ESCULTURA GRIEGA. APUNTES

5/13/2018 ESCULTURA GRIEGA. APUNTES - slidepdf.com

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HISTORIA DEL ARTE. ARTE GRIEGO. ESCULTURA

I. CARACTERÍSTICAS GENERALES

Nos encontramos ante una de las cimas de la Hª del Arte, que servirá de inspiración

“clásica” a los escultores occidentales de todos los tiempos.

De la mayoría de las obras de los grandes maestros solo conservamos copias romanas,no podemos admirar los originales.

En sus orígenes se aprecian las raíces orientalizantes (gran influencia egipcia en los

primeros tiempos) de cuyos convencionalismos pronto se liberan. Es evidente la

evolución que sufre la escultura griega con una clara orientación: la búsqueda de la

plasmación de la figura humana en su doble concepción: de belleza física (cuerpo) y

equilibrio espiritual (alma).

La escultura helénica es la materialización plástica de los ideales del pueblo griego. En

la escultura griega el factor estético es fundamental, podemos hablar, por primera vez

podemos observar la búsqueda del mero placer de la belleza al margen de su

significación religiosa.

Y para plasmar la belleza nada mejor que hacerlo en un cuerpo humano (plasmación

del antropocentrismo). Pero, ¿cómo entienden la belleza los griegos? La belleza es

concebida como medida, la anatomía armoniosa, la proporción entre las partes, la

idealización del cuerpo humano.

Pero la belleza, por muy armónica que sea, no es nada sin la expresión

, laexteriorización de los sentimientos a través del rostro y el cuerpo. Se trata de hacer

una perfecta fusión entre la vertiente espiritual y su fachada física.

La tercera obsesión de los griegos (superación respecto a otras culturas de la

Antigüedad) es la representación del movimiento. ¿Cómo son capaces de crear

movimiento en sus esculturas? Mediante la torsión de los cuerpos, la flexibilidad de los

miembros, la tensión muscular que nos proporciona visualmente agilidad, dinamismo y

viveza.

Y además los escultores griegos se alejan de la concepción plana y frontal de laescultura egipcia para plasmar el volumen de los cuerpos y la multiplicidad de puntos

de vista. La conquista del volumen y la perspectiva múltiple es lenta pero es fácil

observar su evolución.

Las innovaciones griegas no se limitan a la función y la forma, también en las técnicas y

los materiales van a introducir cambios provocados por su afán de superación de retos

técnicos. Los helenos usarán todos los materiales a su alcance: madera, oro, marfil (las

estatuas de oro y marfil se conocen como crisoelefantinas), mármol policromado, pero

sobre todo bronce.




La temática principal es la figura humana, motivo de estudio y reflexión de la escultura

griega, con la que se representó a los diferentes dioses y diosas, héroes y heroínas,

pero también a atletas considerados como modelo paradigmático del equilibrio físico y

espiritual al que aspiran.

II. EVOLUCIÓN Y ETAPAS

Tradicionalmente se suele hablar de tres etapas:

- Arcaica (desde los orígenes, siglo VII hasta el siglo V AC)

- Clásica (entre los siglos V y IV AC)

- Helenística (desde finales del siglo IV AC hasta el siglo I AC, con la conquista

romana).

El cambio, la evolución se produce a base de superación de retos y agotamiento de las

formas, así en la etapa arcaica el objetivo es la búsqueda de la belleza ideal y la

expresión del movimiento, una vez conseguido este reto los escultores buscan alcanzar

otros nuevos, la expresión, una belleza más natural, el realismo idealizado que

caracterizará a la etapa clásica hasta que, agotadas las posibilidades se tienda a la

exageración de las formas (manierismo) que culminará en el helenismo.

1º. PERIODO ARCAICO:

Llamamos periodo arcaico al que abarca desde mediados del siglo VII AC, en que los

griegos empezaron a desarrollar técnicas e ideas propiciadas por el contacto con lascivilizaciones más antiguas de Egipto y el Próximo Oriente, hasta la época de las

guerras persas, a mediados del siglo V AC.

Las metas alcanzadas por la escultura egipcia no son más que el punto de partida de la

escultura griega en el siglo VII AC. Desde entonces los griegos empiezan a tallar

grandes figuras de mármol. Impresionados por las estatuas egipcias que les sirvieron

de primera inspiración. Los griegos no solo se inspiraron en las formas egipcias, sino

que tomaron también su técnica. Esculpir una figura de tamaño natural en piedra no

es fácil, y cualquier intento no sistemático conduce rápidamente al fracaso. Los griegos

debían ser conscientes de ello, pues sabían que los egipcios, muchos siglos antes,

habían inventado un método para tallar figuras en piedra. Los egipcios, recordamos,

dibujaban los contornos de la figura deseada en tres o cuatro caras de un bloque de

piedra, en la parte anterior una vista frontal y de perfil en los costados. Luego

cincelaban poco a poco hacia dentro hasta alcanzar la profundidad correspondiente a

la figura dibujada.

Los griegos adoptaron el método egipcio de trabajo y, en gran parte, el sistema egipcio

de proporciones. Es por eso por lo que las primeras estatuas griegas recuerdan tanto a

las egipcias. Las semejanzas de pose y técnicas son obvias, las diferencias de estilo y




función son más sutiles pero sumamente importantes. El escultor egipcio hacia una

figura naturalista del hombre bastante convincente, los griegos creían que la estatua

no sólo debía parecer un humano sino también ser un objeto bello en sí mismo.

Teniendo en cuenta su concepción de belleza, esta era conseguida mediante la

introducción de tres elementos: la simetría, la repetición exacta de las formas y el usode las mismas en distintas escalas (proporcionalidad).

Los escultores griegos, como los egipcios, apreciaban la simetría natural del cuerpo

humano y subrayaban esta manteniendo la figura derecha, mirando hacia adelante y

con el peso repartido entre las dos piernas. Evitan cualquier postura con torsiones que

estropeen la simetría.

La simetría sobre un eje vertical se consigue fácilmente (dos ojos, dos piernas, dos

brazos...) pero sobre el eje horizontal es mas complicado. Sin embargo los artistas

griegos hicieron frente al problema con la invención de sus propios “ejes horizontales”.

Imaginan un eje horizontal en la cintura, al nivel del ombligo y luego crean un dibujo

simétrico a cada lado del mismo. El escultor repetía ciertas formas con total exactitud y

a escalas distintas y lo hacía, no para dotar de naturalismo a la figura, sino para lograr

un diseño decorativo. Sacrificaba el naturalismo uniforme del modelo egipcio a fin de

crear una obra más satisfactoria desde el punto de vista estético. Los artistas griegos

siempre se preocupaban de encontrar un equilibrio entre la belleza del diseño y la

apariencia de naturalidad, aunque a veces optaron por lo abstracto y formal, como en

este caso.

Las primeras manifestaciones escultóricas griegas son los Koiroi (kouros en singular) y

las korai (koré). Se trata de representaciones de hombres desnudos y mujeres

vestidas, posiblemente de significación religiosa, que en gran medida obedecen a

modelos egipcios. Sin embargo, y a pesar de utilizar la misma técnica, se aprecia desde

el principio el intento por parte de los helenos de dotar de vida a sus esculturas.

Se trata de obras muy influenciadas por la plástica egipcia, manifestada en rasgos

arcaicos como:

- Rigidez y frontalismo: aparentan dificultad para mover los dedos las

extremidades.

- El movimiento es únicamente señalado por el adelantamiento de la pierna

izquierda.

- Ojos almendrados, sonrisa arcaica.

- Monumentalidad (algunos pueden llegar a medir hasta 3 metros de altura)

- Concepción esquemática de las partes del cuerpo, el pelo y el rostro.




A las korai (koré) se les atribuye un claro sentido religioso, pero comparten la misma

rigidez e inexpresividad que sus compañeros. Van vestidas con el tradicional peplo y

chitón que, a veces, cae formando numerosos pliegues paralelos. Como los kouroi

sufren una evolución rápida que lleva a avanzar en las técnicas de blandura y

flexibilidad de las telas.

En la escultura egipcia, la función mágica de la estatua (servir de residencia al espíritu

humano en la vida eterna) determinó siempre su forma e hizo que a lo largo de

milenios a penas hubiera evolución en los estilos escultóricos. Los griegos, por el

contrario atribuyen a sus estatuas finalidades distintas (pueden ser representación de

un dios, servir como objeto bello dedicado a un dios o incluso ser un homenaje a un

humano) pero en ninguno de estos casos la función determina la forma. No hay nada,

ni siquiera las creencias religiosas que evite que los artistas griegos cambien la forma

como mejor les parezca, no están sometidos a los mandatos de las convenciones.

En la Antigüedad el cambio, el progreso, se consideraba no solo atrevido, sino

peligroso. La repetición exacta del modelo asegura el éxito del trabajo (si algo

funciona, para qué cambiarlo) el cambio podía tener consecuencias desafortunadas,

pero los griegos eran emprendedores y siempre estaban dispuestos a correr riesgos.

Gracias, en parte, a ese espíritu siempre innovador se produce la transición entre el

periodo arcaico y el clásico.

Dado que habían aprendido la técnica de esculpir del bloque de mármol como los

egipcios, contaban con una serie de limitaciones técnicas ya que las estatuas teníanque diseñarse de manera que no se cayeran ni se rompieran (resultado: apariencia de

bloque, rigidez y frontalismo). Sin embargo, a pesar de las limitaciones, los griegos

empezaron a introducir cambios y a producir paulatinamente kouroi de un naturalismo

cada vez mayor. Comparar el naturalismo que ofrece el Kourós de Anayssos (siglo VI

AC) con el esquematismo del kourós primitivo (de finales del siglo VII AC).

El naturalismo lo consigue modificando las proporciones de la figura, dotándola de

volumen (convierte en tridimensional lo que antes solo eran líneas grabadas en la

superficie). No obstante, la técnica del labrado del pelo sigue la misma técnica utilizadapara el kourós primitivo. He aquí un buen ejemplo de la clase de problemas que surgen

cuando los artistas empiezan a hacer cambios. El pelo a base de cuentas parecía

apropiado en el tratamiento esquemático del kourós primitivo, sin embargo ahora

choca con las formas naturales del cuerpo. El escultor no podía prever ese choque de

estilos, simplemente surgió cuando alteró alguno de los elementos tradicionales.

En el siguiente ejemplo de una generación posterior (alrededor del año 500 AC), el

Kourós Aristodikos vemos resuelto el problema del pelo, se recorta, dotándolo de

naturalidad. Sin embargo, y a pesar de las formas anatómicas más reales, no tanhinchadas, sigue adoptando una pose rígida, un aspecto poco natural. Esto es




consecuencia de la técnica, de haber aprendido el arte de hacer estatuas de los

egipcios porque esta era la pose que producían los dibujos sobre el bloque. En los

kouroi primitivos la pose no presenta un problema (es adecuada para el

esquematismo) pero cuando se ha dotado a la figura de cierto naturalismo, la

apariencia de rigidez se acentúa. Se ha ganado en el tratamiento de los volúmenes, dela anatomía, pero se la figura no parece viva.

El modelo que reconocemos al observar los tres kouroi: aparición de un problema,

solución del mismo, aparición de otro, es fundamental para toda la evolución del arte

griego. La audacia, la inquietud de los artistas les hizo pasar de un problema a otro

hasta alcanzar la plenitud del arte clásico.

El punto de transición entre el periodo arcaico y el clásico lo encontramos en una

estatua llamada El joven de Kritios. Para resolver el problema del aspecto rígido, poco

flexible, de la pose, lo que hace el escultor es cambiar precisamente esta. Realizada

poco antes del saqueo persa de Atenas, en el año 480 AC, nos presenta la novedad en

la pose: la estatua mira hacia adelante, pero con la cabeza ligeramente ladeada y en

lugar de tener el peso repartido entre las dos piernas, lo apoya sobre la pierna trasera,

haciendo que la cadera se levante un poco de ese lado. Los cambios físicos son muy

reducidos, pero los resultados son notables, la estatua ya parece dotada de vida.

¿Por qué se arriesgo a tal cambio el autor del Joven de Kritios? El cambio de pose está

motivado por la búsqueda de la vitalidad que se observaba en las esculturas de

bronce1 que ya habían empezado a hacer los griegos. El mármol es un materialpesado, con poca fuerza tensora, que se rompe debido a su propio peso si sobresale

sin tener ningún punto de apoyo; es importante que el escultor se asegure que todas

las partes de una estatua de mármol tengan el apoyo adecuado. Sin embargo, el

bronce tiene una gran fuerza tensora y las estatuas fundidas en bronce necesitan muy

poco apoyo para su equilibrio, por eso permiten una gama de poses muy variada que,

sin duda, sirvió de inspiración para el autor del Joven de Kritios.

2. PERIODO CLÁSICO

A partir del siglo V AC (apogeo político y económico de las poleis, hegemonía

ateniense en toda la Hélade) se alcanza en la escultura griega la máxima expresión del

concepto de belleza entendida como armonía perfecta y serenidad. Los escultores

helenos del siglo V AC pretenden ofrecernos una versión de la realidad pero para

idealizarla, buscan un arquetipo que se pueda repetir en su búsqueda del ideal

universal, pero al mismo tiempo sin alejarse de lo real. Se trata de la plasmación del

ideal de equilibrio griego expresado en la escultura. Destacamos de este periodo a tres

autores: Mirón, Fidias y Policleto.

1Recordad la técnica de la cera perdida para el trabajo de la escultura en bronce. (Apuntes Tema1)




Pero en el siglo IV AC las posibilidades de expresión de esa belleza ideal ya están

agotadas. Al mismo tiempo que las convulsiones políticas y económicas provocadas

por las consecuencias de las Guerras del Peloponeso, se convulsiona la serenidad

plástica. Los grandes maestros del siglo IV AC van a prestar más atención a la expresión

de sentimientos y emociones a través de la expresividad de los rostros y cuerpos. Dela larga lista de maestros de este periodo destacamos a Scopas, Praxíteles y Lisipo.

Veamos un estudio algo más detallado de cada uno de ellos, separando las dos etapas

(siglo V y siglo IV AC dentro del clasicismo)

MIRÓN

Broncista en los primeros años del siglo V AC centra toda su atención en la captación

del movimiento en la figura humana. Su obra cumbre es el Discóbolo.

Mirón, mostrando una enorme audacia que asombró a sus contemporáneos,

representa al atleta en el preciso instante en el que concentra todas sus energías para

lanzar el disco. Es un momento de máximo desequilibrio del cuerpo, justo cuando el

atleta se dispone a iniciar el giro para soltar el disco con todas sus fuerzas. El

Discóbolo es un gran logro en cuanto a la captación del movimiento, pero hay muchos

rasgos arcaizantes que hacen poco realista la escultura: no hay correspondencia entre

la situación que nos narra con la postura y la expresión del rostro y el estudio

anatómico (los músculos son planos, como en una postura relajada, cuando deberían

estar en plena contracción). Nos encontramos, por todo ello, en el umbral delclasicismo.

FIDIAS (460 / 430 AC, mediados del siglo V AC)

Supervisor de las obras de reconstrucción de la Acrópolis de Atenas mientras su amigo

Pericles gobernó en ella. Fundó una escuela de escultores cuya fama superó las

fronteras del Ática y creo el estilo clásico ateniense.

Es considerado el paradigma del clasicismo porque alcanza el punto culminante en la

expresión perfecta de la anatomía y el movimiento del cuerpo humano. Para suscontemporáneos era considerado el “escultor de los dioses” porque los retrata tal y

como se concebían en su época, con majestuosidad e idealización, pero al mismo

tiempo, muy humanos en su expresión, nada alejados de la realidad.

La serena belleza entendida como equilibrio y proporción se plasma en su prolífica

obra (muchas obras atribuidas a Fidias lo son en realidad de su taller y sus discípulos)

tanto de relieve como de bulto redondo. En este último caso hay que destacar las

estatuas de la diosa Atenea para la Acrópolis de Atenas (la famosa y monumental

estatua crisoelefantina del Partenón). Pero Fidias es conocido sobre todo por losrelieves del Partenón, el mejor exponente de su estilo.




El programa escultórico del Partenón estaba cohesionado por un objetivo claro:

proclamar la gloria de Atenas y de Atenea, su divinidad protectora. El famoso friso de

las Panateneas es solo una parte del conjunto iconográfico del templo: en los

frontones, la parte más alta dedicada a la escultura, se representaba a los dioses, más

abajo, en las metopas, a los héroes y en el friso interior, zona todavía más cercana alsuelo, los dioses se reúnen con los humanos.

Su obra escultórica del Partenón se reparte entre las metopas del friso del peristilo, el

friso interior (en el muro de la cella) y los frontones de las dos fachadas.

- Las metopas: representan un programa iconográfico en torno a diferentes

luchas de la historia helénica. Los temas son la gigantomaquia, la

amazonomaquia y la centauromaquia.

Estos relieves ocupan el primer puesto en la historia del relieve. Fidias consigueplasmar el movimiento de las batallas, que adquiere efectos dramáticos,

mediante la composición, la anatomía (tensión muscular) y expresión de las

cabezas sin perder cierto grado de serenidad y equilibrio propios del clasicismo

del siglo V AC.

- El friso que recorre el muro exterior de la cella está destinado a la procesión de

las Panateneas. En él Fidias nos describe la comitiva (procesión del peplo) que

cada cuatro años asciende a la Acrópolis portando ofrendas a la diosa patrona

de la ciudad (el cierre de fiesta de las Panateneas, una celebración religiosasimilar a los Juegos Olímpicos).

En un hecho inédito en un templo dórico, por el friso jónico (corrido, sin

división en triglifos y metopas) desfilan las figuras en el mismo orden en el que

se producía en la realidad. Se inicia en la fachada occidental (muro del

opistodomos) y avanza en sendas filas hacia el norte y hacia el sur para confluir

en la fachada de la pronaos (fachada oriental). En el punto de arranque se

inicia una cabalgata que ocupará el 70% del friso y que encabezan los carros.

Precediendo a esta se inicia el cortejo a pie, compuesto por los ancianos

portadores de ramas, los músicos, los portadores de hidrias (vasijas de agua)

los conductores de ganado y animales para el sacrificio. De las 350 figuras que

decoraban el friso destacan las muchachas que presiden la comitiva portando

el peplo (vestimenta tradicional) que ofrecerán a los sacerdotes para que vistan

a la diosa Atenea y ellas mismas ataviadas con uno. Las divinidades humanas

contemplan relajadamente la escena sentadas en escabeles. Destaca la

representación de Poseidón, Apolo y Artemisa, realizados a una escala

superior que el resto de las figuras del friso, conversando plácidamente entre

ellos mientras contemplan la comitiva,




Los bloques de mármol estaba ligeramente inclinados hacia delante para

conseguir así que les llegara la luz de abajo; con el mismo objetivo, el relieve de

la zona superior es más alto (profundo) que el del resto de la superficie.

Los relieves del friso de las Panateneas muestran el característico estilo de

paños mojados de Fidias. Los vestidos de las muchachas se ajustan

delicadamente a los cuerpos y muestran, mediante los, pliegues menudos que

se adhieren una caída admirable, dejando así apreciar la belleza de sus formas.

Las figuras se mueven con elegancia, con movimiento pausado lleno de

solemnidad, se relacionan entre sí sin necesidad de recurrir a innecesarios

gestos efectistas (torsiones, gesticulaciones excesivas), dentro del claro sentido

de la medida del clasicismo.

Las figuras se reúnen en solemne procesión sin que esta se desordene enningún momento. Esto no quiere decir que el friso caiga en la monotonía, para

evitarlo, Fidias colocó estratégicamente escenas cotidianas y anecdóticas un

joven atándose la sandalia, por ejemplo) que dotan de realidad a la escena.

A pesar de las diferencias que se atribuyen a diferentes “manos” de artistas del

taller de Fidias, la cohesión es conseguida y dio lugar a lo que se conoce como

“estilo Partenón”, caracterizada por una increíble plasticidad y una maestría en

la ejecución que hacen que el mármol, mas que esculpido, parezca modelado,

como se aprecia en la airosidad de los vestidos, la frescura de los peinados y laperfección de las anatomías, que parecen reales.

A pesar de la gran cantidad y variedad de figuras, Fidias y sus colaboradores

fueron capaces de individualizarlas, ya fuera a través de las actitudes, las

distinciones físicas o el tratamiento de la ropa: pero no recurrieron a los gestos

demasiado marcados, sino que mantuvieron siempre la expresión serena del

periodo clásico.

- Los frontones:

o Frontón occidental (fachada oeste, trasera): el patronato del Ática (nos

narra la competición entre Poseidón y Atenea por conseguir ser los

protectores de Atenas)

o Frontón oriental (fachada este, principal): el nacimiento de Atenea.




POLICLETO (460 / 420 AC) Mediados del siglo V AC, plenitud del clasicismo.

No solo es escultor, sino también teórico de la anatomía, escribe el “Canon”, un

tratado sobre las relaciones perfectas entre las partes del cuerpo humano. Su canon de

siete cabezas (ideal) será aceptado y reproducido durante todo el siglo V AC.

De su serie sobre campeones olímpicos solo nos han quedado algunas obras que son

manifestación del perfecto equilibrio entre fuerza física y belleza espiritual. Sus

mayores exponentes son:

- El Doríforo (Joven portador de la lanza)

Con sus proporciones matemáticamente calculadas es la materialización de sus teorías

sobre el canon. Nos representa a un joven lancero en posición de descanso. Además

de las proporciones destaca el efecto profundidad (volumen) conseguido por la

posición de las piernas y la diferente función que se les atribuyes (una sostiene el

cuerpo y la otra descansa, relajada) lo que supone una alteración del equilibrio en las

caderas y en la musculatura del abdomen, perfectamente representado (realismo).

- El Didúmeno (Atleta que se ciñe la diadema)

Una vez más materializa el canon de siete cabezas, aunque en esta ocasión las piernas

son algo más cortas. Destacamos la expresión dulce del rostro, pero sobre todo la

musculatura acentuada de los brazos (relacionada con su condición de atleta y la

postura de los brazos) y el juego de luces y sombras provocado por la posición de lasextremidades).

En el siglo IV AC entran en crisis los ideales anatómicos de Policleto y la serenidad y

equilibrio de Fidias. Los nuevos maestros presentan nuevas formas que se

corresponden con los nuevos valores del pueblo griego.

El relativismo filosófico se manifiesta en la escultura, las posibilidades de

representación del hombre ideal, los arquetipos, están agotadas. Ahora se empieza a

buscar otras formas de representar la realidad, más realistas, menos idealizadas en

torno a un modelo único. Es el fin de la visión unitaria, se buscan otros puntos de vista

de la humanidad que no se corresponden siempre con el modelo universal de humano.

La crisis religiosa se manifiesta en una representación cada vez más humana de los

dioses. Siempre han tenido forma humana (antropomorfos) pero ahora además

revelan sentimientos y actúan como humanos.

A pesar de estas transformaciones (manierismo) la escultura del siglo IV AC sigue

dentro de la etapa clásica, ya que, aunque anuncie algunos cambios que llegarán con el

helenismo, mantiene el ideal de belleza entendido como armonía y equilibrio entre laspartes (proporción) y serenidad, propios del clasicismo.




LISIPO (370 / 318 AC)

Hereda de Policleto la preocupación por las proporciones anatómicas pero alarga el

canon tradicional hasta establecer uno de ocho cabezas (la cabeza, de menor tamaño,

queda comprendida ocho veces en el cuerpo) en lugar de siete lo que proporciona a

las figuras una mayor esbeltez, cuerpos mas estilizados.

Trabaja, además, en la multiplicidad de puntos de vista de sus obras, que no son solo

para ser vistas de frente.

Respecto al tema vemos como, a diferencia de lo que ocurría en el siglo anterior, Lisipo

desmitifica a sus personajes, los representa en sus momentos menos nobles,

humanizando incluso a los dioses.

Obra:

- Apoxiómenos:

Su nombre significa “el que se quita el aceite”, representa a un joven atleta de

pie y desnudo que, tras competir, se quita el polvo y sudor con el estrígilo

(raedera) una vez realizada su hazaña (merece la pena contrastar la elección

del tema con las representaciones de atletas del siglo V AC).

El cuerpo parece oscilar sobre las piernas en posición poco estable como

símbolo de la pérdida del perfecto equilibrio del siglo V AC. La escultura inclina

y gira ligeramente la cabeza para mirar a lo lejos, eleva los brazos a la altura de

los hombros y con la mano izquierda desliza el estrígilo por la parte anterior del

brazo derecho. Ambos brazos están tensos, pero uno se dobla mientras el otro

esta estirado hacia adelante. La figura se apoya en primer término sobre la

pierna izquierda, pero la otra no está relajada y situada hacia atrás como era

habitual, sino que se desplaza hacia la derecha y contribuye a sustentar la

estatua. El cuerpo aun está sometido al principio de frontalidad, pero el brazo

extendido invita a girar en torno a él y ofrece, de esta manera, múltiples

visiones.

La esbeltez de la figura es fruto de la aplicación del nuevo canon de

proporciones ideales propuesta por Lisipo y según el cual la cabeza debía ser

1/8 parte del cuerpo.

Lisipo fue el escultor de la corte de Filipo II y el preferido de Alejandro Magno,

al que realizó varios retratos.

- Hermes ciñéndose la sandalia: postura poco solemne para representar a un

dios.




- Ares Ludovisi: representa nada menos que al dios de la guerra descansando

después del combate, una postura muy humana, despojada de la

majestuosidad que le corresponde a una divinidad.

PRAXÍTELES (380 / 330 AC)

Es uno de los grandes escultores del periodo clásico, empezará a desvelar los caminos

que seguirá la escultura helenística: aumento de la expresividad, mayor realismo,

representación de los sentimientos y composiciones más dinámicas.

Destaca por su originalidad en el tratamiento de la figura humana, con su característica

“curva praxiteliana” que hace aparecer a sus “ Apolos” como personajes blandos,

ingrávidos, sensación acentuada por el tratamiento difuminado de las superficies, lejos

del claroscuro del siglo V AC. Los personajes curvan exageradamente la cadera, apoyan

indolentemente el brazo y traslucen en su rostro una intensa nostalgia.

Praxíteles, quizá el artista más apreciado de la Antigüedad griega, trabajó

especialmente con el mármol, material que utilizó para la mayoría de sus

esculturas exentas. Sus obras representan adolescentes graciosos y bellos, y

dioses de aspecto humanizado, con una sinuosidad y una dulzura que

seducirían a los artistas helenísticos. La sonrisa de sus personajes y el detalle

con que trabaja los gesto ke distinguen de la escultura atlética del siglo

precedente. La belleza, la voluptuosidad juegan un papel predominante en sus

creaciones.

Praxíteles, a pesar de estar muy alejado de este estilo, ha sido considerado el

precursor de los cambios que dieron lugar al lenguaje helenístico, por primera

vez, los dioses y héroes mostraban sentimientos.

El canon de Policleto, según el cual las partes del cuerpo deben estar calculadas

a partir de parámetros matemáticos, influyó en la configuración anatómica de

las estatuas del escultor griego. Sin perder los ideales clásicos ya deja lugar a la

expresión de los sentimientos y a un cierto realismo.

Obras:

- Sátiro en reposo

- Apolo Sauróctono

- Afrodita de Cnido

Se le atribuye a Praxiteles la primera escultura destacable de un desnudo

femenino. Afrodita es la diosa de la belleza y del amor en su concepción más

erótica, de ahí su interés en representarla desnuda, algo inédito para las




representaciones femeninas. Praxíteles aprovecha el momento del baño para

hacerlo. El arte griego que desde siempre había aceptado el desnudo

masculino, se resistía a admitir el desnudo femenino.

- Afrodita de Arlés.

- Hermes de Olimpia o Hermes con el niño Dioniso.

Hermes sostiene en brazos a su hermanastro Dionisos. La escena hace

referencia a una parada en el camino hacia el nuevo hogar del pequeño, que

Hermes quiere esconder para protegerlo de la ira de Hera.

Destaca por encima de todo por la calidad del modelado, la flexibilidad de las

figuras y la delicadeza de las superficies, características todas ellas de la técnica

de su autor. Es un auténtico compendio del arte de Praxíteles.

La famosa curva praxiteliana, que huye de la línea vertical y estática e imprime

airosidad y ligereza a las figuras, hace que el cuerpo de Hermes se desplace del

eje vertical y forme una seductora S invertida que le proporciona un sutil

equilibrio entre movimiento y reposo.

La elevación de la cadera de Hermes, consecuencia directa de la ondulación del

torso, y la elegancia con que están definidos los músculos hacen que la

escultura pierda tensión y gane sensualidad, La sinuosidad de la su figura

destaca aun mas por el contraste que se establece con la verticalidad delpequeño Dioniso y la de la túnica que, lejos de tener unos pliegues ordenados y

paralelos como los del friso de las Panateneas, muestre una caída natural,

semejante a la real.

En una referencia al futuro del pequeño dios como divinidad del vino, su atento

hermano que lo sostiene con su brazo izquierdo, le da un grano de uva con la

mano derecha, que no se conserva. La parte inferior de las dos piernas, que

tampoco se conservaban, han sido reconstruidas.

Esta obra pertenece al momento de máximo esplendor del arte clásico, quecuestiona la severidad anterior y apuesta por la suavidad, la armonía, la

representación de los sentimientos y el aumento de la expresividad. Los artistas

que impulsaron este cambio fueron el propio Praxiteles, Scopas y Lisipo.




SCOPAS (380 / 330 AC)

Avanza en la ruptura con el clasicismo, si Praxíteles y Lisipo a pesar de sus innovaciones

mantenían viva la tradición de la búsqueda de la belleza, Scopas se centra en la

plasmación de los sentimientos muy alejado ya de la serenidad clásica.

Obras:

- Ménades: según la mitología clásica son seres divinos femeninos relacionados

con Dionisos, mujeres salvajes, rebeldes, que abandonan la racionalidad para

dejarse llevar por sus instintos. Así, la representación de lo dionisiaco en su

aspecto femenino se aleja de la serenidad de lo apolíneo (Afroditas). Las

Ménades de Scopas son figuras convulsas, agitadas, en movimiento conseguido

por los pliegues del vestido y el perfil helicoidal.

- Relieves del Mausoleo de Halicarnaso. Tumba monumental construida en

honor del rey Mausolo, una de las Siete Maravillas del mundo antiguo.

- Cabeza de Meleagro

Otros autores y obras:

- Leocarés: Apolo de Belvedere

- Timoteo: Leda con el Cisne. Un tema lleno de erotismo que será recurrente ya

desde época romana y en el Renacimiento y el Neoclasicismo. Nos narra cómoZeus adopta la forma de cisne para tomar a Leda, reina de Esparta. Es curioso a

lo largo de los tiempos se ha considerado más aceptable a la moralidad la

representación de la cópula de Leda con un cisne que con un hombre.

3º. PERIODO HELENÍSTICO

El helenismo representa la crisis de las poleis y su sistema de valores que había dado

lugar a lo helénico.

A finales del siglo IV AC toda la Hélade cae bajo el dominio político del reino de

Macedonia (fin de la independencia de las poleis) y gracias a la política de conquistas

de Alejandro Magno entra en contacto con otras culturas. El nuevo Imperio Helenístico

tiene otros ideales que se traducen en nuevos modos artísticos.

Las monarquías helenísticas (surgidas tras la muerte de Alejandro Magno) muestran un

particular gusto por los grandes conjuntos monumentales que exalten el poder real.

Se abandona definitivamente el gusto por la armonía y el equilibrio, el concepto debelleza se relaciona ahora con el dinamismo de las figuras, el dramatismo




expresionista, que busca la reacción del espectador incluso recurriendo a la fealdad de

monstruos y seres amenazadores. El realismo lleva a los escultores helenistas a imitar

la realidad en todos sus aspectos incluso en la representación de los dioses, como

meros humanos.

Se prefiere ahora el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas

clásicas.

Aparecen nuevos tipos escultóricos. Frente a la recurrente representación del

arquetipo humano como atleta en plena juventud y esplendor se prefiere ahora

representar a niños y ancianos, otras versiones menos “perfectas” de humanidad,

personas que no están en la plenitud de sus cualidades físicas y mentales.

El ser humano deja de ser protagonista absoluto de la escultura para ser un elemento

más de la naturaleza. Se sigue usando su forma pero para tratar otros temas, como lasalegorías: representaciones de ríos o ciudades con forma humana que siglos después

serán recurrentes en el Barroco.

El fin del mundo helénico lleva consigo el fin de la hegemonía artística ateniense. Nos

encontramos ahora varios focos, escuelas localizadas en otras ciudades importantes

como Pérgamo, Rodas y Alejandría.

A pesar de la competencia, Atenas sigue siendo un centro cultural importante. Allí

perdura la huella clásica por más tiempo

ESCULTURA GRIEGA. APUNTES

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