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GRUPOS Y PROGRAMAS [por orden alfabético]

(H)UTOPIA Canto al aire (Lieder para flauta y piano)

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ABDU SALIM IN TRÍO Temas de Abdu

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ACCADEMIA DEL PIACERE J. S. Bach. Memorias de Leipzig (1723-1750)

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AMINEH De Üskudar a Tanger (Músicas del Mediterráneo y del Cercano Oriente)

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AXABEBA Collage Medieval

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BRIGADA BRAVO & DÍAZ Músicas populares de la Guerra Civil

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CARAVASAR + IMÁN KANDOUSSI Muwashahat de la voz mediterránea

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CECILIA LAVILLA BERGANZA + MIGUEL ITUARTE Chopin, Schumann, Albéniz (Recital lírico)

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CÉSAR CARAZO + LUIS DELGADO Música de las Tres Culturas en la España medieval

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CUARTETO CELLIBERIA Del Barroco al siglo XX

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DAN KAPLAN & KROOKED TREE Retratos americanos

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EL CORTESANO Sevilla 1546: la música de Alonso Mudarra

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FEDERICO LECHNER Improvisando sobre Chopin

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FRANCISCO BERNIER De Mudarra a Sanz, de Tárrega a Albéniz, entre Sors y Chopin

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GUILLERMO PEÑALVER + ALEJANDRO CASAL + JUAN CARLOS RIVERA Un Concert Royal. Música para el Rey Sol

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JORGE JIMÉNEZ + SILVIA MÁRQUEZ Schumann 1850 (Sonatas y romanzas para violín y piano)

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JOSÉ LUIS PASTOR + ERNESTO SCHMIED Música nel Castello

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JUAN SANCHO + ENRIQUE SOLINÍS Seguidillas, caprichos, Lieder y Bel canto (Panorámica del arte lírico europeo de inicios del S. XIX con acompañamiento de guitarra)

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LA RITIRATA-JOSETXU OBREGÓN Hispaniae musica: Al servicio de reyes y nobles

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LE VIOLE STACCATE Vihuelas de mano, vihuelas de arco

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LILA HOROVITZ + ARIEL HERNÁNDEZ Contra-bando (Nuevo tango)

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LOOKING BACK - ANDREAS PRITTWITZ Los preludios de Frederic Chopin

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LOOKING BACK - ANDREAS PRITTWITZ El Barroco: Gaspar Sanz y sus contemporáneos

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LLUÍS COLOMA + MINGO BALAGUER Blues & Boogie Woogie Piano

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LLUÍS COLOMA TRÍO Blues & Boogie Woogie Piano

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MARIVÍ BLASCO + JUAN CARLOS RIVERA ¡Ay, Amor! La música en tiempos de Velázquez

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MARTA INFANTE + MANUEL VILAS Ausente de tus ojos (Homenaje musical a Diego de Velázquez)

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MILLENIUM ARTS ENSEMBLE Kapustin entre Schumann y Chopin

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MORE HISPANO The New Hunt Is Upp (Improvisaciones sobre grounds del Renacimiento inglés)

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MYTHOS Organa nova (Fusión flamenco)

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QUARTI TONI From Dufay to The Beatles

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RAMI ALQHAI + AARON ZAPICO Siempre Bach

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SALVADOR GUTIÉRREZ Vivencias

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SBO-ZOS Flamenco tántrico

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SEGUNDO FALCÓN Esencias Sonoras

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SHEELA NA GIG Bed and Breakfast

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VERA ANÓSOVA + CLAUDIO BARAVIERA Romántico (200 años con la música de Chopin y Schumann)

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WAFIR África

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ZAPPING Sin fronteras… De J.S. Bach a Frank Zappa

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ZEJEL La memoria de Oriente

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(H)UTOPIA Francesco Manna flauta travesera | Juan Antonio Sánchez de la Torre piano El recital Canto al Aire explora las posibilidades tímbricas y expresivas de la flauta y el piano en un repertorio de adaptaciones instrumentales de piezas vocales del siglo XIX. Un homenaje musical para el aniversario de R. Schumann y del “último romántico” G. Mahler con una de sus obras más conocida, el Adagietto de la 5ª Sinfonía. El proyecto (H)utopia nace del encuentro del flautista italiano Francesco Manna y del pianista cordobés Juan Antonio Sánchez de la Torre, dos artistas poliédricos que se mueven en territorios musicales diferentes tanto en el clásico como en el flamenco y el tango. (H)utopia se presentó en la edición de 2007 de Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, obteniendo un gran éxito de público y de crítica. Programa Canto al aire (Lieder para flauta y piano) | Aniversarios de G. Mahler y R. Schumann

R. SCHUMANN (1810-1856), Tres Romanzas Nicht Schnell Einfach

G. ROSSINI (1792-1868), La Danza: Tarantella Napolitana

G. MAHLER (1860-1911), Songs of a Wayfarer The day of my darling's wedding I have a glowing dagger The two blue eyes

F. BORNE/G. BIZET (1838-1875), Carmen Fantasy

G. MAHLER, Adagietto 5ª Sinfonia

G. PUCCINI (1858-1924), Suite Tosca Músicos

Francesco Manna Pésaro, Italia, 1970. Estudia flauta travesera en el conservatorio de su ciudad con el Mº Albino Mattei licenciándose en 1989 con premio fin de carrera. Fue primer premio en el Concurso Internacional para Jóvenes Músicos “Città di Stresa”, en la categoría solistas. Ha colaborado con las orquestas sinfónicas de Sanremo, de Pésaro, la Filarmónica Marchigiana, la orquesta del teatro municipal de Bologna y ha participado en distintos eventos de relevancia internacional, tales como el Rossini Opera Festival de Pésaro. Ha actuado, además que en toda Italia, en Francia, Alemania, Latino America y España, en colaboración con artistas como Bruno Tommaso, Richard Galliano, Simone Zanchini, Antonio Serrano y Pablo Martín entre otros. Desde 1993 es flautista del Grupo Instrumental NoviTango. Con esta agrupación realizó giras por toda Europa y Latinoamérica. Actualmente reside en Sevilla donde desarrolla su actividad artística con distintos conjuntos como Praça Onze y (H)utopia además de colaborar en varios proyectos en el mundo del flamenco grabando con artistas como Manolo Franco, José Antonio Rodríguez, Niño de Pura, Manolo Paradas entre otros. Ha grabado para las casas musicales Oriente Musik, Amiata Records, Harmony Music, DNA, Zanfoñamusic y la radio nacional italiana RAI 3.

Juan Antonio Sánchez de la Torre Córdoba, 1981. Es diplomado en magisterio por la especialidad de música y titulado superior de música en la especialidad de piano, finalizando la carrera con el catedrático Juan Miguel Moreno Calderón en el Conservatorio Superior de Córdoba. En el año 2005 debuta en el Gran teatro de Córdoba, en el VIII Cordobán flamenco con gran acogida por parte del público y crítica. En ese mismo año presenta, junto al guitarrista “Niño Seve”, el espectáculo “Bordón y Marfil”. Actúan en 2006, en el Festival de la guitarra de Córdoba. Participa en el espectáculo “Esencias”, así como en el Festival Granadino “El Corral del Carbón”. Graba el cd “Música y palabras” así como otro de villancicos de Ramón Medina. Sus composiciones son seleccionadas para el anuncio publicitario de La Noche Blanca de Córdoba en 2008. En el I ciclo de piano flamenco del XII Festival Flamenco de Jerez obtiene el premio a la mejor composición por la soleá por bulerías “A los Viejos”. Lo que ha dicho la prensa:

(…) Desde la Danza de los espíritus felices del Orfeo ed Euridice de Gluck hasta el archifamoso E lucean le stelle de Puccini, todo el programa fue como un sentido homenaje a la melodía y a su capacidad de asentarse en lo más profundo del corazón. En un anónimo divertimento sobre motivos del Guillermo Tell de Rossini, Manna mostró un absoluto dominio de los recursos del instrumento, especialmente en el uso del staccato, en el control del fiato y en la pureza y belleza del sonido. Con la nada fácil fantasía sobre Carmen de Borne el flautista pesarés ofreció una auténtica exhibición de virtuosismo y, a la vez, de musicalidad, mostrando que los recursos técnicos deben estar siempre al servicio de la expresividad y no al margen de la misma. La pureza de la línea de canto y la cantabilidad del fraseo fueron la dominante en la página de Gluck, en la que consiguió no caer en lo relamido e indagar en la profunda poesía de esta música.(…) Con la colaboración más allá de lo correcto del piano, que supo extraer las posibilidades del rubato en E lucean le stelle, o las del lenguaje más jazzístico de la fantasía sobre La fanciulla del West, Manna realizó versiones muy idiomáticas y de una enorme carga expresiva de las páginas de Puccini... | ANDRÉS MORENO MENGÍBAR | DIARIO DE SEVILLA 24.08.2008


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ABDU SALIM in TRIO Abdu Salim saxos tenor y soprano | Daahoud Salim piano | Mariano Valdayo bajo Puede que para algunos sevillanos Abdu Salim sea hoy en día un desconocido, y sin embargo su vida en Sevilla supuso un hito importantísimo en el devenir del jazz en nuestra ciudad, fundamentalmente, y en España, entre 1983 y finales de la década de los noventa, cuando trasladó su residencia al sur de Francia. Todavía recuerdo la primera vez que lo vi tocar, allá por el otoño del 83, en el “Be-Bop”: era como escuchar a Coltrane fuera de los discos, algo sorprendente para el incipiente jazz que se hacía esos años en nuestra ciudad. Participó en varias ediciones del extinto Festival Internacional de Jazz de Sevilla entre 1984 y 1995. Con dos premios “Dexter Gordon Awards” del programa de TVE “Jazz entre amigos” y otro más de Radio Cadena Pop de RNE, Abdu Salim es un músico que hizo historia en Sevilla, sin conseguir el suficiente reconocimiento a su gran labor artística y docente: fundó la primera escuela de jazz de Andalucía. Y ahora vuelve a Sevilla, a esta actividad, para tocar junto a su hijo Daahoud, nacido hace veinte años en nuestra ciudad, un prometedor pianista de música clásica y de jazz. Junto a ellos también estará Mariano Valdayo, uno de los fieles seguidores de Abdu en España. Programa Temas de Abdu Músicos

Abdu Salim Gilmer (Texas), 1950. Tenía la edad de cuatro años cuando empezó a tocar el piano. Acabando el instituto, en 1968 ya había actuado tocando diversos instrumentos en la banda escolar y cantado en varios coros. Fue en este mismo año cuando accedió a la Texas Southern University en Houston, donde conoció y entabló amistad con Arnet Cobb. También colaboró con Johnny Copland y Joe Turner. Entre 1970 y 1978 estuvo en la marina de los EE. UU., como técnico de radar, período durante el cual estuvo limitado a tocar en locales cercanos a la base en la que residía. En 1979 regresa a Texas donde estudia armonía clásica, saxo, flauta y armonía jazzística. Entre 1979 y 1983, trabajó en la armada estadounidense como profesor de teoría musical y educación auditiva en la Navy School of Music en Norfolk. Formó su primer grupo de jazz, Freedom Jazz Band, con el baterista Jae Stinnet. En 1981 residió en Korea donde dirigió la edición koreana de F.J.B., que fue el grupo nº1 en el país durante ese año. Allí grabó para numerosos shows tanto en radio como en televisión, y su grupo trabajaba en clubes de Seúl cada noche. Fue en este período cuando escribió su primera composición, Una Rosa sin Espinas, canción que sería grabada por John Hicks en el álbum Two of a kind. En 1983 Abdu regresa a Norfolk para cerrar su contrato en la armada. Mientras tanto actuó con John Hicks, Frank Foster, Jae Stinnet, Billy Taylor, Billy Drummond, Steve Wilson y otros. En el verano de este mismo año llega a Sevilla, con cuatro composiciones escritas. Dos años más tarde se podían contar veinticuatro. Fundó la primera escuela de jazz de Andalucía y actuó en numerosos conciertos con otros músicos europeos y americanos. Actuó en España y sur de Francia con Billy Brooks, Lou Bennet, Lou Donaldson, Lonnie Smith, Idris Muhammad y otros. Desde 1987 fue el saxofonista del organista Lou Bennet. Ha recibido premios como el de Radio Cadena Pop, dos “Dexter Gordon Awards”, del programa de TVE Jazz entre Amigos (uno para su cuarteto, y otro para él como solista). Entre sus últimas composiciones se encuentra Blue Jae, que fue grabada en el CD The Harper Brothers. También encontramos tres de sus temas en el último CD de Lou Bennet, grabado en Barcelona con Idris Muhammad como percusionista. También ha tocado con Billy Hart, Greg Handy, Slide Hampton, Ellis Marsallis, Allain Jean-Marie, Phillipe Harper y Franck Lacy. También es bien conocido en Francia y Bélgica. Es un músico con una amplia variedad de experiencias que recoge, unifica y proyecta en cada actuación. Ha tocado R&B, rock y ha participado con orquestas sinfónicas, como la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, grupos de country y western y coros de góspel. Durante su estancia en España colaboró con el grupo de rock Imán. Mariano Valdayo Sevilla. Comienza su andadura musical a temprana edad con la guitarra flamenca. Tras realizar estudios en el Conservatorio de Música de Sevilla, conoce al saxofonista tejano Abdu Salim quien lo introduce en la música de jazz, sin apartarse de otros estilos como la música latina o brasileña. En esos años, amplió conocimientos de teoría musical y armonía moderna con, Kenny Burrell, Cedar Walton, Ralph Moore, Dave Williams y Billy Higgins, entre otros. En el año 2001 creó la Asociación Cultural Amijazz, organizando el Festival Internacional de Jazz de Ciudad Real, Real-Jazz, durante las dos primeras ediciones. En 2008 ganó el 1º Premio del Concurso Audiciones, con el grupo Mariano Valdayo Quinteto organizado por la Fundación Canal. Ha trabajado con distintas formaciones como: Continental Latin Group, Lou Bennett Quartet, Abdu Salim Quintet, Mariano Valdayo Jazz Trio, Tecur Abeba Group y W.O. Jazz Trio, Sevilla Big Band, Orquestas Sinfónica de Sevilla, etc. Ha colaborado y actuado con músicos como: Abdú Salim, Lou Bennett, Manuel Machado, Chano Domínguez, Javier Colinas, Joshua Edelman, Tito Alcedo, Richie Ferrer, Nirankar Kalsha, la Orquesta Sinfónica de Sevilla, Elmer Bernstein, Nyck Rayne, Raphael, Carlos Cano, etc. Ha actuado en festivales como: el Festival de Jazz de Toledo (agosto 2008 y noviembre 2005), el III Festival Internacional de Jazz, (Ciudad Real 2003), la IV Semana de Jazz Caja Ávila (otoño cultural 2002), I Festival Internacional de Jazz, (Ciudad Real 2001), el Festival de Teatro Clásico de Itálica (Sevilla), el V Festival Internacional de Jazz de Sevilla (Lou Bennett Quartet), el IV Festival Internacional de Jazz de Sevilla (Abdú Salim Quintet), el Ciclo de Música de Cine dirigido por Nick Rayne (Orquesta Sinfónica de Sevilla - Teatro de la Maestranza), el Ciclo de Música de Cine dirigido por Elmer Bernstein (Orquesta Sinfónica de Sevilla - Teatro de la Maestranza). Ha tocado en distintos clubes de jazz como: el café jazz Populart, el club de jazz Continental, el club de jazz Whiskye Jazz, La Boite, Desafinado, Cava Corrillo, Café Noites, etc. Ha grabado la Banda sonora de la película Dime una mentira, del director Juan Sebastián Bollain, y el disco Blue Sax Jazz en los Estudios Sonido de la Costa (Málaga). Actualmente combina las actuaciones musicales con la labor pedagógica.


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Daahoud Salim Nace en Sevilla en 1990 en un hogar con una fuerte actividad musical. A los cuatro años de edad, recibe sus primeras clases de piano y lenguaje musical, impartidas por su padre, Abdu Salim. Accede al Conservatorio Profesional de Música Cristóbal de Morales de Sevilla en el año 2000. En 2003 supera la prueba de acceso a Grado Medio, donde comienza sus estudios profesionales con D. Juan Olaya. En 2006 es seleccionado por la Orquesta Joven de Adalucía, en la que recibirá clases de Iván Macías, William Fong y María Floristán entre otros , y de la que aún es miembro. Este mismo año, ganó la Beca Casa Catalunya honor a Mª Teresa Guardia Vidal, por la interpretación de obras de Beethoven y Liszt, y fue premiado por ello con un recital en el auditorio del edificio Manuel de Falla, en Sevilla. Ha dado diferentes recitales de piano en diversos institutos y colegios, como es el Colegio Mayor Guadaira o el instituto San Isidoro, así como conciertos de repertorio contemporáneo para piano solo en conservatorios de Sevilla y Jerez. Ha realizado conciertos con la O.J.A. en diversos teatros como el Cánovas de Malaga, o el Maestranza en Sevilla bajo la batuta de Michael Thomas y Arturo Tamayo, y con el Joven Coro de Andalucía. En 2009 realiza bajo la dirección de Michael Thomas una colaboración con Miguel Poveda. En piano clásico, ha recibido clases y consejos de Vladimir Tropp, Ana Guijarro, Pavel Nersessián, y Horacio Gutiérrez, entre otros; en piano jazzístico, a recibido clases de Luis Perdomo y Aaron Goldberg, y consejos de Miguel Zenón en cuanto a conjunto jazzístico. Actualmente estudia con Ángel Sanzo en el Conservatorio Superior de Badajoz.


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ACCADEMIA DEL PIACERE

Fahmi Alqhai quinton | Rami Alqhai viola da gamba bajo, quinton | Johanna Rose viola da gamba bajo El hecho de que Johann Sebastian Bach decidiera dejar su trabajo como Kapellmeister en Köthen y cambiarlo por un puesto de Kantor, mucho menos remunerado y con menos recursos musicales, en Leipzig y que su reciente esposa, Anna Magdalena, se viera obligada a abandonar su profesión de cantante que poseía en esa ciudad y hacerse una nueva vida pegada a su marido, resulta hoy todavía incomprensible para muchísimos estudiosos de la vida del célebre compositor alemán.

Es indudable que las páginas más elevadas y profundas del organista de Eisenach fueron escritas en Leipzig: El Arte de la Fuga, La Misa en Si menor, Las Variaciones Goldberg, La Ofrenda Musical, Las Sonatas para violín y cembalo, entre otras muchas, constituyen el grueso de la composición más refinada y característica de Bach.

Una de las creaciones menos conocidas y más curiosas que escribió Bach en ese período, fueron las Sonatas a trío para órgano. En este programa se tocarán dos de las más emblemáticas y brillantes de las que compuso y que servirán como apertura y cierre del concierto. Estas trío sonatas enmarcarán el contrapunto VIII del Arte de la Fuga a tres y 14 variaciones de las que Bach compusiera sobre un Aria y las dedicara a Hermann Carl von Keyserlingk, conde de Dresde, para que su cembalista Johann Gottlien Golberg las interpretara en las horas de insomnio de su señor.

Programa J. S. Bach. Memorias de Lepzig (1723-1750)

Trio Sonata nº 3 d-moll, BWV 527 Andante Adagio e dolce Vivace

14 variaciones sobre un Aria (Variaciones Goldberg) BWV 988

Trio Sonata nº 6 G -dur BWV 530 Vivace Lento Allegro

Músicos

Fahmi Alqhai Sevilla, 1976. Está considerado como uno de los jóvenes intérpretes de viola da gamba y de música antigua más prestigiosos y brillantes de su generación. De padre sirio y madre palestina pasa sus primeros 11 años de vida en Siria (Homs) donde comienza su formación musical a muy temprana edad de manera autodidacta. Más tarde estudia en Conservatorio Manuel Castillo de Sevilla (Ventura Rico), Schola Cantorum Basiliensis (Paolo Pandolfo) y Conservatorio della Svizzera Italiana (Vittorio Ghielmi). Ya en 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la viola da gamba, sus versiones de las sonatas de viola da gamba y clave obligado de Johann Sebastian Bach han tenido en todas sus actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la crítica especializada. Es cofundador, junto a la soprano Marivi Blasco, y director del grupo Accademia del Piacere especializado en la interpretación del repertorio musical del siecento italiano así como el de la viola da gamba y considerado hoy en día como el grupo con más proyección internacional de la joven generación de grupos dedicados a la música antigua. A pesar de su juventud es requerido por las orquestas y formaciones camerísticas más importantes del panorama nacional e internacional de música antigua, como Hesperion XXI (Jordi Savall), Il Suonar Parlante o More Hispano. Junto a su hermano Rami Alqhai funda en 2008 el sello Alqhai & Alqhai (www.alqhai.com) para autoproducir y gestionar autónomamente los Cds que él, como solista, y Accademia del Piacere han puesto en el mercado en estos dos últimos años y que han sido en este breve período de tiempo discos de referencia dentro del ámbito la música antigua. Su condición de músico inquieto y amante incondicional de este maravilloso arte, la he hecho colaborar habitualmente con prestigiosos músicos de Jazz y de flamenco y también realiza incursiones en el terreno de la música contemporánea. Desde hace dos años es el director artístico del FeMAS (Festival de Música Antigua de Sevilla), probablemente el festival más importante de música antigua en España.

Rami Alqhai Khoury Sevilla, 1980. En 1995 ingresa en el Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo (Sevilla) especializándose en Viola da Gamba. Posteriormente se transfiere en Italia a Milán, donde ingresa en La Accademia Internazionalle della Musica y en Suiza a Lugano, donde Ingresa en el Coservatorio della Svizzera Italiana perfeccionando sus estudios de Viola da Gamba. Ha recibido clases de Viola da Gamba de Ventura Rico, Itziar Atutxa, Marianne Müller, Rainer Zipperlin, Rodney Prada y Vittorio Ghielmi. También ha realizado numerosos cursos de música antigua destacando el realizado anualmente en Béjar (Salamanca). Ha recibido clases de músicos profesores de diversas disciplinas como Xavi Díaz, Juan Carlos Rivera, Antonio Frigé, Lorenzo Ghielmi, Diego Fratelli, Trevor Pinnock, Enrico Onofri, Paolo Rizzi, Kees Boeke, Stefano Montanari, José Vázquez.Pertenece a formaciones musicales con las cuales realiza una extensa labor concertística, entre las cuales se Gruppo Seicento, Alqhai Consort, Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi), Accademia del Piacere (Fahmi Alqhai) , La Correnta (dirigido por Juan Carlos Rivera), Ishbilya Consort, Speculum (Ernesto Schmid) y colabora con grupos de la talla de Orquesta Sinfónica de


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Galicia, Orphenica Lyra (José Miguel Moreno), More Hispano (Vicente Parrilla), Camerata Iberia (Juan Carlos de Mulder), Orchestra Barocca del festival Autunno Musicale (Pierangelo Gelmini), Armoniosi Concerti (Juan Carlos Rivera), Musica Ficta (Raúl Mallavibarrena) entre otros. Ha actuado en los festivales y salas más importantes de España y de Europa. Actualmente realiza y promueve una amplia labor de difusión y de enseñanza de la viola da gamba. Johanna Rose Tubinga (Alemania), 1981. Se inicia muy joven en el estudio del violonchelo. En 2001 emprende los estudios de viola da gamba en la Schola Cantorum de Basilea con Paolo Pandolfo. Desde 2003 prosigue sus estudios con Vittorio Ghielmi en el Conservatorio della Svizzera Italiana de Lugano y, al tiempo, se perfecciona en la sección de Música Antigua de la Accademia Internazionale della Musica de Milán (con los profesores Rodney Prada y Lorenzo Ghielmi). Como solista, desde 2006, junto al pianista Diego Maccagnola, toca en el nuevo trabajo del renombrado coreógrafo-regista Virgilio Sieni “Sonate Bach, di fronte al dolore degli altri”, inspirado en las tres Sonate per cembalo e viola da Gamba de J. S. Bach. Colabora activamente con diversos grupos de música antigua (entre ellos, La Venexiana, Orquesta Barroca de Sevilla, Accademia del Piacere, Musica Prima...), que le han llevado a actuar en importantes eventos de música antigua en toda Europa y Japón. Ha colaborado como solista con la Juilliard Baroque Ensemble y la OCNE (Orquesta Nacional de España). Se ha dedicado también a la música contemporánea, grabando músicas de Kelterborn con el Quartetto di Lugano dirigido por Giorgio Bernasconi. Ha grabado también para la Radio Televisione Italiana (RAI, Concerti del Quirinale), Nord Deutsche Rundfunk (NDR) y la Radio della Svizzera Italiana (RTSI).


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AMINEH

Emilio Villalba lauto, ud, rabel, viola da gamba | Juan Manuel Rubio santur, ud | Chiqui García bouzouki, darbouka, riq, def | Jaouad Jadli voz, darbouka, def, lotar

Amineh interpreta melodías que hombres clandestinos entonaron en los cafés y garitos de los puertos mediterráneos. Üskudar, Pireo o Esmirna son fondeaderos del alma de aquellos músicos errantes que atesoraron en sus ritmos la embriaguez del amor a orillas del Egeo. Cuando la luz del crepúsculo se refugia en los viejos desembarcaderos, bailan los mangues griegos, con la navaja al cinto, a ritmo de zeimbekiko.

En las manos de Amineh, laúdes y bouzoukis, cítaras y bendires desprenden también un aroma a dulce de sésamo, a hoja de menta y a cilantro; Amineh es un rumor suave que alcanza las celosías de los serrallos imperiales, y la algarabía que discurre por Gálata y que se saborea en los muelles y en los bazares de especias.

Amineh es la música, cálida y nostálgica, de las islas mediterráneas. | Joaquin Rodero.

Programa De Üskudar a Tanger (Músicas del Mediterráneo y del Cercano Oriente)

| Año Internacional del Acercamiento entre Culturas

Sherif (Semai) (Trad. Turquia) Syrto Cretense (Trad. Grecia) Khazan (Trad. Iran) Rebetiko Dances (Trad. Grecia) Saba Syrto (Trad. Turquia) Hijaz Longa (Trad. Bulgaria) Jilali (Trad. Marruecos)

Músicos

Emilio Villalba Arreglista, compositor e intérprete. Es maestro de Educación Musical, musicoterapeuta, director y productor musical. Comenzó su andadura musical como pianista de numerosos artistas del mundo del flamenco en diversas giras nacionales e internacionales y en varias compañías músico-teatrales. Su interés por la música antigua, étnica y tradicional le ha llevado a estudiar de forma autodidacta multitud de instrumentos de cuerda antiguos: laúd árabe, cítola, arpa medieval, santur persa, rubab afgano, saz-baglama, viola de rueda... además de iniciarse en la construcción de instrumentos bajo las clases del luthier Jesús Reolid. Pertenece a los grupos Amineh, Aquitania y Mediterránea, entre otros.

Juan Manuel Rubio Jerez de la Frontera (Cádiz), 1972. Multi-instrumentista de orientación esencialmente autodidacta. Su interés por la música antigua, étnica y de corte tradicional le ha llevado a progresar en un inagotable itinerario musical a través de distintos instrumentos: Zanfona, Rabel, Viola de arco, Kemanja, Arpa, Qanun, Baglama, Saz, Oud, Santur, Laúd… Forma parte de grupos como Artefactum, Zejel, Triphony, Amineh, Capilla Antigua de Chinchilla, Capella de Ministrers… Con estas formaciones ha participado en los festivales y espacios escénicos más importantes de música antigua y tradicional del territorio nacional e internacional: Sevilla, Barcelona, Valencia, Granada, Toledo, San Sebastián, Salamanca… Marruecos, Argelia, Túnez, Italia, Alemania, Francia, China, EE.UU., Grecia, Brasil, Cuba…

Chiqui García Montijo (Badajoz). Estudia Guitarra clásica en Sevilla. Ha realizado numerosos cursos de perfeccionamiento con Narciso Yepes, Hopkinson Smith y David Rusell entre otros. En su faceta de guitarrista pertenece al trio Praça Onze. Músico polifacético ha estado siempre abierto a las nuevas tendencias, así como a la tradición de la música oriental, lo que le ha permitido conocer y manejar instrumentos de cuerda y de percusión clásica y popular del Cercano Oriente y el Magreb. Es músico integrante de los grupos Caravasar y Samarcanda, entre otros.

Jaouad Jadli Nacido en Essauira, cuna de la música tradicional Gnawa comienza su andadura profesional a temprana edad participando en bodas y fiestas populares de su ciudad natal. A los 14años forma parte del grupo Nogoom Mogador que se convertirá en uno de los grupos más solicitados de la región. Años más tarde se incorpora a la orquesta del maestro Asan Abd Laoui donde desarrolla su conocimiento de la música clásica árabe y andalusí. En la actualidad reside entre Francia y España donde complementa los conciertos con cursos de percusión oriental.


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AXABEBA

Mª Dolores García canto, percusiones | Alberto Barea canto, organeto, zanfoña Ignacio Gil axabeba, oboe de cápsula, flautas dobles y de pico | José Luis Pastor laúdes s. XIII y XV, cítola, çinfonía de trastes Grupo de referencia en el panorama español de la Música Medieval, AXABEBA ha llevado su inconfundible concepto sonoro de la Música en el Medievo por buena parte de nuestra geografía y países europeos, como evidencia su participación en festivales y eventos como el Winter Festival of Sarajevo (Bosnia-Herzegovina), Semana Medieval de Istres, Marsella (Francia), Festival de las III Culturas de Almada (Lisboa), Festival Internacional Sefardí de Córdoba, Festival de las III Culturas de Toledo, Festival Medieval de Alarcos (Ciudad Real), Festival de Música Antigua de Gijón, Festival de las III Culturas de Murcia, Festival de las III Culturas de Córdoba, Festival “Música & Arquitectura” de Huelva, Festival “Ruta de Al-Mutamid” (Portugal), Gira en Islas Azores (Portugal)… AXABEBA también ha ofrecido clases magistrales, conferencias, artículos en revistas especializadas y workshops sobre Música medieval para entidades como la Sociedad de la Vihuela, Conservatorio “Arturo Soria” (Madrid), Conservatorio “Moreno Torroba” (Madrid), Festival Música Antigua de Gijón, Festival Medieval de Alarcos (Ciudad Real), Conservatorio de Beja (Portugal), Universidad de Huelva (Cursos de verano de Aracena/Festival Música Antigua), Jornadas Medievales de Sta. María da Feira (Oporto)… Este bagaje es el resultado de afrontar el estudio de este periodo de la historia de la Música con criterios estéticos y de interpretación de corte historicista y habiendo profundizado en la recuperación del instrumental medieval en base a los escasos vestigios existentes y a un riguroso estudio de la iconografía.

Programa Collage Medieval

Estampie Royal VII (Anón. s. XIII, Francia) Instrumental A virgen que de deus madre, CSM 322 (Alfonso X, s. XIII, España) Muitas vegadas, CSM 192 (Alfonso X, s. XIII, España) English Dance (Anón. s. XIII, Oxford) Instrumental Caritas abundat (Hildegard von Bingen, s. XII, Alemania) Inperayritz (Llivre Vermell de Monserrat, s. XIV Dança amorosa & Trotto (Anón. s. XIV, Florencia) Instrumental Ecco la primavera (Francesco Landini, s. XIV, Italia) Una matica de Ruda (tradicional sefardí)

Músicos

Mª Dolores García Córdoba. Cursó estudios de canto en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba, con los profesores Carlos Hacar, Carmen Blanco, Mª Ángeles Triana y Yolanda Vigil. Su interés por la Música Histórica, le lleva a realizar cursos de perfeccionamiento técnico e interpretación vocal con Esperanza Abad, Yolanda Vigil (Método “Husler”), Herminio González (Música Medieval), Magda Mendoza, Lucien Kandel, Jill Feldman, Keeps Booke y Lambert Climent. Ha sido integrante de “Ars Musicae” (música medieval gallega) y voz solista de “Selma y Salaverde” (“Cinco Siglos”) con el que obtiene los Premios Nacional de Interpretación del Ministerio de Cultura y de la Ciudad de Córdoba. Ha sido componente del dúo Qurtuba (Medieval y Renacentista), del grupo Arte Factvm (Medieval) y Marcabrú (Medieval y Renacentista). Actualmente es integrante del grupo Axabeba (Medieval y Renacentista). Ha interpretado en calidad de solista El Amor Brujo de Falla, el Stabat Mater de Pergolesi y los papeles de Mercedes Ayala en Cecilia Valdés y Kate Pinkerton en Madama Butterfly con la Orquesta de Córdoba, bajo la batuta de Elena Herrera y Leo Brouwer. Este último papel lo ha interpretado posteriormente en el Palacio de Festivales de Cantabria, en el Palau Altea y de nuevo en el Gran Teatro de Córdoba, bajo la batuta de Angelo Cavallaro, con la dirección escénica de Lindsay Kemp. También ha estrenado en el coliseo cordobés el Requiem Flamenco de Amargós acompañada de la Orquesta de Córdoba y Leo Brouwer; programa con el que ha actuado en el Teatro de la Maestranza, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y la Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya. Ha sido integrante de la Camerata vocal Quorum, con la que ha actuado en el jerezano Teatro Villamarta, dirigida por Leo Brouwer, con la Orquesta de Córdoba en un programa monográfico en torno a Brahms. En calidad de miembro fundador, ha pertenecido al Coro del Gran Teatro de Córdoba, con el que ha participado en numerosas representaciones de ópera, zarzuela y oratorio. José Luis Pastor Considerado uno de los mayores especialistas en la Cuerda Pulsada Medieval, es Profesor Superior de Guitarra Clásica por el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, de Sevilla. Premio fin de grado en la especialidad de Laúd y vihuela. Interesado por la Música Antigua, se ha formado en España, Francia e Italia con profesores de prestigio en este campo. Ha participado en festivales de Música Antigua en España (Madrid, Barcelona, Sevilla, Gijón, Cataluña (“Musica als Castells”) Granada, Toledo, Alarcos (Ciudad Real), San Sebastián, Huelva, Murcia, Córdoba, Huesca, Úbeda y Baeza, Aracena...), Bosnia-Hertzegovina (Winter Festival of Sarajevo), Francia (París e Istres -Marsella-), Italia (Lombardía, Cremona, Mántova, Crema -“Il canto delle pietre”-), Portugal (Islas Açores, Lisboa, Lagos, Portimao, Faro, Tavira, Albufeira...etc.) y Marruecos (Tánger y Casablanca). Invitado por el British Museum de Londres al simposium internacional sobre la cítola (nov 2010) y por la Lute Society a su stage 2011, también en Londres. Ha realizado programas y grabaciones para RNE, ofrece conferencias-


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conciertos ilustrados (conservatorios “Moreno-Torroba” y “Arturo Soria” -Madrid-, Festival de Música Antigua de Aracena -Huelva-, Conservatorio de Beja -Portugal-, Encuentro de la Sociedad Española de la Vihuela -Córdoba-, Semana del Misterio de Obanos -Navarra-, Festival de Música Antigua de Olivares –Sevilla-, Foro Medieval de Cortegana –Huelva-…, y ha escrito artículos para revistas especializadas (Hispánica Lyra, de la Sociedad de la vihuela, de la que es miembro fundador). Ha grabado como Solista de cuerdas medievales (Archivo RNE), como ex componente de Arte-factvm, “De la taberna a la corte” y “Tempus est iocundum”. Actualmente dirige el grupo Axabeba, con el que ha grabado “El Sueño Hebreo”, “Colores del Medievo”, “Maríam Matrem” y “Cantigas de Santa María”. Desarrolla su labor docente en el “Aula Ian Murray” (Aracena – Huelva – España), Conservatorio Superior “Manuel Castillo” y Conservatorio Profesional “Cristóbal de Morales” (Sevilla). Actualmente es director del Conservatorio “Manuel Rojas”, de Nerva (Huelva), en el que ocupa plaza de profesor titular de guitarra.

Ignacio Gil Alcalá de Guadaira (Sevilla), 1970. Músico polifacético y multiinstrumentista que ha bebido de las fuentes flamencas y de la fusión de la mano de David Peña Dorantes y su tío, Juan Peña El Lebrijano. De la Música Antigua con los grupos Arte Factvm y Axabeba. De las nuevas Músicas con los grupos Gúgu Music y Caponata Argamacho. De lo étnico con Caravasar… Con todos ellos ha realizado giras de conciertos por festivales en toda España, Italia, Grecia, Portugal, Japón, Indonesia, Inglaterra. También cabe destacar la realización de registros discográficos con todos los artistas y formaciones anteriormente citadas, cosechando estas una gran aceptación por parte de prensa, crítica especializada y público en general. Alberto Barea Ronda, Málaga, 1973. Comienza sus estudios en la Escolanía del Orfeón portuense en 1980, continuando su formación en el Conservatorio Superior de Sevilla consiguiendo los títulos de Profesor de Fundamentos de composición, piano y solfeo, transporte y repentización, ejerciendo actualmente en el Conservatorio Profesional Francisco Guerrero de Sevilla. Ha estudiado canto con Gilles Schneider en París, dirección coral con Lluís Vila, Nestor Andrenazzi y Alberto Grau, y dirección de orquesta con Laszlo Heltay. Es Director de la Coral del Orfeón Portuense entre los años 1992-1998, a partir de lo cual crea el grupo vocal “El Jardín de Schönberg” con quien colabora en los estudios de Canal Sur, y Antena 3 Andalucía. Director y componente del grupo instrumental barroco “Bocetos de viento”, quinteto de flautas barrocas con el que ha interpretado piezas que abarcan todo el barroco hasta el siglo XX y colaborando en festivales de música antigua en Portugal. Actualmente dirige el proyecto de creación de una entidad Coral para la colegial de “El Salvador”. Como Cantante solista ha interpretado obras entre las que se encuentran varias Cantatas de Bach, “Membra Jesu Nostri” de Buxtehude, “El Mesías” de Haendel, “Réquiem” de Victoria a 4 voces, o “la Atlántida” de Falla, entre otras. Como compositor, ha realizado diferentes obras por encargo para diferentes agrupaciones instrumentales y vocales entre las que se encuentra un poema sinfónico dedicado al Lignum Crucis que reposa en Potes (Cantabria); una sinfonía dedicada a Sevilla para banda de música, estrenada en Valencia en Mayo de 2007, música incidental de numerosas obras de teatro clásico greco-romano para la compañía “Balbo teatro” de la que cabe destacar el musical “Miles Gloriosus” ; así como cortometrajes de cine y diversas obras para coro y orquesta. Premio a la dirección coral en el concurso internacional de Portugalete, y premio a la mejor interpretación coral en el teatro “Villamarta” de Jerez de la frontera, en el Festival anual de música coral de Granada y Jaen con la Coral del Orfeón portuense. Finalista en el concurso de marchas de la ciudad de San Fernando (Cádiz) Actualmente trabaja en varios proyectos de encargo para Granada, Sevilla y Cádiz donde a través de la composición deberá reflejar la tradición y folclore de cada una de estas provincias, y prepara la música incidental de una obra contemporánea de teatro de Jaime Salom. Notas al programa

Cuando hablamos de Collage nos referimos a una técnica artística que trata de unir y entremezclar elementos de diversa índole y procedencia que, dispuestos al antojo creativo de su autor, terminan por conformar un arte final con personalidad propia. Término pictórico por excelencia, es aplicable a otras disciplinas del arte sin perder por ello el modelo conceptual ni la esencia que lo caracteriza y define. Partiendo de estos parámetros, Axabeba confecciona para la presente edición del festival “Noches en los Jardines del Real Alcázar” un programa articulado en base a la inclusión en él de distintos géneros poético-musicales de la Edad Media, concretamente de los siglos XII, XIII y XIV. Collage Medieval alberga microestilos compositivos en lo que se refiere a la sucesión de piezas que lo componen: Texturas monódicas, polifónicas…, Arsquitectura Antíqva y Nova…, Devoción y Misterio…, Ritmo y Quietud…, Alegría y Caridad……en una paleta de colores sonoros multitímbrica que busca un fin unitario…..La Seducción. Sobre una Estampida Real francesa, ejemplo más antiguo de danza medieval, conservado en la biblioteca nacional de París, se elaborarán dos cantigas de Santa María. La nº 322 nos habla de un milagro acaecido en Évora (Portugal), mientras que la 192 es la única cantiga que nombra a Almería de entre las más de 400 que albergan los manuscritos alfonsíes. Ambas muestran una complejidad rítmica fruto de las influencias de tres culturas conviviendo en un mismo espacio geográfico, si bien es cierto que el ritmo a cinco tiempos de la 192 evidencia golpes sonoros dignos del mundo oriental. La siguiente pieza instrumental, perteneciente al escaso corpus de este corte en la Inglaterra del s. XIII, abre paso al misticismo visionario de Hildegard von Bingen, madre abadesa de principios del s. XII de quien se podría decir que fue la primera mujer en la historia en firmar una partitura. “Caritas abundat” es una invitación a la reflexión y elevación del espíritu que nos llevará directamente hacia otro elemento de este collage, quizás el más representativo, pues podría admitir este calificativo ya de por sí, al tratarse de una de las excepciones medievales en las que se cantan a la vez dos textos distintos: “Inperayritz de la ciutat ioyosa” es una de las más bellas piezas del Llivre Vermell de Monserrat y nos ofrece un estilo compositivo diferente a todo lo escuchado hasta el momento, la polifonía del Ars Nova a dos voces y en catalán medieval. La Italia del s. XIV abre el tercer elemento del Collage con el ejemplo más antiguo de danzas contrastantes, “Danza Amorosa & Trotto”, recogidas de un manuscrito de Florencia, de donde nos llega un segundo ejemplo de polifonía a dos voces, “Ecco la primavera”, del organista ciego y gran maestro del Ars Nova, Francesco Landini. Y para cerrar con un fuerte contraste, un guiño al “Sueño Hebreo”, con un repertorio del que no quedó


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testimonio escrito y que ha cargado con las influencias de los diferentes lugares de asentamiento del pueblo judío a lo largo de la historia. “Una matica de ruda” nos devuelve al espacio multicultural, rítmico y sensorial de la España de las III Culturas. Discografía

“El Sueño Hebreo”, monográfico de piezas judeo-españolas, 2006 “Colores del Medievo”, música de manuscritos del XII al XV, 2007 “Cantigas de Santa María”, milagros y alabanzas de la virgen, 2009 “Maríam Matrem”, la devoción mariana medieval, 2010


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BRIGADA BRAVO & DÍAZ

Germán Díaz zanfona, caja de música, live looping (Germán Díaz toca una zanfona tenor de W. Weichselbaumer)

Antonio Bravo guitarra, live looping

“…que hay ruiseñores que cantan encima de los fusiles y en medio de las batallas” | Miguel Hernández Son dos pero suenan como si fueran, por lo menos, cinco. Con una guitarra y una zanfona se puede hacer hablar al silencio. La música, como todo arte, no es una cuestión de número ni herramientas, sino de talento. Si se es un virtuoso del instrumento –y Bravo & Díaz lo son- pues mejor aun, aunque la habilidad de ejecución para hacer fácil lo difícil no baste. Por encima de ello está la capacidad de transmitir emoción, de evocar sentimientos con las notas. Servirse de melodías tradicionales para elaborar sofisticadas variaciones supone una senda tendida entre lo culto y lo popular que, desde el Renacimiento, los músicos más exquisitos han venido transitando. Para mí constituye una satisfacción que Bravo & Díaz hayan escogido estas canciones de las que se recogen en mi Cancionero popular de la Guerra Civil Española como punto de partida de su trabajo más reciente. En clave de jazz –esa música “clásica” del siglo XX-, ellos han retomado los esquemas melódicos de aquel tiempo mítico para hacerlos sonar como algo inesperado y nuevo. Al escuchar estas canciones resulta casi imposible no admirarlos como músicos, pero más todavía no Repertorio Músicas Populares de la Guerra Civil | Centenario del nacimiento de Miguel Hernández

¡A las barricadas! (Popular) Trágala (Popular) Internacional (Pierre Degeyter) Au devant de la vie (D. Shostakovich) Si me quieres escribir (Popular) Los cuatro generales (Popular) Arrión (Popular) Canción del frente unido (H. Eisler) Bandiera rossa / La joven guardia (Popular) Arreglos y adaptaciones de todas las melodías: Brigada Bravo&Díaz.

Músicos

Germán Díaz Valladolid, 1978. Estudia Filología Clásica en la Universidad de Valladolid. En los seminarios coordinados por la Asociación Ibérica de la Zanfona, estudia zanfona con Laurent Tixier, Rafael Martín, Isabelle Pignol, Gilles Chabenat, Patrik Bouffard, Nigel Eaton, Valentin Clastrier, Pascal Lefeuvre, Matthias Loibner, y percusión con Pedro Estevan y Dimitri Psonis. Actualmente forma parte de numerosos proyectos con los que ha actuado por Europa, América y África. Como solista o coautor ha editado casi una decena de trabajos discográficos y ha colaborado en casi un centenar de grabaciones. Colabora con multitud de compañías de teatro componiendo bandas sonoras. En 1999 fue galardonado con el premio Racimo de Oro. En 2004 crea su propia discográfica, Producciones Efímeras, junto a Fernando Fuentes. Antonio Bravo Forma parte del profesorado del “Aula de Músicas” de Madrid, donde da clases de guitarra, armonía, grupo instrumental y polimetría para no percusionistas. Ha recibido clases de David Liebman, Barry Harris, Gerry Bergonzi, Chuck Israels, entre otros. Ha impartido cursos de improvisación dirigidos a profesores de conservatorios y escuelas municipales y ha sido miembro de la junta directiva de “Música Libre” (asociación para la difusión de la música improvisada) y Co-organizador del Festival Internacional de Música Improvisada “Hurta Cordel” en 2000, 2005 y 2006. En los últimos años ha tocado con grupos y solistas del ámbito internacional como María Joao, Jorge Pardo, Perico Sambeat, Jean Palandre, Wade Mathews, Greg Moore, o Phil Durant, entre otros.

Notas al programa

1.- ¡A las Barricadas!. “Las barricadas, verdadero himno anarquista que gozaba de gran difusión entre las masas trabajadoras de Rusia, Polonia y la Alemania antihitleriana, fue adaptado también al castellano y lo entonaba en sus actos la CNT (Confederación Nacional del Trabajo, fundada en 1911)”


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2.- Trágala. “El Trágala se empezó a cantar, según parece, en Cádiz, núcleo irradiador del liberalismo hispano. Allí había nacido la Constitución en 1812 y allí encontrarían refugio y apoyo, no pocas veces, los conspiradores antiabsolutistas. El Trágala debió de ser una réplica contra algunas canciones realistas como La Cachucha, a cuyo son marchaban los “serviles” partidarios de Fernando VII (…). Con diferentes letras, se cantaría también en la época republicana que precedió a la guerra civil y durante ésta.”

4.- La internacional. (1871, letra: Eugène Portier / música: Pierre Degeyter). “Los viejos himnos y cantos revolucionarios internacionales se hicieron, entonces, más populares. Conocida era La Internacional, himno que unificaba lenguas y esperanzas, y que, desde muy pronto, entonaron el PSOE y la UGT (fundados en 1888) y el Partido Comunista de España (fundado en 1920), con letras parecidas.”.

7.- Au devant de la vie. (D. Shostakovich). “La Asociación de Escritores Soviéticos recomendó a sus elementos “la creación de obras dedicadas al Frente Popular español”. La popularización de canciones como Au devant de la vie, quizá se viera favorecida por el hecho de haber acompañado a la película El camino de la vida.”

10.- Si me quieres escribir. “Esta canción, cuya melodía se cantó en la guerra de África, se convertiría en una de las tonadas más populares durante nuestra contienda civil y en una de las que mayor número de letras de todos los tipos, bandos y colores inspiraría”.

5.- Los cuatro generales. “Los cuatro muleros fue una de las canciones recogidas –y también arregladas y recreadas- por el poeta Federico García Lorca. (…) Con esta misma música se cantaron durante la guerra civil otras letras que, en la zona republicana, versaron, fundamentalmente, sobre el hecho de la insurrección por parte de los generales rebeldes y la defensa de Madrid”.

9.- Arrión. “Esta composición, muy popularizada ya en el cancionero infantil, y que Rodríguez Marín recogió en sus Cantos populares, se cantó generalmente con coplas fanfarronas y agresivas durante la guerra civil.”.

3.- Canción del frente Unido. (letra: B. Bretch / música: H. Eisler) “Bertolt Brecht, poeta militante y comprometido dramaturgo, compuso con Hans Eisler, autor de varios cantos revolucionarios, una Canción del Frente Popular.”

6.- Bandiera Rossa / La joven guardia. “De cada país, los combatientes de las brigadas extranjeras trajeron sus cantos revolucionarios propios (…).Los italianos del Batallón Garibaldi entonaban el himno Bandiera rossa (…) Otra canción muy conocida, y un tanto demagógica, de origen francés, fue La joven Guardia, que ya cantaban en España antes de la guerra civil las Juventudes Comunistas y que, en la primavera de 1936, pasó a ser el himno de las Juventudes Socialistas Unificadas.”.

8.- Himno de Riego. “Dice José María Iribarren que, desde 1820 (año en que fue creado), ha sido el himno de la revolución española. (…) La popularidad fue tal que las Cortes, en la sesión de 3 de abril de 1822, declararon el himno “marcha nacional”. La reacción de 1824 convirtió en un delito la ejecución del Himno de Riego, que pasaría a ser el acompañamiento inevitable de todos los alzamientos liberales. (…) La letra es atribuida a Evaristo San Miguel y respecto al autor de la música no hay acuerdo por parte de los tratadistas. Los versos fueron frecuentemente cambiados, según las circunstancias, no faltando réplicas contra su contenido liberal progresista.” Nota: “Textos extraídos de la obra Cancionero popular de la Guerra Civil española, de Luis Díaz Viana, bajo licencia de La Esfera de los Libros, S.L.” “Es preciso que cantéis, mientras quede una sangre que solloce.” Álvaro Cunqueiro. Cantos de los combatientes 1936-1


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CARAVASAR + IMÁN KANDOUSSI

Iman Kandoussi canto | Amin Chaachoo ud, voz | Chiqui García bouzouki, guimbri, saz, percusiones Ignacio Gil saxo soprano, ewi | Álvaro Garrido percusiones Del caravasar es huésped esta noche la voz de la mujer árabe, que asciende hacia la luz y se esparce en el aire como un racimo de palomas sobre los alminares. La voz de la mujer musulmana derramándose en alabanzas a un amor oscuro y ebrio; la voz quebrada de las plegarias y la de las amantes que desgranan sus melodías como una jugosa granada. Albergamos hoy en el Alcázar el canto de mujer que hace ondular la lengua coránica: la voz y la mujer son los versos armoniosos de una antigua muwashahat.

Programa Muwashahat de la voz mediterránea


Laz. Tradicional Turquía Bósforo. Joaquín Rodero Chaabi. Tradicional Ana dini din alah trad. Marruecos Yabalia. Tradicional Marruecos Egeo. Tradicional Grecia Uzzubia. Tradicional Siria Hebbina. Tradicional Egipto

*Este programa puede sufrir modificaciones que serían oportunamente puntualizadas por los miembros del grupo durante el concierto.

Músicos

Imán Kandoussi Tetuán (Marruecos), 1984. Pertenece a una familia profundamente ligada tanto a la tradición popular marroquí como a los medios intelectuales y artísticos. A los 10 años, inició sus estudios de canto arábigo-andaluz y de Laúd árabe (Ud ) en el Conservatorio Superior de Música de Tetuán. A partir de los 15 años, cursó Técnicas de interpretación durante 4 años, estudios que Imán profundizó junto a los grandes maestros y profesores Amin al Akrami Y Hicham Zouibairi. A patir de entonces, Imán a pesar de su corta edad, ha desarrollado un trabajo de búsqueda en los cantos arábigo-andaluces y orientales, especializándose en el antiguo estilo “Moaxajas” y basándose en los cantos clásicos árabes de la cantante de élite Omu kalthum y en el repertorio de las Nubas de La Música andalusí. Más tarde, Imán se inició en los cantos clásicos de Siria, como solista, con una coral y en la escuela de música “Le monde musical”. Por todo ello, se puede asegurar que Imán no sólo posee una de las voces más fascinantes del panorama musical mediterráneo, sino que también es una de las cantantes mejor preparadas y formadas, para varios repertorios de música contemporánea como la del Mediterráneo. En los últimos años, Imán ha realizado conciertos participando en el Festival Internacional de Tetuán y ha participado en el concurso musical ”Estrellas y estrellas” (Nuyúm wa nuyúm). En el 2003, Imán actuó como corista bajo la dirección de Mehdi Chaachoo en la Orquesta andalusí de la ciudad de Tetuán. Imán también ha participado como corista en el disco del Lebrijano “Puertas abiertas”. Citamos igualmente su participación en el Ciclo “Mujeres del mundo” en Cádiz, en el Castillo De Santa Catalina., y con el grupo Estampie.

Álvaro Garrido Sevilla. Buscador de texturas rítmicas y sonoras.Especialista en percusiones de mano.Su repertorio abarca desde la música antigua y étnica, hasta las músicas experimen-tales. Es dentro del repertorio de música antigua donde centra básicamente su trabajo en los últimos años, siendo músico de, entre otros, los grupos Artefactum, More Hispano, Accademia del Piacere, Orphenica Lyra, Música Prima, La Compañía Terp-sícore …Percusionista habitual en las grabaciones del violagambista Paolo Pandolfo y del lau-dista José Miguel Moreno.

Chiqui García Montijo (Badajoz). Estudia Guitarra clásica en Sevilla. Ha realizado numerosos cursos de perfeccionamiento con Narciso Yepes, Hopkinson Smith y David Rusell entre otros. En su faceta de guitarrista pertenece al trio Praça Onze. Músico polifacético ha estado siempre abierto a las nuevas tendencias, así como a la tradición de la música oriental, lo que le ha permitido conocer y manejar instrumentos de cuerda y de percusión clásica y popular del Cercano Oriente y el Magreb. Es músico integrante de los grupos Caravasar y Samarcanda, entre otros.

Amín Chaachoo Tetuán (Marruecos), es el primer violinista de la Orquesta Del Conservatorio de Tetuán, principal orquesta andalusí de Tetuán. Fundador de la ASOCIACION HAIEK PARA LA INVESTIGACION DEL PATRIMONIO MUSICAL ANDALUSI, Amin centra su actividad en el estudio del Tab` (modo) andalusí. Así mismo, imparte clases de Violín, Laúd y Teoría musical andalusí; y es fundador-secretario general del Club de música Asmir. Es también conferenciante. También vio enriquecerse su experiencia al convertirse en miembro de formaciones españolas como Caravazar, Samarcanda, Zejel, Medialuna Flamenca, Aljama, etc. Actualmente, está elaborando un libro sobre la música de Al-Andalus (LA MÚSICA ANDALUSÍ. HISTORIA – CONCEPTOS – TEORÍA MUSCAL. Ed. ALMUZARA) en el que pretende recuperar la teoría musical de Al-Andalus y descodificar conceptos que, con el paso del tiempo, han ido perdiendo su sentido primordial.


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CECILIA LAVILLA BERGANZA + MIGUEL ITUARTE

Cecilia Lavilla soprano | Miguel Ituarte piano

Presentamos un conjunto de canciones de tres compositores especialmente homenajeados en este año. Tres pianistas (aunque Schumann abandonó forzosamente esta faceta) que crearon para su instrumento obras esenciales del repertorio. Chopin casi con exclusividad; sus canciones son la parte menos conocida de su obra. Podrán escuchar “Elegía” -quizá la más personal y profunda-, “Mi dulce corazón” -con rasgos de mazurka- y “El guerrero”.

El ciclo “Amor y vida de mujer”, de un feliz Schumann de treinta años, refleja un ideal “masculino” de su argumento; pero pongámoslo entre paréntesis ante la belleza de sus ocho canciones, aparentemente independientes pero encadenadas por sutiles relaciones sonoras.

En los ciclos “To Nellie” y “Quatre mélodies”, Albéniz empleó los versos “victorianos” de su mecenas Francis Money-Coutts. Es curioso escuchar en “May-Day song” algunos acentos y disonancias que encontraremos en “Iberia”. La segunda serie, próxima a la estética de Fauré, es su última obra. La infrecuente “Yvonne en visite” evoca un episodio infantil con la finura y agudeza del “Children´s corner” de Debussy; el humor de Satie también está cerca. Programa Chopin, Schumann, Albéniz (Recital lírico) | Bicentenarios de Chopin y Schumann, y 150 Aniversario del nacimiento de Albéniz

FRYDERYK CHOPIN (1810-1849), Selección de los Cantos Polacos, op. 74: Melodia Moja Pieszczotka Wojak

ROBERT SCHUMANN (1810-1856) (Textos de Adelbert von Chamisso), Frauenliebe und Leben, Op.42 Seit ich ihn gesehen Er, der Herrlichste von allen Ich kann's nicht fassen Du Ring an meinem Finger Helft mir, ihr Schwestern Süsser Freund, du blickest An meinem Herzen Nun hast du mir der ersten Schmerz getan

ISAAC ALBENIZ (1860-1909) To Nellie Seis canciones sobre poemas de Francis Money Coutts: Home Counsel May-day song To Nellie A song of consolation Love comes to all!

Ivonne en Visite La révérence Joyeuse rencontre et quelques pénibles événements

Quatre Mélodies Cuatro canciones sobre poemas de Francis Money Coutts: In Sickness and Health Paradise Regained The Retreat Amor, Summa Injuria

Músicos

Cecilia Lavilla Berganza Madrid. Cursa estudios de Danza y Arte Dramático en Francia y EEUU (debutando en los teatros de ópera de Hamburgo y París) y Arquitectura de Interiores en España. Recibe clases de canto de Isabel Penagos. Tras su debut en 1996, se dedica ampliamente a la Música de Cámara -especialmente a la Canción Española y Francesa- que prepara junto a Teresa Berganza, Félix Lavilla y Juan A. Álvarez Parejo. Con este repertorio ha actuado en los principales teatros y auditorios, tanto en España como en el extranjero. En los últimos años forma, junto a Tu Shi Chiao, un dúo vocal con guitarra romántica, investigando y dando a conocer un importante repertorio muy


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poco interpretado de autores españoles, italianos y franceses de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Este dúo ha realizado numerosas giras, entre las que podemos destacar la de Taiwán, con gran éxito de público y crítica. También colabora con el Cuarteto Diapente, interpretando diversos repertorios de música de cámara, algunos bastante infrecuentes (Vaughan Williams, Chausson, Alonso, Turina). Ha participado en producciones de ópera de diferentes teatros españoles (estreno de Ottavia de Domenico Scarlatti, Cosi fan tutte, La Flauta Mágica, Tannhäuser, La Traviata, Manon, Carmen). También en obras de teatro como el Burgués Gentilhombre (música de Lully) y en musicales como Zorba el Griego (música de J. Kander). Tras su presentación en las Tonadillas Escénicas del Teatro de la Zarzuela estrenó, en 2004, un nuevo espectáculo de este género, al que dedica una especial atención: Corral del Príncipe. También actuó en el estreno de Don Chisciotte de Manuel García, y posteriormente en Italia, en el estreno de dos tonadillas del mismo autor. Colabora con orquestas como la Sinfónica Europea, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Sinfónica de Galicia y Orquesta de la Comunidad de Madrid, interpretando especialmente oratorios, entre ellos el Réquiem de Mozart, el Réquiem de Donizetti y la Misa Barroca del Siglo XXI de J. Loussier. Entre sus grabaciones destacan: Obras de Víctor Carbajo, el Stabat Mater de Pergolesi, la colaboración con el Cello Octet Conjunto Ibérico; El Maestro de Baile y otras Tonadillas, junto al Ensemble Elyma; y, recientemente, la obra completa para voz y piano de Félix Lavilla (reunida por primera vez), junto a Josu Okiñena. Miguel Ituarte Getxo, Vizcaya. Recibe su formación musical en los conservatorios superiores de Bilbao, Madrid y Amsterdam, estudiando con Isabel Picaza, Juan Carlos Zubeldia, Almudena Cano y Jan Wijn. Ha recibido, entre otros, los primeros premios en los concursos internacionales “Jaén”, “Ferrol” y “Fundación Guerrero”, así como numerosos premios por sus interpretaciones de música española (entre ellos, “Rosa Sabater”, “Manuel de Falla” y el de la Fundación Hazen). Fue también finalista en el Concurso Internacional de Santander de 1995. En sus programas de concierto ha incluido frecuentemente algunas de las más grandes obras del repertorio de teclado, como las Variaciones “Goldberg” de J.S. Bach o los doce Estudios de Debussy, abarcando desde Antonio de Cabezón hasta estrenos de músicas actuales. Los compositores José María Sánchez Verdú, Zuriñe F. Gerenabarrena, José Zárate y Jesús Rueda le han dedicado obras pianísticas. Ha actuado en recitales por países europeos y con orquestas como la de Cámara del Concertgebouw de Amsterdam, Royal Philharmonic de Londres, Gulbenkian de Lisboa y numerosas de España y Sudamérica. En Enero de 2000 abrió el primer Ciclo de Grandes Pianistas del Auditori de Barcelona con “Iberia” de Isaac Albéniz. En el campo de la música de cámara, ha actuado con los cuartetos Takaks y Ortys, el trío Triálogos (del cual fue miembro junto con Manuel Guillén y Ángel Luis Quintana), el acordeonista Iñaki Alberdi, el cellista Ricardo Sciammarella y la soprano Cecilia Lavilla. Es profesor de piano en Musikene (Centro Superior de Música del País Vasco) desde su creación en 2001.


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CÉSAR CARAZO + LUIS DELGADO

César Carazo canto, viola de brazo | Luis Delgado zamfona, santur, laúd y percusiones Si bien la convivencia no fue en todos los casos un espacio idílico, tal y como a veces se pretende mostrar, no existe duda histórica de la imbricada convivencia que se desarrolla en muchos puntos de la España Medieval entre judíos, musulmanes y cristianos. En muchos pueblos y ciudades de la Península la llamada a la oración del almuédano desde su alminar dejaba paso al tañer de los campanarios cristianos, en unas calles en las que los sefardíes celebraban su fiesta de Purín. En definitiva, hablamos de un periodo de nuestra tradición protagonizado y compartido por tres religiones, que frecuentemente es tomado por historiadores y sociólogos como ejemplo de convivencia humana. En este repertorio se realiza un recorrido por estas tres músicas y su evolución, que, si bien han llegado hasta nosotros en forma desigual, en su momento compartieron espacio, tiempo e instrumentos. Programa Música de las Tres Culturas en la España medieval

El milagro de los conejos asados Cantiga de Sª María 322. Alfonso X (1221-1284) Hallimin| Twisiyya Nuba Garibat al-Hasseyn (Marruecos) Durme durme Cancionero Isaac Levy Ya racha fetan Tradición andalusí (Argelia), Gloriosa Santa María Lanfranc Cigala (1235-1257) El milagro de Sopetrán Cantiga de Sª Maria 83 Alfonso X Diex es aussi comme le pellicans Teobaldo de Navarra (1201-1253) Puertas de mi enamorada Cancionero sefardí de Bracha Zefira Bilah ya. Saná del Mizan qâ'im wa-nisf Nuba Ushshaq-(Marruecos) El judío librado Cantiga Santa María 85, Alfonso X Hija mía querida Cancionero Isaac Levi Leilun adjeeb | Saná del Mizan B’tahi Nuba Garibat al-Hasseyn (Marruecos), El estudiante de Salamanca Cantiga Santa María 291 Alfonso X

Músicos

César Carazo Cantante especializado en el repertorio de la música española de los siglos XII al XIX, de la música medieval española en sus facetas cristiana, andalusí y sefardí, a la tonadilla escénica del XIX pasando por todo el repertorio de la polifonía renacentista y cantatas barrocas. Ha colaborado con La Capella Reial de Jordi Savall, Neocantes, Quarteto de Urueña, Música Antigua de Eduardo Paniagua, Axivil , Al aire español, Accentus, Alfonso X, Magios y como solista en oratorios como Mesías de Handel, Réquiem de Mozart, y en operas como La Flauta Mágica y Bastian y Bastiana de Mozart, El triunfo del honor ,de Scarlatti, Flaminio de Pergolesi y un gran numero de tonadillas escénicas de los maestros Laserna, Esteve, del Moral. Ha colaborado en 61 proyectos discográficos de la música española desde el repertorio medieval hasta el del siglo XIX, entre ellos, la grabación de más de 200 cantigas de Santa María, del Renacimiento y del Barroco. Luis Delgado Intérprete y autor, ha trabajado en numerosos grupos. Desde 1970 se dedica a la música antigua, primero con la Orquesta Gaspar Sanz, luego con el grupo Atrium Musicae, posteriormente con el ensemble Cálamus, con el grupo de Eduardo Paniagua y con el ensemble hispano-marroquí de música andalusí Ibn Baya. En la actualidad colabora con el grupo occitano Le Tre Fontane. Como autor ha compuesto varias bandas sonoras para TV ("Alquibla", de Juan Goytisolo, "Don Juan Tenorio" de José Luis García Berlanga, "La Transición" de Victoria Prego, etc.), ballets para la compañía de Víctor Ullate ("Arrayán D«araxa", "Jaleos", "Homenaje al Maestro Escudero" para la Radio Televisión Italiana, etc.), y la música de diversos montajes teatrales del Teatro de la Abadía de Madrid, bajo la dirección de José Luis Gómez (Cervantes, Valle Inclán, Bertold Bretch,...) y del Centro Dramático Nacional, bajo la dirección de Gerardo Vera (Valle Inclán, Ibsen, etc.). Ha realizado giras en más de 20 países, y es compositor permanente del Planetario de Madrid, habiendo trabajado también para los de Nueva York, Coruña, Cuenca, Mallorca y Pamplona. Ha publicado 20 discos como artista solista, 22 como miembro de distintos grupos, producido mas de 50 trabajos y colaborado en mas de 100 grabaciones: María del Mar Bonet, Amancio Prada, Joaquín Díaz, Luis Paniagua, La Musgaña, Kepa Junkera, Vainica Doble, Le Tre Fontane, Voces Huelgas, etc.


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CUARTETO CELLIBERIA Claudio Baraviera violoncello | Gretchen Talbot violoncello | Richard Eade violoncello | Robert Thompson violoncello Este cuarteto de violoncellos está formado por integrantes de la Real Sinfónica de Sevilla, oriundos de diferentes partes del mundo (Argentina, Estados Unidos e Inglaterra). Unidos por el amor hacia su instrumento, el violoncello, y en su afán por desarrollar la música de cámara decidieron crear esta formación en el año 2002. Desde entonces realizan una intensa labor camerística en salas de Sevilla – Universidad Pablo de Olavide, Hotel La Boticaria, Amigos de la R.O.S.S., Los Lunes con Nuestros Músicos en La Casa de la Provincia, XXVI Festival Iberoamericano de Música Manuel de Falla de Cádiz, entre otras – y ciudades de España. Participaron en el Circuito Andaluz de Música del 2009, dando 12 conciertos por toda la comunidad.

El repertorio de Celliberia abarca un espacio de tiempo que comienza en el período barroco, pasando por el romanticismo hasta la música de nuestros días o compositores de raíz flamenca como el andaluz David Peña “Dorantes”, quien dedicó a Celliberia sus “Relieves” en tres movimientos.

La posibilidad de interpretar un repertorio extenso y de gran diversidad de géneros sumada a la cautivadora sonoridad de los cuatro violoncellos, hacen de Cellibera una propuesta atractiva y original dentro del panorama musical y que hace llegar la música a un amplio público de muy variados gustos. Programa Del Barroco al siglo XX

JOSEPH BODIN DE BOISMORTIER (1689-1755), Sonata en re menor Andante – Presto – Adagio - Allegro

J. B. SENAILLÉ (1687-1730), Allegro Spirituoso J. S. BACH (1685-1750), Adagio A. VIVALDI (1678-1741), Allegro J. S. BACH, Suite nº 6, Sarabande y Gavotte R. WAGNER (1813-1883), “Pieza Solemne” de Tannhäuser P. I. CHAIKOVSKY (1840-1893), Primavera (Snowdrop) de “Las Estaciones” F. CHOPIN (1810-1849), Prelude op 28, nº4 I. ALBÉNIZ (1860-1909), Tango Notas al programa

En la música del periodo barroco el chelo iniciaba su andadura como instrumento de concierto, liberándose poco a poco de su función de bajo continuo y de acompañamiento. De este periodo se interpretan obras de los franceses Senaillé y Boismortier, el italiano Antonio Vivaldi y del incomparable compositor alemán Johann Sebastián Bach, con un adagio de una de sus tocatas para órgano, y una versión para el cuarteto de dos movimientos de la 6ª suite para solo cello.

Luego disfrutamos de la música del XIX, cuando el violonchelo florece y se desarrolla como uno de los mejores medios para expresar el sentimiento y la poesía evocadora y melancólica que eran tan queridos del gusto romántico. De la mano del prestigioso violonchelista y arreglista Werner Thomas nos llegan la solemnidad profunda de Wagner, la sensibilidad de la música de Tchaikovsky, y luego una obra para mostrar el exquisito sentimiento de la música de Chopin.

El programa termina con una obra de Albéniz, ya con vistas al siglo XX. Músicos

Claudio Baraviera Argentina. Realizó estudios de su instrumento con el maestro José Puglisi. Tras pasar seis años de estudios (con Liev Ievgráfov) y actuaciones en Rusia regresó a Argentina tras haber obtenido del Instituto Musical Pedagógico Gniesen el diploma de Maestro de Artes. En 1982 es designado solista de violoncello de la Orquesta de Cámara Mayo, actuando en numerosos ocasiones en calidad de solista en Argentina y el extranjero. Desde 1991 se desempeñó como primer violoncellista de la Orquesta Sinfónica Nacional (Argentina).En la actualidad reside en Sevilla donde forma parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Paralelamente a su actividad como interprete desarrolla una intensa labor pedagógica. Gretchen Talbot Adelaide, Australia. Tras realizar toda su formación académica en EE.UU. se traslada a Europa donde trabaja tres años con la Orquesta Ciudad de Heidelberg y las de Frankfurt y Darmstadt. Regresa a los EE.UU. para conseguir su Master of Music en Indiana University. En 1989 es cello asistente en la Orquesta Ciutat de Barcelona, y forma parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla desde su inicio en 1991. Desarrolla una intensa actividad en el campo de la música de cámara, siendo miembro también del Cuarteto Emispherio, Cuarteto Cernuda, y Solistas de Sevilla con quien ha grabado sus ultimos dos CDs de música contemporánea española. Paralelamente a esta actividad ha realizado colaboraciones en el mundo del flamenco incluyendo espectáculos en las Bienales de Flamenco de 2000, 2002, 2004 y del 2008 .


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Richard Eade Su educación musical empezó a la edad de 8 años en el Coro de niños de la Catedral Saint Pauls en Londres. En este tiempo fue uno de los primeros alumnos de la escuela Yehudi Menuhin, donde estudio cello con Christopher Bunting (ex alumno de Pablo Casals). Ganó una beca en el Royal Collage of Music donde obtuvo el primer premio de cello en su ultimo curso. Obtuvo también una beca para estudiar con Andre Navarra en la Escuela Superior de Musica de Detmold (Alemania). En 1975 Richard Eade se convirtió en solista de violoncello de “Performing Arts Orchestra” San Francisco; y también tocó en “The San Francisco Contemporary Players” y diversos grupos de música de cámara. En 1982 volvió a Londres como el tercer solista de Cello de la BBC Sinfony Orchestra bajo la dirección de Pierre Boulez y Ghenadi Rojdenstvenski. En 1988 se convirtió en solista de cello de “Royal Filharmonisch Orkest Van Vlaanderen” en Amberes (Bélgica) donde trabajo 4 años antes de venir a Sevilla como solista de cello de la ROSS en 1991. Richard Eade dio recitales en el “Wigmore Hall y en el “Purcell Room” de Londres y ha tocado también los conciertos de Haydn (re), Lalo, Schumann y el doble concierto para violín y violoncello de Brahms en Londres y San Francisco. (continua…). Compagina la actividad de solista de chelo de la ROSS con la actividad pedagógica y de música de cámara. Robert Thompson Estudió cello en el Royal Northern College of Music, Manchester con Donald McCall y Clive Greensmith, y recibió masterclasses de música de cámara con los cuartetos Vermeer, Franz Schubert y Fitzwilliam. Graduó de Manchester en 1992 y amplió sus estudios, mediante una beca, en la Universidad de Estado de Michigan (EE.UU.) donde obtuvo un Masters of Music. Desde su vuelta a Europa ha trabajado con varias orquestas, entre ellas, la Royal Liverpool Philharmonic, BBC Philharmonic; BBC Concert Orchectra, yuna gira por EE.UU. con el musical “Peter Pan” y en Inglaterra una gira de “La bella y la Bestia”. Actualmente es miembro de la R.O.S.S. y dedica una gran parte de su tiempo a la música de cámara. Comparte su afición, dedicación y amor por la música con el football, poker y las carreras.


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DAN KAPLAN & KROOKED TREE

Dan H. Kaplan guitarra, armónica, voz | Carlos López guitarra, coros | Eduardo Lobeto teclados Juan Miguel Martín bajo eléctrico | Cayo Antonio batería Dan Kaplan (Brooklyn, New York en 1960) es un cantante y compositor de la célebre localidad de Woodstock, en el estado de New York, que vive parte del año en España desde 1986. Su primer mentor musical cuando muy joven fue nada menos que Lee Hays de Los Weavers, una leyenda de la música americana (y vecino de sus padres) quien le enseñó canciones tradicionales. Kaplan aprendió después a tocar la guitarra con Artie Traum, otra figura del folk americano y residente de Woodstock, colaborador de Happy Traum, Van Morrison, Levon Helm, John Sebastian, Warren Bernhardt, etc. Se licenció en literatura americana en Oberlin College, Ohio. Poco atraído por el mundo académico trabajó varios años de carpintero y leñador en las Montañas Castkill en el estado de Nueva York. Kaplan ha tocado como solista y ha creado varios grupos con músicos españoles. Ha compuesto e interpretado sus bandas sonoras para cine mudo en prestigiosos festivales en todo el país. Su nuevo conjunto, “Krooked Tree” es una banda con empuje rítmico que no renuncia a la delicadeza y el juego textual de la canción de autor norteamericana. Fusionan las principales venas de la música de raíces americana: folk, blues, country y jazz de forma natural y orgánica. Su nuevo disco “A GOOD DAY FOR LIVING” está grabado y producido por el músico y productor asturiano Paco Loco. En palabras de Eduardo Jordá, poeta mallorquín y biógrafo de Van Morrison: “Y así es la música de Krooked Tree. No hay nada mecánico en ella, nada impostado, nada que no fluya de modo natural como un arroyo de montaña. La voz de Dan Kaplan es profunda y sugerente... Y los arreglos musicales del grupo son de una precisión y una austeridad extraordinarias. La viola, el contrabajo, la steel guitar, las armonías vocales, la percusión: todo encaja, todo suena de un modo tan sencillo como el viento entre los juncos.”

Programa Retratos americanos


One More Tear to Cry Broken Wing A Good Day for Living Shadows Getting Long That Don’t Mean I’m Right Mary Joe Riverrun Minot, North Dakota It Dont Rain Back on Track Wish You Were Here Take Me There Tree Toad Come Back

(Todos los temas de Dan H. Kaplan)

“Admiro el trío de Dan Kaplan por sus canciones bien construidas, por su calidad vocal e instrumental y por su profunda comprensión de la música tradicional americana. Como The Band y parte del trabajo temprano de Bob Dylan, Dan Kaplan cuenta historias musicales que son concisas y emocionales. Sin embargo, no están atrapados en el pasado. De hecho, son muy actuales cuando fusionan baladas folk, blues y música country en algo único.” Artie Traum (Woodstock, New York, Enero 2006 "No se limitan a reproducir lo ya conocido...músicos con un alto nivel de formación clásica, una aventura atípica." Blas Fernández (Diario de Sevilla).


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EL CORTESANO

José Hernández-Pastor contratenor | Ariel Abramovich vihuelas de mano Ariel Abramovich tocará una vihuela de mano basada en iconografía, construida en 2008 por Martin Haycock (Chichester, Inglaterra). El proyecto artístico de El Cortesano nace en Basilea (Suiza), en 1998, a raíz del afortunado encuentro entre dos jóvenes intérpretes dedicados apasionadamente a la música del renacimiento. Aunque con una común formación en el ámbito de la Schola Cantorum Basiliensis, José Hernández y Ariel Abramovich cuentan con una preparación musical y una historia vital diversas, que les permiten plantear visiones, a la vez, divergentes y complementarias. Movidos, quizás, por el entusiasmo de su juventud, los miembros de este dúo reniegan de las visiones anquilosadas y universalistas sobre ella. Para compensar la orfandad propia de quien rechaza los convencionalismos, se vuelve necesario construir respuestas propias, a partir de la investigación y de la búsqueda de nuevos significados surgidos del estrecho contacto con una cuidada selección de la producción poético-musical de ese increíblemente rico periodo histórico.

Guiados por la convicción de que, tal como señalara Castiglione en la obra de la que toman su nombre, la declamación puede hacer de las palabras maravilla, se embarcan en la aventura de experimentar nuevas formas de acercamiento a ellas. Se inicia entonces un camino de profunda indagación que, a lo largo de los años ha ido definiendo una concepción artística comprometida y rigurosa, ya ampliamente reconocida. Desde esta perspectiva, no es sino la comunicación directa con el público – y el efímero sortilegio al que ella da lugar- lo que justifica el espectáculo.

La Quincena Donostiarra, Semana de Música Antigua de Estella, Semana de Música Antigua de Gijón y el Festival Are More de Vigo entre otros, actuaciones en auditorios de tanta relevancia como el Palau de la Música de Valencia y el Príncipe Felipe de Oviedo, presentaciones en toda España, en Francia, Estados Unidos, Suiza, Bélgica, Ecuador y Argentina. En tan diversas situaciones y lugares, El Cortesano ha sido capaz de generar un mismo fenómeno, el de hacer partícipe al público de una experiencia artística singular, que invita a la introspección y al encuentro con la sensualidad de esta forma de arte.

Por otra parte, su carrera discográfica se ha iniciado en 2002 con “El Parnasso”, publicado por la casa francesa Arcana, tras un periodo de búsqueda y afianzamiento en relación con la obra del vihuelista vallisoletano Estevan Daça (Valladolid, 1576), que no había sido grabada anteriormente. Este disco fue bien acogido por crítica y público, lo que contribuyó a reforzar la identidad del dúo, así como a encarar con entusiasmo y afán autocrítico los proyectos futuros. Programa Sevilla 1546: la música de Alonso Mudarra | 500 Aniversario del nacimiento de Alonso Mudarra

Si me llaman, a mí llaman Si me viesse e me levasse

Triste estava el rey David

Beatus ille La vita fugge Por ásperos caminos

Diferencias sobre Conde Claros

Israel mira tus montes

Hanc tua Penélope O gelosia d’amanti Si por amar al hombre

Fantasía Claros y frescos ríos

Tiento Kyrie primero de la missa de Beata Virgine de Josquin glosado

Dime a do tienes las mientes Gentil cavallero

Notas al programa

El 18 de Octubre de 1546 Alonso Mudarra tomaba posesión de una canonjía en la catedral de Sevilla, la más rica de España en aquel tiempo, en la que continuó más de 30 años. Las verdaderas aficiones de aquel canónigo quedaron claras un par de meses más tarde, cuando publicó sus Tres libros de música en cifras para vihuela. El tercero de estos libros “es de música para cantada y tañida”, tal como se especifica en la portada, y “tiene motetes, psalmos, romances, canciones, sonetos en castellano y italiano, versos en latín y


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villancicos”. O sea, se trata de una antología de apenas 27 miniaturas, en la que están representados casi todos los géneros vocales de la época. En sus páginas, además de obras en latín, conviven los estilos poéticos tradicionales con las novedades recién traídas de Italia, país que Alonso quizás conoció. Los gustos de aquel canónigo se muestran teñidos de una suave melancolía, en la que destacan con más brillo algunos leves toques de humor. Como la vida misma. | Pepe Rey

Músicos

José Hernández Valencia. Estudia desde 1979 en la Schola Cantorum d’Algemesí, bajo la dirección de Diego Ramón i Lluch. Tras sus estudios de Piano (Título de Profesor por el Conservatorio de Valencia 1996) y Musicología (Licenciatura por la Universidad de Oviedo 1998), se decanta por su verdadera pasión dentro de la música: el canto y la Música Antigua. Merced a una beca del gobierno suizo y el Ministerio de Asuntos Exteriores, (1998-2000) realiza estudios de alta especialización (canto) en la Schola Cantorum Basiliensis, centro de mayor prestigio mundial en la investigación e interpretación de la Música Antigua donde recibe clases de Richard Levitt (1998-2000) y finaliza sus estudios de diploma teniendo a Andreas Scholl como profesor (2000-2003). Asiste a su vez a cursos con René Jacobs, Montserrat Figueras, Anthony Rooley, Dominique Vellard y Nicolau de Figueiredo. Considerado intérprete de gran expresión y belleza en la voz, es requerido por directores de la talla de Jordi Savall, Dominique Vellard, Eduardo López Banzo, Carles Magraner. Ha actuado también bajo la dirección de Joshua Rifkin, Ives Corboz, Jesús María Echeverría, y colaborado con La Capella Reial de Catalunya, Hesperion XXI, Le Concert des Nations, Al Ayre Español, Los Músicos de su Alteza, Ensemble Gilles Binchois, Orquesta Barroca de Sevilla, Capriccio Basel Barockorchester, Orquesta Sinfónica de Pamplona, La Capella de Ministrers, entre otros, cantando en las salas y festivales más importantes: Festival de Peralada, Styriarte (Graz), Festival de Innsbruck (Austria), Palau de la Música de Barcelona, Festival de Utrecht, Festival de Musica Antigua de Antwerpen, Los Siglos de Oro de Caja Madrid, etc. Entre su discografía solista, el disco El Parnasso (Arcana 316) con El Cortesano, Motetti di Willaert (Stradivarius) y Misteri d’Elx. En ensemble estacar: Carlos V Emperador y Villancicos Coloniales(ambos en Alia Vox, Jordi Savall), Júpiter y Semele (Eduardo López Banzo para Harmonia Mundi Ibérica, Al Ayre Español) y Música de Zeballos (Dominique Vellard). Es miembro fundador del grupo El Cortesano y miembro de La Colombina. Actualmente es profesor en los cursos de Música Antigua de Aracena y la Universidad de Salamanca. Ariel Abramovich Buenos Aires, 1976. Dedicado en exclusiva al repertorio renacentista para laúd y vihuela, Ariel Abramovich es uno de los más jóvenes intérpretes de este repertorio que, merced a su compromiso con el mismo, ha obtenido un serio reconocimiento en el ámbito de la música antigua. Desde muy joven, se interesa por el rock, el jazz y la música latinoamericana. Estudia guitarra con Norberto Pedreira y Enrique Sinesi, a la vez que investiga otros lenguajes de la mano de músicos como Hugo Romero y otros exponentes de la música argentina. Estudia luego guitarra clásica con José Luis Merlín y Miguel de Olaso, al tiempo que asiste a seminarios y cursillos con diversos artistas, entre ellos Miguel Ángel Girollet. Es durante este período de estudio cuando es deslumbrado por una fantasía de Luys de Narváez, lo que determina su inmediata, absoluta y exclusiva dedicación al repertorio para laúd y vihuela del siglo XVI. Comienza entonces a estudiar laúd y vihuela con Dolores Costoyas y Eduardo Egüez, y asiste a cursos de laúd con Paul O´Dette, Hopkinson Smith, y monográficos con Pedro Memelsdorff. Desde 1996 hasta 1999 estudia como alumno regular en la Schola Cantorum de Basilea, de gran prestigio en la investigación e interpretación de la música antigua. Allí es discípulo de Hopkinson Smith, considerado entre los máximos exponentes del laúd en el mundo. En este período realiza también cursos con artistas como Anthony Rooley, Crawford Young o Dominique Vellard. Actualmente, continúa su formación con Eugène Ferré, y todo aquel dispuesto a compartir conocimientos que le permitan dar un paso hacia sus ideales. En el ámbito profesional, se dedica prácticamente en exclusiva a su labor solística y al grupo El Cortesano, realizando numerosas actuaciones tanto en Argentina como en Europa. Ha colaborado en producciones discográficas con “La Compañía del Tempranillo” (“Veneno de los Sentidos”, 1999) y el primer disco del renombrado músico popular brasileño Marcelo Delacroix (2000). Su última grabación es la que ha realizado para el sello discográfico Arcana con “El Cortesano”, dedicada enteramente al vihuelista castellano Estevan Daça. Ariel Abramovich es, en definitiva, uno de los más destacados laudistas de su generación, y uno de los pocos especializados en un repertorio tan específico como el de laúd y vihuela de entre 1507 y 1630. Forma parte de diversos proyectos de música de cámara: con el tenor John Potter, y con los laudistas Eugène Ferré, Evangelinda Mascardi y Lee Santana entre otros. Ejerce la labor docente en los cursos de Música Antigua de Prachatice (Rep. Checa), la primera Bremer Lautenakadediem (Bremen, Alemania), los organizados en la Universitat Jaume I en Castellón, el Taller de Música Antigua de Alicante y en distintos conservatorios de América del Sur.


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FEDERICO LECHNER

Federico Lechner piano

Con motivo de la celebración del bicentenario del nacimiento de Federico Chopin, Federico Lechner presenta su proyecto “Improvisando sobre Chopin”, en el cual desarrolla su propia visión de la música del genial compositor polaco a través de la Improvisación, respetando el espíritu original de las obras pero añadiendo un toque personal y único en cada interpretación. No es la primera vez que Lechner afronta este desafío, ya que con anterioridad lo ha hecho con música de Debussy, Ravel y Albéniz, para el festival Progetto Argerich, celebrado en Lugano (Suiza) en junio de 2008, y desarrollado luego en el Conservatorio Superior de Música de Atocha, el Real Alcázar de Sevilla, y con un programa exclusivo en Radio Clásica de RNE interpretado desde la Fundación Juan March. Esto si nos referimos a la experiencia del “piano solo”, ya que desde hace bastantes años desarrolla esta misma idea con el trío Howes-Lechner-Martín (con el violinista Christian Howes y el contrabajista Pablo Martín Caminero), con el que ha tocado en lugares como el Auditorio Nacional de Madrid, el Rockefeller Center de Nueva York, El Festival Internacional de Piano de Lucena y otros muchos, siempre improvisando sobre obras de compositores clásicos de todas las épocas. Con este repertorio el trío grabó dos álbumes: “Klazyc I” y “Klazyc II”, y realizó una gira con música exclusivamente de Mozart con motivo del año Mozart 2006. Programa Improvisando sobre Chopin

| Bicentenario del nacimiento de F. Chopin

Preludio 20 Estudio nº 6, Op. 10 Nocturno nº 1, Op. 55 Marcha fúnebre Escocesa Op. 72 nº 2 Dos mazurcas Preludio nº 6 Músicos

Federico Lechner Buenos Aires (Aregentina), 1974. Nace en el seno de una familia de músicos y comienza a tocar el piano a la edad de 3 años, de la mano de su madre Lolita Lechner. Durante su infancia toca frecuentes recitales de piano y trabaja como cantante en anuncios de TV. En 1984 se traslada a España. En 1989 comienza a estudiar jazz y trabajar como pianista y teclista con diversos artistas. Inicialmente, estudia piano con Horacio Icasto, armonía y arreglos con Rafael Reina, trompeta con Julio Daud, ritmo con Miguel Gil, y educación del oído con Hebe Onesti. Más tarde, ya a partir del 2004 y en la actualidad, ampliará sus estudios con Fred Hersch, Santiago Giacobbe, Bruce Barth, Eliane Elias y Graham Jackson. Ha colaborado con un amplio abanico de artistas del panorama de la música comercial en España: Los Toreros Muertos, Miguel Ríos, Ariel Rot, Javier Krahe, Pablo Carbonell, Ismael Serrano, Sergio Makaroff, Rafa Tena o Javier Ruibal entre otros, compaginando las facetas de pianista, arreglista, director musical, multi-instrumentista, y productor artístico, en directo y en estudio. Fue el director musical del disco y de la gira “18 Boleros Chulos”, junto a El Gran Wyoming, Santiago Segura, Pepín Tré , Javier Ruibal, Pablo Carbonell y Javier Krahe y colaboradores como Ana Belén, Enrique Morente, Joan Manuel Serrat, Alejandro Sanz y Diego “El Cigala”. Así mismo, y a pesar de su juventud, es un “viejo” conocido del circuito jazzístico español, ya que en su haber ha tocado junto a músicos de la talla de Jorge Pardo, Antonio Serrano, Chano Domínguez, Perico Sambeat, Javier Colina, Miguel Ángel Chastang, Pedro Ruy Blas, Bob Sands, Ximo Tebar, Israel Sandoval, Chema Saiz y un largo etcétera. Así mismo , ha colaborado y colabora frecuentemente con artistas internacionales como Jerry González, Christian Howes, Sonny Fortune, Ugonna Okewo, o Rez Abbasi, entre otros. Con ellos ha realizado grabaciones y giras por los Estados Unidos, Europa y Sudamérica, actuando en escenarios tan emblemáticos como el Rockefeller Center de Nueva York, el Auditorio Nacional de Madrid, el Teatro General San Martín de Buenos Aires, la sala Flagey de Bruselas, el Alcazar de Sevilla, la Abadía de Nieremeyer de Luxemburgo o el Festival de Jazz de Medellín, por citar unos pocos. Aparte de sus numerosas colaboraciones, tiene publicados seis discos como artista. Es habitual encontrar su nombre en las bandas sonoras de muchas películas españolas, entre las que podríamos destacar por ejemplo “Los lunes al sol”, “Rencor”, o “Ataque verbal”. También ha compuesto la música original de varios cortometrajes y anuncios publicitarios, y ha hecho dos giras por España como pianista improvisador en directo de películas de cine mudo de toda índole (Chaplin, Melies, Keaton, expresionismo alemán..). Actualmente trabaja en la pre-producción de la música de dos largometrajes que se rodarán en el 2009. Fue director musical y arreglista de la gira en España de la obra de teatro “Mingus Cuernavaca”, estrenada en el Festival de Otoño de Madrid 2005 y protagonizada por Chete Lera. En su faceta docente, destaca su implicación en proyectos de enseñanza de la improvisación a niños, sobre todo alumnos de conservatorios y centros de enseñanza de música clásica, como el Lemmens Institute de Louven (Bélgica), La Escuela de verano para jóvenes Músicos “Ciudad de Lucena”, Las High School for Performing Arts de Columbus (Ohio) y Des Moines (Iowa), el conservatorio Jesús Guridi de Vitoria, , La Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, el Taller De Músicos de Oviedo, o el Taller de Músicos de Gijón. También desarrolla su labor docente con alumnos privados, así como en la Escuela Municipal de Tres Cantos


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(Madrid). En el 2001 gana el 4º Premio de Composición de Jazz “Teté Montoliú”, convocado por la SGAE con su tema “Conversation con Thelonius”. En 2002 su disco a dúo junto a Jerry González “A Primera Vista” resulta finalista como Mejor Álbum de Jazz en los Premios de la Música de España. En el 2005 su tema “Iboga” es galardonado con el Primer Premio de Composición de jazz “Teté Montoliú”. También se ha interesado por la composición “clásica”, habiendo escrito una serie de cuartetos de cuerda, otra de sexteto de cuerda, y varias obras para piano. Actualmente trabaja en una “Suite” para Flauta, piano y chelo. En junio del 2008 fue invitado a tocar en el prestigioso Progetto Argerich, celebrado en la ciudad suiza de Lugano, donde improvisó sobre obras de Debussy y George Gershwin. Su proyecto actual principal es su Tango&Jazz Trío, con el que lleva seis años de fructífera actividad por España, Argentina, Europa y Estados Unidos, dos discos en su haber, “Estela” (Bost 2006) y “Beboponga” (18Chulos 2008) y dos conciertos en directo para dos de las cadenas de televisión más importantes de España: “Fusión Sonora” (Telecinco) y “Noite de Jazz” (TVG). Por otro lado, pueden oírse y descargarse en Internet los primeros temas de su proyecto de dúos de pianos con pianistas españoles e internacionales. Los primeros invitados han sido Chano Domínguez, Moisés Sánchez, Pablo Salinas y Jorge Estrada.


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FRANCISCO BERNIER

Francisco Bernier guitarra

Considerado por la crítica como uno de los grandes guitarristas de su generación, Francisco Bernier ha ido forjando a lo largo de los años una carrera llena de éxitos y galardones que le han llevado a actuar en 30 países por Europa, América, África y Asia y en escenarios tan prestigiosos como la Salle Cortot y el Théâtre Mogador de Paris, la Salle Corum de Montpellier, el Grand Théâtre de Bordeaux, Oji Hall de Tokio, Kyoto Concert Hall, Museo del Hermitage de San Petersburgo, Teatro Maestranza de Sevilla, Teatro Comunale de Alessandria, Merkin Hall de New York, en el Hall de la Organización de los Estados Americanos de Washington o en el Zellerbach Hall de San Francisco. Finalista en el Concert Artist Guild de Nueva York, Francisco Bernier posee 20 premios internacionales y es el único español que ha ganado el primer premio en el prestigioso Concurso Internacional de Guitarra “Michele Pittaluga” de Alessandria (Italia). Programa De Mudarra a Sanz, de Tárrega a Albéniz, entre Sors y Chopin

| Aniversarios de Alonso Mudarra, Gaspar Sanz, Isaac Albéniz y Chopin

ALONSO MUDARRA (1510-1580) Diferencias sobre Conde Claros Fantasía que contrahaze el harpa a la manera de Ludovico

GASPAR SANZ (1640-1710), Suite Española Españoletas Gallarda y Villano Danza de las Hachas Rujero y Paradetas Zarabanda al ayre español Pasacalle de la Caballería de Nápoles Folías La miñona de Cataluña Canarios

FERNANDO SORS (1778-1839) Tema y Variaciones sobre “La Flauta Mágica” op.9

FREDERIK CHOPIN (1810-1849) Nocturno op.9 nº2

ISAAC ALBENIZ (1860-1909), Suite Española op. 47 Mallorca Sevilla FRANCISCO TÁRREGA (1852-1909) Gran Jota de conciertos Francisco Bernier Sevilla, 1975. Considerado por la crítica como uno de los grandes guitarristas de su generación, Francisco Bernier, ha ido forjando a lo largo de los años una carrera llena de éxitos y galardones que le han llevado a actuar en 30 países por Europa, América, África y Asia y en escenarios tan prestigiosos como la Salle Cortot y el Théâtre Mogador de Paris, la Salle Corum de Montpellier, el Grand Théâtre de Bordeaux, Oji Hall de Tokio, Kyoto Concert Hall, Museo del Hermitage de San Petersburgo, Teatro Maestranza de Sevilla, Teatro Comunale de Alessandria, Merkin Hall de New York, en el Hall de la OEA (Organización de los Estados Americanos) de Washington o en el Zellerbach Hall de San Francisco. Finalista en el Concert Artist Guild de Nueva York, Francisco posee 20 premios internacionales y con tan solo 20 años es el único español que ha ganado el primer premio en el prestigioso Concurso Internacional de Guitarra “Michele Pittaluga” de Alessandria (Italia). Ha actuado con orquestas como la Camerata de San Petersburgo, Orquesta Sinfonía de Manchester, Orquesta Sinfónica del Mediterráneo, Orquesta Sinfónica del Vallés, Orquesta Sinfónica de Huelva o la Berkeley Symphony de San Francisco dirigida por el Maestro Kent Nagano. Francisco Bernier comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal con los profesores Juan Carlos Rivera y Serafín Arriaza terminándolos a los 17 años con Matrícula de Honor. Se traslada posteriormente a la Ecole Normale "Alfred Cortot" de París bajo la dirección del Maestro Alberto Ponce consiguiendo los Diploma Superior de Ejecución y de Concertista por unanimidad. Entre 1998 y 2002, sigue perfeccionándose en la Université du Québec en Montreal con Alvaro Pierri (Canadá) y en el Conservatoire National Supérieur de París con Roland Dyens. Asimismo sigue las master clases de David Russell, Léo Brouwer, José Tomás, Oscar Ghiglia y recibe los consejos de compositores, directores de orquesta y músicos de otras disciplinas. Ha grabado 5 Cds el primero de ellos bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura Español-INAEM y en sellos prestigiosos como Mandala-Harmonia Mundi, Déclic-Radio France o Verso y participa en numerosas grabaciones de radio y televisión: para la Deutsche Welle, la Cadena Ser, la R.T.V.E, la R.A.I, Radio France International, Radio Clásica, France Musiques o la NHK nipona. En el mes de septiembre grabó en Canadá su primer CD para la compañía NAXOS con obras del compositor Antón García Abril. Además, su interés por la música contemporánea le ha llevado a estar en contacto con compositores de nuestro tiempo como Zulema de la Cruz, Carlos Cruz


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de Castro, Naomi Sekiya, Paola Brino, Arnaud Dumond, Joseba Torre, Cesar Camarero, José Manuel López López o Luís de Pablo, entre otros. Francisco Bernier es también laureado de honor de las Fundaciones Emma Contestabile (Italia), Fundación Beracasa (Francia), Fundación “La Caixa" (España), Fundación Meyer y Fundación BNP-PARIBAS (Francia). Compagina su carrera de concertista con su labor docente ocupando una cátedra en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla.


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GUILLERMO PEÑALVER + ALEJANDRO CASAL + JUAN CARLOS RIVERA

Guillermo Peñalver flauta travesera barroca | Alejandro Casal clave | Juan Carlos Rivera tiorba, guitarra barroca El programa que interpretaremos esta noche bien podría haberlo oído el Rey Sol. Tanto Hotteterre como Visée, Couperin y Forqueray estuvieron a su servicio en distintas funciones musicales. La música de cámara creada por estos compositores encarna el momento más puro, si puede decirse algo así de la música, del estilo francés. La forma camerística preferida es la suite, donde, con exquisito refinamiento, se amalgaman movimientos de danza con piezas dedicadas o con título (La Forqueray, Le Mondorgue, La Couperin, etc,). Muy poco después, como veremos en la Sonata de Blavet, la influencia imparable de la música italiana hará que las obras de los autores franceses pierdan parte de esa delicada identidad que se fue gestando durante todo el siglo XVII. Vemos ya aparecer nombres italianos en los movimientos (Allegro, Adagio, etc.), y una intensidad general que no había existido hasta entonces en la música francesa. Nuestro programa incluye también una obra de un compositor, Duphly, cuyas fechas vitales parecen representar, simbólicamente, el momento álgido de la Monarquía y la llegada de la Revolución.

Programa Un Concert Royal. Música para el Rey Sol

JACQUES MARTIN HOTTETERRE, dit «le romain» (1673-1763), Deuxième Suite en Re m. para flauta travesera y b.c. de la “Op. 5. Deuxième livre de pièces pour la flûte traversière et autres instruments avec la basse” (1715) Prélude – Allemande – Sarabande - Menuet I et II – Gavotte – Rondeau – Gigue

ROBERT DE VISÉE (ca. 1650-ca. 1725), Suite para tiorba en Mi m. Prélude – Allemande – Courante – Sarabande – Rondeau – Gigue

FRANÇOIS COUPERIN (1668-1733), Premier Concert Royal en Sol M. para flauta travesera y b.c. de los “Concerts Royaux” (París, 1722) Prélude: Gravement – Allemande: legèrement – Sarabande: mesurée – Gavotte: notes égales et coulées – Gigue: legèrement - Menuet en Trio

JACQUES DUPHLY (1715-1789), La Forqueray para clave ANTOINE FORQUERAY (c.1671-1745), La Couperin para clave

MICHEL BLAVET (1700-1768), Sonata en Mi m. La Dhérouvile Op. II nº 3 para flauta travesera y b.c. Adagio – Allemanda: Andante – Rondeau: Gratioso (l’Insinuante) – Presto: Tambourin I & II (Le Mondorgue) – Giga: Allegro

Músicos

Guillermo Peñalver Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de Sevilla. Se especializa en las flautas dulce y travesera barroca, estudiando con los profesores M. Martín, N. Stern, W. Dickinson, Ph. Suzanne y W. Hazelzet. Becado por la Junta de Andalucía, ha realizado estudios de perfeccionamiento de flauta travesera barroca en los conservatorios de Toulouse (Francia) y La Haya (Holanda). Como concertista ha actuado con numerosos grupos en España, Francia, Portugal, Holanda, Alemania, Méjico e Israel. Ha colaborado con varios de los más prestigiosos grupos de música antigua de España como Poema Harmónico, Extramundi, La Capilla Real de Madrid, La Stravaganza, Al Ayre Español, Concierto Español, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Orquesta Barroca de Sevilla, etc. Ha participado en la grabación de varios discos y grabaciones para radio y televisión con diversos grupos. Ha sido profesor de Flauta de Pico, Lenguaje Musical y Música de Cámara en el Conservatorio Profesional de Música “Manuel de Falla” de Cádiz. En la actualidad es profesor de solfeo del Aula de Música “Ian Murray” de Aracena y archivero y webmaster de la Orquesta Barroca de Sevilla. Alejandro Casal Sevilla. Estudia Piano, Composición, Clave, Contrabajo y Musicología en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, obteniendo Premios Fin de Carrera en las especialidades de Armonía, Composición, Historia de la Música y Clave. Posteriormente realiza estudios de Clave y Bajo Continuo con Tony Millán, Jan Willem Jansen, Jacques Ogg, Françoise Lengellé... y Contrabajo con Sasa Alkêsic, Mathew Gibbon y Margaret Urqhart. Ha actuado formando parte de diversas agrupaciones como Orquesta Barroca de Sevilla, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Orquesta Ciudad de Granada, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y es miembro fundador de los grupos “Mens Innovata”, “Stromenti Bassi”, “Zelenka” y “Trio Ex-corde” con quienes ha participado en conciertos y festivales por las principales ciudades españolas: Festival Internacional de Granada, Festival Úbeda y Baeza, Festival de Música Antigua de Gijón, Quincena Musical Donostiarra, Ciclo de Caja San Fernando, La Caixa, Ziryab de Córdoba...y en Londres, Würzburg, Milán, Nápoles, París... Ha participado en el estreno de la ópera “Ottavia” de D. Scarlatti con la Capella della Pietà dei Turchini (Dir.: A. Florio) con quienes realizará la grabación de la misma. Ha realizado grabaciones para RNE- Radio Clásica, Canal Sur y para la serie Documentos Sonoros de la Junta de Andalucía. Ha sido profesor de Música en las Universidades de Cádiz y Sevilla, y de Clave en el Conservatorio “P. A. Soler” de El Escorial, co-repetidor en diferentes cursos de música, como los de Música Antigua de El Escorial y Béjar (Salamanca), Caja San Fernando (Sevilla), Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza y Aracena. Desde la fundación del Coro Barroco de Andalucía colabora con esta formación como profesor co-repetidor en los cursos de formación y como acompañante en sus conciertos. En la actualidad es profesor en el Conservatorio Profesional “Francisco Guerrero” de Sevilla.


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Juan Carlos Rivera Sevilla. Estudió guitarra clásica con América Martínez en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde obtuvo varios premios académicos, entre ellos el premio de honor de fin de carrera. Más tarde se especializó en música antigua estudiando con José Miguel Moreno en España y con Hopkinson Smith y Paul O’Dette en el extranjero. Es uno de los intérpretes españoles de mayor reconocimiento en el terreno de la música antigua. Como solista, con su conjunto “Armoniosi Concerti” o como integrante de otros reconocidos grupos de música renacentista y barroca ha actuado en todo el mundo, en prestigiosos festivales internacionales como los de música antigua de Utrecht, Brujas, Saintes, Caen, Stuttgart, Londres, Barcelona, Daroca, Los Siglos de Oro de Caja Madrid, Festival de Música de Cámara de Boston, Festival Bach de San Sebastián, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Pau Casals de Puerto Rico, Festival Cervantino de Guanajuato (Méjico), Festival de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos” (Bolivia), Festival de Música Religiosa de Cuenca, etc. etc., y salas de concierto como Ópera Comique de Paris, Konzerthaus de Viena, National Library of Washington, Teatro Real de Madrid, Auditórium Nacional, Conservatorio Tchaikovski de Moscú, Auditorium Nacional de Helsinki, Saint John Smith Square de Londres, Auditorium Kursaal de San Sebastián, etc. Sus más de veinte grabaciones discográficas incluyen, entre otros: De los álamos de Sevilla, El delfín de música, Suites BWV 1007, 1008 Y 1009 de J. S. Bach, Basse de viole & théorbe, Armoniosi Concerti sopra la chitarra spagnuola, Lágrimas corriendo, Zarambeques, Tañer de gala, Et Jesum y Silva de sirenas, para los sellos discográficos Almaviva, Lindoro y Harmonia Mundi. Sus discos han recibido premios y distinciones de la crítica como “Editor Choyce” de Gramophon, “premios CD Compact”, *****Goldberg, *****BBC Music Magazine, “Classical Internet Award 05”, *****Klassik, etc. Ha realizado numerosas grabaciones radiofónicas para las principales cadenas internacionales. Dirige el grupo “Armoniosi Concerti”, con el que realiza una intensa actividad concertística, y trabaja asiduamente con cantantes como Carlos Mena, Marta Almajano y María Espada. Destaca su labor de investigación sobre la música española de los Siglos de Oro, con la recuperación y transcripción de numerosos tonos humanos, villancicos barrocos o la zarzuela de Antonio Literes (1673-1747) “Hasta lo insensible adora”, que dirigirá en versión de concierto el próximo noviembre en Madrid. Ocupa la cátedra de Instrumentos de Cuerda Pulsada del Renacimiento y Barroco en el Conservatorio Superior de Música "Manuel Castillo" de Sevilla, e imparte regularmente cursos de especialización en el repertorio antiguo en universidades, conservatorios y festivales internacionales.


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JORGE JIMÉNEZ + SILVIA MÁRQUEZ

Jorge Jiménez violín | Silvia Márquez Chulilla piano Jorge Jiménez y Silvia Márquez Chulilla, directores de Tercia Realidad y La Tempestad respectivamente, reconocidos intérpretes de música con criterios e instrumentos históricos afrontan el desafío de rendir tributo al genio del compositor Robert Schumann, de quién este año conmemoramos el 200 aniversario de su nacimiento, reproduciendo en éste concierto uno de los recitales que la pianista Clara Schumann y el violinista Ferdinand David podrían haber hecho alrededor de 1850.

Schumann escribió estas dos sonatas en 1851, en un momento en que luchaba contra su inestabilidad nerviosa, precedente de su intento de suicidio en 1854. Una música llena de controversia, belleza y extremos, adjetivos que describen su música hasta su fallecimiento en 1856. Programa Schumann 1850 (Sonatas y romanzas para violín y piano) | Bicentenario del nacimiento de Robert Schumann (1810-1856)

Violin Sonata No 1 in A minor, Op 105 Mit leidenschaftlichem Ausdruck Allegretto Lebhaft

Drei Romanzen, Op 94 No 1: Nicht schnell No 2: Einfach, innig – Etwas lebhafter No 3: Nicht schnell

Violin Sonata No 2 in D minor, Op 121 Ziemlich langsam – Lebhaft Sehr lebhaft Leise, einfach Bewegt Músicos

Jorge Jiménez Vilanova y la Geltrú, 1978. Estudió en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona hasta el 1998, cuando se traslada a los Países Bajos para estudiar con Kees Koelmans. En el 2002, la Generalitat de Catalunya le otorga una beca para estudiar con Lucy van Dael en el Conservatorio de Amsterdam. El año 2000, entra a formar parte de la Orquesta Barroca Europea. Desde ese año, su carrera profesional se desarrolla por toda Europa en Inglaterra, con The King's Consort, en España con la Orquesta Barroca de Sevilla y Al Ayre Español, en Bélgica con B'Rock y en Alemania con Das Neue Orchester. Colabora habitualmente con The Retrospect Ensemble, Academy of Ancient Music, English baroque Soloists, Leonhardt Consort, Irish Baroque Orchestra entre otras. Jorge es fundador y director de Tercia Realidad y de Xacona, ensemble en residencia en el Girton College de Cambridge. Jorge ha sido director invitado de la Orquesta del Teatro Nacional de Split y la Orquesta del Conservatorio de Dubrovnik. Ha grabado para sellos como Naxos, Lindoro, Capriccio-DLR e Hyperion. En la actualidad reside en Sevilla.

Silvia Márquez Chulilla Zaragoza. Fue Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales 1996 en las especialidades de Clave y Órgano; Premio Especial del Jurado y Mención de Honor en el Concurso Internacional "Primavera de Praga" 1999; Mención de Honor en el Concurso Internacional de Clave de Brujas (Bélgica) 2001; Segundo Premio en el IV Premio de Interpretación de Alcoy 2002. Miembro de la Orquesta Barroca de la Unión Europea 2001. Tras obtener los Títulos Superiores de Clave y Órgano con J.L.González Uriol en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, prosigue sus estudios en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam y el Real Conservatorio de La Haya: clave (Jacques Ogg y Menno van Delft), clave contemporáneo (Annelie de Man), órgano (Jacques van Oortmerssen) y fortepiano (Stanley Hoogland). Participa en cursos y seminarios con Gustav Leonhardt, Jesper Christensen, Jan Willen Jansen, Guy Bovet, Jon Laukvik, etc. Ha realizado cursos de postgrado en el C.S.I.C., así como en la Universidad de Alcalá de Henares, y actualmente prepara su tesis centrada en la música española para clave del siglo XX (Universidad de Granada). Ha ofrecido recitales por toda europa en festivales como: Musika-Música Bilbao, Ciclo de Órgano del Palacio Euskalduna en Bilbao, Semana de Música Contemporánea de la fundación De Suite (Ijsbreker, Amsterdam), sala De Unie (Rotterdam, 1996), Festival Suisse L'Orgue, Festival Internacional Organum Histriae (Croacia), etc. Ha actuado como solista con la Orquesta de Cámara Española, Orquesta Sinfónica de Murcia, Solistas de la Orquesta Barroca de Sevilla y Grupo Enigma-Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza. Varios de sus conciertos han sido emitidos por RNE2, BBC, RTL y la Radio Checa, y ha grabado para sellos como Attaca Warner o Arsis. Desarrolla su actividad camerística junto al clavecinista Alfonso Sebastián y como fundadora de La Tempestad. Ha sido profesora de clave en los Conservatorios Profesional y Superior de Salamanca y Murcia. Desde septiembre de 2007 ocupa la Cátedra de Clave en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.


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JOSÉ LUIS PASTOR + ERNESTO SCHMIED

Ernesto Schmied flautas históricas | José Luis Pastor cuerdas pulsadas medievales Un viaje muy especial a través de una miscelánea de obras de autores del medievo.

Musica nel castello es el título de un hermoso libro escrito por el musicólogo y medievalista italiano F. Alberto Gallo que nos sitúa en el espacio de un castillo, sitio que, según sus propias palabras, servía de “teatro” para el entretenimiento musical. La música se ejecutaba para una audiencia muy específica integrada por los habitantes del castillo y sus invitados. Ésta formaba parte de las actividades lúdicas que incluían: la caza, los juegos, los torneos, la danza y los banquetes. La música era un elemento de primera importancia dentro de esta sociedad de refinadas maneras en donde su praxis era considerada un aspecto inseparable de la educación de la sociedad cortesana.

Hoy tendremos la ocasión de escuchar a dos instrumentistas que recrean la atmósfera de un concierto cortesano medieval con un toque muy personal utilizando medios mínimos para lograr un compromiso tímbrico y estilístico de gran belleza. Programa Música nel Castello

Amours me fait commencier, Thibaut de Navarra (1201-1253) Tres danzas inglesas, Harley Ms. 978 • Anón. inglés (s. XIV) Estampidas reales VII & V, Ms. F-Pn fr.844 • Anón. francés (s. XIV) Mors sui se je ne vous vois, Guillaume de Machaut (ca. 1300-1377) De toutes flours, G. de Machaut • Codex Faenza (s. XIV) Istampitta Ghaetta, Ms. GB Add.29987 • Anón. italiano (s. XIV) Saltarello IV, Ms. GB Add.29987 • Anón. italiano (s. XIV) Lamento di Tristano & Rotta, Ms. GB Add.29987 • Anón. italiano (s. XIV) Trotto, Ms. GB Add.29987 • Anón. italiano (s. XIV) Questa fanciulla, Francesco Landini (ca. 1325-1397) Per quella strada lactea, Johannes Cicconia (ca. 1370-1412) Mariam Matrem Virginem, Llibre Vermell • Anón. español (s. XIV) Inperayritz, Llibre Vermell • Anón. español (s. XIV) Músicos

Ernesto Schmied Especialista en flautas históricas y director del grupo Speculum especializado en el Ars Nova español, ha actuado en numerosas salas de concierto en Latinoamérica, Europa, Oriente medio y norte de África. Invitado frecuente de importantes festivales: Fest. Internacional de Santander, Houde Muziek Utrecht, Quincena Musical Donostiarra, Calw Festspiele, Appenzeller Konzerthaus, Musica Barroca do Porto, South Bank, Islington Early Music Week. Colabora con diversas agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el renacimiento hasta la música de reciente creación (Camerata Iberia, Scordatura, La Españoleta, Neopercusión, y Extramundi) y ha sido solista invitado por diversas orquestas (Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Concerto, Orquesta de Cámara de Música Barroca do Porto, Orquesta Schola Cantorum, Orquesta Barroca de Sevilla y Concierto Español). Dentro de su amplia discografía sobresalen el CD de música Española del renacimiento para la casa americano-nipona MA Recordings titulado Songs and Dances from the Spanish Renaissance (1996) y el primer trabajo discográfico del grupo Speculum, Fumeux fume par fumee (1998), premiado con el prestigioso Choc de Le Monde de La Musique en enero de 2000. Desde el pasado 2006 se ha embarcado en la serie de grabaciones dedicadas íntegramente al Cancionero de El Escorial B colaborando con músicos de la talla de Carlos Mena en los volúmenes II y III. La grabación del vol. IV se editará a principios del 2010. Como director artístico del Festival de Música Infrecuente (Conde Duque, Madrid), desde el año 2001 ha potenciado una programación ecléctica en consonancia con las exigencias de un público moderno que busca la novedad dentro de los límites que acota la calidad. También dirige el Festival de Música Infrecuente de Santillana del Mar que se desarrolla a lo largo del mes de septiembre desde el año 2000 y en donde han sido invitados agrupaciones y solistas de prestigio internacional. Desde el pasado 2008 dirige el Festival Internacional de percusión Atapercu. En él se dan cita las figuras más importantes de la percusión y durante cuatro días se puede asistir a conciertos en diferentes escenarios de Atapuerca. Por el festival han pasado figuras como Jorge Drexler, Jojo Mayer, Juanjo Guillem, Ttukunak o Fernandinho Marconi Project. Entre sus últimos proyectos sobresalen Imaginarium, un recital solista de flautas y electrónica en donde la propuesta es un recorrido por repertorios desde la antigüedad hasta obras de estreno. Y con ocasión del próximo Jacobeo ’10 se ha embarcado junto a la agrupación Speculum en la elaboración de la Misa Peregrina, un programa que recrea una celebración medieval muy singular.

José Luis Pastor Considerado uno de los mayores especialistas en la Cuerda Pulsada Medieval, es Profesor Superior de Guitarra Clásica por el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, de Sevilla. Premio fin de grado en la especialidad de Laúd y vihuela. Interesado por la Música Antigua, se ha formado en España, Francia e Italia con profesores de prestigio en este campo. Ha participado en festivales de Música Antigua en España (Madrid, Barcelona, Sevilla, Gijón, Cataluña (“Musica als Castells”) Granada, Toledo, Alarcos (Ciudad Real), San Sebastián, Huelva, Murcia, Córdoba, Huesca, Úbeda y Baeza, Aracena...), Bosnia-Hertzegovina (Winter Festival of


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Sarajevo), Francia (París e Istres -Marsella-), Italia (Lombardía, Cremona, Mántova, Crema -“Il canto delle pietre”-), Portugal (Islas Açores, Lisboa, Lagos, Portimao, Faro, Tavira, Albufeira...etc.) y Marruecos (Tánger y Casablanca). Invitado por el British Museum de Londres al simposium internacional sobre la cítola (nov 2010) y por la Lute Society a su stage 2011, también en Londres. Ha realizado programas y grabaciones para RNE, ofrece conferencias-conciertos ilustrados (conservatorios “Moreno-Torroba” y “Arturo Soria” -Madrid-, Festival de Música Antigua de Aracena -Huelva-, Conservatorio de Beja -Portugal-, Encuentro de la Sociedad Española de la Vihuela -Córdoba-, Semana del Misterio de Obanos -Navarra-, Festival de Música Antigua de Olivares –Sevilla-, Foro Medieval de Cortegana –Huelva-…, y ha escrito artículos para revistas especializadas (Hispánica Lyra, de la Sociedad de la vihuela, de la que es miembro fundador). Ha grabado como Solista de cuerdas medievales (Archivo RNE), como ex componente de Arte-factvm, “De la taberna a la corte” y “Tempus est iocundum”. Actualmente dirige el grupo Axabeba, con el que ha grabado “El Sueño Hebreo”, “Colores del Medievo”, “Maríam Matrem” y “Cantigas de Santa María”. Desarrolla su labor docente en el “Aula Ian Murray” (Aracena – Huelva – España), Conservatorio Superior “Manuel Castillo” y Conservatorio Profesional “Cristóbal de Morales” (Sevilla). Actualmente es director del Conservatorio “Manuel Rojas”, de Nerva (Huelva), en el que ocupa plaza de profesor titular de guitarra.


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JUAN SANCHO + ENRIQUE SOLINÍS

Juan Sancho tenor | Enrique Solinís guitarra romántica Desde sus albores y hasta principios del siglo XIX, Europa siguió los imperativos de la cultura y moda italiana: Dante, Petrarca, Palestrina, Monteverdi, Scarlatti, el italianizante Handel… Y no fue una excepción el comienzo del ottocento, donde el Bel canto se imponía como la forma más sofisticada y refinada de música, con influencias no sólo en el repertorio vocal, sino también en el instrumental. Sirva de ejemplo Chopin, que tanto idolatraba a Bellini. No obstante, con el inicio del Romanticismo, se irán perfilando más nítidamente los estilos nacionales que, al margen de sus muchos puntos en común, serán cada vez más genuinamente afines al gusto particular de cada país. En el concierto de esta noche, presentamos una pequeña muestra del panorama musical europeo del ottocento con tres ejemplos bastante característicos: España, Austria y la eterna Italia, con sus coincidencias, como el melodismo belcantista, y sus diferencias, tales como el pintoresquismo e ímpetu español, la interioridad emocional germana y el virtuosismo y extroversión italiano.

Programa Seguidillas, caprichos, Lieder y Bel canto (Panorámica del arte lírico europeo de inicios del S. XIX con acompañamiento de guitarra) España

FERNANDO SOR (1778-1839) Variaciones sobre la “Flauta Mágica” Op. 9 Selección de seguidillas, boleros y arias *

MANUEL GARCÍA (1775-1832) Selección de canciones, caprichos líricos y arias * *** Austria

WOLFGANG A. MOZART (1756-1791) Sonata Kv 545: Allegro **

FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Selección de Lieder * **** Italia

MAURO GIULIANI (1781-1829) Gran sonata eroica Op. 150

GIOACHINO ROSSINI (1792-1868) Arias de “El barbero de Sevilla” * * Transcripcción para guitarra del acompañamiento vocal de Enrique Solinís ** Transcripción para guitarra de Enrique Solinís

Músicos

Juan Sancho Sevilla 1982. Tras obtener el título profesional de piano en su ciudad natal con María Floristán, ingresa en la Escola Superior de Música de Catalunya para estudiar con Lambert Climent, donde también recibe calses de Montserrat Figueras y Marta Almajano. Realiza sus estudio en la especialidad “canto histórico”, pero su interés musical abarca desde el barroco al belcanto y Lied, por lo que colabora con grupos especializados en los más diversos repertorios: Les Arts Florissants, Capeia Reial de Catalunya, Les Sacqueboutiers de Toulouse, Orquesta Barroca de Sevilla… Así mismo, ha trabajado con Europa Galante, Mala Punica, Doulce Memoire y Al Ayre Español. Es también debido a dicho interés repertorístico que forma un dúo estable con el pianista gallego Xoán Elías Castiñeira. Entre los directores para los que ha cantado cabe destacar a William Christie, Gustav Leonhardt, Jordi Savall o Fabio Biondi. Ha actuado en algunos de los festivales más importantes de Europa, como Ambronay, Amberes, Brujas y Friburgo; y de España, como Barcelona, Sevilla o San Sebastián. También ha actuado en salas o casas de ópera internacionales del prestigio del Teatro alla Scala (Milán), Barbican Center (Londres), Lincoln Center (Nueva York), Palais de Beaux Arts (Bruselas), Alte Oper (Frankfurt), Cité de la Musique (París), Fundaçao Gulbelkian (Portugal), Teatro


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Nacional de Praga, Teatro Malibran de la Fenice (Venecia) y en otras nacionales como el Teatro Real (Madrid), Teatro de la Maestranza (Sevilla), Auditorio Nacional (Madrid) o el Auditori (Barcelona). Ha realizado varias grabaciones radiofónicas, entre ellas, para la radio clásica belga Klara, la BBC, Radio France, la radio clásica suiza y Radio Clásica de RNE. En el terreno específicamente operístico cabe destacar su debut en el Teatro Real en L’Orfeo (Pastore III) de Monteverdi bajo dirección de William Christie y tembién en el Teatro Malibran de la Fenice (Venecia) cantando Virtù de’ strali d’amore (Pallante) con Europa Galante bajo la dirección de Fabio Biondi. También ha participado en una gira europea con Les Arts Florissants y William Christie cantando el papel de Don Carlos en Les Indes Galantes de Rameau. Fue uno de los jóvenes cantantes seleccionados para participar en la edición de 2007 del proyecto Le Jardin des Voix de Les Arts Florissants. Así mismo, fue seleccionado también para participar en la European Music Academy de canto del Festival de Aix-en-Provence en su edición de 2007, donde trabajó con Mikael Eliansen, Bernarda Fink y Graham Clark entre otros. Entre sus futuros compromisos se encuentra su intervención en Il ritorno d’Ulisse (Anfínomo) que tendrá lugar en la primavera de 2009 en el Teatro Real, bajo la dirección de William Christie. En la actualidad se perfecciona en París con el barítono Raphaël Sikorski. Enrique Solinís Bilbao. Considerado según la crítica uno de los mayores virtuosos de su generación Enrique Solinís nace en Bilbao. Realiza los estudios superiores de guitarra y de música antigua en el Conservatorio “J.C.Arriaga” de Bilbao y en la Escola Superior de Música de Catalunya respectivamente. Obtiene el “Postgrado de Concertista Cum Laude” de las manos del insigne maestro José Tomás. Premiado en varios concursos internacionales de guitarra, “Concurso Internacional de Comillas”, “Concurso Internacional Ataulfo Argenta”, “Concurso Internacional Andrés Segovia” etc… desarrolla su carrera como solista de guitarra clásica, siendo requerida su presencia tanto en festivales como en concursos en calidad de jurado o profesor, para posteriormente compaginarla con una intensa actividad dentro de la música antigua en la que es requerido en su faceta tanto de solista así como de continuista, en importantes formaciones como Hesperion XXI, Le Concert de Nations y la Capella reial de Catalunya dirigidos por Jordi Savall , Concerto Vocale y Akademie for Alte Musik dirigido por René Jacobs, Le Concert D´astrée dirigido por Emmanuelle Haim etc… Participa habitualmente en los festivales internacionales y salas más importantes de Europa y América, Carnegie Hall en New York, Koncerthaus de Berlin, Champs Elysées de París, Theater an der Wien en Viena, Barbican Center en Londres, Sala Nezahualcoyotl de México D.F etc…, formando parte de prestigiosos grupos de cámara y orquestas como The rare fruits council dirigido por Manfredo Kraemer, Ensemble Elyma de Gabriel Garrido, Forma Antiqva dirigido por Aarón Zapico, Laberintos Ingeniosos dirigido por Xavier Díaz-Latorre, Pulsata3… Fundador y director del grupo Euskal barrokensemble en el transcurso de estos años, sus recitales han sido grabados por diferentes medios de difusión así como ha realizado grabaciones para diferentes sellos como KLE, Ausrecords, La má de Guido, Arsis, Zig zag Territoires, AliaVox etc… En los proyectos más inmediatos destaca el de impartir clases en conservatorios y festivales como el Culiacán Internacional Festival de México 2010, solista con la orquesta Austriaca con el director Atilio Cremonesi Suiza 2010 o elegido por Leo Brouwer a interpretar música original del autor en instrumentos antiguos.

Un gran tenor para la ópera de Rossini ANDRÉS MORENO MENGÍBAR | 22.03.2010 Juan Sancho. Festival de Música Antigua de Sevilla (Femás 2010). Café Barroco. Programa: Obra de F. Chopin, F. Schubert, G. Rossini y G. Donizetti. Piano: Xoán Elías Castiñeira. Tenor: Juan Sancho. Lugar: Café del Casino de la Exposición. Fecha: Sábado, 20 de marzo. Aforo: Lleno. (…) Juan Sancho me sorprendió gratamente por el volumen y la anchura que ha tomado su voz. La belleza del timbre es arrebatadora y consigue que no se note en absoluto el paso de registros. Si el centro es carnoso y timbrado, el agudo salta como un relámpago, abriéndose y ensanchándose de forma sorprendente hasta el Do sobreagudo sin problemas. El legato es siempre muy sensible y matizado y la coloratura es espectacular, luciéndose en el canto martellato de piezas tan complejas como Languir por una bella o Cesa di più. En él tienen los teatros una verdadera mina belcantista.


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LA RITIRATA – JOSETXU OBREGÓN

Tamar Lalo flauta dulce | Daniel Zapico tiorba, guitarra barroca | Josetxu Obregón cello, dirección artística “La Ritirata, un grupo a tener muy en cuenta”. [Jordi Abelló. Ritmo]. “El impulsor de La Ritirata es Josetxu Obregón, uno de los más interesantes violoncelistas barrocos que han surgido en España recientemente. El otro anclaje del proyecto es la flautista israelí Tamar Lalo. No lo duden ni un momento: la música y la interpretación son una pura delicia”. [Eduardo Torrico. CD Compact]. “Josetxu Obregón es uno de los más destacados violonchelistas españoles de las jóvenes generaciones”. [Pablo J. Vayón. El martillo sin dueño]. “La Ritirata, liderados por el versátil violonchelista Josetxu Obregón, toda una lección de gracia y energía interpretativas”. [María Santacecilia. 12Notas]. El programa que La Ritirata nos ofrece bajo el título “Hispaniæ musica: Al servicio de reyes y nobles” acerca a nuestro tiempo el esplendor de la música española de antaño. Visitaremos la música del Renacimiento y Barroco en España, con obras de compositores españoles que sirvieron en cortes europeas y de extranjeros que lo hicieron en cortes españolas.

Con su nuevo álbum “Chiaroscuro” recién lanzado, y tras el gran éxito del último CD para el sello Verso con sonatas de Boccherini, interpretadas en el Palacio de Arenas de San Pedro donde el compositor vivió los últimos años de su vida, La Ritirata se ha ganado una importante posición entre las más destacadas formaciones instrumentales de la interpretación histórica.

Debutando en festivales de gran prestigio, como Musika-Música del Palacio Euskalduna de Bilbao, Festival de Música Antigua 2009 del CNART de Ciudad de México, Fringe Early Music Festival Utrecht, Festival Internacional de Música de Jaca, Festival Internacional “Itxas Soinua” de Lekeitio, Festival de Música Antigua Iberoamericana "Domingo Marcos Durán" de Cáceres, Festival de Música Sacra “Rey Balduino” de Motril y “Barroko Aire” de Ordizia, entre otros, y tras haber sido recientemente galardonados en Sitges, La Ritirata se encamina hacia próximos proyectos de cada vez mayor envergadura.

Como objetivo, combinar el más riguroso rigor histórico con los máximos niveles de exigencia y calidad artística, unidos a una musicalidad sorprendente y una soberbia puesta en escena que deslumbra a público y crítica. Todo ello de la mano de su director artístico, Josetxu Obregón, que en medio de una imparable agenda que le traslada a los escenarios de Miami, Tokio y México DF entre otros, y tras haber formado parte de algunas de las agrupaciones más reconocidas del mundo como la Concertgebouw Orkest, se ha centrado en la Música Antigua con el objetivo de elevar su calidad técnica y artística para mostrar al público más exigente cómo la interpretación, unida al conocimiento de los instrumentos y criterios estéticos que cada compositor experimentó en su vida, es sin duda la clave del futuro musical en nuestra sociedad.

Al igual que cualquier otra agrupación dedicada a la interpretación histórica, la plantilla de La Ritirata varía en tamaño e instrumentación en función de las necesidades de cada autor, época y estilo a interpretar. Creada durante su etapa de residencia en Holanda por Josetxu Obregón, La Ritirata toma su nombre del célebre quinteto que Luigi Boccherini compone en Madrid, titulado “La ritirata notturna di Madrid”, si bien la interpretación de la música de Luigi Boccherini y la difusión del repertorio español del Barroco y Clasicismo fuera de nuestras fronteras no es su único registro: la variedad de estilos y épocas que cubren sus proyectos es mucho mayor, buscando la introducción en nuestro país de las nuevas tendencias de la interpretación histórica, descubriendo nuevos repertorios desconocidos para muchos públicos, siempre con una mentalidad innovadora y un constante espíritu de investigación y descubrimiento en el terreno de la interpretación con instrumentos de época.


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Programa Hispaniæ musica: Al servicio de reyes y nobles

BARTOLOMÉ DE SELMA Y SALAVERDE (c.1580-c.1640), Canzona III a soprano solo

DIEGO ORTIZ (c.1510-c.1570), Recercadas sobre la canción "Doulce Memoire"

SANTIAGO DE MURCIA (1673-1739), Folías gallegas

BARTOLOMÉ DE SELMA Y SALAVERDE, Vestiva i colli passeggiato a doi, basso e soprano

ANDREA FALCONIERI (c.1585-1656), Alemana dicha Villega La Benedetta Corriente dicha la Mota, echa por Don Pedro de la Mota

BARTOLOMÉ DE SELMA Y SALAVERDE, Fantasia basso solo

GASPAR SANZ (1640-1710), Marionas

ANDREA FALCONIERI, Corrente detta L’Auellina Corriente dicha la Cuella Il Spiritillo Brando Brando dicho el Melo

Passacalle, improvisación sobre un obstinato

DOMENICO GABRIELLI (c.1659-1690), Ricercare II para cello solo

ANDREA FALCONIERI, La Suave Melodia

BARTOLOMÉ DE SELMA Y SALAVERDE, Corente IV a doi, basso e soprano

DIEGO ORTIZ, Recercadas sobre tenores italianos

Músicos

Josetxu Obregón En pleno desarrollo de una brillante trayectoria como violonchelista, habiendo sido nombrado profesor por oposición del Real Conservatorio Superior de Madrid y galardonado con más de 11 premios en concursos nacionales e internacionales, Josetxu Obregón decide especializarse a su vez en el campo de la interpretación histórica del violoncello. Nacido en Bilbao, ha cursado estudios superiores y de postgrado en violoncello, música de cámara y dirección de orquesta con las más brillantes calificaciones en España, Alemania y Holanda, donde a su vez estudia violoncello barroco en el Koninklijk Conservatorium de La Haya mientras se mantiene en permanente contacto con Anner Bijlsma. Desarrolla una intensa actividad concertística, ofreciendo constantes recitales en más de 11 países europeos, Estados Unidos y México, y actuando como solista al frente de diversas orquestas en España, Portugal, Holanda, Reino Unido y Alemania. Ha formado parte de las más importantes formaciones europeas, como son la Royal Concertgebouw Orchestra y la Rotterdam Philharmonic Orkest entre otras o, en el mundo de la interpretación histórica, ha sido violoncello solista de EUBO - Orquesta Barroca de la Unión Europea, l’Arpeggiata (Austria-Francia), la Orchestra of the Age of Enlightment (Inglaterra), compartiendo escenario con Christina Pluhar, Lars Ulrich Mortensen, Maggie Faultless, Fabio Bonizzoni, etc. Recientemente ha grabado en CD el triple concierto de Beethoven para el sello español Piccolo, ha sido primer violoncello invitado del grupo Suggia Ensemble para la grabación de un doble CD sobre Oreste Camarca, y además ha realizado grabaciones para la discográfica especializada en música antigua Obsidian (Inglaterra) y para Verso, Arsis, RTVE, La Cuatro y Antena3 en España; NPS Radio 3 en Holanda y la Televisión de Macedonia. Ha sido invitado personalmente por Anner Bijlsma a participar como intérprete en un documental holandés sobre Luigi Boccherini y Anner Bijslma titulado “The Secret of Boccherini”, filmado en Arenas de San Pedro (España), donde el compositor vivió en la última época de su vida. Tamar Lalo Nacida en Israel, se inicia en el estudio de la Flauta de Pico a la edad de 7 años. En 2002 se gradúa en el Thelma-Yellin High School of Arts con honores y en 2006 termina sus estudios de Bachelor in Music en la Jerusalem Academy of Music and Dance, donde había estudiado con Michael Meltzer y Drora Bruq. Ganadora de la Jerusalem Academy Concerto Competition del año 2004, actúa como solista con la orquesta de la Academia bajo la batuta de Martien Van Woerkum (Países Bajos). Ha participado asimismo como solista con otras orquestas de prestigio internacional como la Israel Philharmonic Orchestra, dirigida por el maestro Zubin Mehta, y la Thelma Yellin Symphony Orchestra dirigida por Menahem Nevenhoiz. Con diversos grupos de cámara como el Duo Inversus, Ariel Recorders y Meltzer Consort, ha participado en festivales de Israel y Europa, entre los que se encuentran el Fringe del Oude Muziek Festival de Utrecht, el Kol HaMusica Festival en Kfar Blum y el Renaissance Music Festival de Yechiam. Ha participado en master classes con músicos como Marion Verbruggen, Han Tol, Philip Thorby, Dan Laurin, entre otros. Completa sus estudios de Flauta de Pico como alumna de Peter van Heyghen en el Koninklijk Conservatorium de La Haya (Países Bajos). Daniel Zapico Langreo, Asturias, 1983. Desde temprana edad dirige sus estudios hacia el campo de la música antigua iniciando su especialización en la tiorba en 1999. Concluye sus estudios superiores con la máxima calificación en la Escola Superior de Música de Catalunya con Xavier Díaz-Latorre. Como complemento a su formación ha recibido clases de prestigiosos intérpretes como Rolf Lislevand, Hopkinson Smith, Robert Barto, Eduardo Egüez, Laura Mónica Pustilnik, Luca Pianca, Juan Carlos de Mulder y Juan Carlos Rivera. Como miembro fundador del ensamble Forma Antiqva ha participado en importantes festivales de toda España y en varias giras de conciertos por Australia, Bolivia, Brasil, Holanda, Grecia, Singapur, China, Japón y Serbia, obteniendo gran éxito de público y crítica. Con este conjunto han grabado 4 discos: Bizarro!!, Insólito Estupor, Sopra Scarlatti y recientemente Amore x Amore (Winter&Winter), galardonados con la máxima calificación en algunas de las revistas más importantes del panorama musical. Junto a Enrique Solinís y su hermano Pablo Zapico forma Pulsata3, grupo seleccionado por concurso para los Circuitos Musicales del INJUVE en 2004. Es habitual en La


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Caravaggia (ganadores del concurso internacional de Les Sacqueboutiers in Toulouse en 2006) y La Ritirata (mención de honor en el concurso Josep Mirabent de Sitges 2008). Durante su actividad de concertista participa con importantes figuras del panorama musical como Emilio Moreno (El Concierto Español), Christina Pluhar (L'Arpeggiata), Michael Hofstetter (Orquesta del Liceu Barcelona), Ara Malikian, Fahmi Alqhai (Accademia del Piacere) o Riccardo Muti. En 2006 es seleccionado por la Académie Baroque Européenne d’Ambronay para la ópera Ercole Amante dirigida por Gabriel Garrido y en 2007 por la European Union Baroque Orchestra (EUBO) para dos giras de conciertos por toda Europa con Christina Pluhar y con Margaret Faultless. Asimismo, ha sido invitado por dicha orquesta para una gira a finales de 2008 con Enrico Onofri, con quien participaría en directo en el programa "In Tune" de la BBC Radio3, un proyecto con Chiara Banchini (Agosto 2009) y un tour con Petra Müllejans (Noviembre 2009). Desde 2008 es profesor de Instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y Barroco en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza.

Notas al programa

El programa que La Ritirata nos ofrece bajo el título “Hispaniæ musica: Al servicio de reyes y nobles” acerca a nuestro tiempo el esplendor de la música española de antaño. Vamos a visitar la música del Renacimiento y del Barroco en España, atendiendo a obras de compositores españoles que sirvieron en cortes europeas y de extranjeros que lo hicieron en cortes españolas, de la realeza o de la nobleza, tanto en la península como en Italia. Y al mismo tiempo se afronta esta música con pinceladas que abordan aspectos señalados de cada uno de estos dos períodos históricos: el arte de glosar renacentista y la variedad de las danzas barrocas. Veámoslo cronológicamente. El “Tratado de glosas sobre cláusulas y otros géneros de puntos en la música de violones nuevamente puestos en luz” fue publicado por el toledano Diego Ortiz en 1553 en Roma, cuando el compositor formaba parte de la Capilla musical del Virrey de Nápoles. Dedicado al barón de Riesy, Pedro de Urries, y dividido en dos libros, el tratado estudia en el primero las reglas para glosar y recoge en el segundo las 27 piezas llamadas Recercadas que, además de ser ejemplos ilustrativos de las técnicas descritas en el volumen, constituyen un muestrario de la riqueza y la originalidad de la música española de la época renacentista. Es especialmente oportuna su inclusión, pues este año se cumplen 500 años de la que se cree es la fecha de nacimiento de Ortiz. Entrando ya en el Barroco, encontramos la obra del fraile agustino Bartolomé de Selma y Salaverde (Bartolomeo en su nombre italianizado), probablemente hijo del maestro de instrumentos de la Capilla Real de Madrid, que estuvo al servicio del arzobispo de Estrasburgo, archiduque Leopoldo de Austria, como intérprete de bajón (antecedente histórico del fagot). Su única publicación conocida, “Canzoni, Fantasie et Correnti da suonar”, escrita para varios instrumentos con bajo continuo, fue editada en Venecia en 1638 y nos proporciona composiciones de impresionante hermosura y gran dificultad técnica. Un italiano sale a nuestro encuentro para introducirse en la música de las cortes españolas, la música que se tocaba en el Reino de Nápoles, perteneciente a España en aquella época: se trata de Andrea Falconieri, laudista de la Capilla Virreinal napolitana, que vivió varios años en la península ibérica y conoció a numerosos personajes de la corte, como lo atestiguan la dedicatoria a Don Juan de Austria o la referencia a Don Pedro de la Mota en su obra “Il Primo Libro di Canzone, Sinfonie, Fantasie, Capricci, Brandi, Correnti, Gagliarde Alemane”, impresa en Nápoles en 1650. Melodías y ritmos provenientes de diversas influencias se conjugan con un lenguaje armónico que anuncia el porvenir. Gaspar Sanz es el más grande teórico español de la guitarra del siglo XVII. Según el especialista en la materia, Robert Strizich, el tratado «Instrucción de Música sobre la guitarra española y Método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza» es "el más completo de todos los de su tiempo". Publicado por primera vez en 1674, la obra divide su contenido en tres libros: el primero se ocupa de afinación, notación, ornamentos, tablas de acordes y una colección de piezas muy sencillas; el segundo enseña "todos los sones de punteado más principales que se tañen en España"; y el tercero contiene "las diferencias más primorosas de pasacalles”. Vamos a escuchar las “Marionas”, uno de esos “sones”, en el año en que celebramos el tercer centenario de la muerte de Sanz, el guitarrista de Calanda. Cuando el rey Carlos I de España hubo de escoger una iglesia para su coronación como emperador por parte del papa Clemente VII en 1530, se decantó por celebrar la ceremonia en la Basílica de San Petronio de Bolonia. La basílica gozó de gran prestigio y a su capilla pertenecieron posteriormente Gabrielli, Degli Antoni, Galli o Jacchini, músicos que por primera vez en la historia situaron al violonchelo, hasta entonces destinado a la función de bajo continuo, en el papel de instrumento solista. Entre ellos, el primer virtuoso y compositor para el instrumento fue, sin duda, Domenico Gabrielli, apodado «Minghino dal violoncello», que vivió en el siglo XVII. De entre su música para violonchelo han sobrevivido siete “ricercari”, las primeras composiciones para cello solo de la historia, una de las cuales vamos a escuchar en este concierto. Nuestra panorámica finaliza con Santiago de Murcia, guitarrista y profesor de la reina María Luisa Gabriela de Saboya, primera esposa de Felipe V, como afirma él mismo en su obra “Resumen de acompañar la parte con la guitarra”, publicada en 1714. Murcia es el último representante de la escuela de guitarristas españoles del Barroco, sucesores de la gloriosa tradición de los vihuelistas del Renacimiento. Curiosamente, en 1943, el musicólogo Gabriel Saldívar y Silva encontró en León (México) el denominado Códice Saldivar Nº 4, compuesto por Santiago de Murcia. Entre el material de este manuscrito, largo tiempo desaparecido, aparecen de manera muy bella las formas musicales de danza barrocas, como las Folías gallegas que hoy se nos ofrecen.


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Lo que ha dicho la prensa

“El impulsor de La Ritirata es Josetxu Obregón, uno de los más interesantes violoncelistas barrocos que han surgido en España recientemente. […] El otro anclaje del proyecto es la flautista israelí Tamar Lalo. […] No lo duden ni un momento: la música y la interpretación son una pura delicia” [Eduardo Torrico. CD Compact. Septiembre 2009]

“Discípulo de Anner Bijlsma, Josetxu Obregón es uno de los más destacados violonchelistas españoles de las jóvenes generaciones. De desempeño versátil, pues se mueve con igual aplomo en el terreno barroco que en la música del Romanticismo o posterior, Obregón, armado con un Sebastian Klotz de 1740, violonchelo de sonido bastante oscuro, que se afila de forma casi inverosímil pero sin perder mordiente en los agudos, resuelve todas las dificultades que le presentan las obras con elegancia, vigor y buen gusto. La apuesta por un continuo sin teclado resulta eficaz: el apoyo armónico del segundo violonchelo y la tiorba y los toques muy refinados y gráciles de las guitarras (una de seis cuerdas en la más moderna de las obras) sirven de forma admirable a una música alejada por supuesto de las honduras y las brumas románticas y que por eso no ha sido demasiado atendida hasta fecha reciente, pero que a mí me parece muy hermosa.” [Pablo J. Vayón. El martillo sin dueño. Mayo 2009]

“En este disco podemos apreciar la magnífica calidad de la actual hornada de intérpretes de música antigua en España, que trata de hacer las cosas cada vez con más rigor y criterio sin prescindir de la parte lúdica y hedonista de la música […] es evidente en la deliciosa escucha que nos ofrece La Ritirata liderados por el versátil violonchelista Josetxu Obregón, toda una lección de gracia y energía interpretativas” [María Santacecilia. 12Notas. Junio-Septiembre 2009]

“El cello hizo alarde de su amplia tesitura con un sonido claro, muy untuoso, potente y profundo, con una técnica de la mano izquierda fluida y elástica en sus subidas desde el clavijero hasta las posiciones más agudas. Asimismo, reveló una técnica de arco eficaz, con cambios prácticamente imperceptibles, ataques decididos y destacable equilibrio sonoro de la punta al talón, produciendo pasajes a veces de seda y otras de truenos y relámpagos. Josetxu Obregón, verdadero protagonista, tañía un instrumento de sonoridad muy valiosa…” [Luis Alfonso Bes. Heraldo de Aragón. Octubre de 2007]

“La magistral actuación de los instrumentistas hizo que el auditorio gozara de una exquisita sonoridad y una melodiosa muestra de las atractivas y brillantes partituras ejecutadas, con gran agilidad y profusión de notas, ejemplo del dominio técnico y perfección del barroco alemán” [Arcadio Gomila. Diario Insular de Menorca. Abril de 2008]

“La Ritirata, un grupo a tener muy en cuenta […], cuyo director e intérprete, - y añadamos: inspirador, alma, líder, productor, etc. - Josetxu Obregón, nos ofrece este disco a modo de variopinta degustación musical. […] La interpretación es excelente; se nutre de silencios, de disonancias, de tensiones y distensiones, y está presente el alma de los artistas; ellos cuidan cada detalle del sonido de cada instrumento” [Jordi Abelló. Ritmo. Octubre 2009]


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LE VIOLE STACCATE

Johanna Rose vihuelas de arco soprano y bajo | Juan Ramón Lara vihuela de arco bajo María Luz Martínez laúd renacentista y tiorba Instrumento de origen español, la viola da gamba traduce como ningún otro, con su voz tan cercana a la humana, los humores del alma. Predilecta en toda Europa durante más de doscientos años, los mejores autores le dedicaron sus tratados y composiciones, y sus intérpretes eran disputados por los monarcas más poderosos para disfrutar de su elegancia y capacidad de improvisación.

Le Viole Staccate nos presenta el atractivo repertorio escrito para la formación de trío tan típicamente barroca: sea en improvisación alterna, en imitaciones, en solo con bajo continuo, siempre visualmente enfrentadas una a otra, los autores hacen dialogar a las dos violas sobre los dulces acordes del laúd y la tiorba, fundiendo las acariciantes sonoridades de instrumentos hoy felizmente recuperados.

Nuestro repertorio da testimonio de las músicas de los más grandes violagambistas de la Historia, y del apogeo de nuestro instrumento en cada siglo y país europeo: la España del XVI con el toledano Diego Ortiz, la Inglaterra del XVII con Christopher Simpson, la Francia de Louis XIV con Marin Marais, la Alemania del XVIII con Wilhelm Friedemann Bach, servidas por músicos internacionalmente formados en las mejores escuelas que, hoy día, han recuperado la belleza antes ignota de este aristócrata de los instrumentos de cuerda, músicos que participan en los mejores grupos de la música antigua actual. Programa Vihuelas de mano, vihuelas de arco | V Centenario de Alonso Mudarra y Diego Ortiz

CHRISTOPHER SIMPSON (1602-1669), Divisions for two bass viols upon a ground) Division in A minor Division in E minor

ALONSO MUDARRA (ca.1510-1580) Romanesca, o guárdame las vacas

DIEGO ORTIZ (ca.1510 - ca.1570) Recercada primera sobre La Spagna Recercada qvinta de tenores Recercada ottava de tenores DIEGO ORTIZ Recercada segvnda sobre O felici occhi miei

ALONSO MUDARRA Pavana de Alexandre y gallarda RICCARDO ROGNONI (ca. 1550-ca. 1620) Ancor che col partire

MARIN MARAIS (1656-1728) Prélude en Sol Majeur, du III livre de Pièces de Viole Chaconne à deux violes, du I livre de Pièces de Viole

ANTONIO VIVALDI (1678-1741), Concierto para dos mandolinas en Sol mayor: Andante Notas al programa

La viola da gamba fue un feliz invento hispano, producto de nuestro peculiar cruce de culturas en el Renacimiento: nació en el Reino de Valencia, cuando a un vihuelista se le ocurrió tocar su instrumento con un arco, a la manera de los tañedores de rabab morisco aún presentes por sus calles. En las Españas convivieron por ello el laúd renacentista, heredero directo del ud árabe, también venido a Europa a través de nuestro país; la vihuela, versión hispana del laúd, tan solo diferente por su forma de guitarra; y la vihuela de arco, que pronto viajaría a Italia con los Borgia para comenzar su carrera triunfal ya con el nombre de viola da gamba. Este año celebramos el V Centenario de dos de nuestros más grandes músicos, de aquel tiempo en que España era el centro musical del mundo; uno toledano, el otro sevillano; uno vihuelista de arco, el otro de mano; uno viajero, Diego Ortiz, maestro de capilla del virrey de Nápoles y autor del importantísimo Trattado de glosas, aún hoy verdadera escuela del arte de la improvisación y de la viola da gamba; el otro, Alonso Mudarra, canónigo de una entonces apenas terminada catedral de Sevilla, y autor los Tres libros de música en cifra para vihuela, maravilla de la música de cuerda pulsada de la época más gloriosa de nuestra ciudad, impresa en ella en 1546 y llena, cómo no, de divertidas danzas y ostinatos.


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Habrá ocasión en nuestro programa de comprobar cómo ese invento hispano de la viola da gamba llegó a la gloria europea de manos de los más grandes autores del Barroco: Marais, Rognoni, Simpson...

Músicos

Johanna Rose Tubinga (Alemania), 1981. Se inicia muy joven en el estudio del violonchelo. En 2001 emprende los estudios de viola da gamba en la Schola Cantorum de Basilea con Paolo Pandolfo. Desde 2003 prosigue sus estudios con Vittorio Ghielmi en el Conservatorio della Svizzera Italiana de Lugano y, al tiempo, se perfecciona en la sección de Música Antigua de la Accademia Internazionale della Musica de Milán (con los profesores Rodney Prada y Lorenzo Ghielmi). Como solista, desde 2006, junto al pianista Diego Maccagnola, toca en el nuevo trabajo del renombrado coreógrafo-regista Virgilio Sieni “Sonate Bach, di fronte al dolore degli altri”, inspirado en las tres Sonate per cembalo e viola da Gamba de J. S. Bach. Colabora activamente con diversos grupos de música antigua (entre ellos, La Venexiana, Orquesta Barroca de Sevilla, Accademia del Piacere, Musica Prima...), que le han llevado a actuar en importantes eventos de música antigua en toda Europa y Japón. Se ha dedicado también a la música contemporánea, grabando músicas de Kelterborn con el Quartetto di Lugano dirigido por Giorgio Bernasconi. Ha grabado también para la Radio Televisione Italiana (RAI, Concerti del Quirinale), Nord Deutsche Rundfunk (NDR) y la Radio della Svizzera Italiana (RTSI). Juan Ramón Lara Sevilla. Cursa estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad, obteniendo el Título de Profesor de Flauta de Pico con los profesores Guillermo Peñalver y Bárbara Sela. Sigue estudios de Viola de Gamba en el mismo Conservatorio desde 1996, con los profesores Pere Ros y Ventura Rico, y en 2006 se traslada a Milán para estudiar en la Accademia Internazionale della Musica con Rodney Prada y en el Conservatorio della Svizzera Italiana (Lugano) con Vittorio Ghielmi. Ha asistido a numerosos Cursos Internacionales de perfeccionamiento musical, recibiendo clases, entre otros, de los profesores Jordi Savall, Paolo Pandolfo, Fahmi Alqhai, Itziar Atutxa y Rainer Zipperling (viola de gamba), Giovanni Antonini (flauta de pico), y Hopkinson Smith (música de cámara). Como concertista de flauta travesera ofreció múltiples conciertos por Andalucía con el Trío 1900, del que fue fundador. Como cantante y flautista de pico colabora con la Capilla Juan Navarro Hispalensis y con el Taller Hispalense de Música Antigua, entre otras muchas agrupaciones vocales y camerísticas. En 1998 funda los conjuntos vocales e instrumentales Tahona Consort y Capilla Cifra Nueva, especializados respectivamente en las polifonías profana y sacra del Renacimiento español, siendo subdirector de dichos grupos, con los que mantiene una habitual actividad concertística como violagambista y violone. En 2004 funda Ishbilya Consort junto a Fahmi Alqhai, Rami Alqhai y Alfredo Barrales, colaborando además con Accademia del Piacere y Café Sonoro. Como crítico y escritor musical ha colaborado regularmente en la Revista Española de Flauta de Pico y con Diario de Sevilla. Juan Ramón Lara es Licenciado en Física. María Luz Martínez Torredonjimeno. Finalizados los estudios de Guitarra en el Conservatorio Superior de Córdoba y habiendo obtenido los Premios de Honor de grado elemental y medio, comienza a estudiar con Juan Carlos Rivera en el Conservatorio Profesional Cristóbal de Morales de Sevilla asistiendo a numerosos cursos de perfeccionamiento de Laúd y Danza Histórica impartidos por profesores como Hopkinson Smith, Rolf Lislevand, Paul O`Dette, Steve Player, Carlos Blanco… Finalmente se translada a Alemania (Trossingen) donde finaliza los estudios de Laúd con Rolf Lislevand obteniendo las máximas calificaciones en la Musikhochschule für Musik Trossingen. Es componente del dúo La Figueta con el cual ha realizado numerosos conciertos por toda la geografía espanola (Sevilla, Cádiz, Jaca…); como solista y componente de otras agrupaciones ha realizado conciertos en Italia (Friuli, Veneto) y en Alemania (Baden- Württemberg). Actualmente realiza estudios de òrgano con el maestro Edoardo Bellotti así como un postgrado de Festesensemble junto a Cristina Bayón con Rolf Lislevand. Trabaja de organista en la Iglesia St. Jakobus de Eßlingen.


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LILA HOROVITZ + ARIEL HERNÁNDEZ

Lila Horovitz contrabajo | Ariel Hernández bandoneón La contrabajista Lila Horovitz y el bandoneonista Ariel Hernández, ambos argentinos residentes en España, se presentan en este formato íntimo, cálido y potente donde la espontaneidad y la comunicación juegan a favor de su música. Ellos son intérpretes, compositores, improvisadores y arreglistas…su repertorio es variado y aúna los tangos tradicionales, el infaltable Piazzolla y las obras originales y contemporáneas de su propia autoría. Programa Contra-bando (Nuevo tango)


ASTOR PIAZZOLLA, Calambre LILA HOROVITZ, Preludio del Primer Dia | Incertidumbre – Deseo – Devenir ARIEL HERNANDEZ, La nave Cadmon JULIAN PLAZA (1928-2003), Melancólico LILA HOROVITZ, Infinitamente ASTOR PIAZZOLLA, Oblivión CARLOS GARDEL (1887-1935)/ALFREDO LEPERA, El dia que me quieras LILA HOROVITZ, Be my guest J. DE DIOS FILIBERTO (1885-1964), El choclo JUAN CARLOS COBIAN (1896-1953)—Enrique CADICAMO (1900-1999), Los mareados Músicos

Lila Horovitz Buenos Aires (Argentina, 1975). Actualmente reside en Rota (Cádiz). Graduada de la Escuela de Música Popular de Avellaneda con el Titulo Superior de Contrabajo y Bajo eléctrico y especialización en Tango y Folklore Argentinos. Ha trabajado con numerosas figuras de la escena argentina, destacándo Susana Rinaldi cuyo quinteto integra desde 1999 y con la que continúa presentándose en los mejores escenarios del mundo y para quien ha grabado en sus últimos tres CD. Fue miembro del grupo de tango instrumental Tangata Rea con el que realizó varias giras por los Estados Unidos y Europa y con el que grabó para el sello alemán Winter & Winter. Se ha presentado con distintas agrupaciones en los más importantes festivales Internacionales de Tango del mundo (Finlandia, Francia, Alemania, USA, España, Portugal, Suecia y Argentina). Desde su residencia en España (2001) ha trabajado con figuras de la música, la escena y la danza como Martirio, Compañía Rafaella Carrasco, grupo Ibertango, Compañía Artango, Saulo Garrido “Flamenco a tres”, Gerardo Malla, Coque Malla, Juan Antonio Ramírez, Vasko Vassilev, Antonio Bartrina y el trio Malevaje, Ezequiel Benítez, Melchor Campuzano, El Cabrero, Luis Balaguer, Pepe Torres, entre otros. Como compositora tiene obras publicadas por la editorial de Los Angeles, Ludwin Music y varias estrenadas por el gran contrabajista norteamericano Gary Karr y la contrabajista polaca Irena Olkiewicz, y ha compuesto, arreglado y producido música para audiovisuales, teatro y danza. Además ha hecho un importante aporte al repertorio para contrabajo que ya integra el material de estudio de escuelas y conservatorios de Argentina, USA y España. En el área de la música clásica integró la Orquesta Sinfónica de la Facultad de Medicina de Bs.As, la Orq. Académica del Teatro Colón y la Orq. Sinfónica de Bs.As que se presentó junto al legendario grupo Deep Purple. Creó el primer Cuarteto Argentino de Contrabajos “Gravíssimo”, con el que ha ganando el primer premio del Concurso Jóvenes del Sur con una obra suya. Ha sido solista de la Orquesta de Cámara de Andorra y de la Orquesta Sinfónica del Mediterráneo y realiza colaboraciones con la Orquesta Ciudad de Ceuta y la Orquesta del Conservatorio Joaquín Villatoro de Jerez. Es colaboradora habitual del Palau de la Música de Valencia para el que ha sido arreglista, bajista y contrabajista de los siguientes espectáculos: “La Música en la Infancia”, 2008 sala Garcia Navarro; “Luces, Cámara, Acción”, 2008 sala Iturbi; “Homenaje a Juan Camacho”, 2008 sala Iturbi; Grupo Libertango, 2005 y 2008 sala Rodrigo; “Vasko Vassilev y Juan Antonio Ramírez cuarteto”, 2008 sala Rodrigo. En el área docente ha dictado Workshops de Tango para músicos profesionales (Estocolmo, Vaduz, Liechtenstein) y también para estudiantes de Conservatorio Medio y Superior (Valencia, Haro, Castellón, Alicante); ha dictado la Master Class: “Técnica Clásica del contrabajo (arco francés) para la Música Popular”, como docente invitada en el Taller de Músicos de Madrid; ha creado y dictado el “Taller de Armonía y Composición” para adolescentes en el Colegio Nacional de Buenos Aires y dicta clases particulares de bajo eléctrico y contrabajo desde 1996. Acaba de ser invitada por la Asociacion Internacional de Contrabajistas, ISB, con sede en USA, para presentar el material de su CD “Preludio del Primer Dia” en la Convencion bianual de Contrabajistas 2009 en junio de este año auspiciada por la marca vienesa de cuerdas Thomastik- Infeld. Y tambien este año ha sido seleccionada por esta Asociacion como contrabajista destacada e integra el Calendario 2009.

Ariel Hernández Buenos Aires, Argentina. Lleva más de 13 años vinculado al grupo Malevaje. Ha sido el responsable de la composición y dirección musical de los 3 últimos trabajos discográficos de Malevaje. Con su grupo “Che Camerata” está elaborando su tercer trabajo discográfico que verá la luz en este 2011. Con este mismo grupo ya existen dos discos publicados; uno llamado “Tango”y otro disco grabado en España llamado Salduba un material muy original, y aplaudido por la crítica especializada por su compromiso e innovación. En este disco Ariel Hernández consigue mezclar los compases de Bulerías con los compases de tango Argentino, generando una simbiosis, especial y totalmente novedosa. Junto con “Antonio Bartrina” grabó “tango Jondo” Disco para cantor y bandoneón que respeta la esencia y profundidad del tango mas crudo y desgarrado. Este material grabado en Buenos Aires en el año 2009. También es creador de”Ariel Hernández Cuarteto” otra vez una de las propuesta de tango instrumental más contemporánea del panorama tanguero actual. Ha tocado con diversas formaciones orquestales,


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orquesta sinfónicas, orquestas de cuerdas y diversas formaciones de música de cámara. Ha colaborado entre otros con Amelita Baltar, Rubén Juárez, El Cabrero, Carlos Acuña,Christophe, El morao Chico, Diego Carrasco, Dorantes, y en el último trabajo discográfico del genial Vicente Amigo. En Diciembre del año 2009 es invitado a participar como bandoneonísta en el espectáculo de tango porteño por excelencia llamado “Tres Mujeres para el Show” en el que actuan tres grandes cantantes del tango Argentino Susana Rinaldi, Marikena Monti y Amelita Baltar. Actualmente compagina su actividad profesional en Europa con diversas producciones de primer orden de artistas de tango en Buenos Aires.


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LOOKING BACK - ANDREAS PRITTWITZ | Chopin

Andreas Prittwitz saxo soprano y tenor, clarinete y flautas de pico | Fermín Higuera piano Dentro de la ya conocida formula de Looking back -unir música original y instrumentos originales con improvisaciones y instrumentos modernos, esta nueva entrega del proyecto presenta dos novedades: por primera vez Looking back sale de las épocas de la Música Antigua y se adentra en el Romanticismo y, por otro lado, respetando la inclinación del compositor por el piano, Looking back se transforma en un dúo: Andreas Prittwitz con sus habituales Saxo, Clarinete y Flauta de pico junto a Fermín Higuera, Piano. Con este repertorio, basado en los Preludios de F. Chopin para Piano, se descubre una nueva manera de escuchar esta deliciosa, virtuosa e intimista música con una sonoridad creativamente novedosa y sumamente sensible, siempre desde el máximo respeto hacia la obra original, condición importantísima para Andreas Prittwitz.

Programa Los preludios de Frederic Chopin | Bicentenario del nacimiento de F. Chopin

Preludios para piano, op.28 de Fédéric Chopin, adaptados para saxo soprano y tenor, clarinete , flauta de pico y piano por Andreas Prittwitz y Fermín Higuera

Preludio nº 1 Preludio nº 2 Preludio nº 3 Preludio nº 4 Preludio nº 5 Preludio nº 6 Preludio nº 9 Preludio nº 15 Preludio nº 17 Preludio nº 20

Músicos

Andreas Prittwitz Munich (Alemania), 1960. Ha colaborado como solista de Flauta de Pico con diversas orquestas en Europa, en España con la OSPA y JOSPA(Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias), Orquesta de Cámara Española (Víctor Martín), Ars Nova o Atrium Musicae, Zarabanda, Orquesta de Cámara Ocas…. Paralelamente, estudió clarinete y saxofón como autodidacta, adentrándose en el mundo de la improvisación (Jazz, Folk, Músicas del Mundo) y colaborando, tanto en grabación como en directo, con músicos como José Antonio Ramos, Jorge Pardo, Horacio Icasto, Canal Street Band, Hot Club de Madrid, entre otros. Especializado como productor artístico ha trabajado con las máximas figuras del panorama musical español, como Javier Krahe, Serrát, M. Ríos. Víctor Manuel y Ana Belén, J. Sabina, L.E. Aute, Manola Tena, Toreros Muertos, ... Tiene editados 12 discos (Colección TERRA) de música New Age, grabó junto a José Antonio Ramos el disco “Y”, finalista de los Premios de la Música 2005, premio que otorga la Academia de la Música. En 2009 vuelve a ser nominado como “Mejor Intérprete de Música Clásica” por el disco “ Looking back over the Renaissance”, junto a Placido Domingo, Joseph Carreras y E. Paniagua. Aparte tiene una intensa labor pedagógica, impartiendo cursos de improvisación y Masterclass en Conservatorios y coordinando desde hace 13 años el Seminario de Improvisación de Gijón.

Fermín Higuera Santa Cruz de Tenerife, 1961. En 1982 viaja a Madrid donde realiza el grado Superior de Piano en el Real Conservatorio Superior de Música bajo la dirección de Joaquín Soriano, obteniendo las máximas calificaciones. “Diploma de Superior y Excelencia” en el Conservatorio Europeo de París en la clase de Nadine Wright. En su formación han influido además Joseph Colom, Ramón Coll, M. Teresa Naranjo. Ha dado numerosos recitales de piano solo por toda la geografía española, en Francia e Italia. Con la Orquesta Sinfónica de La Laguna, dirigida por Juan José Olives, interpretó el concierto KV 1052 de J. S. Bach. Concibe el I Congreso de Música Contemporánea de Canarias y lo dirige en Noviembre de 2001 en el Ateneo de La Laguna. En su trayectoria ensayística y pedagógica cabe destacar los ensayos: Luz y Sombra en Joaquín Rodrigo, La obra para piano de Joaquín Rodrigo y la técnica hacia la comunicación. En el apartado pedagógico, el libro de iniciación pianística El Tren Mágico. Desde 1987 es profesor numerario de piano del antiguo Ministerio de Edución y Ciencia, con plaza en el Conservatorio Profesional de “Amaniel” de Madrid.


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LOOKING BACK - ANDREAS PRITTWITZ | El Barroco

Andreas Prittwitz flautas, clarinete, saxos | Antonio Toledo guitarra española | Ramiro Morales guitarra barroca, thiorba Laura Salinas viola da gamba | Sergio Martinez percusiones Después del éxito de LOOKINGBACK OVER THE RENAISSANCE, nominado a “Mejor Interpretación de Música Clásica” en los Premios de la Música 2009, Andreas Prittwitz nos presenta ahora su particular visión del periodo barroco en la música, uniendo la improvisación con instrumentos originales y modernos a las obras de compositores de la época de Diego Velázquez como Andrea Falconieri y Mateo Romero, además de Gaspar Sanz y sus contemporáneos J. S. Bach, A. Corelli (La Folía española) o A. Vivaldi.

“Looking Back” se ha presentado en numerosos festivales y conciertos en España, como Festival de Estella, Festival de Monforte de Lemos, Cueva de los Verdes (Lanzarote), Bóvedas de la Universidad de María Cristina (San Lorenzo de El Escorial, Riaza (Segovia), Teatro Jovellanos de Gijón, Auditorio de Barañaín/Pamplona, Madrid entre otros.

Programa El Barroco: Gaspar Sanz y sus contemporáneos | 300 Aniversario de la muerte de Gaspar Sanz

GASPAR SANZ (1640-1710) Españoleta Torneo Pavana

J. S. BACH (1685–1750), Suite nº1 para violoncello Preludio y Minuetos I y II

J. S. BACH, Siciliano para Flauta y Clavicémbalo

GASPAR SANZ Lantururu Zarabanda Canarios

ARCANGELO CORELLI (1653–1713), La Folía

PADRE ANTONIO SOLER (1729–1783), Fandango re menor

Músicos

Andreas Prittwitz Munich (Alemania), 1960. Ha colaborado como solista de Flauta de Pico con diversas orquestas en Europa, en España con la OSPA y JOSPA(Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias), Orquesta de Cámara Española (Víctor Martín), Ars Nova o Atrium Musicae, Zarabanda, Orquesta de Cámara Ocas…. Paralelamente, estudió clarinete y saxofón como autodidacta, adentrándose en el mundo de la improvisación (Jazz, Folk, Músicas del Mundo) y colaborando, tanto en grabación como en directo, con músicos como José Antonio Ramos, Jorge Pardo, Horacio Icasto, Canal Street Band, Hot Club de Madrid, entre otros. Especializado como productor artístico ha trabajado con las máximas figuras del panorama musical español, como Javier Krahe, Serrát, M. Ríos. Víctor Manuel y Ana Belén, J. Sabina, L.E. Aute, Manola Tena, Toreros Muertos, ... Tiene editados 12 discos (Colección TERRA) de música New Age, grabó junto a José Antonio Ramos el disco “Y”, finalista de los Premios de la Música 2005, premio que otorga la Academia de la Música. En 2009 vuelve a ser nominado como “Mejor Intérprete de Música Clásica” por el disco “ Looking back over the Renaissance”, junto a Placido Domingo, Joseph Carreras y E. Paniagua. Aparte tiene una intensa labor pedagógica, impartiendo cursos de improvisación y Masterclass en Conservatorios y coordinando desde hace 13 años el Seminario de Improvisación de Gijón. Laura Salinas Madrid, 1977. Comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Padre Antonio Soler de San Lorenzo de El Escorial con los profesores Dimitri Fournadjiev, Josef Gal, Francisco González y Mónica Terrer, obteniendo el Título Superior de violoncello en 2004. Paralelamente se centra en el estudio e interpretación de la música antigua con la viola da gamba y el violoncello barroco con los profesores Leonardo Luckert y Jordi Comellas. Ha ampliado estudios en diferentes cursos con Jordi Savall, Itziar Atutxa, Rainer Ziperling, Fahmi Alqhai, Daniel Cuiller, Winten Have, Tony Millán, Eligio Quinteiro, Jesús Sánchez y José Manuel Navarro entre otros. Es parte integrante de las formaciones de música antigua Il Dolcimelo, Arethé, Dolce Sirena, Delirium, Telemann Ensamble y Lacrimae y realiza colaboraciones con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Hippocampus, Alta Capella, Hexacordo y Capilla Real De Madrid. Como concertista actúa en ciclos como Festival de Música Antigua de Peñíscola, Festival de música antigua de Simat de la Valdigna, Veranos de la Villa de Madrid, Semana de la Música Antigua de Burgos y Jóvenes Intérpretes de Segovia, entre otros. Ha colaborado como creadora musical e interprete en directo en montajes de las compañías teatrales Cristina Rota y Compañía Nacional de Teatro Clásico. Ha grabado para RTVE y para los sellos Arsis, Sounds & Imagination y Sony BMG Colombia. Desde 1998 compagina los conciertos con la


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docencia impartiendo clases de violoncello en las escuelas municipales de San Martín de Valdeiglesias y Cercedilla. Actualmente lo hace en la escuela municipal de San Lorenzo de El Escorial. Antonio Toledo San Fernando (Cádiz). Comienza a tocar la guitarra a la edad de 9 años. A los 14 forma su propio grupo para tocar Blues. A los 17 años empieza a estudiar guitarra clásica en el Conservatorio Manuel de Falla de Cádiz. Por esa época y en los años siguientes escucha también Jazz y música brasileña, convirtiéndose en un estudiante apasionado de estos estilos y de sus mejores intérpretes. Mientras, actúa en diversos grupos de Rock y Jazz de la zona. Colabora durante varios años con el cantautor Javier Ruibal, lo que le permite acercarse a la música andaluza sin perder su propia personalidad. Actúa con distintas formaciones en numerosos países desde el norte de Europa hasta Marruecos y EE.UU. Participa en los festivales de Jazz de Bruselas, Nancy y Tolousse (Francia), Bratislava (Eslovaquia), Budapest (Hungría) y en el Festival Internacional de Louissiana, entre otros, actuando junto a los más prestigiosos músicos del mundo. Ha trabajado en producciones discográficas y directos con músicos de la talla de Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Miguel Ríos, Martirio, Pedro Guerra, Ismael Serrano, Chano Domínguez, Antonio Serrano, Tito Duarte, Andreas Prittwitz, Jorge Pardo, José Antonio Galicia, Vicente Amigo, Kitflus, Gerardo Núñez, Luis Pastor, El bicho, Bob Sand, Clara Montes entre muchos otros, añadiendo, en algunos casos, a sus trabajos guitarrísticos, su otra faceta musical de arreglista y productor. En los últimos años podemos oírle en muchas y diversas actividades musicales: Giras con J. M. Serrat; Víctor Manuel y Ana Belén; acompañando al cantaor José Mercé en el Teatro Real de Madrid; algunas colaboraciones con la ONJE (Orquesta Nacional de Jazz de España), actuaciones con el gran timplista canario Jose Antonio Ramos y también participando en proyectos como Artistas en Ruta para dar a conocer por todas partes su trabajo personal como compositor. En esta última faceta, la música de Antonio Toledo nos transporta a tierras andaluzas y nos sumerge en un crisol de influencias jazzísticas, latinas y clásicas. Con formaciones propias recorre la geografía española tocando en clubes, teatros y eventos como el Festival de Música Internacional de Jimena (Cádiz), Galapajazz, Antequera Blues Festival y un largo etcétera. Recientemente han grabado un disco en directo que refleja fielmente su quehacer por los escenarios. Sergio Martínez Percusionista nacido en Madrid en 1977. A los 15 años comienza sus estudios de percusión afrolatina con maestros como Luis Dulzaides, Rogerio da Souza o Rubem Dantas, y percusión hindú con Ramesh Sotham. Estudia la percusión en el jazz, latin jazz y Big Band en el Taller de músicos de Madrid, con la que realiza algunos de sus primeros conciertos. Posteriormente se interesa por el flamenco, y se forma en el toque de la percusión flamenca de manera autodidacta, desarrollando desde entonces su carrera como percusionista flamenco, en la que ha acompañado a figuras del Cante como Chano Lobato, El Indio Gitano, Vicente Soto Sordera, Diego el Cigala, Guadiana, Ramón el Portugués, Niña Pastori y Montse Cortés, entre otros; figuras de la guitarra flamenca como Manolo Sanlúcar, Juan Manuel Cañizares o Diego de Morao; figuras del Baile como Merche Esmeralda, Juana Amaya, Sara Baras y Rocío Molina, Manolo Soler, Güito, Manolete, Antonio Canales, Juan de Juan, José Maya y Joaquín Grilo entre otros, habiendo colaborado con percusionistas como José Antonio Galicia, en el proyecto Camaleón y otras grabaciones discográficas. Como percusionista para baile flamenco colabora durante 4 años con el Ballet Nacional de España realizando importantes giras y representaciones en el Teatro Real con la Orquesta Nacional de España. Músico versátil que ha acompañado a artistas de otros estilos musicales como Alejandro Sanz, Pasión Vega, Diana Navarro o Lucrecia. Asimismo ha colaborado con músicos de jazz en numerosos festivales: Dave Liebman, Marcus Weiss, Barry Harrys, Chano Dominguez, el artista africano Bidinte, al que acompañó durante varios años. Ha participado en los proyectos discográficos de Andreas Prittwitz y José Antonio Ramos, Gladston Galliza, Larry Jean Louis, Marcos Teira o Ezequiel Benitez entre otros. Ramiro Morales Córdoba (Argentina). Comienza los estudios de guitarra en Navalmoral de La Mata y los finaliza en 1998 en el Conservatorio de S. L. de El Escorial, donde cursa también las asignaturas de armonía, contrapunto y fuga. Se especializa en diferentes Instrumentos de Cuerda Pulsada con Jesús Sánchez y más adelante profundiza en el repertorio y el estilo, perfeccionándose en diferentes cursos con los profesores Hopkinson Smith, José Miguel Moreno, Juan Carlos Rivera y Juan Carlos de Mulder entre otros. En 2006 termina la carrera de Música Antigua con Matrícula de Honor en el RCSMM, siendo el primer titulado en la Comunidad de Madrid en Instrumentos de Cuerda Pulsada del Renacimiento y Barroco. Como intérprete de Música Antigua es cofundador del grupo “Arethé” y colabora con “Looking Back” y otras formaciones ofreciendo conciertos en España, Francia, Polonia, Eslovaquia y Corea, grabando en varias ocasiones para RNE. Diversificando su actividad, ha compuesto música para cortometrajes, espectáculos de poesía y orquesta de guitarras, colabora haciendo música en directo para compañías de teatro y ha grabado para varios largometrajes de época. Desde 2005 es profesor de Instrumentos de Cuerda Pulsada, Bajo Continuo y Música de Cámara en El Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial.


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LLUÍS COLOMA + MINGO BALAGUER Lluís Coloma piano | Mingo Balaguer armónica, voz Dos de los más prestigiosos músicos de Blues de nuestro país unen sus fuerzas en un concierto muy especial. Mingo y Lluís viven cada una de sus actuaciones con pasión, vitalidad y sentimiento, un reflejo de su amor por el Blues, una música nacida en el sur de los Estados Unidos a principios del siglo pasado y que ha influido fuertemente a grandes artistas. Dado el gran conocimiento que tienen de sus instrumentos, nos harán disfrutar, sin duda, ofreciéndonos una muestra de la riqueza de estilos y posibilidades. Una colaboración de lujo! Repertorio Blues & Boogie Woogie Piano

Tried to ruin me Route 66 Mad about my babe Driftin and driftin Flip, flop & fly Mailbox blue Need my baby Mystery train Get to my baby Fun to visit Got to go Shake your boogie Músicos

Lluís Coloma Barcelona (1973). Lluís Coloma es uno de los pianistas más activos y reconocidos de la escena estatal en el campo del Blues y el Boogie Woogie, galardonado con el premio 'Músico del año 2003' por la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Cataluña. Pianista y organista de Hammond B3, con el que ha desarrollado la técnica del pedalier, su excepcional mano izquierda y su virtuosismo creativo e interpretativo, hace que Coloma se gane en cada actuación la admiración tanto del público como de la crítica especializada. Desde sus inicios ha ido creando un toque personal en la interpretación de este estilo, hasta crear composiciones propias, algunas de las cuales se recogen en su primer disco como líder, Remember (Omix Records 2002). Coloma ha dado conferencias e impartido clases magistrales sobre la historia del blues y boogie woogie, siendo uno de los pocos pianistas en España capaces de recrear los estilos primitivos de este género. Ha actuado en el Festival de Blues de Cerdanyola, Festival de Jazz de Terrassa, Festival de Blues de Viana do Castelo, (Portugal), Festival de Jazz de Milán (Italia), Festival de Jazz de Toledo, Festival de Blues de Roses, Festival de Jazz de Cádiz, Festival de Jazz de Tiana, Festival de Jazz de Orense, además de haber sido presentado en locales emblemáticos de toda España como el Café Central de Madrid, Black Note de Valencia, la Bilbaina del Jazz en Bilbao o la sala Jamboree de Barcelona, entre otros espacios. Durante sus actuaciones en festivales internacionales ha tocado junto a Koko Taylor, James Cotton, Axel Zwingenberger, Manu Dibango, Jimmy Rogers, Corey Harris, Tom Principato, Bob Kirkpatrick, Big Time Sarah... Ha colaborado con las bandas y músicos de más prestigio del país como: Amadeu Casas, Tandoori Lenoir, Ximo Tébar, August Tharrats, Steve de Swardt, Julian Vaughn, Javier Mas, Dana Leese Routh, Jordi Bonell, Felipe Cucciardi, Loti Lewis, consiguiendo un gran reconocimiento por parte del público que lo sigue fielmente en sus actuaciones en los clubs de blues y jazz más importantes del país. Domingo Balaguer “Mingo” Músico de blues de larga experiencia, ha formado parte de la legendaria “Caledonia Blues Band” durante diez años, banda con la que compartió escenario con músicos de la talla de Hubert Sumlin, Johnny Winter, y Magic Slim entre otros. También ha tenido el privilegio de tocar a dúo con armonicistas de la talla de Charlie Musselwhite, Carey Bell , Bruce Ewan y Paul Lamb. Su participación en la Caledonia le ofreció además la oportunidad de actuar en lugares de la trascendencia bluesistica de Chicago (Julio 1994) o Hannover y Hamburgo (Noviembre 1995). Actualmente tiene cinco CD’s editados junto a “Caledonia Blues Band” y uno editado junto a “The Blues Machine”, grupo que fundó en 1996 junto a Quique Bonal. Está fuertemente influenciado por Little Walter y Walter Horton y sus armonicistas contemporáneos favoritos son Kim Wilson, Rod Piazza y William Clarke.


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LLUÍS COLOMA TRÍO Lluís Coloma piano | Manolo Germán contrabajo | Marc Ruiz batería

Con un directo insuperable, Lluís Coloma crea en sus conciertos una atmósfera mágica de principio a fin, convirtiendo cada actuación en una experiencia única e inolvidable. Con una endiablada mano izquierda y un gran talento para la improvisación Coloma consigue, junto a sus músicos, un sólido y contundente sonido. Comunicador nato, contagia su pasión por esta música a un público entregado desde los primeros compases. Su gran técnica y virtuosismo lo convierten en uno de los máximos exponentes del Blues y el Boogie Woogie en España. Recientemente ha grabado su primer disco en directo, 7 NIGHTS AT CENTRAL (Swing Alley 2009), durante una semana de conciertos en el prestigioso local Café Central de Madrid. Un disco donde el trío de Lluís suena lleno de complicidad y compenetración tras más de 8 años tocando regularmente por todo el mundo.

Programa Blues & Boogie Woogie Piano

Bills Apart African Gospel Coloma's Boogie Sleeping Betsy's Silent Movie Longhair's Tribute Campi Qui Boogie Bumble Boogie (Jack Fina) Darkness Dance Spirit of the Blues Cromatic Boogie Todas las composiciones de Luís Coloma, salvo la expresamente indicada.

Lluís Coloma Barcelona (1973). Lluís Coloma es uno de los pianistas más activos y reconocidos de la escena estatal en el campo del Blues y el Boogie Woogie, galardonado con el premio 'Músico del año 2003' por la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Cataluña. Pianista y organista de Hammond B3, con el que ha desarrollado la técnica del pedalier, su excepcional mano izquierda y su virtuosismo creativo e interpretativo, hace que Coloma se gane en cada actuación la admiración tanto del público como de la crítica especializada. Desde sus inicios ha ido creando un toque personal en la interpretación de este estilo, hasta crear composiciones propias, algunas de las cuales se recogen en su primer disco como líder, Remember (Omix Records 2002). Coloma ha dado conferencias e impartido clases magistrales sobre la historia del blues y boogie woogie, siendo uno de los pocos pianistas en España capaces de recrear los estilos primitivos de este género. Ha actuado en el Festival de Blues de Cerdanyola, Festival de Jazz de Terrassa, Festival de Blues de Viana do Castelo, (Portugal), Festival de Jazz de Milán (Italia), Festival de Jazz de Toledo, Festival de Blues de Roses, Festival de Jazz de Cádiz, Festival de Jazz de Tiana, Festival de Jazz de Orense, además de haber sido presentado en locales emblemáticos de toda España como el Café Central de Madrid, Black Note de Valencia, la Bilbaina del Jazz en Bilbao o la sala Jamboree de Barcelona, entre otros espacios. Durante sus actuaciones en festivales internacionales ha tocado junto a Koko Taylor, James Cotton, Axel Zwingenberger, Manu Dibango, Jimmy Rogers, Corey Harris, Tom Principato, Bob Kirkpatrick, Big Time Sarah... Ha colaborado con las bandas y músicos de más prestigio del país como: Amadeu Casas, Tandoori Lenoir, Ximo Tébar, August Tharrats, Steve de Swardt, Julian Vaughn, Javier Mas, Dana Leese Routh, Jordi Bonell, Felipe Cucciardi, Loti Lewis, consiguiendo un gran reconocimiento por parte del público que lo sigue fielmente en sus actuaciones en los clubs de blues y jazz más importantes del país.


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MARIVÍ BLASCO + JUAN CARLOS RIVERA Mariví Blasco soprano | Juan Carlos Rivera tiorba, guitarra barroca La vida de Diego Velázquez (1599-1660) cubre buena parte del siglo XVII. Algunas de las músicas que se escuchaban entonces y que él mismo pudo escuchar durante su estancia en la corte madrileña o en sus viajes a Italia en 1629 y 1643 son las que incluye nuestro programa. La música teatral imperaba en Italia, y la ópera ejerció un enorme influjo en toda la música vocal fuera escrita para la escena o no. El dramatismo está presente en chansonette, arie y madrigali. En España, algunas de las canciones con acompañamiento de guitarra que han pervivido provienen de obras teatrales y generalmente tienen un carácter algo más popular que las arias o madrigales italianos. Si el cuadro “La Venus del espejo” podría retratar la música italiana, refinada, llena de sugerencias, el de “Las hilanderas”, lleno de ritmo, de fuerza, y con tema mitológico, casi excluyente en la música teatral española de la época, podría hacer referencia a los tonos de Hidalgo o de Marín. Programa ¡Ay, Amor! La música en tiempos de Velázquez | 350 Aniversario de la muerte de Diego Velázquez Benedetto Ferrari Amor, io mi ribello (c. 1603-1681) Amanti, io vi so dire Cantata spirituale “Queste pungenti spine” Juan Hidalgo Esperar, sentir, morir (c. 1612-1685) Ay amor, ay ausencia Trompicábalas amor Girolamo Frescobaldi A pié della gran croce (1583-1643) Oscure selve Se l’aura spira Barbara Strozzi Per un bacio (1619-c. 1644) José Marín Sepan todos que muero (1619-1699) Ahora que estáis dormida Ojos, pues me desdeñáis Claudio Monteverdi Si dolce é il tormento (1567-1643) Quel sguardo sdegnosetto *Se añadirán unas piezas para tiorba sola en la parte italiana y unas piezas para guitarra sola en la parte española. Músicos

Mariví Blasco Valencia. Estudia piano, oboe y canto en el “Conservatorio José Iturbi” de Valencia. Durante 10 años toca el oboe en la agrupación “Unión Musical de Yátova” galardonada en diversos certámenes internacionales. Ha asistido a clases magistrales de canto con Mª Angeles Peters, Marta Almajano, Ana Luisa Chova, Robert Expert, Josefina Arregui, Victoria de los Angeles e Isabelle Poulenard. Durante 3 años amplía su formación de canto con Anatoli Goussev en Milán. Es Licenciada en Psicología por la Universidad de Valencia. Colabora con agrupaciones como Ensemble ELYMA (Gabriel Garrido), La Fenice (Jean Tubéry), La Correnta (Juan Carlos Rivera), Ensemble Pian&Forte (Antonio Frige), Coral de Cámara de Pamplona, La Hispanoflamenca, Musica Ficta (Raúl Mallavibarrena), Forma Antiqva, Orquesta Barroca de Sevilla, Speculum (Ernesto Schmied), Capella de Ministrers, Victoria Musicae, Estil Concertant y Vespres d’Arnadí. Es fundadora junto al violagambista Fahmi Alqhai del grupo Accademia del Piacere. Trabaja a dúo con músicos de la talla de Lorenzo Ghielmi (órgano), Juan Carlos de Mulder (Laúd), Antonio Frigé (clave) y Juan Calos Rivera (guitarra barroca). Ha trabajado en el Teatro Real, bajo la dirección de Jesús López-Cobos, en la producción “Dialogos de carmelitas” de F. Poulenc. Entre los discos en los que ha colaborado figuran “Requiem por la Infanta Doña Bárbara de Braganza”, de José de Nebra con Estil Concertant, dos monográficos sobre música de Juan Bautista Comes con Victoria Musicae, “Concerto di Trombe” con Gabriele Cassone y Enrico Onofri (violín) y el Oratorio “La forza del Divino Amore” de Bernardo Gaffi con el Ensemble Pian&Forte para el sello Chandos en el papel principal de Santa Teresa de Jesús. Juan Carlos Rivera Sevilla. Estudió guitarra clásica con América Martínez en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde obtuvo varios premios académicos, entre ellos el premio de honor de fin de carrera. Más tarde se especializó en música antigua estudiando con José Miguel Moreno en España y con Hopkinson Smith y Paul O’Dette en el extranjero. Es uno de los intérpretes españoles de mayor reconocimiento en el terreno de la música antigua. Como solista, con su conjunto “Armoniosi Concerti” o como integrante de otros reconocidos grupos de música


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renacentista y barroca ha actuado en todo el mundo, en prestigiosos festivales internacionales como los de música antigua de Utrecht, Brujas, Saintes, Caen, Stuttgart, Londres, Barcelona, Daroca, Los Siglos de Oro de Caja Madrid, Festival de Música de Cámara de Boston, Festival Bach de San Sebastián, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Pau Casals de Puerto Rico, Festival Cervantino de Guanajuato (Méjico), Festival de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos” (Bolivia), Festival de Música Religiosa de Cuenca, etc. etc., y salas de concierto como Ópera Comique de Paris, Konzerthaus de Viena, National Library of Washington, Teatro Real de Madrid, Auditórium Nacional, Conservatorio Tchaikovski de Moscú, Auditorium Nacional de Helsinki, Saint John Smith Square de Londres, Auditorium Kursaal de San Sebastián, etc. Sus más de veinte grabaciones discográficas incluyen, entre otros: De los álamos de Sevilla, El delfín de música, Suites BWV 1007, 1008 Y 1009 de J. S. Bach, Basse de viole & théorbe, Armoniosi Concerti sopra la chitarra spagnuola, Lágrimas corriendo, Zarambeques, Tañer de gala, Et Jesum y Silva de sirenas, para los sellos discográficos Almaviva, Lindoro y Harmonia Mundi. Sus discos han recibido premios y distinciones de la crítica como “Editor Choyce” de Gramophon, “premios CD Compact”, *****Goldberg, *****BBC Music Magazine, “Classical Internet Award 05”, *****Klassik, etc. Ha realizado numerosas grabaciones radiofónicas para las principales cadenas internacionales. Dirige el grupo “Armoniosi Concerti”, con el que realiza una intensa actividad concertística, y trabaja asiduamente con cantantes como Carlos Mena, Marta Almajano y María Espada. Destaca su labor de investigación sobre la música española de los Siglos de Oro, con la recuperación y transcripción de numerosos tonos humanos, villancicos barrocos o la zarzuela de Antonio Literes (1673-1747) “Hasta lo insensible adora”, que dirigirá en versión de concierto el próximo noviembre en Madrid. Ocupa la cátedra de Instrumentos de Cuerda Pulsada del Renacimiento y Barroco en el Conservatorio Superior de Música "Manuel Castillo" de Sevilla, e imparte regularmente cursos de especialización en el repertorio antiguo en universidades, conservatorios y festivales internacionales.

Notas al programa

La mayoría de los autores que se interpretan en el programa dedicaron una buena parte de su producción a la música teatral, aspecto que influye enormemente en la concepción de la música como un arte que necesariamente tiene que reflejar, de manera lo más evidente posible, todos los afectos del alma humana: ira, ternura, pasión amorosa, tristeza, alegría... Y todo ello no de la manera contenida y clasicista del Renacimiento, sino con la nueva fuerza expresiva, los contrastes extremos, la pasión muchas veces desbordada, que son señas de identidad del Barroco. El siglo XVII marca el comienzo de la música escénica propiamente dicha. La ópera, nuevo género creado en Italia, va a influir en la música vocal tanto profana como religiosa. Las “chanzonette” y “ostinati” incluidos en nuestro programa, si bien no es música concebida para el teatro, se caracterizan, no obstante, por su manifiesto sentido dramático. En España, el gusto por la ópera no prosperó como lo hizo en el resto de Europa. Aquí, la Comedia Nueva, instaurada por Lope de Vega y sus seguidores a principios del siglo XVII, gozó casi con exclusividad de la predilección de públicos populares y cortesanos. En tales comedias la música se limitaba a algunos romances a voz sola con acompañamiento de guitarra, a pequeñas intervenciones de un coro de cuatro voces, o a pinceladas instrumentales como llamadas de clarín en escenas de batallas o entradas en el escenario de personajes regios o militares. Será Calderón de la Barca, una generación posterior a Lope, el gran impulsor de una verdadera música dramática. Los personajes de sus óperas, autos sacramentales o zarzuelas, actúan cantando, y esta música no es ya un mero adorno en la representación, sino que se constituye en la representación misma. A Juan Hidalgo se debe la composición musical de varias obras de Calderón y de otros importantes autores dramáticos de la segunda mitad del siglo XVII como Juan Vélez de Guevara.


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MARTA INFANTE + MANUEL VILAS

Marta Infante mezzosoprano | Manuel Vilas arpa La mezzosoprano Marta Infante y el arpista Manuel Vilas muestran al público su particular homenaje al gran pintor Sevillano Diego Velázquez y siguiendo su itinerario artístico por tierras italianas y españolas interpretan en este programa obras de los más relevantes compositores barrocos de estos países donde Velázquez creció como artista y donde se reafirmó como uno de los grandes genios del arte español.

Programa Ausente de tus ojos (Homenaje musical a Diego Velázquez)

| 350 Aniversario de la muerte de Diego Velázquez BARROCO ESPAÑOL (Tonos humanos y divinos)

ANONIMO (siglos XVII-XVIII) Alerta zagales Mis suspiros

FRANCISCO VALLS (1665-1747) Ausente de tus ojos

LUCAS RUIZ DE RIBAYAZ (siglo XVII) Españoletas Hachas

ANONIMO (siglos XVII-XVIII) Duerme descansa Al aire Ay que cansera BARROCO ITALIANO

GULIO CACCINI (ca.1550-1618) Amarilli mia bella No ha ciel cotanti lumi

ANONIMO VENECIANO (siglo XVII) O voi del l'alma opressa

ASCANIO MAIONE (1570 ca.-1627) Recercar sopra ilcanto fermo di Costantio Festa per sonar all´arpa PIERRE ATTAINGNANT (1494-1551) La magdalena

ANONIMO VENECIANO (Siglo XVII) Bella boca

TARQUINIO MERULA (1595-1665) Hor ch`è tempo di dormire

Músicos

Marta Infante Nace en Lleida, donde estudia piano, viola y canto, completando su formación superior de canto en la Universidad de Ostrava en la Rep·blica Checa. Hasta la fecha ha realizado actuaciones en Chequia, Alemania, Francia, Polonia, Grecia, Egipto, Jordania, Siria, LÌbano, Japón, y las principales ciudades de Argentina, Chile, El Salvador, Uruguay y Brasil. Colabora habitualmente con los más reconocidos grupos de m·sica antigua del PaÌs como El Concierto Español, Musica Ficta, Hipocampus, Hispanoflamenca, Los Músicos de su Alteza, Capilla Real de Madrid, Capella de Ministrers, la Caravaggia, ect. Ha cantado con la Orquesta Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Madrid, Filarmónica de Cuenca, Nacional del Salvador, Orquesta Nacional de España, Filarmónica de Málaga, trabajando con los directores Lorenzo Ramos, Jordi Casas, M.A. Gómez MartÌnez , L. Botstein, aldo Sisillo, Ottavio Dantone, Federico MarÌa Sardelli y Aldo Ceccato. Ha ofrecido recitales de "Lied" en el Teatro de la Maestranza de Sevilla junto al pianista RubÈn Fdez-Aguirre, y en el Teatro Calderón de Valladolid y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona donde recibió un premio en el "Primer Palau" por su interpretación de Mahler y Dvorák junto al pianista Jorge Robaina. Ha cantado Helena Egipciaca de Strauss en el Teatro Real de Madrid y Salir el Amor del mundo de Durón en el teatro Arriaga de Bilbao. Ha grabado para Cesky Rozhlas ( Radio Checa), RNE, Catalunya Música, y las discográficas Enchiriadis, Alpha, Glosa y CDM. Tiene en su haber casi una veitena de discos de música medieval, renacimiento y


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barroco entre los que destacan Juditha Triumphans de Vivaldi bajo la dirección de Ottavio Dantone, cantatas para alto de Telemann, Tonos al arpa y Cantate Contarini con Manuel Vilas. En 2009 cantará con la Orquesta Sinfónica Región de Murcia, cantatas de Bach con Hippocampus y el director inglés Richard Egarr, un recital Händel con Nuria Rial y el director Paul Goodwing en el Festival de Torroella de MontgrÌ y la Juditha Triumphans de Vivaldi conLa Orquesta Nacional de España bajo la dirección de Rinaldo Alessandrini y la misma obra en la bienal de Venecia con Ottavio Dantone. Manuel Vilas Nace en Santiago de Compostela, donde inicia estudios musicales. Estudia arpas antiguas de los siglos XII a XVIII en Madrid con Nuria Llopis y en Mil·n con Mara Galassi. Ha colaborado con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre espaÒol, Capilla JerÛnimo de CarriÛn, Musica Ficta, Capella de Ministrers, Ensemble Elyma, Camerata Iberia, La Trulla de Vozes, etc. en los m·s importantes festivales de EspaÒa, Alemania, Cuba, USA, Ecuador, Chequia, Austria, Portugal, Suiza, Francia, Bolivia, BÈlgica, Argentina, Chile, Holanda. Realiza conciertos como solista con programas centrados en la m·sica barroca espaÒola, americana e italiana, adem·s de conferencias y cursos. Ha participado en producciones internacionales de Ûperas de Monteverdi, TorrejÛn y Velasco, Sebasti·n DurÛn, entre otros. Actualmente lleva a cabo un ambicioso proyecto de recuperaciÛn de piezas vocales del barroco espaÒol interpretadas exclusivamente con el acompaÒamiento del arpa de dos Ûrdenes, tal como se hacÌa en la Època. De este proyecto han aparecido ya tres discos: uno con las tonadas de Sebasti·n DurÛn con la soprano Raquel Andueza (sello Naxos), otro con la mezzo Marta Infante titulado “Tonos al arpa” (Enchiriadis) y un tercero con la soprano Estrella EstÈvez (Arsis). En 2009 saldr· un CD con la soprano Isabel Monar con tonos procedentes del Manuscrito Guerra (s. XVII), manuscrito que investiga desde hace ocho aÒos, y, junto al tenor Felix Rienth, un disco con tonos de JosÈ MarÌn. En total, ha grabado m·s de 40 discos con diferentes grupos y como solista. En 2008 funda el grupo Ars Atlantica, que se presenta en el festival Via Stellae con el estreno en tiempos modernos de las cantatas procedentes del palacio que la familia Contarini poseÌa cerca de Venecia. Asimismo, es pionero en el estudio de arpas hoy totalmente olvidadas, como el arpa jesuÌtica chiquitana (Bolivia, siglo XVIII), y el arpa doble en la corona de AragÛn del siglo XIV.

Notas al programa

Italia y España: dos penínsulas del sur de Europa que estuvieron en estrecho contacto buena parte de su historia, especialmente en la esfera política y cultural, conformando un ámbito que hoy no dudaríamos en calificar, quizás de un modo un tanto idealista, de intercultural; pero manteniendo claramente cada espacio su propia personalidad o, más exactamente, sus propias personalidades. Velázquez, ya como pintor real, realizó dos estancias en tierras italianas: entre los años 1629 y 1631 la primera, y entre 1649 y 1651 la segunda. En ambas aprovechó para ahondar su conocimiento de la pintura italiana, y también para comprar obras para la corte española. Estas mismas circunstancias podemos encontrar en muchos otros artistas, italianos o españoles, entre uno y otro lugar: los viajes de los propios creadores, o de sus obras. Incluidos los compositores y su música. En Italia el estilo musical barroco apareció de manera casi repentina, como creación de un grupo de investigadores y autores vanguardistas. Entre ellos destaca el romano Giulio Caccini como uno de los artífices del “recitar cantando” sobre un bajo instrumental, un estilo vocal declamatorio y expresivo que podía presentar una estructura rítmica y melódica muy libre. Un ejemplo extraordinario de este tipo de obras nos presenta Tarquinio Merula en Hor ch‘è tempo di dormire, por su expresividad y por el artificio de repetir en el bajo una simple figura de semitono a lo largo de toda la obra. Recitativos y arias se combinaban en el género más practicado de música vocal de cámara italiana: la cantata. De muchas de ellas desconocemos su autoría, como es el caso de Bella boca y O voi dell’alma opressa, dos de las muchas cantatas anónimas conservadas en el archivo musical de la familia veneciana de los Contarini. En España, sin embargo, la música barroca vocal parece surgir de manera gradual, como derivación de la práctica hispánica tradicional. Los ritmos y melodías bien definidas caracterizan el género típicamente español del tono: canción a solo con acompañamiento instrumental de continuo, en sus dos variantes sacra (tono divino) y profana (tono humano). Variantes por su temática, que no por sus características formales: el amor divino y el humano comparten los mismos recursos expresivos. Estribillo y coplas dan forma a su estructura, alternados de manera variable a criterio de los intérpretes. Normalmente presentan estilo silábico, evitando la ornamentación vocal artificiosa que sí podemos encontrar Italia; por ello merece ser destacado el tono divino Mis suspiros, que presenta unas vocalizaciones más propias de una cantata italiana. Los tonos podían ser interpretados como adorno de la liturgia en el caso de los divinos; en el caso de los humanos podían interpretarse como obras de cámara en los salones, o formar parte de una obra dramática, fuera comedia o zarzuela. Muchos tonos nos han llegado recopilados en colecciones anónimas, pero otros muchos sí nos dan noticia de su autor. El arpa fue un instrumento barroco empleado extensivamente tanto en España como en Italia, con sus correspondientes variantes locales. Era utilizada como intérprete de bajo continuo, sola o en compañía de otros instrumentos, tanto en música sacra como profana, de cámara o teatral. Y también era empleada como instrumento solista. En el presente recital podemos apreciar la versatilidad de su repertorio, que podía incluir piezas cultas en estilo imitativo como el Ricercare del napolitano Mayone, o piezas de inspiración más popular como las danzas que presenta el burgalés Ribayaz. José A. Vilas Rodríguez


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MILLENIUM ARTS ENSEMBLE

Vladimir Dmitrienco violín | Claudia Medina violín | Jerome Ireland viola | Nonna Natsvlishvili violoncello Millenium Arts Ensemble nace en Rumania en 1997, en formato de cuarteto de cuerda. Después de trece años de existencia, su miembro fundador Vladimir Dmitrienco, vuelve a la misma fórmula de conjunto musical en Sevilla. A lo largo de su existencia Millenium Arts Ensemble ha efectuado giras en más de quince países de Europa, antigua Unión Soviética, Asia y África, sin olvidar la más importante de todas ellas que fue la realizada durante un año y medio por Japón, de la mano de la prestigiosa compañía nipona Huis Ten Bosch, de Nagasaki.

Millenium Arts Ensemble posee en su haber varias grabaciones, entre ellas el CD “Music like a Fruit”, grabado en Japón. En la actualidad Millenium Arts Ensemble desarrolla una amplia actividad artística, participando en varios proyectos musicales a nivel nacional e internacional. Es uno de los pocos grupos españoles invitado a varios festivales de música de cámara en Rusia y Rumania. Los componentes de Millenium Arts Ensemble son músicos de un altísimo nivel artístico, y todos ellos miembros de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Programa Kapustin entre Schumann y Chopin

| Bicentenario de Chopin y Schumann

ROBERT SCHUMANN (1810-1856), Cuarteto de cuerdas No. 3 en La mayor, Op. 41, No. 3 I. Andante espressivo - Allegro molto moderato II. Assai agitato - Un poco adagio - Tempo risoluto III. Adagio molto IV. Finale: Allegro molto vivace

FREDERIC CHOPIN (1810-1849) Nocturno Op. 9 nº 2 Waltz Op. 64 nº 2 Mazurka Op.17 nº 4

NIKOLAI KAPUSTIN (1937), Cuarteto para dos violines, viola y cello Op. 88 Allegro Larghetto Allegretto Fuga. Animato Músicos

Vladimir Dmtrienco Kishinev, República de Moldavia. Perfecciona sus estudios en Odessa, Kiev (Ucrania) y Kishinev (Moldavia). Ha sido Concertino de orquestas: Orquesta de Cámara de la Filarmónica Nacional de Moldavia, Filarmónica “G. Enescu” en Bucarest (Romanía), Orquesta de Extremadura (OEX). Fundador desde 1998 del Cuarteto de Cuerda “Millenium Arts”, del que es primer violín, con quien graba el CD “Music Like a Fruit”. Ha realizado grabaciones discográficas con varias formaciones musicales así como la Integral de J. Brahms y la Integral de G. Enescu con la Orquesta Firlarmónica “G. Enescu”. Actualmente es solista de segundos violines en la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS).

Nonna Natsvlishvili Procede de una familia de grandes tradiciones musicales. Comenzo sus estudios en Moscu a los 7 años de edad bajo dirección de famoso profesor A.Fedorchenco en la escuela ¨Gnesin¨. Posteriormente estudia con músicos de reconocimiento mundial como A. Vlasov, V. Berlinskiy (cuarteto), V. Samoletov (música de cámara).Ha obtenido varios premios nacionales y internacionales en prestigiosos concursos de la antigua URS y extranjero. En 1978 gana la plaza en la Orquesta de Bolshoi en Moscu,donde participa en varias Formaciones como Conjunto de Solistas de Bolshoi, Conjunto de Violoncelistas, la Orquesta de Camara de música antigua. Junto a sus compañeros del Bolshoi desarolla una amplia actividad camerística con el cuarteto de cuerdas, recorriendo numerosas ciudades de la URSS y el extranjero. En 1991 se incorpora a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla donde trabaja actualmente. Como profesora ha impartido clases en diversos cursos de perfeccionamiento (Andalucía, Extremadura, Madrid, Asturias). Desde 2004 forma parte del Cuarteto de Cuerda de la ROSS del cual es fundadora. Jerome Ireland Cursa sus estudios en el Julliard school en Nueva York. Desde su formación es miembro de la ROSS y de la Orquesta de la Televisión de Bélgica y solista con la Orquesta Sinfónica de Lethbridge (Canadá). Ha desarrollado una gran actividad en diversas formaciones de música de cámara cómo New York L.A. Festival, San Francisco Contemporary Music Ensemble, el cuarteto de cuerdas Bloch, Solistas de Sevilla y en conciertos de cámara de la Asociación de los Amigos de la ROSS. Es también director, actuando en pasadas temporadas con el Ensemble Maestranza, Orquesta Manuel de Falla y la ROSS.

Claudia Medina, violinista venezolana, inició sus estudios musicales en la ciudad de Caracas en la cátedra del prof. José Fco. del Castillo.


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Luego tuvo como profesores a Ramón Román y Ulyses Ascanio. Participó como integrante de la Orquesta Sinfonica "Simón Bolivar" en sus distintas giras internacionales a Londres, Paris, Amsterdam, España, Mexico y Japón. Ha realizado cursos de perfeccionamiento tanto en Venezuela como en el exterior con los maestros Agustin Dumay, Oliver Charlier y Rony Rogoff. En el año 1995 se traslada a Madrid para continuar sus estudios con el prof. José García Asensio en la Escuela Superior de Música "Reina Sofia", participando en clases magistrales con los maestros internacionales David Zafer, Petru Monteanu, Reiner Schmidt, Menahem Pressler, Mauricio Fuks y Zubin Metha. También participó en diferentes recitales y conciertos alrededor de España. Más tarde se va a Italia para continuar sus estudios con el maestro R. Rogoff, donde continúa su formación violinística y camerística con el grupo "Accademia Musicale di San Giorgio" patrocinado por la Fundación Cini de Venecia. También ha realizado cursos de música de cámara y fenomenología musical con la pianista Christa Bützberger. Actualmente reside en Sevilla y desde el año 2000 forma parte de la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla.

Notas al programa

En este programa les presentamos tres de las obras más populares del genio polaco Frederic Chopin: Nocturne Op. 9 nº 2, Waltz Op. 64 nº 2 y Mazurka Op.17 nº 4. Estas obras compuestas inicialmente para piano han sido adaptadas para cuarteto de cuerda por el violinista y arreglista Vladimir Dmitrienco, y servirán para conmemorar el Bicentenario del nacimiento del gran compositor y pianista. Nikolai Kapustin nace en Gorlovka (Ucrania) en 1937, y estudia piano en el Conservatorio de Moscú con el famoso profesor Alexander Goldenweiser. En los años sesenta se convierte en un excelente pianista, arreglista y compositor. El estilo de sus composiciones es una mezcla de música clásica, jazz y rock. La representación del cuarteto de cuerda op. 88 de Kapustin en este concierto, confirma que el jazz es sobre todo una forma de pensamiento y un estado especial del alma. Esta obra de Kapustin es un brillante ejemplo de la fusión del jazz con la música clásica.


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MORE HISPANO

Vicente Parrilla flautas | Miguel Rincón laúd | Álvaro Garrido percusión More Hispano no sólo interpreta, crea. Y no sobre el papel, sino en el escenario. Delante del público. Improvisaciones y glosas cargadas de riesgo, creatividad, comunicación y virtuosismo que hacen de cada uno de nuestros conciertos un espectáculo único.

Desde 2005 nos hemos centrado exclusivamente en desarrollar y recuperar el arte de la improvisación, ingrediente que nos permite lograr interpretaciones vivas, sorprendentes, frescas y de un enorme poder comunicativo. En abril de 2009 capturamos en disco una sesión de grabación que ahora, justo un año después, ve la luz en nuestro nuevo CD Yr a oydo. Fundado en 1998, cuando debutamos con un CD monográfico dedicado a Bartolomé de Selma y Salaverde (Canzoni, Fantasie et Correnti) –que aún hoy sigue siendo el disco de referencia en lo que a Selma se refiere–, More Hispano es un grupo con nombres y apellidos, no de plantilla, formado por músicos de prestigio, solistas con trayectoria propia que sin embargo llevan colaborando 10, 15 ó incluso 23 años, según los casos.

More Hispano ha actuado en ciclos como Noches en los Jardines del Real Alcázar, Festival de Música Antigua de Sevilla, Festival de Música Antigua de Aranjuez, Festival de Música Antigua de El Puerto de Santa María, Las Piedras Cantan (Castilla y León), Festival de Música Antiga de Tiana (Barcelona), XIII Muestra de Música Antigua 'Castillo de Aracena', II Festival de Música Antigua de Málaga, Festival de Música Antigua de Olivares, IX Festival de Música Antigua ‘Eloy Zapico’, VI Festival de Música Medieval de Alarcos, XXII Radovljica Early Music Festival (Eslovenia), Forum de Música Española en Varsovia (Polonia) o el Festival Oude Muziek de Utrecht (Holanda). More Hispano ha recibido siempre el acalorado aplauso del público –además de críticas extraordinarias por parte de la prensa– en sus actuaciones. Éstas son algunas:

'El mejor concierto de todo el Festival Oude Muziek de Utrecht. Su actuación me hizo saltar las lágrimas por el mero placer y gozo de escuchar tan virtuosa y apasionada interpretación' (Goldberg magazine, Oct 08)

‘Uno de los espectáculos más originales y poderosos que puede brindar hoy la música antigua española’ (Scherzo)

‘Vuelta de tuerca a la música antigua’ (La Nueva España, Asturias, Dic 08)

More Hispano publica regularmente artículos sobre interpretación en su página web (www.morehispano.com), además de compartir noticias y mantener al día de todas las novedades a sus seguidores a través de Twitter (www.twitter.com/morehispano).

Programa The New Hunt Is Upp (Improvisaciones sobre grounds del Renacimiento inglés)

A Dump or The Queenes treble (John Johnson fl.1579-c.1594 - improv.) Hugh Aston’s Mask (Hugh Ashton c.1485-c.1558 - improv.) Malt’s come downe (William Byrd c.1540-1623 - improv.) Pakington’s Pownde (Anón. - improv.) Wolseys Wilde (William Byrd - improv.) The New Hunt Is Upp (John Johnson - improv.) *Este programa puede sufrir ligeras modificaciones que serían oportunamente puntualizadas durante el concierto.

Notas al programa

“Being the true voice of one's time is (as Shaw might have said) roughly 40,000 times as vital and important as being the assumed voice of history” Richard Taruskin, The Spin Doctors of Early Music Después de explorar los repertorios español e italiano del Renacimiento, y siempre con la improvisación como principal estímulo de nuestro trabajo, MORE HISPANO se propone ahora explorar el rico repertorio inglés del s. XVI a través de nuestro nuevo programa The New Hunt Is Upp. Un repertorio en el que, desde luego, no hemos tenido que esforzarnos demasiado (ni mucho menos 'cazar', por usar el título del programa) a la hora de encontrar trazas improvisatorias en las obras, dadas las características de gran parte del repertorio (aunque el hecho de improvisar ya supone en cierto modo una búsqueda o 'caza' en sí mismo). Un breve examen de la obra tanto de laudistas como de 'músicos de tecla' ingleses del Renacimiento revelará un gran número de obras cuya tipología, por forma y concepto, está fuertemente ligada al arte de la variación o improvisación, hasta el punto de desarrollar tipos de obra que casi podrían denominarse como autóctonos como el Medley, Dump, Toys y Grounds, a los que hay que sumarle el gran número de melodías populares ampliamente conocidas como Walsingham, Greensleeves, Carman’s Whistle, The leaves be greene y un largo etcétera, que resultaban el blanco perfecto para cualquier instrumentista que deseara demostrar sus habilidades ornamentales.


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Es el caso de los dos compositores representados en nuestro programa, el laudista John Johnson (fl.1579-c.1594) y el organista William Byrd (c.1540-1623). En el caso de la obra de Johnson, de hecho, todas sus obras, sin excepción, incluyen alguna forma de técnica de variación ornamental, desde piezas enteras basadas en un único motivo, hasta la repetición variada, pasando por el 'discanto' sobre grounds italianos e ingleses y variaciones sobre melodías famosas. A pesar de que la obra de Byrd es ciertamente más amplia y variada que la de Johnson e incluye un nada desdeñable corpus de música litúrgica, el arte de la variación tiene también un gran protagonismo en sus obras instrumentales, al igual que ocurre con toda la escuela de virginalistas ingleses.

Como no podía ser menos, nuestra interpretación no se basará únicamente en presentar las obras y las excelentes y numerosas glosas y variaciones de los antiguos maestros ingleses; más bien les añadiremos el ingrediente, tan vital entonces como ahora, de la improvisación.

VICENTE PARRILLA Músicos

Vicente Parrilla Director del grupo More Hispano, Vicente Parrilla es uno de los músicos más activos en la recuperación del arte de la improvisación con instrumentos históricos. Estudia en los conservatorios Superior de Sevilla (G. Peñalver), Real de La Haya (J. van Wingerden), Amsterdam (W. van Hauwe, donde obtiene el Título de Profesor Superior de Flauta de Pico), y Esmuc de Barcelona (P. Memelsdorff). Inicia su carrera concertística a temprana edad, realizando su debut discográfico (con tan sólo 20 años) con un CD dedicado a B. de Selma y Salaverde que ha obtenido los elogios de la crítica especializada. Actúa en diversos festivales y ciclos de conciertos en España, Irlanda, Inglaterra, Austria, Holanda, República Checa, Portugal, Alemania, Polonia y Eslovenia. Ha impartido clases de flauta de pico en cursos organizados por los conservatorios de Zaragoza y Cuenca, y en la XIII, XIV y XV Muestra de Música Antigua Castillo de Aracena (Huelva). Desde 2004 ocupa la cátedra de Flauta de Pico del Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde además imparte Ornamentación e Improvisación para Instrumentos Históricos. Acaba de publicar su segundo disco como director de More Hispano (Yr a oydo, 2010). www.vicenteparrilla.com Miguel Rincón Es considerado hoy día como uno de los mejores laudistas activos. Cursa la carrera de cuerda pulsada bajo la dirección de Juan Carlos Rivera en el Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo, donde finaliza con matrícula de honor. Posteriormente realiza un posgrado de perfeccionamiento con Xavier Díaz- Latorre en la Esmuc. Es requerido por importantes grupos dentro del panorama nacional e internacional. Colabora con músicos de renombre y actúa en festivales como: Festival Mozart en la Coruña, Festival de Canarias, Semana de música antigua de Barcelona, Festival del País Vasco, Estella... Ha realizado diversas grabaciones entre las que destacan Lacrime di Eros (Accademia del Piacere), Arde el furor intrépido (con la OBS de Sevilla junto a la cantante María Espada), Yr a Oydo (More Hispano) y Ángeles y Demonios (junto al violagambista Fahmi Alqhai). Como proyectos inmediatos destaca una gira por Argentina y Bolivia durante el mes de abril y la salida de un nuevo disco a dúo con el flautista Vicente Parrilla. www.miguelrincon.net Álvaro Garrido Sevilla. Músico autodidacta. Buscador de sonidos. Su repertorio abarca desde la música antigua hasta la música experimental. Especialista en percusiones de mano, ha recibido clases en The Berkley School of Music (Boston, E.E.U.U.) asistiendo a cursos de perfeccionamiento con maestros como, entre otros, Glen Velez, John Bergamo y Pedro Estevan. Conciertos en Alemania, Austria, Checoslovaquia, EEUU, Francia, Grecia, Italia, Japón y Portugal. Grabaciones para TVE, TV2, TV3, Canal Sur y RNE. Integrante, entre otros, de los grupos Artefactum, Orphenica Lyra, Accademia del Piacere, Música Prima, More Hispano, Caravasar, Estambul, Zejel, L´Ham de Foc... Músico habitual del violagambista Paolo Pandolfo y de la cantante israelí Yasmin Levi. Asimismo ha colaborado con músicos de flamenco como Gualberto, Dorantes, Eduardo Trassierra e Israel Galván.


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MYTHOS

Raúl Cantizano guitarra flamenca, oud, zanfoña | Juan Manuel Rubio oud, saz, cumbus, arpa, santur, zanfoña Aziz Samsaoui qanun, oud, violin | David Mayoral dohola, dumbek, def, riq, panderos, daboul,daf Andalucía es un crisol de culturas, alberge efímero de gobiernos, guerreros y poetas de todas las épocas. Esta tierra de luz ha sido un auténtico imán para civilizaciones de todo el mundo y todas las épocas que desarrollaron aquí sus artes y sus ciencias de una manera novedosa y revolucionaria. "Mythos" se crea originalmente dentro de ese espíritu revolucionario como laboratorio experimental para preñar de sustancia musical viejos sonidos en almas jóvenes. A modo de cante de ida y vuelta evocamos los sonidos de los puertos musicales desde donde una vez partieron nuestros antepasados hacia esta tierra de belleza para hoy expresarlos en nuestros instrumentos. Usando el flamenco como espejo actual de dicho crisol musical nos reflejamos en la guitarra y el cante flamenco desde nuestros instrumentos de tradición medieval, árabe y mediterránea. Somos los herederos musicales de todas las tradiciones que una vez pisaron Andalucía y que desde la bruma del mito alzan su canto alto y fuerte para ser oídos. Programa Organa Nova (Fusión flamenco)


Kaytagi ( Trad. Azeri) Estampie Royale I ( Francia, s.XIII) Cantiran ( Trad. Mythos) Twishiya Rasd Dail ( Trad. Andalusi) Odeseo ( Trad. Mythos) CSM 352/124 ( Jerez, s.XIII) Estampilerias ( Trad. Mythos) Twshiya Ushaq ( Trad. Andalusi) Giresun Karsilamasi ( Trad. Turquia) Músicos

Juan Manuel Rubio Multiinstrumentista de orientación esencialmente autodidacta, nacido en Jerez de la Frontera( Cádiz ) el 30 de Mayo de 1972, una noche de luna menguante. Su interés por la música antigua, étnica y de corte tradicional le ha llevado a progresar en un inagotable itinerario musical a través de distintos instrumentos. En 1996 se inicia en la construcción de instrumentos tradicionales de la mano de Jesús Reolid. Ese mismo año destaca en los talleres de formación que la Asociación Ibérica de la Zanfona organiza en varios puntos de la península como intérprete de Rabel y Zanfona, sendos instrumentos de la tradición peninsular. En 1997 colabora en el trabajo que Robert Evans y William Taylor llevan a cabo en Carddyff ( País de Gales) sobre la reconstrucción e interpretación histórica de dos instrumentos esenciales en la música tradicional bárdica y galesa como son el Arpa y el Crwth, destacando en la ejecución de ambos instrumentos. Hasta 1999 participa como intérprete de Rabel, Crwth y Arpa con varias formaciones y en solitario en festivales de música y teatro de aquél país (Saint Donats Storytelling Festival, Bangor NonFolk Festival). Posteriormente inicia un apasionante descubrimiento de la música árabe, turca y persa de la mano de maestros insignes como son Amin Chaachoo ( Tetuan ), Necati Çelik y Oruç Guvenç (Estambul ) con quienes destaca en la interpretación del Oud. En Estambul también inicia su formación como intérprete de Baglama y Saz con profesores destacados como Suhat Baktagir y Tarik Aydoglu, de Santur y Qanun con Osman Aksu. Una formación contínua que hoy día le ha hecho especializarse en la interpretación y estudio de una plétora de instrumentos: Zanfona, Rabel, Viola de arco, Kemanja, Arpa, Qanun, Baglama, Saz, Oud, Santur, Laúd,… Desde 1999 ha participado y colaborado en formaciones diversas de música antigua, étnica y corte tradicional como Ábrigu, Bran Ruz, Alquimia, Arte Factvm, Caravasar, Estambul, El Sombrero del Alquimista, Capella de Ministrers, L´ham de Foc, Ross Daly, Samarcanda, Mediterránea, Zéjel, Durendal Ensemble, Capilla de Música Antigua de Chinchilla, Estampida Real, Yasmine Levy, Dufay Collective, Estampie, Orquesta del Conservatorio de Tetuán, Schola Gregoriana Hispana. Con estas formaciones ha participado en los festivales y espacios escénicos más importantes de música antigua y tradicional del territorio nacional (Gijón, Sevilla, Barcelona, Girona, Cáceres, Valencia, Castellón, Granada, Toledo, San Sebastián, Salamanca, etc.) e internacional en países como Marruecos, Argelia, Túnez, Italia, Alemania, Francia, Rep. Pop. China, EE.UU., Grecia, Países Bajos, Brasil, Cuba, etc. David Mayoral Comienza su formación musical de la mano de Hebe Onesti (educación auditiva) y del Maestro Horacio Icasto (piano). Su andadura en el mundo de la percusión clásica comienza con Juanjo Guillem. Posteriormente se interesa por la percusión histórica, recibiendo clases del Maestro Pedro Estevan. Paralelamente estudia percusión árabe con Shokry Mohamed y Salah Sabagh. Completa su formación con cursos y clases magistrales de Glen Vélez (req y frame drumming), Keyvan Chemirani (zarb) y Pejman Haddadi (zarb y


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daff). Desarrolla la mayor parte de su actividad en grupos dedicados a la música medieval, renacentista y barroca (LÁrpeggiata, Mudéjar/Begoña Olavide, Hespérion XXI, La Capilla Reial de Cataluña, Kapsberger Ensemble, Eduardo Paniagua, Axivil, Orphenica Lyra, Camerata Iberia, Dufay Colletive, Cuarteto de Urueña, Ensemble LÁmoroso, Les Sacqueboutiers,.) con los cuales ha actuado por toda Europa y numerosos países del mundo (Festival de Músicas Sagradas de Fez, Instituto Cervantes de Beirut, Opera de El Cairo en Egipto, Siria, Túnez, Festival de Oud de Jerusalem, Kuwait, Feria del Libro en Cuba, Brasil, Estados Unidos, etc.). En el campo de las músicas étnicas y de fusión ha actuado entre otros grupos con Radio Tarifa, Luis Delgado, Cuarteto de Javier Coble, Albaraka, Alquimia y con el ballet flamenco de Joaquín Ruiz. Con Serguei Sapritchef y Andrés Cisneros forma el trío Transit, presentando de una manera pedagógica un viaje por las tradiciones musicales de la India, Cuba u Oriente Próximo a través de sus instrumentos de percusión. Ha tocado en numerosas compañías de danza oriental, destacando la Compañía Hispano-Arabe de Danza de Shokry Mohamed, la compañía Al-Andalus Danza dirigida por Nesma (Julia Salmerón) y la Compañía de Danzas del Mundo (Cristiane Azem y Lenna Beauty). Entre sus colaboraciones discográficas destacan: Tánger (Luis Delgado/Nubenegra, Ibn-Arabi, Bestiario, Cantigas de Santa María de Atocha, Latidos de Al-Andalus (Sello Pneuma), Passion for Percussion (con Shokry Mohamed), La Música del Antiguo Egipto (N.A. Recordings), Al-son (Mudéjar), Altre Folie y Estampies & Danses Royales (Jordi Savall/Alia-Vox), Los Imposibles (L’Arpeggiata/Naïve), El Fuego (Les Sacqueboutiers). Abdel Aziz Samsaoui Nacido en Marrakech y formado en el conservatorio de música Andalusí de Tetuán. Realizó estudios en laúd u violín andalusí bajo la dirección de Telemsaní, perfeccionando con los maestros Mezuak y Amin Al-Akrami, entre otros. Formó parte de la Orquesta Joven del Conservatorio de Música Andalusí de Tetuán, con la que ha ofrecido recitales en festivales a nivel nacional. Fue asignado como monitor de los estudios “Principios de Música Andalusí” durante tres años en el I.F.P. Juan de la Cierva. Su trayectoria artística se ha ido enriqueciendo con colaboraciones y grabaciones en diferentes grupos diversos estilos musicales. Entre ellos destacan su participación con la Orquesta Filarmónica de Málaga en la obra Usúl de Eneko Vadillo, Cinco Siglos y Alía Música (Medieval Mudéjar-Sefardí), Ana Reverte y Anda-Ara (Flamenco), Tejemaneje y Kámbala (Étnica), L´Ham de Foc (Folk), Nassim y Al-Tarab (Andalusí), Aman Aman, Orquesta Chekara con Enrique Morente, Carmen Linares, Michael Nyman,… En 1999 ha participado el festival de música antigua de la Universidad de Tartu (Estonia), dictando conferencias y semanarios. Raúl Cantizano Licenciado en Bellas Artes, especialidad de escultura, por la Universidad de Sevilla en 1999. Después de varios años de estudio e investigación en el terreno de las músicas llamadas experimentales llega al flamenco becado por la Fundación Cristina Heeren de Arte Flamenco en el año 2000. Desde entonces es guitarrista habitual en los tablaos sevillanos, recorre numerosos festivales y Peñas Flamencas de solera y prestigio por toda Andalucía y actúa en teatros y festivales internacionales en muchos países como EEUU, Turquía, Holanda, Francia, Inglaterra, Japón, Portugal. Forma el grupo “Medialuna Flamenca” reuniendo en un mismo escenario música andalusí y flamenco. Escribe y dirige el espectáculo flamenco “Sal Sobrino”. Crea junto a Santiago Barber “Bulos y Tanguerías” espectáculo de experimentación en torno al flamenco, la poesía fonética y la performance, actuando en importantes festivales de música experimental como el “LEM festival” en Barcelona y “Nits dÀielo i art” en Valencia, Circulo de Bellas Artes de Madrid o en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, CAAC en Sevilla. Compone la música del espectáculo de circo, danza y flamenco “Malgama” de la compañía Varuma Teatro obra premiada con un Giraldillo Innovación, en la XIV Bienal de Flamenco de Sevilla. También crea la música para otros espectáculos flamencos como “Femenino Plural” de la Compañía Flamenca Angeles Gabaldón que se estrenará en el Festival Flamenco de Jerez 2007, o “Restauración” de la compañía Punto de Fuga Danza, que se estrenó en los Encuentros flamencos de Granada 2006. En el 2007 entra a formar parte de ” Multaka” proyecto musical flamenco-marroquí junto la Orquesta Chekkara de Tetuan. Participa en el espectáculo “Moroneando” presentado en el Festival Flamenco Mont de Marsan. Actualmente hace la dirección y composición musical del espectáculo “Tejidos Al Tiempo” de Choni Cía. Flamenca galardonado con el premio Giraldillo Revelación en la XV Bienal de Flamenco de Sevilla. También Compone parte del espectáculo "TI-ME-TA-BLE" de Marcos Vargas y Chloé Brûlé, Giraldillo innovación.


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QUARTI TONI

Carmen Hidalgo alto | Alberto Barea alto | Sergio Asian tenor | Juan Carlos Sánchez barítono Luis García barítono | Juan Jiménez bajo El sexteto vocal “Quarti Toni” fue creado como grupo de trabajo para la investigación y desarrollo de la música vocal de todas las épocas en todo su esplendor, abarcando tanto la música profana como la música sacra desarrollada en todo el mundo. En su repertorio se encuentran obras de autores que se remontan al Renacimiento tales como Dufay, Palestrina, Lobo o Victoria, hasta el siglo XX con arreglos vocales de grupos tan renombrados como The Rolling Stones, The Beatles, Bill Withers o The Beach Boys, entre otros. Programa From Dufay to The Beatles

G. DUFAY (1397-1474), J'atendray tant qu'il vous plaira G. DUFAY, Mon cure me fait tous dis penser P. PASSEREAU (1509-1547), Il est bel et bon C. JANEQUIN (1485-1558), Le chant des oyseaux C. MONTEVERDI (1567-1643), Si ch'io vorrei morire H. PURCELL (1659-1695), Canciones de Taberna HENRY VIII (1491-1547), Pastime with good company BILL WITHERS (1938), Ain't no sunshine when she's gone THE BEACH BOYS, God only Knows NINA SIMONE (1933-2003), My baby just cares for me THE BEATLES, Honey Pie THE BEATLES, Girl THE BEATLES, I want to hold your hand FAIRGROUND ATTRACTION, Perfect

Alberto Barea Ronda, 1973. Comienza sus estudios en la Escolanía del Orfeón portuense en 1980, y desde entonces dedica todo su estudio enfocado a la música coral, continuando su formación en el Conservatorio Superior de Sevilla, donde consigue el título de Profesor Superior. A partir de entonces decide viajar para investigar y perfeccionar la técnica vocal, que consigue con Gilles Schneider en Paris, así como la técnica de dirección con Laszlo Heltay, Lluis Vila, Nestor Andrenazzi y Alberto Grau en Barcelona. Es Director de la Coral del Orfeón Portuense entre los años 1992-1998, a partir de lo cual crea el grupo vocal “El Jardín de Schönberg” con quien colabora en los estudios de Canal Sur, y Antena 3 Andalucía. Director y componente del grupo instrumental barroco “Bocetos de viento”, quinteto de flautas barrocas con el que ha interpretado piezas que abarcan todo el barroco hasta el siglo XX y colaborando en festivales de música antigua en Portugal. Director y miebro del sexteto vocal “Quarti Toni”, especializado en la investigación y realización de la música vocal desde el Renacimiento a nuestros días. Miembro del grupo “Axabeba” especializado en la música medieval, interpretando las obras con organetto, vihuela de rueda, oboe de cápsula y voz en festivales de toda Europa. Miembro de la “Schola gregoriana hispalensis” dirigida por D. Ricardo Rodríguez. Como Cantante solista ha interpretado obras entre las que se encuentran “la Atlántida” de Falla, “Membra Jesu Nostri” de Buxtehude, “El Mesías” de Haendel, “Réquiem” de Victoria a 4 voces, y varias Cantatas de Bach, entre otras. Como compositor, ha realizado diferentes obras por encargo para diferentes agrupaciones instrumentales y vocales entre las que se encuentra un poema sinfónico dedicado al Lignum Crucis que reposa en Potes (Cantabria) con motivo del año Jubilar Liebanés; una Sinfonía dedicada a Sevilla para banda de música, estrenada en Valencia en Mayo de 2007; música incidental de numerosas obras de teatro clásico greco-romano para la compañía “Balbo teatro” de la que cabe destacar el musical “Miles Gloriosus” adaptada por José L. Alonso de Santos; así como cortometrajes de cine y diversas obras para coro y orquesta. Actualmente trabaja en varios proyectos de encargo para Granada, Sevilla y Cádiz donde a través de la composición deberá reflejar la tradición y folclore de cada una de estas provincias, y prepara la música incidental de una obra contemporánea de teatro de Jaime Salom. Premio a la dirección coral en el concurso internacional de Portugalete, y premio a la mejor interpretación coral en el teatro “Villamarta” de Jerez de la frontera; premio en los Festivales anuales de música coral de Granada y Jaen con la Coral del Orfeón portuense. Primer Premio en el Primer concurso de música Coral de la provincia de Sevilla con la Coral del Conservatorio de Mairena “América Martínez”.


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RAMI ALQHAI + AARON ZAPICO

Rami Alqhai viola da gamba | Aaron Zapico clave

Programa Siempre Bach

Sonata en Sol Mayor BWV 1027 para Viola da Gamba y Clave Adagio - Allegro ma non tanto - Andante - Allegro moderato Sonata en Re Mayor BWV 1028 para Viola da Gamba y Clave Adagio - Allegro - Andante – Allegro Sonata en Sol Menor BWV 1029 para Viola da Gamba y Clave Vivace – Adagio - Allegro Músicos

Aaron Zapico Asturias, 1978. Es uno de los clavecinistas más activos de su generación. Diplomado como solista de clave en el Real Conservatorio de La Haya bajo la dirección de Jacques Ogg. Director de Forma Antiqva, con quien ha actuado en los festivales más importantes de Europa, Bolivia, Brasil, Singapur, Australia, China y Japón. Hasta la fecha han grabado los discos Bizarro!!, Insólito Estupor, Sopra Scarlatti y Amore x Amore que están obteniendo el aplauso unánime de la crítica especializada (Recomendado de CD Compact, Excelente de Ritmo, Prelude Classical Music Awards 2009 o el Premio al mejor disco de música vocal barroca 2008 - 2009 de CD Compact). Forma Antiqva es artista exclusivo del sello alemán Winter & Winter. Además de conciertos a solo colabora con conjuntos como Accademia del Piacere, El Concierto Español, La Caravaggia, Camerata Iberia, Euskal Barrokensemble, Xacona, Orpheon Consort Wien, La Ritirata, La Real Cámara o la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y Real Filharmonía de Galicia bajo la dirección de Frans Brüggen, Emilio Moreno, Pablo González o Fahmi Alqhai. Con Xavier Sabata (contratenor y actor) ha estrenado Undercastration (2007), revolucionario programa mezcla de cabaré, teatro y concierto. Ha sido profesor de en el CSM de Oviedo, CPM y CSM de Murcia y profesor colaborador de los cursos de música antigua de Aracena, Gijón, Univ. de Salamanca, Univ. de Extremadura o Daroca, Universidad de Melbourne, el Yong Siew Toh Conservatory de Singapur o el Festival de Música Antigua de Gijón. Ha grabado para Winter & Winter, Arsis, RNE, Columna Música, Catalunya Música, France Musique, Australian Broadcasting, Czech Radio y TVE. En 2010 será el asistente de Kenneth Weiss en el Teatro Campoamor de Oviedo y Arriaga de Bilbao, con motivo de la representación de L'Incoronazione di Poppea a cargo de Forma Antiqva. Rami Alqhai Sevilla, 1980. Ha realizado un grandísimo número de conciertos dentro y fuera de España siendo uno de los violagambistas más solventes y experto del país. Estudió con Ventura Rico y Vittorio Ghielmi. Es miembro de los grupos Accademia del Piacere, Gruppo Seicento, Alqhai Consort, Ishbilya Consort y ha colaborado con La Venexiana, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Filarmónica de Málaga, OCNE, Orphenica Lyra, Il Suonar Parlante, Armoniosi Concerti o Forma Antiqva. Su música, llena de personalidad nunca deja indiferente, y le ha llevado a actuar por casi todo el mundo. Ha actuado en los teatros y auditorios más prestigios de España, ejemplo de ello: Auditorio Nacional de Madrid con Accademia del Piacere y como solista colaborador de la OCNE. Ha grabado con Gruppo Seicento la Integral de Fontana (Arsis), con Cappella Augustana/Il Suonar Parlante Heinrich Schütz Edition (Brilliant Classics), con Cantar Lontano/Il Suonar Parlante Ad Vesperas de Ortiz (AlPHA), con Speculum Cancionero del Escorial I junto a Carlos Mena, II y III, Ars Mediterranea, con Forma Antiqva Amore x Amore (Winter & Winter). Junto a Fahmi Alqhai ha fundado el sello discográfico ALQHAI & ALQHAI, distinguido por el sonido y cuidado de sus discos. Han grabado juntos Le Lacrime di Eros de Accademia del Piacere y Les violes du Ciel et d l’Enfer, discos absolutamente recomendados que raptan al oyente. Actualmente realiza una amplia labor de difusión de la Viola da Gamba en los ámbitos concertístico-solístico y docente.

Notas al programa

Es Johann Sebastian Bach el compositor por excelencia del Barroco, sin duda una inflexión en la Historia de la Música, donde posiblemente se unen la mayor complejidad contrapuntística y las melodías más bellas. Bach es Bach y siempre tornaremos a él. Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750). Las sonatas para viola da gamba y clave son arreglos del propio Bach de obras que en el momento de su composición eran tríos (BWV 1027 y 1028) y conciertos (BWV 1029). Es por ello que es de una gran dificultad el alcanzar un equilibrio sonoro entre las diferentes secciones del concierto, en la sonata BWV 1029, o hacer un diálogo coherente, en la sonata BWV 1027. Era una práctica común en los grandes compositores (Bach, Haendel) el reutilizar material anterior para eventos nuevos a los que tenían que poner música. Esto hace que nos reafirmemos en que si la composición es vital y dinámica, aún mayor tiene que serlo la interpretación. La sonata en sol mayor BWV 1027 es una clara transcripción de una trío sonata para dos flautas y bajo continuo, por lo que el clave toma el papel de flautista solista en la mano derecha y de continuo en la mano izquierda, la viola da gamba es quien toma la otra voz de las


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flautas. Esta obra requiere mucho más cuidado en la interpretación para hacer destacar los diálogos entre mano derecha del clave y la viola. Es dulce, al mismo tiempo que quebradiza y bella. La sonata en re mayor BWV 1028 es posiblemente la más emotiva, comienza con un adagio lunar de notas largas con ornamentos melódicos de estilo casi corellianos. A ello le sucede un allegro de textura enrevesada, muy rítmico y con motivos diferenciadores temáticos complejos que lo hacen muy virtuoso y enmarañado. Aunque es el tercer movimiento, el andante en si menor, donde Bach desarrolla al máximo su capacidad lírica y melodramática, llegando a pasar con el tema por seis tonos distintos integrados perfectamente en el discurso musical. Por el contrario el cuarto movimiento, allegro, requiere un virtuosismo que denote estar por encima de la música, ágil y grácil, como si se tratara de unas sevillanas, si bien en la parte final existen dos solos de clave primero y viola da gamba seguidamente que precisan un dominio técnico exquisito. La sonata en sol menor BWV 1029 comienza con carácter grandioso, de concierto, donde es muy importante mantener un sonido muy sólido y amplio, a la vez que elegante, rítmico y melódico, donde se alternan las partes de solo y de tutti en unísono. Luego nos encontramos con un sublime adagio que da paso a una semifuga culmen de la sonata. Esta sonata requiere gran concentración. Estas tres sonatas tienen estilos contrapuestos y tanto es así que requieren además de un gran esfuerzo interpretativo, tres máscaras absolutamente contrarias, siendo objetivo principal el fusionar los timbres del clave y la viola da gamba, en la viola volviendo al origen de cuerdas pizzicadas o en el clave tendiendo la mano a las melodías tenutas, siempre mezclando resonancias y manteniendo preciosas melodías, en un endiablado contrapunto. Bach es Bach y siempre tornaremos a él. Rami Alqhai


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SALVADOR GUTIÉRREZ

Salvador Gutiérrez guitarra flamenca | Pablo Báez bajo | Antonio Coronel percusión

Los recuerdos de la niñez suenan a guitarra rompiendo el silencio de una calle blanca bajo el sol del verano; un rumor de cuerdas que levanta el aire fresco del anochecer en un patio de Écija. Suena a cante susurrado bajo las estrellas y a metal de fragua. Ese sonido metido en el corazón sólo puede salir abrazando una guitarra, y dejando a los dedos que recorran los trastes de la memoria. Y la vivencia fluye, como fluye el agua. Programa Vivencias

Rondeña Solea Alegrías Fantasía, bulerías Minera Amarguras (marcha) Rumba Tangos Bulería

Músicos

Salvador Gutiérrez Ecija. Comienza desde muy pequeño a escuchar flamenco. Autodidacta con 7 años comienza a tocar, a los 11 años no comienza sus clases clases con Manuel de Palma, guitarrista Ecijano afincado en Palma del Río. A los 12 años debuta con Juanillo el Canastero, a partir de ahí, recorre peñas y festivales acompañando a cantaores de la talla de la Niña de la Puebla, Chocolate, Juan Valderrama, Pepe León “el Ecijano”, Jesús Heredia , Rancapino, José Mercé (gira, al amanecer 99),entre otros. Gana el 1er concurso de acompañamiento de la Federación de Peñas Sevillanas a la edad de15 años. Se marcha a estudiar a Sevilla con Mario Escudero, Matilde Coral y Manuel Marín hasta que en 1991 es requerido para formar parte de la Compañía de Mario Maya, con esta realizó espectáculos como “Amargo”, “Amor Brujo”, “Réquiem” y “Tres movimientos flamencos”. Desde entonces ha trabajado con artistas como El Mistela, Israel Galván, Eva la Yerbabuena, con la cual desde 1993 colaboró en espectáculos como ”Eva”, “Yerbabuena”, “5 mujeres 5”, “La voz del silencio”, tanto como componente de la compañía de Eva, como en la música de Paco Jarana; Cristina Hoyos, Joaquín Cortés, Belén Maya, Manuela Carrasco, Rafael Amargo, María Pagés, Rafael Campallo y un largo etc... Recientemente ha entrado a formar parte de la Compañía de Andrés Marín en el espectáculo “Asimetrías”, alternando con colaboraciones con Carmen Linares, Arcángel, Potito, Enrique Soto, Segundo Falcón, Marina Heredia y Rosario La Tremendita entre otros. Antonio Coronel Huelva, 1964. Estudió piano y percusión en el Conservatorio de Sevilla y Cádiz. Una vez finalizado los estudios, empieza a trabajar con grupos locales tocando un buen número de estilos: desde el rock hasta la música clásica, pasando por el flamenco. Y es en este último género donde permanece, llegando a trabajar con todos los más importantes intérpretes. En 1995 se marcha a Los Ángeles y se gradúa en el Musicians Institute Of Technology con honores, recibiendo el reconocimiento de percusionistas de la talla de Efraín Toro, Ralph Humphrey y Joe Porcaro, entre otros. En el flamenco, su percusión ha estado al lado de cantaores, bailaores y guitarristas de primera fila. Ha trabajado para cantaores como Enrique Morente, Estrella Morente, El Lebrijano, El Pele, Carmen Linares, Arcángel y Miguel Poveda. En el baile, destacan sus trabajos con Eva Yerbabuena, Israel Galván y Andrés Marín. Ha colaborado con los guitarristas flamencos Manolo Sanlúcar, José Antonio Rodríguez y Juan Carlos Romero. También ha acompañado al cantautor jondo Diego Carrasco, a la tonadillera Martirio, al piano de Dorantes y al de Diego Amador, de cuyo trío forma parte en la actualidad. Fuera del flamenco, ha tocado con STOMP, Matt Bianco, Alameda y Carlos Cano, entre otros. Pablo Báez Huelva. Ha compartido escenario con artistas como Perico Sambeat, Rubem Dantas, Carmen Linares y Jerry González, entre otros. Amplia experiencia como músico en diversos estilos: flamenco, jazz, clásico, popular, contemporáneo, etc., habiendo participado en giras, conciertos y espectáculos por España, Portugal, Alemania, Austria, Suiza, Italia e Israel. En el ámbito académico ha cursado 2º de guitarra y 1º de percusión en conservatorios de Huelva y Sevilla, para finalmente decantarse por el contrabajo, de cuyos estudios está cursando actualmente 3º de grado superior en el C.S.M. Manuel Castillo de Sevilla. También ha asistido a los seminarios y masterclasses: I Seminario Internacional de Jazz de Zarautz (Julio 2000); XX Seminario Internacional de Jazz, Flamenco, Músicas Mediterráneas e Improvisadas del Taller de Musics de Barcelona (Septiembre 2000); Masterclass de Improvisación de Jazz y Sección Rítmica en el Teatro Central de Sevilla (Noviembre 2000); IV Seminario Internacional de Jazz y Flamenco de Teatro Central de Sevilla (Marzo 2002); Masterclass con Dave Holland en Teatro Central de Sevilla; Masterclass con Christian McBride en Barcelona (2007); 1º Grado Superior de Contrabajo en Ámbito de Jazz y Música Moderna con Mario Rossi en la E.S.M.U.C. de Barcelona. En 2006 graba para la película-documental “Mi Huelva tiene una Ría” una versión del tema del mismo nombre. Ha colaborado con la Orquesta Filarmónica de Andalucía, Orquesta de Cámara Manuel de Falla y Orquesta Sinfónica de la Universidad de Sevilla. Ha impartido clases particulares de Guitarra, cajón, bajo aplicado al flamenco y teoría.


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SBO-ZOS Bruno Axel violín | Javier Rivera cante | Raul Cantizano zanfona, guitarra flamenca | Chiqui García guitarra, bouzouki, percusiones SBO-ZOS es una metáfora musical, un acercamiento al mundo de las ideas; un concepto musical barroco, y también romántico en donde se esboza aquello que se sugiere, aquello que nos hace vibrar. SBO-ZOS es un mundo diferente, con vida propia y sin límites musicales; es un quejido, un sugerente aliento y un olor impredecible, inconfundible y exótico, fusión de sonidos milenarios de nuestra tierra y de sus colores. SBO-ZOS es sendero tradicional, conjunción tímbrica y contemporaneidad flamenca. Su estilo personal, no deja indiferente.

Programa Flamenco tántrico


Introducción Seguiriya Peteneras Tarif-Taraf Bulería Milonga Guajira Kyuchet Música arreglada y compuesta por Raul Cantizano, Bruno Axel y Chiqui García.

Músicos

Bruno Axel Granada, 1980. Comienza a tocar el violín a los nueve años con el profesor Yuri Managadze. Obtiene el titulo superior de violín en el Conservatorio Manuel Castillo de Sevilla con las más altas calificaciones y continua sus estudios en el Conservatorio de Praga, en la Academia Duetto de Valencia y la Academia Barenboim-Said con los maestros Bretislav Novotny (Primer violín del Cuarteto de Praga), Vicente Huerta y Axel Wilczok (Concertino de la Staatskapelle de Berlín), respectivamente. A lo largo de su carrera ha recibido cursos de perfeccionamiento y consejos de músicos y agrupaciones camerísticas de prestigio como Daniel Barenboim, Irving Arditti, Ilia Gringolt, Michael Thomas, Yossi Zivoni, Arditti Quartet, Prague Quartet, Dolezazovo Quartet, Greenwich Quartet, Staatoper Soloists, Joel Pitchon y Serguei Teslia. Ha sido violinista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla durante los años 2004-2005 y 2006-2007 tocando con directores como Mark Alder, Michel Plasson, Marc Soustrout, Carlo Ricci, Ros Marba, Vassily Petrenko, C. Halffter, C. Badea y con músicos como Julia Fischer, Achucarro, Buchbinder, Orfeón Donostiarra, Ballet de Montecarlo, Coro Nacional de España o Howard Shore y ha sido colaborador habitual con diferentes orquestas como Orquesta Ciudad de Córdoba, Orquesta de Extremadura, O. Andrés Segovia de Madrid, Orquesta de Gibraltar, Orquesta de Cámara Andaluza, Solisti di Praga, Proyecto Arsian, Orquesta de Cámara Andaluza, etc. Bruno ha desarrollado diferentes facetas musicales a lo largo de su carrera, combinando tanto la música clásica como otros lenguajes y estilos musicales ampliando su conocimiento y pasión por la música y en busca siempre de un estilo personal y libre de convencionalismos. Amante de la música barroca, ha recibido clases con maestros como Oliver Webber, Adrian Butterfield o Walter Reiter y colaborado con diferentes agrupaciones camerísticas como Folengo, Capilla des Ministres, etc. Su relación con el teatro y las artes escénicas ha sido constante desde temprana edad habiendo trabajado como creador y director musical para el espectáculo “Bashavel” cerrando el International Gypsy Festival en el Teatro Northen Stage de Newcastle, el espectáculo “Ricardo III” de Shakespeare representada en el Teatro Nacional de Marruecos Mohamed V o “JOB” Histrion Teatro teniendo un gran éxito de crítica. Como intérprete solista ha interpretado la chacona de Bach con el espectáculo de danza “Chaconna” recibiendo una gran critica. En 2007 funda el Ensamble Metropoli con el que participa en 2008 en el Circuito Andaluz de Música y en Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla. Colabora habitualmente con formaciones de flamenco y de jazz participando en festivales como la Bienal de Flamenco o el ciclo de Jazz del Teatro Central de Sevilla. En 2008 se traslada a Londres donde estudia dirección de orquesta con Denise Ham, profesora de Royal Academy. En 2009 se traslada a Sevilla donde continua sus estudios con el Maestro Juan Luis Pérez y con Nicolas Pasquiet (Weimar Hooschule, Alemania), y en donde realiza diversos proyectos de creación y dirección musical para la compañía de teatro y danza, Teatro del Velador, así como creando diferentes proyectos en torno a la música de cámara y el flamenco.

Raúl Cantizano Sevilla, 1973. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en 1999. En el año 2000 recibe un Curso de Especialización en la Escuela de Arte Flamenco de la Fundación Cristina Heeren. Ha participado en el 2º European Youth Festival de Ankara (Turquía), en el Festival Les Voix du Cante Flamenco de Grenoble y en Lille, aparte de actuar en los Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Inglaterra, Japón, Palestina, Alemania,... Forma el grupo “Medialuna Flamenca” reuniendo en un mismo escenario música andalusí y flamenco. Escribe y dirige el espectáculo flamenco “Sal Sobrino”. Crea junto a Santiago Barber “Bulos y Tanguerías”, actuando en importantes festivales de música experimental como el “LEM festival” en Barcelona y “Nits d`Aielo i art” en Valencia o en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en Sevilla. Compone la música del espectáculo de circo, danza y flamenco “Malgama” de la compañía


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Varuma Teatro en la que entra a formar parte como guitarrista. En 2006 obtiene un Giraldillo al Mejor Espectáculo de Innovación de la Bienal de Flamenco de Sevilla. También crea la música para otros espectáculos flamencos como “Femenino Plural” de la Compañía Flamenca Ángeles Gabaldón que se estrena en el Festival Flamenco de Jerez 2007, o “Restauración” de la compañía Punto de Fuga Danza, que se estrenó en los Encuentros flamencos de Granada 2006. En el 2007 entra a formar parte de “Multaka” proyecto musical flamenco-andalusí junto a la Orquesta Chekkara de Tetuán. Participa en el espectáculo “Moroneando” presentado en el Festival Flamenco Mont de Marsan. Actualmente compone la música para el espectáculo “Tejidos Al Tiempo” de la Compañía de Asunción Pérez “Choni”. Javier Rivera Este cantaor nacido en Sevilla en 1975, es hijo del cantaor "El Pichichi". Aficionado al cante desde muy joven, empezó a dedicarse profesionalmente al ganar una beca para estudiar en la Fundación Cristina Heeren de Arte Flamenco a los 24 años. Estudió así varios años con Naranjito de Triana y José de la Tomasa, mientras que al mismo tiempo aprendia a cantar para el baile cantando en el tablao La Casa de la Memoria. En sus comienzos profesionales trabajó en Holanda, Israel y Estados Unidos destacando sus colaboraciones con el bailaor Rafael Campallo y el percusionista Manolo Soler. Desde hace años Javier Rivera es un reconocido cantaor para baile y ha viajado por todo el mundo con distintos bailaores como Adela Campallo, Carmen Ledesma, Leonor Leal, Úrsula López y otros. Ha trabajado en varios espectáculos de la Bienal de Flamenco Sevilla Don Juan Flamenco en 1994 y Tiempos Pasados en la edición del 2008), del Festival de Jerez (con Leonor Leal en su espectáculo Leoleoleole en 2008), y del circuito Cajasol en Sevilla, en El Corral del Carbón en Granada, entre otros. Destaca también su trabajo como cantaor solista teniendo varios premios de cante, el último en el Concurso de Guillena donde ha ganado el premio especial a la Bulería.. Ha recorrido todo la geografía de Andalucía cantando en las peñas flamencas y en los festivales. Próximamente participará con la familia Galván en el Festival de Nimes en Francia. Dentro de sus proyectos más próximos esta la grabación de su primer disco en solitario. Chiqui García Montijo (Badajoz). Estudia Guitarra clásica en Sevilla. Ha realizado numerosos cursos de perfeccionamiento con Narciso Yepes, Hopkinson Smith y David Rusell entre otros. En su faceta de guitarrista pertenece al trio Praça Onze. Músico polifacético ha estado siempre abierto a las nuevas tendencias, así como a la tradición de la música oriental, lo que le ha permitido conocer y manejar instrumentos de cuerda y de percusión clásica y popular del Cercano Oriente y el Magreb. Es músico integrante de los grupos Caravasar y Samarcanda, entre otros.


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SEGUNDO FALCÓN

Segundo Falcón cante | Salvador Gutiérrez guitarra flamenca

Segundo Falcón es con toda seguridad el cantaor más completo de su generación, el que más cante domina y el que más conocimiento demuestra tener. Descendiente de Los Janega, una familia de buenos aficionados oriundos del Viso del Alcor, comenzó a cantar con tan solo ocho años, aunque su verdadera vocación la descubrió en los umbrales de la peña flamenca Rincón del Pilar, donde otra de las estirpes cantaoras del lugar, le motivó para que enfilara su futuro en dirección al mundo del flamenco. Ya a esa edad era capaz de dominar treinta y ocho cantes con sus correspondientes derivados, algo que ha hecho posible que en su currículo consten más de cuarenta premios de flamenco.

En 2004 consiguió dos Giradillos en la Bienal de Flamenco de Sevilla con su espectáculo Tierra de Nadie.

Repertorio Esencias sonoras

Solo de guitarra (granainas) Alegría Solea de Triana Malagueñas Bamberas Seguirillas Taranto La caña poli caña Bulerias Fandangos

Músicos

Segundo Falcón nació en El Viso del Alcor (Sevilla) en una familia cantaora y comenzó a cantar a los ocho años. A los doce años ganó el premio de la Federación de Peñas de Sevilla pudiendo compartir cartel con figuras como Camarón, Terremoto o Fosforito. Entre los años 1990 y 1992 se curte como cantaor para el baile en los tablaos. En 1992 gira por todo el mundo con la Cía. de Cristina Hoyos, incorporándose después a la Compañía Andaluza de Danza. Entre 1997 y 1998 su voz es demandada por las más importantes figuras del baile desde el maestro Mario Maya o al vanguardista Israel Galván, para terminar esa etapa en la Cía. de Eva La Yerbabuena. Paralelamente desarrolla su carrera como solista plasmada en 2002 en su disco “Un Segundo de Cante”, con el que obtiene el galardón al Mejor disco de flamenco otorgado por la crítica nacional. Su inquietud lo lleva a la búsqueda conocimiento de otras músicas, que alumbrará bajo su dirección el espectáculo “Tierra de Nadie” reuniendo a la Chekara de Tetuán, Gitanos del Rajasthán y la Orquesta Madueño de Perú, y por el que recibe en 2004 dos Giradillos de la Bienal de Flamenco. Con esta formación repetirá en 2005 en “Las Andalucía Atlánticas” de Essaouira, el Festival entre Culturas de Sevilla, el Festival Flamenco Ciudad de Algeciras, la Fiesta de la Hispanidad en Zaragoza de 2006, el Gran Teatro de Cáceres o el Pabellón de las Culturas en la Expo de Zaragoza, y recorre México D.F., Guanajuato, Ciudad de León, Buenos Aires, Luxemburgo… Notable fue su presencia en la XV Bienal de Flamenco en “En el bar Iberia” de Paco Jarana o “En el cielo de tu boca” de Andrés Marín, con el que gira desde entonces por Francia, Holanda, Alemania y España. Recientemente participa el Festival de Música de Vélez Blanco o en el circuito del Centenario de Antonio Mairena, clausurando con gran éxito este homenaje en el Teatro de la Maestranza. En 2010 destaca su paso por “Los Jueves Flamenco” o su gira en el circuito “La Escena Encendida” de la Diputación de Sevilla. Salvador Gutiérrez Ecija. Comienza desde muy pequeño a escuchar flamenco. Autodidacta con 7 años comienza a tocar, a los 11 años no comienza sus clases clases con Manuel de Palma, guitarrista Ecijano afincado en Palma del Río. A los 12 años debuta con Juanillo el Canastero, a partir de ahí, recorre peñas y festivales acompañando a cantaores de la talla de la Niña de la Puebla, Chocolate, Juan Valderrama, Pepe León “el Ecijano”, Jesús Heredia , Rancapino, José Mercé (gira, al amanecer 99),entre otros. Gana el 1er concurso de acompañamiento de la Federación de Peñas Sevillanas a la edad de15 años. Se marcha a estudiar a Sevilla con Mario Escudero, Matilde Coral y Manuel Marín hasta que en 1991 es requerido para formar parte de la Compañía de Mario Maya, con esta realizó espectáculos como “Amargo”, “Amor Brujo”, “Réquiem” y “Tres movimientos flamencos”. Desde entonces ha trabajado con artistas como El Mistela, Israel Galván, Eva la Yerbabuena, con la cual desde 1993 colaboró en espectáculos como ”Eva”, “Yerbabuena”, “5 mujeres 5”, “La voz del silencio”, tanto como componente de la compañía de Eva, como en la música de Paco Jarana; Cristina Hoyos, Joaquín Cortés, Belén Maya, Manuela Carrasco, Rafael Amargo, María Pagés, Rafael Campallo y un largo etc... Recientemente ha entrado a formar parte de la Compañía de Andrés Marín en el espectáculo “Asimetrías”, alternando con colaboraciones con Carmen Linares, Arcángel, Potito, Enrique Soto, Segundo Falcón, Marina Heredia y Rosario La Tremendita entre otros.


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SHEELA NA GIG

Rubén Diez de la Cortina flauta travesera | Kevin Thorman guitarras, voz | Leslie Jordan violín, voz | Mangu Diaz concertina, bouzouki Sheela Na Gig está formado por músicos de dilatadísima experiencia en el terreno de las músicas tradicionales atlánticas, y se presenta de nuevo ante el público con esta visión renovadora y más fresca de su repertorio, con un aire más cercano a la música folk y menos rígido desde el punto de vista tradicional formal. Los temas que conforman este programa, provocan una sensación tímbrica muy sutil de gran belleza, con un cierto aire “New Age” pero con un carácter absolutamente acústico que imprime un toque de elegancia clásica. Programa Bed and Breakfast


Kilnamona Barndance The Lilies in the field Donald Blue Mary McMahoons Reel de Chicoutin Over the hills Francie Mooneys From Galway to Dublin Mi braid and i Chicago reel Monks jig Carolans Welcome Martin Wynne´s

Notas al programa

Cualquier viajero, sea cual fuere su condición , al que sus pasos le hayan llevado por los caminos de la “Republica Esmeralda”, por fuerza, habrá tenido que toparse con alguna de estas curiosas “fondas con encanto”, (el que puedan tener las personas que lo regenten, porque por lo demás es como pasar la noche en casa de un vecino). Lo cierto, es que la red de este tipo de establecimientos es verdaderamente extensa y está tan íntimamente ligada a la mentalidad irlandesa como lo pueda estar el Trinity College, la turba o James Joyce.

En el “Bed and Breakfast”, está contenido el espíritu viajero y trotamundo del pueblo irlandés y el de sus músicos que recorren sin descanso desde hace siglos sus caminos con la única intención de no parar jamás.

Este programa está inspirado en las vivencias de muchas de estas personas que hemos conocido en Irlanda, de sus historias de pubs y carreteras remotas y por supuesto de su música, que heredaron de otros, que como ellos que recorrieron antes las mismas sendas.

Músicos

Leslie Jordan Chicago. Licenciada en Estudios Hispánicos en la Northwestern University de Evanston, en Estados Unidos. Desde su infancia realiza cursos de piano, canto y violín. Hasta el año 2000 estudia violín con Elisabeth Matesky, ex miembro del Chicago Symphony Orchestra y con Jascha Heifetz y Nathan Milstein. A partir del 2004, cuando se traslada a Sevilla, sigue perfeccionándose con Galina , ex miembro de la Orquesta Sinfónica de Sevilla y del Bolshoi Ballet de Moscú y recibe también clases magistrales con Mimi Zweig, profesora de violín en Indiana University. Como violinista profesional, ha realizado varios espectáculos participando también en La Feria del Libro de Sevilla y en la Pre-Bienal, certamen internacional de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo. Ha sido Violinista en la Orquesta Hispalense con el Coro Universitario de Sevilla, en la Northwestern University Symphony Orchestra y en el Chicago Youth Symphony Orchestra (Estados Unidos). Rubén Diez de la Cortina Vigo. Cursa estudios superiores de flauta en el Conservatorio de Música de Sevilla con Luis Orden. Se perfecciona con Juan Ronda, entre otros. Participa en multitud de grupos de la escena local. Su pasión por el folk gallego, celta, irlandés y escocés, le lleva a viajar asiduamente a éste y otros países para participar en las sessions oficiales y recibir enseñanzas musicales de flauta tradicional. Pertenece a los grupos Rare Folk, Síla Na Gig,… Entre otros muchos lugares ha realizado conciertos de gran éxito de público en Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, Música en los Palacios de Écija, Música en la Hacienda de Tilly, Las Piedras Cantan,… y con Rare Folk por todo el mundo. Director de programación del Festival Internacional “Maremagnun” y del “Festival de la Juventud y Música Gallega”. Colaborador habitual del “Irish Flead” de Cáceres, Colaborador habitual del “Sai festival” en Irlanda.


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Kevin Thorman Derby, UK. Se inicia musicalmente tocando blues, rock o reggae, pero sus frecuentes visitas a las sesiones irlandesas en los pubs británicos, hacen que desarrolle un amor especial por la música irlandesa donde se inicia en el estudio de distintas tipos de afinaciones para la guitarra y el dobro, que aplica con maestría, consiguiendo unos recursos tímbricos de gran belleza. Fue componente del desaparecido grupo Síla Na Gig. Actualmente forma parte del Trío O´Carolan y de The Burnt Old Men, entre otros. Mangu Díaz Pamplona, 1972. Multi-instrumentista de formación autodidacta fundador del grupo Rare Folk con el que posee tres registros discográficos, además de participar en numerosos festivales nacionales e internacionales como: Green Festival (Irlanda), Ortiguéira (Galicia), Territorios Celtas (Sevilla), Festival de la Luna Celta (Toledo), XVI Festa da Carvalleira (Zas, La Coruña), Festival Internacional "Getxo Folk" (Vizcaya), 18º Festival Internacional de la Sierra (Extremadura), Etnosur 2000 (Jaén), Enclave Celta 2000 (Ingenio, Canarias), IV Festival Intercéltico de Gaita de Orejo (Santander), 8º Ciclo de Nuevas Músicas (Málaga). Ha compartido escenario con artistas y grupos como Kepa Junquera, Bela Fleck & The Flecktones, Fanfarria Giocarla y Capercaillie entre otros. Desarrolla una intensa labor como compositor de música para cuentos infantiles. Percusionista en la propuesta escénica multidisciplinar "Oriente Occidente", ganadora del Premio Revelación del Festival de teatro Palma del Río, Córdoba 1999… Acompaña habitualmente como bajista al conocido cantaor flamenco El Lebrijano. Bajista del grupo Ensemble Hispánico Numen con los que ha realizado actuaciones en Filipinas, Brunei Dur Salam, Indonesia, China, Singapur, Australia, Reino Unido, Alemania, Portugal, Estados Unidos, Honduras, Costa de Marfil, Camerún, Namibia, Guinea Ecuatorial, Siria, Israel, Egipto, Líbano, Jordania.


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VERA ANÓSOVA + CLAUDIO BARAVIERA

Vera Anósova piano | Claudio Baraviera violoncello Dúo de una gran trayectoria artística, formado en Rusia, y que ha desarrollado una intensa actividad concertística en Rusia, Argentina y España. Tiene en su dominio un amplio repertorio de obras para cello y piano. Programa Romántico (200 años con la música de Chopin y Schumann) | Bicentenarios de Chopin y Schumann

ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Adagio y Allegro op.70 Piezas de fantasía op.73

F. CHOPIN, Poloneza brillante op.3

F. CHOPIN (1810-1849), Sonata en sol menor op.65 Allegro moderato Scherzo Largo Finale. Allegro Músicos

Vera Anósova Pianista rusa, egresada del Instituto Musical Pedagógico Gniesen de Moscú donde fue alumna del maestro Alexander Satz. Finalizados los estudios superiores de música obtuvo el título “Master of Arts” pasando a desempeñarse como profesora en el Instituto de Artes de Krasnoyark. Paralelamente a su labor pedagógica ha realizado conciertos como solista e integrando diversos conjuntos de cámara rusos. Desde 1985 se radica en Argentina, donde se ha presentado ofreciendo conciertos en Buenos Aires y en el interior del país. En 1986 actuó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional estrenando en Argentina el concierto número 3 de Piotr Chaikovski. Realizó numerosas actuaciones integrando diferentes grupos de cámara y en dúo con artistas nacionales y extranjeros. Actuó como solista con la Orquesta de Cámara Mayo en diversas oportunidades, estrenando en la temporada 1996 el concierto Grosso número 1 de Alfred Schnittke. Desde el año 2002 reside en Sevilla, España donde desarrolla una intensa labor camarística y en el área de la docencia. Claudio Baraviera Violoncellista argentino. Realizó en Buenos Aires estudios de su instrumento con el maestro José Puglisi. Fue premiado por diversas entidades en sus concursos para jóvenes intérpretes. Integró la Orquesta Juvenil de Radio Nacional de la que fue violoncello solista y la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón. En 1976 viajó a Moscú para proseguir sus estudios con el maestro Liev Ievgráfov, luego de ganar un concurso para jóvenes violoncellistas. Pasados seis años de estudios y actuaciones en Rusia, regresó a la Arentina tras haber obtenido del Instituto Musical Pedagógico Gniesen el diploma de Maestro de Artes. En 1982 es designado violoncello solista de la Orquesta de Cámara Mayo, organismo con el que actuó en numerosas oportunidades en calidad de solista en Argentina y en el extranjero, con obras del repertorio tradicional como así también en otras de compositores argentinos compuestas para su instrumento y ejecutadas en calidad de estreno. Entre 1982 y 1986 se desempeñó como asistente del maestro Liev Ievgrafov en Moscú en el curso de posgrado. En 1987 obtuvo el primer premio en el Concurso Argentino de Música y el premio a la mejor interpretación de la obra impuesta. En Argentina realizó actuaciones como solista con las principales orquestas del país. En el exterior actuó en recitales con piano y con orquesta en Rusia, Estados Unidos,España,Holanda, Puerto Rico, Canadá, Venezuela, México y Uruguay. Integrando pequeños grupos de cámara ofreció conciertos en España, Italia, Francia,Rusia,Ucrania, Bélgica, Bulgaria y Túnez. Desde 1991 hasta 2001 se desempeñó como primer violoncello solista de la Orquesta Sinfónica Nacional. Fue distinguido por la Fundación Konex con el diploma al Mérito 1999 como uno de los cuatro mejores cuerdistas de la década. Actualmente reside en Sevilla, España, donde integra la Real Orqueta Sinfónica ,y realiza una intensa labor camarística y pedagógica.


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WAFIR

Wafir Shaikheldin laúd árabe | Fathi Ben Yakoub violín | Khalid Ahaboune dumbeck, darbuka Wafir es un músico despierto e inquieto. Domina, sobre todo, el acordeón y el laúd árabe; y también los bongos sudaneses -con tres tambores en lugar de los dos habituales- y el saz, y la viola, y el rabab, y los bendires, panderos y las castañuelas (karakeb) metálicas y muchas otras percusiones.

Nacido en Kurdufan, estudió en el conservatorio superior de Jartum y dio sus primeros pasos profesionales tocando el acordeón en los grupos de Abdul Aziz Almubarak, Mohammad Al Amin y Abdul Karm Al Kably.

Desde su llegada a España, hace ya más de una década, no ha hecho otra cosa que enfrentarse a las músicas más diversas en las áreas más inexploradas. El grupo de música antigua de Eduardo Paniagua, el asturiano Hevia, los castellanos de La Musgaña, el flamenco Joaquín Ruiz, los senegaleses Djanbutu Thiossane, Radio Tarifa o las Amistades Peligrosas. Sin olvidar, claro, las colaboraciones con Rasha, su hermana, y con La Banda Negra, con la que compartió, de principio a fin, toda su andadura, y en la que probó muchos de los temas que navegan hoy por el Nilo Azul.

Por eso no es de extrañar que Wafir busque ahora paralelismos entre las músicas de Sudán con las de Irlanda, España o Bulgaria y encuentre siempre un resquicio por el que colarse. Como buen oriental es aficionado a los juegos malabares y así, como por arte de magia, lo complicado resulta en sus manos sencillo. Y la música fluye libre, como el inmenso río al que dedica su primer disco que firma en solitario, de un territorio a otro, sin detenerse en fronteras, soltando a su paso un fecundo lastre de sensaciones, imágenes, ambientes y ensueños. En los que Oriente coquetea con Occidente, en los que el Sur intima con el Norte, volviendo loca a la brújula, que se rinde seducida por los encantos del embaucador. Programa África


Ahlam Salamat Kha Timpo Río Estanbul Nilo Blanco solo violín Ya raih Duf Bassama Nilo Músicos

Wafir Shaikheldin Nacido en Kurdufan, estudió en el conservatorio superior de Jartum y dio sus primeros pasos profesionales tocando el acordeón en los grupos de Abdul Aziz Almubarak, Mohammad Al Amin y Abdul Karm Al Kably. Desde su llegada a España, hace ya más de una década, no ha hecho otra cosa que enfrentarse a las músicas más diversas en las áreas más inexploradas. El grupo de música antigua de Eduardo Paniagua, el asturiano Hevia, los castellanos de La Musgaña, el flamenco Joaquín Ruíz, los senegaleses Djanbutu Thiossane, Radio Tarifa o las Amistades Peligrosas. Sin olvidar, claro, las colaboraciones con Rasha, su hermana, y con La Banda Negra, con la que compartió, de principio a fin, toda su andadura, y en la que probó muchos de los temas que navegan hoy por el Nilo Azul. Por eso no es de extrañar que Wafir busque ahora paralelismos entre las músicas de Sudán con las de Irlanda, España o Bulgaria y encuentre siempre un resquicio por el que colarse. Como buen oriental es aficionado a los juegos malabares y así, como por arte de magia, lo complicado resulta en sus manos sencillo. Y la música fluye libre, como el inmenso río al que dedica su primer disco que firma en solitario, de un territorio a otro, sin detenerse en fronteras, soltando a su paso un fecundo lastre de sensaciones, imágenes, ambientes y ensueños. En los que Oriente coquetea con Occidente, en los que el Sur intima con el Norte, volviendo loca a la brújula, que se rinde seducida por los encantos del embaucador. Fathi Ben Yakoub Nacido en Tetuán y formado en el conservatorio de Tetuán. Realizó estudios en violín clásico árabe bajo la dirección de Mohamed Albunani y el Mers. Formó parte de la Orquesta Joven del Conservatorio de Música Clásica y Árabe de Tetuán, con la que ha ofrecido recitales en festivales a nivel nacional e Internacional. Fue galardonado con el primer premio, segundo premio y premio honorífico del concurso Real para jóvenes Intérpretes nacionales. Su trayectoria artística se ha ido enriqueciendo con colaboraciones y grabaciones en diferentes grupos de diversos estilos musicales. Entre ellos destacan: CHABAB (música árabe), colaboraciones con los mejores cantaores de flamenco (Enrique Morente, Arcángel, Carmen Linares), BASIDOU (Étnica), AL-MAQAM (Andalusí) o el compositor de


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bandas sonoras Michael Nyman. Ha participado en numerosos festivales como el festival de música antigua de Cuenca, tres Culturas (Murcia), Bienal de Flamenco de Sevilla, Festival de la Luna Mora de Málaga, Festival Etnosur, Bienal de Málaga, etc. Khalid Ahaboune Nace en Tetuán donde estudia percusión durante 6 años en el Conservatorio de esta ciudad. Posteriormente se especializa en los instrumentos clásicos de percusión árabe: riqq (pandereta), Bendir (pandero) y Derbuka (tambor). Ha perfeccionado su técnica en Egipto de la mano del reputado percusionista Said El Artist. Ha ofrecido conciertos en Marruecos, Egipto, Túnez, Bangladesh, Italia, Francia, Alemania, Portugal y España, colaborando con grandes artistas: Omar Faruk Tecbilek, Cheb Khaled, Emilio Maya, Transition, Segundo Falcón, José Merced, Enrique Morente, Orquesta Andalusí de Tetuán, Orquesta Andalusí de Tánger, etc. Ha realizado diversas grabaciones discográficas tanto en su país, como en España abarcando desde el estilo clásico árabe, música andalusí, folklore marroquí (Chaabi), hasta la fusión árabe-flamenco. Ha ofrecido conciertos en Marruecos, Egipto, Túnez, Bangladesh, Italia, Francia, Alemania, Portugal y España.


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ZAPPING

Francesco Manna flauta travesera | Ivo Cortés violonchelo | Bruno Axel violín

Zapping lo forman un conjunto de músicos con un estilo propio y singular, qué sin perder el origen de su formación clásica ahondan en el repertorio buscando, arreglando o componiendo para esta formación. Zapping se caracteriza por ser no solo un grupo de música de cámara sino un laboratorio de libre configuración en que se da rienda suelta a la investigación musical, a la creación propiamente dicha y a la interpretación de los clásicos desde un punto de vista actual, respetando las máximas pero sin perder de nuestro tiempo. Zapping busca en su música y la elaboración de su repertorio una relación directa con el público, ofreciendo programas eclécticos pero con un sentido general aunado y con sentido completo.

Programa Sin fronteras… De J. S. Bach a Frank Zappa

C. COREA (1941), Children Song nº 1 J. S. BACH (1685-1750), Trío Sonata en Sol Mayor Adagio Allegro ma non presto C. COREA, Children Song nº 3 J. S. BACH (1685-1750), Trío Sonata en Sol Mayor Adagio e piano Presto GARY SCHOCKER (1959), Serenade Pastorale Allegro aperto FRANZ SCHUBERT (1797-1828), La abeja F. ZAPPA (1940-1993), Uncle meat G-Spot Tornado B. AXEL (1980), fantasía flamenca CARL STAMITZ (1746-1801), Trío en Sol Mayor Allegro moderato C. COREA, Children Song nº 6 CARL STAMITZ (1746-1801), Trío en Sol Mayor Andante Rondó – allegretto Notas al programa

En “Sin Fronteras” Zapping hace una incursión en la música de compositores que basaron muchas de sus obras desde danzas y melodías populares de su época. Aunque también se abordan otras tendencias musicales como la música flamenca, la zíngara o el rock, tratando así de hacer un pequeño recorrido por diferentes periodos musicales sin rigor histórico, alternando un estilo con otro cruzando las barreras del tiempo y del espacio. Un concepto de música única sin fronteras de géneros, países y culturas.


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Músicos

Francesco Manna Pésaro, Italia, 1970. Estudia flauta travesera en el conservatorio de su ciudad con el Mº Albino Mattei licenciándose en 1989 con premio fin de carrera. Fue primer premio en el Concurso Internacional para Jóvenes Músicos “Città di Stresa”, en la categoría solistas. Ha colaborado con las orquestas sinfónicas de Sanremo, de Pésaro, la Filarmónica Marchigiana, la orquesta del teatro municipal de Bologna y ha participado en distintos eventos de relevancia internacional, tales como el Rossini Opera Festival de Pésaro. Ha actuado, además que en toda Italia, en Francia, Alemania, Latino America y España, en colaboración con artistas como Bruno Tommaso, Richard Galliano, Simone Zanchini, Antonio Serrano y Pablo Martín entre otros. Desde 1993 es flautista del Grupo Instrumental NoviTango. Actualmente reside en Sevilla donde desarrolla su actividad artística con distintos conjuntos. Ha grabado para las casas musicales Oriente Musik, Amiata Records, Harmony Music, DNA, Zanfoñamusic y la radio nacional italiana RAI 3. Ivo Cortés Algeciras, 1973. Estudia violonchelo en el Conservatorio de Sevilla obteniendo las más altas calificaciones y el Premio de Honor de Grado Medio. Realiza los estudios de postgrado en la Royal Academy of Music de Londres donde colabora con la “Royal Academy Sinfonia”, realizando giras por China, Japón y Estados Unidos. Ha sido miembro de la O.J.A., de la E.U.Y.O., de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y solista de la Orquesta Manuel de Falla de Cádiz. Ha obtenido el segundo premio en el Concurso Internacional de Palermo. Realiza giras en España, Francia, Italia, y Colombia, donde, con el Trío de cuerdas Boyacá, ha obtenido un notable éxito de crítica y prensa. Ha estrenado obras del compositor Angelo Bellisario, de Gálvez y Ruíz (“Balada Oriental”) y de Joaquín Turina (“Romanza del quiero y no puedo”). Colabora en varios proyectos en el ámbito de la música tradicional colombiana, el flamenco y el tango argentino. Es profesor en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Bruno Axel Granada, 1980. Obtiene el titulo superior de violín en el Conservatorio Manuel Castillo de Sevilla con las más altas calificaciones y continua sus estudios en el Conservatorio de Praga, en la Academia Duetto de Valencia y la Academia Barenboim-Said. Se perfecciona con Daniel Barenboim, Irving Arditti, Michael Thomas, Arditti Quartet y Serguei Teslia. Ha colaborado con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. También ha sido colaborador habitual con orquestas como la Ciudad de Córdoba, de Extremadura, Andrés Segovia de Madrid, Orquesta de Cámara Andaluza, Solisti di Praga, Proyecto Arsia. En su carrera desarrolla diferentes facetas musicales, combinando tanto la música clásica como el barroco, el jazz o el flamenco, en busca de un estilo personal y libre de convencionalismos. Su relación con Teatro del Velador ha sido constante desde temprana edad habiendo trabajado como creador y director musical para el espectáculo “Bashavel” o el espectáculo “Ricardo III” de Shakespeare representado en el Teatro Nacional. Entre sus proyectos mas recientes se encuentra Hildegard.


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ZEJEL Iman Kandoussi canto | Juan Manuel Rubio ud, santur | Álvaro Garrido percusiones Si algo puede definir nuestra cultura a través de los siglos es la mezcla, el encuentro y la convivencia con culturas dispares que pisaron el suelo peninsular desde el principio de los tiempos. Como bien nos contaron Al-Andalus fue una de esas culturas y periodos históricos que durante ocho siglos dejó empapada esta tierra de saber, arte y buen vivir. No sólo hizo florecer sus jardines sino también sus oídos con la más fina poesía y con la más dulce música, algo que no se conocía hasta entonces en ningún rincón del planeta. A medida que la “reconquista” fue avanzando también lo fue el conocimiento íntimo de las artes que los poetas y músicos andalusíes desplegaban en las cortes de Toledo, Sevilla, Valencia, Córdoba, Murcia o Granada. Este “avance” hizo que reyes cristianos como Alfonso X en la península o Federico II en Sicilia quedaran admirados del arte andalusí adoptando formas poéticas y musicales a golpe de laúd y espada. Y no sólo fue éste el contexto exclusivo de intercambio. Entre los siglos X y XV los intercambios culturales fueron frecuentes a partir de las repetidas incursiones en tierra santa de los cruzados y del siempre presente intercambio comercial que presenciaba el mediterráneo desde hacía siglos.

En la actualidad es complejo llegar a conclusiones definitivas cuando se trata de interpretar el repertorio medieval, heredado a través de unos pocos manuscritos y no muchas más orientaciones en cuanto a su ejecución. Es por lo tanto interesante poder recurrir a tradiciones que provenientes de la misma época y lugar en que este repertorio fue creado han pervivido en las memorias, cantos e instrumentos de sus conservadores. Este es el caso de la música andalusí, de la música árabe de oriente medio o de la música clásica turca. La coincidencia en modos y secuencias musicales, estructuras rítmicas y poéticas entre estos repertorios son la excusa que usamos aquí para vertebrar este proyecto de encuentro que no pretende otra cosa que traer a la memoria sonidos que nos dan identidad hoy porque un día fueron nuestros. Conciertos más relevantes

Fundación Tres Culturas. Sevilla | Festival de Música Antigua. Jaén | Museo Arqueológico. Sevilla | Noches en los Jardines del Alcázar. Sevilla | Castillo de Bil-bil. Benalmádena. Málaga | Semana Cultural Carmona. Sevilla | Semana Cultural Malagón. Ciudad Real | Jornadas musicales de Valdepeñas. Ciudad Real | 50 Aniversario Asociación laúde. Casablanca, Marruecos | Festival Música Sefardí. Córdoba | Festival Tres Culturas de Chinchilla. Albacete | V Festival Música Antigua. Málaga | Ciclos Puestas de Sol. Diputación de Palencia | I Ciclo de Músicas en Medina. C. Arqueológico Medina Azahara | … Programa La memoria de Oriente


Trotto (Anon.Italia s.XIV) Primavera en Salonika (Trad.Sefardi) A Chantar (Trobairitz, s.XII) Ussak Semai (Trad. Siria ) Una Hora (Trad.Sefardi) Ana Dini Din Allah (Trad. Tetuan) Estampida Real (Francia, s.XIII) Gran Dereit'e (CSM 96, s.XIII) Cantigas de Amigo/ Quddam Raml Maya (Martin Codax, s.XIII/ Trad. Andalusi) *Este programa puede sufrir modificaciones que serían oportunamente puntualizadas por los miembros del grupo durante el concierto. Músicos

Imán Kandoussi Tetuán (Marruecos), 1984. Pertenece a una familia profundamente ligada tanto a la tradición popular marroquí como a los medios intelectuales y artísticos. A los 10 años, inició sus estudios de canto arábigo-andaluz y de Laúd árabe (Ud ) en el Conservatorio Superior de Música de Tetuán. A partir de los 15 años, cursó Técnicas de interpretación durante 4 años, estudios que Imán profundizó junto a los grandes maestros y profesores Amin al Akrami Y Hicham Zouibairi. A patir de entonces, Imán a pesar de su corta edad, ha desarrollado un trabajo de búsqueda en los cantos arábigo-andaluces y orientales, especializándose en el antiguo estilo “Moaxajas” y basándose en los cantos clásicos árabes de la cantante de élite Omu kalthum y en el repertorio de las Nubas de La Música andalusí. Más tarde, Imán se inició en los cantos clásicos de Siria, como solista, con una coral y en la escuela de música “Le monde musical”. Por todo ello, se puede asegurar que Imán no sólo posee una de las voces más fascinantes del panorama musical mediterráneo, sino que también es una de las cantantes mejor preparadas y formadas, para varios repertorios de música contemporánea como la del Mediterráneo. En los últimos años, Imán ha realizado conciertos participando en el Festival Internacional de Tetuán y ha participado en el concurso musical ”Estrellas y estrellas” (Nuyúm wa nuyúm). En el 2003, Imán actuó como corista bajo la dirección de Mehdi Chaachoo en la Orquesta andalusí de la ciudad de Tetuán. Imán también ha participado como corista en el disco del Lebrijano “Puertas abiertas”. Citamos igualmente su participación en el Ciclo “Mujeres del mundo” en Cádiz, en el Castillo De Santa Catalina., y con el grupo Estampie.


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Juan Manuel Rubio Multiinstrumentista de orientación esencialmente autodidacta, nacido en Jerez de la Frontera( Cádiz ) el 30 de Mayo de 1972, una noche de luna menguante. Su interés por la música antigua, étnica y de corte tradicional le ha llevado a progresar en un inagotable itinerario musical a través de distintos instrumentos. En 1996 se inicia en la construcción de instrumentos tradicionales de la mano de Jesús Reolid. Ese mismo año destaca en los talleres de formación que la Asociación Ibérica de la Zanfona organiza en varios puntos de la península como intérprete de Rabel y Zanfona, sendos instrumentos de la tradición peninsular. En 1997 colabora en el trabajo que Robert Evans y William Taylor llevan a cabo en Carddyff ( País de Gales) sobre la reconstrucción e interpretación histórica de dos instrumentos esenciales en la música tradicional bárdica y galesa como son el Arpa y el Crwth, destacando en la ejecución de ambos instrumentos. Hasta 1999 participa como intérprete de Rabel, Crwth y Arpa con varias formaciones y en solitario en festivales de música y teatro de aquél país (Saint Donats Storytelling Festival, Bangor NonFolk Festival). Posteriormente inicia un apasionante descubrimiento de la música árabe, turca y persa de la mano de maestros insignes como son Amin Chaachoo ( Tetuan ), Necati Çelik y Oruç Guvenç (Estambul) con quienes destaca en la interpretación del Oud. En Estambul también inicia su formación como intérprete de Baglama y Saz con profesores destacados como Suhat Baktagir y Tarik Aydoglu, de Santur y Qanun con Osman Aksu. Una formación contínua que hoy día le ha hecho especializarse en la interpretación y estudio de una plétora de instrumentos: Zanfona, Rabel, Viola de arco, Kemanja, Arpa, Qanun, Baglama, Saz, Oud, Santur, Laúd,… Desde 1999 ha participado y colaborado en formaciones diversas de música antigua, étnica y corte tradicional como Ábrigu, Bran Ruz, Alquimia, Arte Factvm, Caravasar, Estambul, El Sombrero del Alquimista, Capella de Ministrers, L´ham de Foc, Ross Daly, Samarcanda, Mediterránea, Zéjel, Durendal Ensemble, Capilla de Música Antigua de Chinchilla, Estampida Real, Yasmine Levy, Dufay Collective, Estampie, Orquesta del Conservatorio de Tetuán, Schola Gregoriana Hispana. Con estas formaciones ha participado en los festivales y espacios escénicos más importantes de música antigua y tradicional del territorio nacional ( Gijón, Sevilla, Barcelona, Girona, Cáceres, Valencia, Castellón, Granada, Toledo, San Sebastián, Salamanca, etc..) e internacional en países como Marruecos, Argelia, Túnez, Italia, Alemania, Francia, Rep. Pop. China, EE.UU., Grecia, Países Bajos, Brasil, Cuba, etc…) . Álvaro Garrido Sevilla. Buscador de texturas rítmicas y sonoras.Especialista en percusiones de mano.Su repertorio abarca desde la música antigua y étnica, hasta las músicas experimen-tales. Es dentro del repertorio de música antigua donde centra básicamente su trabajo en los últimos años, siendo músico de, entre otros, los grupos Artefactum, More Hispano, Accademia del Piacere, Orphenica Lyra, Música Prima, La Compañía Terp-sícore …Percusionista habitual en las grabaciones del violagambista Paolo Pandolfo y del lau-dista José Miguel Moreno.

GRUPOS Y PROGRAMAS [por orden alfabético] - Control de … · FRANCISCO BERNIER De Mudarra a Sanz,...

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