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PROGRAMACIÓNViernes, 2 de marzoQuinteto Ethos (quinteto de viento)

Sábado, 3 de marzoBertrand Chamayou (piano)

Viernes, 9 de marzoJorge Hernández y Carolina Alcaraz (viola y percusión)

Sábado, 10 de marzoTrío Arbós (violín, violoncelo y piano)

Viernes, 16 de marzoTaller Sonoro (ensemble instrumental)

Sábado, 17 de marzoDúo Hernández-López (piano a cuatro manos)

Domingo, 18 de marzosaX&Media (saxofón y electrónica)

Viernes, 23 de marzoLucjan Luc (piano)

Sábado, 24 de marzoSisco Aparici & Vicent Gómez (solistas de TDM) (percusión y electrónica)

Organiza: Ayuntamiento de Córdoba

Colaboran:Consejería de Cultura de la

Junta de Andalucíay Conservatorio Superior de

Música “Rafael Orozco”

Director artístico:Juan de Dios García Aguilera

Todos los conciertos serán en el Auditorio del Conservatorio

Superior de Música Rafael Orozco, a las 20,00 horas

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Viernes, 2 de marzoQuinteto Ethos Saleta Suárez Ogando, flautaPau Rodríguez Hidalgo, oboeIldefonso Martín, clarineteÁlvaro Prieto Pérez, fagotJuan Antonio Jiménez Díaz, trompa

Programa:Sechs Bagatellen G. Ligeti Allegro con spirito Rubato. Lamentoso Allegro grazioso - Presto ruvido Adagio. Mesto Molto vivace. Capriccioso

Quinteto de viento madera nº 1 I. Alderete Allgero giocoso Lento melancólico Vivace enérgico

Quintett H. W. Henze Introduktion Sehr Ruhig, Ohne Rubato Rasch Helter

Quintette pour vents E. Carter Allegretto Allegro giocoso

Saleta Suárez Ogando (flauta).

Finaliza sus estudios superiores de flauta en el C.S.M. de Santiago de Compostela con las máximas calificaciones, los cuales completa, con una beca de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, en el Royal Conservatory de La Haya, Holanda, con Emily Beynon. En el 2005 realiza un Master en la Royal Academy of Music en Londres bajo la dirección del maestro William Bennett. Ha colaborado con numerosas orquestas jóvenes tales como la Jóven de Galicia, de Cataluña o la JONDE y profesionales, entre las que destacan la Sinfónica de Galicia, la ROSS o la Filarmonía de Galicia entre otras. Ha sido flauta solista de la Orquesta Filarmónica de Málaga en las temporadas del 2005 al 2007, y docente en los conservatorios Manuel Carra de Málaga , José Hidalgo de Torre del Mar y C.S.M. “Rafael Orozco” de Córdoba, en donde es profesora en la actualidad.

Pau Rodriguez Hidalgo (oboe).

Comienza sus estudios de oboe en Valencia con 9 años. Muchos han sido los profesores que le han aconsejado, de los que cabe destacar Vicente Lli-merà y Hansjörg Schellenberger. Durante sus años de formación fue miembro de la JONDE, lo cual le animó a dedicar su carrera musical a la inter-pretación como músico de orquesta. Desde 2002 es primer oboe en la Orquesta de Córdoba, con la que ha actuado como solista en varias ocasiones. También ha tocado como solista acompañado por la Cameratta Capriccio y en el “Phantasy Quartet”. Es miembro del Ensemble B, especializado en el repertorio barroco y preclásico .

Ildefonso Moreno Martín (clarinete).

Nace en Huelva en 1980, donde inicia sus estu-dios con José del Toro y en el Conservatorio de Trigueros. Los finaliza en el C.S.M. “Manuel Casti-llo” de Sevilla con Antonio G. Herrera, con las más altas calificaciones y Premio de Honor Final de Carrera. Continúa sus estudios en la Academia de Estudios Orquestales “Baremboim-Said” de Sevi-lla con Matthias Glander, del cual es asistente, y privadamente con los profesores José Mª Benítez y Antonio Salguero. Ha pertenecido a orquestas jóvenes como la Gustav Mahler Jugendorchester, EUYO, West-Eastern Divan Orchestra, JONDE o la Orquesta Joven de Andalucía, y ha colaborado con las orquestas españolas más relevantes. Ha tocado en los mejores festivales bajo las batutas más prestigiosas. Es Primer Premio de Música de Cámara de Juventudes Musicales de España con el Cuarteto de Clarinetes “Orpheus”. Fue clarinete principal en la Orquesta Ciudad de Granada du-rante la temporada 2009-2010 y actualmente es profesor en la AEO “Baremboim-Said” de Sevilla.

Quinteto Ethos

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Álvaro Prieto Pérez (fagot).

Nace en Salamanca donde finaliza sus estudios de Grado Superior de fagot en el Conservatorio Supe-rior de Música con el catedrático D. David Tomás Realp, obteniendo el Premio Extraordinario de Fin de Carrera. Posteriormente realiza estudios en la Musik-Akademie de Basilea con el maestro Sergio Azzolíni y seguidamente un postgraduado en el Ri-chard- Strauss-Konservatorium de Munich con el maestro Marco Postinghel. Colabora con diversas orquestas jóvenes y profesionales europeas como la Mahler Chamber, la Kammerorchester Basel y las principales orquestas españolas. Actualmente es fagot solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y profesor del Conservatorio Superior de Música del País Vasco M.U.S.I.K.E.N.E.

Notas al programaSechs Bagatellen (Seis Bagatelas) (1953) pertenecen a un período temprano del compositor húngaro G. Ligeti. Fueron estrenadas en 1969, en Södertälje (Suecia), por el quinteto de viento de la Orquesta Filarmónica de Estocolmo. La obra es una reelaboración de seis de las once piezas de la Musica Ricercata para piano (1951-1953). Aunque muy diatónicas en su conjunto, las Bagatelas aún están muy marcadas por la música de Bartók (la quinta, la más cromática, está dedicada a su memoria), especialmente por las combinaciones mayor-menor y los obstinatos rítmicos.

El Quinteto de viento madera nº 1 de Igmar Alderete consta de tres movimientos a modo de divertimento.

El primero, un Allegro giocoso, tiene un carácter un tanto marcial pero burlesco. Virtuosis-mo y rigor rítmico son las pautas fundamentales a seguir por el instrumentista, expresadas por el autor de una manera fluida y divertida. El segundo movimiento, Lento melancólico in tempo di bolero, siguiendo casi de manera estricta el estilo y esquema morfológico del bolero, cada instrumento destaca por las numerosas y variadas células rítmicas que van intercalando y alternando un tema que induce a la nostalgia y a la melancolía.

El tercer y último movimiento, Vivace enérgico, es la fusión de distintos estilos y géneros populares más actuales, que abarcan desde el rock hasta el son cubano, como rasgo característico del autor, donde mediante la música el oyente puede visionar paisajes tro-picales.

Quintett (1952) de Hans Werner Henze es una obra representativa de los últimos años que este compositor pasó en su país, una época en la que renuncia al serialismo impe-rante y es repudiado por la élite compositiva alemana. En 1953 dejó Alemania para residir en Italia, alegando percibir en su país de origen incomprensión hacia su obra así como intolerancia con su orientación política de izquierda y su homosexualidad.

Quintette pour vents (1948) constituye, con el ballet The Minotaur (1947) uno de los me-jores documentos sobre la formación parisina del compositor norteamericano Elliot Car-ter con Nadia Boulanger, a quien se la dedicó. Está escrito en dos movimientos. Desde los primeros compases del Alegreto inicial, cada instrumento adopta figuras con carac-teres diferentes, redistribuidas más tarde desde unos instrumentos hacia otros, buscan-do la interdependencia entre las partes que persigue Carter. El resultado es una página concentrada, elegante, incisiva y tendida. El segundo movimiento es un rondó brillante inspirado en el jazz, vivo y lleno de energía.

Juan Antonio Jiménez Díaz (trompa)

Nace en Huelva en 1988. A la edad de 7 años ini-cia sus estudios en el Conservatorio “Manuel Cas-tillo” de Sevilla con Luis Francisco Delgado, para finalizarlos en dicho conservatorio con el mismo profesor. En 2001 entra a formar parte de la Or-questa Joven de Andalucía, bajo la dirección de D. Michael Thomas hasta el año 2007; a su vez, en 2003 es seleccionado para participar en la Or-questa West-Eastern-Divan dirigida por el maestro Daniel Barenboim en la que conoce a Ignacio Gar-cía, trompa solista de la Staatskapelle de Berlín, con el que desde 2004 perfeccionará sus estudios en dicha ciudad. Ha participado en prestigiosos festivales como TheProms en Londres, el Festival de Lucerna o el Festival de Salzburgo. En 2007 gana la plaza de trompa tutti en la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Actualmente compagina su trabajo en esta orquesta con giras de conciertos de la WEDO y recientemente ha sido invitado por la Gustav Mahler Jugendorchester.

Quinteto Ethos, Viernes 2 de marzo.

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Sábado, 3 de marzoBertrand Chamayoupiano

Programa:

morning music Georg Crumb (de Makrokosmos) piano normal

Bacchanale John Cagepiano preparado

...sofferte onde serene... Luigi Nono piano y cinta

rain-death variation George Crumb (de Makrokosmos) piano normal

aeolian harp Henry Cowell piano normal

Primitive John Cage piano preparado

The Banshee Henry Cowell piano normal

And the earth shall bear again John Cage piano preparado

Darkness visible Thomas Adés piano normal

Le tombeau de Messiaen Jonathan Harvey piano y cinta

Ha actuado recientemente como solista en el Théâtre des Champs Elysées, la Herkulessaal de Múnich, el Festival de Música de Bremen, el Wig-more Hall de Londres, el Théâtre du Châtelet de París, el Mostly Mozart Festival de Nueva York, el Festival Gergiev de Rotterdam y el Festival de Piano de Ruhr, además de actuaciones con la Or-questa de París, la Orquesta Filarmónica de Lon-dres, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hesse, la Orquesta Sinfónica de la WDR, la Orquesta Na-cional de Francia y la Real Orquesta Nacional de Escocia.

En febrero de 2011, Bertrand ganó el Premio “Vic-toires de la Musique” al “Solista del Año”. Duran-te 2011 celebrará el 200 aniversario de Liszt to-cando el ciclo completo de los Años de Peregri-naje, que también grabará en directo en diversas salas de conciertos de todo el mundo (Théâtre des Champs-Elysées, Musikfest de Bremen, Auditorio de la Ciudad Prohibida de Pekín…) y que saldrá al mercado en noviembre en el sello Naïve. Asimis-mo ofrecerá recitales en el Wigmore Hall, el Festi-val de Lucerna y el Théâtre des Champs-Elysées. Actuará junto a Pierre Boulez y la Orquesta de Pa-rís en la Sala Pleyel, presentará dos conciertos en el Mostly Mozart Festival y en el Avery Fisher Hall de Nueva York junto a Jérémie Rohrer y en 2012 realizará una gira con la Orquesta Sinfónica SWR de Stuttgart junto a Stéphane Denève.

Bertrand Chamayou alcanzó un enorme éxito en marzo de 2011 con su último disco dedicado a César Franck que obtuvo varios premios de la prensa especializada, como el “Editor’s Choice” de Gramophone, “Choc” de Clasica y “Disco Excep-cional” de Scherzo. En 2008 su CD Mendelssohn

también obtuvo grandes elogios y calificaciones: “10” de Clasica-Répertoire, “E” de Scherzo. En 2006 grabó en directo un disco para Sony Classi-cal con los Estudios Trascendentales de Liszt que obtuvo el “Choc” de Le Monde de la Musique.

A los 20 años, Bertrand fue premiado en el pres-tigioso Concurso Internacional Marguerite Long-Jacques Thibaud. Nacido en 1981, Bertrand llamó enseguida la atención del pianista Jean-François Heisser, quien más tarde se convertiría en su pro-fesor en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Bertrand Chamayou completó posteriormente su formación con María Curcio en Londres y recibió valiosos consejos de grandes maestros como Leon Fleisher, Dmitri Bashkirov y Murray Perahia.

Bertrand ha tocado como solista con algunas de las mejores orquestas nacionales francesas (Orquesta Filarmónica de Radio-France, Orches-tre National du Capitole de Toulouse, Orquesta Nacional de Francia, ...) y con otras prestigiosas orquestas europeas (Orquesta de la Radio de Hesse, Orquesta Filarmónica de Londres, Orques-ta Filarmónica de Lieja, Tapiola Sinfonietta…) con maestros de renombre como Andris Nelson, Mi-chel Plasson, Lawrence Foster, Yutaka Sado, Tu-gan Sokhiev, Ludovic Morlot y Semyon Bychkov. Actúa con asiduidad en conciertos de música de cámara con solistas como Renaud Capuçon, An-toine Tamestit, Sol Gabetta, Gautier Capuçon y los cuartetos Ebène y Belcea.

Bertrand Chamayou

El pianista Bertrand Chamayou es una de las per-sonalidades más solicitadas de la escena musical actual. Conocedor de un amplísimo repertorio, implicado en la composición contemporánea y capaz de pasar de un estilo a otro con una facili-dad desconcertante, impone una seguridad y una imaginación asombrosas, así como una destaca-da coherencia en sus propuestas artísticas.

Bertrand Chamayou

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Viernes, 9 de marzoJorge Hernández viola

Carolina Alcarazpercusión

Programa:

Motivo a propósito*Carlos Álvarezviola soladedicada a Jorge Hernández

Redwood Paul Chiharaviola y percusión

Diàleg subtils Salvador Brotonsviola y percusióntransc. a viola de Jorge Hernández

Saeta José Luis Turinamarimba solo

Sonata para viola y percusión

Peter Sculthorpe

Jorge Hernández Iznaga

Concluyó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte de La Habana con la profesora francesa Maryvonne Drobache, y desde 1972, año de su graduación, pasa a formar parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, de la cual sería Viola Principal desde 1983 a 1991, y Solista de la Or-questa de Cámara Nacional.

... la viola de Jorge Hernández suena gloriosa-mente y con una afinación excepcional. (Was-hington Roldán.“El País”Uruguay)

Jorge Hernández es un violista con un brillante talento interpretativo... (Mijaíl Terián. Profesor del Conservatorio“Chaikovsky” de Moscú)

Jorge Hernández: excelente violista...(Napo-león Cabrera. “Clarín” Argentina)

Estas son algunas de las críticas que se ha gran-jeado Jorge Hernández a lo largo de su carrera musical. Es graduado de la ENA en La Habana y del conservatorio Chaikovsky de Moscú. Como miembro del Cuarteto de Cuerdas de La Haba-na posee varios premios importantes, entre los cuales se destaca el GRAMMY LATINO 2010 por la grabación de los cuartetos de Leo Brouwer. Ha ofrecido cursos de viola, de cuarteto y de orquesta en diversos conservatorios de Cuba y de Espa-ña. Fue profesor del Instituto Superior de Arte de La Habana y por espacio de 10 años Solista de la Sinfónica Nacional de Cuba y de su Orquesta de Cámara. Actualmente es solista de viola de la Orquesta de Córdoba.

H e r n á n -dez & Alca-raz

Notas al programamorning music y rain-death son respectivamente la primera y la tercera piezas de Makrokosmos II del compositor norteamericano George Crumb, una obra de 1973 que fue estrenada un año más tarde en el Alice Tully Hall de New York por el pia-nista Robert Miller. Makrokosmos I y II es una co-lección de 24 piezas que el compositor escribió basándose en los signos del zodíaco, que cons-tituyen una masiva y detallada exploración de las posibilidades sonoras del piano, hecha de una manera muy personal.

Bachanalle (1940) fue compuesta por John Cage para una coreografía de la bailarina Syvilla Fort. Es la primera pieza escrita por el compositor para piano preparado. Cage decidió situar varios obje-tos entre las cuerdas del instrumento en orden a producir sonidos percusivos, inspirándose en los experimentos de Henry Cowell con técnicas ex-tendidas de piano. La obra fue terminada en tan solo tres días.

…sofferte onde serene… (1976) de Luigi Nono está dedicada a Maurizio y Marilisa Pollini. El pun-to de partida para la obra reside en las particulari-dades dela técnica pianística de Polllini que sirve de base, y en la obra, el piano parece haberse diri-gido hacia el análisis de su potencial sonoro.

En aeolian harp (1923) el compositor norteame-ricano Henry Cowell, padre de la música experi-mental americana, quiso emular un arpa eólica, una pequeña arpa de viento que los niños hacen de hilos de seda. En la obra, que resulta bastante infantil, en lugar de tocar el pianista las teclas del

piano las introduce en el arpa para manipular des-de allí las cuerdas del piano.

Primitive de John Cage fue compuesta en 1942 para un ballet de Wilson Williams. Trece notas del piano se preparan empleando tornillos o pernos.

De Cowell es también The Banshee (1925), una obra que requiere numerosas maneras de tocar, tales como pizzicato y barrido longitudinal o ras-pado de la cuerda, y que enlaza directamente con la precedente aeolian harp.

And the earth shall bear again de John Cage fue compuesta en 1942 para una danza de Valerie Bettis. Pertenece también al conjunto de obras que el compositor dedicó al piano preparado: diez notas individuales están preparadas, en su mayo-ría con tornillos pequeños, y dos cintas de lana se disponen entre las cuerdas sol1 y do3

El compositor británico Thomas Adès, nacido en 1971, es sin duda el más joven del programa. Su obra Darkness visible es un desarrollo de la canción de laúd de John Dowland In Darkness Let Mee Mora (1610). La piza fue estrenada por el compositor en Budapest en octubre de 1992.

Con Tombeau de Messiaen (1964) el compositor inglés Jonathan Harvey construyó una modesta suite de homenaje a la muerte de uno de los com-positores más trascendentales del siglo XX: Olivier Messiaen. En ella desarrolla principios de la com-posición espectral mediante la cinta, construida a base de notas de piano que edifican acordes de sonidos armónicos.

Bertrand Samayou, Sábado 3 de marzo

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Carolina Alcaraz

Directora del ConUCOpercusion2mil11, primer concurso internacional de percusión, celebrado en Córdoba.

En 2010 fue elegida como representante de Espa-ña para la convención mundial de marimba Ma-rimba2010 que se celebró en Minnesota (EEUU). Ganó el 1º premio del Torneo Internationale di Musica 2002, en la especialidad de percusión en Tarascón (Francia).

Ha grabado el “Concierto para marimba y orques-ta” de Igmar Alderete Acosta, con Manuel Hernán-dez Silva, como director, la Orquesta de Córdoba y el sello “Edicions Albert Moraleda, S.L.”

Mantiene una dilatada carrera de concertista ha-biendo dado recitales en diversos escenarios de España, Europa y Estados Unidos, participado en Festivales Internacionales, y tocado como solista con prestigiosas agrupaciones y orquestas. Por su trabajo ha recibido una notable acogida tanto del público como de la crítica, que han destacado su virtuosismo, musicalidad, rigor rítmico y dominio de los diferentes instrumentos de percusión.

Realiza paralelamente labores pedagógicas, des-tacando su participación como profesora en los encuentros de la JONDE (Joven Orquesta Nacio-nal de España) y la OJA (Orquesta Joven Andalu-za). Ha dado charlas didácticas y clases magistra-les en diversos conservatorios y cursos de perfec-cionamiento, también conciertos didácticos como son “Un Mundo de Percusiones” y “Tiki Taiko Tam Tam”.

Renombrados compositores le han compuesto y dedicado diferentes trabajos como Leo Brouwer con Los pasos perdidos, Igmar Alderete Acosta con los 2 Conciertos para Marimba y Orquesta y Tres danzas para marimba y contrabajo y Juan de Dios García Aguilera con Mares de seda y brisa”.

Ha sido miembro de la Joven Orquesta Nacional de España, del grupo “Contemporani Percussió d’Alacant” y de “Mintaka” grupo de percusión, y desde 1992 es ayuda de solista en la Orquesta de Córdoba.

Es artista de las marcas de percusión Encore Ma-llets, NP y REMO.

Notas al programaMotivo a propósito, del compositor cubano Carlos Álvarez Sanabria, es una pieza en forma de preludio libre que su autor dedicó a Jorge Hernández a propósito de su amistad. El intérprete la estrenó en 1980 en La Habana con motivo del Día Mundial de la Música. Álvarez ha desarrollado su carrera en Cuba, en donde estudió flauta travesera y composición musical en la Escuela Nacional de Arte (Cubacán) desde 1962 hasta 1967. Ha sido miembro de diversas bandas de música en su país y ha formado parte de la orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión.

Paul Chihara compuso Redwood (1967) en Tokio. La obra es una meditación y una improvisación con influencias clásicas y del jazz. Se inspira en los ejercicios de res-piración del célebre libro Zen El Arte de la Arquería del filósofo alemán Eugen Herri-gel.

Diàlegs subtils es una obra compuesta por el compositor catalán Savador Brotons en el año 1990, por encargo de la universidad de Arizona. Los instrumentos de per-cusión son sutiles y tímbricamente muy variados. La estructura es ternaria según el modelo lento-rápido-lento.

Saeta (2006) fue escrita por José Luis Turina y estrenada por el percusionista Juanjo Guillem. En la obra pretenden darse la mano aspectos de una gran sencillez musical, pero elaborados en un virutosismo instrumental que, lejos de enmascararla, deben contribuir a ponerla de relieve, revistiéndola de un atractivo directo y efectivo. La pieza se estructura en torno a la alternancia de secciones fuertemente contrastantes, siendo incluso frecuente dentro de ellas el empleo de elementos dispares y rápida-mente cambiantes. Las secciones de carácter ligero se alternan con otras abierta-mente dramáticas, y la utilización de diferentes procedimientos tímbricos (baquetas empleadas tanto de forma usual como no convencional, utilización de arcos de con-trabajo) llega a un punto culminante con el empleo de la voz del intérprete.

Sonata para viola y percusión (1960) del compositor australiano Peter Sculthorpe. En el momento en que la compuso Sculthorpe se encontraba en Inglaterra, estu-diando en Oxford por un período de treinta meses. En el mismo año de su estreno, la Sonata fue galardonada con el Royal Concert Trust Fund Composition Prize. La obra se estructura en un doble conjunto de variaciones bastante libres, en donde una melodía mahleriana se contrapone a una figura rítmica más contundente. Estas dos ideas se alternan entre sí, pero no muestran tendencia a confluir.

Jorge Hernández & Carolona Alcaraz, Viernes 9 de marzo

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Sábado, 10 de marzoTrío ArbósJuan Carlos Garvayo, pianoMiguel Borrego, violínJosé Miguel Gómez, violoncello

Programa:

Piano Trio no. 1 (2012) Christiaan de Jong (1960) (estreno absoluto)

Trío (1972-75) Isang Yun (1917-1995)

Doruntine (1994) Anders Nordentoft (1957)

Divertissement Op. 126 (2005) Nikolai Kapustin (1937) Allegro Adagio Allegretto Allegro vivace

Trío Arbós

El Trío Arbós, formado por Miguel Borrego, vio-lín; José Miguel Gómez, violoncello y Juan Car-los Garvayo, piano, se fundó en Madrid en 1996, tomando el nombre del célebre director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós (1863-1939). En la actualidad es uno de los gru-pos de cámara más prestigiosos del panorama musical español.

Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo (integrales de Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, etc.) hasta la música de nuestro tiempo. Desde su formación en 1996, uno de los principales objeti-vos del Trío Arbós ha sido la contribución al en-riquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras. Composi-tores de la talla de Luis de Pablo, Tomás Marco, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, José Luis Turina, José María Sánchez Verdú, Cé-sar Camarero, José Manuel López López, Hilda Paredes, Aureliano Cattaneo, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Marisa Manchado, Miguel Gálvez Taron-cher, Harry Hewitt, Roberto Sierra, Marilyn Shru-de, Jorge E. López y German Cáceres, entre otros, han escrito obras para el Trío Arbós.

El Trío Arbós actúa con regularidad en las principa-les salas y festivales internacionales a lo largo de más de 20 países: Konzerthaus de Viena, Conser-vatorio Tchaikovsky de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Wittener Tage für neue Kammermusik, Teatro Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional

de Madrid, Festival de Kuhmo, Festival Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival de Ryedale, Quincena Musical Donostia-rra, Festival Internacional de Música Contemporá-nea de Alicante, etc.

El Trío Arbós ha realizado grabaciones para los sellos Naxos, Kairos, Col Legno, Verso, Ensayo y Fundación Autor, dedicadas a Joaquín Turina, Jesús Torres, César Camarero, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Roberto Sierra, y otros muchos compositores españoles e iberoamericanos.

El Trío Arbós ha cultivado su faceta pedagógica como trío en residencia del Curso de Música de Motril y de los Cursos Superiores de Música de Málaga, organizados por Unicaja. También ha im-partido clases magistrales de música de cámara en centros de prestigio internacional como la Uni-versidad de Bowling Green (U.S.A.), Universidad Wilfried Laurier (Canadá), Conservatorio Superior de Música de Lima (Perú) o la Orquesta Joven Na-cional de El Salvador. Los miembros del Trío Arbós han sido también, en varias ocasiones, profesores de la Joven Orquesta Nacional de España (JON-DE).

Desde la temporada 2005-06 el Trío Arbós se ha establecido como conjunto en residencia del Mu-seo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Ma-drid. Su proyecto “Triple Zone” para la ampliación y difusión de la literatura para trío con piano ha sido patrocinado por la Ernst von Siemens Musiks-tiftung.

Trío Arbós

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Notas al programaPiano Trío nº 1 (2012) es un estreno absoluto del compositor holandés Christian de Jong. Un creador de formación clásica, pero muy ecléctico, que busca siempre nuevos sonidos, nue-vas vías para estructurar piezas y suele inspirarse no solo en obras de compositores clásicos de nuevas generaciones, sino también en el jazz, la música hindú y japonesa, la música rena-centista y barroca occidental, la naturaleza, los sonidos urba-nos, la literatura, las artes plásticas y la política.

Trío es obra del compositor coreano Isang Yun, más tarde nacionalizado alemán. Yun estudió en Japón y más tarde en Corea, en donde participó en el movimiento de independen-cia coreano, por lo que fue capturado y encarcelado por los japoneses. Al terminar la Guerra de Corea viaja a Europa para proseguir sus estudios musicales y donde permanecerá ya prácticamente hasta su muerte en 1995. Su música tiene un fuerte carácter oriental.

Anders Nordentoft es un compositor danés que ha desarrollado un estilo que, como él dice, “explora el moderado, pero tam-bién expresivo y pleno de infinitas facetas, universo de la amis-tad”. Esta estética se puede rastrear en Doruntine (1994), que toma el nombre de una princesa en la novela de Ismail Kadaré del mismo nombre, que tiene lugar en el siglo XIII en Albania. Doruntine, que en la pieza está representada por la melodía del violoncello, deambula a través de diversos paisajes musicales extraños antes de que finalmente encuentre su camino a casa.

Divertissement Op. 126 pertenece al compositor ucraniano Nikolai Kapustin. Su estilo de composición es una mezcla del arte musical clásico y posclásico europeo con los modernos idiomas del jazz y el rock. Su escritura pianística es brillante y natural, nunca más difícil de lo que tiene que ser para lo-grar el efecto deseado. Kapustin menciona al pianista de jazz canadiense Oscar Peterson como una influencia clave en su pensamiento musical.

Viernes, 16 de marzoTaller SonoroCamilo Irizo, clarineteIgnacio Torner, pianoMaría del Carmen Coronado, violoncello

Angelus Novus: el futuro presente

Programa:

Il dono di Perseo (2009) Manuel Añónclarinete, violochelo y piano

Inscriptio (2001) José María Sánchez Verdúclarinete bajo

Imágenes desde el desierto (2009) Nuria Núñezclarinete, violonchelo y piano

Impromptu (2010) Benet Csablancaspiano

Vertical Time Study I (1992) Toshio Hosokawaclarinete, violonchelo y piano

Taller Sonoro

Trío Arbós, Sábado 10 de marzo

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Taller Sonoro

Taller Sonoro es la inquietud de un grupo de músicos que en el año 2000 deciden enfocar su creatividad hacia una propuesta común. Desde un primer momento quedaron plenamente definidas las líneas maestras del proyecto, que no se limitaría tan sólo a “interpretar música actual”, sino a hacerlo dentro de unos cauces que resultaran enriquecedores tanto para intérpretes como para público y compositores.

Las líneas básicas del trabajo de Taller Sonoro han sido la colaboración con jóvenes compositores y la interpretación de la música desde un punto de vista de unidad y conjunto musical. Su cuidada puesta en escena y el aprovechamiento que ésta le brinda, hace de sus conciertos una experiencia que centra la atención del oyente en el intérprete y el interés auditivo en el discurso sonoro.

Durante este tiempo, los proyectos engendrados por Taller Sonoro, han recorrido los ciclos de Música Contemporánea de Sevilla y Granada (desde 2002), Madrid (Temporada del CDMC en el Auditorio del Museo Reina Sofía 2006 y 2007), Festival de Música Contemporánea de Alicante (2008), Ciclo de Música Contemporánea de Córdoba (2005),

Festival de Música Española de Cádiz (2006 y 2007), Ciclo de Música Contemporánea de la OSM (Málaga 2007), Quincena Donostiarra (San Sebastián 2006), Festival KLEM (Bilbao 2009), Centro Galego de Arte Contemporáneo (2010), Festival ENSEMS (Valencia, 2010), Ciclo de Música de Cámara de Unicaja en Almería, Santander (Universidad Internacional Menéndez Pelayo) y II Festival Música Contemporánea de Molina de Segura (Murcia).

La actividad internacional ha llevado a nuestro grupo al Musikverein (Viena 2011), Ciclo OPUS 5.1 (Burdeos 2005), Ciclo “Espirales” en la Catedral de Les Invalides (París 2005), Hochschule für Musik am Main (Frankfurt 2005), Instituto Cervantes de Berlín (2006 y 2007), Sendesaal de Radio Bremen dentro del Ciclo Polifonía de Compositores del Instituto Cervantes de Bremen (2007), Festival de Música Contemporánea de Lima (Perú, 2007 y 2008), Colegio de España en París (2007), Instituto Cervantes de París (2007), Teatro Quartz (Brest, 2008), Festival de Música Contemporánea de Morelia (México, 2010), Academia de España en Roma (2010), Festivales de Música Contemporánea

de Rosario y Buenos Aires (Argentina 2011).

Taller Sonoro ha grabado en 2009 un CD para la casa ANEMOS dedicado al compositor madrileño César Camarero y ha participado en los Cds monográficos de los compositores andaluces José María Sánchez Verdú y Juan Cruz, además tiene dos cds en directo, uno con un monográfico dedicado al compositor David del Puerto (grabado el 28/11/07 en la Sendesaal de Radio Bremen) y otro dedicado a los compositores finalistas del Premio de la Fundación Autor de la SGAE (grabado el 3/12/07 en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía de Madrid) y ha colaborado en varios proyectos con el Organum Ensemble dirigido por Marcel Péres y el Ensemble Giles Binchois dirigido por Dominique Vellard.

La actividad pedagógica de Taller Sonoro, se complementa con el intenso trabajo que viene realizando como grupo residente de la Cátedra de Composición “Manuel de Falla” desde sus inicios que anualmente se realiza en la ciudad de Cádiz. Ha asistido también como grupo residente al Curso Internacional de Análisis y Composición 2004, 2005 y 2006 que se celebra en la ciudad

leonesa de Villafranca del Bierzo, curso dirigido por Cristóbal Halffter. Ha impartido cursos específicos sobre interpretación de la música actual española y realizado conciertos sobre la misma en la Frankfurt Hochschule für Musik am Main en la ciudad alemana de Frankfurt. En 2008 ha creado la plaza de Compositor Residente, otorgada ese año al compositor israelí Joav Pasowsky, en 2009 al compositor mexicano Víctor Ibarra y en 2010 al compositor chileno Christian Morales.

Como complemento a la formación de instrumentistas Taller Sonoro organiza anualmente desde 2008 el Taller Instrumental de Música Actual (TIMAC) dirigido a alumnos y profesores de conservatorio. Además, Taller Sonoro edita cuatrimestralmente la revista electrónica Espacio Sonoro dentro de su página web (www.tallersonoro.com), cuyo contenido abarca artículos, análisis musicales, partituras, reseñas y noticias. Revista que con sus más de 20000 visitas anuales se ha convertido en referencia y punto de encuentro para todo aficionado o profesional de la música actual.

Taller Sonoro, Viernes 16 de marzo

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Notas al programaEl programa que en esta ocasión presenta Taller Sonoro agrupa cinco propuestas que responden, de manera independiente, a algunas de las preocupaciones visibles en la creación musical contemporánea: la necesidad de reformular la estructura temporal del discurso sonoro y sus implicaciones rítmicas y armónicas –Toshio Hosokawa (1955), en el segundo de sus tres Vertical Time Study, fechado en 1992–, la búsqueda de nuevos recursos instrumentales como fundadores de dicho discurso –Inscriptio (2005), del algecireño José María Sánchez-Verdú (1968)– y la meditación renovada sobre la herencia de la tradición musical occidental en sus aspectos formales y emotivos, planteada por Benet Casablancas (1956) en su Impromptu (2009).

Junto a ellos, dos autores en pleno proceso de consolidación y reconocimiento crecientes, representados por composiciones dadas a conocer por Taller Sonoro en junio de 2010 como parte de su decidido apoyo por la nueva creación española: Manuel Añón (1969), de refinado pensamiento rítmico y eficaz equilibrio entre sólida construcción y capacidad comunicativa en Il dono di Perseo, y la joven voz de la jerezana Nuria Núñez (1980), quien se formó en las aulas de este mismo conservatorio cordobés y que en sus Imágenes desde el desierto conjuga capacidad de sugerencia poética e indagación en la entraña del sonido.

Cinco respuestas diversas para un mismo horizonte de sentido: el de la permanente aventura sonora de nuestros días...

Germán Gan Quesada

Taller Sonoro, Viernes 16 de marzo

rnández & LópezSábado, 17 de marzoRaquel Hernández Carrión

Enrique López Herrerospiano a cuatro manos

Programa:

Játékok György Kurtag selección de obras para piano a cuatro manos de los volúmenes IV y VIII

Celestial Mechanics (Makrokosmos IV. 1979) George Crumb Danzas cósmicas para piano amplificado a cuatro manos

I. Alpha Centauri

II. Beta Cygni

III. Gamma Draconis

IV. Delta Orionis

Dúo Hernández-López

Raquel Hernández Carrión

Comenzó sus estudios musicales en Albacete, su ciudad natal, con Arturo Moya. Más tarde se traslada a Valencia donde termina sus estudios superiores con Marisa Blanes y Mario Monreal. En dicho período formativo obtiene las máximas cali-ficaciones así como el título de profesora superior de piano. A partir de 1996 continúa sus estudios de posgrado en la Academia Franz Liszt de Buda-pest, bajo la decisiva dirección de Rita Wagner, ayudada por sendas becas de la Junta de Castilla La Mancha y A.I.E.

Asimismo es de especial importancia su participa-ción como alumna activa en las clases magistrales de piano y música de cámara en el Aula de Músi-ca de la Universidad de Alcalá de Henares bajo la dirección de Ferenc Rados (Academia Franz Liszt de Budapest) y con Imre Rohman (Mozarteum de Salzburgo)

Ha recibido consejos de profesores como Walid Aki, Claudio Martínez Mehner, Almudena Cano, Charles Rosen, Perfecto García Chornet, Josep Colom, Paul Badura Skoda y Laszlo Somfai. Ha tocado en diversas ciudades de la geografía es-pañola.

Entre los años 2007 y 2008 realizó un Master en Música por la Universidad Politécnica de Valencia especialmente enfocado ala pedagogía pianística. Actualmente es profesora de piano en el Conser-vatorio Superior de Música “Rafael Orozco” de Córdoba.

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Enrique López Herreros

Nació en Albacete y comenzó sus estudios en su ciudad natal con Arturo Moya. Más tarde se tras-lada a Valencia donde obtiene el título superior de piano, bajo la tutela de Mario Monreal, en el Con-servatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo”. En dicho centro obtiene el Premio de Honor Fin de Grado Medio y el Diploma de Honor Fin de Carre-ra, ambos en la especialidad de piano. También allí acaba sus estudios superiores en las especialida-des de Música de Cámara y Armonía bajo la su-pervisión de José Vicente Cervera y Luis Blanes, respectivamente.

Después de este período académico, pasa a estu-diar bajo la decisiva influencia del pianista Josep María Colom, dentro de los cursos de interpreta-ción de la Universidad de Alcalá de Henares.

De especial importancia en su formación es el período transcurrido en la Academia Franz Liszt de Budapest, recibiendo consejos de Rita Wag-ner y Ferenc Rados, becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores. Ha participado en cursos de

interpretación con profesores como Ramón Coll, Joaquín Achúcarro, Laszlo Somfai, Paul Badura Skoda, Lamar Berman, Almudena Cano, Charles Rosen y Claudio Martínez Mehner. Actualmente es profesor de piano en el Conservatorio Superior de Música de Málaga.

La trayectoria paralela que han seguido Raquel Hernández y Enrique López tuvo su punto de ma-yor encuentro en Budapest, coincidiendo con los mismos profesores, y de donde surgió la idea de disfrutar del repertorio de piano a cuatro manos y dos pianos.

Con esta formación fueron premiados en el Cer-tamen de Jóvenes Intérpretes de Castilla La Man-cha y han participado en diversos proyectos, entre los que destaca “Música y Astronomía”, llevado a cabo durante el año 2009 y con el que grabaron un disco patrocinado por Caixaforum y el CSIC.

En su formación como dúo de piano es de espe-cial relevancia la influencia de Imre Rohmann, pro-fesor del Mozartem de Salzburgo.

Notas al programaEl compositor húngaro Geörgy Kurtág se propuso con Játékok (Juegos) escribir una obra, en forma de suite para piano, “con un carácter pedagógico que no supusiera para el niño nada parecido a una férrea regla u obligación. En efecto, las piezas permiten y animan al intérprete a dar libre curso a su fantasía, sin traba alguna. La partitura se establece de este modo como soporte de la imaginación, haciéndose enseguida evidente que cuanta más atención pone uno en su lectura más cosas le sugiere. Estas formas interpretativas que difieren tanto de las tradi-cionales garantizan grandes momentos de diversión, transmitiendo al intérprete desde el comienzo de su aprendizaje una sensación de logro, de virtuosismo y de triunfo. ¡De Kurtág se aprende que aunque no esté determinada la altura de una nota ni un ritmo preciso la música puede continuar produciéndose, pero, al mismo tiempo, que sin un gesto físico o sin una elemental voluntad de comunicación, ésta no puede jamás existir!” (Zoltán Fárkas)

Celestial Mechanics de Geroge Crumb,, realizadas en abril de 1979, constituyen la cuarta parte de la serie de trabajos titulados Makrokosmos.

“Llevaba mucho tentado de probar mi escritura en el medio del piano a cuatro manos, tal vez porque yo mismo he sido un apasionado del arte de tocar a cua-tro manos en los últimos años. Lo mejor de la música original para cuatro ma-nos - que incluye, por supuesto, muchas obras magníficas de Mozart, Schubert y Brahms- ocupa un lugar muy especial en la literatura de la música. El idioma, un extraño híbrido entre lo pianístico y lo orquestal, se presta fácilmente a un tipo muy libre y espontáneo de música - piénsese en las muchas colecciones de danzas de diversos tipos y de la predilección por el género de la fantasía. El presente trabajo, por lo tanto, comprendiendo un conjunto de danzas cósmicas danzas compuestas en una especie de estilo fantástico, entra de lleno dentro de la tradición.

El título Celestial Mechanics (La Mecánica Celeste) fue tomado del matemático francés Laplace. Los títulos de los cuatro movimientos (¡añadidos después de componer la música!) corresponden a los bellos nombres de las estrellas de la primera a la cuarta magnitud. En efecto, el majestuoso movimiento de las estrellas sugiere la imagen de una coreografía cósmica y, de hecho, por un momento con-sideré optar por un título alternativo (propuesto por mi hermano, que es aficionado a los juegos de palabras) – The Celestial Ballroom (El salón de baile celestial)”. (George Crumb)

Dúo Hernández - López, Sábado 17 de marzo

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Domingo, 18 de marzosaX&Media

Alfonso Padilla saxofonesManuel Delgadodispositivo electrónico

Música española para saxofón y electrónica

Programa:

Soliloquio (2007) Manuel Delgadosaxofón soprano y cinta

Entre la realidad y el deseo 2 (2011) Alberto Carreterosaxofón alto y electrónica

Metapoeisis (2011) Eneko Vadillosaxofón alto y electrónica

Secuencia XVI (2006) Andrés Lewin-Richtersaxofón tenor y cinta

Chymisch (2006) Héctor Parrasaxofón barítono y electrónica

saX&Media

Estonia, con programas especialmente dedicados a música española contemporánea para saxofón , ya sea solo, con piano o con electroacústica. Igualmente, en 2005 imparte una conferencia y concierto dedicado a Música para Saxofón de Compositoras españolas en el Voralberguerlandes Konservatorium de Feldkrich (Austria) con motivo de la semana “Fraue und musik”.

Ha impartido cursos y masterclases relacionados con la pedagogía y didáctica del saxofón, como en la UNIA y en MUSIKENE, y en centros europeos adscritos al programa Erasmus, como el Conser-vatorio della Swizzera Italiana de Lugano (Suiza), o la Estonian Academy of Music de Tallin (Estonia). Ha sido profesor en distintos conservatorios an-daluces, y desde 2006 es profesor de saxofón y cuarteto de saxofones en el Conservatorio Supe-rior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla.

saX&Media

Esta formación comienza su actividad en 2009 y desde entonces han trabajado en diversos pro-yectos multidisciplinares donde la música electro-acústica mixta tiene un papel fundamental. En sus actuaciones han integrado otros medios como el video, la danza o la performance.

El presente programa incluye obras para saxofón y electrónica de diferentes generaciones de com-positores españoles. Además, las obras incluyen diferentes saxofones para mostrar la amplitud de las posibilidades instrumentales.

Alfonso Padilla

Nace en Bailén (Jaén) en 1976. Realiza estudios superiores de saxofón con Manuel Ureña en el C.S.M. “Rafael Orozco” de Córdoba, que culmina con la edad de veinte años. Posteriormente per-fecciona con renombradas figuras nacionales e in-ternacionales, destacando Daniel Deffayet, Jean-Marie Londeix, Claude Delangle, Philip Braquart, Christophe Bois, Philip Lecqoc, Vincent David, Gi-lles Tressos, Jean-Denis Michat y de forma regular con Eric Devallon. Igualmente asiste a diversas masterclasses en España y en otros países con el saxofonista holandés Arno Bornkamp.

Tiene una experiencia dilatada practicando músi-ca de cámara y pertenece al laureado Cuarteto de saxofones “Ziryâb” desde 2003. En 2007 graba un CD con el título de “TETRAPHONE” con obras de Debussy, Robert, Lacour, Escaich y Enrique Rueda. Ha dado conciertos en Alemania, Austria, Suiza y

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Manuel Delgado

Sevillano, comienza los estudios de composición en su ciudad natal con Manuel Castillo, finalizán-dolos en Granada con Francisco González Pastor, en donde obtiene el Premio Fin de Carrera. Profe-sor de Solfeo desde 1990, en 1993 consigue plaza de Armonía en el Conservatorio Profesional “Cris-tóbal de Morales” de Sevilla, en donde organiza la recién creada asignatura de Informática Musical.

En 2002 obtiene plaza en el Conservatorio Supe-rior “Manuel Castillo” de Sevilla, en el que perma-nece durante siete años, impartiendo las asigna-turas de Contrapunto, Composición con Medios Electroacústicos e Informáticos, Instrumentación y Análisis Musical. Durante su estancia en el Gra-do Superior, participó como organizador y como compositor en los programas dedicados a la mú-sica electroacústica de los Conciertos del Carmen durante varios años.

También ha participado varias veces como com-positor en los encuentros de “La Noche Larga de los Museos”, así como en la performance colecti-va Proyecto Paso, integrada dentro de la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla, donde se conju-gaban danza, música electroacústica e Internet.

Ha estrenado ya varias obras en las que se incluye a la electroacústica como parte integrante de la composición. Es uno de los organizadores de los conciertos acusmáticos que se vienen realizando en el conservatorio “Cristóbal de Morales desde el curso pasado, en donde ha estrenado ya dos obras, y acaba de impartir un curso sobre proce-samiento de audio por ordenador organizado por LEMATS, la sección electroacústica de TALLER SONORO.

saX&Media, Domingo 18 de marzo

Notas al programaSoliloquio (2007) del compositor sevillano Manuel Delgado alude a un discurso solitario, autorreferen-cial, personal, donde se mezclan ideas que pretenden la unidad sin estructuras racionales previas, a modo de rapsodia improvisada o de mosaico, a veces caótico, a veces de regusto neoclásico, siempre con el hilo conductor del saxo soprano solista comentando el devenir musical orquestado en la parte electroacústica.

De su obra Entre la realidad y el deseo 2 (2011) su autor Alberto Carretero comenta: “ El poeta sevi-llano Luis Cernuda fue capaz de poetizar esa tierra (o desierto) de nadie que limita al norte con el frío inhóspito de la realidad, y al sur con los soles fingidos del deseo. La obra que van a escuchar se mueve en el fino abismo que separa ambos universos. Se basa en un fondo estático de sonidos gélidos, que interactúa con figuras de gran movimiento interno, las cuales escapan de esta prisión en una especie de lucha que representa al drama del creador, quien debe balancearse sobre este abismo al producir una obra nueva”.

Metapoeisis (I) (2011) (Metapoesía) es un término que designa a aquellas obras en las que el tema de la poesía es la propia poesía. Metapoesía ( metasonido) es para su autor, el compositor Eneko Vadillo, ¨ lo que está o lo que se encuentra más allá de la poesía ¨. La propia palabra, su sentido interno o la frase, cobra sentido independiente y goce en su significado y metasignificado…..Todo ello, en términos musicales, se puede ver en la estructura de la parte electroacústica de la pieza…los elementos primige-nios, como el aire, sonido eólicos, y slaps de todo tipo de calidades, crean un sentido constructivo, un poesía mas allá del sonido, a través de transformaciones progresivas que nos llevan una sección donde aparecen otro tipo de exploraciones poéticas sonoras con medios que no son temáticos: multifónicos y armónicos complejos. La pieza finaliza con una síntesis de todos los elementos anteriores, creando una estructura en arco, pero asimétrica e irregular, hiperbólica.

La obra de Andrés Lewin-Richter Secuencia XVI (2006) está dedicada al saxofonista Daniel Kientzy, quien animó al compositor a escribirla. Utiliza en la parte de la cinta muestras instrumentales grabadas de las distintas posibilidades sonoras de la familia de los saxofones. Insertada dentro de la serie de Secuencias, posee un concepto de la libertad de expresión, donde la cinta sirve de inspiración para la interpretación, sin necesidad de un ritmo fijo. Los sonidos percusivos en la cinta crean una ficción de ritmo y energía, pero en realidad son puntos de referencia para el saxofonista.

Chymish (2005) de Héctor Parra fue estrenada por Maria Bernardette Charrier en la Quincena Musical de San Sebastián. La obra presenta algunos de los rasgos que definen la obra del compositor, vigor expre-sivo y riqueza tímbrica. Del mismo modo a lo largo de la pieza se produce una densificación progresiva de las texturas a partir de líneas fluidas y ligeras , apoyada por la aportación de la electrónica.

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Viernes, 23 de marzoLucjan Lucpiano

Programa:

I

Drei Klavierstücke Op. 11 Arnold Schönberg

Variations Op. 27 Anton Webern

Suite Op. 25 Arnold Schönberg

II

Préludes pour piano Olivier Messiaen

Lucjan Luc

Nacido en Jaroslaw (Polonia). Realizó los estudios superiores de piano y de música de cámara en la Academia Superior de Música Karol Szymanowski de Katowice, donde obtuvo Premio Fin de Carrera y Diploma de Honor, con el célebre maestro Andr-zej Jasinski y con el reconocido pianista y compo-sitor Eugeniusz Kanapik, personalidades que han influido de forma decisiva en su formación pianís-tica y musical.

Lucjan Luc

Durante el término de sus estudios superiores ob-tuvo el Primer Premio para jóvenes pianistas en el XXIV Festival de Piano de Slupsk (Polonia), realizó numerosos conciertos como solista y recitales de música de cámara en Polonia, Reino Unido y Por-tugal, y trabajó como pianista acompañante en el Teatro de la Ópera de Bytom (Polonia).

En su actividad como solista destacan los con-ciertos realizados con la Orquesta Filarmónica de Katowice (Concierto nº 3 de L. van Beethoven), con la Orquesta Clásica de Oporto (Concierto nº 1 de Chopin) y con la Orquesta Metropolitana de Lisboa (Concierto en Re m de J. S. Bach, Con-cierto para piano y orquesta de cuerda de H. M. Górecki, Concierto en Las m de I. J. Paderewski y la 4ª Sinfonía de K. Szymanowski).

Ha sido asistente del director Ivo Cruz en el IX Festival Internacional de Música de Macao (China). Participó en varias ocasiones como pianista invi-tado en los Encuentros de Música Contemporánea junto con la Orquesta de la Fundación Calouste Gulbenkian y bajo la batuta de directores como Michael Zilm y Emilio Pomarico.

En el marco de colaboración con la Orquesta Me-tropolitana de Lisboa ha realizado más de doscien-tos recitales como pianista de cámara en numero-sos teatros, auditorios y salas de conciertos de la geografía portuguesa. Asimismo, ha desarrollado una amplia actividad como pianista acompañante de solistas de la Orquesta de la Fundación Calous-te Gulbenkian, y de la soprano Ana Madalena Mo-reira con la que ha grabado un disco de canciones de compositores portugueses.

Ha realizado colaboraciones como pianista invita-do con la Orquesta de Extremadura y con el Coro de la Universidad de Extremadura. En el marco del Festival Ibérico de Música y de los ciclos musica-les organizados por la Sociedad Filarmónica de Extremadura, ha realizado numerosos recitales de cámara con el Cuarteto Atlas, la soprano Carmen Solís, el saxofonista David Alonso, el violinista Du Xuan y con el clarinetista Johannes Peitz, entre muchos otros. Ha ofrecido recitales de cámara junto al violonchelista Jian Wang (1998) y también junto al saxofonista David Alonso (2008) en el Pa-lau de la Música de Valencia.

Recientemente ha realizado un concierto junto a la soprano Susana Jannes y al saxofonista David Alonso dentro del Ciclo de Primavera del Conser-vatorio Superior de Música de Córdoba, y un re-cital dentro del IX Festival de Piano Rafael Orozco de Córdoba, referido en la crítica del ABC, 15 nov 2010. La seriedad de Lucjan Luc: “La presencia del pianista polaco afincado en España no pudo ser más estimulante, empezando por la elección de un extenso repertorio de todo punto fascinan-te… este trabajo terrible técnicamente encontró en las manos de nuestro solista el excelente vehículo para transmitir sus alambicadas texturas, desgra-nando con su enorme conocimiento del medio las infinitas sutilezas y contrastados cromatismos de una partitura altamente peligrosa. El virtuosismo, el color y la fantasía conformó un cóctel que encan-diló a los allí presentes, quienes con su calurosa ovación obligaron a salir a saludar en numerosas ocasiones a nuestro pianista…”

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Notas al programaDrei Klavierstücke, Op. 11 es un conjunto de tres piezas para piano solo, escritas por el compositor vienés Arnold Schoenberg, líder de la llamada Segunda Escuela de Viena, adscrito a la corriente del Expresionismo musical e inventor del dodecafonismo. Las dos primeras, escritas en febrero de 1909, son consideradas el punto en el que la obra del compositor se lanza a la experiencia de la atonalidad. El término expresionismo es especialmente pertinente cunado se aplica a la tercera de las piezas, escrita en agosto del mismo año, debido a la violencia emocional de su lenguaje que yuxtapone estados de ánimo y dinámicas extremos, a la búsqueda de una obediencia cada vez más directa a las motivaciones del espíritu.

Quince años más tarde, en 1924, enfrascado el compositor en el desarrollo del método dodecafónico, escribe la Suite Op. 25, en la que este nuevo procedimiento de composición se aplica rigurosamente, convirtiéndose así en una de las obras más abstractas y estrictas que escribiera Schoenberg. Efectiva-mente las piezas contienen dificultades de carácter excepcional para el pianista y son de una compren-sión delicada para el público. En realidad, son verdaderos resúmenes de posibilidades nuevas y pueden considerarse como clásicas en la técnica de los doce sonidos.

Anton Webern fue uno de los dos discípulos más queridos por su maestro Arnold Schoenberg. Él es uno de los responsables de que el dodecafonismo schoenbergiano derivara en la técnica serial que, como procedimiento de composición, está presente en sus Variations, Op. 27. Weber, un autor con una obra muy reducida debido a que murió muy joven, a que tuvo un trabajo muy intenso como director de orquesta y a que practicó un estilo de composición muy conciso y minimalista, fue condenado al ostra-cismo en la etapa del ascenso del partido nazi, lo que le valió perder su actividad de director. Esto dejó más tiempo al compositor para escribir música, y es en el año de 1936 cuando escribe la única obra para piano solo que fuera publicada por el compositor y a la que asignara un número de opus.

El compositor francés Olivier Messiaen escribió en una edad muy temprana sus Préludes pour piano, entre 1928 y 1929 cuando tenía veinte años y era aún un estudiante. Por mucho que estos preludios tengan su raíz en el impresionismo de Debussy, son claramente la obra de un pensador original que habla con una voz distintiva. Messiaen escribió los preludios poco después de la muerte de su madre y los caracterizó como una colección de sucesivos estados de ánimo y sentimientos personales. Si bien todo el conjunto está bañado por un aura de melancolía, cada uno en sí mismo muestra una perso-nalidad distinta, y no todas están desconsoladas,, también hay momentos de serenidad, optimismo e incluso desafío. El lenguaje del compositor es sobre todo delicado y de tonos suaves, pero cargado de profundidad emocional y musical.

Lucjan Luc, Viernes 23 de marzo

Sábado, 24 de marzoSisco Aparici & Vincent Gómez(Solistas TDM)percusión y electrónica

Programa:

ITiempo de Nô (2008) Enrique Sanz Burguetecaja clara y electrónica en tiempo real

Sombras luminosas (2008) Voro Garcíamultipercusión, steel drum y electrónica

La Celeste (2006) José Manuel Lópezvibráfono, video y electrónica

II

Setting Patch 2.0 (2012) Vicent Gómez y Sisco Aparici

Percusión y entorno Max/MSP

Attaca (1986) Ivo Malecmultipercusión y electrónica

TDM_Trío De Magia, nace en Junio de 2007 cuan-do tres intérpretes con experiencia internacional en diferentes disciplinas instrumentales son solici-tados con motivo de la celebración de un concier-to monográfico del compositor Mauricio Sotelo en la “III Mostra Internacional de Música Contempo-ránea de Sueca” (Valencia). En éste interpretan, entre otras, la pieza De Magia, marcando el punto de partida de este proyecto que despierta interés por parte del público, compositores y crítica.

TDM posee un amplio repertorio de obras de com-positores de los siglos XX y XXI, entre ellos Toshio Hosokawa, Wolfgang Rihm, José Manuel López, Helmut Lachenmann, Stefano Gervasoni, Mauri-cio Sotelo, César Camarero, David del Puerto… además de haber estrenado numerosas obras de compositores de prestigio internacional que han visto en esta formación un medio ideal de plasmar sus creaciones.

Los componentes de TDM compaginan la faceta interpretativa del grupo, con la de solistas de sus respectivos instrumentos, siendo colaboradores habituales en Orquestas y Ensembles Internacio-nales. Además, todos han realizado grabaciones y publicaciones en CD.

En el plano pedagógico imparten clases y cursos de perfeccionamiento en diversos conservatorios y centros superiores a nivel nacional e internacional.

Sisco Aparici & Vincent Gómez

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Sisco Aparici

Nacido en Aielo de Malferit (Valencia), obtuvo las máximas calificaciones en los conservatorios don-de estudió como Zaragoza, Valencia, Castellçón, Barcelona, Oporto y Estocolmo

Su carrera como percusionista profesional se basa especialmente en la faceta de solista versátil de-dicado a la música contemporánea y a las últimas vanguardias. Realizando diversos recitales en im-portantes salas de Europa, y Sudamérica.

Su experiencia en la música contemporánea tam-bién lo ha llevado a tocar con ensembles como Remix Ensemble (Portugal), Drumming grupo de percussao (Portugal), Plural Ensemble (España), Smash Ensemble (Francia-España), Espai Sonor Ensemble (España), Duo Narciso (España-Suiza), NEXEnsemble (España), Equilater Ensemble (Es-paña), Bcn 216, Grup instrumental de Valencia…

Ha estrenado más de 60 obras en las que desta-ca: comment subdiviser les regards (6 coblas unis-sonans) de José Luís Torá, Cantos de Adriàn Bo-rredà, Saltanah de Enrique Sanz Burguete. El Misterio del agua de Jesús Torres, Argos de Jesús Torres, Cenizas de José Minguillón, Tangencias de Iñaki Estrada, La Celeste de José Manuel López, Cantos II de Adriàn Borredà, Sombras Luminosas

de Voro García, quehacer del tacto full of mirrored-ness de José Luis Torá.

Entre su repertorio figuran obras de compositores como Brian Ferneyhough, Raphael Cendo, Ro-ger Reynolds, Helmut Lachenmann, Gerard Gri-sey, Mauricio Sotelo, Salvatore Sciarrino, Bruno Mantovani, Iannis Xenakis, Jesús Torres, Philippe Hurel, José Luis Torá, José Manuel López, Josep Sanz, Martin Matalon, Héctor Parra…

Entre su discografía aparece: “UNREAK:SIDEWALK CARTOON”, “PRIMARY COLORS”, “FIGURES DE RESSONÀNCIA”, “MÚSICA PRESENTE”, “queha-cer del tacto”, “PERCUSIÓN ESPAÑOLA 2001-2010”.

Profesor invitado en el conservatorio superior de Pamplona y de Palma de Mallorca Actualmen-te toca con el trio DE MAGIA, Smash ensemble, Espai Sonor ensemble, NEXEnsemble, Equilater ensemble e Interelectródic, además de sus nu-merosos recitales a solo, imparte masterclass en diversos conservatorios por toda Europa. Es director artístico de NEXEnsemble, la academia permanente NEXEnsemble, y de la academia in-ternacional TDM-NEXEnsemble.

Sisco Aparici & Vincent Gómez, Sábado 24 de marzo

Vicent Gómez Pons

Compositor e interprete de música electroacús-tica, nacido en 1961 en Sumacárcer (Valencia), es Titulado Superior en Trompa, Musicología y Composición por los Conservatorios Superiores de Música de Madrid y Valencia. Ha estudiado Música Electroacústica y Composición Asistida con Ordenadores en el LEA -Laboratorio de Músi-ca Electroacústica del Conservatorio Superior de Música de Valencia con Leopoldo Amigo y Gabriel Brnic. Entre otros talleres y cursos, ha participado en: Taller MaxMSP Tecnología de Sensores en el entorno compositivo, impartido por Ricardo Cli-ment y Taller de Art-Acció-Instal.lacions y Siste-mas Interactivos en el Arte, impartido por Stefano Scarani.

Entre 1983 y 1984 fue trompa solista de la Orques-ta Nacional de la República Dominicana y Profesor del Conservatorio de Santo Domingo. Ha imparti-do clases de Informática Musical en la Facultad de las Artes de Altea (Universidad Miguel Hernández) y en el Laboratorio de Arte Joven de Murcia. Ha participado, como músico electrónico, en diversos festivales de música contemporánea.

Es miembro del “Ensemble Espai Sonor”, de los dúos “DSP-Percussió” e “Interelectròdic” y miem-bro colaborador de KonArt Group y Trío de Magia

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Notas al programaTiempo del NÔ (2008) está dedicada a Sisco Aparici,. Es una repre-sentación de la filosofía del tiempo del nô, adaptada a un instrumento clásico occidental como es la caja clara, con electrónica en tiempo real.

Sombras luminosas (2008) es una obra que el compositor valencia Voro García dedicó a Sisco Aparici, quien la estrenó en el III Festival Smash en Salamanca un año más tarde. La percepción sonora, así como la concepción espacio temporal por repetición y economía de medios, son los principios constructivos básicos del discurso sonoro de esta pieza. Diferentes estadios de desarrollo tímbrico del mismo material, con repe-tidas articulaciones de un breve gesto sonoro, pondrá en relieve un en-tramado sonoro que poco a poco, con una estructura formal en espiral, nos conducirá hasta una disolución de éste.

La Celeste (2006) es una creación del compositor madrileño José Ma-nuel López López y el videoartista Pascal Auger, inspirada en Las ciuda-des invisibles de Italo Calvino. “Esta pieza puede entenderse como un paso decisivo en una trayectoria estética, compartida desde mediados de los años noventa, en que ambos creadores han asumido de forma natural las nuevas vías técnicas de expresión sonora y visual, bajo la convicción absoluta de su necesaria aplicación al lenguaje artístico con-temporáneo”. (Pedro Ordóñez Eslava)

Acerca de Attaca (1986), su autor el compositor francés Ivo Malec co-menta que “había compuesto una docena de minutos de cinta magné-tica, una secuencia con la cual la obra tenía que empezar. Pero algo me molestaba. Esta secuencia se había vuelta enorme y muy monolítica, no podía ni cortarla ni cambiarle nada. De hecho, la escuché un montón de veces, pasé días enteros con ella, intenté tratarla por la escritura de la percusión para al fin descubrir y concluir, que esta secuencia no tenía que ser el principio de la obra sino su final”. Este modo de trabajo es característico de su obra. “Hoy sé que no hubiera sido posible llegar a esta conclusión sin emplear este método interrogativo frente al material y la forma. En este caso permitió que, de repente, lo obvio surgiera y que el orden de las cosas se organizara…”

Sisco Aparici & Vincent Gómez, Sábado 24 de marzo

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