Estatal Tretyakov estilos artísticos e tendências na arte da Rússia em três períodos: 1) O...

Masterpieces of Russian Art from the State

Gallery

Obras Primas da Arte Russa da Colecção da

GaleriaEstatalTretyakov

GU

IA D

A E

XPO

SIÇ

ÃO

Exhi

bitio

n Gu

ideb

ook

A Galeria Estatal Tretyakov, em Moscovo, possui no seu espólio mais de cento e oitenta mil obras, e é o museu de arte que actualmente detém as maiores colecções de arte russa no mundo. A galeria foi fundada em 1856 pelo conceituado industrial e ávido coleccionador de arte Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832 – 1898) seguido pelo seu irmão Sergei Mikhailovich Tretyakov (1834 – 1892). Em 1892 toda a colecção do Museu foi doada ao estado russo, com destaque para as obras-primas de célebres pintores realistas do grupo “Os Itinerantes” do século XIX. Por isso a galeria recebeu o nome do seu fundador, Pavel Tretyakov, e desde então tornou-se um dos museus nacionais mais famosos e mais valorizados do mundo.

Boasting more than 180,000 works, the State Tretyakov Gallery in Moscow is an art museum that holds the largest collections of Russian fine art in the world. The gallery was founded in 1856 by renowned art collector and merchant Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832 – 1898) with his brother Sergei Mikhailovich Tretyakov (1834 – 1892). In 1892, he donated his full collection to the Russian state, including masterpieces by celebrated artists of The Wanderers in the 19th century. Therefore the gallery was named after its founder and it has since become one of the world’s most famous and valued national museums.

Sobre a Galeria

About the Gallery

2

To celebrate the coming 20th

anniversary of the Macao Museum of Art under the Cultural Affairs Bureau of the Macao Special Administrative Region Government, “Masterpieces of Russian Art from the State Tretyakov Gallery” is held from 19th January to 22nd April 2019, featuring a total of 70 oil paintings and sculptures from the end of the 18th century to the mid-20th century from the Tretyakov collection.

The exhibition presents major artistic styles and trends in Russian art by three periods: 1) Classicism and Romanticism of the late 18th and the first half of the 19th century; 2) the various artistic schools emerging during the second half of the 19th century and the first half of the 20th century, such as The Wanderers, Impressionism, Modernism, Avant-garde, etc.; 3) the artistic trend influenced by Socialist Realism in the Soviet era in the mid-20th century.

Para celebrar o próximo 20º aniversário do Museu de Arte de Macau, sob tutela do Instituto Cultural do Governo da Região Administrativa Especial de Macau, de 19 de Janeiro a 22 de Abril de 2019 será apresentada a exposição, Obras Primas da Arte Russa da Galeria Estatal Tretyakov, com um total de 70 pinturas a óleo e esculturas de entre finais do século XVIII até meados do século XX pertencentes à colecção Tretyakov.

A exposição apresenta os principais estilos artísticos e tendências na arte da Rússia em três períodos: 1) O classicismo e romantismo do final do século XVIII e da primeira metade do século XIX; 2) As várias escolas artísticas que surgiram na segunda metade do século XIX e na primeira metade do século XX, como Os Itinerantes, Impressionismo, Modernismo, Avant-garde, etc.; 3) A corrente artística influenciada pelo realismo socialista, já na era soviética, em meados do século XX.

About the ExhibitionSobre a Exposição

3

O Final do Século XVIII – Primeira Metade do Século XIX The Late 18th Century – The First Half of the 19th Century

1

Desde o início do século XVIII, a pintura russa tornou-se parte da tradição da arte europeia. A Academia Russa de Artes foi fundada em São Petersburgo em 1757, promovendo um grupo de notáveis arquitectos, escultores e mestres da pintura russos. Diferentes géneros se desenvolveram na Academia, incluindo retratos, paisagens, naturezas-mortas, cenas históricas e do quotidiano que reflectiam os ideais dos vários períodos da história russa.

A primeira metade do século XIX é considerada a “idade de ouro” da cultura russa. A escultura de Alexander Pushkin e o retrato de Nikolai Gogol, os maiores escritores desta época, são mostrados nesta exposição. Também serão expostos os trabalhos descrevendo a capital russa, Moscovo, e São Petersburgo na transição do século XVIII para XIX.

Since the beginning of the 18th century, Russian painting became part of the European art tradition. The Russian Academy of Arts was founded in St. Petersburg in 1757, fostering a group of outstanding Russian architects, sculptors and painting masters. Different genres were developed in the Academy, including portraits, landscapes, still lifes, historical and daily life scenes that reflected the ideals in several periods in Russian history.

The first half of the 19th century was referred to as the “golden age” of Russian culture. The portraits and sculptures of Alexander Pushkin and the portrait of Nikolai Gogol, the greatest writers of this era, will be shown in the exhibition. Also on display are the works depicting the Russian capital Moscow and St. Petersburg at the turn of the 18th and 19th centuries.

4O Final do Século XVIII – Primeira Metade do Século XIX

Fyodor Yakovlevich Alekseyev (1753 / 1754 – 1824), um dos primeiros mestres russos da paisagem urbana, realizou esta pintura durante a sua estada em Moscovo em 1800 – 1801.

Na praça, e em seu redor, existem edifícios de diferentes épocas relacionados com a história da Rússia. O mais importante centro arquitectónico e sócio-político da cidade desde o século XV, o Kremlin de Moscovo fica sobre a colina à direita. O centro é dominado pela Catedral de Pokrovsky, ou Catedral de São Basílio.

O quadro espelha as impressões de ar livre do artista, não só da arquitectura de Moscovo, mas também dos residentes da cidade. As numerosas cenas de género com moscovitas emprestam realismo à paisagem, dando à pintura uma qualidade documental.

Fyodor Yakovlevich Alekseyev (1753 / 1754 – 1824), one of the first Russian masters of cityscape, executed the painting during his stay in Moscow in 1800 – 1801.

On the square and around it, there are buildings of different eras related to the history of Russia. The Moscow Kremlin stands on the hill to the right. Since the late 15th century, it has been the most important architectural and sociopolitical centre of the city. The centre is dominated by the Pokrovsky Cathedral, or St. Basil’s Cathedral.

The picture reflects the artist’s plein-air impressions not only on Moscow’s architecture, but also on Moscow residents. The numerous genre scenes with Muscovites lend realism to the landscape, turning the painting into a documentary evidence of the era.

01Praça Vermelha em MoscovoRed Square in MoscowFyodor Yakovlevich ALEKSEYEV(1753 / 1754 – 1824)

Óleo sobre telaOil on canvas

81.3 × 110.5 cm1801

5The Late 18th Century – The First Half of the 19th Century

07Retrato da Grã-duquesa Elena PavlovnaPortrait of Grand Duchess Elena PavlovnaKarl Pavlovich BRYULLOV(1799 – 1852)


73.4 × 59 cm, Oval1829

A Grã Duquesa Elena Pavlovna (1806 – 1873) teve por nome de baptismo Friederike Charlotte Maria, Princesa de Württemberg, e era filha do Duque de Württemberg e da Princesa de Saxe-Altenburg. Em 1824, casou-se com o Gão Duque Michael Pavlovich. Dedicando-se a actividades caritativas e sociais, Elena Pavlovna notabilizou-se pela sua elevada educação, leque de interesses e arguta inteligência.

Em 1828, durante a sua estada em Roma, a Grã Duquesa Elena Pavlovna encomendou um retrato cerimonial, juntamente com a sua filha, ao pintor Karl Pavlovich Bryullov (1799 – 1852). A versão da Galeria Tretyakov é a mais expressiva e viva, tendo sido inquestionavelmente pintada ao vivo. A Grã Duquesa é representada envergando um vestido de tom verde, pérolas e uma capa vermelha pelas costas. É muito provável que a imagem tenha servido de referência para a pintura do retrato de grandes dimensões.

Grand Duchess Elena Pavlovna (1806 – 1873), née Friederike Charlotte Maria, Princess of Württemberg, daughter of Duke of Württemberg and Princess of Saxe-Altenburg. In 1824, she married Grand Duke Michael Pavlovich. Engaging in charitable and social activities, Elena Pavlovna was notable for high education, breadth of interests and significant intelligence.

In 1828, during the stay of Grand Duchess Elena Pavlovna in Rome, she commissioned Karl Pavlovich Bryullov (1799 – 1852) to paint her ceremonial portrait with her daughter. The version from the Tretyakov Gallery is the most expressive and lively one - it is clearly painted from life. The Grand Duchess is presented in a greenish dress, with pearl jewellery and a red cape behind her back. Most likely, this image served as a reference for painting a big portrait.


The theme of the painting on a Russian subject and its overall compositional solution belong to Karl Bryullov, under whom Grigory Karpovich Mikhailov (1814 – 1867) studied in the class of historical painting at the Academy of Arts from 1836 to 1842.

The scene takes place in a church interior: on the background, there is an iconostasis with the venerated icon Our Lady of Kazan in a setting decorated with beads, precious stones and ribbons. The scene of a religious mystery, a prayer, is completed by a velvet-covered analogion with an icon. The elegance of colour and the smooth painting style in this work reflect the features of salon academic art.

O objecto da pintura, dedicado a um tema russo, assim como a solução geral da sua composição, são de Karl Bryullov, sob cuja tutela Grigory Karpovich Mikhailov (1814 – 1867) estudara na classe de pintura histórica na Academia das Artes de 1836 a 1842.

A cena tem lugar no interior de uma igreja; em fundo, encontra-se um relicário com o venerado ícone de Nossa Senhora de Kazan montado com uma decoração de contas, pedras preciosas e fitas. A cena de um mistério religioso, de uma oração, é completada por um analogion com um ícone coberto a veludo. A elegância cromática e o suave estilo de pintura desta obra reflectem as características da arte académica de salão.

11Menina colocando uma vela defronte de um íconeGirl Placing a Candle before an IconGrigory Karpovich MIKHAILOV(1814 – 1867)


160.2 × 120.4 cm1842


10Retrato de famíliaFamily PortraitTimofey Yegorovich MYAGKOV(1813 – 1865)


115.5 × 142.5 cm1844

The picture shows the Moscow family for tea, a favourite hobby of Muscovites firmly included in the Russian nobility and merchant life. Sitting at the table, obviously, were three sisters and the husband of one of them. On the table, covered with a white starched tablecloth, a samovar and a porcelain tea set were put for the tea ceremony.

It would seem that the intimate scene is achieved by means of large academic art due to the large format, the smoothness of the painting, as well as the candid posing of frozen figures. The colour scheme is rather restrained, while the cold shades of the characters’ clothes coexist with the warm ones in the background.

A pintura mostra uma família de Moscovo a tomar chá, um dos passatempos favoritos dos moscovitas e tradição firme entre a nobreza e os grandes mercadores russos. À mesa vemos, obviamente, três irmãs e o esposo de uma delas. Sobre a mesa, coberta por uma toalha engomada, vemos um samovar e um conjunto de porcelana para o ritual do chá.

Esta cena íntima parece ser artisticamente académica, dadas as grandes dimensões, a sua lisura e a postura cândida das figuras imobilizadas. O esquema cromático é muito contido e os tons frios das roupas dos personagens coexistem com os mais quentes que surgem em fundo.


2

A segunda metade do século XIX foi um período florescente para a pintura nacional russa. A Sociedade de Exposições Itinerantes (daí o termo Os Vagabundos) foi criada em São Petersburgo em 1870, por fundadores que acreditavam no poder social e moral da arte e na sua capacidade para criar uma sociedade melhor. Os seus membros privilegiavam o realismo, descrevendo cenas da vida popular e paisagens naturais das suas terras natais, além de retratos de personalidades representativas dos círculos da ciência, literatura e artes.

Vale a pena notar a colecção de retratos de destacadas figuras dos campos da ciência e cultura russos incluídos na exposição. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832 – 1898, o fundador da Galeria Estatal Tretyakov) encomendou ou adquiriu directamente dos artistas a maior parte de sua colecção de pinturas e outras peças de arte, com o objectivo de construir uma galeria de retratos de “escritores, compositores, artistas e cientistas russos”.

The second half of the 19th century was a flourishing period for the Russian national painting. The Society for Itinerant Art Exhibitions (hence The Wanderers) was established in St. Petersburg in 1870 , whose founders believed in art’s social and moral power and its ability to steadily improve society. Its members prioritised realism, describing scenes in people’s lives and hometown natural sceneries, besides portraits of representative personalities of science, literature and art circles.

It is worth noting that a collection of portraits of outstanding figures from Russian science and culture fields included in the exhibition. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832 – 1898, founder of The the State Tretyakov Gallery) commissioned or acquired directly from the artists the most part of his painting collection and other art pieces, in an attempt to build a gallery of portraits of “Russian writers, composers, artists and scientists”.

A Segunda Metade do Século XIX – O Início do Século XXThe Second Half of the 19th Century - The Early 20th Century

12A Segunda Metade do Século XIX – O Início do Século XX

Esta pintura capta uma vista de inverno do Rio Neva, na foz do qual se encontra Petersburgo, à época a capital russa. A vista foi tomada a partir da Ilha Vasilyevsky, que divide o Neva em dois braços. A planura coberta de neve do rio gelado é enquadrada pelo Fortaleza de Pedro e Paulo (à esquerda) e pelas fachadas dos palácios da família real e restante nobreza (à direita). Neste preciso lugar, onde o Neva é particularmente largo, era habitual organizar passeatas de trenó no inverno – uma forma popular de entretenimento que atraía toda uma turba de cidadãos.

Alexei Petrovich Bogolyubov (1824 – 1896), que estudou simultaneamente duas disciplinas pictóricas na Imperial Academia das Artes – paisagem e pintura de batalha – conseguiu criar uma inabitual vista de inverno, na qual o panorama da cidade está saturado com o movimento de numerosas figuras humanas e equinas.

The painting captures a winter view of the Neva River, at the mouth of which stands Petersburg, the capital of Russia at the time. This view opens up from Vasilyevsky Island, which divides the Neva into two arms. The snow-covered plain of the frozen river is framed by the Peter and Paul Fortress (left) and the facades of palaces that belonged to the imperial family and noblemen (right). Right in this place, where the Neva was particularly wide, people used to arrange sledge rides in winter – a popular entertainment that gathered a motley crowd of citizens.

Alexei Petrovich Bogolyubov (1824 – 1896), who simultaneously studied in two classes of the Imperial Academy of Arts – landscape and battle painting – managed to create an unusual winter view, in which the panorama of the city is saturated with the movement of numerous human figures and horses.

12Andando de trenó no rio NevaSledging on the Neva RiverAlexei Petrovich BOGOLYUBOV(1824 – 1896)


132 × 221 cm1854

13The Second Half of the 19th Century - The Early 20th Century

Lev Nikolayevich Tolstoy (1828 – 1910) foi um escritor, jornalista, pensador religioso, educador e ideólogo russo fundador do movimento homónimo.

Em 1884, Lev Tolstoy acedeu posar para o seu retrato pelo artista Nikolai Nikolaevich Ge (1831 – 1894) na sua casa de Moscovo, em Khamovniki, que ainda existe hoje e alberga o Museu do Legado de L. N. Tolstoy. O escritor não parou de trabalhar durante as sessões. Imerso no processo criativo, recitava por vezes o texto em voz baixa, esquecendo-se da presença do artista. Tratava-se do trabalho conjunto de dois amigos que pensavam de modo semelhante: Tolstoy trabalhava no tratado No Que Acredito enquanto Ge pintava o retrato de um notável homem da sua época.

O carácter artístico expressivo de Nikolai Ge foi muito influenciado pelas ideias de Tolstoy. Na esteira do seu “mestre”, também ele queria pregar, apelar, rebelar-se, “acordar” almas e tocar no coração das pessoas.

Lev Nikolayevich Tolstoy (1828 – 1910) was a Russian writer, journalist, religious thinker, educator, ideologue of the Tolstoy movement.

In 1884, Lev Tolstoy agreed to sit for his portrait to the artist Nikolai Ge (1831 – 1894) in his Moscow house in Khamovniki, which has survived to the present day as the L. N. Tolstoy Estate-Museum. During the sessions, the writer did not stop working. Immersed in the creative process, he sometimes quietly recited a text, forgetting about the artist. It was a joint work of two like-minded friends: Tolstoy was working on the treatise What I Believe while Ge was painting the portrait of an outstanding man of his era.

The expressive artistic character of Nikolai Ge was greatly influenced by Tolstoyan ideas. Following suit of the “teacher”, the artist too wanted to preach, appeal, rebel, “wake up” souls and move people’s hearts.

22Retrato de Lev Nikolayevich TolstoyPortrait of Lev Nikolayevich TolstoyNikolai Nikolaevich GE(1831 – 1894)


96.2 × 71.7 cm1884


Konstantin Alexandrovich Clodt (1867 – 1928) escolheu criar a imagem de um escritor-camponês sob a influência da pintura de Ilya Repin “O Homem do Arado”. “Lev Nikolayevich Tolstoy Num Campo” (1887, Galeria Estatal Tretyakov), cuja réplica aumentada tinha sido mostrada na 16a exposição da Sociedade de Exposições Itinerantes em 1888-1889. A cena, na qual o grande escritor lavra ele próprio a terra de uma viúva pobre, tem o sentido de uma profunda mundividência – o dever de todos não é dar-se ao lazer, mas sim trabalhar.

No dealbar do século XX, o tema de um escritor atrás de um arado viria a tornar-se muito popular, tendo conhecido repetidas variações escultóricas.

Konstantin Alexandrovich Clodt (1867 – 1928) chose to create a writer-peasant image under the influence of the painting Ploughman by Ilya Repin. Lev Nikolayevich Tolstoy on a Ploughland (1887, State Tretyakov Gallery), the enlarged repetition of which had been exhibited at the 16th exhibition of the Society for Travelling Art Exhibitions in 1888 – 1889. The scene that the great writer is ploughing by himself on the land of a poor widow has a deep worldview meaning – everyone’s duty is not to be idle, but to work.

At the turn of the 20th century, the theme of a writer behind a plough became very popular and was continually varied and repeated by sculptors.

23Lev Nikolayevich Tolstoy como um lavradorLev Nikolayevich Tolstoy as a PloughmanKonstantin Alexandrovich CLODT VON JÜRGENSBURG(1867 – 1928)

Escultura de bronzeBronze sculpture

21.5 × 47.5 × 12.3 cm1889


Líder e ideólogo dos Itinerantes, o crítico de arte e dotado pedagogo Ivan Nikolaevich Kramskoi (1837 – 1887) ficou na história da arte como um notável retratista do seu tempo. Desenvolveu um tipo de retrato de modesto cromatismo e composição, no qual o principal foco de atenção é o rosto do modelo. Para além de conseguir obter excelentes semelhanças, Kramskoi procurou revelar a personalidade do modelo e transmitir os seus reais traços psicológicos, de modo a mostrar a “verdadeira vida da mente e do coração” de alguém.

Em 1876, em Paris, Kramskoi criou um magnífico retrato do seu estudante, amigo e companheiro ideológico. A imagem de Repin tem uma nobre delicadeza, abertura de carácter e, ao mesmo tempo, revela uma inteligência discreta e boas maneiras. O olhar penetrante do modelo dirige-se frontalmente ao observador, como se o convidasse a um diálogo mental. O leque de tons cromáticos é predominantemente escuro: castanho, cinza e negro complementam-se e o jogo de luz e sombra no rosto, a par da modelação dos contornos físicos, completam os méritos artísticos do retrato.

The leader and ideologue of the Wanderers, an art critic and gifted teacher, Ivan Nikolaevich Kramskoi (1837 – 1887) went down in the history of art as an outstanding portrait painter of his time. He developed a type of portrait that is modest in colour and composition, in which the main attention focuses on the model’s face. Besides achieving excellent resemblance, Kramskoi sought to reveal the model’s personality, to give their accurate psychological characteristics, to show the “true life of mind and heart” of the person.

In 1876, in Paris, Kramskoi created a wonderful portrait of his student, friend, and fellow-thinker. The image of Repin carries noble delicacy, openness of character and at the same time discreet intelligence and politeness. The model’s heart-searching gaze directed straight to the viewers, as if inviting them to a mental dialogue. The range of colour shades is predominantly dark: brown, grey, and black colours complement each other, and the play of light and shadow on the face and the modeling of the body shape complete the artistic merits of the portrait.

24Retrato de Ilya Yefimovich RepinPortrait of Ilya Yefimovich RepinIvan Nikolaevich KRAMSKOI(1837 – 1887)


105.1 × 72.8 cm1876


38Crianças fugindo de uma tempestadeChildren Running from a ThunderstormKonstantin Yegorovich MAKOVSKY(1839 – 1915)


173.5 × 106.7 cm1872


Na segunda metade do século XIX, o nome do artista Konstantin Yegorovich Makovsky (1839 – 1915) era bem conhecido na Rússia e no estrangeiro. Em 1863, Makovsky aderiu à famosa “revolta” de 14 diplomados da Academia de Artes (conhecidos como “Os Itinerantes”) que se opunham às suas arcaicas regras e tradições. Em 1870, Makovsky tornar-se-ia um dos fundadores da Sociedade de Exposições Artísticas Itinerantes. Contudo, no seu íntimo, as ideias dos jovens reformistas eram-lhe estranhas e Makovsky acabaria por criar o seu próprio estilo pictórico. Próximo de padrões académicos, o artista distinguia-se por uma elegância e vibração exteriores.

Na década de 1870, na esteira do interesse universal pela chamada pintura de género, Makovsky pintou também cenas do quotidiano, frequentemente representando crianças. As personagens nesta pintura atraem o observador com o seu pânico genuíno e o seu encanto “vulgar”.

O pintor executou a paisagem com grande mestria artística. Assustadas, as crianças fogem da chuva preste a cair, dos trovões e dos relâmpagos. O contraste entre a escuridão do primeiro plano e o campo dourado na distância evoca um sentimento de ansiedade e uma percepção do movimento dos elementos naturais.

In the second half of the 19th century, the name of the artist Konstantin Yegorovich Makovsky (1839 – 1915) was widely known in Russia and abroad. In 1863, Makovsky joined the famous “revolt” of 14 graduates of the Academy of Arts, who opposed its outdated rules and traditions, and became one of the founders of the Society for Travelling Art Exhibitions in 1870. However, deep inside, he was alien to the ideas of the young reformers. Makovsky formed his own painting style. Close to academic standards, he was distinguished by external elegance and vibrancy.

In the 1870s, in the wake of the universal interest in genre painting, Makovsky also painted scenes from everyday life, often depicting children. The characters of this painting attract the viewer with their genuine fright and “common” loveliness.

The painter executed the landscape with artistic mastery. Everything in the nature is waiting for an imminent thunderstorm. The frightened children are running away from the impending rain, thunder and lightning. The contrast between the dark foreground and the golden field in the distance evokes an anxious feeling and a sense of active movement of the elements in nature.


Vladimir Yegorovich Makovsky (1846 – 1920) era reconhecido como um dos melhores e mais talentosos artistas pelos seus contemporâneos. Regra geral, as suas obras retratam cenas da vida urbana: curiosidades e conflitos, dramas e momentos engraçados nas vidas de velhos oficiais, jovens seguidores das mais ousadas teorias sociais, ou camponeses chegados à cidade em busca de trabalho.

A sua fina observação permitiu-lhe transmitir a aparência dos personagens na pintura: as suas roupas no fio, os seus movimentos e gestos cheios de preguiça e langor. Makovsky não foi o único a dedicar-se a esta observação quase etnográfica dos pobres da região do Volga no final do século XIX. O seu interesse era partilhado pelo famoso escritor Maxim Gorky, em cujas obras os vagabundos surgem entre os personagens principais.

37No Volga (Vagabundos)On the Volga (Vagabonds)Vladimir Yegorovich MAKOVSKY(1846 – 1920)


69.5 × 104.4 cm1897


Vladimir Yegorovich Makovsky’s (1846 – 1920) contemporaries recognised him as one of the best, the most talented artists. As a rule, his works depict scenes from urban life: curiosities and conflicts, dramas and funny moments from the lives of elderly officials, young people who follow the boldest social teachings, or peasants who have come to town in search of work.

With great observation, the artist conveyed the appearance of the painting’s characters: their outworn clothes, lazy and leisurely movements and gestures. Makovsky was not alone in such an almost ethnographic observation of the poor in the Volga area in the late 19th century. His interest was shared by the famous writer Maxim Gorky, in whose works vagabonds became one of the main characters.


Ivan Ivanovich Shishkin (1832 - 1898) tornou-se parte da história da pintura russa enquanto mestre que cantava a beleza e graça dos campos da Rússia e o ar dos seus vastos espaços abertos.

Entre as obras-primas da Galeria Tretyakov, a pintura “Pinheiros ao Sol” é uma das favoritas do público, assemelhando-se a um instantâneo da vida de uma floresta, com as fragrâncias das várias ervas aromáticas e da resina, com o especial ambiente do verão, quando a natureza vibra de prosperidade, vigor e poder.

O desejo do artista compreender a natureza e captar detalhadamente a diversidade de formas naturais manifesta-se nos numerosos esboços pitorescos e figurativos que realizou ao vivo com a maior autenticidade. Tais aspirações correspondem ao espírito do tempo, no qual se formaram e floresceram vários ramos da ciência.

Ivan Ivanovich Shishkin (1832 - 1898) became a part of Russian painting history as a master who praised the beauty and grace of Russian fields, and the air of its immense open spaces.

Among the Tretyakov Gallery’s masterpieces, the painting The Sunlit Pines is one of the most-loved by public. It looks like a snatched frame from the life of a forest, with its fragrant aroma of various herbs and smell of resin, its special mood of summer – the time of nature’s prosperity, might and power.

Numerous scenic and graphic sketches from life made with utmost authenticity embody the artist’s desire to comprehend nature and to capture in detail the diversity of natural forms. These aspirations corresponded to the spirit of the time, the time of formation and bloom of various branches of science.

21Pinheiros ao solThe Sunlit PinesIvan Ivanovich SHISHKIN(1832 – 1898)

Óleo sobre tela, esboçoOil on canvas, a study

98.3 × 71.2 cm1886


Vasily Ivanovich Surikov (1848 – 1916) foi autor de telas monumentais com cenas da história russa seiscentista e setecentista. A partir da década de 1890, o artista começara a criar retratos (cujos modelos eram suas amigas próximas) de mulheres em roupas tradicionais.

Surikov retratou Emelyanova em roupas tradicionais russas – um vestido sarafan de brocado, camisa e colorido xaile pintado. O traje nacional permitiu ao artista transformá-la de senhora secular e cosmopolita em aldeã de uma remota província siberiana. Na Rússia, era dada uma atenção especial ao cabelo feminino. Se uma rapariga tinha potencial matrimonial, entreteceria uma única fita no cabelo; se já estivesse prometida a alguém, seriam duas. A uma mulher casada era proibido mostrar o cabelo, que devia ser mantido sob um xaile.

Surikov, nativo da cidade siberiana de Krasnoyarsk, exprimiu o seu ideal de beleza feminina nesta pintura.

Vasily Ivanovich Surikov (1848 – 1916) was an author of monumental canvases with scenes from Russian history of the 17th – 18th centuries. Starting from the 1890s, the artist had been creating female costume portraits, the models of which were his close friends.

Surikov depicted Emelyanova in traditional Russian clothes – a brocade sarafan dress, a shirt and a colourful painted shawl. The national costume allowed the artist to “transform” her from a secular metropolitan lady to a townswoman in a remote Siberian province. In Russia, people used to give special attention to female hair. If a girl was marriageable, she would weave into her braid a single ribbon, if she had already been promised to someone – then two. It was forbidden for a married woman to show her hair which she was to keep under a shawl.

Surikov, a native of the Siberian city of Krasnoyarsk, expressed in this painting his ideal of female beauty.

33Retrato da cidadã Alexandra Ivanovna EmelyanovaTownswoman. Portrait of Alexandra Ivanovna EmelyanovaVasily Ivanovich SURIKOV(1848 – 1916)


82 × 67.4 cm1902


Em 1901, no restaurante moscovita Yar, Ivan Abramovich Morozov (1871 – 1921), um mercador e filantropo, conheceu a corista Yevdokia Sergeyevna Kladovshchikova (1885 – 1959). O casamento entre um membro de uma próspera dinastia mercantil e uma menina do palco era impensável. No entanto, Morozov não temia esse gesto ousado. Apresentou a sua escolhida a seus pais e, rapidamente, a mudou para sua casa. Em 1903, Yevdokia deu à luz uma filha. Em 1907, Morozov e Kladovshchikova casaram em segredo.

Pouco depois do matrimónio, Morozov encomendou um retrato da esposa a Valentin Alexandrovich Serov (1841 – 1923), o melhor retratista da época. As suas obras, marcadas pela influência simultânea dos mestres antigos e dos impressionistas, combinavam uma composição impressionante com um retrato psicológico rigoroso dos seus modelos. Recorrendo ao seu género favorito de retrato cerimonial, o artista representou Morozova como uma senhora distinta e respeitável. A alegre beldade russa de rosto redondo parece estar prestes a cantar, lançando o olhar atrevido dos seus olhos semicerrados sobre o observador.

In 1901, in the Moscow restaurant Yar, Ivan Abramovich Morozov (1871 – 1921), a merchant and philanthropist, met Yevdokia Sergeyevna Kladovshchikova (1885 – 1959), a chorus girl. A marriage between a member of a prosperous merchant dynasty and a showgirl seemed unthinkable. However, Morozov was not afraid to make such a bold move. He introduced his chosen one to his parents and soon had her move into his house. In 1903, Yevdokia gave birth to a daughter. In 1907, Morozov and Kladovshchikova secretly married.

Shortly after the wedding, Morozov commissioned a portrait of his wife from Valentin Alexandrovich Serov (1841 – 1923), the best portrait painter of the time. His works, marked by the influence of both old masters and impressionists, combined impressive composition with accurate psychological portrayal of models. Turning to his favourite genre of ceremonial portrait, the artist presented Morozova as a respectable fine lady. The cheerful and lively moon-faced Russian beauty seems to be about to sing, casting the flirtatious gaze of her squinty eyes on the viewer.

52Retrato de Yevdokia MorozovaPortrait of Yevdokia MorozovaValentin Alexandrovich SEROV (1865 – 1911)


114 × 75 cm1908


3

As revoluções de 1917 marcaram um ponto fulcral na história da arte russa no século XX. Novos temas e actores que corporificavam a onda da construção socialista soviética começaram a aparecer na pintura. As obras de arte da década de 1920 a 1960 reflectiam anseios de um pensamento artístico independente e exploração criativa. Nos seus trabalhos de estilo “austero”, os mestres de pintura queriam revelar a distinta personalidade e o destino dos seus personagens, tentando reflectir o espírito do tempo, resultando em formas artísticas variadas que contrastavam com a relativa rigidez das obras realistas.

The revolutions in 1917 marked a turning point in the history of Russian art in the 20th century. New themes and characters embodying the wave of Soviet socialist construction started showing in paintings. Artworks from the 1920s to the 1960s reflected a yearning for independent artistic thinking and creative exploration. In their works in “austere” style, the painting masters wished to reveal the characters’ distinct personality and destiny, trying to reflect the zeitgeist, resulting in creations in varied artistic forms in contrast to the relative rigidity of realist works.

A Era SoviéticaThe Soviet Era

30A Era Soviética

59Pães de MoscovoMoscow Food. Loaves of BreadIlya Ivanovich MASHKOV (1881 – 1944)


128.5 × 145 cm1924

Ilya Ivanovich Mashkov (1881 – 1944) foi um dos fundadores e participantes activos da associação criativa “Valete de Ouros”, cujos mestres se inspiravam na mais recente arte ocidental (pós-impressionismo, Fauvismo) e na chamada “arte primitiva”. A natureza morta era um dos géneros mais apreciados pelos artistas daquela associação. O seu tema favorito eram as “naturezas mortas de pão”.

Depois de sair da “Valete de Ouros”, Mashkov dedicou-se a numerosas actividades sociais e foi professor. A partir da década de 1920, o estilo do pintor começou a mudar, com as tendências realistas a dominar gradualmente as suas pinturas.

Em 1924, Mashkov fez duas naturezas mortas de grande dimensão – “Comida de Moscovo. Carne, Carne de Ave” e “Pães de Moscovo”, que se tornaram clássicos da pintura soviética.

Ilya Ivanovich Mashkov (1881 – 1944) is one of the founders and active participants of the creative association “Jack of Diamonds”, whose masters relied in their work on the achievements of the newest Western art (Post-Impressionism, Fauvism), and also on “primitive” art. Still life was one of the most beloved genres of the Jack of Diamonds’ artists. And their favourite subject was the so-called “bread still lifes”.

After quitting the Jack of Diamonds, Mashkov was engaged in a lot of social activities and he was a teacher. Since the 1920s, the painter’s style started to change, and it was realist trends that began to dominate in Mashkov’s paintings.

In 1924, Mashkov made two large still lifes – Moscow Food. Meat, Fowl and Moscow Food. Loaves of Breads, which became classics of Soviet painting.

31The Soviet Era

Alexei Maximovich Gorky, ou Maxim Gorky (1868 – 1936), foi um dos mais importantes e bem conhecidos escritores russos de todos os tempos. Isaak Izrailevich Brodsky (1883 – 1939) conheceu Gorky de perto, foi seu amigo e escreveu sobre ele e pintou-o em múltiplas ocasiões.

A pintura apresenta um fundo dinâmico: o mar batendo contra as rochas, o céu de trovoada iluminando-se com nuvens ao sol e o albatroz formam um expressivo fundo para a poderosa cabeça erguida de Gorky e o seu olhar distante. A obra segue a tradição do retrato de grandes dimensões do neoclassicismo russo e, ao mesmo tempo, define o cânone de grandes retratos de líderes, comandantes militares e membros do Politburo usados para decorar átrios, agências governamentais e tribunas.

Este retrato de Gorky é notável pois o escritor – o fundador do chamado “realismo-socialista”– foi pintado pelo artista que se tornaria fundador do mesmo realismo-socialista, mas em pintura.

Alexei Maximovich Gorky, or Maxim Gorky (1868 – 1936), was one of the most significant and well-known Russian writers in the world. Isaak Izrailevich Brodsky (1883 – 1939) knew Gorky well, was friend with him, wrote about and painted him multiple times.

The painting has a dynamic background: the sea foaming against rocks and stones, the thundery sky with running sunlit clouds and the soaring petrel forming an expressive background for Gorky’s stoutly raised head with distant eyes. The artwork follows the tradition of enlarged portraits of Russian neo-classicism and at the same time establishes the canon of big portraits of “chiefs”, military commanders, members of the Politburo which were used to decorate assembly halls, government agencies and tribunes.

This portrait of Gorky is remarkable because the writer – the founder of so-called “socialist realism” – is captured by the artist who became the founder of the same socialist realism but in painting.

55Retrato de Alexei Maximovich GorkyPortrait of Alexei Maximovich GorkyIsaak Izrailevich BRODSKY(1884 – 1939)


130.5 × 105 cm1936

32A Era Soviética

33The Soviet Era

34A Era Soviética

O motivo floral preferido pelo artista e por ele repetido ao longo de diferentes anos eram as campainhas. Estas simples flores do campo estão associadas à imagem da natureza russa. A pintura foi feita em 1945, o ano da vitória na Grande Guerra Patriótica. O artista relembra esse tempo assim: “Lá vem o 9 de Maio de 1945, o Dia da Vitória, inesquecível para todo o país.”

É possível sentir essa vitória na representação destas frágeis flores. A característica da arte de Gerasimov é a expressividade da imagem através de soluções pictóricas e cromáticas. O mestre não buscava realismo na representação de cada flor. Para ele, o importante era transmitir a luz, como se esta fosse animada, a qualidade do bouquet e a sua relação com a vida fora da janela.

The artist’s favourite floral motif, which he repeated in different years, was bluebells. These plain field flowers are associated with the image of Russian nature. The painting was made in 1945 ‒ the year of the victory in the Great Patriotic War.

One can feel that joy in the depiction of these fragile flowers. The trait of Gerasimov’s art is characterised by the expressiveness of image via pictorial and colouristic solutions. The master did not strive for accuracy in the depiction of each flower; it is important for him to convey the light, as if animated, the quality of the bouquet, and its involvement in the life of nature outside the window.

61CampânulasBluebellsSergey Vasilyevich GERASIMOV (1885 – 1964)


90 × 70 cm1945

35The Soviet Era

64Retrato de uma menina chinesaPortrait of a Chinese GirlAndrei Andreevich MYLNIKOV(1919 – 2012)


100 × 65 cm1956

36A Era Soviética

A Arte do extraordinário Andrei Andreevich Mylnikov (1919 – 2012) trabalhou frequentemente nas áreas da arte monumental e decorativa. Na sua pintura de cavalete, recorreu a técnicas da arte monumental, combinando a convenção com uma representação detalhada das partes individuais da composição.

Esta pintura relaciona-se directamente com a sua missão criativa de 1956, ano em que Mylnikov trabalhou e leccionou na China. Nesta obra, o artista captou uma jovem chinesa em traje nacional. As combinações cromáticas contrastantes, ao mesmo tempo brilhantes e suaves, assim como o estilo pictórico livre, criam uma imagem colorida e, sob vários aspectos, inesperada e misteriosa. Mylnikov omitiu pormenores complexos, focando-se no arranjo cromático contrastante da composição e no modelamento tonal das mãos e rosto da figura. O artista admirava a aparência inabitual da jovem, cuja beleza e ternura não lhe eram familiares.

The outstanding Soviet artist Andrei Andreevich Mylnikov (1919 – 2012) worked a lot in the field of monumental and decorative art. In his easel painting, he used the techniques of monumental art, combining convention with detailed depiction of individual parts of the composition.

This painting is directly related to the creative assignment of 1956, when Mylnikov worked and gave lessons in China. The artist captured a young Chinese woman in a national costume. The bright, and at the same time gentle, contrasting colour combinations and free painting style create a colourful and, in many ways, unexpected and mysterious image. Mylnikov omitted complex details, concentrating on the contrasting colour arrangement of the composition and tonal modeling of the figure’s hands and face. The artist admired the unusual female appearance, her unfamiliar beauty and tenderness.

37The Soviet Era

68Chuva de OutonoAutumn RainsViktor Yefimovich POPKOV(1932 – 1974)


169 × 172 cm1974

38A Era Soviética

Depois da trágica morte de Victor Yefimovich Popkov (1932 – 1974), a pintura “Chuvas de Outono” permaneceu no cavalete do seu estúdio na casa dos artistas, na Rua Bryanskaya em Moscovo. Esta obra é dedicada ao grande poeta russo Alexander Sergeyevich Pushkin (1799 – 1837), sendo que a sua série de trabalhos da década de 1970 se intitulava “Série Pushkin”.

Popkov criou o seu Pushkin – o personagem de “Chuvas de Outono” à varanda do casarão de Mikhailovskoye. O artista lançou-se a esta pintura com seriedade, executando muito trabalho preparatório e pintando ao ar livre.

Esta pintura foi exposta pela primeira vez na quinta exposição de arte republicana “Russa Soviética” em 1975. A obra, considerada pelo autor como um testamento espiritual, constituiu a última vez que Popkov se dirigiu ao público.

After the tragic death of Victor Yefimovich Popkov (1932 – 1974), the painting Autumn Rains remained on the easel in his studio in the house of artists on Bryanskaya Street, Moscow. This work is dedicated to the great Russian poet Alexander Sergeyevich Pushkin (1799 – 1837), as the series of Popkov’s works of the 1970s was called “Pushkin series”.

Popkov created his Pushkin – the character of Autumn Rains standing on the veranda of the manor in Mikhailovskoye. The artist approached this painting seriously. He did a lot of preparatory work, and painted in the open air.

This painting was displayed for the first time at the fifth republican art exhibition “Soviet Russia” in 1975. The work, perceived by the author as a spiritual testament, was Popkov’s last address to the audience .

39The Soviet Era

M U S E U D E A RT E D E M AC AU M A C A O M U S E U M O F A R TAv e n i d a X i a n X i n g H a i , M a c a u Horário / Opening hours:10h00 – 19h00 (entrada nas galerias até às 18h30). Encerra às Segundas-feiras. Entrada livre. 10:00 am – 7:00 pm (no admittance after 6:30 pm). Closed on Mondays. Free admission.

Tel: (853) 87919814www.MAM.gov.mo

Planta da Galeria do 2º AndarGallery Floor Plan of the 2nd floor

A Segunda Metade do Século XIX – O Início do Século XXThe Second Half of the 19th Century - The Early 20th Century

A Era SoviéticaThe Soviet Era

O Final do Século XVIII – Primeira Metade do Século XIX The Late 18th Century – The First Half of the 19th Century

Mostra EducativaEducational Display

Estatal Tretyakov estilos artísticos e tendências na arte da Rússia em três períodos: 1) O...

Documents

Transcript of Estatal Tretyakov estilos artísticos e tendências na arte da Rússia em três períodos: 1) O...