EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS Y

PRINCIPALES TENDENCIAS DE LA

ARQUITECTURA MODERNISTA

Es un movimiento cultural de carácter global en Europa y EEUU que se da entre la última década del siglo XIX y primeras del XX, pero que presenta una enorme variedad en sus diferentes países.

Es un estilo internacional con variantes regionales y que recibe nombres diferentes e cada país:

• Liberty o Modern Style en Gran Bretaña.

• Art Nouveau en Francia y Bélgica.

• Jugendstil Alemania.• Sezzesionstil en Austria.• Modernismo en España.• Floreale en Italia.

Es un estilo que afecta fundamentalmente a la arquitectura y a las artes decorativas.

Surge en gran medida como una reacción ante las contradicciones existentes en el arte (especialmente en la arquitectura) a lo largo del siglo XIX:

• Entre los estilos historicistas y eclécticos: neogótico, neobarroco, neomudéjar…

• La nueva arquitectura industrial de los nuevos materiales y su pretendida “fealdad.”

Tratan de romper con el academicismo y de superar esa dicotomía y realizar un arte adaptado a los nuevos tiempos de finales del siglo XIX y encontrar un estilo moderno adaptado a ellos.

El Modernismo surge como un intento de encontrar un estilo moderno, adecuado a un tiempo que esperaba el nuevo siglo con entusiasmo, que estuviera completamente desvinculado del pasado y que se combinará en una nueva estética:

• La libertad creadora.

• Las posibilidades de los nuevos materiales y la técnica.

• Los elementos del lenguaje artístico del eclecticismo e historicismo, pero tratado de un modo novedoso, fantasioso y original.

El propio nombre de “Modernismo” trata de expresar esas ideas propias del periodo entre finales del siglo XIX y la I Guerra Mundial de:

• Modernidad.• Innovación.• Futuro.• Optimismo.• Refinamiento.

Trata de compaginar el arte y el diseño con la funcionalidad y las nuevas posibilidades que ofrecen los nuevos materiales y medios tras la revolución industrial.

Se basa en la creatividad del artista, reivindica la libre imaginación y la fantasía, la fascinación por otras culturas exóticas y se inspira en la naturaleza.

Es un estilo típicamente urbano, propio de la alta burguesía de finales del siglo XIX.

Al revalorizar la producción artesana, los materiales caros y lujosos, se convierte en un estilo “caro”, que trata de mostrar el poderío de esa alta burguesía.

Sus formas y su decorativismo pretenden reflejar también el refinamiento de esta clase social.

Es un arte típicamente “burgués”, con importante componente ornamental y decorativo, pero sin renunciar a las posibilidades de comodidad y funcionalidad que permite la nueva sociedad “moderna”.

No renuncia a los avances de los nuevos materiales, a la producción industrial y los emplea en sus construcciones, pero de un modo nuevo:

• Reintepretando las ideas historicistas y las formas clásicas.

• Rompiendo con el academicismo imperante.

• Inspirándose en la naturaleza, a la que se pretende imitar en sus formas.

• Desarrollando un cierto organicismo: los elementos artísticos tienden a asemejarse a las de la naturaleza, a las plantas, a las rocas, concibiendo los edificios como “organismos vivos,”

• Rechaza en gran medida la simetría, frialdad y deshumanización de la arquitectura.

• Recupera las líneas curvas, sinuosas.

• Recupera la ornamentación.

• En general, revalorizan la asimetría, la irregularidad, las formas orgánicas, los elementos naturales.

• Tendencia a la estilización de los motivos.

• Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles.

• Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.

• Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.

http://jm-arthistory2.blogspot.com.es/2015/02/el-modernismo.html

Pretende convertirse en un arte total, integrando los diferentes aspectos de la vida, desde las casas hasta los elementos de su decoración exterior e interior, desde las casas a las estaciones del metro, de los muebles a la decoración de interiores, incluyendo los vestidos y joyas de sus propietarios.

El diseño adquiere gran importancia como modo de integración en un único estilo de todas las artes.

El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y también en diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios…).

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Antecedentes

A mediadas del Siglo XIX, el movimiento Pre-Rafaelita, inspirado en los antiguos maestros del Renacimiento, y el movimiento Arts & Crafts, que rehabilita el trabajo hecho a mano, promueven un regreso al arte decorativo.

Frente a la “deshumanización” industrial, se produce una revalorización de los aspectos artesanales, los “Arts and Crafts”, como plantea el movimiento inglés inspirado por William Morris.

Antecedentes

William Morris (1834-1896) pretendía recuperar la calidad del diseño y de la producción artesanal, del que el Modernismo será heredero directo.

Principios del “Arts & Crafts”:

• Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

• Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas y de la producción en masa.

• Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

• Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño.

• Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Antecedentes

Principios del “Arts & Crafts”:

• Cualquier objeto debe estar concebido pensando en su belleza, su función y su calidad.

• Denuncia la fealdad de la producción industrial, el desordenado y sórdido desarrollo de las ciudades y reivindica la belleza para el entorno humano, defendiendo de manera sincera los derechos del pueblo y su acceso al arte.

Antecedentes

El Japonismo y las artes niponas influyen en los artistas europeos, especialmente los franceses, quienes son afectados por las formas planas de colores vibrantes y las composiciones libres de los grabados en xilografía japoneses.

http://coffycup.blogspot.com.es/?view=sidebar

No es sencillo hablar de unas características comunes de la arquitectura modernista, por cuanto las variantes regionales presentan grandes diferencias entre sí.

Francia

España

Escocia

Bélgica

Austria

La arquitectura modernista surge como respuesta al deseo de encontrar un nuevo estilo artístico diferente de las estancadas recetas decimonónicas de los historicismos y del eclecticismo, aunque convivirá con estos durante los primeros años del siglo XX.

Si bien emplearán elementos del pasado, no lo harán a modo de copia, como los historicistas, ni en pastiches eclécticos de diferentes estilos, sino de un modo nuevo, libre, fantasioso, muchas veces inspirándose en la naturaleza.

Dado su afán de crear un nuevo estilo moderno, acorde con los tiempos, emplearán los nuevos materiales y los avances constructivos de la arquitectura del hierro y cristal, pero de un modo nuevo, renunciando al “maquinismo” y su “feísmo”, integrando tecnología, diseño y arte en un todo unitario.

No obstante su variedad, hay una serie de rasgos que –pese a las variantes regionales e, incluso de cada autor- pueden destacarse:

• Utilización de los nuevos materiales hasta las últimas consecuencias, no sólo por su utilidad sino también por sus posibilidades expresivas:

Hierro fundido como elemento estructural, muchas veces a la vista.

Hierro forjado como elemento decorativo, que se deja a la vista y se combina con otros materiales.

Uso del vidrio, muchas veces coloreado.

Cerámica.

• Concepción del edificio, como un todo orgánico, coherente en todas sus partes, tanto en su exterior como en su interior y también abarcando su mobiliario: los arquitectos diseñarán las barandillas, muebles, puertas…

• Trata de conseguir la fusión entre la vida cotidiana y el Arte.

• Los artistas diseñan desde los edificios hasta sus objetos (muebles, cubiertos, alfombras…).

• Se produce así una unificación de las artes, que se conciben como elementos para crear un ambiente determinado.

• Exposición habitual de los diferentes elementos estructurales del edificio en el exterior, formando parte integral de su decoración.

• Es muy habitual el empleo combinado de diferentes materiales y del cromatismo (cerámica, vidrio, piedra, ladrillo, metal…)

• Suele haber una clara preferencia por la línea curva, sinuosa y una cierta inspiración en las formas de la naturaleza, no solo en las fachadas sino incluso en las plantas de los edificios (salvo en los arquitectos más racionalistas y geométricos).

• Importancia de la individualidad y libertad creadora del arquitecto como artista: cada uno desarrollará un lenguaje propio para crear ese nuevo y moderno estilo propio de la época.

• Renovación del lenguaje arquitectónico clásico y búsqueda de uno nuevo, original, que podrá orientarse en muy diferentes sentidos.

• Empleo de decoración integrada en el edificio, habitualmente inspirada en las formas de la naturaleza.

Pretende unir técnica, arte y vida para una burguesía orgullosa de su poder económico y político, llena de un espíritu de disfrute de todo lo que le rodea, y que ansía edificios refinados, muestra de su alto nivel de vida.

Esta burguesía adinerada será el principal cliente del arquitecto modernista.

Los nuevos edificios que se construyen en Bruselas, París, Viena, Barcelona… son muestra de este nuevo estilo que pretende unificar en un todo artístico la tradición, la técnica y la libertad creativa.

En la arquitectura pueden distinguirse dos grandes corrientes, aunque cada país y cada arquitecto tendrán sus propias peculiaridades:

El llamado Modernismo “organicista” u “ondulante”

El llamado Modernismo “geométrico” o “racionalista”

• Emplea abundantes motivos historicistas.• Insisten en el carácter orgánico del espacio.• Plantas y superficies curvas, onduladas• Abundancia de decoración

• Más severo .• Gusto por las superficies planas y

motivos geométricos.• Menor empleo de la decoración.

Bélgica, Francia, España Gran Bretaña, Austria, Alemania

BÉLGICA Y

FRANCIA

El pionero en la renovación del lenguaje arquitectónico será Victor Horta, que desarrollará su labor fundamentalmente en la dinámica Bruselas, capital de una Bélgica muy industrializada, con una burguesía enriquecida y deseosa de mostrar su pujanza con un nuevo estilo acorde con su poder y con la modernidad de los nuevos tiempos.

Casa y estudio de Víctor Horta.

En sus obras, como en la Casa Tassel, rompe con la herencia del historicismo y crea un nuevo estilo:

• Emplea el hierro como material estructural, pero también expresivo, decorativo: expone al exterior la estructura del edificio e

• Integra la estructura y la decoración en un todo unitario.

• Imprime al hierro un refinado tratamiento decorativo, a base de curvas y ritmos lineales muy refinados que dan a las columnas, vigas y barandillas un aspecto vegetal.

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• Combina diferentes materiales, tanto tradicionales como nuevos, en el edificio de un modo unitario (ladrillo, vidrio, piedra, hierro), aprovechando las diferentes posibilidades de cada uno.

• Gusto por la línea curva.

• Diseño irregular: es diferente en cada una de las plantas, tanto en aspecto como en combinación de materiales.

• Fantasía en el empleo de los elementos clásicos y de la decoración: columnas con capiteles vegetales que se anclan al hierro y la piedra, formas vegetales estilizadas en la rejería, vidrieras entre columnas, bow windows…

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En su interior se aprecian perfectamente:

• La total integración de la arquitectura con las artes decorativas.

• El empleo de abundante decoración de motivos vegetales, de líneas y motivos estilizados que unifican las superficies.

• El empleo de la línea curvada, sinuosa, de ritmos ondulantes, muy refinados que unifican el espacio.

• La libertad en la planta de los espacios interiores, que se consigue por el uso del hierro y columnas muy estilizadas, con función de soporte y decorativa (asemejan tallos vegetales).

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• La perfecta combinación de los nuevos materiales con los tradicionales en un todo expresivo.

• Los soportes metálicos se dejan vistos, así la espacialidad se hace más abierta, más fluida.

• La importancia del color y de la luz mediante el empleo de vidrieras, claraboyas, ventanales, espejos…

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Los entrelazados de la pared se extienden al barandado de forja y unifican el ambiente

Considera que la atención del arquitecto no debe concentrase exclusivamente en el propio edificio.

Por el contrario, cada uno de los elementos que lo completaban, desde un simple pasamanos hasta el mueble más pequeño, eran también de su responsabilidad. Se diseña absolutamente todo.

Suya es esta frase lapidaria que ejemplifica bien su idea de la arquitectura como un arte integrador:

"Idiota, ¿no ves que todo está pensado en términos de la arquitectura como construcción?“

http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/04/vctor-horta.html

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Otras obras de Víctor Horta:

1. Casa Estudio

2. Maison du Peuple

En Francia, el estilo ondulante y decorativo de Horta influyó en artistas como Héctor Guimard, especialmente conocido por el diseño de las estaciones de metro de París.

Se caracteriza por el empleo de nuevos materiales como el hierro en formas orgánicas, estilizadas y fantasiosas, sinuosas, claramente inspiradas en la naturaleza.

Castel Beranger

En sus entradas al metro, farolas, mobiliario urbano integra el diseño con el arte y la funcionalidad: busca embellecer la ciudad industrial sin intervenir en la trama urbana.

Sus entradas de metro surgen como un chispazo de fantasía desbordante: armazones metálicos de formas orgánicas y con abundante ornamentación, llena de contenido simbólico: farolas como plantas, soportes como tallos, barandados como caparazones...

REINO UNIDO

En Escocia destacó el arquitecto Charles Rennie Mackintosh.

Su estilo huye del decorativismo ornamental y organicista, de las líneas sinuosas típicas de Bélgica o Francia.

Su arquitectura se caracteriza por los planos rectos, definidos y los esquemas geométricos de carácter ortogonal y muy depurados, de aspecto severo.

Suele combinar exteriores de sillería lisos con estructuras metálicas ortogonales y escasa decoración.

En la Escuela de Artes de Glasgow se aprecian los rasgos característicos de este arquitecto:

• Muros lisos y rectos, tan solo rotos por la portada asimétrica resaltada, que recuerda las entradas tradicionales en saliente de los castillos escoceses.

• Interés por destacar una cierta asimetría (en toda a fachada, en la entrada…) que contrasta con el esquema regular.

• Combinación de piedra, hierro y vidrio, exponiendo al exterior los materiales.• Racionalismo en la composición: empleo de esquemas ortogonales, subrayado por los

paneles de ventanas de formas perpendiculares (¿tal vez de inspiración japonesa, tal vez del gótico perpendicular?).

• Reducción de la decoración al mínimo posible.

Muros lisos y rectos

Combinación de piedra, hierro y vidrio,

exponiendo al exterior los materiales.

Reducción de la decoración al mínimo posible, de

aspecto muy depurado

Racionalismo, formas geométricas ortogonales

Portada que sobresale del muro liso y geométrico: recuerda las entradas tradicionales de los

castillos escoceses.

Contraste de formas, luces y volúmenes con las líneas rectas

En el resto de las fachadas del edificio también se observan esas mismas características:

• Líneas rectas y planos definidos.• Muros lisos, masivos (parecen torreones de fortalezas escocesas).• Sencillez geométrica, composiciones ortogonales, racionalidad.• Ausencia de decoración.

• En su interior también emplea modelos geométricos ortogonales.

• Combina madera y hierro, con preferencia por el primero.

• Geometrismo.

• Diseña todos los elementos del edificio como una obra de arte unitaria.

• Estos elementos y la escasa decoración son de inspiración natural pero sometidas a la síntesis de la geometría.

Scotland Street School Museum Hill House

The Willow Tea RoomArchitect House

Su sentido lineal de la arquitectura, la simplicidad de sus volúmenes cúbicos, su aspecto ortogonal, la simplicidad y ausencia de decoración… serán un preludio de los rumbos que adoptará la arquitectura moderna del siglo XX

Walter Gropius: Fábrica FagusCharles R. Mackintosh: Glasgow School of Art

LA SECESIÓN VIENESA

En 1897 en Viena, una serie de artistas (Wagner, Olbrich, Hoffmann, Klimt…) deciden agruparse y realizar sus propias exposiciones al margen del academicismo imperante (de ahí su nombre de Sezession) para desarrollar un arte nuevo.

Sus presupuestos, “Solo puede ser bello lo que es práctico” y “el punto de partida de nuestra creación debe encontrarse en la vida moderna”, resumen sus nuevas ideas funcionales, racionales, con predominio de los diseños sobrios, geométricos, armónicos.

Joseph María Olbrich construye el 1898 el edificio en el que llevar a cabo las exposiciones del grupo.

Destaca el poderoso contraste entre sus volúmenes rectos y puros y sus líneas y ángulos rectos con la cúpula metálica calada, elaborada mediante motivos vegetales.

Presenta las características típicas de la arquitectura de este movimiento:

Inspiración clasicista. Simetría y axialidad perspéctica. Volúmenes puros, líneas netas,

geometrización de las formas. Simplificación máxima de los elementos

arquitectónicos (los frisos, el basamento y las pilastras se reducen a sus formas geométricas más esenciales).

Empleo de diferentes materiales y de colores.

Reducción decorativa y ornamentación integrada en el edificio.

Incorporación de inscripciones y empleo de la tipografía de modo expresivo.

Otto Wagner será el arquitecto que mejor desarrolle las nuevas ideas de simplicidad estructural y funcionalismo de este grupo.

Se inicia como un arquitecto tradicional historicista, que se reconvierte al nuevo estilo.

Un ejemplo de ello es la Majolikahaus, con reminiscencias renacentistas en su distribución en tres pisos, muy simétrica, pero en la que incorpora abundante decoración cerámica de estilo floral, que cree con la altura de la fachada, y elementos de hierro como decoración y en los balcones.

En sus estaciones de metro de Viena combina las formas puras, racionalistas, con una decoración influida por el Art Nouveau, típica del estilo Sezession.

A pesar de sus reminiscencias historicistas, emplea nuevos materiales: está realizada con una estructura de hierro recubierta de mármol.

Los diferentes materiales se exponen al exterior jugando con sus diferentes colores y superficies, en un esquema geométrico que luego se decora con un fino ornamento.

Sin duda, la obra en la que su estilo es más depurado es la Caja Postal de Ahorros de Viena.

Concebida al modo clásico renacentista (en tres pisos), para combinar con los edificios de su entorno, su fachada se caracteriza por su sencillez, simetría, escasa decoración y estructuración completamente geométrica a partir de la red ortogonal de ventanas.

Es un claro ejemplo de simplicidad y funcionalismo, de acuerdo con su frase: “Solo puede ser bello lo que es práctico.”

La fachada plana, con distribución regular de ventanas a modo de damero, se realiza de acuerdo con la técnicas modernas de construcción (paredes de ladrillo recubiertas con placas de piedra unidas con mortero, a diferencia de otros edificios de la época que eran hechos enteramente en piedra).

Prácticamente su única decoración son unas clavijas metálicas recubiertas de aluminio que supuestamente unen las losas de piedra a las paredes de ladrillo (son un mero recurso decorativo que evoca la arquitectura industrial, y que puede ser una alegoría de una caja fuerte, una posible relación simbólica entre contenido y continente).

En el interior, la eliminación de muros sustentantes y el empleo de columnas de hierro permiten crear un gran espacio de enorme simplicidad y funcionalidad, que permitía total flexibilidad a las diversas funciones del banco. El hierro y el vidrio se exhiben naturalmente.

Se concibe como un gran patio estructurado mediante columnas de metal y recubierto por cristal translúcido, con una nave principal más alta que las dos naves laterales, proporcionando la luminosidad necesaria.

Arquitectos como Adolf Loos o Josef Hofmann desarrollarán al máximo esos principios de simplicidad racional de líneas y volúmenes, eliminación de la decoración, en un estilo protorracionalista, que anticipará el movimiento moderno en arquitectura.

Adolf Loos: Sastrería Goldman, Casa Loos. Viena (1910) Josef Hofmann: Palacio Stoclet, Bruselas(1905-11)

EL MODERNISMO EN ESPAÑA

España a finales del siglo XIX se encuentra inmersa en la arquitectura historicista y en el eclecticismo.

Dado su arraigo, el Modernismo va a sentar sus bases a partir de esa arquitectura, siendo en muchas ocasiones más que una ruptura, una adaptación de las nuevas fórmulas del Art Nouveau procedentes de Francia y Bélgica en construcciones de raíz historicista (neogótico, neomudéjar…).

Como en Europa, en las ciudades también se produce un importante desarrollo económico, social… y como consecuencia de ello también cultural.

Esas ciudades se localizan preferentemente en la periferia de la geografía española, siendo Cataluña su principal foco, aunque también aparezcan focos en otros lugares del norte, Madrid y en la costa mediterránea.

http://www.elarteporelarte.es/el-art-nouveau-la-linea-ondulante-belgica-y-francia-la-linea-geometrica-inglaterra-mackintosh-y-austria-wagner-olbrich-hofmann-y-loos-gaudi-y-otros-arquitectos-modernistas-espanoles/

Cataluña será el foco principal:

• Región fronteriza, abierta hacia Francia y Europa por la que penetrarán las nuevas ideas y valores estéticos.

• Barcelona, ciudad cosmopolita (Exposición Universal).

• Se ha desarrollado una próspera burguesía industrial, culta y nacionalista, que prestó su apoyo a los arquitectos, pues desea crear un estilo arquitectónico propio.

• El resurgir de la cultura catalana, unido al movimiento de la Renaixença, llevó a estos burgueses a aceptar unas formas artísticas que enlazaban con el Neogótico (pasado glorioso catalán), pero intentando que, al mismo tiempo, fueran originales y refinadas para reflejar su modernidad, riqueza y distinción, adoptando las nuevas corrientes del Art Nouveau y las nuevas técnicas y materiales frente al academicismo oficial.

En ese contexto, el modernismo encajará perfectamente

El modernismo catalán recibirá principalmente la influencia del Art Nouveau de Francia y Bélgica, así como su tendencia decorativa y organicista (u ondulante), inspirándose en la naturaleza.

Estos arquitectos, como sus coetáneos europeos, concebirán el edificio de un modo global, integrando en el mismo el diseño, las artes decorativas….

También emplearán los nuevos materiales y técnicas constructivas racionalistas (especialmente las de Viollet-le-Duc).

Será habitual la combinación de elementos del Art Nouveau con otros procedentes de la tradición neogótica o neoárabe.

Sus principales representantes serán:

Josep Puig i Cadafalch

Lluis Doménech i Montaner

Antoni Gaudí

Joseph Puig i Cadafalch (1867-1956)

Se caracteriza por el gusto por lo medieval y en sus obras emplea elementos historicistas a través de los cuales pretende buscar la novedad y originalidad.

En la fachada de la Casa Amatller conjuga la influencia de las casas medievales flamencas y de los palacios góticos catalanes con nuevos elementos, en busca de ese estilo nacional catalán.

Combina elementos góticos con el hierro, la piedra, la cerámica, el esgrafiado amarillo y blanco, la policromía y una abundante decoración fantasiosa que contribuye a la unidad del conjunto.

Lluis Doménech i Montaner (1849-1923)

Estuvo muy involucrado en la Renaixença y el nacionalismo catalán y trató de buscar una arquitectura nueva que reflejara el carácter nacional catalán.

Su obra más conocida es el Palau de la Música Catalana (1905-8), que albergaba el Orfeón Catalán y una gran sala de conciertos.

Emplea una estructura de hierro, probable influencia de Violet le Duc, que permite el desarrollo de una planta libre al interior, a la vez que la reviste interior y exteriormente con abundante decoración, integrando todas las artes en la concepción del edificio: mezcla el racionalismo constructivo y las nuevas técnicas y materiales junto con una fabulosa ornamentación.

Lluis Doménech i Montaner (1849-1923)

La estructura metálica del edificio permite la apertura de grandes vidrieras con decoración típicamente modernista.

Su fachada es un ejemplo de la integración de diferentes materiales, colores y de todas las artes en un conjunto unitario: ladrillo, esculturas decorativas alusivas al mundo de la música, decoración de aspecto vegetal, cerámica, vitrales y hierro forjado.

Lluis Doménech i Montaner (1849-1923)

Su interior es también otro ejemplo de integración de los diversos materiales de construcción con la cerámica, el vidrio, la escultura y la decoración.

La sala y el escenario forman un conjunto armónico, integrándose el uno en el otro.

La sala de conciertos cuenta con grandes ventanales laterales con vidrieras y una gran claraboya central que permite una iluminación natural.

En sus esculturas hay alegorías a la música catalana y a la música culta de la Europa de la época (Wagner).

Antoni Gaudí (1852-1926)

El principal representante del modernismo será Antoni Gaudí, cuya obra evolucionará desde la reinterpretación de estilos artísticos del pasado, como el gótico y el mudéjar, hacia otras inspiradas en las formas de la naturaleza y llenas de libertad formal y decorativa.

En sus primeras obras se aprecia una clara herencia historicista, especialmente de influencia neomudéjar o neoárabe y neogótica.

Sin embargo, ya desde el estas obras se aprecia una mayor importancia de los problemas estructurales, influido por los escritos de Viollet le Duc sobre la arquitectura francesa, y también incorpora motivos ornamentales y caprichosos basados en la naturaleza, como será muy típico de Gaudí, influido por las ideas de Ruskin.

Casa Vicens

El Capricho

En la Casa Vicens (1883-88) puede apreciarse la influencia oriental (árabe, persa y mudéjar) tanto en aspectos estructurales como decorativos (mocárabes, azulejos, arcos mixtilíneos, artesonados, celosías…), combinados de modo personal con otros de herencia neogótica y motivos decorativos modernistas, como las rejerías de los balcones y ventanas o las verjas de formas vegetales.

En el Capricho de Comillas (1883-85) combina la piedra, el ladrillo, el hierro y la cerámica con una clara influencia de las mezquitas y alminares persas, empleando una abundante decoración de carácter naturalista.

El Palacio Episcopal de Astorga (1889-1915) muestra un aspecto neogótico, en el que se combinan la influencia de Viollet-le-Duc, así como los estudios realizados sobre la Catedral de León y el castillo templario de Ponferrada, con grandes torreones rematados por chapiteles.

No obstante, tanto en estos edificios como en otros anteriores, Gaudí ya se muestra como un arquitecto inquieto y deseoso de superar la herencia del pasado

En la Cooperativa “La Obrera Mataronense” (1878-82), Gaudí utilizó por primera vez su conocido arco catenario, autosustentante sin ningún apoyo externo, que tanto utilizará en sus obras, como en la fachada del Palacio Güell (1888), en la que emplea también abundante ornamentación en hierro de aspecto sinuoso y basada en la naturaleza (animales, formas vegetales…) y con el escudo de Cataluña en forja.

Si bien en el Palacio Güell siguen apreciándose las influencias historicistas, ya se presentan algunos aspectos propios de la arquitectura posterior de Gaudí, como el mencionado arco catenario, las formas parabólicas e hiperbólicas de su interior, el empleo del trencadís, el especial interés en el tratamiento de la luz…

A partir de 1900 Gaudí desarrollará su arquitectura más personal y modernista, en la que las referencias historicistas serán sustituidas por sus nuevas formas inspiradas en la naturaleza, por las líneas curvas, por la integración total de la decoración en el edificio, por su concepción dinámica y orgánica de la arquitectura.

Su fuente de inspiración será la naturaleza, a la que considera el mejor ejemplo de la perfección divina.

De ella extrae las formas orgánicas y ondulantes tan características de su arquitectura, frente a las formas artificiales creadas en los estudios de los arquitectos e inexistentes en la naturaleza.

«Yo no soy un creador sino un copista de las más perfectas formas creadas por el Gran

Arquitecto del Mundo».

De la observación de la naturaleza concluye que las líneas curvas son las predominantes, por lo que en su arquitectura los edificios se curvarán, se ondularán, de un modo totalmente plástico, adoptando un aspecto orgánico, como las olas, como los árboles, como la hierba, las algas, como las rocas…

Del estudio de la naturaleza extrae también las formas orgánicas que serán la base de su lenguaje arquitectónico.

«El árbol al lado de mi taller: ese es mi maestro».

Y también en la decoración se inspira en la naturaleza, concibiendo el edificio como un todo orgánico basado en la naturaleza.

“El fémur es casi hiperboloide, el crecimiento de los tallos alrededor de una rama se hace helicoidalmente y la superficie de la piel entre los dedos de una mano es un paraboloide hiperbólico."

Gaudí no copia la naturaleza sino que estudia y comprende su geometría y sus principios: su infinidad de formas puede simplificarse mediante la geometría reglada superficies alabeadas en el espacio compuestas únicamente por líneas rectas que pueden trasladarse a la arquitectura.

Empleará estas nuevas formas geométricas regladas como el helicoide, el paraboloide, el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide, que Gaudí extrae de su observación de la naturaleza: Gaudí encontró estas formas en la naturaleza, como en árboles, juncos, cañas, panales de abejas, huesos, etc.

Decía que no existe mejor estructura que un tronco de árbol o un esqueleto humano.

Estas formas son a la vez funcionales y estéticas y Gaudí las emplea con gran sabiduría, sabiendo adaptar el lenguaje de la naturaleza a las formas estructurales de la arquitectura.

Paraboloide de revolución

Hiperboloide

Conoides

Una de las estructuras más características de Gaudí es el arco catenario, equivalente a la forma que adopta una cadena suspendida entre dos puntos y sometida a una fuerza de gravedad constante.

Gaudí la invierte y la convierte en un arco autosustentante, que ya empleó en algunas de sus primeras obras.

Su principal ventaja estructural es que no precisa de apoyos externos para sostenerse, puesto las tensiones en cada punto se reparten entre una componente vertical, que será lo que tenga que sustentar el propio arco, y una componente de presión que se transmite por el propio arco hacia los cimientos sin que se creen esfuerzos horizontales salvo en la base.

Esto hace que estos arcos no precisen de refuerzos laterales para mantenerse, consiguiendo superar los problemas estructurales del románico y gótico.

Colegio de las Teresianas

Casa Milá

Uso del color en la arquitectura.

Gaudí empleará diferentes materiales en sus edificios (piedra, ladrillo, hierro, madera, vidrio, cerámica…), jugando tanto con sus propiedades plásticas como pictóricas, con el color.

Una de las técnicas más habituales que empleará será el trencadís: una especie de mosaico realizado con trozos de cerámica o azulejos de colores (muchas veces desechados) unidos con argamasa.

“La ornamentación ha sido, es y será colorida, la naturaleza no presenta ningún objeto monótonamente uniforme. En la vegetación, en la geología, en la topografía, en el reino

animal, todo mantiene un contraste de color mas o menos vivo y es por eso que obligatoriamente debemos dar color total o parcial a un miembro arquitectónico.”

Integración de la arquitectura en la naturaleza circundante, empleando las formas, los colores, los materiales de ese entorno natural.

Concepción integral del edificio, atendiendo, tanto a las soluciones estructurales, como las funcionales y decorativas, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. y colaborando con artesanos de las distintas ramas.

Búsqueda de la máxima funcionalidad en los elementos arquitectónicos, combinada con un tratamiento estético del edificio y de cada uno de sus elementos.

Manillas y sistemas de ventilación Casa Batlló

La plaza del Parque Güell recoge el agua de lluvia y es drenada y canalizada por las columnas que la sostienen.

El exceso se evacúa por un friso con gárgolas en las que aparecen decoraciones con forma de gotas de agua.

El agua recogida y canalizada por las columnas se acumula en un depósito subterráneo para regar el parque.

Si el depósito sobrepasa un límite determinado, el agua sobrante es expulsada por el dragón que da la bienvenida al parque.

Durante el proceso de construcción, las obras de Gaudí sufrían importantes cambios respecto a los proyectos originales y eran modificadas una y otra vez hasta llegar a la forma que consideraba más perfecta, dando a los detalles de la construcción la misma importancia que al conjunto. Se dice que contemplaba sus edificios desde lejos y decía a los albañiles donde y cómo poner cada elemento decorativo en las fachadas.

Fue un experimentador nato que se planteó constantes desafíos, no dejando de elaborar nuevas propuestas, como la inclinación del eje de la catenaria con el que creará los pasadizos del Park Güell. Es una concepción empirista de la arquitectura.

Conjugó los materiales y las técnicas tradicionales y las modernas, imponiendo sobre ellos su particular visión basada en la comprensión de las leyes de la naturaleza y su concepción integral de la arquitectura. Esto le permitirá emplear las cualidades de los materiales y de las técnicas constructivas al servicio de una concepción orgánica de la arquitectura, que desembocará en la planta libre y muro cortina de la Casa Milá.

Pocas veces realizaba planos detallados de sus obras, prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales (en yeso, barro, tela metálica o cartón mojado y moldeado).

También empleó cordeles y sacos de lona rellenos, generando un verdadero diagrama espacial de las líneas de carga y calculando de forma exacta la estructura sin operaciones matemáticas, ya que registraba las tensiones de cada línea fuerza mediante un calibrador.

Tal vez de su libertad creativa y de esta forma de proyectar surja ese carácter plástico y orgánico de sus obras.

Libertad creadora y fantasía, que no conoce más límites que las posibilidades estructurales de los materiales, que Gaudí experimentará y llevará al límite.

Su estilo no puede encasillarse en ningún ismo. Es cierto que parte de los historicismos, que es un artista de la época del modernismo, pero su obra trasciende cualquier clasificación.

Muestra de ello son, por ejemplo, los fabulosos tejados, terrazas y chimeneas con los que culmina las Casas Milá y Batlló, plenas de formas fantasiosas, de aspecto orgánico, expresivo… propias de un universo creativo tan particular como el de Gaudí.

Toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.

Las obras fundamentales de este estilo maduro son:

Parque Güell Casa Batlló

Casa Milá La Sagrada Familia (aunque iniciada mucho antes)

En el Parque Güell (1900-15) puede contemplarse su arquitectura organicista, fantástica, basada en un lenguaje imaginativo inspirado en la naturaleza y en la línea curva, en el empleo de los muros ondulantes, en el tratamiento de la arquitectura y la decoración de modo integrado, en la integración de la arquitectura en su entorno natural.

Fue un intento promovido por su mecenas, Eugeni Güell, de crear una urbanización de unas 60 viviendas a las afueras de Barcelona que permitiese un contacto con la naturaleza fuera de la ciudad industrial y que se construyese de un modo totalmente nuevo, integrado con el propio entorno natural.

Este proyecto de ciudad jardín fue un fracaso (tan solo se vendieron dos de las casas); Güell y Gaudí se alojaron allí.

En el conjunto, Gaudí proyectó todos los espacios de la urbanización, incluyendo una entrada, una escalinata de acceso, una plaza, un mercado sostenido por columnas, viaductos, jardines, paseos…

Aparecen referencias a la naturaleza en la que se inserta, al Catalanismo y abundantes motivos religiosos, ya que fue concebida como un recorrido procesional coronado por una capilla en la cima.

La plaza central está soportada por un espacio hipóstilo soportado por columnas destinado a mercado de la urbanización. Las columnas son estriadas y sin basa y el entablamento se organiza a través de triglifos y metopas fantasiosas, reinterpretando el orden dórico. Estas columnas recogen y transportan el agua de lluvia que se filtra desde la plaza superior hasta la cisterna.

Sobre la gran sala hipóstila, Gaudí dispuso una gran plaza, bordeada por el famoso banco serpenteante corrido, recubierto por un colorido trencadís.

En su diseño, Gaudí tuvo en cuenta la necesaria ergonomía y lo realizó mediante módulos prefabricados.

En el viaducto consigue un efecto magnífico de simbiosis de arquitectura y naturaleza, no solo por el empleo de materiales semejantes al entorno sino también por las formas biomórficas que adoptan los elementos arquitectónicos.

El empleo de la curva catenaria inclinada le permite conseguir esos ritmos y formas naturales, a la par que actuar como elemento estructural de soporte y sostén de la ladera.

En la Casa Batlló (1904-6) pueden apreciarse perfectamente las características del Gaudí maduro, de gran capacidad creativa, pleno de formas orgánicas y ondulantes, que contrastan poderosamente con el modernismo más medievalista de la vecina Casa Amatller.

Gaudí procede a la remodelación de este edificio de un modo global, atendiendo tanto a su estructura como a su decoración.

Compone una fachada llena de color, con líneas sinuosas, elementos orgánicos, contrastes de luces y sombras, rompe la simetría con la disposición de la torre y la recubre con abundante decoración a base de trencadís, placas y platos cerámicos, vidrieras coloreadas y balcones de hierro de formas orgánicas pintados de color blanco.

Remata el edificio con un tejado ondulante recubierto de cerámica que se asemeja a un espinazo de dragón.

En la planta principal diseña una enorme balconada ondulada y con vidrieras de colores, en la que destacan las columnas de aspecto óseo y con motivos vegetales.

Culmina la fachada una bóveda formada por arcos catenarios cubiertos con dos capas de ladrillo, recubierta con cerámica vidriada en forma de escamas en tonos rojo, verde y azul, que recuerda el lomo de un dragón.

En la parte izquierda hay una torre cilíndrica de forma bulbosa decorada con los anagramas de Jesús (IHS), María (M con la corona ducal) y José (JHP), y rematada con la típica cruz gaudiniana de cuatro brazos, orientada a los puntos cardinales.

Unas fantásticas chimeneas completan el conjunto.

En el interior, Gaudí no solamente distribuyó los espacios de la finca preexistente de manera totalmente funcional, sino que decoró todos sus rincones y diseñó unos interiores y unos techos con sinuosas formas orgánicas.

También se encargó del diseño del mobiliario, escaleras, puertas….

La Casa Milà (1905-12) es la última obra civil de Gaudí y una de las más innovadoras en sus aspectos funcionales, constructivos y ornamentales.

Sus novedosas propuestas la han convertido en una obra de ruptura dentro de los propios esquemas del modernismo y un avance de la arquitectura del siglo XX.

En las plantas principales de los dos edificios vivía la familia Milá y el resto (cuatro viviendas por planta) se dedicó al alquiler.

En el sótano se construyó un garaje; la planta baja se destinaba a usos comerciales y el entresuelo a despachos.

La parte superior se usó como desván para lavadero y tendedero y por encima aparece una amplia azotea con los remates de las escaleras y las chimeneas.

Fue concebida como dos bloques separados de viviendas (para la alta burguesía que se alojaba en El Ensanche de Barcelona), cada uno en torno a un patio, pero con un tratamiento unificado de la fachada.

Las diferentes plantas se distribuyen en torno a dos patios de luces que ofrecen iluminación natural en el interior de las residencias privadas.

Estos patios se van ensanchando a medida que ascendemos hecho que favorece la ventilación y también la iluminación.

Gaudí plantea una arquitectura totalmente funcional: considera la luz, la ventilación, los accesos al garaje y a las viviendas, los ascensores, las puertas de hierro para la seguridad, los nuevos avances (electricidad, agua caliente…).

Sin duda, lo más destacado del edificio es su concepción estructural, que permitirá liberar la fachada de su función sustentante y el desarrollo de plantas libres en el interior.

Una estructura casi ósea de piedra, ladrillo y vigas metálicas (inclinadas en función de las líneas de carga) sostiene el edificio, a la que se adosa mediante vigas de hierro una fachada concebida casi como un moderno muro cortina, una piel envolvente de piedra que recubre el esqueleto y que modela a su antojo, con formas curvas, orgánicas, sinuosas, llena de movimiento y en la que alternan la piedra rugosa con los balcones de hierro forjado, de formas vegetales estilizadas, expresionistas, casi abstractas.

En la composición de la fachada plantea tres zonas diferenciadas:

• Una base formada por una galería de gruesas columnas sobre las que se asienta el edificio.

• Un cuerpo de 6 niveles, que mantiene la misma altura que los edificios vecinos, de aspecto rugoso y en el que se disponen las ventanas, asemejando cuevas en una montaña. Combina las ventanas con balcones de hierro, con decoración semejante a algas marinas.

• La parte superior, compuesta por el ático y la terraza, recubierta de mosaicos blancos, y que sobresale distintivamente del perfil del edificio.http://moleskinearquitectonico.blogspot.com.es/2008/02/casa-mil-antonio-gaud.html

Dado que el edificio se sostiene sobre su esqueleto y que los muros ya no deben sostener nada, las paredes, se liberan de su función estructural y se ondulan, tanto exterior como interiormente.

Gaudí puede emplear en este edificio la planta libre tan típica de la Escuela de Chicago:

• Paredes y tabiques se disponen libremente.

• Ninguna planta es igual.• Los espacios interiores pueden

modificarse de acuerdo con su uso y transformarse a lo largo del tiempo.

La concepción orgánica del edificio de Gaudí hace que estas paredes interiores se curven, se ondulen, triunfe la asimetría…

La estructura del ático se basa en una sucesión de arcos de ladrillo y de bóvedas tabicadas (muy típicas de la arquitectura tradicional catalana) en forma de arco catenario y que ayudan a distribuir el peso de la terraza y como reguladores térmicos.

A partir de 270 arcos de ladrillo crea una bóveda corrida de aspecto sinuoso y orgánico.

En la azotea, compuesta de varias secciones de diferentes volúmenes y niveles, Gaudí situó las salidas de escalera, las chimeneas y las torres de ventilación, que por sus originales formas y diseño innovador crean un auténtico museo de esculturas al aire libre.

Destacan las salidas de las escaleras de formas helicoidales y recubiertas de trencadís, las chimeneas con apariencia de cabezas de guerreros protegidas por yelmos.

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia comenzó a construirse en 1882 mediante donaciones. Gaudí lo retomó en 1884 y aún permanece inacabado.

Es de inspiración gótica, con cinco naves y un transepto de tres naves, deambulatorio y siete capillas radiales, con claustro y sacristía en la cabecera.

Gaudí trabajó de modo exclusivo en esta obra desde 1914.

Pese al aspecto gótico general, en la Sagrada Familia no hay nada de lo que en el gótico es esencial: no vemos ni arbotantes ni contrafuertes, puesto que ya no son necesarios para contrarrestar los empujes.

Gracias al empleo de las nuevas soluciones estructurales de Gaudí, como los paraboloides e hiperboloides de las bóvedas y las columnas arborescentes de doble giro, los pesos y las fuerzas se desplazan en sentido vertical y los empujes o el desplazamiento de las fuerzas laterales es contrarrestado por pilares o columnas que se inclinan, haciendo innecesarios los refuerzos externos.

Para diseñar el interior, Gaudí se inspiró en las formas de la naturaleza, creando columnas con forma de tronco de árbol que convierten el interior del templo en un enorme bosque de piedra. La luz de los ventanales y vidirieras se filtra al interior como en un bosque.

Construye ese bosque empleando las formas derivadas de la geometría reglada, de tal modo que consigue superar las limitaciones del gótico para soportar grandes cargas.

Gaudí aprovecha esas formas por sus cualidades estructurales, funcionales, simbólicas y estéticas.

Emplea:• Columnas arborescentes de doble

giro basadas en las helicoides.• Elipsoides en los nudos de los que

salen las ramas de las columnas.• Hiperboloides para las ventanas y

las bóvedas, que se combinan dando lugar a un techo estrellado.

• Paraboloides hiperbólicos que sirven de enlace entre los hiperboloides y el resto de estructuras.

El interior se convierte en un todo orgánico, pleno de formas naturalistas, de luz, de color y de simbolismo religioso, con materiales de cualidades diferentes, entre los que aparece el hormigón armado.

Están previstas 18 torres, cuatro en cada fachada (dedicadas a los Apóstoles), cuatro a los Evangelistas, una a María y otra a Jesús. Cada una de ellas estará dotada de diferente altura en función de la jerarquía religiosa que representan. En vida de Gaudí solo se finalizó una de ellas y parte de la fachada y la cripta.

Al exterior tiene 3 simbólicas fachadas:

• Fachada del Nacimiento: Dedicada al nacimiento de Cristo, fachada profusamente decorada y llena de vida y motivos de la naturaleza.

• Fachada de la Pasión: más austera y simplificada que las otras fachadas, pues pretende reflejar el sufrimiento de Cristo en la cruz.

• Fachada de la Gloria: La fachada principal, mucho más grande y monumental que el resto, representará la muerte, el Juicio Final, la Gloria y el infierno. Consciente de que no iba a tener tiempo para construirla, Gaudí dejó hechos los bocetos para que sus sucesores pudieran finalizar el trabajo.

. http://javier2pm-arte.blogspot.com.es/2012/05/la-sagrada-familia-de-barcelona.html

Las torres exteriores acentúan la tendencia a la verticalidad del edificio, en un estilo aparentemente gótico, pero sus contornos no son rectos sino curvos, a modo de aguzadísimas formas parabólicas.

La parte superior de las torres está rematada por cruces con una decoración multicolor en cerámica con símbolos religiosos e inscripciones.

En las torres de los apóstoles reúne , de modo simbólico, símbolos episcopales, para recordar la tarea de los obispos como herederos de los apóstoles en la proclamación de la fe.

En las fachadas se integra completamente la escultura y la decoración, con tallas de escenas religiosas, de carácter orgánico y representaciones alegóricas de la liturgia de la Iglesia.

http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/06/sagrada-familia-gaudi.html

Todo el edificio es un homenaje a Dios creador y redentor a través de la naturaleza y es la propia naturaleza, a través del arquitecto, quien le rinde su homenaje.

La visión de la naturaleza como obra de Dios le lleva a Gaudí a encontrar en ella sus fuentes de inspiración y a emplearla en todo su simbolismo:

• Las 36 columnas que semejan enormes troncos, más 16 adosadas (52 semanas del año).

• Las estrellas que coronan las naves y las torres (estrella de Navidad y de María).

• Las fachadas que parecen un fantástico paisaje rocoso.

• La idea que tenía de policromar los pórticos de la fachada este para acercarse a los colores de la Naturaleza.

• Las cubiertas de la basílica con cestos con frutas (las doce cosechas del año -una para cada mes- que habrá en la Nueva Jerusalén celestial).

Hay animales por todas partes.

Por ejemplo, el cordero, que representa a Cristo, y está muy presente en diversas partes, por ejemplo, en la cruz más alta del centro del crucero; el león, la paloma.

En la fachada de la Natividad aparecen también diversos animales, todos "negativos": una serpiente con una manzana, dos tortugas y dos camaleones. Estas tres especies son anfibios y reptiles, y por tanto, posible representación del mal.

El estilo modernista que había surgido a fines del siglo XIX, viviendo su gran esplendor en torno a la primera década del siglo XX, se asfixiará entre sus propios arabescos, ritmos ondulados, golpes de látigo y sus abigarradas decoraciones vegetales tras la guerra de 1914 a 1918, la llamada Gran Guerra, al surgir nuevas respuestas a nuevas necesidades, dentro de otra estética acomodada a otros tiempos, que pretenderá alcanzar la máxima funcionalidad y racionalidad y rechazará lo ornamental por superfluo.

Nuevos estilos, el racionalismo y el expresionismo, sustituirán al modernismo arquitectónico condenando sus excesos decorativos, aunque partirán de dos de sus aportaciones que son el germen de toda la arquitectura del siglo xx: por un lado, los ensayos de los nuevos materiales nacidos con la revolución industrial y el desarrollo de la ingeniería a fines del XIX y, por otro, la aplicación del concepto de "diseño integral" en la construcción de edificios.

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