Estética del silencio

Susan Sontag

Cada época tiene que reinventar el proyecto de "espiritualidad" para sí mismo. (Espiritualidad = planes, la terminología, las ideas de conducta dirigidas a la resolución de los dolorosos contradicciones estructurales inherentes a la situación humana, en la realización de conciencia humana, a la trascendencia.) 

En la era moderna, uno de los más activos metáforas espirituales para el proyecto es "arte". Las actividades del pintor, el músico, el poeta, la bailarina y otros, una vez que se agrupan bajo ese nombre genérico (relativamente reciente movimiento), han demostrado ser un peculiar sitio en el que adaptarse a la fase formal de los dramas que aquejan a la conciencia, cada obra de arte es un más o menos hábil de paradigma para la regulación o la conciliación de estas contradicciones. Por supuesto, el sitio debe continua renovación. Cualquiera que sea objetivo se fija para el arte la larga, restrictiva, comparada contra la más amplia de objetivos conciencia. Arte, por sí misma una forma de mistificación, perdura una sucesión de crisis de la desmitificación; mayores metas artísticas son atacados y, aparentemente, sustituido; los límites de los mapas de la conciencia se redibuja. Pero lo que todos estos suministros las crisis con su energía - una energía en común, por decirlo así - es la  unificación de las muy numerosas, muy dispares de las actividades en un solo género. En el momento en que "arte" viene a ser, el período moderno del arte comienza. A partir de entonces hacia adelante, cualquiera de las actividades incluida en él se convierte en un profundamente problemática actividad, cada uno de cuyos procedimientos y, en última instancia, cuyo derecho a existir, se puede poner en tela de juicio. Tras la promoción de las artes en "arte" es el principal mito sobre el arte, la del "absoluto" de la actividad del artista. En su primer y más irreflexiva versión, este mito considera el arte como una expresión de la conciencia, la búsqueda de conciencia para saber en sí. (Los principios fundamentales generados por este mito se llegó con bastante facilidad en algunas expresiones se más completa, más noble, más informativo, más ricos que otros.) El 

versión posterior del mito postula una más compleja, trágica relación de arte a conciencia. Negar que el arte es mera expresión, el mito más reciente, la nuestra, el arte se relaciona más bien a la mente la necesidad o capacidad de auto-extrañamiento. El arte es  ya no entendida como expresión de la conciencia y por lo tanto, implícitamente, la afirmación de sí mismo. El arte no es la conciencia de por sí, sino más bien su antídoto -- evolucionado dentro de la conciencia de sí mismo. (La crítica principios generados por este mito era mucho más difícil de conseguir en.) 

El nuevo mito, derivado de una concepción psicológica posterior a la de conciencia, se instala dentro de la actividad de arte muchas de las paradojas que participan absoluta en el logro de un estado de ser descritas por los grandes místicos religiosos. Como la actividad de la mística debe terminar en una vía negativa, una teología de la alianza de Dios  ausencia, un deseo de la nube de unknowingness más allá de los conocimientos y de el silencio más allá del discurso, por lo que el arte debe tender hacia la lucha contra el arte, la eliminación de el "asunto" (el "objeto", la "imagen"), la sustitución de la oportunidad de intención, y la búsqueda del silencio. 

A principios de los años, la versión lineal de arte de la relación con la conciencia, una lucha la existencia entre los "espirituales" integridad de los impulsos creativos y el distraer "importancia" de la vida ordinaria, que lanza tantos obstáculos en el camino de la auténtica sublimación. Sin embargo, la versión más reciente, en la que el arte es parte de  una transacción con la conciencia dialéctica, supone un conocimiento más profundo, más frustrante  conflicto: el "espíritu" en busca de encarnación en el arte enfrentamientos con el "material"  carácter de arte en sí. El arte es desenmascarado como gratuitas, y los muy concreción de los instrumentos del artista (y, en particular en el caso del lenguaje, su historicidad) aparece como una trampa. Ejerció en un mundo de segunda mano equipadas con  percepciones, y, concretamente, confundido por la traición de las palabras, la actividad de la artista es maldecido con mediacy. El arte se convierte en el enemigo de la artista, porque le niega la realización, la trascendencia, que desea. Por lo tanto, el arte viene a ser estimado como algo a ser derrocado. Un nuevo elemento entra en el arte y el trabajo se convierte en constitutiva de la

misma: el recurso de casación (o tácita  abierto) para su propia abolición - y, en última instancia, para la supresión de arte en sí. 

II

La escena cambia a una habitación vacía. 

Rimbaud ha ido a Abisinia para hacer su fortuna en el comercio de esclavos. Wittgenstein haya elegido schoolteaching, entonces el trabajo doméstico como un hospital ordenada. Duchamp ha convertido al ajedrez. Y, acompañando a estos ejemplares renuncias de una vocación, cada hombre ha declarado que considera su los logros anteriores en la poesía. la filosofía, o el arte como insignificante, de noimportancia. 

Pero la elección de permanente silencio no niega su trabajo. En la contrario, se imparte con carácter retroactivo un añadido de poder y autoridad a lo que se roto; negación de la labor cada vez una nueva fuente de su validez, una certificado de indiscutible seriedad. Que la gravedad consiste en no en relación con el arte (o la filosofía se practica como una forma de arte: Wittgenstein), como algo cuya gravedad es eterno, un "fin", un vehículo para ambición espiritual. La actitud es realmente grave lo que se refiere a un arte como una "significa" algo que quizás pueda lograrse sólo por el abandono de arte; juzgado más impaciencia, el arte es una manera falsa o (la palabra del artista Dada Jacques Vache) una estupidez. 

Aunque ya no una confesión, el arte es más que nunca, una liberación, una ejercicio de ascetismo. A través de ella, el artista pasa a ser purificado - de sí mismo y, finalmente, de su arte, el artista (si no el propio arte) sigue participando en un el progreso hacia "la buena". Pero antes, el artista fue bueno y el dominio de cumplimiento de su arte. Ahora se sugiere que el mayor bien para el artista es para llegar a ese punto en el que los objetivos de excelencia para convertirse en insignificantes él, emocional y ético, y es por estar más satisfechos que en silencio por la búsqueda de una voz en el arte. Silencio en este sentido, como conclusión, se propone un estado de ánimo  ultimacy de la antítesis del estado de ánimo informar a la auto-conciencia del artista  graves uso

tradicional de silencio: en una zona de meditación, la preparación para la maduración espiritual, un calvario que termina en ganar el derecho a hablar. (Cf. Valery, Rilke)

La medida en que es grave, el artista está continuamente tentado a romper el diálogo que tiene con el público. El silencio es el de más extensión que la renuencia a comunicar, que la ambivalencia acerca de la toma de contacto con el público que es uno de los principales motivos del arte moderno, con su incansable compromiso con el "nuevo" y / o "esotérico" El silencio es el artista final del gesto de otro mundo; por silencio, se libera a sí mismo de la servidumbre servil al mundo, que aparece como patrón, cliente, público, antagonista, árbitro y distorter de su trabajo. Sin embargo, en esta renuncia a la "sociedad", uno no puede dejar de percibir un gesto social. Algunas de las claves para la eventual liberación del artista a partir de la necesidad de practicar su vocación viene de la observación de sus compañeros artistas y medir a sí mismo contra ellos. Un ejemplar de este tipo de decisión puede ser sólo después de que el artista ha demostrado que posee el genio y genio que ejerce autoridad. Después de haber superado ya sus pares, por las normas que él reconoce, el orgullo tiene un solo lugar a la izquierda. Para, ser víctima de las ansias de silencio vaya a ser, aún en un sentido más amplio, superior a todos los demás. Se sugiere que el artista ha tenido el ingenio de preguntar más preguntas que otras personas, así como los que posee mayor nervios y los niveles más altos de excelencia. (Que el artista puede perseverar en el interrogatorio de su arte hasta que se haya agotado o no está en duda. Como René Char ha escrito: "No tiene el corazón de aves a cantar en una maraña de preguntas") 

III 

El artista moderno ejemplar de la elección del silencio no es llevado a menudo a este punto final de la simplificación, de modo que se convierte literalmente en silencio. Más generalmente,  sigue haciendo uso de la palabra, pero de una

manera que su audiencia no puede oír. Mayoría  valioso arte en nuestra época se ha experimentado por el público como un avance en  silencio (o ininteligibilidad o invisibilidad o inaudibility), un desmantelamiento de la competencia del artista, su sentido de responsabilidad de la vocación - y, por tanto, como un agresión contra ellos.

Arte moderno de la desagradable costumbre de crónica, lo que provocó, o impedir su audiencia puede ser considerada como una limitada, la participación indirecta en el ideal de silencio que se ha elevado como un nivel de gravedad en el escena contemporánea. 

Pero también es una forma contradictoria de la participación en el ideal de silencio. Es contradictorias, no sólo porque el artista continúa haciendo obras de arte, sino también por el aislamiento de la labor de su público nunca dura. Con el paso del tiempo y la intervención de los nuevos, más difícil de obras, el del artista se convierte en transgresión ingratiating, eventualmente legítimos. Goethe Kleist acusado de haber escrito sus obras para un "teatro invisible". Pero en el tiempo el teatro se convierte en invisible "visibles" La fea y discordantes y sin sentido llegar a ser "hermoso". La historia del arte es una secuencia de éxito transgresiones. 

El objetivo característico del arte moderno, es inaceptable para su audiencia, puede debe considerarse como la inversa de la declaración de inadmisibilidad de la artista de la presencia de un público - en el sentido familiar, un conjunto de voyeuristic espectadores. Al menos desde Nietzsche observa en El nacimiento de Tragedia que una audiencia de espectadores tal como lo conocemos, los presentes los cuales la hacer caso omiso de los actores, era desconocida para los griegos, una buena dosis de arte contemporáneo  parece movido por el deseo de eliminar la audiencia de arte, una empresa que a menudo se presenta como un intento de eliminar el "arte" por completo. (A favor de "vida"?) 

Comprometidos con la idea de que el poder del arte se encuentra en su poder para negar, la última arma en la guerra del artista incompatibles con su público es punto más cerca de silencio. Sensorial o de la diferencia conceptual entre la el artista y su público, el espacio de la falta o rotura de diálogo, también

puede constituyen los motivos de la afirmación de un asceta. Samuel Beckett habla de "mi sueño de un arte de su insuperable unresentful indigencia y demasiado orgulloso para la farsa de dar y recibir ". Pero no hay una supresión de mínimos operación, un mínimo de intercambio de regalos, así como no hay talento y riguroso ascetismo que no produce una ganancia (en lugar de una pérdida) en el capacidad para el placer. 

Y ninguna de las agresiones cometidas intencionadamente o por descuido artistas modernos han logrado ni la abolición de la audiencia o transformarla en otra cosa. (Una comunidad que participan en un común actividad?) No pueden. En la medida en que el arte es entendido y valorado como un "absoluto" de actividad, será separado, un elitista. Elites presuponen masas. Hasta el momento como el mejor arte se define esencialmente por la "sacerdotal" objetivos, espresupone y confirma la existencia de un pasivo, nunca plenamente iniciado, voyeuristic laicos que es convocado regularmente para ver, escuchar, leer, o oír - y luego se envían fuera. 

Lo más que el artista puede hacer es jugar con los distintos términos en esta situación en relación con el público y él mismo. Para analizar la idea de silencio se para analizar sus diferentes alternativas dentro de esta situación esencialmente inalterable. 

IV 

¿Cómo puede, literalmente, la noción de silencio se utiliza con respecto al arte? Existe el silencio como una decisión - en el ejemplar de suicidio de la artista (Kleist, Lautréamont), lo que demuestra que ha ido "demasiado lejos", y en tales modelo de renuncias por el artista de su vocación ya citados. También existe el silencio como castigo - auto-castigo, en el ejemplar La locura de los artistas (Hölderlin, Artaud) que demostrar que uno es muy cordura puede ser el precio de traspasar la frontera del conocimiento aceptado, y, por supuesto, en las sanciones (que van desde la censura y la destrucción física de obras de arte a las multas, el exilio, la cárcel para el artista) que se da por

"la sociedad" para el espiritual del artista de no conformidad o de subversión del grupo sensibilidad. Pero el silencio no puede existir en un sentido literal como la experiencia de una audiencia. Ello significaría que el espectador es consciente de ningún estímulo o que se le incapaz de hacer una respuesta. Pero esto puede no ocurrir o ser inducida programación. La falta de conciencia de cualquier estímulo, la imposibilidad de hacer una respuesta, sólo puede resultar de un defecto presentness por parte de la espectador, o un malentendido de sus propias reacciones (engañar por restrictiva ideas acerca de lo que sería una "pertinente" la respuesta). Pero en lo que respecta público consta de los seres en una situación, no puede haber tal cosa como ninguna respuesta.

Tampoco puede el silencio, en su literal estado, existen como la propiedad de una obra de arte --incluso de las obras como readymades de Duchamp, o la jaula de 4'33 ", en la que el artista ostentosamente no ha hecho más para satisfacer los criterios establecidos de cualquier arte que establecer el objeto en una galería o de situar la realización, en un concierto. Allí no es neutral superficie, el discurso no neutral, neutral no tema, no hay forma neutral.Algo que sólo es neutral con respecto a otra cosa. (La intención? Un expectativa?) Como propiedad de la obra de arte en sí, el silencio sólo puede existir en un cocido o nonliteral sentido. (Dicho de otro modo: si existe un trabajo en absoluto, el silencio es su  sólo uno de los elementos en ella.) En lugar de materias primas o logrado el silencio, se encuentran diversos se mueve en la dirección de un retroceso de cada horizonte de silencio - que se mueve, por definición, no puede nunca ser plenamente consumado. Uno de los resultados es un tipo de arte que  muchas personas caracterizar peyorativamente como mudos, deprimido, aquiescente, frío. 

Pero estas cualidades existen privativo en un contexto de la intención del artista objetivo, que es siempre perceptible. Para cultivar el silencio que la metafórica sugeridas por temas convencionalmente vida (como en gran parte de Pop Art) y la construcción de "mínimas" las formas que parecen a la falta de resonancia emocional se sí vigoroso, a menudo tónico opciones. 

Y, por último, incluso sin intenciones de la imputación objetiva del arte-trabajo, sigue siendo la ineludible verdad de la percepción: la positividad de todas las experiencias en cada momento de ella. Como John Cage ha insistido, "no hay tal cosa como silencio. Siempre pasa algo que hace un sonido. "(Jaula ha describió cómo, incluso en un sonido de cámara, todavía escucharon al menos dos cosas: su latido del corazón y la corre de la sangre en su cabeza). Asimismo, no se tal cosa como espacio vacío. Mientras que un ojo humano está buscando siempre hay algo que ver. Para ver algo que es "vacío" todavía está pendiente de mirar, pendientes de ver algo que - aunque sólo los fantasmas de las propias expectativas. En Para percibir la plenitud, hay que mantener un sentido agudo de la vacuidad que la marca fuera; por el contrario, con el fin de percibir el vacío, se debe aprehender a otras zonas del mundo como totalidad. (A través del espejo, Alice llega a una tienda ", que parecía estar lleno de todo tipo de cosas curiosas -- pero el oddest parte de todo es que cada vez que parecía difícil en cualquier plataforma, a hacer exactamente lo que había en él, ese fue siempre muy plataforma vacía, aunque los demás ronda se llena plenamente, ya que podría celebrar. ") "Silencio" no deja de implicar su opuesto a la demanda y en su presencia. Así como no puede haber "arriba" sin "abajo" o "izquierda" sin "derecho", por lo que una Debemos reconocer un entorno de sonido o el idioma con el fin a reconocer el silencio. No sólo existe el silencio en un mundo lleno de expresión y otros sonidos, pero todo silencio tiene su identidad como un tramo de tiempo que se perforado de sonido. (Por lo tanto, gran parte de la belleza de la mudez de Harpo Marx se deriva de su ser rodeado por maníacos que hablan). 

Un verdadero vacío, puro silencio, no es posible - ya sea conceptualmente o de hecho. Aunque sólo sea porque el trabajo de arte existe en un mundo con muchos amueblado otras cosas, el artista que crea el silencio o vacío debe producir algo dialéctica: un completo vacío, un vacío enriquecedor, una resonancia o elocuente silencio. El silencio sigue siendo, inevitablemente, una forma de discurso (en muchos casos, de denuncia o acusación), y un elemento en un diálogo. V 

Estética de los programas de reducción radical de los medios y los efectos en el arte -- incluida la demanda final, por la renuncia de arte en sí - no se puede tomadas en valor nominal, undialectically. Estos no son ni políticas coherentes para artistas, ni se limita a gestos hostiles dirigidas a las audiencias. El silencio y las ideas afines (como la vacuidad, la reducción, el "grado cero") son los conceptos con un límite complejo conjunto de usos, líder de una espiritual y cultural retórica. Para describir el silencio como una expresión retórica es, por supuesto. lejos de condenar esta retórica como fraudulenta o de mala fe. Mitos de la verdad nunca es un literal verdad. Los mitos del arte contemporáneo puede ser evaluado sólo en términos de la la diversidad y la fecundidad de su aplicación.En mi opinión, los mitos del silencio y el vacío son tan nutritivo y viable como una esperanza que podría elaborarse en un "insalubre" el tiempo -- que es, necesariamente, un tiempo en el que "insalubre" proporcionar estados psíquicos las energías superiores para la mayoría de los trabajos en las artes de hoy. Al mismo tiempo, una no puede negar el patetismo de estos mitos. Este patetismo deriva del hecho de que la idea del silencio permite, en esencia, sólo dos tipos de desarrollo valiosa. Cualquiera que se tome hasta el punto de pronunciar auto-negación (como arte) o bien se practica en una forma que heroicamente, ingeniosamente inconsistentes. 

VI 

El arte de nuestro tiempo es ruidoso con llamamientos en favor de silencio. Un coqueto, alegre, incluso el nihilismo. Se reconoce la necesidad imperiosa de silencio, pero sigue hablando de todos modos. Descubrir que uno no tiene nada que decir, uno busca una manera de decir que  Beckett ha anunciado su deseo de que el arte más que renunciar a todos los proyectos preocupante para los asuntos sobre "el plano de lo factible", que el arte se jubilará, "cansados de enclenque explota. cansados de pretender estar en condiciones, de poder, de hacer  un poco mejor la misma cosa, de ir más allá a lo largo de

un triste camino. "El  alternativa es un arte que consiste en "la expresión que no hay nada que expresar, nada con que expresar, nada desde donde expresar, no poder para expresar, ningún deseo de expresar, junto con la obligación de expresar. "¿De dónde proceden esta obligación? La estética de la  deseo de muerte de que parece que desean algo incorrigibly animado. Apollinaire dice, "J'ai hecho gestes des blancs parmi les soledades". Pero él es haciendo gestos.

Dado que el artista no puede aceptar el silencio y se mantienen, literalmente, un artista, lo que la  retórica del silencio indica es una determinación a ejercer su actividad más Deviously que nunca. Una forma es indicada por Bretón la noción de la "plena margen ". El artista está obligados a dedicarse a llenar hasta la periferia de el arte del espacio, dejando la zona central de uso en blanco. El arte se convierte en privado,anémico - como lo sugiere el título de Duchamp, el único esfuerzo de hacer cine, "Anémico Cine", un trabajo desde el período 1924-26. Beckett describe la idea de una "pintura empobrecidos". la pintura que es "auténticamente infructuosos, incapaz de cualquier imagen que sea. "Uno de Jerzy Grotowski de manifiestos de su Teatro Laboratorio de Polonia se llama "el motivo de un Teatro Pobre". Pero estos programas de arte del empobrecimiento no debe entenderse simplemente como terrorista advertencias al público, sino como estrategias para mejorar la audiencia del experiencia. Las nociones de silencio, el vacío, reducción, esbozar nuevos recetas para mirar, oír, etc - en concreto, ya sea por tener un más inmediato, sensual experiencia de arte o para hacer frente a la obra de arte en una más consciente, camino conceptual. 

VII 

Examinar la relación entre el mandato de una reducción de medios y efectos en el arte, cuyo horizonte es el silencio, y la facultad de atención. Para, en un de sus aspectos, el arte es una técnica para centrar la atención, para la enseñanza de habilidades atención. (Si bien este aspecto del arte no es privativa de ella - la totalidad de la medio ambiente humano que se podría describir de esta manera, como un

instrumento pedagógico  - Es seguramente un particular. intensivo de los aspectos de las obras de arte). La historia de la  arte es el descubrimiento y la formulación de un repertorio de objetos sobre los que colman de atención, uno puede localizar con exactitud y en orden la forma en que el ojo del arte panned sobre nuestro medio ambiente, los nombres ", haciendo su selección limitada de las cosas a continuación, que las personas tomen conciencia de lo importante, agradable, complejo entidades. (Oscar Wilde Como señaló, la gente no vea antes de nieblas determinados 19a poetas y pintores del siglo les enseñó cómo, seguramente, nadie vio la mayor cantidad de la variedad y sutileza de la cara humana antes de la era de las películas.)  

Una vez, la tarea del artista parece ser simplemente la de la apertura de nuevas áreas y los objetos de atención. Esa tarea es aún reconocido, pero se ha convertido en problemática. La propia facultad de la atención se ha puesto en tela de juicio, y se sometidos a normas más rigurosas. Como Jasper Johns ha dicho: "Ya es un mucho que ver nada con claridad, para no ver nada con claridad. "Tal vez la calidad de la atención que aportar en algo se  mejor (menos contaminada y menos distraído) menos que se nos ofrece. Amueblado empobrecidos con el arte, purgado por el silencio, uno puede entonces estar en condiciones de comenzar a más allá de la frustrante selectividad de la atención, con sus inevitables distorsiones de la experiencia. Idealmente, uno debería ser capaz de prestar atención a todo.

 El movimiento es hacia menos y menos. Pero nunca tiene "menos" de manera ostentosamente avanzados como "más".  A la luz de la actual mito, el arte en el que aspira a convertirse en un "total de experiencia ", solicitando la atención total. empobrecimiento de las estrategias y reducción de indicar el más exaltado ambición, el arte podría adoptar. Debajo de lo se parece a un extenuante modestia, si no real debilidad, se puede discernir un enérgio blasfemia laica: el deseo de alcanzar la libre, no selectivas, total de la conciencia de "Dios". 

VIII 

Parece un lenguaje privilegiado para la expresión de la metáfora de la mediación carácter de arte-el arte y hacer el trabajo. Por un lado, es un discurso 

inmaterial medio (en comparación con, por ejemplo, imágenes) y una actividad humana con un juego aparentemente esenciales en el proyecto de la trascendencia, de avanzar más allá de la singular y contingente (todas las palabras están abstracciones, sólo aproximadamente  sobre la base de o que hagan referencia a datos concretos). Pero, por otro lado,  el idioma es el más impuro, el más contaminado, el más agotado de todas las materias de las que se hace arte.

Este doble carácter de la lengua - su, abstracción, y su "fallenness" en la historia - pueden servir como un microcosmos de la infeliz personaje de las artes hoy. El arte es la medida a lo largo de los laberínticos senderos del proyecto de trascendencia que es difícil concebir que de marcha atrás, por debajo de la mayoría drásticas y punitivas "revolución cultural". Sin embargo, al mismo tiempo, el arte es naufragio en el debilitantes marea de lo que una vez parecía la coronación logro del pensamiento europeo: la conciencia histórica secular.

En poco más de dos siglos, la conciencia de la historia se ha transformado de una liberación, una apertura de puertas, bendita iluminación, en un casi insoportable carga de la auto-conciencia. Es imposible para el artista a escribir una palabra (o hacer una foto o hacer un gesto) que no le recuerdo de algo. Hasta cierto punto, la comunidad y de la historicidad del artista medios están implícitos en el hecho mismo de la intersubjetividad: cada persona es un beingin -un mundo. Pero este estado normal de cosas es en la actualidad (especialmente en las artes usando el lenguaje) como extraordinaria, cansar problema. 

Como dijo Nietzsche: "Nuestro preeminencia: vivimos en la era de la comparación, hemos puede comprobar como nunca se ha verificado antes. "Por lo tanto," disfrutamos de otra manera,  sufrimos diferente: nuestra actividad instintiva es comparar un número sin precedentes de las cosas. "El lenguaje es con experiencia no sólo como algo compartido, sino algo corrompido, el peso de la acumulación histórica. Así, por cada consciente artista, la creación de una obra significa hacer frente a dos potencialmente antagónicos dominios de sentido y de sus relaciones. Uno de ellos es su propio significado (o falta de ella), y el otro es el conjunto de significados de segundo orden que ambos ampliar su propia 

el idioma y también gravar, compromiso, y que adulterar. El artista termina mediante la elección entre dos alternativas por sí limitar. El orador se ve obligado a tomar una ya sea que la posición servil o insolente: o halaga o apaciguar su público, dándoles lo que ya saben, o comete una agresión en contra de su público, dándoles lo que no queremos. Por lo tanto, transmite el arte moderno en su totalidad la alienación producida por históricoconciencia. Cualquiera que sea el artista no está en (por lo general consciente) de alineación con algo más lo ha hecho, que produce una compulsión a estar continuamente verificación de su situación. Su propia posición con los de sus predecesores y contemporáneos. Para compensar esta ignominiosa esclavitud a la historia, la artista exalta a sí mismo con el sueño de un total a histórica, y por lo tanto unalienated, art.

 

IX 

Arte que es "silenciosa" constituye un enfoque de este visionario, ahistóricas condición.  Considere la diferencia entre "mirar" y "la mirada". Una mirada es (por lo menos, en parte) voluntaria, sino que también es móvil, el aumento y la disminución en la intensidad como focos de  interés se recogen a continuación, y agotado. Una mirada tiene, en esencia, la carácter de obligatoriedad, sino que es constante, no modulada, "fijo". El arte tradicional invita a una mirada. Arte del silencio que genera una mirada. En silencio el arte,  hay (al menos en principio), no hay liberaciones de la atención, porque no ha nunca, en principio, cualquier solicitud de la misma. Una mirada es tal vez tan lejos la historia, tan cerca de la eternidad, como el arte contemporáneo puede obtener. 

X 

El silencio es una metáfora de una limpia, noninterfering visión, en la que un podría prever la realización de obras de arte que no responde antes de ser visto, unviolable en su integridad esencial de control humano. El espectador 

se acercaría al arte como lo hace un paisaje. Un paisaje no es la demanda del espectador su "comprensión", las imputaciones de su importancia, sus ansiedades y simpatía, sino que exige, más bien, su ausencia, que no añade nada a ello. La contemplación, en sentido estricto, implica auto-olvido por parte del  espectador: un objeto digno de contemplación es la que, en efecto,  aniquila la percepción tema. 

Es ideal para este tipo de plenitud a la que el público puede añadir nada, análoga a la estética relación con "la naturaleza", que una gran cantidad de arte contemporáneo aspira - a través de. diversas estrategias de blandness, de reducción, de deindividuation, de alogicality. En principio, el público no puede incluso añadir su pensamiento. Todos los objetos, así concebida, son verdaderamente completo. Esto es lo que la jaula  debe decir cuando, después de explicar que no hay tal cosa como el silencio  porque siempre está sucediendo algo que hace un sonido, dice "Nadie puede tener una idea una vez que empieza la escucha realmente. "Plenitud - experimentando todo el espacio que cubrir, de modo que las ideas no pueden entrar -- impenetrabilidad medios, opacidad. Para una persona a convertirse en silencio es no es transparente para el otro, alguien de silencio abre un abanico de posibilidades de interpretar que el silencio, por la imputación que se le habla. Las formas en que esta opacidad provoca ansiedad, vértigo espiritual, es la tema de la Persona de Bergman. El tema se ve reforzada por las dos principales atribuciones uno está invitado a hacer la actriz de "deliberado silencio. Considerada como una decisión relativa a si misma, es al parecer la forma en que ha elegido para dar forma al deseo de pureza ética, pero es también, como comportamiento, unmedios de poder, una especie de sadismo, prácticamente inviolables una posición de fuerza de que para manipular y confundir a su compañero-enfermera, que se encarga con la carga de hablar. 

Pero es posible concebir la opacidad del silencio más positiva, libre de ansiedad. De Keats, el silencio de la urna griego es un lugar para alimento espiritual: "sin precedentes" soportar melodías, mientras que las que a la cañería "el oído sensual" caries. El silencio es sinónimo de detener el tiempo ( "tiempo lento"). Uno puede mirar sin cesar en la urna griego. La Eternidad, en el argumento

de Keats' poema, es el único interesante estímulo para el pensamiento y también nos presenta la única ocasión para que llegando al final de la actividad mental, lo que significa infinito, preguntas sin respuesta ( "Tú, silenciosa forma, el costo se burlan de nosotros de pensamiento / Como  tela de la eternidad "), de modo que uno puede llegar a una final de la ecuación de ideas ("La belleza es la verdad, la verdad, la belleza "), que es absolutamente y completamente vacío por completo.

Keats' poema lógicamente termina en una declaración que parece, si uno no ha seguido de su argumento, como el vacío sabiduría, al igual que la banalidad. Tiempo, o la historia,  se convierte en el medio de datos precisos, determinado pensamiento. El silencio de la eternidad se prepara para un pensamiento más allá del pensamiento, que debe aparecer a partir de la perspectiva del pensamiento tradicional y los usos de los familiares, ya que no cuenta Pensé en todos los - aunque puede no ser un emblema de las nuevas, "difíciles" pensar. 

XI 

Detrás de los recursos para el silencio se encuentra el deseo de una percepción cultural y limpio pizarra. Y, en su mayoría exhortatorio y ambiciosa versión, la defensa de silencio expresa un proyecto mítico de liberación total. ¿Qué se prevé no es nada menos que la liberación de la artista de sí mismo, del arte de las artes trabajo, de la historia del arte, del espíritu de la materia, de la mente de su percepción intelectual y limitaciones. 

¡Qué poca gente sabe es que ahora hay formas de pensar que no todavía conocer. Nada podría ser más importante o valiosa que conocimiento, sin embargo aún no nacidos. El sentido de urgencia, la inquietud espiritual que genera no puede ser apaciguado. Sin duda, es parte de esa energía que ha extendido en el arte radical de este siglo. A través de sus actividades de promoción de silencio, reducción, etc, el arte, comete un acto de violencia sobre sí mismo, convirtiendo el arte en una especie de auto-manipulación, de prestidigitación - tratando de ayudar a

estos nuevos formas de pensar de nacimiento. 

El silencio es una estrategia para la transvaluation de arte, arte en sí misma, el heraldo un proyecto de radicales transvaluation de los valores humanos. Pero el éxito de esta estrategia debe significar su eventual abandono, o al menos su importante modificación. 

El silencio es una profecía, que el artista las acciones se puede entender como tratando de cumplir y para invertir.  Como siempre el idioma a sus propios puntos de trascendencia en el silencio, el silencio siempre puntos a su propia trascendencia - a un discurso más allá del silencio. 

Pero toda la empresa puede convertirse en un acto de mala fe, si el artista sabe esto, también? 

XII

Una famosa cita: "Todo lo que se puede pensar en todos se puede pensar claramente. Todo lo que puede decirse en absoluto se puede decir con claridad. Pero no todo lo que se puede pensar se puede decir. " Observe que Wittgenstein, con su escrupulosa de evitar los efectos psicológicos cuestión, no preguntar por qué, cuándo y en qué circunstancias alguien quiere  para poner en palabras "todo lo que se puede pensar" (aunque podría), o incluso a pronunciar (claramente si o no) "todo lo que podría decirse". 

XIII

De todo lo que dice, uno puede preguntarse: ¿por qué? (Incluye: ¿Por qué debo decir que? Y: ¿por qué debo decir nada en absoluto?) A esto yo añadiría la tesis de que, en rigor, nada de lo que dice es VERDADERO. (Aunque una puede ser la verdad, no se puede decir que nunca.) Sin embargo, las cosas que se dice a veces puede ser útil - que es lo que la gente normalmente significa cuando dice algo que consideran para ser verdad. Entre sus muchos usos, el habla puede iluminar, aliviar, confundir, exaltar, infectar,

antagonizar, satisfacer, tristes, de aturdimiento, animar. Si bien el idioma se utiliza para inspirar a de acción, algunas declaraciones verbales, ya sea escrita u oral, de una especie altamente estilizado  son utilizados como la realización de una acción (como en la promesa, el juramento, legar). Otro uso de la palabra, en todo caso más común que la de provocar acciones: discurso provoca mayor expresión. Pero el silencio puede discurso, también. Este hecho es como debe ser, sin la polaridad de silencio, toda la sistema de la lengua sería un fracaso. Y más allá de su función genérica como la dialéctica del discurso contrario, el silencio - como discurso - tiene sus más específicas, utiliza menos inevitable, también. 

Uno de los usos para el silencio: la certificación de la ausencia o renuncia del pensamiento. Este uso del silencio es a menudo empleado como un procedimiento mágico o mimética en las relaciones sociales represivas. como en los reglamentos sobre hablando con superiores en la orden jesuita y en el disciplinamiento de los niños. (No debe debe confundirse con la práctica de ciertas disciplinas monásticas, como la Orden trapense, en la que el silencio es un asceta y un acto de testimonio de la condición de ser perfectamente "completo.")

Otro, aparentemente opuestas, el uso de silencio: la certificación de la finalización de pensó. (Karl Jaspers: "El que tiene la última respuesta ya no puede hablar con la otra, ya que rompe una verdadera comunicación para el bien de lo que él considera in ") Otro uso para el silencio: la prestación de tiempo para la continuación de la exploración o de pensó. En particular, habla cierra pensamiento. (Cf., la empresa de la crítica, en que no parece haber ninguna manera de un crítico no afirmar que un determinado artista es el presente, que él, etc) Pero si se decide una cuestión no está cerrada, no lo es. Esto es presumiblemente, la razón de ser voluntario en los experimentos que el silencio algunos atletas espiritual contemporáneo, como Buckminister Fuller, han llevado a cabo, y el elemento de sabiduría en la de otro autoritario, principalmente, filisteo silencio de la ortodoxia freudiana psicoanalista. Guarda silencio cosas "abierto".

Otro uso para el silencio: el suministro o la ayuda de voz para alcanzar su máximo la integridad o la gravedad. Todo el mundo ha experimentado cómo, cuándo por largos silencios, las palabras pesan más, que es casi palpable. O cómo, cuando se habla menos, uno empieza a sentirse uno más de la física presencia en un determinado espacio. Silencio socava "mala expresión", con lo que me refiero disociarse discurso - discurso disociado del cuerpo (y, por tanto, de sentimiento), el habla no orgánicamente informado por la presencia y sensual particularidad concreta de los altavoces y de la persona para la utilización de ocasión idioma. Unmoored del cuerpo, el habla se deteriora. Se convierte en falso, inane, innoble, de ingravidez. El silencio puede inhibir o contrarrestar esta tendencia, proporcionar una especie de lastre, la vigilancia y la corrección de lenguaje, incluso cuando se convierte en inauténtico.

Teniendo en cuenta estos peligros a la autenticidad del lenguaje (que no depende de el carácter aislado de cualquier estado o grupo de estados, pero en la relación del orador, el habla, y la situación), el proyecto hipotético de diciendo claramente "todo lo que puede decirse" sugerido por Wittgenstein del observaciones temor se ve complicado. (¿Cuánto tiempo tienen una? ¿Podría uno tiene que hablar rápido?) El filósofo del hipotético universo de claro discurso (que asigna a sólo el silencio "que de lo cual no se puede hablar") que parece ser un moralistas, o de un psiquiatra, pesadilla - por lo menos, un lugar nadie debe entrar en la ligera. ¿Hay alguien que quiere decir "todo lo que podría decirse"? La respuesta plausible psicológicamente parece ser que no. Pero sí es posible, también - como un aumento del ideal de la cultura moderna. 

No es que lo que muchos quieren hoy - a decir todo lo que se puede dice? Pero este objetivo no se puede mantener sin conflicto interno, en parte inspirado por la propagación de los ideales de la psicoterapia, las personas están anhelo decir "todo" (lo que, entre otros resultados, socavando aún más la caída distinción entre los esfuerzos públicos y privados, entre la información y secretos). Pero, en un mundo superpoblado que se conectan por electrónico mundial 

la comunicación y la reacción de viaje a un ritmo demasiado rápido y violento de una forma ecológica  buena persona para asimilar sin choque, las personas también sufren una repulsa por cualquier otra expresión y la proliferación de imágenes. Tan diferentes factores como la ilimitada "tecnológicos de reproducción" y casi universal difusión de impresos, tanto el lenguaje y el habla, así como las imágenes (de "noticias" a los "objetos de arte"), y la degeneración de la lengua dentro de la esfera de la política y la publicidad y el entretenimiento, se han producido, especialmente entre los la mejor educación de habitantes de lo que los sociólogos llaman "moderna masa la sociedad ", una devaluación del lenguaje. (debo afirmar, en contra de McLuhan, que una devaluación de la fuerza y la credibilidad de las imágenes que ha tenido lugar no menos profundo que. y esencialmente similar, a la que aquejan el idioma.) Y, como  el prestigio de la lengua cae, que se eleva de silencio. 

Estoy aludiendo, en este punto, al contexto sociológico de los contemporáneos ambivalencia hacia el idioma. El asunto, por supuesto, va mucho más allá de esto. Además de los factores determinantes sociológicos específicos que deben ser contadosen, se debe reconocer el funcionamiento de algo así como una perenne descontento con el lenguaje que se ha formulado en cada una de las grandes civilizaciones de Oriente y Occidente, cuando alcanza un cierto pensamiento de alto, insoportable orden de complejidad y gravedad espiritual. 

Tradicionalmente, ha sido a través del vocabulario religioso. con su metaabsolutes de "sagrado" y "profano", "humano" y "divino", que el descontento  con el propio lenguaje se ha trazado. En particular, los antecedentes del arte de la Dilemas y estrategias se encuentran en el ala radical de la mística tradición. (Cf., entre los textos cristianos, el MYSTICA Teológica de Dionisio Areopagita, la nube de desconocimiento anónimo. los escritos de Jacob Boehme y el Maestro Eckhart, y paralelismos en el zen y taoísta y en los textos escritos de los místicos sufíes.) La tradición mística siempre ha reconocido, en Norman 

Brown frase, "el carácter neurótico de la lengua. (Boehme dice el Adam habla el idioma que es diferente de todas las lenguas conocidas. Él lo llama "sensual discurso", el instrumento expresivo inmediatas de los sentidos, el correcto a ser parte integral de la sensual naturaleza - es decir, sigue trabajando por todos los animales enfermos, salvo que el animal, hombre. Esto, que pide la única Boehme "lenguaje natural", el único lenguaje libre de distorsión y la ilusión, es lo que hombre habla de nuevo cuando se recupera el paraíso.) Sin embargo, en nuestro tiempo, el más sorprendente la evolución de esas ideas se han hecho por los artistas (junto con algunos psicoterapeutas), en lugar de por la tímida legatarios de los religiosos tradiciones.

Explícitamente en la revuelta en contra de lo que se considera el desecado, clasificados la vida ordinaria de la mente, el artista cuestiones propias de su llamamiento en favor de una revisión de  idioma. Una buena parte del arte contemporáneo se mueve por esta búsqueda de un conciencia purificada contaminados de la lengua y, en algunas versiones, de la las distorsiones producidas por concebir el mundo exclusivamente convencionales verbales (en su sentido desvalorizado, "racional" o "lógico") términos. Arte se convierte en una especie de la lucha contra la violencia, tratando de aflojar el agarre a la conciencia de los hábitos de vida, estáticas verbalización, la presentación de modelos de "sensual voz." En todo caso, el volumen de descontento se ha subido desde las artes heredado el problema de la lengua desde el discurso religioso. No es sólo que es decir, en última instancia, no hacer por los más altos objetivos de la conciencia, o incluso que en el camino. El arte expresa un doble descontento. Nos faltan palabras, y nos tener demasiados de ellos. Que refleja una doble queja. Las palabras son en bruto, y también son demasiado ocupado - invitar a una hiperactividad de la conciencia que no es sólo disfuncionales, en términos de la capacidad humana de sentir y actuar, pero que activamente apaga embota la mente y los sentidos. 

El lenguaje es degradado a la condición de un evento. Algo que se lleva a cabo en tiempo, una voz hablando lo que apunta a la "antes de" y para lo que viene "después de" una expresión: el silencio. El silencio, entonces, es a la vez la condición previa de expresión, y el resultado o la finalidad del discurso dirigido adecuadamente. En este modelo, el artista de la actividad es la creación o el establecimiento de silencio, la eficaz obra de arte deja silencio a su paso. Silencio, administrado por el artista, forma parte de un programa de perceptivas y culturales de terapia, a menudo en el modelo de terapia de choque y no que la persuasión. Incluso si el medio es del artista, es decir, que pueden compartir en estatarea: el idioma se pueden emplear para comprobar el idioma, para expresar mudez. Mallarmé creía que era precisamente el trabajo de la poesía. mediante palabras, para limpiar nuestra palabra-obstruido la realidad - por la creación de silencios en torno a las cosas. El arte debe montar un ataque a escala completa en el idioma propio, por medio del lenguaje y sus sustitutos, en nombre de la norma de silencio. 

XIV 

Al final, la crítica radical de la conciencia (definida por el primero tradición mística, ahora administrada por la psicoterapia y la poco ortodoxa de alta arte modernista) establece siempre la culpa sobre el lenguaje. Conciencia, con experiencia como una carga, se concibe como la memoria de todas las palabras que alguna vez se ha dicho. 

Krishnamurti afirma que debemos dar hasta psicológica, a diferencia de de hecho, de la memoria. De lo contrario, mantener el llenado de la nueva con la antigua, cierre experiencia conectando cada una de las experiencias en el pasado. Debemos destruir la continuidad (que es asegurado por la memoria psicológica), por ir al final de cada emoción o pensamiento.  Y después de la final, lo que supervenes (por un tiempo) es el silencio. 

XV 

En su 4 ª Elegía Duino, Rilke metafórico da una declaración del problema de la el idioma y se recomienda un procedimiento para acercarse a la medida hacia el horizonte de silencio que considere viable. Un requisito previo de "vaciado a cabo" es para poder percibir lo que uno está "lleno de", lo que las palabras y los mecánicos gestos se rellena con una. como una muñeca, y sólo entonces, en la confrontación con polares la muñeca, ¿el "ángel" aparecen, una cifra que representa igualmente un inhumano aunque "superior" posibilidad, que de inmediato una totalmente trans, lingüística aprehensión. Ni ángel ni muñeca, los seres humanos siguen siendo situados en el reino de la lengua. Pero por la naturaleza, las cosas, luego otras personas, entonces el texturas de la vida ordinaria que se experimentó a partir de una posición distinta de la lisiado de una simple espectadores, el idioma debe recuperar su castidad. Como Rilke describe en el 9 º Elegía, la redención del lenguaje (es decir, la la redención del mundo a través de su interiorización en la conciencia) es una larga,infinitamente ardua tarea. Los seres humanos son tan "caídos" que debe comenzar simplemente, con el simple acto lingüística: los nombres de las cosas. Tal vez no más que este mínimo se pueden preservar la función de la corrupción de idioma. Rilke sugiere que el lenguaje puede muy bien tener que permanecer dentro de un estado permanente de reducción. Aunque tal vez. cuando este ejercicio espiritual de confinar a los nombres de idioma se perfecciona, puede ser posible pasar a otros, más ambiciosos usos del lenguaje, no debe ser intentado que se permitir que se unestranged conciencia de sí mismo. 

Rilke para la superación de la alienación de la conciencia es concebible; y sus medios no son, como en el radical de los mitos de los místicos, a través de trascender el idioma por completo. Es suficiente. de acuerdo con Rilke, a recortar drásticamente el alcance y la utilización de la lengua. Una enorme preparación espiritual (al contrario de la "alienación") es necesaria para este engañosamente simple acto de denominación: nada menos que el desgrasado y armonioso de la nitidez sentidos (lo contrario de esos proyectos violentos, con aproximadamente el

mismo fin e informado por la misma hostilidad verbal-racional a la cultura, como "sistemáticamente deranging los sentidos"). 

Rilke del recurso se encuentra a medio camino entre la explotación de adormecimiento de la lengua como un bruto, totalmente instalado institución cultural y de ceder a los suicidas de vértigo  puro silencio. Sin embargo, este medio de reducir a la denominación de idioma se puede reivindicada en otra forma que la suya. El contrario, el nominalismo benigna propuesto por Rilke (y propuesto y practicado por Francis Ponge) con el brutal nominalismo adoptado por muchos otros artistas. El más familiar de recurso el arte moderno a la estética del catálogo, el inventario, no se hace - como en Rilke - con un ojo a "humanizar" las cosas, sino más bien de confirmar su inhumanidad, su impersonalidad, su indiferencia y separación de  en las preocupaciones humanas. (Los ejemplos de la "inhumana" la preocupación por la denominación: 

Roussel de Impresiones de África: la serigrafía y pinturas de primeras películas Andy Warhol, las primeras novelas de Alain Robbe-Grillet, que tratan de limitar lengua a la función de simple descripción física y la ubicación.) Rilke Ponge y asumir que hay prioridades: en lugar de ricos vacuo objetos, eventos con un cierto encanto. (Este es el incentivo para tratar de piel de nuevo el idioma, permitiendo que las "cosas" a hablar.) más decisiva, que suponer que si hay estados de falsa (idioma obstruidas), la conciencia, también hay auténticos estados de conciencia - que es la función del arte promover. La visión alternativa niega el interés de las jerarquías tradicionales y el significado, en el que algunas cosas más "importancia" que otros. El distinción entre lo verdadero y lo falso experiencia, lo verdadero y lo falso es la conciencia También negó, en principio, un deseo debe prestar atención a todo. Es este punto de vista, más elegantemente formulada por jaula, aunque su práctica se encuentra todo el mundo, que conduce a la técnica del inventario, el catálogo, las superficies; también "oportunidad". La función del arte no es el fin de fomentar la experiencia específica, excepto el estado de estar abierto a la multiplicidad de la experiencia, que finaliza en la práctica por un decidido énfasis en las cosas suele considerarse trivial o sin importancia. El archivo adjunto de arte contemporáneo a la "mínima" principio de la

narrativa el catálogo o inventario parece casi una parodia de la visión del mundo capitalista, en el que el medio ambiente es atomizado en "temas" (una categoría que abarque cosas y personas. obras de arte y organismos naturales), y, en la que cada es un tema - que es. una discreta, objetos portátiles. En general, nivelación del valor promovido en el arte de inventario, que es en sí mismo sólo uno de los posibles enfoques de un ideal Invariable discurso. Tradicionalmente, la efectos de una obra de arte-se han distribuido de forma desigual, con el fin de inducir en el audiencia una cierta secuencia de experiencias: en primer lugar despertar, a continuación, manipular,  emocional y, finalmente, el cumplimiento de las expectativas. Lo que se propone ahora es una  discurso sin matices en este sentido tradicional. (Una vez más, el principio de la mirada frente a la mirada.)

Dicha técnica también podría ser descrito como el establecimiento de una gran "distancia" (entre  espectador y el arte objeto, entre el espectador y sus emociones). Pero, psicológicamente, la distancia es a menudo intervienen en el estado más intenso de sentimiento, en la que la distancia o la frialdad o la impersonalidad con la que algo se trata de medidas que el insaciable interés que tiene para nosotros. El la distancia a la que una gran cantidad de "anti-humanista" el arte se propone es en realidad equivalente a la obsesión - un aspecto de la participación en "cosas" de los cuales el "humanista" nominalismo de Rilke no revelar.

XVI 

"Hay algo extraño en los actos de escritura y expresión oral", Novalis escribió en 1799. "El ridículo y la gente hace increíble error es creer se utilizan palabras en relación con las cosas. Ellos no son conscientes de la naturaleza de el idioma - que se va a su propia y única preocupación, por lo que es tan fértil y espléndida un misterio. Cuando alguien habla por el hecho de que está hablando diciendo que la más original y veraz, cosa que puedo decir ". Novalis declaración pueden ayudar a explicar algo que parece a primera paradójica: que la edad de la amplia promoción del arte del silencio También contienen un número cada vez mayor de obras de arte que

balbuceo. Verbosidad y repetitividad es especialmente notable en la tendencia temporal de las artes prosa, narrativa, música, cine y danza, muchas de las cuales aparecen a cultivar una especie ontológico de balbucear - facilitado por su negativa a prestar atención a los incentivos para un lugar limpio, anti-redundante discurso facilitada por lineal, a partir de medianos andend construcción. Pero, en realidad, no hay contradicción. Para el contemporáneo llamamiento para que el silencio nunca ha indicado simplemente hostiles despido de un idioma. Ello  también significa una estimación muy alta de la lengua - de sus competencias, de su pasado la salud, y de los peligros actuales que plantea a la libertad de conciencia. A partir de este intenso y ambivalente valoración producto el impulso de un discurso que parece irrespressible (y, en principio. interminable), y extrañamente  inarticulados, dolorosamente reducido. Una sentidos incluso los contornos de un subliminales justificación - discernible en las ficciones de Stein, Burroughs, Beckett y - que sería posible hablar con el idioma, o para hablar uno mismo en silencio. Se trata de un extraño y no muy prometedora estrategia, se podría pensar, a la luz resultados de lo que razonablemente cabría esperar de ella. Pero tal vez no tan extraño. después de todo, cuando uno observa la frecuencia con la estética del silencio parece de la mano con un rechazo de apenas controlado el vacío. 

Incorporación de esos dos impulsos contrario puede producir la necesidad de llenar todos los espacios con objetos de peso ligero emocional o incluso con grandes zonas apenas modulada de color uniforme o detalladas de objetos, o para hacer girar un discurso con el menor número posible las inflexiones, variaciones emotivo. y risings y deficiencias de énfasis. Estos procedimientos parecen análogas a la conducta de un obsesivo neuróticos conjurar un peligro. Los actos de esa persona debe repetirse en idéntica forma, porque el peligro sigue siendo el mismo, y deben guardar repite sin cesar, porque el peligro no parece que vaya. Sin embargo, la emocional incendios alimentación el arte del discurso análogo a obsessionalism puede ser rechazado tan bajo se puede olvidar que estamos casi allí. Entonces todo lo que queda por el oído es una especie de zumbido o zumbido constante. Lo que queda a la vista es el puro 

relleno de un espacio con cosas, o, más exactamente, el paciente de transcripttion detalle la superficie de las cosas. 

En este punto de vista, el "silencio" de las cosas, imágenes, palabras y es un requisito previo para su proliferación. Fueron dotados de una más potente. cada cargo, cada uno de los diversos elementos de la obra de arte que demanda más espacio psíquico y, a continuación, su número total podría tener que ser reducido. 

XVII 

A veces la acusación contra el idioma no se dirige contra todos el idioma, pero únicamente con la palabra escrita. Tristan Tzara, por tanto insta a la quema de todos los libros y las bibliotecas para lograr una nueva era de las leyendas orales. Y McLuhan, como todos saben, hace más nítida la distinción entre los escritos el idioma (que existe en el "espacio visual") y el discurso oral (que existe en "espacio auditivo"), elogiando el psíquico y culturales de este último como la base de la sensibilidad. 

Si el lenguaje escrito es señalado como el culpable, lo que se solicita no es tan tanto la reducción de la metamorfosis de la lengua en algo más flexible, más intuitivo, menos organizados y las inflexiones, no lineal (en la McLuhan terminología) y - notablemente - más detallada. Pero, por supuesto, es tan solo estas cualidades que caracterizan a muchos de los grandes relatos en prosa escritos en nuestro tiempo. Joyce, Stein, Gadda, Laura Riding, Beckett, Burroughs y emplean a un lenguaje cuyas normas y las energías procedentes de discurso oral, con su circular los movimientos repetitivos y, esencialmente, en primera persona la voz. "Hablando por el bien de hablar es la fórmula de la liberación," Novalis dicho. (Liberación de qué? De hablando? De arte?) 

Quisiera argumentar que Novalis ha descrito sucintamente el enfoque adecuado del escritor de la lengua, y ofreció el criterio básico para la literatura como un arte. Pero si es el discurso oral modelo privilegiado para la expresión de la literatura como un arte es una cuestión que sigue indeciso. 

XVIII 

Un corolario del crecimiento de esta concepción del arte de la lengua como autónomo y autosuficiente (y, en última instancia, auto-reflexivo) es una disminución de los "efectos",como tradicionalmente buscarse en las obras de arte. "Hablando por la causa de uso de la palabra"  nos obliga a trasladar el sentido de la lingüística o para-lingüísticos declaraciones. Nos llevó a abandonar el sentido (en el sentido de las referencias a entidades fuera de la obra de arte) como criterio para el lenguaje del arte en favor de la "utilización". (La famosa tesis de Wittgenstein, "el sentido es el uso", puede ser, debe ser, aplique al arte.) "Significado", total o parcialmente, convertida en la "utilización" es el secreto detrás de la estrategia generalizada de literalidad, un importante desarrollo de la estética de la silencio. Una variante de este: oculto literalidad, por ejemplo, tan diferentes escritores como Kafka y Beckett. La descripción de Kafka y Beckett parece desconcertante porque parece invitar al lector a atribuir alta potencia simbólico y alegórico significado para ellos y, al mismo tiempo, rechazar tales ascriptions. La verdad es que su idioma, cuando se examina, no se revela más de lo que significa literalmente. El poder de su lengua se deriva precisamente por el hecho de que el significado es tan simple. 

El efecto de esa desnudez es a menudo una especie de ansiedad - la ansiedad como un siente cuando las cosas no son familiares en su lugar o jugar su papel acostumbrado. Uno puede ser tan ansiosos por literalidad como inesperado por los surrealistas " "inquietante" objetos e inesperada dimensión y condición de los objetos, sumados en un paisaje imaginario. Cualquiera que sea totalmente misterioso es a la vez tanto psíquicamente y aliviar la ansiedad que provoca. (Una máquina perfecta para agitar este par de emociones contrarias: Bosch dibujo neerlandés en un museo que muestra los árboles decorados con dos orejas a los lados de su tronco, como si fueran escuchar a la selva, mientras que el suelo del bosque está sembrado con los ojos.) Antes de que un plenamente conscientes de obra de arte, uno siente

algo así como la mezcla de ansiedad, destacamento, pruriency, de socorro y una buena persona que físicamente se siente cuando vislumbrar un amputado. Beckett habla favorablemente de una obra de arte que ser un "objeto total, con partes faltantes, en lugar de objeto parcial. Cuestión de grado. "Exactamente lo que es una totalidad, lo que constituye la exhaustividad en el arte (o nada  los demás) es precisamente el problema. Ese problema es, en principio, una unresolvable  uno.

El hecho es que cualquiera que sea la forma en que una obra de arte es, podría haber sido – podría ser - diferente. La necesidad de estas piezas en este orden no es nunca un estado, sino que se confiere. La negativa a admitir que esto es esencial contingencia (o  apertura) es lo que inspira a la audiencia para confirmar la voluntad de la closedness de un obra de arte de la interpretación, y lo que crea el sentimiento común entre los artistas reflexivos y críticos que la obra de arte siempre está en mora en el pago de alguna o inadecuados para su "tema".  Pero a menos que uno está comprometido con la idea de que el arte "expresa" algo, estos procedimientos y las actitudes están lejos de ser inevitable. 

XIX 

Esta tenaz concepto del arte como "expresión" es lo que da lugar a una común, pero dudosa, la versión de la noción de silencio, que invoca la idea de de la "inefable". La teoría supone que la provincia de arte es "la hermoso ", lo que implica efectos de unspeakableness, indescribability, ineffability. De hecho, la búsqueda de expresar lo inexpresable es tomado como el criterio de arte, y en ocasiones, por ejemplo, en varios ensayos de Valery, se convierte en la ocasión por un estricto - y en mi opinión insostenible - la distinción entre la literatura y la poesía en prosa. Es desde esta base de que Valery avanzada su famoso argumento (que se repite en un contexto muy diferente por Sartre), que la novela no es, estrictamente hablando, una forma de arte en absoluto. Su razón es que, desde la objetivo de la prosa es comunicar, el uso del lenguaje en prosa es perfectamente sencilla. La poesía, que es un arte, debe tener muy diferentes objetivos: expresar una experiencia que es esencialmente inefable, usando el lenguaje para expresar 

mudez. En contraste con la prosa los escritores, los poetas se dedican a subvertir sus propio instrumento, y tratando de pasar más allá de él. 

La medida en que esta teoría asume que el arte tiene que ver con belleza, no es muy interesante. (Estética moderna se ve mermada por su dependencia de este esencialmente vacantes concepto. Como si el arte se "acerca de" la belleza, como la ciencia es "acerca de "la verdad!) Pero incluso si la teoría prescinde del concepto de belleza, hay todavía una más seria objeción que hacer. La opinión de que la expresión de la inefable es una eterna función de la poesía (considerada como un paradigma de todas las artes) se daría ingenuamente. Aunque sin duda un clásico de la categoría conciencia, el inefable no siempre ha hecho su hogar en las artes. Su refugio era tradicional en el discurso religioso y, en segundo lugar (véase la 7 ª Epístola de Platón), en la filosofía. El hecho de que los artistas contemporáneos se en cuestión con el silencio - y, por tanto, en una extensión, con el inefable -- debe ser entendida históricamente, como consecuencia de la que prevalece el mito de "absoluto" del arte al que me haya referido en el presente argumento. El valor en el silencio no se plantea en virtud de la naturaleza del arte, pero es derivados de la adscripción de determinados contemporáneo "absoluta" a las cualidades arte objeto y la actividad de la artista. 

La medida en que el arte está implicado con el inefable es algo más específicos, así como contemporáneo: arte, en la moderna concepción, es siempre relacionados con las transgresiones sistemáticas de tipo formal. La sistemática violación de los mayores convenios formales practicado por artistas modernos da a su trabajo una cierta aura de la incalificable - por ejemplo, en la audiencia difícilmente sentidos la presencia negativa de lo que más podría ser, pero no se, dijo, y que cualquier "declaración" hecha en una manera agresiva nuevas o difíciles de tiende a parecer equívoca o simplemente vacante. Sin embargo, estas características de ineffability  no debe ser reconocido a expensas de la toma de conciencia de la positividad de la obra de arte. Arte contemporáneo, no importa cuánto se define por sí mismo 

el gusto por la negación, puede ser analizado como un conjunto de afirmaciones, de un oficialclase. 

Por ejemplo, cada obra de arte nos da una forma o de paradigma o modelo de sabiendo algo, una epistemología. Pero visto como un proyecto espiritual, una vehículo de las aspiraciones hacia un absoluto, lo que cualquier obra de arte tiene un caráctermodelo específico de meta-meta-social o ético tacto, un nivel de decoro. Cada obra de arte-indica la unidad de ciertas preferencias sobre lo que puede y no se puede decir (o representados). Al mismo tiempo que puede hacer una tácita propuesta de alterar las decisiones previamente consagrada en lo que se puede decir (o representada), emite su propio conjunto de límites. 

XX 

Dos estilos de silencio en el que se defiende: fuerte y suave. El alto estilo es una función de la inestabilidad de la antítesis de la "cámara" y "vacío". Notoriamente, la sensual, extático, translinguistic aprehensión del pleno pueden en un terrible colapso. casi instantáneo de sumergirse en el vacío de la negativa silencio. Con todo su conocimiento de la toma de riesgos (los riesgos de náuseas espirituales, incluso de la locura), la promoción de este silencio tiende a ser frenético, y overgeneralizing. También es frecuente apocalíptico, y debe soportar la la indignidad de todos pensamiento apocalíptico, a saber, a la profecía del final, para ver el días venideros, para sobrevivir y, a continuación, para fijar una nueva fecha para la incineración de  conciencia y el lenguaje definitivo de la contaminación y el agotamiento de la posibilidades de arte-discurso. La otra forma de hablar de silencio es más prudente. Básicamente, presenta a sí misma como una extensión de una característica principal de la tradicional clasicismo: la preocupacióncon los modos de propiedad, con las normas de seemliness.

El silencio es sólo "reticencias" intensificado a la enésima potencia. Por supuesto, en la traducción de este preocupación de la matriz tradicional del arte clásico, el tono ha cambiado -- didáctica de gravedad a la apertura de espíritu irónico. Pero mientras que el clamoroso estilo de proclamar la retórica del silencio puede ser más apasionado, más 

moderado defensores (como Cage, Johns) están diciendo algo igualmente drásticas. Se trata de reaccionar a la misma idea de las aspiraciones del arte absoluto (por programáticas disavowals de arte), que comparten el mismo desprecio por la "significados" establecido por la cultura burguesa, racionalista, de hecho, para la cultura misma en el sentido familiar. Pero lo que es expresada por los futuristas, algunos de los Dada artistas, como Burroughs y la desesperación y una dura visión perversa de apocalipsis, es no menos graves para ser proclamada en una voz amable y como una secuencia de afirmación lúdica. De hecho, podría decirse que el silencio es probable que se mantenga una viables para la idea de arte moderno y la conciencia sólo lo que se despliega con la una parte considerable, cerca de la ironía sistemática. 

Es en la naturaleza espiritual de todos los proyectos que tienden a consumir ellos mismos -- agotar su propio sentido, el significado de los términos en que se redactado. (¿Cuál es la razón por la "espiritualidad" deben ser continuamente reinventado.) Todas las  proyectos verdaderamente último de la conciencia para convertirse en proyectos desentrañar el pensamiento de sí mismo. 

Ciertamente, el arte concebido como un proyecto espiritual no es una excepción. Como una resumieron y fragmentada de la réplica positiva expuesta por el nihilismo mitos religiosos radicales, las graves arte de nuestro tiempo se ha desplazado cada vez más hacia la mayoría de las inflexiones de la conciencia insoportable. Concebible, la ironía es el único contrapeso posible a este grave el uso del arte, como la arena para la odisea de la conciencia. La perspectiva actual es que los artistas se pondrán a la la supresión de arte, sólo para resucitar en una versión más retraído. Mientras el arte lleva bajo la presión de los interrogatorios crónica, sería una buena cosa que algunas de las preguntas tienen un cierto juego de calidad. Pero esta perspectiva depende, tal vez, sobre la viabilidad de la ironía en sí. De Sócrates adelante, hay innumerables testigos de la importancia de la ironía para los particulares: como un complejo, serio método de búsqueda y

explotación la verdad, y como método de ahorro de la cordura. Pero como la ironía se convierte en elbuen gusto de lo que es, después de todo, una actividad esencialmente colectiva - la puesta ade arte - puede resultar menos reparables. 

No es necesario hablar como categóricamente como Nietzsche, que pensaban que la propagación de la ironía en toda una cultura floodtide siempre significó la decadencia y de la acercarse a fin de que la vitalidad de la cultura y las competencias. En el período posterior a la política,  conectados electrónicamente Cosmopolis grave en el que todos los artistas modernos han prematuro sacar la ciudadanía, algunas conexiones entre la cultura ecológica y "pensar" (y el arte es, sin duda, ahora, sobre todo, una forma de pensamiento) puede tener ha roto, por lo que el diagnóstico de Nietzsche ya no se aplica. Sin embargo, existe sigue siendo una cuestión de en qué medida los recursos de la ironía puede ser estirado. Ello Parece poco probable que las posibilidades de socavar continuamente la hipótesis pueden ir desarrollando en forma indefinida en el futuro, sin que se finalmente marcada por la desesperación o por una carcajada que deja sin aliento un en absoluto.