también utilizó el

concepto luz y sombra, referido a la situación en la que se encuentra el individuo

respecto del conocimiento. Platón nos habla metafóricamente de la sombra que

representa el engaño, lo falso, el mundo irreal… y la luz, en este sentido, se asocia a la

idea del conocimiento y la verdad.


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Platón reflexiona sobre unos hombres que desde su nacimiento se encuentran atados

en el interior de una cueva, no conocen el exterior puesto que su situación ha sido

siempre de esclavos y tampoco tienen la opción de mirar hacia atrás. Detrás de ellos

hay una hoguera y entre los encadenados y la hoguera hay un muro que representa el

término engaño. Entre el muro y la hoguera, se sitúan personas que portan objetos y

que al sobresalir del muro, la sombra de los objetos se proyecta sobre la pared situada

en frente a los hombres encadenados. Los esclavos adoptan como realidad las sombras

proyectadas. Platón señala, que si un esclavo lograra soltarse, al mirar hacia la hoguera

la luz de esta le deslumbraría y al ver borroso le resultaría todo irreal, y va más allá,

señalando que si consiguiera este esclavo salir de la cueva, la luz del Sol aun le

molestaría más y como consecuencia querría volver a la oscuridad de la cueva, es decir

al mundo irreal de la sombras. (Triglia, A. 2019).

Desde la tradición cristiana, la simbología de la sombra está asociada a la idea del mal

y a la figura de Lucifer, cuyo sinónimo se encuentra en la palabra lucero y que

literalmente significa el que porta la luz. Lucifer personifica la luz que cae a las tinieblas

y engendra el mal, convirtiéndose en Satanás o el adversario de Dios.

Cuando según el Génesis, Dios crea el cielo y la tierra, lo que reinaba en el mundo era

el caos y la confusión, es decir, la oscuridad. Así Dios lo primero que hace es poner

orden y crear la luz y con ella el día y la noche.

En el principio creó Dios los cielos y la tierra. La tierra era caos y confusión y

oscuridad por encima del abismo, y un viento de Dios aleteaba por encima de la

aguas. Dijo Dios: <<Haya luz>>, y hubo luz. Vio Dios que la luz estaba bien, y

apartó Dios la luz de la oscuridad; y llamó Dios a la luz <<día>>, y a la oscuridad

la llamó <<noche>>. Y atardeció y amaneció: día primero. (Gn 1- 1,6)

La sombra se representa o se asocia con el color negro, tono que se relaciona con la

soledad, la tristeza, el silencio, la oscuridad, el infinito, la negación, lo misterioso, el

duelo, la mala suerte, el mal y la muerte. En la tradición española es el color de los

ritos funerarios, evidencia el duelo, el luto y la perdida. El negro también alude a la

irracionalidad. En el Siglo de las Luces por ejemplo, la luz simboliza la razón. La

Ilustración como movimiento cultural e intelectual tiene la misión de alumbrar la


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sombra irracional y disipar la tiniebla que abarca conceptos como la locura y la

ignorancia del ser humano. La luz, representaba la metáfora del conocimiento. Todo

conocimiento se apoyaba en los sentidos, la vista era considerado el principal y la

observación, por tanto la principal característica del ser humano.

La connotación que tiene el color blanco en la cultura occidental es completamente

opuesta al significado del color negro. El blanco simboliza la pureza. En países asiáticos

como la India es el color del luto y el color con que visten los líderes espirituales.

Representa la vida contemplativa. La muerte está asociada a la creencia de una

reencarnación del espíritu, por lo que al no considerarse como perdida, ya que es el

inicio de otra vida, no se tiñe de negro, no es un hecho dramático.

En la cultura oriental la sombra tiene un efecto totalmente contrario, representa la

belleza, la sutileza y la elegancia. El espacio se vacía para que la sombra pueda habitar

libremente por las estancias. Las mujeres se visten de oscuridad para poder formar

parte de la sombra que habita en las salas e incluso la gastronomía oriental alude a la

sombra con sus vajillas de lacas oscuras, donde reposa la sopa de miso, que parece

estar hecha de sombra también.

El elogio de la sombra, luces y sombras a través de la historia del arte, es un proyecto

de investigación que surge con la finalidad de ahondar en un tema que resulta

fascinante y que abarca muchos conceptos. El marco teórico del presente trabajo de

investigación, consta de una primera parte que consiste en el estudio de la luz y la

sombra a través de la cultura oriental, de la mano del escritor Junichiro Tanizaki,

analizando todos los conceptos y líneas temáticas que describe el escritor. La segunda

parte, resuelve la pregunta de, ¿cómo se representa la luz y la sombra en la cultura

occidental? Desde el origen de la humanidad y desde el punto de vista artístico. Este

aspecto se centra en la investigación cualitativa empleando un método teórico

histórico.


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3.2 Análisis del ensayo El elogio de la sombra

Este ensayo fue escrito en el año 1933, por Junichiro Tanizaki (1886-1965). Prestigioso

escritor japonés candidato al Nobel de literatura en multitud de ocasiones. El escritor

es conocedor de la literatura occidental y se deja influenciar por esta, por lo que se le

considera un nexo para el entendimiento mutuo entre las dos ideologías, la oriental y

la occidental. En 1922 se traslada a la región de Kansai, donde descubre la cultura

clásica y la belleza del Japón premoderno, es quizás este viaje lo que motiva la creación

del ensayo El elogio de la sombra, principal marco de investigación de este trabajo.

Japón por su condición de isla, siempre fue una nación aislada del resto del mundo,

pero a finales del s.XIX decide modernizarse y adoptar influencias occidentales,

precisamente para poder combatir amenazas de dominio. El autor conociendo la gran

influencia que estaban ejerciendo las innovaciones y los nuevos tiempos procedentes

de occidente en su país, hace un relato a veces melancólico y otras irónico,

describiendo la importancia de la sombra como seña de identidad dentro de la cultura

oriental, frente a la luz que impera en Occidente.

Occidente prefiere lo luminosos, lo pulido, lo resplandeciente sin manchas, lo

rectilíneo y armonioso. Sin embargo en Japón, su cultura y tradición, es decir, su

identidad, gira en torno al poder sugestivo de la sombra, lo asimétrico, la penumbra, la

opacidad, el espacio vacío y la pátina en los objetos. El elogio de la sombra, describe la

esencia de la belleza que se encuentra en la pátina que deja el paso del tiempo y

confiere elegancia y solemnidad. Nos hace ver la importancia del espacio vacío ausente

de ornamentación, un espacio diáfano para que la sombra pueda jugar y moverse

libremente.

Tanizaki, con su ensayo hace un repaso por diferentes disciplinas y aspectos estéticos

como la arquitectura, el diseño, la gastronomía o el teatro para adentrarnos en el sutil

y elegante mundo de la sombra.

En la primera parte del libro, el autor reflexiona sobre todos los aspectos importantes

a tener en cuenta a la hora de construir una casa japonesa tradicional, que es su

situación real, ya que en el momento de la redacción del ensayo, Tanizaki se estaba


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erigiendo una casa. El autor cuestiona la dualidad entre la tradición representada

como la belleza, armonía y buen gusto en contraste con la modernidad que viene de

occidente y trae el confort y la comodidad. Como ejemplo, se describen los cuartos de

baño tradicionales japoneses, que estaban ubicados fuera de la casa, rodeados de un

entorno natural que conferían al hecho fisiológico cierto halo poético pero también al

estar a la intemperie, Tanizaki con cierto humor comenta que la belleza también puede

resultar fría.

Para entender el juego de luz y sombra que se produce dentro de las casa japonesas, el

autor nos habla de los Shoji, que son puertas de interior y también de exterior en las

casas tradicionales japonesas, construidas mediante un soporte de madera que

alberga una lámina de papel washi. Este tipo de papel se hace a mano de manera

tradicional, partiendo de plantas locales así como de granos de cereal como el arroz, el

cáñamo, el bambú o el trigo. Es un papel que aparentemente parece delicado y frágil,

pero tiene una gran resistencia y su vida útil es muy dilatada porque está constituido

por largas fibras que le aportan una gran durabilidad, además se mantiene estable y no

amarillea. Lo interesante y por tanto, la principal característica, es que viste a la

estancia de una luz tenue muy poética. Es ese mismo papel con el que están fabricados

los farolillos y las lámparas, que iluminan de forma muy sutil las habitaciones.

Desde el otro lado del mundo, como se explica en el libro, La casa historia de una idea

de Rybczynski, W. (2006), la sociedad occidental desde el s.XVIII estaba preocupada en

la innovación y búsqueda de nuevas fuentes de iluminación dentro de los hogares. No

se conseguía encontrar una fuente lumínica más efectiva que la luz de vela, que ofrecía

una iluminación temblorosa e incontrolable, además de poco útil y que se venía

usando desde la época de los fenicios, antes del año 400 d.C. Hasta que a mediados del

s.XIX surge el gran invento que supuso la luz de gas. Este hecho provocó una gran

revolución en la vida humana. “Al ser mejor la luz se podía leer de noche, lo cual

fomentó la alfabetización general. Las habitaciones mejor alumbradas también

coincidieron con un aumento de la conciencia de limpieza, tanto personal como

doméstica”. (Rybczynski, W.2006 p. 148).


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Rybczynski comenta un dato muy curioso y es que las lámparas de gas y también las

arañas de gas, tuvieron un efecto muy importante en la decoración de las estancias. La

reseña sorprendente es que este tipo de iluminación, no fue consecuencia de la

tecnología, sino que se debió a una moda influencia escandinava, que tenía más que

ver con el deseo de que entrara el Sol en las estancias. De esta manera, se empezaron

a pintar las habitaciones de blanco.

La luz del Sol y las casas blancas me llevan directamente al Mediterráneo, donde las

habitaciones de las casas se abren a un patio para recibir la luz. Esta luz es indirecta, ya

que se proyecta reflejada en el suelo del patio, en ocasiones hecho de mosaicos y en el

que suele encontrarse una fuente. La luz que viene desde abajo se difumina por el

espacio de las habitaciones pintadas de blanco. Son casas abiertas, física y

alegóricamente al Sol. En China, la casa familiar se ordena alrededor de un patio

central de forma cuadrada. De tal manera que cuatro habitaciones forman los cuatro

lados del patio. La estancia más importante es la que se sitúa al norte, porque recibe la

luz del sur que refleja el patio.

A principios del s.XX la luz artificial en las casas es un elemento indispensable. Se sigue

utilizando la luz de gas, pero poco a poco es sustituida por la electricidad. Con el

tiempo la tendencia va a ser la disminución de la luminaria. Se emplearán luces

indirectas pretendiendo disimular la procedencia de la luz.

Actualmente la luz eléctrica es el alma de la ciudad. El apagón de New York el 14 de

agosto de 2003, nos señaló que una ciudad sin luz eléctrica, no existe. Se puede decir

que fue aquella noche, el reinado absoluto de la sombra. Al amanecer del día siguiente

salió el sol.

Lao-Tse, antiguo filósofo taoísta, reflexionaba sobre el verdadero sentido de la belleza

dentro de una habitación y llegaba a la conclusión de que en verdad residía en el

espacio vacío. Lo bello, según este filósofo habitaba en la desnudez de una habitación

delimitada simplemente por el techo y las paredes. Este concepto parte de un ideal

estético en el cual no cabía dentro de un mundo material, la verdadera belleza. Esta

filosofía se instauró en Japón a través del budismo zen y así se reflejaba en las casas


15

japonesas que evitan todo adorno y cualquier elemento ornamental se reduce al Toko

no ma 床の間, un pequeño espacio elevado donde se colocan láminas o centros

florales.

En la cultura japonesa se da importancia al ambiente que se crea en las estancias, las

paredes se pintan de tonos neutros y se huye de adornos, como hemos explicado, el

único elemento ornamental es el Toko no ma, pero no se entiende como espacio

decorativo en sí, su atractivo reside en el juego de luz y sombra que produce, como un

elemento que ayuda a la luz desde la penumbra, para modelar los objetos, es como

dar a la sombra un sentido de profundidad.

En realidad, la belleza de una habitación japonesa, producida únicamente por un

juego sobre el grado de opacidad de la sombra, no necesita ningún accesorio. Al

occidental que lo ve le sorprende esa desnudez y cree estar tan sólo ante unos

muros grises y desprovistos de cualquier ornato, interpretación totalmente

legitima desde su punto de vista, pero que demuestra que no ha captado en

absoluto el enigma de la sombra. (Tanizaki, J. 2005. p. 45)

Este ideal por reducir todo a lo esencial y despojar de cualquier elemento que

distorsione o moleste el espacio vacío, recuerda al movimiento minimalista. Como

describe Guasch, A.M. (2007), en el capítulo primero dedicado al minimalismo en su

libro, El arte último del siglo XX. “El término Minimal Art, fue acuñado por el filósofo

Richard Wollheim en 1965 para designar una clase de objetos de contenido mínimo,

derivados de una fuente no artística, fuese la naturaleza o la industria”. El minimalismo

surge como reacción a la subjetividad, los contenidos excesivos y emocionales del

expresionismo abstracto.

El principio de la economía de medios derivado de la ecuación propuesta por Mies

van der Rohe: <<less is more>> (menos es más), así como la máxima de Carl

Andre: << una mayor autonomía de medios presupone un más elevado fin>>

(Guasch, A.M 2007. p. 27)

El término minimalismo también se asigna en diseño y en arquitectura que es el tema

que ahora mismo nos ocupa. En este campo la connotación es la misma y se trata de


16

reducir cualquier elemento a su mínima expresión. Es indiscutible, que en el diseño de

interiores, la tradición japonesa de espacios vacíos para crear sutiles atmósferas de

juegos de luces y sombras ha influenciado notablemente en este concepto de arte

mínimal.

Pero antes de que se desarrollara el minimalismo Le Corbusier, proyectó el pabellón

Esprit Nouveau (Espíritu Nuevo) en la Exposición de Artes Decorativas, que se celebró

en París en el año 1925.

Los visitantes del pabellón habían visto que el interior estaba tan desnudo e

inacabado como el exterior. No había adornos, cortinas ni papel en las paredes.

No había madera pulimentada, y mucho menos lapislázuli. El colorido era duro:

paredes blancas… (Rybczynski, W. 2006. p. 191).

Tanizaki cuando reflexiona sobre la arquitectura japonesa, hace una comparativa con

las catedrales góticas donde los tejados asemejan tocados elevados para llegar a la luz,

es decir a la divinidad y también para ganar claridad a través de grandes ventanales y

vidrieras. El gótico sin duda es la etapa donde el hombre siente “Esa espiritualidad

ansiosa de luz y con un permanente e inquieto anhelo de elevación”. (Fernández, A.,

Barnechea, E. y Haro, J. 1991. p. 169).

Por el contrario los monumentos religiosos japoneses, son edificios aplastados cuya

estructura desaparece por completo en la sombra profunda y vasta que proyectan los

aleros del tejado. La arquitectura japonesa se desarrolla en un país afectado por los

terremotos, por lo que se ven en la necesidad de incluir elementos especiales como el

kumimono, es decir, un soporte a base de vigas y pilares para poder soportar los aleros

de los techos. El carácter denso que se imprime en el interior de los edificios da cierto

halo de eternidad.

Debido a las condiciones climáticas y ambientales, los japoneses se ven en la necesidad

de hacer este tipo de construcciones más horizontales para combatir el clima. Para ello

han tenido que adaptarse a la oscuridad. Este dato define muy bien la identidad y

razón de ser de la cultura japonesa, ya que lejos de oponerse a la oscuridad y

combatirla, prefieren convivir con ella y encontrar lo bello en la sombra.


17

Este tipo de construcción japonesa, recuerda también la arquitectura de los templos

nórdicos llamados Stavkirke. Estos templos ahora cristianos, pero de origen vikingo,

construidos con madera, tienen la característica de contar con unos tejados a dos

aguas que caen sobre los muros como faldones y están desprovistos de ventanas, lo

que confiere a la estancia cierto recogimiento espiritual, por la ausencia de luz. Los

nórdicos utilizan la sombra de una manera simbólica, como acercamiento a la

divinidad. En occidente sin embargo, la luz representa la divinidad, de ahí las grandes y

coloridas vidrieras, rosetones y amplias ventanas.

Otro aspecto que se menciona en el libro son las representaciones del teatro Nō. Es la

forma clásica más antigua del teatro japonés, su origen data del s.IV. Alude a

representaciones cuyo origen son las danzas rituales o populares y cuya temática son

leyendas, mitos o poesías del Japón clásico. El vestuario que se emplea, es bastante

colorido e incluso en algunas escenas emplean máscaras. La iluminación es muy tenue

y la decoración austera, este hecho hace que no caiga en la vulgaridad y resulte una

representación elegante dirigida a un público intelectual y también a la aristocracia.

El teatro Kabuki, se originó en Japón durante el s.XVII. En el origen, el kabuki estaba

ejecutado por mujeres que representaban tanto papeles femeninos como masculinos.

Este teatro estaba constituido por un conjunto de danzas y drama. Estas mujeres no

sólo actuaban sino que también se prostituían, por lo que fue degenerando y por

consiguiente considerado escandaloso. De esta manera, los hombres jóvenes

sustituyeron a las mujeres en la representación del teatro kabuki, que se centró más

en el drama que en la danza desde ese momento. Pero estos jóvenes también se

prostituían. Se decidió que los actores encargados de dar vida a las representaciones

del teatro kabuki fueran hombres maduros. Una característica curiosa de este teatro,

es que durante la representación se cambia el escenario, no se espera a que termine el

acto. Los encargados de modificar el escenario van vestidos de negro y son

tradicionalmente considerados, los invisibles.

Es importante mencionar en este punto otro espectáculo oriental, el teatro de

sombras. Se realiza con una lámpara o fuente luminosa y una superficie clara y lisa. El


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actor se vale de sus manos o de figuras tipo marionetas, que sitúa frente al foco de luz

para que se proyecten en la pantalla. Se cree que el origen del teatro de sombras se

encuentra en la prehistoria, cuando los hombres en las cavernas hacían sombras

proyectadas con la luz del fuego. Muchas son las especulaciones pero las más certeras

apuntan a que el origen se remonta a la antigua China. Cuenta una leyenda que un

emperador se sumió en la más profunda tristeza al perder a su esposa y nada le

consolaba hasta que vino a la corte un hombre que aseguró, que podría hacer revivir a

la mujer del emperador fallecida. Para ello coloca al emperador frente a una pantalla y

le pide que pase lo que pase este no debe moverse. El emperador acepta y ante su

asombro puede ver la silueta de su mujer detrás de la tela, esto le hace muy feliz. El

emperador al final cansado de no poder tocar el cuerpo de su esposa, decide tirar de la

tela, descubriendo el engaño que se producía con la luz y la sombra.

Al teatro de sombras se le atribuye ser la antesala del cine, ya que sirvió de inspiración

de la linterna mágica, artefacto precursor del cine que consistía en la proyección de

imágenes. El teatro de sombras fue la primera experiencia donde se reproducían

imágenes en movimiento.

Como dato curioso citar al fotógrafo Eadweard Muybridge padre de la técnica del stop

motion, que tiene su antesala como origen de una apuesta en una carrera de caballos

en el año 1872. La cuestión consistía en averiguar si el caballo en algún momento de la

carrera mantenía todos sus cascos al aire. Muybridge realizó un despliegue de cámaras

fotográficas situadas a lo largo de un recorrido, con el fin de captar el movimiento del

caballo. Para visionar las fotografías, diseñó un temporalizador a base de un tambor

giratorio que dio lugar al zoopraxiscopio. Años más tarde, en 1993 el grupo musical

irlandés U2, rendirían un homenaje a Muybridge, utilizando la misma técnica que

empleó el fotógrafo en “El caballo en movimiento”, para el videoclip de la canción

Lemon.

Un tema interesante que trata Tanizaki. Es el ideal belleza tradicional japonesa,

ohaguro お歯黒, que consiste en ennegrecerse los dientes. Hasta bien entrado el s. XIX

se consideró todo un ideal de belleza y recato femenino. También las mujeres se

depilaban las cejas, maquillaban sus labios de tonos oscuros verdosos o azulados y


19

vestían ropajes oscuros, por lo que el cuerpo menudo de la mujer japonesa, vestido de

esa manera resultaba a la vista imperceptible. La mujer era sólo un brillante e

inexpresivo rostro de sonrisa profunda. Según la tradición budista, los dientes blancos

muestran el lado animal de las personas. También el hecho de teñirse los dientes está

relacionado con la connotación de los colmillos blancos, con los que se representan a

los demonios en la tradición japonesa. Al teñir los dientes de negro el individuo adopta

un carácter más humano.

La tradición del ohaguro, comenzó en el siglo IX, cuando los hombres y mujeres de la

aristocracia se ennegrecían los dientes como símbolo de estatus social, el tinte que se

empleaba consistía en una preparación a base de óxido de hierro, sake y té. El hecho

de ennegrecerse los dientes, apuntaba también cierta madurez en las mujeres que

indicaba que estaban preparadas para el matrimonio. Más tarde se extendió a todas

las clases sociales. En el caso de los samuráis, se producía como ceremonia de

iniciación, cuando cumplían los 15 años y simbolizaba la lealtad absoluta.

Como ya hemos explicado, esta costumbre se mantuvo hasta mediados del siglo XIX,

pero todavía hoy en día hay trazas de esa tradición en las mujeres japonesas, que se

cubren la boca cada vez que sonríen.

Podemos encontrar relaciones con este tipo de estética de rostros blanquecinos y

ropajes oscuros en la cultura gótica. Este movimiento social tuvo su inicio en la Francia

de 1850, como una rebelión antisocial dirigida en su mayoría por la clase obrera y por

estudiantes, los cuales sufrían una constante opresión por el modo en que estaba

constituida la sociedad en ese momento. Como modo de reivindicación, se

maquillaban los rostros de blanco y teñían sus vestimentas de negro. Con este hecho

querían mostrar como el absolutismo de clases les tenía literalmente muertos. El

gótico más popular surge en la década de los 80 del pasado siglo como movimiento

contracultura. Coincidió con la decadencia del punk que estaba ya en sus términos, de

ahí que se haya influenciado por este movimiento punk, en cuanto a estética y música.

Destacan por vestir de negro y emplear maquillaje pálido.


20

Haciendo referencia al hecho de teñirse los dientes, se ha puesto de moda en la

actualidad fundas dentales que cubren los dientes con metales o piedras preciosas,

práctica conocida como grills. Es una moda que nació dentro de la cuna del hip-hop. Se

consideraba una forma de ostentar poder, riqueza y rebeldía. Claro que son relaciones

y alusiones a comparativas estéticas, pues como vemos, su significado con el ohaguro

es muy distante.

Hoy en día en Japón hay una corriente estético cultural femenina que comenzó en el

año 2000 llamada ganguro, que resulta visualmente el negativo a la tradición ancestral

del ohaguro. Los cuerpos aparecen muy bronceados, el cabello se tiñe de rubio, cobre

o platino y usan vestimentas muy coloridas. Lo que pretenden las ganguro es desafiar

las costumbres ancestrales que mantenían a una mujer sumisa y prácticamente

ausente de la vida social japonesa, condenada al interior de la prolongada sombra de

la casa.

Por último, Tanizaki nos habla de la gastronomía y la vajilla como herramienta que

complementa a esta. En la gastronomía también se envuelve todo de sombras para

deleite del comensal, no sólo gustativamente, sino visualmente. Las lacas con las que

adornan las vajillas son oscuras para mantener también cierta incógnita en el plato

servido. Los cubiertos y los metales nunca se pulen, la pátina y el paso del tiempo al

igual que la sombra son conceptos muy apreciados en la cultura japonesa.

Algunos dirán que la falaz belleza creada por la penumbra no es la belleza

auténtica. No obstante, como decía anteriormente, nosotros los orientales

creamos belleza haciendo nacer sombras en lugares que en sí mismos son

insignificantes.

Hay una vieja canción que dice:

Ramajes

reunidlos y anudadlos

una choza

desatadlos

la llanura de nuevo.


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Nuestro pensamiento, en definitiva, procede análogamente: creo que lo bello no

es una sustancia en sí sino tan sólo un dibujo de sombras, un juego de claroscuros

producido por la yuxtaposición de diferentes sustancias. Así como una piedra

fosforescente, colocada en la oscuridad, emite una irradiación y expuesta a plena

luz pierde toda su fascinación de joya preciosa, de igual manera la belleza pierde

su existencia si se le suprimen los efectos de la sombra.

En una palabra, nuestros antepasados, al igual que los objetos de laca con polvo

de oro o de nácar, consideraban a la mujer un ser inseparable de la oscuridad e

intentaban hundirla tanto como les era posible en la penumbra; de ahí aquellas

mangas largas, aquellas larguísimas colas que velaban las manos y los pies de

manera que las únicas partes visibles, la cabeza y el cuello, adquirían un relieve

sobrecogedor. Es verdad que, comparando con el de las mujeres de Occidente, su

torso, desproporcionado y liso, podía parecer feo. Pero en realidad olvidamos

aquello que nos resulta invisible. Consideramos que lo que no se ve no existe.

Quien se obstinara en ver esa fealdad sólo conseguiría destruir la belleza, como

ocurriría si se enfocara con una lámpara de cien bombillas un Toko no ma de

algún pabellón de té. (Tanizaki, J. 2005. pp. 69,70).


22

3.3 Orígenes históricos artísticos de la luz y de la sombra, analizados

desde el punto de vista pictórico

La sombra como tema artístico ha estado ligada a la historia del arte occidental. El

empleo de la sombra viene dado por una intención de representación naturalista, para

acentuar la verosimilitud de lo que se pretendía representar. Cada época artística ha

empleado el término sombra, para acuñarle significados distintos y se ha valido de ella

para solucionar problemas o resolver conflictos desde el Renacimiento hasta la

actualidad.

Si queremos hablar de orígenes históricos del concepto luz y sombra, nos remontamos

al origen de la humanidad, pues es un concepto que nos ha acompañado siempre. Los

hombres prehistóricos ya empleaban la luz tintineante del fuego para representar

cierta movilidad en las pinturas que realizaban en las cuevas. Se valían de los salientes

y entrantes de las imperfecciones de la roca y de la luz bailante de la llama, para dar

cierto movimiento a sus representaciones.

Plinio el Viejo dice en su libro Historia Natural, cuando le preguntan acerca del origen

de la pintura, que no tenemos ningún conocimiento cierto del origen de esta, ni él se

propone encontrarlo. Sin embargo, cita la leyenda griega sobre el principio del dibujo

asociado al concepto luz y sombra:

Todo ocurrió unos 600 años A.C. Una joven corintia muy enamorada, desesperada

por la inminente partida de su amor al extranjero, vio con ojos nuevos la sombra

que del perfil de su amado formaba la luz de una vela en la pared. La muchacha

repasó con carboncillo el perfil de la sombra para quedarse así con la imagen de

su amante. De esta manera había nacido el primer dibujo y el primer retrato.

(Garzo, A. 2011).

Claro que Plinio, en aquella época, no tenía conocimiento de la existencia del arte

rupestre, ni de la Cueva de Altamira, por ejemplo. De todas formas la leyenda es muy

evocadora. Esta escena fue recurrente para los pintores del s. XVIII, influidos

seguramente por la moda de la época de representar figuras.


23

Si la luz blanca se descompone en los colores del arco iris al atravesar un espacio

prismático, es obvio que el pintor es capaz de obtener efectos luminosos con las

combinaciones de colores y tonos. Así se convierte la luz en un elemento capital

del cuadro. Los grandes maestros, Velázquez, Rembrandt o Leonardo, han sido

auténticos magos de la luz. Y de la sombras. Porque aunque en la pintura plana no

es necesaria la sombra, lo frecuente es que el cuadro sea una combinación de

luces y sombras, cuya proporción depende del pintor. La sombra opaca de

Caravaggio, el negro de asfalto, es distinta de la penumbra misteriosa de otros

maestros. (Fernández, A., Barnechea, E. y Haro, J. 1991. p.19).

Quizás el movimiento artístico donde comienza a tener relevancia la luz y la sombra es

el Renacimiento. Anteriormente las representaciones pictóricas eran muy planas, de

color puro sin mezclas y de dibujo grueso para contornear las figuras.

En el Románico hay una total carencia de profundidad y por tanto, de representación

pictórica tanto de la luz como de la sombra. El plano se rellena con figuras dispuestas

paralelamente y mayoritariamente, el fondo, no es interesante o representativo y se

utiliza un color monocromo para cubrirlo.

En el Renacimiento, la luz se maneja con cierta perfección, pero a grandes rasgos los

artistas de la época, la emplean para resaltar planos. Es en el s.XV, cuando el pintor se

obsesiona con representar la profundidad. La sombra se vincula con la idea de la

perspectiva, que es considerada como la manifestación de la belleza y del naturalismo.

Hay que entender que el hombre toma protagonismo, antropocentrismo. Pasa a ser el

centro, todo se estudia con referencia al hombre. Tiene su espacio visual y se proyecta,

para ello, una técnica recurrente es situar un recurso natural detrás del personaje, que

le enmarque y le confiere profundidad. El hombre es el centro, a diferencia de en la

Edad Media donde el centro de atención y representación es la religión y el artista deja

de ser artesano para empezar a tener protagonismo.

Es en el Renacimiento donde se valora la naturaleza, no como creación divina, sino por

su belleza propia y se empieza a estudiar la perspectiva. El paisaje se trabaja quizás no

con la precisión y el detalle minucioso de los primitivos flamencos, sino que es

utilizado para obtener el efecto de profundidad y conseguir enmarcar las figuras.


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Además, la luz en aquella época se empezó a utilizar con un sentido simbólico,

vinculado con el tema de la Anunciación, actualmente muy de moda, gracias a la

minuciosa restauración por parte del Museo del Prado, del cuadro la Anunciación, de

Fra Angelico (1426).

Como citan Fernández, A., et al. 1991. (p. 236), en el s. XVI, al manejarse el color de

una manera más suelta se desdibuja el contorno. Las formas adquieren una silueta

más redondeada gracias al claroscuro. Para conseguir el volumen los artistas se valen

de los sombreados y también de estrategias visuales, como es el situar el brazo del

personaje delante del busto, en los retratos, esto hace que el cuerpo se vea empujado

hacia atrás, un claro ejemplo es la Gioconda. La luz adquiere una importancia nueva y

con ella las sombras, es en esta época donde se consigue una perspectiva más natural.

Leonardo da Vinci dedicó buena parte de sus esfuerzos a estudiar la perspectiva y la

situó como el segundo principio de la pintura. Así debemos a Leonardo la invención del

Sfumato, técnica pictórica que consiste en aplicar veladuras de pintura con el fin de

difuminar los contornos, de esta manera consigue la ilusión óptica de alejamiento o

perspectiva y crea un ambiente más real, como si pintara el aire, la atmosfera.

“El barroco es el arte de plasmar, pictóricamente, la luz y en correlación la sombra

juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo

(Tenebrismo)”. (Fernández, A., et al. 1991. p. 293)

Hemos visto como en el Renacimiento la luz y la sombra van de la mano para percibir

de una manera más nítida los contornos de la figuras. En el Barroco ocurre todo lo

contrario, los artistas del barroco utilizan la luz para desvanecer la figura en la sombra

o hacerla brillar en una intensidad lumínica.

Son los tenebristas los que explotaron como nadie las posibilidades dramáticas del

claroscuro. El Tenebrismo es un estilo que surge en Italia de la mano de Caravaggio. El

pintor plasma la realidad de su tiempo. La elección del tema para el pintor italiano

viene dada por la observación de su entorno. Una característica a tener en cuenta es

que Caravaggio pintaba con lo que algunos biógrafos han denominado luz de sótano,

es decir, un foco de luz único que se eleva y cruza la escena diagonalmente. Con esto


25

se consigue iluminar parte del cuadro mientras quedan otros detalles condenados en

la penumbra. Los pintores tenebristas han sido fuente de inspiración para los

directores de fotografía.

La técnica del claroscuro, ayuda a construir espacialmente la composición e insinuar la

temporalidad de la escena. Los artistas barrocos se valen de la luz y la sombra para

situar al espectador e indicarle el recorrido visual de la obra, como la tiene que leer e

interpretar. También utilizan la luz y la sombra para crear atmosferas y escenografías,

donde la luz suele venir del exterior del cuadro o del interior, representada por una luz

artificial, como pueda ser una vela y en este caso se le da connotaciones simbólicas

relacionadas con el conocimiento.

Estas atmosferas que surgen con el juego de luz y tiniebla son propicias para tratar

temas con un fuerte contenido naturalista. Como hemos explicado, los artistas se

inspiran en la realidad que les rodea, pero se suelen fijar en los aspectos más

desagradables de su día a día.

En casi todos los países europeos se dio una etapa tenebrista. Algunos artistas se

valieron de esta técnica y la emplearon para todas sus obras como Rembrandt o

Zurbarán y otros pintores como Murillo o Velázquez la adoptaron por un tiempo para

posteriormente desecharla y seguir otras vías de representación.

A la hora de hablar de Romanticismo, resulta fundamental para este trabajo de

investigación sobre la luz y la sombra central la mirada en Goya, para tratar este

movimiento artístico.

“En la naturaleza, el color no existe, lo mismo que no existe la línea […]. En la

naturaleza sólo existen el sol y las sombras. ¡Dadme un trozo de carbón, y yo

dibujaré un cuadro!” (Goya, 1792. Citado en Guilbaui. 2017).

Es en el año 1792 durante un viaje a Andalucía donde Goya padece una enfermedad

desconocida, que lo deja sordo y es posiblemente esa condición, la que lo aísla del

mundo y lo hace adentrarse en su propio ser. Este hecho revierte en su pintura

primero, en la temática crítica y sarcástica que emplea, por ejemplo en la serie de


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grabados de los Caprichos (1799), y que culmina con las pinturas negras. Una serie de

pinturas que realizó de forma intimista, es decir, no se plantearon para una exhibición

pública ya que las pintó en los muros de su casa. Parece como que Goya intenta

liberarse de sus pesadillas, que hablan de melancolía y soledad. La sombra y la

oscuridad es para Goya un estado del ser, asociado simbólicamente a temas

fantasmagóricos, de aquelarres y demonios que atormentan almas.

El Impresionismo cambió este concepto dramático del claroscuro por la plenitud de la

luz y el color. Es importante situar temporalmente a este movimiento, ya que coincide

en el marco histórico temporal con una revolución industrial, que va a cambiar la

representación artística de mediados del siglo XIX. La principal causa es la invención de

la fotografía que va a hacer que los artistas se replanteen el arte clásico y académico,

por un movimiento nuevo que comenzaba a surgir de la mano de un grupo de jóvenes

artistas.

Monet con su obra pictórica Impresión Sol naciente, da nombre a este movimiento

artístico, que en un principio surgió como mote despectivo por parte de los

detractores de este nuevo movimiento, que se alejaba de los cánones académicos. Un

dato importante y que favorece a estos jóvenes pintores, es que la revolución

industrial trae consigo la llegada del tren, lo que hace posible para estos artistas la

posibilidad de desplazarse a entornos naturales y poder pintar del natural y captar la

luz y el color fuera del estudio, opción que antes resultaba más complicada.

Los artistas impresionistas son conocedores de la teoría de Newton, emitida en el

s.XVII, sobre la descomposición de la luz al pasar por un prisma. Pero se apasionan con

la afirmación de la existencia de los tres colores primarios, el amarillo, rojo y azul y sus

complementarios el naranja, verde y morado. Siendo conocedores de todas estas

teorías de color, las explotan en sus lienzos para conseguir efectos ricos en contrastes

como vibraciones de color por la proximidad de tonos primarios y secundarios.

Se piensa en el color como una modalidad de la luz, siendo la pintura en sí misma, un

conjunto de tonalidades lumínicas. De esta manera los pintores impresionistas pintan

un mismo tema repetidamente, porque lo que les interesa realmente es la


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representación de los cambios en la iluminación cromática, atendiendo a la intensidad

de luz solar o por el contrario a la usencia de luz. De esta manera, Monet representó la

fachada occidental de la catedral de Rouen hasta en 20 cuadros, estudiando en cada

uno de ellos las diferentes características tonales de luz y de sombra que se producen

en los diferentes momentos del día.

Es en esta época cuando la sombra deja de ser negra para adoptar colores más vivos.

Suelen emplear los contrastes de primarios y secundarios, así de este modo, si reflejan

la luz amarilla la sombra suele ir en tonos morados, por ejemplo. Esto hace que

desaparezcan los contrastes duros de claroscuro, como también se desdibujan los

contornos de las figuras y los objetos. Lo que los artistas impresionistas quieren

reflejar, es una vibración del color por lo que se huye del contorno y de las figuras

enmarcadas.

Con el Expresionismo predomina la visión más íntima del artista frente al

impresionismo, que imprimía la realidad a través de la luz, la sombra y el color. El

tratamiento que se hace de la luz y de la sombra corresponde con lecturas psicológicas

y representa estados mentales. El concepto de luz y sombra quedó prácticamente

anulado con el cubismo y los movimientos abstractos.

Giorgio de Chirico se encarga de volver a dar protagonismo a la luz y a la sombra,

dando un nuevo impulso con su pintura metafísica que, influirá en corrientes

posteriores.

…bañado por la luz vespertina y cuyos pórticos sumergidos en la sombra producen

una misteriosa sensación de soledad y melancolía. Picasso reparó en la extraña

atmosfera de estos cuadros y se refería a Chirico, no sin cierta ironía como “el

pintor de las estaciones”. (Porcu, C. 2006. p. 50)

Chirico combina escenas y escenarios de la vida cotidiana con alusiones y

representaciones de la antigüedad clásica, consiguiendo una realidad que se acerca al

ensueño. El artista emplea en sus obras objetos nítidamente dibujados que se

proyectan bajo una luz fantástica de tono plano. Sitúa la escena dentro de un

ambiente urbano, desnudo, Chirico representa el espacio vacío atemporal y


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desprovisto del uso cotidiano, para enfatizar en la introspección, en el espíritu puro y

el valor del escenario en sí mismo.

Son muy característicos de Chirico los fuertes contraste de luces y sombras. Suele

proyectar largas sombras que producen en el espectador una extraña sensación de

infinito espacial. “Hay muchos más enigmas en la sombra de un hombre que camina

bajo el sol que en todas las religiones pasadas, presentes y futuras.”; “Por la tarde, las

sombras son largas y por doquier reina una dulce inmovilidad”. (Chirico, G., citado en

Porcu, C. 2006. p. 80)

Coetáneo de, de Chirico es Hopper, otro gran pintor de la luz. Retrató la sociedad de su

época destacando una iluminación dramática, quizás condicionado por la gran

depresión que vivió Estados Unidos en 1929. Es importante señalar que tuvo como

pintores de cabecera a Velázquez, Goya y Rembrandt. Quizás fue este último, el

maestro holandés, el que más le ayudó a emplear y entender la importancia de la luz

para poder definir e imprimir el ambiente y carácter de las escenas. “La luz. Luz filtrada

por la mente del artista. Luz del color que construye los objetos, los cuerpos y las

sensaciones”. (Aquino, L. 2004. p.25)

Su obra más significativa data de la década de los años 50 a 60, del pasado siglo. El

artista estaba tan interesado en la luz y la representación de esta, que es muy

característico en Hopper que el título de la obra contemple la parte del día que

representa, como por ejemplo, Sol de mañana, (1952), Mañana en una ciudad, (1944).

La influencia del cine sobre la pintura de Hopper y viceversa, la referencia de las obras

del artista para directores como Hitchcock, David Linch, Todd Haynes o Jin Jarmuch es

clara y supone una riqueza creativa que circula por ambas corrientes, pictórica y

cineasta. Los directores de cine emplearon algunos de sus cuadros representándolos

como escenarios reales. Durante el verano del año 2012, con motivo de la exposición

Edward Hopper, Chronology 1882-1967, que tuvo lugar en el Museo Thyssen-

Bornemisza se propuso un ciclo de cine, para visualizar las películas que habían servido

de inspiración a Hopper y recíprocamente, las películas que se habían influenciado de

la estética del artista.


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Quizás la etapa de mayor esplendor de la luz y de la sombra, se vivió con los

surrealistas, quienes hallaron en la sombra el arma perfecta para otorgar a los sueños

de una carga de veracidad tan exacta que rozaba la propia realidad. Es en esta época

donde la luz y la sombra tienen connotaciones simbólicas y místicas, enriqueciendo el

lenguaje plástico de cierta magia e ilusiones ópticas.

Los artistas surrealistas se valían de una técnica muy precisa, haciendo un uso

exagerado de la sombra, que a veces empleaban para recomponer imágenes

discordantes. Artistas representativos de este movimiento son, René Magritte, Paul

Delvaux, Yves Tanguy y Esteve Francés. Como representación española de este

movimiento destaca Salvador Dalí, que empleaba el término paranoico-crítico, para

referirse a su trabajo. Los cuadros de Dalí nos muestran visiones bajo un fuerte foco de

luz solar, que ilumina toda la escena de un realismo asombroso, independientemente

de en qué plano se sitúe el objeto. Una luz potente que resulta extraña, acompañada

de un mundo que es ajeno a nosotros. La técnica que emplea Dalí consiste en

mostrarnos escenas iluminadas con múltiples focos y por consiguiente, proyecta las

sombras sobre los objetos, atendiendo a la composición que quiera representar el

artista.

Dalí desde sus inicios mostraba un gran talento y arrolladora personalidad,

refiriéndose a sus compañeros de La Academia de San Fernando en Madrid, declara:

“…Les permitían pintar de cualquier manera y porque habían expulsado el negro

de su paleta ¡para reemplazarlo por violeta! El negro no existe, decían. Todo está

iridiado por la luz y las sombras mismas son violetas. Esta revolución impresionista

yo la había hecho con doce años, y aun entonces no había quitado el negro de mi

paleta.” (Dalí, S. citado en Porcu, C. 2005. p.31)

Dalí en su estancia en la residencia de estudiante entabla amistad con Buñuel y

Lorca. La amistad entre Lorca y Dalí duró hasta 1928, pero Dalí hasta su muerte

en 1989 no olvidó jamás a su amigo.


30

Pero ante todo canto un común pensamiento

Que nos une en las horas oscuras y doradas.

No es el Arte la luz que nos ciega los ojos.

Es primero el amor, la amistad o la esgrima.

(Lorca, G. 1926, Oda a Salvador Dalí citado en

Porcu, C. 2005. p. 12).

Desde el pop art hasta nuestros días, la sombra también ha sido protagonista de la

pintura durante la segunda parte del s. XX. Gracias al empleo de la publicidad al

servicio del arte. Si entendemos que la luz en su espectro visible se descompone en

siete colores, del mismo modo Warhol descompone la luz sobre el retrato de Marylin

Monroe. El color en Warhol es plano, pero consigue el volumen empleando el juego de

complementarios que ayudan a definir contornos, junto con las sombras que se

colocan al final.

Warhol dedicó una serie completa a las sombras, Shadows (1978). Se compone de una

sola obra que a su vez está formada por 102 lienzos serigrafiados de gran formato,

basados según el propio artista, en dos fotografías de una sombra en su estudio. Se

pueden mostrar todos los lienzos o parte de ellos, según el espacio del que disponga la

sala de exposición. El objeto del cual se proyecta la sombra, no se ha logrado

identificar y es por este motivo que estas piezas se pueden clasificar como obra

abstracta. Impacta el colorido de Warhol más que el objeto, que como hemos

explicado queda en un segundo plano al no identificarse, a diferencia de las demás

representaciones de Warhol más icónicas, como La silla eléctrica o La serie de Marylin

que realizó en la década de los 60. En el año 2016, se pudo ver la serie completa

compuesta de los 102 lienzos, en el Museo Guggenheim de Bilbao.

3.4 La luz y la sombra en el panorama artístico actual

La luz y la sombra tienen un gran protagonismo en el panorama artístico actual como

elemento indispensable de la obra. El juego de luz y sombra que se produce es

fundamental en muchos casos, para que la pieza artística exista.


31

Como apunta Bell, J. (1998). La perspectiva, que representaba el apoyo de la pintura,

desde el punto de vista teórico como práctico, durante cinco siglos, pasó a resultar

incómodo para los artistas que buscaban otras vías expresivas y otros lenguajes

acordes a los nuevos tiempos. Los artistas configuraron otros modos de expresión y el

observador sin el recurso de la perspectiva, tenía una difícil situación enfrentada por la

luz y por el propio individuo que observa.

Mónica Dixon

En mi continua búsqueda y preocupación por la luz, en un dialogo constante que

mantengo en toda mi obra entre luz artificial y natural no busco el detalle, sino las

referencias figurativas mínimas para crear sensaciones. El espacio pintado en sí

mismo, la vibración de la luz en la atmósfera, la soledad esencial del escenario.

(Dixon, M. 2019)

Quizás Mónica Dixon, es la artista contemporánea que más se puede acercar al

planteamiento de luz y sombra que describe Tanizaki en El elogio de la sombra. La

artista describe de una manera pictórica, espacios y ambientes, en una búsqueda por

crear sensaciones. Los espacios que recrea al igual que las estancias japonesas, son

habitaciones vacías desprovistas de ornamentación donde el protagonista es el

ambiente recreado por la vibración de la luz, la sombra y el espacio. Su obra alcanza

una significación de soledad y a la vez fortaleza.

-Tengo estas dos vertientes en mi obra que aparentemente son opuestas, pero

tienen en común el espacio, la luz, la soledad y el silencio. Son dos maneras de

tratar el lugar y los no lugares.

-Todos tienen degradado, pero exagero el negro porque va desde adentro y te

lleva hacia una luz que se filtra. (Dixon, M. 2019).

Vicent Bal

Ilustrador, fotógrafo y cineasta belga que se define a sí mismo como shadowologist

and filmmaker. Se vale de la sombra natural, aprovechando el momento en el que se

proyecta una luz lateral, sobre objetos reales y cotidianos. La luz es su aliada para

completar su obra. El artista realiza un juego de sombras para reinterpretar objetos de

uso diario, con dibujos añadidos.


32

Es curioso como cuenta el propio artista que su obra surgió de forma casual, lo

compartió en sus redes sociales y desde entonces no ha parado de crear. Lo meritorio

es que emplea luz natural, no se vale de ningún foco. Afirma que el Sol es mucho mejor

artista que él, así que procura que su intervención gráfica para acompañar a la sombra

sea mínima.

Diet Wiegman

Es un artista visual holandés, conocido internacionalmente por sus esculturas de luz y

de sombra. El artista se vale de residuos que proyecta sobre una pared, donde se

refleja una sombra muy detallada. Lleva cinco décadas trabajando con el concepto arte

de sombras, ha ido modificando los materiales que emplea para ampliar repertorio

dando paso a los cristales rotos y espejos, con ellos consigue recrear atmosferas.

Cuando se le pregunta acerca de su trabajo Wiegman lo define: "No inventé el

fenómeno de la sombra, solo hago agujeros en la luz". (DL Cade. 2013).

El tema de Wiegman abarca clichés, que utiliza para distorsionarlos y crear una visión

nueva y contradictoria al objeto del que nace la idea.

Se puede decir que en su campo ha sido pionero y fuente de referencia para otros

creadores.

Kumi Yamashita

Es una artista japonesa muy conocida por sus esculturas, donde la luz y la sombra son

protagonistas. Esculturas de luz y sombra, es una definición muy certera. Para realizar

su obra se vale de objetos cotidianos. Sus piezas están compuestas por lo tanto, del

material que lo forman los objetos sólidos, y del inmaterial compuesto por la luz y la

sombra.

El foco de luz está colocado estratégicamente, para crear siluetas de sombras que

surgen de una manera asombrosa.

El tema central de la obra de esta artista japonesa es la figura humana, aludiendo a la

tradición japonesa, pero también busca inspiración en occidente. Dejando a un lado el

tema, lo que realmente destaca de su trabajo, es el detallismo virtuoso con el que está

realizada cada pieza.


33

La obra de Yamashita invita a una reflexión personal a través de la observación. Se

puede establecer que la dicotomía entre luz y sombra, contempla una metáfora entre

la comunicación real e interna.

Regina Silveira

Destacada artista multimedia, pintora, diseñadora y grabadora brasileña, reconocida

en el escenario internacional por una impresionante trayectoria artística, que

contempla multitud de exposiciones por todo el mundo. Bebe de las sombras

surrealistas de Chirico y del trabajo de Iberê Camargo y Marcel Duchamp.

La artista siente un gran interés por el juego de luz y sombra, además de interesarse

por crear ilusiones ópticas, valiéndose para ello del volumen y la perspectiva. Con el fin

de establecer una duda referente a los códigos de representación clásicos y

preestablecidos. Como en su obra Anamorfas (1979-81) que está basada en las

distorsiones de la perspectiva.

Compagina su actividad creadora con la docencia. Actividad en la que está muy

comprometida

Guy Laramee

Se trata de un artista interdisciplinar canadiense, que abarca muchos campos

artísticos, entre ellos la iluminación, escenografía, instalaciones, pintura y un largo

etcétera.

El trabajo de Guy Laramee llama poderosamente la atención, realiza escultura tallando

libros antiguos con una precisión y detalle que llama la atención, la luz forma parte de

la obra iluminando el escenario de las piezas artísticas y recreando paisajes ilusorios

que nos trasladan al romanticismo.

El artista emplea una técnica consistente en endurecer los libros para poder tallarlos,

se trata de un proceso que nos habla de la vuelta al origen de estos libros, la madera.

Laramee quiere además con esta acción dar una segunda vida a los libros antiguos, que

según el artista quedan desplazados del mundo cultural al no ser usados.


34

Su obra consta de varias series, siendo la última Guan Yin (2011), la creación de estas

piezas, tienen un componente trágico, por una parte se inspira en el tsunami que

devasto Japón y por otra parte la muerte de su madre.

Tim Noble & Sue Webster

Es una pareja de artistas británicos que crean esculturas de sombras, para realizar una

crítica social. El trabajo de estos artistas está compuesto de una parte de trabajos de

luz y otra de trabajos de sombra. Pero en realidad las dos partes se complementan y al

final se entienden como un conjunto.

Para los trabajos de sombra se valen de materiales cotidianos, así como residuos de

desecho. Para proyectar sobre estos materiales, dispuestos a modo de montones

desordenados, una sombra que hace alusión a algo real y entendible o también,

proyectan sus autorretratos. Juegan con un concepto que se da en psicología

perceptiva y tienen que ver, con como el ser humano evalúa las formas abstractas y las

dota de significado.

Las esculturas de luz, representan clichés de la cultura pop, a modo de letreros.

Makoto Tojiki

Es un artista y diseñador japonés, que viene del diseño industrial. Como modo de

expresión se vale de la luz.

Su obra más reciente, No shadow, está inspirada en la conexión ineludible que se

establece entre la sombra y la luz. Y como este binomio se puede manipular. El artista

descompone la luz para crear nuevas formas que tienen un carácter efímero y fugaz.

Crea imágenes enigmáticas, como pueda ser la propia sombra y su interés radica en el

punto de vista del espectador. Percibimos los objetos de forma cambiante a como los

recordáramos. No porque el objeto en si sea distinto, tiene más ver con el cambio que

se produce en la perspectiva del que observa.


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Kara Walker

Artista afroamericana nacida en California. Centra su trabajo en la opresión que sufrió

la raza negra esclavizada en América, durante la Guerra civil. Es conocida por sus

siluetas de papel negro, la artista sitúa sus figuras, que asemejan sombras chinescas

sobre una pared blanca. Su obra cuenta una historia de vejación, violencia, raza y

género. Utiliza la estética de la guerra de secesión, pero la temática denuncia hechos

actuales desgraciadamente.

Walker ha creado trabajos en video animación, proyecciones de linterna mágica o

títeres de sombras. En la obra, Darkytown Rebellion (2000), se vale de proyecciones

que arrojan luces de colores y que proyectan las sombras del espectador sobre la

pared blanca donde habitan las siluetas de Walker, haciéndole partícipe al visitante de

la exposición o convirtiéndole, en una silueta más dentro de la narración.


36

4 PROYECTO EDUCATIVO

4.1 Contenido

4.1.1 Tema, área y materia del proyecto educativo

El proyecto educativo El elogio de la sombra, luces y sombras a través de la historia del

arte. Se desarrolló como una propuesta de trabajo de investigación dentro del

departamento de arte, del Colegio Internacional J.H. Newman. Participando todas las

asignaturas que conforman dicho departamento, es decir, volumen, diseño, cultura

audiovisual y dibujo artístico. El alumnado, de esta manera tuvo libertad plena a la

hora de expresar sus propuestas personales, demostrando de esta manera como

manejan y desarrollan las herramientas y técnicas aprendidas durante el curso.

Los contenidos que abarca el proyecto educativo son bastante amplios. Es un dato que

se tuvo en cuenta a la hora de confeccionar el programa educativo, con el objetivo de

motivar al alumnado desarrollando una propuesta interesante, al llamar su atención

primero sobre un cultura distinta, después tratando aspectos y temas diversos como

es el ideal de belleza, el teatro o la gastronomía y por último, haciendo un breve

repaso por el tratamiento de la luz y de la sombra a través de la historia del arte desde

el punto de vista occidental y desde el marco pictórico.

o Concepto identidad, que en el caso de Japón viene asociado con la sombra.

o Diferencia entre las culturas occidental y oriental.

o Descripción de diferentes temas que trata Tanizaki en su ensayo.

o Tratamiento de la luz y de la sombra a lo largo de la historia del arte.

o Planteamiento de la luz y de la sombra en el panorama artístico actual.

o Otros ámbitos de interés donde la luz y la sombra son protagonistas.


37

4.2 Nivel educativo

El proyecto se desarrolló y pensó para los alumnos de 1º y 2º de Bachillerato de Artes.

4.3 Fundamentación

El presente proyecto educativo se llevó a cabo en el Colegio Internacional

J.H.Newman, ubicado en el este de la Comunidad de Madrid, en el barrio de San Blas.

Una zona muy bien comunicada que dispone de todos los servicios necesarios. El

mayor porcentaje lo forman familias heterogéneas, con un nivel socio-cultural y

económico, medio alto.

El Colegio Internacional J.H.Newman es bastante joven, comenzó su andadura en el

año 2005. Se trata de un colegio mixto, confesional católico y bilingüe. Los niveles

educativos que se establecen van desde Infantil hasta Bachillerato y FP (Grado

Superior TSEAS).

El centro está reconocido por la Comunidad de Madrid como colegio de integración de

alumnos con necesidades motóricas. Dispone de auxiliares que facilitan la integración

de estos alumnos con el resto de sus compañeros, está adaptado, sin barreras

arquitectónicas y con acceso a la totalidad de los espacios. También desde el colegio se

hace hincapié en la inclusión educativa de alumnos con distintas capacidades. Para

ello, cuentan con profesores de apoyo que ayudan a los profesores titulares de

materia, para que la atención y seguimiento de los alumnos sea más personalizado.

4.4 Criterios educativos y didácticos del centro

o La búsqueda de la belleza, dentro del concepto de la palabra empleada por

Arthur Danto. Belleza en cuanto al significado, es entender el arte como un trabajo

creador.

o Educar en el asombro y en la búsqueda de la verdad. La educación tiene que ser

una actitud crítica. Se enseña a mirar y a sorprenderse, a preguntarse y preguntar y

buscar explicaciones para hacer valoraciones.

o Clase argumentativa, enseñar argumentando. Cuando el alumno hace uso de la

razón se implica más en la materia, la función del profesor es motivar personalmente


38

al alumno para que relacione entre el tema de estudio, el trabajo que se le propone y

su propia experiencia personal.

o Aprender el uso de la razón y adentrarse en el descubrimiento del sentido de

las cosas. Desarrollar disciplinas como atender, preguntar, comprender,

conceptualizar, relacionar, sintetizar, juzgar y razonar a través de la lección, los libros

de texto, el diálogo, los ejercicios, los apuntes, los trabajos, los proyectos y

exposiciones, las lecturas y las actividades culturales que se proponen.

o La personalización del camino educativo, la búsqueda de la excelencia y la

atención a la diversidad. Un objetivo prioritario es la integración de todos los alumnos.

o Actividades culturales, salidas extraescolares y viajes de estudio forman parte

del proyecto curricular del centro y corresponde con los objetivos académicos y

didácticos del proyecto educativo y con los objetivos de programación de las

diferentes materias que participan en estas salidas.

o Educar en el asombro y en la búsqueda de la verdad. Se hace hincapié en el

lenguaje oral como modo de expresión así como en el escrito y el fomento de la

lectura, desde infantil hasta bachillerato.

o La relación con los padres. Es primordial que la relación del centro con las

familias sea fluida y cordial.

o Educación en la libertad. Fomentar la libertad de juicio y de elección asentando

en el alumno unos criterios de verdad, bien, belleza, libertad y justicia.

La propuesta pedagógica del centro atiende a la pedagogía crítica. Esta metodología

establece una relación que tiene que ser constante entre teoría y práctica, para llegar a

alcanzar un pensamiento crítico y por consecuencia un actuar crítico por parte del

individuo en la sociedad. Esta propuesta de enseñanza promueve que los alumnos

cuestionen las creencias y prácticas que se les imparten. El profesor que apoya este

tipo de enseñanza intenta que los alumnos sean partícipes de su cotidianeidad

sobretodo en el aspecto social. Esta pedagogía se basa en que el proceso de

aprendizaje forme parte de una transformación social del individuo.


39

Los principales autores que han desarrollado esta pedagogía crítica son el brasileño

Paulo Freire, educador y filósofo, Henry Giroux, crítico cultural estadounidense y el

canadiense Peter McLaren, profesor de estudios críticos y Donald Schön.

Las características fundamentales de la pedagogía crítica son:

o La transformación del sistema educativo tradicional

o Cuestionar todo lo que se estudia.

o Su intención es ser una práctica ética y política.

o Abre interrogantes sobre las prácticas sociales en las que el individuo participa.

o El método de enseñanza tiene que tener una postura analítica para que haya

una transformación de los valores y prácticas educativas.

4.5 Resumen

Este año durante la tercera evaluación, los alumnos de 1º y 2º de Bachillerato de Artes,

hicieron una investigación respecto del claroscuro, basada en el ensayo del escritor

japonés Junichiro Tanizaki, El elogio de la sombra (1933). En el libro, el autor hace una

oda a la identidad japonesa pasando por describir diferentes aspectos de oriente y de

occidente donde el valor y la belleza residen en el contraste entre la sombra y la luz.

El reto lanzado a los alumnos desde el departamento de Artes, tiene su origen en la

investigación a lo largo de la historia de la importancia del uso e interpretación de la

luz y la sombra en diferentes culturas y por distintos artistas.

Una vez encontradas varias referencias que les han servido de punto de partida, cada

alumno escogió su tema de base para desarrollar un proyecto personal.

El producto final de cada proyecto debería reflejar, el objetivo último del alumnado.

Manejar y utilizar todas las herramientas y conocimientos adquiridos, libre de

cualquier dependencia a una asignatura determinada, puesto que intervienen todas:

Dibujo Artístico, Cultura Audiovisual, Diseño y Volumen.

Esta independencia se nota en la frescura contemporánea de cada proyecto que logra

arrancar de cada uno la expresión máxima de su yo más íntimo y la relación con la luz y

la sombra.


40

Este proyecto culmina con una exposición fin de curso en el hall del colegio, donde se

presentan todos los proyectos.

4.6 Justificación

El currículo de Bachillerato, en el artículo 29, dedicado al proceso de aprendizaje dice:

“Las actividades educativas en el Bachillerato favorecerán la capacidad del alumnado

para aprender por sí mismo, para trabajar en equipo y para aplicar métodos de

investigación apropiados”. (BOE 1105/2014 p26).

En este sentido el aprendizaje apoyado en Proyectos Interdisciplinares es una

metodología de enseñanza novedosa que tiene un peso positivo muy fuerte en cuanto

a la motivación y rendimiento, que se produce en los aprendizajes.

Los objetivos generales que se persiguen con un proyecto interdisciplinar atienden a

Integrar áreas del saber, entrenar competencias y aplicar conocimientos de una

manera práctica.

En este tipo de proyecto educativo se propone un reto al alumnado que tiene que

resolver primero mediante la investigación, más tarde con la creación de un producto

visual y finalmente con una exposición oral. De este modo se establece un aprendizaje

más rico basado en la experiencia, que aúna varias materias y que culmina con una

puesta en común para compartir conocimientos adquiridos.

Este tipo de metodología hace que el alumnado se acerque al currículo de una manera

práctica y con un sentido claro. Los conocimientos de esta manera se interiorizan y se

comprenden mejor a diferencia de una clase expositiva, donde el objetivo es

memorizar una serie de datos para pasar una prueba o examen. Es importante para

este tipo de metodología que el docente sea un guía de aprendizaje y deje que el

alumno incurra en el error para poder avanzar positivamente, ya que con el fallo se

aprende más que con el acierto continuo.

Es importante considerar que esta metodología favorece la integración, la atención a la

diversidad y también la educación individualizada, cada alumno aprende a su ritmo.

Es interesante elegir bien el tema a tratar para que resulte atractivo y motivador.


41

El fin de la escuela moderna debería desarrollar las diferentes inteligencias y ayudar a

los alumnos a alcanzar fines y vocaciones. Quien recibe este tipo de apoyo se siente

más implicado, competente y dispuesto a servir a la construcción de una sociedad

mejor, al mismo tiempo que beneficia al resto del grupo-clase y mejora el clima de

convivencia. Es evidente que los alumnos manifiestan diferencias ya sea por motivos

culturales, por capacidades intelectuales, intereses o motivaciones. La atención a la

diversidad es un punto principal en la educación actual y esta atención ha de llevarse a

cabo desde una perspectiva amplia e inclusiva.

4.7 Competencias

En este proyecto educativo, se pretenden cubrir una serie de competencias que se

citan en la Orden ECD/65/2015 de 21 de enero, donde se detallan las relaciones entre

los contenidos las competencias, y los criterios de evaluación de la educación primaria,

la Educación Secundaria Obligatoria y el Bachillerato.

Encontramos tres principales competencias sobre las que cimentar este proyecto

educativo interdisciplinar, basado en proyectos.

Sentido de iniciativa y espíritu emprendedor

Esta competencia contempla la iniciativa y el espíritu emprendedor, para alcanzar la

capacidad de hacer física una idea. Para ello es importante saber gestionar los

conocimientos y tener conciencia crítica para alcanzar una meta. De esta manera se

propone a los alumnos de bachillerato artístico, un proyecto que abarca diferentes

materias, con el fin de que manejen de una forma selectiva todo el aprendizaje

adquirido, lo procesen y evalúen y elijan así un lenguaje expresivo acorde a la

propuesta que quieren llevar a cabo.

Aprender a aprender

Es fundamental la motivación, para alcanzar el objetivo que supone para el docente el

aprendizaje. Es importante para que fluya la motivación, fomentar en el estudiante la

curiosidad y las ganas de aprender. La labor del docente es guiar al alumnado para que


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alcance sus metas, de esta manera refuerza su autoconfianza animándolo a

enfrentarse a nuevos retos.

Conciencia y expresiones culturales.

La base del presente proyecto educativo tiene un componente cultural muy amplio, ya

que abarca el estudio de dos civilizaciones, la oriental y la occidental. También realiza

un recorrido histórico artístico a través de la pintura. La conciencia y expresiones

culturales, es una competencia que pretende que las manifestaciones artísticas y

culturales sean fuente de enriquecimiento y por tanto que el alumno lo aprecie desde

el respeto.

4.8 Objetivos

Como ya se ha explicado se plantea un proyecto educativo interdisciplinar que intenta

integrar todas las áreas. Por un lado la asignatura de Dibujo Artístico plantea un reto

cuya resolución puede adquirir cualquier lenguaje artístico, ya sea escultura, dibujo,

pintura, fotografía o diseño, de ahí, que participen todas las asignaturas del

Departamento Artístico: Volumen, Dibujo Artístico, Cultura Audiovisual y Diseño.

4.8.1 Objetivos generales de etapa

Están recogidos en el currículo de la Comunidad de Madrid BOE 2015.

b) Desarrollar y consolidar hábitos de disciplina, estudio y trabajo individual y en

equipo como condición necesaria para una realización eficaz de las tareas del

aprendizaje y como medio de desarrollo personal.

g) Desarrollar el espíritu emprendedor y la confianza en sí mismo, la participación, el

sentido crítico, la iniciativa personal y la capacidad para aprender a aprender,

planificar, tomar decisiones y asumir responsabilidades. BOE, art.3. Miércoles 20 Mayo

2015.

k) Afianzar el espíritu emprendedor con actitudes de creatividad, flexibilidad, iniciativa,

trabajo en equipo, confianza en uno mismo y sentido crítico.


43

l) Desarrollar la sensibilidad artística y literaria, así como el criterio estético, como

fuentes de formación y enriquecimiento cultural.

4.8.2 Objetivos específicos

Reconocer los diferentes lenguajes artísticos y su evolución a lo largo de la Historia,

aplicados al tratamiento de luz y sombra.

o Conocer distintas culturas y sus manifestaciones artísticas.

o Analizar críticamente como el contexto socio-cultural de cada época determina

su creación artística.

o Conseguir que los alumnos integren contenidos y técnicas aprendidas durante

el curso en una actividad, con el fin de ampliar el lenguaje y la sensibilidad

artística.

o Experimentar con diferentes técnicas artísticas para conseguir un lenguaje

propio.

o Expresar de forma correcta todos los contenidos adquiridos que han servido

para el desarrollo del proyecto personal.

o Contribuir a la motivación de la autonomía e iniciativa personal del alumnado.

o Valorar la importancia de la observación y el estudio directo de diferentes

lenguajes plásticos, corrientes artísticas y culturas

o Disfrutar de crear un producto artístico, eliminar complejos, no tener miedo a

equivocarse.

o Respetar el material de trabajo, las instalaciones y desde luego el trabajo de los

demás compañeros.

o Contribuir a la competencia de aprender a aprender.

4.9 Motivación

o Plástica a través de la investigación de artistas y del lenguaje plástico propio y

personal de cada alumno.

o Temática, desarrollar de forma plástica sus propios proyectos.

o Visual, expresar el volumen y el claro oscuro valiéndose de diferentes recursos

y lenguajes.

o Técnica, uso de diversos materiales, se da completa libertad a la hora de crear.


44

4.10 Contenidos a desarrollar

o Tratamiento de la luz y la sombra a lo largo de la historia del arte, investigando

corrientes artísticas y diversos autores.

o Buscar relaciones y diferencias entre la cultura oriental y occidental.

o Analizar y comprender el ensayo El elogio de la sombra.

o Investigar distintos modos de expresión artística con el fin de adecuar un

lenguaje propio.

4.11 Actividades a desarrollar

Las materias participantes en este proyecto son, dibujo artístico, volumen, cultura

audiovisual y diseño. Participa todo el departamento artístico y se concibe así, para

que el alumnado tenga completa libertad para expresar su proyecto.

El contenido del proyecto propone, desarrollar un producto visual artístico y personal,

de técnica libre. Con el tema la luz y la sombra. Se puede basar en la obra de Tanizaki,

en alguna corriente artística o buscar una nueva vía de inspiración.

Las tareas programadas atienden:

o Presentación del proyecto. El objetivo de esta primera actividad, es introducir

al alumnado en el tema que se les va a proponer. Se realiza una sesión

informativa apoyada con un PowerPoint donde se facilitan imágenes y datos de

referencia.

o La segunda sesión de la actividad, trata de la búsqueda por parte del alumnado,

de referentes artísticos e información referente al tema propuesto. Flipped

classroom o clase invertida, donde se combinan tecnología con educación, es

otra metodología muy valiosa para el docente facilitador. El alumno parte de

unos conocimientos previos que ha adquirido con el uso de nuevas tecnologías.

La clase deja de ser magistral transformándose en un lugar para la cooperación

entre iguales, donde el docente puede atender de una forma más personal a

los alumnos que presentan más dificultades. El proyecto de investigación

resultante, será el fundamento teórico de su proyecto físico.

o El siguiente paso es la realización de bocetos. El alumno experimentará con

recursos tanto materiales, formatos y técnicas, hasta encontrar su lenguaje


45

personal. Es importante huir de estereotipos y clichés. Se le pedirá por tanto al

alumno un ejercicio de madurez.

o Una vez concretado bien el tema con la ayuda de los bocetos y el proyecto de

investigación, se realizará el producto final.

o Exposición oral, se trata de compartir con todos los compañeros y profesores,

los conocimientos adquiridos. Ponemos en común todos los proyectos con el

objetivo del enriquecimiento mutuo. En el momento de desarrollar una unidad

didáctica, el profesor facilitador tiene que tener en cuenta la Taxonomía de

Bloom, un medio para desarrollar las habilidades del pensamiento de orden

superior siguiendo una progresión secuencial y jerárquica. Según el

pensamiento cognitivo retenemos mayor porcentaje de información cuando

hablamos y compartimos ideas.

o El último punto es la exposición fin de curso. Se realizará en el hall del colegio,

punto de paso de alumnos, profesores y familiares.

4.12 Procesos de evaluación

Los criterios de evaluación y los estándares de aprendizaje, se apoyan en cuatro líneas

de acción educativa fundamentales:

o La determinación de tareas que por su especial importancia, se convierten en

situaciones específicas de evaluación.

o La determinación de tareas y requisitos específicos a ser ejecutados en cada

trabajo.

o La utilización intencionada de contenido y técnicas trabajadas con anterioridad,

en nuevos trabajos.

o El nivel de participación y cooperación en el trabajo de equipo. La capacidad de

escucha, respeto al profesor como a sus propios compañeros de aula.

El proyecto se evaluará al término de cada etapa de trabajo. Esta evaluación será

colectiva e individual. Los docentes de cada área implicada supervisarán cada una de

las tareas seleccionadas que tengan relación con su materia, para facilitar esta labor,

se aportan una serie de herramientas de evaluación tales como, la evolución diaria del

proceso de aprendizaje o la actitud del alumnado en el aula.


46

La evaluación llevará un proceso por el cual se establecerán grados que

corresponderán en el extremo superior al que consideremos el mejor y por debajo el

menos bueno. Siempre hay que tener la precaución de no establecer valores

subjetivos, siempre objetivos y entendibles. La crítica siempre se conduce de manera

positiva, destacando en primer lugar las virtudes, que siempre las hay, para continuar

con los aspectos a mejorar.

La evaluación que propone el modelo Flipped es la rúbrica, considerada la forma más

objetiva que tiene el docente para calificar el trabajo del alumno.

Teniendo en cuenta los criterios de evaluación, calificación y promoción contemplados

en la legislación vigente. Se tendrá en cuenta el criterio y calificación, resolución

técnica, composición, destreza tonal y creatividad.


47

5 CONCLUSIÓN

La sombra alberga una gran fuente de posibilidades educativas, que por su carácter,

evoca misterio y puede suscitar en los alumnos una gran curiosidad motivadora,

facilitando de esta manera la creatividad. Al adentrarnos dentro del maravilloso

mundo donde habita la luz y la sombra, descubrimos el arte que hay intrínseco en este

concepto, además de descubrir otra forma de representación, tanto de objetos, como

del enfoque que podemos proyectar nosotros mismos.

Son muchos los museos, centros y asociaciones, los que ofrecen talleres relacionados

con la luz y la sombra. Es importante estar informado sobre este tipo de actividades

que se proponen paralelas al centro educativo, ya que son oportunidades muy

atractivas para completar el proyecto propuesto, en este caso versa sobre Luz y

sombra, pero la oferta cultural es amplísima. El alumno acoge estas salidas muy

positivamente.

o Caixa Fórum, durante el 20 de Enero al 22 de Abril de 2018. Organizó un taller,

Pintar la luz.

o El colectivo artístico Moonlight organizó, durante la celebración de la última

edición de Pinta Malasaña, el 9 de Junio de 2019, en la Plaza del Rastrillo una

actividad, Dibuja con luz.

o Museo del Prado. Taller, Las formas de la luz. Del 9 de Marzo al 16 de junio

2019.

o Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía. Actividad, actuar en la sombra

2013-2014.

o Fundación Telefónica. Taller, La luz, la percepción y la sombra. Del 14-17 Abril

2019.

El elogio de la sombra, luces y sombras a lo largo de la historia del arte, se planteó

como un proyecto de investigación cualitativo, que partía de una fuente, en volumen

muy escueta, pero de amplio y muy variado contenido.


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El elogio de la sombra de Tanizaki (1933), es un ensayo que abre un cuestionario de

preguntas en relación al significado de la idea luz y sombra en la cultura oriental y en la

occidental. El autor trata en su libro conceptos arquitectónicos, culturales o

gastronómicos muy arraigados en la cultura oriental y a la par, se ha analizado la

cultura occidental, estudiando como el significado y el uso de la luz y de la sombra se

ha modificado dependiendo de la época y de la sociedad que representa cada tiempo.

Lo más interesante de este proyecto de investigación son las asociaciones que se

pueden hacer dentro de los términos expuestos. Como un punto te lleva a otro y esa

sensación es constante. Desde luego que se dejan muchos temas interesantes en el

tintero, como es la importancia e influencia de la luz y de la sombra en el comic, desde

su origen en las novelas pulp a personajes como Batman, el caballero oscuro. Otro

tema interesante es el planteamiento de la luz y la sombra en el cine, como tema y

como técnica y desde luego en la literatura.

Como propuesta educativa se considera que ha resultado positiva. El alumnado se ha

involucrado plenamente en el proceso creativo. Lo más destacado es que cada uno se

ha guiado de sus propios intereses y preocupaciones. Ampliando el repertorio

iconográfico de la luz y de la sombra.

Muchos alumnos han planteado el tratamiento de luz y sombra desde un punto de

vista onírico, aludiendo a la pesadilla o a las fobias. Relacionan la sombra con la mirada

oscura, tenebrosa y fantasmagórica. Por el contrario, la luz y sobretodo la luz natural,

representa el bien.

La representación de la sombra les sugiere también sentimientos de añoranza y

ausencia. Tienen tan asumido culturalmente el concepto del mal, asociado a la sombra

y el bien por el contrario a la luz, que surge en sus trabajos de forma espontanea.

La literatura también ha sido un buen referente. Han buscado inspiración en la

narrativa fantástica aludiendo por ejemplo, al Bosque Negro, creación ficticia del

escritor J.R.R. Tolkien. Otra fuente de inspiración es el comic manga y también el cine.


49

En líneas generales, se puede decir que los alumnos han buscado referentes

occidentales, sólo se ha dado un caso, en el que la investigación surgió desde el lado

oriental, tratando el tema de las lámparas flotantes, Tōrō nagashi. Se realizan para

ayudar y guiar a los espíritus hacia el otro mundo. Es una celebración muy visual que

consiste en colocar las lamparillas sobre el agua y dejar que las arrastre la corriente.

En conclusión, los objetivos marcados se han conseguido y queda abierto el trabajo a

futuras aportaciones.

Al poco ya había recuperado su sombra y con el entusiasmo se olvidó de que

había dejado a Campanilla encerrada en el cajón.

Lo único que pensaba, aunque no creo que pensara jamás, era que su sombra y él,

cuando se juntaran, se unirían como dos gotas de agua y cuando no fue así se

quedó horrorizado. (Barrie, J.M. 2016. Peter Pan).


50

6 REFERENCIAS

6.1 Bibliografía

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Editorial

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6.2 Sitios WEB

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2019. Sitio web: http://www.monicadixongallery.com/principal.html

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7 ANEXOS

Trabajos de los alumnos de 1º y 2º de bachillerato artístico, Proyecto El elogio de la

sombra, luces y sombras a través de la historia del arte, curso 2018-2019.

Familia vacía. Autora: Sofía Sinaí Osteicoechea Barroso.

Estructura de cartón tridimensional forrada de terciopelo. Con luz artificial.

Las despedidas se han vuelto parte de mí, he tenido que irme de mi país y dejar a las

personas que quiero; soy latina y algo que extraño de mi hogar es comer con la familia

y los amigos, ellos son la luz para avanzar entre los problemas; para nosotros o por lo

menos para mi familia, el momento de la comida es especial, pero, al venir he dejado

mi gente y a veces me doy cuenta de que las sillas están vacías y que la mesa se siente

sola.


53

Sin título. Autora: Andrea Suñer Cerullo.

Técnica mixta. Instalación.

Mi trabajo está inspirado en el artista venezolano Carlos Cruz Diez, Tiene obras en

distintas partes del mundo incluido el parque Juan Carlos I de Madrid.

Para esta creación escogí centrarme en el suelo del aeropuerto de Caracas, Maiquetía,

famoso por ser el fondo de la foto típica que suben los venezolanos en redes sociales al

irse del país, posando con familiares a los que les dicen adiós, o una simple foto de una

maleta junto al precioso suelo que señala su partida.

A través de la composición creada por figuras geométricas y colores vivos, inspirada en

este suelo, represento los venezolanos que huyen de país en búsqueda de una mejora

de su situación y a través del juego de luces y sombras se crea la sensación de que la

silueta del país está flotando frente al fondo de colores que como cada venezolano,

que como cada venezolano flota en distintos lugares del mundo, lejos de su hogar.


54

Páginas olvidadas. Autora: Clara Martín Torrego


Hoy en día los libros se han convertido en un animal en peligro de extinción.

¿Dónde se ha metido la ilusión de leer un libro?

Poco a poco nos estamos convirtiendo en zombies de la tecnología y de las redes

sociales y lo máximo que podemos llegar a leer es un whatsapp o un comentario en

Twitter.


55

La sombra de la elegancia. Autora: Mar Blasco Lorenzo.

Técnica mixta.

La elegancia de los años veinte en armonía con la moderna estética de los grafitis.

Todo unido por el juego de luces y sombras, el negativo y el positivo en la fotografía.


56

Título: Pesadillas

Técnica tinta sobre papel.

Este trabajo está representando una ilustración inspirada en los mangas de Junji Ito y

refleja las pesadillas que nos aterrorizan. El trabajo establece la relación entre los

mangas de terror, las luces y las sombras, ya que las pesadillas son la parte oscura de

los sueños. El gran trabajo de luces y sombras que realiza el ilustrador Junji Ito en sus

mangas creo que representa a la perfección este tema y por eso me inspiré en él.


57

Título: Vida. Autora: Irene Cantero Moreno.


La luz aporta vida, es indispensable para la vida de los animales, las plantas y otros

seres vivos.

Esta serie de nueve ilustraciones realizadas a bolígrafo muestran la importancia de la

luz como factor vital.

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