El Fauvismo.

El expresionismo siempre ha sido considerado como un fenómeno

teutónico y nórdico, pero su aparición en la pintura moderna es el resultado de una liberación del color y de la forma que tuvo lugar en Francia y que culminó en el estilo conocido como el

fauvismo.

En 1906 el grupo liderado por Henri Matisse (1869 – 1954) expuso en el Salon de los Independientes. Es en esta exposicion donde el critico de arte Louis Wauxcelles los describió como “fauves” (bestias salvajes). Este grupo tuvo una breve existencia, la mayoría de sus miembros pasaron a otros estilos. El fauvismo represento el nacimiento de la escuela de Paris y compartió la responsabilidad de crear un arte del siglo XX.

La primera exposición retrospectiva de las obras de Vincent Van Gogh en 1901 tuvo un impacto en la formación del grupo por el fervor de su color y la fuerza emotiva de sus formas.

Otra influencia importante seria Paul Gauguin, que en 1889 se estaba acercando a un estilo que combinaría la espontaneidad, el misticismo y un completo desdén por la fidelidad a la naturaleza” con el uso de colores no descriptivos.

Hay una total independencia del artista respecto de cualquier punto de

referencia que no fuera el de su propia sensibilidad. No tiene ninguna relación exclusiva con ninguna clase especial de

temática, sino que se ocupa del uso directo del color y la forma, no para

sugerir sino para expresar.

Liberación del arte de la descripción literal. El fauvismo se llegó a conocer como el uso nada inhibido del color afín de definir la forma y expresar el sentimiento.

Henry Matisse, desde la época de 1906 comenzaría a producir sus obras más

espectaculares, con una evolución continua del color y su emancipación de las

convenciones perceptivas.

Entre los vinculados a Matisse a principios de siglo, el más íntimo fue Albert Marquet (1875 – 1947).

Marquet evitaba los colores brillantes y puros de Matisse y se mantenía más próximo a las

fuente figurativas.

André Derain (1880 - 1954) dio aportes a los fauves, usó

el color directamente del tubo aplicando en líneas cortadas por pinceladas rápidas e impetuosas.

Su descubrimiento del uso emotivo del color debe tanto a los puntillistas como a Van Gogh, creando obras de una lucidez

organizada, admirables por su coherencia emocional.

En Dama en camisa (1905) representa lo que es la esencia del fauvismo:

multiplicidad de colores y tonalidades, un pincel fluctuante y parecido a

llamas, exageración del rostro y los ojos, la mano izquierda colgante y

distorsionado y el uso parcial de una línea de contorno para definir aquellas partes de la figura que tenían un papel

dominante en la composición.

La experiencia Fauve representó para numerosos artistas un periodo de

liberación. El escape de las convenciones del realismo y de los

limites de la paleta convencional. Esto produjo una toma de conciencia, sobre

lo cual se construirían las futuras carreras: la que el artista debía

dedicarse a su propia visión personal y a la creación de un mundo que fuera

controlado por él mismo.

George Braque (1882 - 1963), durante unos tres años, entre 1904 y 1907, produjo una

serie de obras, que aunque vívidas en color y exuberantes en la línea, son reflexivas en

la composición. Ya tenia implícita una preocupación por la construcción, una tendencia a las superficies planas en la

composición, elementos que prefiguraban la aparición del cubismo.

Georges Rouault, jamás sintió una simpatía por el movimiento fauve,

aunque el también se interesaba en expresar, con el color, una angustia retorcida, y en usar el arte como un

medio de manifestar un punto de vista personal y antirrealista.

Rouault construyó un estilo que varió poco en el transcurso de toda

su carrera. Con sus intereses sociales y religiosos, desarrollo una

iconografía que trató temas religiosos.

Incorporó prostitutas y payasos y todo lo que representaba las grandezas y las miserias de la condición humana. Rouault fue en el fondo un

fauve por la pasión estilística, los salvajes latigazos de color y la necesidad de

vehemencia.

Expresionismo nórdico

Edvard Munch (1863 – 1944) fue un ser profundamente neurótico. Su

madre murió cuando el tenia cinco años, su padre era un medico que

practicaba su profesión en un barrio misérrimo.

Creció en un ambiente dominado por las ideas de la

muerte, la enfermedad y la ansiedad. Las imágenes que

conoció en este periodo de su vida permanecieron en su

interior.

A Munch le sedujo la idea de la muerte y la enfermedad.

Las luchas agónicas, las habitaciones de enfermos y

los elementos de la moralidad le intrigaban.

Edvard Munch tenía problemas de personalidad. Sus neurosis

son evidentes de tal manera que su obra a menudo es la

expresión grafica de la expresión real. Él era conciente de ello y en su diario confiesa la experiencia que creó uno de sus

temas más sintomáticos, El Grito.

“estaba caminando por un camino con dos

amigos. Se puso el sol. Sentí un ataque de

melancolía. De pronto el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoye en una barandilla, muerto de cansancio, y

miré las nubes llameantes que colgaban

como sangre… Mis amigos continuaron

caminando. Me quedé allí temblando de miedo. Y

sentí que un grito agudo e interminable penetraba

en la naturaleza”.

Munch forjó una técnica visual admirablemente expresiva, combinando la línea curva y latigueante con colores que iban de los agresivo a lo sentimental, recuerda mucho las composiciones de Van Gogh. En 1899 Munch había viajado a París con una beca y se había puesto en contacto con Van Gogh y Gauguin, teniendo este último una fuerte influencia sobre él.

Durante años vivió una vida cosmopolita, aunque se vio obligado a pasar periodos

ocasionales en un sanatorio. En 1908 sufrió un colapso y se paso

un año en el hospital en Copenhague. En 1909 retorna a Noruega y allí paso el resto de

su vida en una relativa reclusión.

Edvard Munch se interesó mas en los sentimientos que en los objetos y sobre

todo en los efectos de los sentimientos en la gente y en las relaciones humanas.

En especial esto salta a la vista cuando se compara su obra con la de su contemporáneo belga James Ensor. Ambos eran extáticos en el enfoque, ambos se interesaron en

los aspectos oscuros de la existencia.

James Ensor (1860 – 1949) crea un universo propio, habitado por figuras

absurdas, vistosas, emocionantes y sorprendentes que atrapan la

imaginación, estimulan la fantasía y producen ese shock en la

susceptibilidad del espectador que es el primer objetivo del expresionismo.

Siempre hay implicaciones literarias y sociales en sus obras mas importantes. Esto es verdadero en La entrada de Cristo en Bruselas que mete en una composición masiva toda una serie de episodios y situaciones grotescas y satíricas.

Una gran masa de rostros feos y distorsionados. Ensor atacó

la primacía del elemento figurativo en el arte y se

inspiró en gran parte en un campo que nunca había tenido

un papel importante: la caricatura.

La vida y la muerte, la grandeza absurda de la

condición humana fueron temas que le obsesionaron.

Las figuras enmascaradas fueron casi un cliché en el arte simbolista, pero Ensor fue el primero en

otorgarles el estatus de entidades independientes, sugerentes signos de

interrogación en el carnaval de la vida. Ensor no empezó a recibir un verdadero reconocimiento

hasta 1920, año en que había realizado lo mejor de su obra.

Expresionismo alemán: Die Brücke.

Aunque el expresionismo era un fenómeno europeo, fue en

Alemania donde logro su hegemonía. Fue allí donde se convirtió casi en un estilo de

vida y donde asumió sus formas más radicales e

influyentes.

El grupo Die Brücke (el puente) fue fundado en 1905 por cuatro refugiados de la escuela de arquitectura de Dresden. No

tenían una experiencia pictórica, aunque vieron en la pintura un

medio de liberación, un medio de expresar un mensaje social.

Influenciado por Van Gogh, por los grabados en madera alemanes de la Edad Media y por la escultura

africana y de Oceanía, Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938) se interesó

en explotar todas la técnicas pictóricas y de composición que

pudieran transmitir una sensación de experiencia vivida e inmediata.

En 1911, Kirchner y sus amigos se trasladarían a la atmósfera metropolitana de Berlín, para entonces ya había adquirido considerables habilidades técnicas, inventadas para sus propios propósitos.

Los expresionistas se enamorarían del bajo mundo de

Berlín con sus prostitutas, sus rufianes y gángster.

Dos mujeres en la calle (1911). Figuras oscuras, con cuerpos siniestros y largos, y sus sombreros fantásticos,

están ubicadas contra un fondo verde. Es

virtualmente abstracto y de una considerable complejidad en la

composición.

Erich Heckel (1883 – 1970). Sus primeras pinturas tienen la vehemencia descontrolada del iniciado. Los colores y las formas se arremolinan juntos en una especie de tormenta pictórica. El pigmento puro y no diluido tiene la misma vehemencia que la de algunos cuadros de Van Gogh.

En 1909 Heckel viajó a Italia, donde le impresionó el arte etrusco; se fascino con la idea de la luz y se dedicó a expresar en sus obras esas cualidades. El primer fruto de esta nueva inclinación fue Desnudo en un sofá (1910) que ejemplifica de forma perfecta la clarificación que hizo Kirchner de la declaración original del Brücke.

“la pintura es un arte que representa un fenómeno de sentimiento sobre una superficie plana. El medio empleado en la pintura es el color. El pintor transforma un concepto procedente de sus propias experiencias en una obra de arte. La pintura recupera la libertad de acción. La transfiguración instintiva de la forma, en el mismo instante del sentimiento, es plasmada impulsivamente en la superficie plana”.

Karl Schmidt Rottluff (1884 – 1976). Las figuras apenas aparecieron en sus

pinturas. Su tratamiento vigoroso y simple, sus colores fuertemente saturados y las grandes áreas de

composición indefinibles, lo llevaron al borde de la abstracción pura.

Su traslado a Berlín fue lo que le alejó de los paisajes y le acercó a las figuras y

a las naturalezas muertas. La composición es compleja y fragmentada. Las figuras humanas aparecen casi como

estatuas prístinas.

Expresionismo alemán: Der Blaue

Reiter.

Der Blaue Reiter (El jinete azul). El nombre del grupo tuvo su origen en una conversación mantenida entre dos de sus fundadores: Wassily Kandinsky y Franz Marc. Kandinsky recordaría: “Franz Marc y yo elegimos ese nombre cuando un día estábamos tomando café… A los dos nos gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mi para los jinetes. Entonces el nombre salió por si mismo”.

En 1911 Kandinsky y Marc fundaron Der Blaue Reiter. Realizaron una serie de exposiciones en Munich y Berlín. Los miembros de Der Blaue Reiter Exploraron el espacio imaginario y declararon su independencia de los limites del mundo visible.

Wassily Kandinsky (1866 - 1944) nació y se educó en Rusia; en 1895,

convertido al arte al ver una exposición de impresionistas

franceses en Moscú, fue a Munich a dedicarse a la pintura.

Su pintura era en sus comienzos predominantemente Art Nouveau con acentos simbolistas, pero ya poseía cualidades alusivas y emocionales.

Influencia de Cezanne, Matisse y Picasso. Las formas visuales empezaron a perder sus cualidades descriptivas

La temática ya no tiene mayor importancia. Lo que importa es la sensación de dinamismo y los colores de

fuertes contrastes

A partir de 1910, Kandinsky continuó pintando cuadros en los que aun eran discernibles los elementos figurativos, pero al mismo tiempo hizo obras en la que tanto las formas como los colores

pertenecen a un mundo propio y deben poco a cualquier fenómeno

visual reconocible.

Kandinsky utiliza la palabra GEISTIG, traducido como

“espiritual” para describir los elementos irreal de su pintura. Deseo de lograr una síntesis de

pensamiento y sentimiento, ciencia y arte, de lógica e intuición.