Guia Noche Transfigurada

LA NOCHE TRANSFIGURADA

Bosque I, 5 acuarelas para La Noche Transfigurada © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO

Verklärte Nacht

ARNOLD SHÖNBERG 1874-1951

Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.

Didácticos del Teatro Real. Noviembre 2011 2

ÍNDICE 1. El poema de Richard Dehmel Pág. 3 2. El bosque, la noche y la luna como símbolos Pág. 4 3. La noche transfigurada Pág. 5 4. Schönberg: el revolucionario de mirada retrospectiva Pág. 11 5. Contexto histórico y cultural Pág. 21 6. Propuesta didáctica Pág. 24 7. Zona Alumno/as Pág. 26



1. El poema de Richard Dehmel: La noche transfigurada

Una pareja camina por la desnuda y fría arboleda; la luna los acompaña mientras ellos contemplan cómo su luz recorre la silueta de los espigados robles. Ni una sola nube oscurece el firmamento sobre el que se prolongan las negras copas de los árboles. La voz de ella revela: llevo un niño dentro de mi, y no es tuyo; camino junto a ti, condenada por haber traicionado profundamente mi propio ser. Yo ya no creía en la felicidad, pero mantenía el deseo de engendrar una vida solo por la dicha y el anhelo de ser madre. Pero, frágil, permití que mi cuerpo lo abrazara un extraño quedando embarazada de él. Y ahora la vida se ha vengado, justo cuando te he encontrado a ti. Ella avanza abatida, con los ojos perdidos en una luna que inunda de luz su oscura mirada. La voz le él dice: ese niño que llevas dentro no ha de ser una carga para tu alma. ¡Mira con qué brillo se ilumina el universo! En todo hay un resplandor, y mientras tú y yo surcamos a la deriva este frío océano una llama fluye de ti hacia mí, y de mí hacia ti. La misma que transfigurará a ese hijo que llevas dentro. Te inundará mi luz, para que nazca de ti y de mi. Él pasa una mano abrazando sus caderas, mientras sus alientos se entremezclan con el aire. Dos personas caminan por la elevada y límpida noche.

(Adaptación al castellano: Polo Vallejo)



2. El bosque, la noche y la luna como símbolos

Un símbolo siempre representa algo más que su significado evidente e inmediato... insinúa algo no conocido aún... Aparece solamente cuando hay necesidad de expresar lo que el pensamiento no puede reflejar, o lo que solo se adivina o siente... ("El Hombre y sus Símbolos" - C.G. Jung)

Dentro del simbolismo, el bosque se corresponde con el principio materno y

femenino, y es por tanto fuente de vida y de regeneración. Sinónimo de lo

inconsciente, por su oscuridad y su misterio, alude a lo desconocido, a lo que yace

latente en las profundidades de la mente. Por un lado genera angustia y opresión,

pero también alegría y serenidad, siendo allí donde las personas se refugian. En

ocasiones, se relaciona con la desorientación que provoca ubicarse ante un

terreno amenazador que se duda en pisar; y ante ese desconcierto, es la luz que

aparece en un claro o entre los troncos (en nuestro caso la luna), la que se

transforma en esperanza. La noche es también para los griegos un símbolo

femenino, el comienzo de todo, porque precedió a la formación de todas las cosas.

La luna, además de dar la medida del tiempo desde la más remota antigüedad, es

por una parte ese ser mutable que no permanece nunca idéntica así misma, pero

por otra, la que a su vez regula las mareas y el ciclo fisiológico de la mujer,….

(“Diccionario de símbolos” Juan Eduardo Cirlot. Ediciones Siruela)

Bosque II © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO



3. La Noche Transfigurada (Verklärte Nacht Op.4) La primera versión de La Noche Transfigurada está pensada para sexteto de

cuerdas en un solo movimiento y dividido a su

vez en cinco secciones. Considerada como la

primera obra importante de Schönberg, fue

terminada en diciembre de 1899 y estrenada el

18 de marzo de 1902 en la Sociedad Musical

de Viena por el cuarteto Rosé y otros músicos

invitados. Schönberg realizó un arreglo de la

partitura para orquesta de cuerdas en 1917 y

volvió a revisarla en 1943; esta última versión,

que conocería también una adaptación al ballet en 1942 con coreografía de

Anthony Tudor, es la que se interpretará en el Teatro Real.

La obra surge de la confluencia de dos factores determinantes: el impacto

que produjo en Schönberg la lectura del

poema homónimo de Richard Dehmel (pág.

3), y el encuentro con Mathilde von

Zemlinsky, hermana de su profesor y amigo

Alexander von Zemlinsky, con la que

posteriormente se casó y tuvo hijos, y a quien

está dedicada la partitura. Ambas impresiones

dieron lugar a esta bellísima partitura escrita

en tan solo sólo tres semanas cuando el

compositor tenía 25 años.

El joven Schönberg, influido por Richard Strauss, se atrevió a escribir en la

Noche transfigurada “un poema sinfónico con formato de cámara, en un solo

movimiento, pero con las dimensiones de las obras de Mahler y de Strauss como

modelo...”. El propio Mahler tuvo la oportunidad de escuchar algunos de los

ensayos y se sintió profundamente impresionado por la pieza. Fue un gran

defensor de la obra de Schönberg durante toda su vida, incluso cuando las

partituras posteriores, le resultaban difíciles de comprender.

El beso 1907–1908.Gustav Klimt

Amor.Gustav Klimt 1895



El árbol de la vida. 1905-09 Gustav Klimt

Pero la Noche transfigurada tiene en realidad un vínculo mucho más

profundo con otras dos grandes figuras. La primera, y más importante, es la de

Wagner que se aprecia en la fuerza de las relaciones armónicas. La segunda, la

de Brahms, que podemos apreciar en el carácter unificador del trabajo temático,

en la solidez polifónica de la escritura instrumental y en la propia formación

instrumental (Brahms fue autor de dos sextetos de cuerda).

Con relación al texto de Dehmel,

Schönberg se sintió atraído instintivamente no

tanto por el sentido de las palabras, sino por el

sonido de las mismas, haciendo surgir nuevos

sonidos musicales y, en definitiva, una nueva

manera de expresar emociones.

El estreno de esta obra no fue acogido

favorablemente por el público vienés, y el

hermano del compositor tuvo que terminar

expulsando de la sala a unos cuantos exaltados; según Schönberg, “fue tan

desconcertante como la naturaleza erótica del texto”. Es probable que, para la

conservadora sociedad vienesa de la época, tanto su origen como la sordidez de

la temática tuvieran mucho que ver con los abucheos.

Esperanza II Gustav Klimt



Pero otro de los motivos que seguramente provocó el rechazo, debió ser la

inestabilidad armónica a la que, aún tratándose de una pieza tonal, recurrió el

compositor para intentar llegar a los límites de la expresión y, por tanto, de la

forma.

Se cuenta que siendo ya mayor, se le preguntó a Schönberg por qué no

escribía ya música como la Noche Transfigurada, a lo que él replicó: "Lo sigo

haciendo, pero nadie se da cuenta."

Manuscrito con los primeros compases de La Noche Transfigurada



LA MÚSICA

La versión de 1943 para orquesta de cuerda está pensada para violines I y

II, violas I y II, violoncello y contrabajo. Consta de un único movimiento dividido en

cinco partes encadenadas que se corresponden con la estructura del poema en el

cual está basado, y cuyos temas constituyen una verdadera metamorfosis musical

de la narrativa y el discurso del poema.

La música va describiendo los sentimientos expresados entre el hombre y

la mujer, sumergiéndonos paulatinamente en atmósferas emocionales de una gran

intensidad que, aunque siguen puntualmente la forma del poema, no

necesariamente ilustran momentos determinados de la acción. Para lograrlo,

desde el arranque de la obra, Schönberg utiliza una tonalidad predilecta (también

la de sus discípulos Webern y Berg, y que recuerda al inicio del Requiem de

Mozart), re menor, que nos situa desde el incicio en un clima de premonición que

permanece latente durante el desarrollo de la obra.

1. Primera sección Sehr Langsam (Grave).

La introducción nos adentra en la atmósfera que describe el poema: el bosque, la

noche, una pareja caminando bajo el claro de luna… y presenta un primer tema

que volverá a escucharse en la tercera y quinta sección, como partes estructurales

en las que sin embargo, hay una evolución. Todo transmite oscuridad y misterio,

pero también tranquilidad.



2. Segunda sección Etwas bewegter (Poco più mosso)

Se corresponde con la confesión de la mujer cuya voz es representada por

los violines, que reflejan sus sentimientos profundos y constituyen el tema principal

con una evidente carga de expresión dramática. Este tema da lugar a un largo

desarrollo cuyo clímax corresponde a un diálogo atormentado entre las cuerdas

graves y las agudas.



Bosque III © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO



3.Tercera sección Pesante Grave (Schwer Betont)

Se trata de un interludio que prepara al oyente a la cuarta parte,

introduciéndonos en la mente de los personajes y a la espera de la reacción del

hombre, con la tensión inicial que se respira. Se trata de un corto período de

transición basado en la vuelta del tema del inicio pero con evidente gravedad.

Termina simbólicamente en la alejada tonalidad de mi bemol menor.

4. Cuarta sección Adagio (Sehr breit und langsam)

Esta cuarta parte corresponde a la respuesta del hombre (violoncellos) cuyo

amor rebosa triunfante del reto afrontado y nos muestra la gran profundidad

humana y la calidez de su comprensión. Un cambio hacia un Re Mayor desde Mi

bemol menor, acompañado de una textura de gran transparencia (murmullos de

las cuerdas con sordina) confiere cierta luminosidad al pasaje que refleja este

cambio emotivo: de la frialdad de la noche y los tormentos interiores de la mujer a

la actitud amorosa y tranquilizadora del hombre.

Prosigue en un largo dúo que desembocará en un nuevo clímax, con el retorno del

primer tema “transfigurado” al modo mayor.



5. Quinta sección Sehr ruhig

Finalmente, una larga coda constituye la quinta sección, este último episodio tiene

función de epílogo y da fin a este himno a la naturaleza y a la redención por el

amor y se caracteriza por unas texturas más luminosas. Hay esperanza y felicidad,

los amantes caminan bajo la maravillosa luz de la luna y se escucha el eco lejano

del tema del comienzo.



4. Schönberg (1874-1951): El revolucionario de mirada retrospectiva

Infancia y adolescencia

Schönberg fue un compositor autodidacta (además de pintor, poeta,

pensador, inventor y profesor) que creó la Segunda Escuela de Viena, ciudad

donde nació en 1874 y a la cual se trasladaron sus padres procedentes de

Pressburg (Bratislava).

Su familia era judía, religión en la que fueron educados sus tres hijos, y

aunque no hubo ambiente musical en su entorno familiar, fue un tío suyo quien le

proporcionó la principal influencia cultural de su infancia. Razón por la que empezó

a tocar el violín a los ocho años.

Solía pasear por el famosísimo parque de atracciones de Viena el “Prater”,

donde acostumbraba a escuchar

pequeñas bandas musicales que

interpretaban marchas, polkas e

incluso obras de Wagner. Esta

música, le produjo tal impacto que

le hizo sentir muy pronto la

necesidad de componer de

manera intuitiva; al principio,

duetos para violín inspirados en las piezas que aprendía de Pleyel o Viotti.

Más tarde conoció a un compañero de escuela que tocaba la viola y

comenzó a componer tríos para este instrumento y dos violines. Por cuestiones

económicas, después de la muerte de su padre (cuando él contaba 16 años), tuvo

que trabajar como contable en un pequeño banco. Mientras, continuaba

cultivando su pasión por la literatura, la filosofía y la música junto a dos amigos,

David Josef Bach y Oskar Adler. De hecho, este último fue su primer profesor de

música, le enseñó las bases de la armonía y educó su oído a través de la

interpretación. Juntos formaron un grupo amateur con el que exploraban el

repertorio clásico de música de cámara y tocaban sus propias composiciones.



Juventud (1896-1915)

En 1896, con 22 años, conoció a Alexander von

Zemlinsky, quien le introdujo en el ambiente

musical vienés y de quien recibió clases de

composición. Su amistad y la cercanía con su

familia, dieron como fruto el matrimonio con su

hermana Mathilde Zemlinsky

en 1901 y una permanente

colaboración profesional

entre ambos (Schönberg le

consultaba dudas técnicas y

de él recibió ayuda para

estrenar en 1897 el cuarteto en Re Mayor).

LA BÚSQUEDA DE UNA FORMA AUTÓNOMA

Las obras de juventud de Schönberg están

influenciadas por el romanticismo tardío y se nutren de la

herencia recibida de Wagner y Brahms. Con la muerte de

éste último en 1897, y por el contexto histórico y cultural del momento, los

compositores sienten que el mundo antiguo termina con él y que hay que renovar

el lenguaje. Schönberg empieza entonces a componer de otra manera, utilizando

armonías más complejas que generan diferentes puntos de tensión.

Paralelamente, entre 1875 y 1905, se crea un movimiento de artistas

plásticos La Sezessión en el que los creadores se apartan y se liberan de los

grupos financiados oficialmente por el estado y sus administradores. De esta

manera pasan a producir sus propias obras marcadas por una gran libertad

artística y organizan exposiciones y conciertos en un edificio construido para tal

fin. Entre los creadores del movimiento en Viena están los pintores Gustav Klimt

(que fue su fundador y primer presidente), Egon Schiele, Oskar Kokoshka y en

sus primeros años, Richard Gerstl, muy amigo del compositor durante esa época.

Retrato de Matilde Zemlinsky

Schönberg con A. Zemlinsky



Otro factor determinante en el ambiente de libertad expresiva de este

periodo, es la llegada de Mahler como director de la Staatsoper de Viena. Con él

hubo una innovación tanto en lo musical -gracias a sus propias composiciones y a

las de R.Strauss la orquesta crece, la tonalidad se amplía- como en la escena. Las

emociones son extremas. En este caldo de cultivo, Schönberg estrena en 1899,

con solo 25 años, La noche transfigurada (Verklärte Nacht) en medio de grandes

protestas. Desde este momento el escándalo en torno a él y su música no cesaría.

EXPRESIONISMO

En los primeros catorce años del siglo XX, Schönberg muestra una gran

evolución: mientras estudia composición y da clases particulares a alumnos de la

talla de Webern y Berg (Escuela de Viena), compone obras progresivamente más

disonantes hasta convertirse en el primer compositor que abandona la tonalidad.

De esta manera, acepta la sucesión de sonidos de la escala cromática -doce notas

que cubren una octava a distancia de semitono una de otra- estableciéndolas

como iguales, sin privilegios ni jerarquías, huyendo del concepto tónica, dominante

y sensible, hasta adquirir una libertad expresiva desconocida hasta entonces. La

melodía halla una fuerza elástica indefinida y la armonía tiene a su disposición

todos lo acordes posibles a modo de racimos de notas. Él mismo, encontró en el

término pantonal una mejor definición para su música que el de atonal.

En medio de una crisis compositiva y personal -en el verano de 1908, su

mujer se marcha a vivir con su amigo el pintor Richard Gerstl-, Scönberg se dedica

con ímpetu a otra de sus pasiones, la pintura, llegando a realizar al menos diez

exposiciones. Entre su obra pictórica que consta de 361 cuadros, podemos

encontrar retratos, autorretratos, la colección “Visiones” y “Miradas”, así como

paisajes y bocetos de decorados para algunas de sus composiciones.



En 1910 conoce al pintor ruso Kandinsky, cuya admiración por la obra de

Schönberg era total, desde su música a su pintura. Iniciaron un periodo de

colaboración profesional y de amistad que se refleja en el libro escrito por

Schönberg, Cartas, cuadros y documentos de un encuentro extraordinario. El

compositor pasa a formar parte de Der Blaue Reiter (El jinete azul) grupo de

artistas expresionistas creado por

Kandinsky y realiza exposiciones

con su obra.

Entre 1910 y 1911, su

búsqueda permanente no cesa y

continua desarrollando sus ideas

musicales que quedan reflejadas

en varias obras importantes como

las Piezas para piano Op. 11, las

Cinco piezas orquestales op.16 y Erwartung;

también realiza su Tratado de armonía y la

orquestación de Gurrelieder. Pero los tiempos y

su suerte empiezan a cambiar, le rechazan -por

motivos raciales- en la Academia de Arte

Dramático y Música de Viena, por lo que decide

irse a Berlín, donde su llegada es precedida por

comentarios

adversos en la

prensa, lo que

genera un desinterés progresivo por su trabajo,

así como por sus clases y conferencias. Sin

embargo su nombre por entonces es

suficientemente conocido y el público va

encontrando poco a poco más accesibles sus primeras obras. Estrena y dirige con

notable éxito el Pierrot lunaire en 1912, composición que es considerada como

una de las obras clave de la historia de la música occidental.

V. Kandinsky Impresion 3 (concierto), 1911



En definitiva, todo el esfuerzo de Schönberg se centraba en una búsqueda

permanente de la expresión, para lo cual necesitaba encontrar una forma nueva y

autónoma de componer. Por ello pudo constatar que la ausencia de armonía

funcional exigía repensar todo el edificio sonoro hasta encontrar un universo

musical que tuviera su propia lógica.

Años en torno a la Primera Guerra mundial (1916-1933)

La guerra puso fin a todos los proyectos: conciertos, clases, alumnos

(fueron llamados a filas). Él mismo, debido a su

asma, quedó en la reserva tras una revisión

médica, aunque después de una segunda

revisión, se alistó como voluntario. Cuando

retornó a la vida civil e impulsado por la

experiencia de la guerra y por sus creencias

religiosas, compuso La Escala de Jacob, obra

que marcó sus posteriores composiciones.

Con grandes esfuerzos y dificultades, fue

completando la obra en varias fases alternando

de nuevo el trabajo con sus clases. En los años

comprendidos entre 1919 y 1921 dirigió varios

conciertos con sus obras y arreglos para piano o pocos instrumentos. Mientras, la

paz iba normalizando poco a poco las actividades

musicales y sus giras le llevaron hasta Ámsterdam, donde

fue nombrado presidente de la

Asociación Internacional Mahler.

En 1923 muere su esposa

Mathilde y al año siguiente se

casa con Gertrude Kolish, con

quien tuvo tres hijos.

Man Ray, Arnold Schönberg, 1926



ÉPOCA DODECAFÓNICA

Schönberg sistematizó la técnica dodecafónica en 1921, a partir de la cual

se ordenan los doce sonidos de la escala cromática -denominada serie- en la que

todos ellos tienen la misma importancia.

Al poder ser leída a partir de cada uno de los grados que la componen y

transponerla hasta doce veces, las posibilidades se multiplican. Además, el

método permite que la serie sea leída al revés, de manera retrogradada.

Aplicando los principios de construcción del contrapunto y de la fuga, los

intervalos ascendentes pueden adoptarse como descendentes, pudiendo de

nuevo transponer estas retrogradaciones e inversiones otras doce veces.

En consecuencia, una serie de doce sonidos permite innumerables

posibilidades de expansión expresiva, y si se incluyen además otras reglas

complementarias relacionadas con la repetición -o la no repetición- de sonidos que

eviten la creación de falsas polaridades, el alcance del método es aún mayor.

El dodecafonismo, tal como lo entendió Schönberg y aunque no lo parezca,

tiene bastante de espíritu neoclásico sobre todo si se le compara con el periodo de

mayor libertad de antes de la Gran Guerra. Al fin y al cabo es un sistema con

reglas muy claras que se puede enseñar y aprender. Desde este momento hasta

su muerte en 1951, sus composiciones fluctúan entre el compromiso con el

pasado de su periodo pantonal, el dodecafonismo y guiños al postromanticismo.

Schönberg publicó en su libro Estilo e idea: “Al final, siempre se regresa”.



Una de las obras más destacables de

esta época fue Moisés y Aaron, obra con la que

continuó innovando a partir del material serial.

Todo en esta obra es nuevo, desde las ideas de

partida, hasta el material musical o la utilización

de los medios instrumentales y vocales. A pesar

de que quedó inacabada, es considerada como

la obra maestra de Schönberg. A modo de

anécdota, decir que el compositor padecía de

Triscaidecafobia (fobia al número 13) y quitó una

“a” del nombre de Aarón para que el título no

tuviera trece letras.

Entre octubre de 1931 y junio de 1932, y

siguiendo la recomendación de su alumno Robert Gerard, Shönberg trasladó su

residencia a Barcelona donde trabajó en la ópera mencionada y conoció a Pau

Casals, para quien compuso un concierto para violonchelo. También en estos

meses nació su hija a la que puso de nombre Nuria.

Camino del exilio (1934-1945) y Estados Unidos

En 1933 Hittler subió al poder en Alemania, Schönberg, judío y cabeza

visible de un arte que recibió el apelativo de

“degenerado” por las autoridades nazis, tuvo

que abandonar Alemania. Él, que en su

juventud se había convertido al catolicismo,

volvió a abrazar el judaísmo como símbolo

de oposición a la intolerancia reinante.

Finalmente tuvo que abandonar el país y

emigrar a Estados Unidos, donde impartió

conferencias y clases en Boston y Nueva

York.

Schönberg con sus alumnos en Los Angeles 1947

Arnonld Schönberg 1924. Oskar Kokoschka

K



El clima desfavorable de esta ciudad agravó su asma, por lo que decidió

instalarse en Los Ángeles, primero en Hollywood y finalmente en Brentwood Park

donde vivió hasta su muerte en 1951.

Son años de docencia en universidades, de conferencias, de investigación

(compiló, ordenó y redactó artículos) de publicaciones como Modelos para

principiantes en composición y Funciones estructurales de la armonía. Siguió

dando clases particulares y componiendo diversas obras que, durante sus últimos

años, tuvieron una inspiración o sentimiento religioso.

INVENTOS, ARTILUGIOS Y CURIOSIDADES CREADOS POR SCHÖNBERG

Mira en este enlace TODOS LOS INVENTOS de Schönberg

Baraja de cartas pintada a mano. 1909

Ajedrez a 4

Baraja de cartas pintada a mano.

http://www.youtube.com/watch?v=AAbo1uOuxG8&feature=related



5. Contexto histórico y cultural

El tiempo que le tocó vivir a Schönberg fue una época dominada por las

transformaciones y el progreso científico y tecnológico: la aparición del motor de

explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein, la

Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía,

el nacimiento del Cine…son solo algunos de los acontecimientos que indicaban

que el mundo estaba cambiando.

Artísticamente es el periodo de las “vanguardias históricas”, fraguadas por

grupos reducidos de intelectuales y artistas que se rebelaron contra el orden

establecido. Es sinónimo de ruptura y de transformación pero no solo del arte si no

de la sociedad misma. Por eso, el periodo comprendido entre los últimos años del

siglo XIX y primeros del siglo XX, en el ambiente previo a la Primera hasta el final

de la Segunda Guerra Mundial (1945), es también conocido por el tiempo de los

“ismos” debido a la cantidad de corrientes artísticas que se generaron.

Impresionismo (1874) y Postimpresionismo (1910). No todos los historiadores

consideran a estos movimientos dentro de las Vanguardias, pero ya se

constituyeron como grupo, pues sus cuadros fueron rechazados en los concursos

de la época.

Fauvismo 1905-1907. Violencia cromática y contrastes agresivos es la definición

del crítico de arte que le dio nombre a esta corriente (fauve es el término francés

para “fiera”). Cuestiona el Arte como representación de la realidad y expresa

sentimientos por medio del color y ausencia del claroscuro (Matisse y Braque).

Cubismo 1907-1914. Es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado

principalmente por Picasso, Juan Gris y Braque. Es capaz de representar varios

puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a la fotografía.

Expresionismo 1905-1913. Estilo surgido en Alemania que trata de dar al

espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están

al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Los dos grandes

grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) y

“Der blauer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc y

Paul Klee.



Futurismo 1909-1914. La frase “un automóvil rugiente, es más bello que la

Victoria de Samotracia” refleja el espíritu de esta corriente que exaltaba la

modernidad, lo tecnológico y lo mecánico.

Dadaísmo 1915-1922. El más radical de los “ismos” Fue una vanguardia

anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social,

moral o estética. Su máxima: elevar a la categoría de arte los objetos cotidianos,

sin ninguna transformación. Marcel Duchamp y el fotógrafo Man Ray fueron sus

máximos exponentes.

Surrealismo 1924-1939. Comienza con un manifiesto escrito por el poeta André

Breton. Los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del

hombre, los sueños y el inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de

Sigmund Freud aportaron la base científica e ideológica. Hubo dos tipos:

Figurativo: Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, que nunca

abandonaron la referencia real de los objetos

Abstracto; Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

Suprematismo 1915-1919.

Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch.

Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos

geométricos de formas puras y perfectas de color austero.

Constructivismo 1913-1920.

“¡Arte para el pueblo! ¡Arte para la vida!”, pregonaban en Moscú en 1917 los

seguidores del constructivista Vladímir Tatlin.

El constructivismo contiene la carga política e ideológica de la revolución rusa,

pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, como la

Bauhaus.

Neoplasticismo. Fue una prolongación de los valores estéticos del

constructivismo pero sin su compromiso político. También pretendían una huída

de las referencias naturales y recurrieron a las formas geométricas puras y a los

colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Piet

Mondrian es su representante.



6. Propuesta didáctica.

Dado el genio creativo de Schönberg y el poder evocador de esta obra, la

circunstancia se presta a realizar diversos acercamientos: desde el análisis

exhaustivo de partes de la obra, hasta una aproximación al plano emocional y

simbólico.

Con esta guía queremos favorecer el trabajo de preparación a la audición dotando

de las herramientas necesarias tanto a vosotros profesores, para que podáis

transformar, modificar o adaptar las propuestas a los grupos que tenéis, como a

los alumnos a través de la ZONA ALUMNOS/AS.

Además de la asistencia al concierto, las actividades planteadas en esta guía

pretenden ayudar a establecer puntos de contacto entre el mundo exterior y la

música que se aprende en las aulas, contribuyendo en la medida de lo posible al

desarrollo de la percepción y de la sensibilidad estética, pero especialmente al de

la expresión creativa y la reflexión crítica.

Las actividades aspiran a potenciar la autonomía en el alumnado y la participación

activa, tanto en las tareas de audición, como en las de interpretación y de creación

musical.

Proponemos actividades relacionadas con los objetivos y los bloques de

contenidos del área de música en Secundaria y Bachillerato.

Audición activa, audición comparada, discriminación auditiva y memoria

comprensiva de la música, tanto durante el desarrollo de actividades de

interpretación y creación musical como en la audición en vivo o las músicas

grabadas en el aula.

Interpretación de piezas instrumentales creadas en grupo o de las

propuestas en esta guía, donde caben la expresión vocal y el movimiento.

Creación individual y colectiva con elementos propios del lenguaje musical,

combinación de los sonidos a través de la improvisación o la elaboración de

pequeños arreglos.

Música y tecnología. Búsquedas en Internet y propuesta de actividades

relacionadas con las herramientas tecnológicas.



ACTIVIDADES

En la “Zona Alumnos/as” hay 4 propuestas con variaciones.

Están pensadas para formar parte de un proyecto multidisciplinar, y también para

trabajarse por separado, estando algunas de ellas vinculadas entre sí. La elección

dependerá del estilo docente de cada profesor y de las características y edades de

los grupos.

Aunque están dirigidas a los alumnos/as y se podrían organizar y desarrollar de

forma autónoma, el lugar idóneo es evidentemente el aula. Por tanto, las

indicaciones que aparecen están también dirigidas a los profesores/as.

Autoretrato de Arnold Schönberg paseando



7. Zona alumnos/as



ACTIVIDAD 1: Investigar, buscar, descubrir, ampliar información... Realizar un cronograma con la vida y obra de Schönberg, los hechos y obras más

significativos del contexto y los encuentros con los artistas y literatos

contemporáneos.

Te proponemos realizarla mediante la aplicación Dipity o Simile en las que

además se pueden incluir imágenes.

Aquí hay un ejemplo para completar con otros datos que sean significativos:

En estos enlaces tienes toda la información que necesitas: Centro Shönberg

Biografía Vanguardias 1 Vanguardias 2 Expresionismo

CRONOLOGIA de Arnold Schönberg y sus OBRAS PRINCIPALES 1874 Nace el 13 de septiembre en Viena. 1886 Estudia violín. 1897 Primer Cuarteto en Re Mayor (desaparecido). 1899 La Noche Transfigurada 1901 Se casa con Mathilde von Zemlinsky. 1903 Regresa de Berlín a Viena para dedicarse a la composición y a la enseñanza. 1905 Dirige el estreno de su poema sinfónico Pelleas und Melisande. 1906 Sinfonía de cámara Nº l. 1911 Gurrelieder (para solistas, coro y orquesta). 1912 Pierrot Lunaire (melodrama con recitador y orquesta de cámara). 1923 Comienza a componer en el estilo dodecafónico. 1923 Cinco piezas para piano. 1924 Se casa con Gertrude Kolish 1933 Se exilia en los Estados Unidos huyendo del nazismo. 1936 Concierto para violín y orquesta. 1941 Recibe la ciudadanía norteamericana. 1942 Oda a Napoleón (recitador, piano y cuerdas). 1951 Muere el 13 de julio en Brentwood, Los Ángeles, California.

http://www.dipity.com/

http://www.simile-widgets.org/timeline/

http://www.schoenberg.at/

http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=1125

http://www.um.es/aulasenior/saavedrafajardo/trabajos/vanguardias.pdf

http://www.youtube.com/watch?v=tg1kXUJg_YA

http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/index.htm

http://www.hagaselamusica.com/ficha-obras/canciones/pierrot-lunaire/



ACTIVIDAD 2. Escuchar, comparar versiones, debatir. Laura pérez Sonia dirigiendo una orquesta de mujeres Montaje con cuadros de Gustav Klimt Filarmónica de Berlín

ACTIVIDAD 3. Lectura, análisis musical y reflexión en gran grupo. Escuchar la obra siguiendo la partitura general en you tube.

1. http://www.youtube.com/watch?v=_Ic3ZLj5RPw&feature=related 2. http://www.youtube.com/watch?v=RfAT86aClC4&feature=related 3. http://www.youtube.com/watch?v=d4XGEmms4vM&feature=related

4. Leer el poema y reflexionar sobre los recursos que utiliza Schönberg para

conseguir la atmósfera del bosque por la noche (I), la tensión de la espera a la

respuesta del hombre en (III), la transformación y la luminosidad interior (V).

5. Analizar y comparar las secciones I, III y V de la obra siguiendo la partitura

general en papel: Descargar PDF

PISTAS La intensidad del sonido, sus grados (de fff a ppp).

Los cambios de tempo: lento, andante, allegro…

El timbre de los distintos instrumentos; el de la cuerda al completo.

“Efectos especiales” de los instrumentos: sordinas, trémolos, glissandi, pizzicato, staccatto, … acciones que ayuden a descubrirlos y diferenciarlos.

Temas, acompañamientos, diálogos entre voces, acordes…

http://www.youtube.com/watch?v=NsevhnSSiII&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=_rq7hcIiCrk&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=67UwwIer04U&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=_Ic3ZLj5RPw&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=RfAT86aClC4&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=d4XGEmms4vM&feature=related

http://imslp.info/files/imglnks/usimg/8/8f/IMSLP03938-Sch__nberg_Verkl__rte_Nacht_for_String_Sextett2.pdf



ACTIVIDAD 4. Creación literaria y composición

1. Después de una observación detallada, crear un poema o un texto descriptivo

sobre el cuadro elegido. Se puede atender a lo colores, a las líneas o las formas,

así como a las sensaciones que se experimentan al observarlo.

Kandinsky, Improvisation 7 1910

Kandinsky, Composition VIII 1923

Kandinsky, Contrasting Sounds 1924

Kandinsky, Impression III (Concert) 1911



Se trata de acercarnos al fenómeno perceptivo denominado sinestesia.

2. En grupos, crear una pequeña composición que tenga en cuenta el texto como

un elemento musical más, no solo por su sentido semántico sino por la sonoridad

intrínseca de las palabras. A la hora de la instrumentación, reflexionar sobre la

elección de los instrumentos que sean más adecuados (propios o del aula) y la

selección de recursos compositivos idóneos para la finalidad expresiva. Tocarla,

grabarla y comentar con el resto de los compañeros/as, los criterios de partida y el

proceso de trabajo en equipo.

TABLA DE SINESTESIA SONIDO-COLOR según Scriabin

Nota . Color.

DO ROJO

DO # VIOLETA

RE AMARILLO

RE # RESPLANDOR DE ACERO

MI BLANCO NACARADO Y RESPLANDOR DE LUNA

FA ROJO INTENSO

FA # AZUL BRILLANTE

SOL ROSA ANARANJADO

SOL # PÚRPURA

LA VERDE

LA # RESPLANDOR DE ACERO

SI AZUL NACARADO

PISTAS:

¿Qué peso tiene cada color en la obra, según tu criterio?

¿Qué altura o sonido le adjudicarías?

¿Qué instrumento puede representar mejor ese color?

¿Qué estructura sugiere la composición del cuadro?

¿Qué estructura o forma podrías otorgarle a vuestra pieza?

Pensad en alguna de estas ideas para componer en equipo.

Debate, organiza y pon en común con los miembros de tu grupo.

La palabra “sinestesia” significa, unión de sensaciones; lo cual se

traduce en la propiedad de algunas personas experimentan para

mezclar los sentidos: por ejemplo, ver colores mientras se escucha

una música, y viceversa, o apreciar sabores cuando alguien te habla.

Las características principales son:

Es subjetiva: opera a nivel intrapersonal.

Es irracional e instantánea: generalmente se presenta de

forma incontrolable y no se piensa, simplemente se siente.

Es hereditaria, es decir, existen familias sinestésicas.

Es más común en artistas o personas creativas en general.

Son conocidos algunos artistas con esta cualidad como son

Kandinsky (pintor), Alexander Scriabin (compositor), Vladimir

Nabokov (escritor), o Arthur Rimbaud (poeta).



FICHA DEL CONCIERTO

Orquesta Escuela de la Orquesta Sinfónica de Madrid

Director: Arnaud Arbet

Guión y presentación: Polo Vallejo

Guía didáctica: Marga Aroca

Iluminación: José Luis Canales

Teatro Real: 14, 15 y 16 de noviembre de 2011

Bosque V © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO

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