guía musac 719 de mayo - 2 de septiembre de 2007may 19th - september 2nd, 2007

pierre huyghea time score [una partitura de tiempo]

ángel marcoschina

néstor sanmiguel diestel segundo nombre de las cosas

órbigo 07julio-agosto 2007 / july-august, 2007

proyecto vitrinascarles congostsay i’m your number one

laboratorio 987pedro paiva + joão maria gusmãocrevasse19 de mayo - 8 de julio de 2007 / may 19th - july 8th, 2007

matías duvillecover14 de julio - 2 de septiembre de 2007 / july 14th - september 2nd, 2007

Opening HoursTuesdays to Sundays:

Mornings: from 10:00 to 15:00 hAfternoons: from 16:00 to 21:00 h

Closed on Mondays. FREE ADMISSION

The cloakroom will close at 14:30 and 20:30 h. The visitors should leave fifteen minutes before

the closing time.

Access FacilitiesThe exhibition halls and installations of the museum can be accessed with wheelchairs

and strollers. In the cloakroom of the museum these wheelchairs may be requested for free.

CloakroomTo protect the works of art from possible

accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, packages, bags and purses bigger than 28 x 36 cm in size should be left in the

cloakroom.

AnimalsThe entry of animals is permitted to small dogs

and guide dogs.

Entry RegulationsPhotographs may be taken inside the museum

only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken

only in the entrance and the patios of the museum. Smoking is not permitted inside the

museum, nor entering with food and drinks.

TransportationBus Lines: 7, 11, 12 and 13

Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n.www.alsa.es

Railway Station: RENFE. C/ Astorga s/n.www.renfe.es

Airport: La Virgen del Camino Airport.7 km from the city center.

ParkingThere is a public parking area near the

museum.

MUSACMuseo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónAvenida de los Reyes Leoneses, 24ES-24008 LeónTel. +34 987 09 00 00Fax. +34 987 09 11 11e-mail: musac@musac.es

HorarioDe martes a domingo:Mañanas: de 10:00 a 15:00 hTardes: de 16:00 a 21:00 hLunes cerrado. ENTRADA GRATUITA

La taquilla cierra a las 14:30 y a las 20:30 h. El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Facilidad de accesoPuede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la recepción del museo se podrá solicitar una silla de ruedas sin cargo.

RecepciónPara proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en la recepción las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes, bolsas y carteras de tamaño superior a 28 x 36 cm, así como cualquier bulto grande.

AnimalesEstá permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Normas de accesoSe permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de vídeo únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas.

Medios de transporteAutobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.esFerrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n.www.renfe.esAeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

AparcamientosMuy cerca del museo hay un aparcamiento público.

SALÓN DE ACTOS

JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO/CULTURE & TOURISM COUNCILCONSEJERA/COUNCILLORDña. Silvia Clemente MunicioSECRETARIO GENERAL/GENERAL SECRETARY D. José Rodríguez Sanz-PastorDIRECTOR GENERAL DE PROMOCIÓN E INSTITUCIONES CULTURALES/GENERAL DIRECTOR Of CULTURAL PROMOTIONS AND INSTITUTIONSD. Alberto Gutiérrez Alberca

fUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓNDIRECTOR GENERAL/GENERAL DIRECTORD. Jesús Mª Gómez Sanz

DIRECTOR DE ARTES PLáSTICAS/VISUAL ARTS DIRECTORD. Rafael Doctor Roncero

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónDIRECTOR/DIRECTORRafael Doctor Roncero

CONSERVADOR JEfE/ChIEf CURATORAgustín Pérez Rubio

COORDINADORA GENERAL/GENERAL COORDINATORKristine Guzmán

BIBLIOTECA-CENTRO DOCUMENTACIÓN/LIBRARY-DOCUMENTATION CENTERAraceli CorboCarlos Sánchez

COMUNICACIÓN Y PRENSA/COMUNICATION AND PRESSPaula ÁlvarezIzaskun Sebastián

COORDINACIÓN DE ExPOSICIONES Y PROYECTOS/ExhIBITIONS AND PROJECTS COORDINATIONMarta GervenoCarlos OrdásTania PardoHelena López

EDUCACIÓN Y ACCIÓN CULTURAL/EDUCATION AND CULTURAL ACTIONBelén SolaAmparo Moroño

REGISTRO/REGISTRARKoré EscobarJosefina Manzanal

GESTOR ADMINISTRATIVO/ADMINISTRATION MANAGERAndrés de la Viuda

COMITÉ DE ADQUISICIÓN/ACQUISITION COMMITTEED. Jesús M. Gómez SanzD. Rafael Doctor RonceroD. Agustín Pérez RubioDña. Estrella de DiegoD. José Guirao CabreraD. Javier HernandoDña. Mª Jesús MijánD. Octavio Zaya

Comenzamos este nuevo período expositivo de la Junta de Castilla y León con un cada vez más afianzado, entre la crítica y el público, MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, baluarte incontestable de la creación contemporánea dentro y fuera de nuestra Comunidad. Para esta ocasión, tengo el honor de presentar tres nuevas e importantes exposiciones, encabezadas por la muestra de Pierre Huyghe, uno de los artistas franceses que con más fuerza han marcado las prácticas creativas en la última década. Pasando por la muestra monográfica, en un recorrido por pinturas de gran formato, de uno de los miembros más importantes de A Ua Crag, Néstor Sanmiguel Diest. Sin olvidar la importante exposición individual del fotógrafo de Medina del Campo Ángel Marcos, que nos mostrará su último proyecto realizado en China. Además, como todas las temporadas, contaremos con dos intervenciones específicas en el Laboratorio 987, a cargo de los artistas Pedro Paiva + João Maria Gusmão y Matías Duville, y una intervención del artista Carles Congost para el Proyecto Vitrinas, que irá acompañada de un libro de artista que pretende ser el primero de una serie de colaboraciones editoriales que el MUSAC abordará con distintos creadores contemporáneos.

De esta forma, y recién cumplido el segundo aniversario de su puesta en marcha, el MUSAC ya aparece consolidado como el más importante referente de la modernidad artística de Castilla y León, y uno de los puntos de fuga de la creación artística actual tanto dentro como fuera de nuestro país.

Silvia Clemente MunicioConsejera de Cultura y Turismo

The start of this new season of the Government of Castile and Leon’s exhibitions sees the MUSAC, the Castile and Leon Museum of Contemporary Art, increasingly highly regarded by the critics and the public alike as an indisputable mainstay of contemporary creation within our autonomous community and beyond. I am proud on this occasion to present three new major exhibitions, the first of which is the show by Pierre Huyghe, one of the French artists to have had most impact on creative practices in the last ten years. We then move on to the monographic exhibition of large-format paintings by Néstor Sanmiguel Diest, one of the leading members of the A Ua Crag collective. The museum will then be hosting the important solo exhibition of the photographer Ángel Marcos, from Medina del Campo, who will be showing his latest project shot in China. In addition, as in previous years, we will have two specific interventions in Laboratory 987 by the artists Pedro Paiva + João Maria Gusmão and Matías Duville, plus an intervention by the artist Carles Congost for the Showcase Project, which will be accompanied by an artist’s book, the first in a series of collaborative publishing ventures that the MUSAC will be working on with various contemporary creators.

The MUSAC has recently passed the milestone of its second anniversary. With these and its earlier exhibitions, the museum has consolidated its position as the most important centre for modern art in Castile and Leon and has become a focal point for artistic creation today in Spain and abroad.

Silvia Clemente MunicioRegional Councillior for Culture and Tourism

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julio-agosto 2007

En 2006 se cumplieron 700 años desde que el rey Fernando IV concediese a la villa de Benavides de Órbigo el Privilegio para la celebración del Mercado de los Jueves, que resultó ser el principal motor del desarrollo económico y social de dicha localidad y, en gran parte, de toda la Ribera del Órbigo. A lo largo de 2006 se han venido celebrando los más diversos actos y encuentros con motivo de la conmemoración histórica del 7º Cente-nario del Mercado de los Jueves de Benavides de Órbigo, actividades que tienen su conti-nuidad en 2007. Dentro de esta conmemo-ración, el MUSAC presenta ÓRBIGO 07, un proyecto de intervención artística a través del cual diversas obras de la Colección MUSAC serán instaladas, a lo largo de los meses de ju-lio y agosto, en diferentes espacios emblemá-ticos e insólitos de la ribera del río Órbigo. El resultado es un peculiar y novedoso recorrido por diversas poblaciones de la comarca, cuyo

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carácter significativo los hace idóneos para la experimentación y el diálogo con el entorno humano y natural en el que se encuentran.

La localidad de Benavides, sede del Mer-cado de los Jueves –cuyo centenario es el motor de todo el proyecto–, se establece como centro neurálgico de esta actividad, con varias intervenciones entre las que cabe destacar la producción específica de Enrique Marty y su nueva producción, de instalación específica, Club Matadero. Entre las obras seleccionadas se encuentran trabajos de reconocidos artistas como Pipilotti Rist, Muntean/Rosenblum, Anthony Goicolea, Jennifer Steinkamp o Sergio Prego.

[p.4] Vista interior del Antiguo Matadero, Benavides de Órbigo § Vista interior del Lavadero, Benavides de Órbigo [p.5] Muntean/Rosenblum. To Die for, 2002 § Jennifer Steinkamp. Eye Catching 1, 5, 6, 2003 § Escuelas Vie-jas, Turcia § Sergio Prego. Tetsuo Bound to fail, 1998 § Ixone Sádaba. “Citerón V”, de la serie Citerón, 2003 § Antigua Iglesia, Velilla de la Reina.

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showcase projectcarles congostsay i’m your number one

Carles Congost (Olot, Girona, 1970) es un ar-tista multidisciplinar, creador de un universo personal articulado a través de un complejo e irónico discurso en torno al sistema del arte y a las relaciones, personajes y otros elementos que en él se desarrollan. Su estética es deudo-ra del arte y la música pop, de las tendencias de la moda, los tópicos de la adolescencia y la cultura de masas como causa de la aparición de ídolos y estrellas mediáticas. Su trabajo ha estado condicionado por la constante colabo-ración con profesionales de las más diversas disciplinas, tales como actores, músicos, dise-ñadores o escritores. Su afiliación con el mun-do de la música está marcada en particular por su pertenencia al grupo The Congosound, la formación artístico-musical de la que es co-fundador junto a Vicent Fibla. Congost es res-ponsable de la producción del nuevo Proyecto Vitrinas, que aparece de forma paralela –y bajo el mismo título– a Say I’m Your Number One, un libro de artista publicado por el MU-SAC y ACTAR y que cuenta con el diseño de VASAVA, equipo que colabora habitualmente con el artista. Esta publicación pretende ser la primera de una serie de colaboraciones edito-riales que el MUSAC abordará con distintos creadores contemporáneos.

La propuesta para el Proyecto Vitrinas consiste en una instalación específica a partir de la nueva fotonovela del artista, Robots, creada con motivo de la publicación Say I’m Your Number One –y también contenida en el libro–, en la que se narran, a través del perspicaz lenguaje de Congost, las vicisitudes a las que se enfrentan los miembros de The Congosound ante la imposibilidad de cumplir

con las obligaciones propias del grupo y que, a modo de biopic musical, desmenuza con mordacidad los entresijos de la industria musical actual. Ligado a esta idea, se presenta The Congosound’s Live Prototype que, conce-bido por el propio Congost con el diseñador industrial Yaya Tur, es una suerte de prototipo musical totalmente deshumanizado que será capaz de cubrir esas obligaciones contractua-les del grupo sin depender de sus agendas. Un artefacto electrónico que, a modo de máqui-na de conciertos, se exhibirá en el hall del MUSAC, siendo el 23 de junio la fecha elegida para el primer concierto de The Congosound’s Live Prototype, ya establecido como franquicia de The Congosound.

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Carles Congost (Olot, Girona, 1970) is one of the well-represented artists in MUSAC Collection. His new dual project, Say I’m Your Number One, combines an artist book with the same title and an installation for the Showcase Project. The two showcases will display the new photo-novel included in the publication: a story about the The Congo-sound members’ inability to meet up to their commitments as a band, underperforming at their artistic and musical engagements. The group story –approached as a variation on a musical biopic– delves into the issues surrounding musical production in our time, while suggests a number of thoughts on teamwork, the passage of time and existential crises during the facing up to maturity.

The Congosound is presented at MUSAC as an industrial and dehumanized prototype, churning out simultaneous concerts based on a trademark and free from the constra-

ints of any of the member’s agendas: The Congosound’s Live Prototype, an electronic artifact exhibited in the lobby next to the two showcases. The date for The Congosound’s first trial concert is the 23rd of June, 2007, now duly transformed into franchise.

[p.6] Fotografía procedente de Robots, 2007 [p.7] Portada del libro Say I’m Your Number One, 2007 § Maqueta de The Congosound’s Live Prototype, 2007.

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pedro paiva + joão maria gusmãocrevasse

Bajo el título Crevasse, los artistas Pedro Paiva (Lisboa, Portugal, 1977) y João Maria Gusmão (Lisboa, 1979) presentan para esta muestra una instalación basada en películas, a través de las cuales podemos apreciar sus caracterís-ticas habituales, referencias conceptuales que van desde la patafísica de Alfred Jarry hasta la metodología intuitiva de Bergson, pasando por la inversión del nihilismo de Nietzsche y la aventura ontológica y política de Alain Badiou. Un crevasse es la fisura natural que se produce como resultado de los movimientos entre glaciares. Fenómenos naturales como éste están muy presentes en la obra de Paiva y Gusmão que, basada en la conjunción de diferentes elementos, plantean determinados aspectos estéticos y filosóficos.

Como ellos mismos han explicado, su obra se desarrolla en torno a “narrativas verídicas”, expresión a su vez utilizada por el filósofo Alain Badiou en referencia a una secuen-cia de momentos históricos que inauguran procedimientos de averiguaciones empíricas. Algunos de estos momentos, relevantes para la historia del ser humano, aparecen reflejados en su trabajo como episodios eventuales. De

esta forma se centran, fundamentalmente, en reflejar determinados enigmas con los que el espectador, a su vez, se cuestionará fenó-menos como el magnetismo, el espiritismo o el fakirismo, encontrados por ejemplo en la literatura de Victor Hugo o Stanislaw Lem.

El inteligente humor que desprenden la mayoría de sus imágenes refleja lo absurdo de cada situación: desde el hombre que intenta hacer una montaña de huevos –La columna de Colón–, hasta el proyectil humano, el hombre magnético o la procesión de la piedra. Su obra está plagada de referencias literarias, y ellos mismos definen su trabajo conjunto como “artístico e intelectual”.

Cada imagen que aparece en sus fotografías y películas –sin sonido– conduce a situacio-nes intrigantes, donde se parodian momentos en principio intranscendentes. El estilo que utilizan estos artistas nos invita a reflexionar sobre la propia afirmación estética que sub-yace en todos estos trabajos. En sus películas y fotografías encontramos personajes que protagonizan actos absurdos y humorísticos, como en el caso del proyecto Efluvio magné-tico, basado en la descripción de Víctor Hugo

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en su obra El hombre que ríe, que trata sobre una anomalía meteorológica, una tempestad de nieve negra sobre el Canal de la Mancha. Como afirma Miguel Amado, “el absurdo y el humor –en la obra de João Maria Gusmão + Pedro Paiva– ocurren como efecto de sentido y no como estrategia de estilo”, ya que tratan temas relacionados con las categorías negati-vas de la obra de arte, derivadas de la insufi-ciencia u oferta negativa implícita en éstas.

[p.8] fulcro, 2005. Filme de 16 mm, color sin sonido. 3’20’’ § Los hombres de paja, 2005. Fotografía color. 180 x 220 cm [p.9] El hombre de hielo, 2004. Fotografía color. 95 x 135 cm § fulcro, 2005. Filme de 16 mm, color sin sonido. 3’20’’ § La Columna de Colón, 2006. Filme de 16 mm, color sin sonido. 3’02’’.

Portuguese artists Pedro Paiva (Lisbon, Por-tugal, 1977) + João Maria Gusmão (Lisbon, 1979) present a solo exhibition at Laborato-rio 987 showing an installation of films that approach their recurring conceptual referen-ces: Alfred Jarry’s pataphysics, Bergson’s intui-tive method, a reversal of Nietzshe’s nihilism and Alain Badiou’s ontological and political adventure. A crevasse is a crack or fissure in a glacier or snowfield, formed due to changes in glacier speed. Natural phenomena such as these are often present in Paiva and Gusmão’s work, which is based on an articulation of various elements that embody a number of specific aesthetic and philosophical elements.

Some of these episodes relevant to the history of humankind as circumstantial occurrences or anecdotes are reflected in their work as eventual episodes. In doing so, their approach is essentially focused on capturing a number of riddles that in turn lead the viewer to question a set of phenomena (magne-tism, spiritism or fakirism) to be found, for example, in the literature of Victor Hugo or Stanislaw Lem.

The intelligent humour that these images distil reflects the absurdity in each situation: from the man attempting to build a tower of eggs (La columna de Colón) to the human cannonball, the magnet man, the parade of stones, etc. The artists’ work is seeped in lite-rary references; “an artistic and intellectual” enterprise, according to their own definition.

The images portrayed in their photographs and films lead to puzzling situations; paro-dies of instants that in principle should be irrelevant. The artists’ style invites us to reflect upon the aesthetic asseverations that underlie their body of work, involved in absurd and comical actions.

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matías duvillecover

Matías Duville (Buenos Aires, Argentina, 1974) presenta con Cover su primera exposi-ción individual en Europa, en la que muestra una compleja instalación pictórica realizada ex profeso para este espacio. Su trabajo se cen-tra, fundamentalmente, en instalaciones de dibujos sobre muro, ya sean diseños realiza-dos en carboncillo o bolígrafo sobre seda. Sus dibujos parecen una consecuencia de sueños, de viajes imposibles y paisajes desolados, donde la falta de presencia humana revela ese estado onírico que remite incluso a cuentos infantiles e historias de un pasado lejano, sin dejar de hacer referencia a catástrofes natura-les como huracanes, desbordamientos de ríos, etc. Esta sucesión de ideas da como resultado una concatenación de dibujos que son fiel

reflejo de la convulsa actividad creativa de este artista.

Uno de los rasgos más destacados en el trabajo de Matías Duville es la investigación sobre el uso de múltiples materiales: bolígrafo, carboncillo, acrílico, seda, moqueta, placas de conglomerado, plástico, etc. Es precisamente esa continua búsqueda y experimentación lo que hace que el imaginario de este artista no deje de crecer. Estos paisajes narrados e imaginados son un despliegue de anécdotas donde los truenos irrumpen inesperados y los huracanes arrastran automóviles. En palabras del artista Jorge Macchi, comisario de una de sus muestras, “a veces, cuando miro los dibujos de Duville, siento la tentación de adelantar la acción para ver hacia dónde

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conducen. Afortunadamente son sólo dibujos estáticos sobre un papel y cada uno de ellos está comenzando una película inexistente y por lo tanto imprevisible. Hace un tiempo pensaba en cómo sería hacer un filme del cual no se recordara el argumento. Creí que sería una película de múltiples y simultáneos comienzos que avanzarían hasta el punto inevitable de la decepción. El resultado sería de una falta de fluidez insoportable, como si en cada instante existiera el peligro de la inmovilidad o el silencio. Sin embargo habría algo que sobreviviría a la pérdida permanente, un clima, un estado de ánimo, una ansiedad, y ése sería finalmente el núcleo de este filme imposible. Me acuerdo de esto ahora que veo los trazos aparentemente expresionistas en los dibujos de Duville. La urgencia con que están hechos es la urgencia del que da cuenta de algo que se le escapa irremediablemente y se ve a sí mismo como único testigo”.

La obra de Duville genera una gran ten-sión sostenida entre el procedimiento y las acciones representadas, dando como resul-tado una variedad de imágenes que emergen sobre diferentes soportes. Y es que Matías Duville es, sin duda, un narrador de historias propias.

Matías Duville (Buenos Aires, Argentina, 1974) presents Cover his first solo exhibition in Europe, in which he shows a complex pictorial installation made especially for Laboratorio 987. His work is essentially made up of a number of drawing installations, in-cluding interventions applied directly on the wall, charcoals and pen on silk. His drawings appear to derive from dreams, impossible journeys or wastelands, where the lack of human presence reveals a dreamlike condi-tion reminiscent of fairy tales or stories from a distant past, with a permanent reference to natural disasters: hurricanes, flooding rivers, etc. This succession of ideas results in a chain of drawings that are a faithful reflection of the artist’s creation.

One of the defining features of Duville’s work is a reconsideration and research into the use of materials: pen, charcoal, acrylic, silk, carpets, plywood, plastics, etc. This ongoing search and experimentation keeps his imaginary space in a state of permanent expansion.

Duville’s work generates a degree of sus-tained tension between the technique and the actions portrayed, presenting a variety of images that emerge through different media.

[p.10] Sin título (detalle), 2003-2006. Tinta sobre seda. 150 x 90 cm [p.11] Propulsión, 2003-2006. Tinta sobre seda. 95 x 95 cm § “Sin título” de la serie Travelling, 2005. Ceras sobre papel. 180 x 150 cm.

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a time score [una partitura de tiempo]

¡Señoras y Señores! ¡Niñas y niños de todas las edades! ¡Bienvenidos a Una Partitura de Tiempo! ¡El espectáculo de uno de los más afamados artistas de nuestro tiempo está a punto de comen-zar! ¡Pasen y disfruten del primer evento en España escrito y dirigido por Pierre Huyghe! ¡A veces Él y a veces Ellos, pero nunca solo porque están ustedes! Pasen, vean y eschuchen. Todo está preparado para que comience el entretenimiento: las marionetas les esperan, los animales desfilan ya, la sala de juegos ha encendido sus luces, los libros esperan ser leídos, los músicos preparan sus instrumentos y el barco está a punto de zarpar. ¡Señoras y Señores! ¡Niñas y niños! ¡Comienza la función! ¡Bienvenidos a Una Partitura de Tiempo!

Pierre Huyghe (París, 1962), uno de los artistas que han marcado con más fuerza las prác-ticas creativas en la última década, presenta su primera exposición individual en España: Una Partitura de Tiempo. Concebida como un evento en el que se despliegan distintas formas de exhibir como una performance, una celebración, un teatro de marionetas, un concierto, un viaje, un libro, o incluso un videojuego, se revela ahora una nueva y diferente cartografía en la que el visitante podrá emprender una marcha a través del pasado y el futuro de su trayectoria, donde la subjetividad colectiva, los derechos de autor y, en especial, su compromiso con la idea de un tiempo no-lineal, se configuran como los verdaderos vehículos de navegación.

Ladies and gentleman! Boys and girls of all ages! Welcome to A Time Score! The spectacle of one of the most famous artists of our time is about to begin! Come and enjoy the first event in Spain written and directed by Pierre Huyghe! Sometimes He and sometimes They but never alone be-cause you are here! Come, look and listen. Everything is ready for the entertainment to begin: the puppets are waiting, the animals are parading, the game room is all lit up, the books are waiting to be read, the musicians are tuning their instruments and the ship is about to set sail. Ladies and gentlemen! Girls and boys! Let the show begin! Welcome to A Time Score!

Pierre Huyghe (Paris, 1962), one of the artists who have most profoundly influenced creative practice in the past decade, presents A Time Score, his first solo show in Spain. Conceived as an event where different ways to exhibit unfolds as a performance (La Toison d’Or), a celebration (A Smile Without A Cat, Streamside Day), a puppet play (This Is Not A Time For Dreaming), a concert (L’expédition Scintillante, Act 2. Untitled (Light Show)), a journey (A Journey That Wasn’t), a book (The Ingenious Hidalgo Don Quixote Of La Mancha by Pierre Menard), or even a videogame (Atari Light), whereby a new and different cartography reveals, enabling visitors to embark on a journey through the past and future of his career, where collective subjectivity, copyright, and especially his commitment to the idea of non-linear time, arise as the true navigation vehicles.

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A Smile Without A Cat (Celebration Of AnnLee’s Vanishing), 2002. Con Philippe ParrenoEn 1999, Pierre Huyghe y Philippe Parreno compraron los derechos de una anodina colegiala a K-Works, una de las dos empresas que conviven en Japón especializada en la producción de personajes que alimentan el manga y las películas de animación: son fábricas de producción de historias que sirven de terreno de pruebas para los personajes, entendidos éstos como cúmulo de poderes y energías especiales, armas, frases recurrentes, atributos físicos y perfiles psicoló-gicos, es decir, características que definirán no sólo la personalidad de dicho personaje, sino su posibilidad de encajar en las situaciones creadas por los redactores y su posterior salvación. La adquisición de los franceses fue bautizada con el nombre de AnnLee y los motivos para su elección eran simples: AnnLee, a excepción de su cara melancólica y sus ojos tristemente salto-nes, carecía absolutamente de todo; no tenía ningún atributo especial, ni un traje característico, ni frases patentadas, ni armas, ni superpoderes; fue concebida como un extra más, como una figurante entre las viñetas de un cómic, lo que la condenaba a la no supervivencia, significando ésta tanto la muerte como el olvido. Se escribía así la primera página del conocido proyecto No Ghost Just A Shell. A partir de entonces, Huyghe y Parreno se pusieron en contacto con otros artistas para invitarles a trabajar de manera organizada con, sobre, desde o a partir del personaje: González-Foerster, Gillick, Tiravanija, Pierre Joseph & Mehdi Belhaj-Kacem, François Curlet, Mélik Ohanian, Anna-Lèna Vaney, M/M Paris, Joe Scanlan, Lily Fleury, Richard Philips, Henri Barande, o Angela Bulloch & Imke Wagener fueron algunos de ellos. Cedieron los derechos y la imagen de AnnLee para que la re-diseñaran, la dotasen de voz, de capacidades psicológicas, de uno o varios cuerpos, o de un contexto en el que desarrollarse. La idea no era crear una nue-va ficción, sino considerar al personaje como un signo que había sido liberado del copyright y que a partir de entonces sería capaz de expresar su propia naturaleza y realidad, en definitiva, extender su narratividad. Se convir-tió en una fábula contemporánea de autoría colectiva, con cada vez más y más capítulos, y que terminó con la transferencia legal de los derechos de autor a la propia AnnLee, y la cele-bración de su retirada de “los reinos de la representación” como signo con el lanzamiento de unos fuegos artificiales en Miami Beach, Flori-da, en diciembre de 2002. Huyghe y Parreno llamaron a este evento A Smile Without A Cat [Una sonrisa sin Gato] por la escena de Alicia en el País de las Maravillas en la que la sonrisa del Gato de Cheshire perma-nece tras su desaparición. Sin duda, al comprarla, los artistas participaron de la economía del copyright, pero al hacer público este acto de compra y elaborarlo en sus trabajos, rompieron el silencio del mundo del arte.

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14 Un petit bout de réel, 2007

Es preciso que en alguna parte de este evento hagamos un nudo; que aquí, en alguna parte, ha-gamos una costura para obtener un sentido. Cuando hagamos la primera podremos hacer otras que nos ayuden a articular esta celebración. Pierre Huyghe nos enseñará a coser, a hacer costuras con las tres herramientas de su trabajo: lo Real, lo Imaginario y lo Simbólico, pues es de sutura y de costura de lo que trata no sólo Una Partitura de Tiempo, no sólo Huyghe, sino nuestro discur-so humano.

En este aprendizaje del arte de anudar comencemos por el nudo de tres, donde las tres catego-rías se representarán como tres circunferencias y todas se unen a todas; y llamemos a esa unión, a ese nudo, Un petit bout de réel [Un pedacito de realidad], un trozo donde vive AnnLee y la voz francesa de Blancanieves, un espejo, donde de un lado se refleja AnnLee y del otro Lucie Dolène.

Blanche-Neige Lucie, 1997Blanche-Neige Lucie se centra en la figura de Lucie Dolène, la mujer que dobló y puso su voz al personaje protagonista del clásico de Disney Blancanieves y los Siete Enanitos en su versión francesa. En la película de Huyghe, ella aparece cantando “Someday My Prince Will Come” [“Mi príncipe vendrá”], mientras se nos cuenta como la factoría Disney utilizó repetidamente su interpretación de esta canción sin su permiso, y cómo terminó demandando a la compañía ganando finalmente el caso y recuperando su voz. Sin embargo, Dolène explica: “cuando le puse voz a aquel personaje yo era Blancanieves, pero cuando veo la película hoy tengo una sensación extraña. Es mi voz, pero es como si ya no me perteneciese a mí, le pertenece al personaje y a la historia [...]”.

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This Is Not A Time for Dreaming, 2004En 1959 la Universidad de Harvard decidió dar un nuevo edificio al Departamento de Artes Visuales que simbolizara las aspiraciones intelectuales de la Universidad. Para ello, y por reco-mendación de Josep Lluis Sert –decano entonces de la Escuela de Arquitectura–, contrató a Le Corbusier, quien en sus primeras visitas al campus fijó su atención en el patrón de circulación de los estudiantes al cruzar los senderos diagonales del jardín. Imposibilitado para construir en el mismo jardín, decidió poner el jardín en el edificio, llenando de verdor las cornisas y colocando una rampa que cruzase la diagonal del edificio. Sin embargo, el proyecto no salió adelante por problemas entre el arquitecto y la propia institución, que en 1963, cuando el arquitecto ya había fallecido, inauguró el edificio. Las largas y conflictivas negociaciones con la administración sobre el proceso creativo fueron recogidas en el libro escrito por Eduard F. Sekler.

En 2003 Pierre Huyghe fue invitado por los comisarios Linda Norden y Scott Rothkopf a realizar un trabajo que conmemorase el cuadragésimo aniversario del edificio. En su visita a sus archivos, el artista reparó en que algunas de las ideas originales de Le Corbusier habían desapa-recido, siendo el libro de Sekler el que definió el proyecto final de Huyghe: un espectáculo de marionetas donde ambas historias son contadas como una sola y cuyos protagonistas son los mismos Le Corbusier, Huyghe, Sert, Sekler, los dos comisarios del proyecto, una figura espectral de nombre Sr. Harvard, y un pájaro rojo –“nudo” y “costura” entre ambos tiempos– que recoge una semilla en el Harvard de Le Corbusier y la deja caer en tiempos del artista francés sobre el mismo edificio, surgiendo el jardín de aquella idea original sobre el Carpenter Center.

La música recupera un papel protagonista: suenan extractos de Iannis Xenakis (1922-2001) y Edgar Vàrese (1883-1965), dos autores con fuertes relaciones históricas y conceptuales con la arquitectura y el propio Le Corbusier. Xenakis, compositor y arquitecto de nacionalidad griega, ingresó en 1948 en el estudio de Le Corbusier. Ambos fueron autores del Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas en 1958, junto a Vàrese, que presentó su Poema Electrónico retransmitido por los 425 altavoces que se repartían por el pabellón. Los compositores-arquitec-tos, creían fervientemente en la particularidad “envolvente” de ambas artes en el sentido de que debían ser habitadas: la Música permitiendo la construcción de un espacio por donde trans-currir y la Arquitectura congelando el espacio mismo. Y de ambos se sirve Pierre Huyghe para escrutar y musicalizar, para crear la partitura de una historia –historias– que tienen que ver con la arquitectura.

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Yo no poseo El jardín de senderos que se bifurcan, 2007Ficciones (1944) de Jorge Luis Borges, es quizás uno de los libros más representativos de la obra y estilo del argentino universal y en el que se incluyen algunos de sus relatos más famosos. De en-tre todos ellos existe uno, “El jardín de senderos que se bifurcan”, que bien pudiera ser punto de encuentro y diálogo de ambos mundos, el borgiano y el de Pierre Huyghe. “El jardín de senderos que se bifurcan –dice el relato– es una enorme adivinanza o parábola, cuyo tema es el tiempo; esa causa recóndita le prohíbe la mención de su nombre. Omitir siempre una palabra, recurrir a metáforas ineptas y a perífrasis evidentes es quizá el modo más enfático de indicarla. Es el modo tortuoso que prefirió, en cada uno de los meandros de su infatigable novela, el oblicuo Ts’ui Pên. [...] No creía en un tiempo uniforme, absoluto. Creía en infinitas series de tiempos, en una red creciente y vertiginosa de tiempos divergentes, convergentes y paralelos. Esa trama de tiempos que se aproximan, se bifurcan, se cortan, o que secularmente se ignoran, abarca todas las posi-bilidades”. Y añade que en la obra de Ts’ui Pên –verdadero protagonista del relato de Borges–, todos los desenlaces ocurren; cada uno es el punto de partida de otras bifurcaciones. “Alguna vez, los senderos de ese laberinto convergen; por ejemplo, usted llega a esta casa, pero en uno de los pasados posibles usted es mi enemigo, en otro mi amigo”.

Atari Light, 1999Fundada en los Estados Unidos en 1972 por Nolan Bushnell y Ted Dabney, Atari Inc es consi-derada la pionera de la industria del videojuego gracias a Pong y su versión casera, Tele-Pong. A su inventor, Ralph H. Baer, la idea le venía de antiguo pero tuvieron todavía que pasar algunos años hasta que, junto a un ingeniero llamado Bob Tremblay, empezó a construir la “caja ma-rrón” –como se le llamó a la primera consola– que incluía el juego de Pong. El funcionamiento básico era muy simple: dos rectángulos blancos enfrentados en un tablero negro que se movían de arriba abajo y un pequeño cuadrado o bola que rebotaba sobre estos rectángulos y los bordes superiores e inferiores de la pantalla haciendo un repetitivo sonido; cada vez que uno de los adversarios, que controlaban uno de los dos rectángulos enfrentados, dejaba pasar la bola, el contrincante ganaba un punto.

La falta de copyright hizo que en algunos países se comercializaran versiones del mismo bajo el nombre de Telematch, llegando también a salir al mercado modelos de televisores que lo tenían incluido en sus propios circuitos o a convertirse en una obra de arte: en 1999 Pierre Huyghe realiza una versión moderna de Pong que se cuelga del techo y a la que llama Atari Light.

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Streamside Day, 2003En 2003 Pierre Huyghe inauguró la aparición de un asentamiento suburbano en FishKill –a orillas del río Hudson, Nueva York– donde residía una nueva comunidad de nómadas que exaltaba la naturaleza, y que llamó Streamside Knolls. La plantación de un árbol fue el prólogo de un aconte-cimiento de pretensiones conmemorativas llamado Streamside Day, que incluía un desfile, música, disfraces de animales para los niños, una barbacoa y mucho algodón de azúcar de color verde. La grabación del evento dio lugar a una película de mismo título, y que fue incluida en la exposición de la Dia Art Foundation: Streamside Day Follies.

El proyecto tuvo fuentes tan directas y paradigmáticas como la ciudad Celebration [Celebración] en el estado de Florida, y que promovió la compañía Disney en los terrenos colindantes a Walt Disney World. Con el tiempo y el aumento de la población, la compañía ha ido cediendo el control de la ciudad, a pesar de que muchos de sus negocios ocupan todavía los edificios principales. Con Streamside Day, Huyghe reproduce el mismo sistema de formación de la realidad, donde la puesta en escena de la ficción –que es un evento festivo– supone el paso previo a la existencia de Streamsi-de Knolls.

Por otra parte, el proyecto nos aproxima al modo que de entender “la exposición” ha tenido hasta hoy el artista francés. La propia institución que promovió el proyecto, Dia Art Foundation, ha te-nido una larga trayectoria involucrándose con artistas que han sido sinónimo de ruptura en lo que a protocolos expositivos se refiere –pensemos por ejemplo en la Spiral Jetty de Robert Smithson–. Pero mientras aquéllos estaban más interesados en el espacio, Pierre Huyghe, al igual que otros creadores de su generación, se centra en el aspecto temporal: para Pierre Huyghe una exposición puede ser un viaje, un libro, una revista, una asociación, o, incluso, un día de celebración.

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A Journey That Wasn’t, es quizás la producción que mejor refleje la intrincada concepción del tiempo del creador francés. En febrero de 2005 Huyghe, con otros artistas –Francesca Grassi, Alexandra Mir, Xavier Veilhan, Jan Chung y Q. Takeki Maeda–, se embarcó en una viaje a la Antártica en el Tara –la misma embarcación usada por los exploradores de tierras polares Jean-Louis Etienne y Peter Drake–. La misión era investigar el rumor sobre una extraña criatura, una especie de pingüino albino que vivía en una isla desconocida y no reconocida por la cartografía surgida del calentamiento global y el deshielo.

En octubre del mismo año, Huyghe transformó el Central Park neoyorkino en un paisaje polar nocturno donde co-existían una orquesta, una isla y un pingüino blanco. El evento se tituló Double Negative y la composición de la música estuvo a cargo de Joshua Cody, quien transcribió la cartografía de Terra Incognita en notación musical.

Ambos eventos transcurren al mismo tiempo si olvidamos la medición lineal del tiempo y nos adentramos en el borgiano “jardín de senderos que se bifurcan” o tiempo no-lineal: octubre o febrero, nocturno o diurno, negro o blanco, negativo o positivo, o los dos lados de un espejo que atravesamos como Alicia. No hay ficción: “En todas las ficciones, cada vez que un hombre se en-frenta con diversas alternativas, opta por una y elimina las otras; en la del casi inextricable Pierre Huyghe, se opta –simultáneamente– por todas. Crea así, diversos porvenires, diversos tiempos, que también, proliferan y se bifurcan.” Con A Journey That Wasn’t el artista francés, como Bor-ges, nos propone la posibilidad de visualizar un “laberinto temporal”, escribir una nueva página sin desechar la anterior para hacer posible un viaje al sur que nos lleve a morir en el pasado.

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El Ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, de Pierre Menard, 2007“Pierre Menard, autor del Quijote” es otro de los relatos incluidos en el libro de Jorge Luis Borges Ficciones. La historia comienza con una protesta de un crítico a causa de la omisión del escritor francés de nombre Pierre Menard en un catálogo, cuyo mayor logro fue escribir, en el siglo XIX, los capítulos noveno y trigésimo octavo de la primera parte del Quijote y un fragmento del capítulo veintidós. Los capítulos son iguales, en cada palabra y cada coma, a los escritos originalmente por Miguel de Cervantes, sin embargo se advierte que no son una copia. “Multiplicó los borradores; corrigió tenazmente y desgarró miles de páginas manuscritas. No permitió que fueran examinadas por nadie y cuidó que no le sobrevivieran […] Desgraciadamente, sólo un segundo Pierre Menard […] podría exhumar y resucitar la obra”. Pierre Huyghe, con la ayuda de Francesca Grassi y Karl Nawrot, hace real y “visible” la existencia de la magna obra de Pierre Menard.

L’expédition Scintillante, Act 2. Untitled (Light Show), 2002Este viaje infinito, que no termina en Una Partitura de Tiempo, sí nos lleva a uno de sus posi-bles pasados, L’Expedition Scintillante: A Musical, exposición que tuvo lugar en la Kunsthaus de Bregenz (Austria) y concebida como un musical de tres actos. La propia disposición espacial marcada por la verticalidad –cada uno de los actos era representado en cada uno de los tres pisos del edificio asignados a la muestra– hacían referencia a la representación musical, y en definitiva temporal, que conocemos como “partitura” o “score”, rompiendo totalmente con la linealidad y dando la bienvenida a la simultaneidad temporal.

El “musical” –la exposición– remitía al espectador a una “expedición polar”. En el segundo piso, o segundo movimiento, se encontraba esta caja blanca cuyo interior irradiaba una luz fría y una música, la Gymnopédie (1988) de Satie orquestada por Claude Debussy, que tenía la clara intención de ser un concierto para pingüinos. Como en Streamside Day, había vuelto primero a poner en escena una ficción, antés de la realidad que estaría por venir, un guión de una película por rodar, una partitura de un concierto por suceder.

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Ángel Marcos presenta a través una treintena de obras su último proyecto fotográfico rea-lizado en China durante enero de 2007. Esta nueva producción enlaza con dos de las series fotográficas más conocidas y sobresalientes del artista, Alrededor del sueño (Nueva York, 2001) y En Cuba (La Habana, 2004-06), y constituye el final de esta trilogía en la que el artista dialoga con la ciudad a través de la pu-blicidad y la propaganda, tratando de desvelar su particular visión acerca de las vinculacio-nes existentes entre los poderes imperantes y las realidades y anhelos del colectivo que las habita.

Ángel Marcos inicia una trayectoria artís-tica centrada en dos conceptos clave: el terri-torio y su poder evocador de la memoria, y el viaje, entendido no sólo como desplazamiento físico, sino como indagación personal y toma de conciencia. Estas dos ideas sufren a su vez una evolución propia, no siempre cronológi-ca, que se materializa en la ampliación de los horizontes espaciales. El punto de partida será su entorno más cercano, los parajes e historias

de su Medina del Campo natal –el paisaje– pa-sando por un estadio intermedio en el que la figura de la persona y sus circunstancias toman protagonismo –lo humano– para finalmente llegar a un nuevo estadio en el que ambas, el paisaje y lo humano, se funden en la ciudad.

Paisajes (1997) y Rastros (2002-03) pertene-cen a este primer grupo ligado al entorno más inmediato, en las que el artista protagoniza un reencuentro con la naturaleza, los rincones y hábitat de su infancia, iniciando un diálogo sincero con el paisaje y su pasado. Los bien-aventurados (1997), Obras póstumas (1999) y La Chute (2000) por su parte, suponen la irrupción de la figura humana en su obra, y por primera vez son las personas las que, ubicadas en espacios concretos, remiten a realidades del presente y el pasado.

Estudiado el espacio cercano –el paisaje– y la persona –lo humano–, en relación a su capacidad para recrear la realidad, Ángel Marcos termina por encontrar en la ciudad un marco ideal donde ambos conceptos se

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funden para reflejar las mismas constantes presentes en otras obras anteriores, y de este modo Alrededor del sueño, En Cuba y China, son las tres series en las que el artista am-plifica el territorio a explorar con su cámara fotográfica.

La nueva producción, recogida bajo el título de China, responde a un amplio proyecto fotográfico realizado en las ciudades de Hong Kong, Pekín y Shangai durante enero de 2007, y constituye el final de una trilogía iniciada seis años antes en la ciudad de Nueva York, que tendría su continuidad en La Habana en el año 2004. Ángel Marcos concibe las series de Alrededor del sueño, En Cuba y China como un único proyecto que, si bien en localizaciones espaciales muy diversas, giran en torno al mismo parámetro conceptual: el diálogo producido entre la población y el po-der que rige la ciudad a través de la publicidad y la propaganda.

El primero de los trabajos, Alrededor del sueño, fue realizado en la ciudad de Nueva York en el año 2001, y en él reflexiona por

primera vez sobre los deseos y necesidades de las personas que la habitan y su relación con la publicidad como principal herramienta del poder. El artista realiza un planteamiento en el que la valla y los eslóganes publicitarios de los alrededores de Manhattan simbolizan la idea del deseo contenida en esta ciudad. Un deseo de triunfo y de poder que, en su bipolaridad, se enfrenta a cúmulos de basura, vagabundos y, en definitiva, historias vitales de fracaso y frustración.

Tres años más tarde, y tras haber trabaja-do en la ciudad icono del capitalismo occi-dental, en 2004 el artista viaja a La Habana, Cuba, símbolo de resistencia socialista, para adentrarse en un nuevo proyecto. Esta serie, conceptualmente enfrentada y unida al mismo tiempo a la neoyorquina, le lleva a seguir con la vía de los eslóganes, sólo que en esta ocasión los logotipos y mensajes ligados al mundo del consumo son sustituidos por los iconos y lemas de la revolución. Ángel Marcos retrata una vez más espacios vacíos de gente en la mayoría de los casos, en los que las

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propias calles hablan por sí mismas abiertas al horizonte del mar y el cielo, y a la historia de un pueblo reflejada en los lemas de sus fachadas.

En enero de 2007, Ángel Marcos realiza un largo viaje a China, adentrándose en una lejana realidad oriental con la idea de finalizar este extenso proyecto. El artista elige China como punto final de su recorrido impulsado, en parte, por la singularidad que el régimen comunista y su reciente apertura al mercado capitalista le ofrecían en relación al estudio de su trabajo. Ángel Marcos supera las distancias y dificultades que el propio idioma y la cultu-ra oriental suponían para él y, despojado de ideas preconcebidas, reflexiona a través de la imagen sobre lo que acontece a su alrededor.

Durante un largo mes recorre los núcleos urbanos y periferias de Hong Kong, Pekín y Shangai –ciudades de primer orden en los planes de desarrollo chinos–, retratando sus

calles y rincones, en los que los eslóganes pu-blicitarios, la yuxtaposición de arquitecturas y, en definitiva, la acumulación del paisaje me-tropolitano aportan una peculiar perspectiva de la China actual. El resultado de su viaje es un amplio proyecto, compuesto de fotografía y vídeo, en el que el artista trata de acercar esta singular realidad, donde pasado y futuro, tradición y vanguardia, se mezclan y configu-ran un amplio espectro de contrastes.

La muestra, ubicada en las salas 3.1 y 3.2, se divide en cuatro espacios diferenciados en correlación a las diferentes líneas de trabajo y realidades fragmentadas reflejadas por el artista. Ángel Marcos acompaña al especta-dor a través de sus fotografías al interior de la ciudad oriental, planteando un viaje que se manifiesta tanto en forma de desplazamiento espacial –del núcleo a la periferia–, como en la de desplazamiento temporal– de lo nuevo a lo antiguo–, y toma de conciencia.

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La verticalidad y grandes dimensiones de las obras mostradas en el primero de los espacios sacuden al espectador dándole a su vez la bienvenida. En estas primeras obras centradas en los planes de desarrollo arquitec-tónicos urbanos, la más moderna arquitectura contrasta con espacios intermedios en los que la destrucción de las antiguas construcciones queda relegada a montoneras de escombros y suciedad.

Una nueva sala traslada al espectador a la China más tradicional, presente aún en la periferia urbana. Sus calles nos acercan a retratos de la cotidianeidad de una población anclada, en cierta manera, a su pasado cultu-ral, pero a la vez adaptada a los hábitos de la sociedad de consumo contemporánea. Y así, la superposición de elementos, los vehículos tractores y motores o las vallas publicitarias y el mercado tradicional conviven en estos reductos de las ciudades, dotándolas de

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4 una particular y lejana belleza. Siguiendo en esta línea de trabajo, varios vídeos sirven al artista para dotar de sonido y movimiento a la vida diaria captada a través de instantáneas fotográficas.

La exposición culmina con una reduci-da selección de íntimos rincones de viejos espacios domésticos donde el vacío, la calma y el sosiego congelan el tiempo y consiguen apagar las voces y el trasiego de una ciudad en continuo movimiento.

[p.20] China 19, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 180 x 300 cm [p.21] China 22, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 180 x 235 cm [p.22] China 29, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 180 x 235 cm [p.23] Detalle de China 31, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 235 x 180 cm § China 43, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 180 x 300 cm [p.24] China 61, 2007. Caja de luz. 180 x 300 cm § China 63, 2007. Caja de luz. 180 x 242 cm § China 60, 2007. 180 x 242 cm [p.25] China 1, 2007. Impresión Lambda sobre papel, montada en plexiglás. 180 x 235 cm.

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MUSAC presents Ángel Marcos’ latest photo project, captured during a trip to China in January 2007. The new production is the result of an extensive photographic project ca-rried out in the cities of Beijing, Hong Kong, and Shanghai in January 2007, and it closes a trilogy he began six years earlier in New York, with Alrededor del sueño (2001), and conti-nued in Havana, Cuba, in 2004. Ángel Marcos sees Alrededor del sueño, En Cuba (2004-06) and China (2007) as a single project, in which the images, even of their entirely different location, revolve around the same conceptual parameter: the conversation between city’s population and the powers that govern it through advertising and propaganda.

Ángel Marcos embarked on a long journey to China, intending to plunge into a distant Eastern reality with the aim of closing his trilogy. He chosed China as the final station

in part due to the singularity of a Communist regime that has recently embraced capitalism and its relevance to his previous investigation. Ángel Marcos saved the distances and obsta-cles of language and culture, shed his precon-ceptions and reflected through his pictures on what was happening all around him.

For more than a month he travelled the city centres and suburbs of Beijing, Hong Kong, and Shanghai –cities that are the driving for-ces of Chinese development– shooting their streets and corners, where advertising slogans, contrasting architectures and the clash of metropolitan landscapes provide a personal take on today’s China. The result of this last trip is a broad-reaching project that includes photography and video, through which the artist attempts to present this singular reality, where past and future, tradition and moderni-ty, blend and shape a vast range of contrasts.

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El MUSAC presenta una muestra monográfi-ca del artista Néstor Sanmiguel Diest (Zarago-za, 1949); un recorrido exhaustivo por obras recientes que se traza mediante distintas series de pinturas de gran formato, organizadas a partir de módulos que estructuran superfi-cies de color y de texto. Distintas capas de información superpuestas que actúan a modo de “veladuras” atípicas, donde se muestran y ocultan, de manera simultánea, la sucesión de relatos e investigaciones pictóricas que conforman el proyecto desarrollado en los últimos años por el autor.

Miembro fundador del colectivo A Ua Crag (Aranda de Duero, 1985-1996), Néstor Sanmiguel Diest inicia, en la década de los

noventa, una intensa trayectoria individual que reivindica la práctica pictórica como actividad cercana a una suerte de “restauración sentimental”, el título de sus primeras series de trabajos. Una actividad que se origina en la necesidad de encontrar un orden lógico para “organizar el vacío y dar forma al caos”, y que es, asimismo, una tentativa consciente de que nunca existirá tiempo suficiente. Un proyecto que se materializa en la construcción de un sistema de trabajo, de muchos distintos, que pueden ser calificados casi como de alquimis-tas combinaciones de lo insondable, de aquello que no puede unirse y que sin embargo se vin-cula mediante el ensayo de métodos imprevisi-bles en estas piezas. Una producción sustentada

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en el desarrollo de complejas tramas visuales y de narrativas encriptadas, dentro de un ámbito de rigor pictórico inusitado –no exento de altas dosis de ironía–, que se traduce en el uso de la pintura como “oficio de esquivar”.

Casi como un desarrollo pausado y silen-cioso de un manual mágico –de “instruccio-nes de vida”– que el espectador recorre en el espacio de la exposición, el trabajo procesual de Sanmiguel se materializa en obras rea-lizadas a partir de minuciosos y obsesivos trazados geométricos, y en las combinaciones posibles creadas a partir de módulos que se repiten de manera sistemática sobre las super-ficies de las telas, el papel y en el propio es-pacio expositivo. La importancia del color es también uno de los elementos principales en torno a los cuales se organizan y estructuran los sistemas ideados, con tonos que van desde lo monocromo hasta el empleo de tintas que se acercan a lo fosforescente, desde “espejos negros” donde descansar la mirada, hasta zonas donde resulta imposible diferenciar los

niveles de lectura superpuestos por el autor. El resultado de este sistema de transmuta-ción es una serie de pinturas donde figura y fondo se entrelazan, generando una confusión entre distintos planos de texto y color, lo que provoca una necesaria readaptación en la mirada del espectador ante la ausencia de un único punto de referencia –o tema– desde el que aproximarse a lo expuesto. Situarse frente a estas obras exige, por tanto, un esfuerzo añadido que se ve largamente recompensado tanto por lo mostrado como por aquello que permanece oculto. Un conjunto que remite a una personal concepción del arte ligada a la tradición pictórica y la literaria donde son muchas las referencias –en ocasiones morda-ces– al Op Art, la geometría o los discursos en torno a la percepción, pero donde también re-sultan muy importantes las incontables citas a territorios tan dispares como el de la música, la política y el lenguaje.

Casi a modo de “contenedores de lo inmate-rial”, las obras de Néstor Sanmiguel se cierran

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8 sobre sí mismas, acrecentando la curiosidad de quien, frente a ellas, comienza a sospechar que existen “al menos tres razones distintas” para que –desde la penumbra del corazón del autor–, todo aquello que observa se encuentre en un lugar determinado, y no en otro distin-to. Esa “voz” dirigida a comunicar lo inefable que recorre esta suerte de “máquinas célibes pobladas por demonios internos”.

En este sentido, la muestra que se presenta en el MUSAC reúne la producción más re-ciente del artista, y su recorrido se inicia con la pieza titulada Las Emociones Barrocas, la serie de 73 paneles de 76 x 106 cm realizados entre los años 1997 y 2005 que recientemente ha pasado a formar parte de la colección del museo. Una obra donde se mezclan acrílicos, tintas, grafito y papel impreso, sobre papel rotofor, y que es un libro de viajes donde se suceden episodios, una recopilación docu-mental, un contenedor del tiempo transcu-rrido –invertido–, que se origina en lo que el autor ha denominado una “recolección

de formas”, cerradas y selladas, del período de trabajo que concluye en el año 1997. Las Emociones Barrocas se dispone en el espacio expositivo mediante un montaje azaroso, rompiendo con cualquier posible linealidad narrativa o temporal, para generar un sistema combinatorio infinito con lecturas dispares capaces de articular distintas tramas, tiempos e incluso intrigas contradictorias.

Este mismo procedimiento aleatorio en la conclusión de las obras –que coincide con su exhibición–, y que es un sistema de ordena-ción precario temporal, es el que está presente en la instalación de otras obras como Pollock 1943 –un dripping geométrico construido a partir de 300 tablillas de 21 x 30 cm–; o El descenso del buscador de perlas. Paneles-frag-mentos de un relato cuyos episodios visuales

[p.26] “Anabel la reina” [p.27] “Ni Cézanne ni Van Gogh hubieran estado de acuerdo” [p.28] “Poder de gato” [p.29] “El predicador y la princesa”.Todas las obras pertenecen a la serie Las Emociones Barrocas, 1997-2005. Técnica mixta. 76 x 106 cm c/u. Colección MUSAC.

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se manejan casi como en un “universo plano y discontinuo, donde cada cosa se refiere sólo a sí misma”, pero que al tiempo es capaz de cla-rificar las fases de un trabajo en circulación, metódico y perversamente perfeccionista. Una solución de oposición fría como antídoto frente a la emoción.

El segundo nombre de las cosas presenta también otras pinturas recientes del artista como El Suicidio de Lucrecia, asimismo en la Colección MUSAC; Sigue Sigue Sputnik, o la serie de cuadros titulada Mari Paz en París –“Trinchera blanca”, “El corazón de la defensa” y “El ojo de ángel”–. Obras cuyos procesos pueden ser calificados como de más silenciosos, y donde los episodios corren unos encima de otros, esta vez acotados en el espacio delimitado por el marco del lienzo. También se exhibe, por vez primera en esta muestra monográfica, una selección de 99 dibujos, realizados entre los años 1997 y 2007, titulada Historias secretas. Un índice especula-tivo de los espacios transitados por el autor en los últimos años.

MUSAC hosts a solo exhibition by the artist Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza, 1949). This comprehensive review of his recent work brings together a number of large paintings structured in modules configuring large surfaces of colour and text. Superposed layers of information act as screens, simultaneously revealing or hiding a succession of pictorial stories that make up the author’s particular universe.

Founding member of the A Ua Crag collec-tive (Aranda de Duero, 1985-1991), Néstor Sanmiguel Diest embarked on an intense solo career in the 1990s, grounded in a defence of pictorial practice as an activity resembling a sentimental restoration

A process-based approach that takes form in works constructed through detailed and obsessive geometric designs, under all possi-ble combinations, created from modules sys-tematically repeated on the surface of canvas, paper or even on the exhibition space walls.

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0 deac musacVISITAS GUIADASVisitas con un educador del MUSAC, de una hora de duración, en las que se ofrecen las claves principales para que el espectador disfrute con más conocimientos de las exposiciones.

Actividad gratuita y sin inscripción previa (mí-nimo de 6 personas). Hay que solicitar un aparato receptor de sonido en la taquilla del museo cinco minutos antes del comienzo de la actividad.

Hasta el 29 de junio: De martes a jueves a las 19:00 h.Viernes a las 17:00 y 19:00 h.Sábados y domingos a las 11:30, 13:00, 17:30, 19:00 y 20:00 h.

A partir del 30 de junio:De martes a domingo a las 11:00, 12:00, 13:00, 17:00, 18:00, 19:00 y 20:00 h.actividad gratuita

MIRAR PARA HABLARLa asistencia a este programa-taller didáctico tiene como objetivo desarrollar nuestra capacidad de análisis visual ante las obras expuestas, desmarcán-donos de la tradicional explicación en la que para entender lo que miramos necesitamos encontrar explicaciones ajenas a la propia imagen.

Horarios:Sábados y domingos a las 12:00 y a las 18:00 h.Domingos a las 12:00 h.

Está dirigido a adultos y tiene un número limitado de 25 plazas. Es necesario inscribirse en la taquilla del museo hasta cinco minutos antes de comenzar la actividad.

actividad gratuita

ACTIVIDADES PARA ADULTOSTalleresÁngel Marcos. Taller de orientación para fotógrafos.Olga Mesa. Taller de danza experimental.CursosCurso de Introducción al Arte del S.XX.Jueves de 12:00 a 13:30 h.

ACTIVIDADES PARA PÚBLICO INFANTIL Pequeamigos MUSACAgrupación de amigos del museo para niños entre 5 y 12 años. Las actividades dirigidas a los pequea-migos invitan a la diversión en el museo como medio de aprender a disfrutar del arte y ampliar conocimientos del mundo que nos rodea.

Talleres abiertos los sábados por la tarde. inscripción gratuita

Programa para Centros EducativosLas exposiciones del MUSAC tienen una unidad didáctica desarrollada y adecuada a todos los niveles de enseñanza formal. En dicha unidad, además de apuntar relaciones de las áreas curricu-lares con la exposición, hacemos una propuesta de trabajo práctico, donde el principal objetivo es que el alumno aprenda a desarrollar la capacidad de análisis crítico a través de las formas de expresión contemporáneas.

actividad gratuita

Programas para Asociaciones y Agrupaciones con necesidades específicasTrabajo personalizado del departamento en co-laboración con los colectivos con discapacidades físicas o psíquicas que requieran una adaptación de las visitas o talleres a necesidades especiales.

actividad gratuita

DEAC MUSACDepartamento de Educación y Acción CulturalTlf: 987 091 101Fax: 987 091 111deac@musac.es

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bibliotecacentro de documentaciónLa Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, que ya cuenta con más de 7.000 volúme-nes, está especializada en Arte Contemporáneo a nivel nacional e internacional, con las incursiones necesarias en los antecedentes.

La Biblioteca-Centro de Documentación está ubicada en la planta baja del museo, con acceso di-recto desde el vestíbulo y consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de material audiovisual, hemeroteca y acceso a Inter-net; y la planta alta, que alberga el fondo bibliográ-fico. La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general. No es necesario carnet de usuario, ya que no hay servicio de préstamo.

SERVICIOSLa Biblioteca-Centro de Documentación delMUSAC ofrece:

· Consulta en sala de los fondos de libre acceso.· Información y referencia.· Acceso al catálogo informatizado de la

biblioteca.· Acceso a Internet y conexión libre con

wireless.· DSI (Difusión Selectiva de Información) y

Alerta Informativa (exposiciones actuales, becas y certámenes).

· Visionado de material audiovisual (VHS, DVD y CDROM).

· Préstamo interbibliotecario restringido.· Atención al público on-line.

horarioDe martes a sábado: 11:00-14:30 h / 17:00-20:00 h.Domingos, lunes y festivos: cerrado.e-mail: biblioteca@musac.es

The MUSAC Library-Documentation Center, with more than 7.000 volumes to date, specializes in Contemporary Art. It places special emphasis on the past two decades, with a multidisciplinary perspective on the national and international level, and the necessary incursions into the past.

The Library-Documentation Center is located on the ground floor of the building, with direct access from the main lobby. It consists of two floors: the ground floor is reserved for consultation and Internet and the upper floor is dedicated to bibliographic funds.

SERVICESThe Library-Documentation Center offers:

· Consultation of funds with free access.· Information and reference.· Access to library catalogues.· Access to the Internet.· Information on exhibitions, grants and artistic

contests.· Preview of audiovisual material (VHS, DVD

and CDROM).· Restricted interlibrary lending.· On-line public assistance.

Opening hoursTuesdays to Sundays: 11:00-14:30 / 17:00-20:00 h.Closed on Sundays, Mondays and Holidays.e-mail: biblioteca@musac.es

© MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónEDITA / EDITED BYMUSACC O ORDINACIÓN EDITORIAL / EDITORCarlos OrdásPROYECTO GR ÁFIC O / GR APHIC PROJECTmenoslobosIMPRIME / PRINTED BYGráficas CelaraynDEPÓSITO LEGALLE.1015-2007

a time score [una partitura de tiempo]artista / artist pierre huyghecomisarios / curators agustín pérez rubio y marta gervenocoordinadora / coordinator sophie dufour

Con la colaboración de:

chinaartista / artist ángel marcoscomisarios / curators rafael doctor y helena lópez camacho coordinadora / coordinator helena lópez camacho

el segundo nombre de las cosasartista / artist néstor sanmiguel diestcomisaria / curator beatriz herráezcoordinadora / coordinator tania pardo

órbigo 07comisario / curator carlos ordáscoordinadora / coordinator koré escobar

laboratorio 987comisaria / curator tania pardo

crevasseartista / artist pedro paiva + joão maria gusmãocoverartista / artist matías duville

proyecto vitrinassay i’m your number oneartista / artist carles congostcomisario / curator agustín pérez rubio coordinador / coordinator carlos ordás

portada / cover Pierre Huyghe. A Journey That Wasn’t [Vista del espectáculo A Musical At The Wollman Ice Rink, Central Park, New York. Public Art Fund], 2005.

créditos fotográficos y cortesías / photocredits and courtesies Pierre Huyghe & Marian Goodman Gallery, Paris/New York [portada, pp. 14, 15, 17 y 18] § Carlos S. Suárez [pp. 4, 5 (3 y 6) y 31] § Carles Congost [pp. 6 y 7] § Galeria Graça.Brandão, Lisboa (Portugal) [pp. 8 y 9] § Galería Baró Cruz, Sao Paulo (Brasil) [pp. 10 y 11] § Pierre Huyghe, Philippe Parreno & Marian Goodman Gallery, Paris/New York [p. 13] § Pinault Collection, Paris/Pierre Huyghe & Marian Goodman Gallery, Paris/New York [p. 16] § Fonds national d’art contemporain, Ministère de la culture et de la communication, Paris/Pierre Huyghe & Marian Goodman Gallery, Paris/New York [p. 19] § Ángel Marcos [pp. 20-25] § Colección MUSAC [pp. 26-29] § DEAC MUSAC [p. 30]