La Animación y su Historia

La animación es, hoy por hoy, uno de los géneros de entretenimiento más populares. No es sólo un género más del arte cinematográfico, sino todo un arte. No se trata simplemente de dibujar varias imágenes iguales con pequeñas variantes para generar la ilusión de movimiento, sino de crear personajes que vivan por sí mismos, entornos realistas y situaciones o problemas que reflejen, en cierta manera, los que suceden en la vida real. Todo esto a partir de trazos de un lapiz y movimientos de mano.

En sus inicios, la animación constaba de simples dibujos, que, al poner una imagen seguida de otra, contaba una historia o expresaba una idea. Estas imágenes secuenciales estaban destinadas a convertirse, con el paso del tiempo, a lo que hoy llamamos comics o historietas cómicas.Afortunadamente, la cinematografía abrió otro camino a estos dibujos. Ofreciendo la ilusión óptica de movimiento al pasar imágenes semejantes pero con pequeños cambios entre ellas1, el cine permitía el ya no tener que imaginar qué sucedía entre cuadro y cuadro, sino el verlo y experimentar la acción de un modo más realista.

La animación nació con métodos rústicos como los utilizados por el francés Emile Reynaud a quien se le conoce como el padre de la animación. Él creó el praxynoscopio2 y filmes de 500 a 600 imágenes. Su primer corto animado, o lo que es lo mismo, su primera caricatura, fue proyectada en su propio Théatre Optique (teatro Óptico) en el Musée Grévin en París el 28 de octubre de 1892.

Posteriormente, las animaciones dejaron el paxynoscopio para irse al proyector cinematográfico moderno, siendo Fantasmagorie del director francés Émile Courtet, la primera caricatura en ser proyectada en uno de estos aparatos el 17 de agosto de 1908 en el Theathré du Gymnase, en París. Años más tarde, en 1912, Courtet difundiría su técnica de animación por los Estados Unidos al irse a trabajar al estudio francés Eclair en Nueva York.

En 1917 la animación daría un gran paso con El Apóstol, el primer largometraje animado, creado en Argentina por Quirino Cristiani. La cual era una caricatura muda de 70 minutos de duración que narraba como el presidente argentino Yrigoyen quemaba Buenos Aires con rayos del planeta Jupiter.

1 Esta ilusión se genera mediante un proceso por el que cada cuadro de un filme o película es producido individualmente (ya sea generado como gráficos de computadora o por fotografías de una imagen dibujada), o bien por tomar varias fotos haciendo pequeños cambios a un modelo (animación cuadro por cuadro o animación de plastilina.)Cuando los cuadros son unidos y el filme resultante es visto a una velocidad de 16 o más cuadros por segundo, se da una ilusión de movimiento continuo gracias a la persistencia retiniana, carácterística de la visión en el ojo humano.2 Sistema de animación de 12 imágenes por segundo.

Durante la época del cine mudo, la industria cinematográfica en EUA sufrió varios problemas debido a Thomas Alba Edison quien ocasionó la Guerra de las Patentes, en la cual Edison patentó el cinematógrafo y se alió con Kodak con tal de deshacerse de la competencia. Debido a esto, todos los cinematógrafos independientes tuvieron que irse de Nueva York, lugar en el que se producían la mayor parte de los filmes norteamericanos, y llegar a Hollywood, en donde Edison no pudo hacer nada para destuirlos.

Con Edison imposibilitado para obstaculizar o frenar sus esfuerzos y aprovechando las ventajas del clima y territorio3 que Hollywood les ofrecía, pronto los productores comenzaron a construir sus estudios.

Uno de ellos fue un joven llamado Walt Disney quien, mientras se alojaba en la avenida Kingswell en casa de su tio, conseguiría un contrato en 1923 por sus Alice Comedies, con lo que estuvo listo para comenzar su propia compañía. Con el dinero del contrato rentó la parte trasera de unas oficinas cerca de la esquina entre la avenida Kingswell y la Vermont, creando así el primer estudio Disney. Posteriormente, cuando Walt y su hermano Roy hicieron suficiente dinero se mudaron a la parte frontal de dichas oficinas y bautizaron el local como Disney Bros Studios.

Por otro lado en Europa aparecían algunos de los primeros cortometrajes animados como: Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz.

La Era Dorada: 1930 - 1940.

El nacimiento de Hollywood llevó a la construcción de varios estudios cinematográficos y, por consiguiente, a la creación de varias películas de animación, las cuales comenzaban a crear un gusto entre el público que asistia al cin.e

Durante la gran depresión de 1929 en América, la popularidad del cine llevó a un correspondiente auge en la popularidad de los cortos animados. Esta fue la época dorada para la animación, donde algunos de los personajes más famosos de todos los tiempos tuvieron sus primeras apariciones y algunos, como Mickey Mouse o Bugs Bunny, se volvieron populares.

Todo comenzó a principios de 1930 cuando el campo de la animación sufrió una revolución de proporciones similares a la que sufrió la industria cinematográfica en 1928 con la introducción del sonido: Walt Disney tomó lo que fue visto como una enorme apuesta financiera y produjo la primera caricatura con un soundtrack completamente sincronizado: Steamboat Willy, donde aparecería por primera vez Mickey Mouse.

Dicha caricatura fue un completo éxito, llevando multitudes a los cinemas y comenzando el camino a la fama de la compañía Disney. Steamboat Willy fue uno de los primeros y más grandes

3 Luz natural, días largos, suelos áridos y abiertos propicios para la constrcción de foros (ideales para los Westerns),, poca lluvia. Además había montañas y mares cercanos lo que ofrecia nuevas y diferentes locaciones.

triunfos que esta compañía lograría, al grado de que a principios de los 30´s, el mundo de la animación se dividió en dos: Walt Disney y “los demás”4.

La enorme popularidad de Mickey Mouse puso a los personajes animados dentro de los rangos de las personalidades más populares de la pantalla (compitiendo incluso contra charles Chaplin), y por un momento parecía que todo lo que Disney tocaba se volvía en éxito seguro. La mercadotecnia basada en los personajes de Disney rescató a varias compañías que estaban en banca rota debido a la gran depresión. Fue en este momento que Disney tomó ventaja de su popularidad y dio pasos adelante a nuevas técnicas para innovar la animación. Fue responsable del proceso Technicolor en las películas, logrando su primer corto animado totalmente a color en 1932: Flowers and Trees (Flores y árboles). Disney también desarrolló el realismo en la animación que pocos han logrado sobrepasar: Cámaras en Multiplano. Estas proveían una profundidad adicional en las animaciones que se oponían a los dibujos clásicos de dos dimensiones.

Todos estas innovaciones y su continuo énfasis en el desarrollo de la historia y la caracterización de los personajes llevaron a Disney a producir otro grande éxito en 1933 Three Little Pigs (los Tres Cochinitos), la cual fue la primer caricatura en mostrar múltiples personajes, cada quien con una personalidad única e individual.

Disney también tuvo que enfrentar a la competencia, aunque ninguna fue capaz de quitarle del trono de la animación hasta 1940. En términos de calidad, la competencia más fuerte para Disney fue Max Fleischer, la cabeza de Fleischer Studios, quien producía caricaturas5 para Paramount Pictures. Fleischer continuó con la innovación y creatividad que habían desarrollado desde la era del cine mudo, logrando grandes éxitos con la sexy Betty Boop y la Serie de Popeye el Marino.

La popularidad de Popeye incluso logró rivalizar con la de Mickey Mouse en 1930 y los clubes de fans del marinero se extendieron por todo EUA imitando a los del ratón de Disney. Sin embargo, a principios de los 30’s las quejas del público acerca de la inmoralidad fueron tan grandes que la industria del cine tuvo que erradicar la “indecencia” de las películas y aceptar un Código de Producción. Esta forma de censura voluntaria también se aplicó a las caricaturas, e incluso Mickey Mouse se vio afectado. Los Fleischers fueron de los más afectados por este código al tener que cambiar al personaje de Beta Boop a una mujer menos sexy y sensual, haciendo que sus caricaturas perdieran algo de su frescura y creatividad. Popeye, sin embargo, logró salir sin cambios drásticos y mantenerse en el gusto del público.

Mientras tanto, Hugh Harman y Rudolf Ising, animadores de Disney, se cambian a los estudios de Warner Bros. y comienzan a crear sus propias caricaturas, pero aunque su trabajo era impecable, las caricaturas carecían de la calidad innovadora de Disney y no lograban impactar al público.

4 Esto debido a que Disney se dedicó exclusivamente a películas de animación, contrario a otras productoras de la época que se enfocaban más a hacer películas de “carne y hueso” y que esporádicamente incursaban en la animación. Esta especialización de Disney le permitió la creación de innovadoras técnicas que le valieron varios éxitos y reconocimiento en el gusto del público.5 Aunque las caricaturas o dibujos animados son sólo una técnica de animación (las otras 2 son Stop Mortion y la Animación Infográfica) en este trabajo se tomara como sinónimo a la animación a excepción de cuando se señale lo contrario.

Pero en 1935, la cosa cambiaría para Warner, al contratar a Tex Avery como director de animación, quien trajo un estilo salvaje y surrealista de animación que impulsaría a la compañía hasta la cima del cada vez más competido campo de la animación. La influencia de Avery dio por resultado la creación de varios personajes que serían conocidos en todo el mundo: Porky, Daffy Duck (el Pato Lucas) y Bugs Bunny, entre otros.

Harman e Ising dejan Warner y se van a MGM quien les ofrece presupuestos mucho más grandes para sus caricaturas, con lo cual logran producir caricaturas animadas a gran detalle y con increíbles secuencias de animación. Pero el punto débil fue el estilo de contar la historia: a pesar de todos los efectos visuales, las historias eran poco memorables. La situación de las caricaturas de MGM siguió igual toda la década de los 30’s a pesar de haber sido nominadas en los Premios de la Academia.

En adición a estos estudios, otras compañías de animación también compitieron en la década de los 30’s: Walter Lantz, Terrytoons y Columbia Pictures. Pero a pesar de la calidad y entretenimiento que estas compañías producían nadie logró llegar a las alturas estratosféricas de Disney, y muchas de ellas no aguantaron la presión y fueron desapareciendo con el paso del tiempo.

En 1937, Walt Disney produjo Blanca Nieves, el primer largometraje de animación, producto de dos años de esfuerzos de la compañía. Por ese tiempo, Disney estaba convencido que las caricaturas cortas no eran adecuadas para redituarles el dinero necesario para mantener a los estudios rentables a largo plazo, así que decidieron volver a arriesgarse. Blanca Nieves fue augurada para ser la ruina de Disney, el proyecto que pondría en quiebra al gigante de la industria, sin embargo las críticas fueron erróneas y Blanca Nieves no sólo fue un éxito mundial sino que dejó huella en el desarrollo de la animación como una forma de arte seria.

Sin embargo, Disney no fue el primer estudio animador en producir una caricatura más larga de los parámetros acostumbrados. En 1935, los estudios Fleischer produjeron Raggedy Ann and Andy, y aunque no fue un gran éxito los motivó a producir otras tres caricaturas, esta vez usando su carta fuerte: Popeye conoce a Sinbad el marino; Popeye conoce a Ali Baba y los Cuarenta Ladrones y Popeye conoce a Aladino.

Tras el éxito de Blanca Nieves, Paramount pide a los Fleischers produzcan un largometraje para ellos, quienes a pesar de las dudas iniciales crean la versión animada de Los Viajes de Gulliver en 1938, a quien siguió Mister Bug Goes to Town en 1939. Pero estos fueron los únicos largometrajes animados hechos en Hollywood hasta finales de 1950.

Tras el éxito de Blanca Nieves, Disney comenzó a concentrarse en filmes animados, y aunque aún producía caricaturas cortas, no les daba la importancia que una vez les había dado. Aunque éstas aún eran inventivas, entretenidas y con una animación exquisita, las historias comenzaban a ser lentas y predecibles. Esto dejó una abertura que Termite Terrace y los animadores de Warner Bros aprovecharon a tal grado que las animaciones de Friz Freleng y Bob Clampett en 1940 son consideradas legendarias.

Sonido en la Animación

Mientras que mucho de la magia de la Era Dorada se dio debido al arte visual de las caricaturas, una parte igual de importante fue dada por los talentos vocales y las elaboradas sinfonías que acompañaban a las imágenes.

Mientras que las películas alejaban a las audiencias de la radio, también atrajo a talentosos actores e impresionistas vocales a los filmes y animaciones.

Mel Blanc dio su voz a varios de los personajes más importantes de Warner Bros, incluyendo al Pato Lucas y a Bugs Bunny. Otras voces y personalidades de Vaudeville y la era del radio contribuyeron a la popularidad de los filmes animados en la Era Dorada.

Las caricaturas de esta época también incluyeron partituras originales interpretadas por orquestas. Carl Stalling compuso numerosos soundtracks para caricaturas creando material original para éstas o bien, incorporándoles melodías clásicas y populares.

Muchas de las primeras caricaturas, particularmente las series Silly Symphonies de Disney, fueron creadas a partir de piezas clásicas. Algunas de ellas mostraban a los personajes estrella de la compañía, pero generalmente eran sobre temas de naturaleza como árboles y flores bailando.

La Era de la Guerra

Tras el éxito de Blanca Nieves, Disney hizo grandes inversiones en tres nuevos filmes, los cuales fueron aclamados como unas de las producciones más importantes de todos los tiempos: Pinocchio, Bambi y Fantasia. Sin embargo, ninguno de estos filmes fueron tan exitosos como Blanca Nieves. Fantasia, en particular, fue rechazada por los críticos y las audiencias, quienes sintieron que Disney estaba tratando de alcanzar algo fuera de su alcance al integrar la animación al arte abstracto y a la música clásica. Para compensar estos fracasos, Disney produjo Dumbo, un filme de bajo presupuesto que, irónicamente, trajo los ingresos necesarios para mantener los estudios a flote.

Con la llegada de 1940, dos eventos evocaron grandes cambios en el Status Quo de los estudios de animación Hollywoodenses: La entrada de EUA a la Segunda Guerra Mundial y la movilización de todos los estudios (tanto de filmes como de animación) a producir material para levantar la confianza y moral del público además de promover el apoyo de éste a los esfuerzos de guerra.El segundo evento fue la huelga de los animadores de Disney en 1941 que provocó la ruptura de los lazos que unían a la compañía con sus animadores, logrando que estos dejaran el estudio para buscar mejores oportunidades.

Tras la entrada de EUA en la Segunda Guerra Mundial, muchos de los recursos utilizados para crear cortos animados fueron redirigidos para material relacionado con la guerra o para la creación de propaganda. Los estudios de Hollywood más importantes contribuyeron grandemente al esfuerzo de guerra, al igual que sus estudios de caricaturas: En los estudios

Fleischer, Popeye se une a la Marina y pelea en contra de los Nazis; Warner produjo la serie de Private Snafu (El soldado Snafu) que iban dirigidas especialmente a los soldados enlistados.

Incluso Disney colaboró con la guerra creando un famoso filme de propaganda llamado Victory Through Air Power (Victoria mediante el poder aereo). Sin embargo, la guerra había logrado hacer lo que nadie antes: hacer tambalear al imperio Disney, es por esto que en los 40’s la compañía solo creó cortos animados o filmes de bajo presupuesto como: Make Mine Music, Fun and Fancy Free, Melody Time y Los Tres Caballeros.

Los estudios Warner, aprovechando de nuevo el espacio dejado por Disney logró aumentar su popularidad al grado de impulsar sus estudios por los siguientes 15 a 20 años. En estos años fue cuando Friz Freleng y Bob Clampett alcanzaron la cima de su creatividad. De hecho, Clampett llevó las caricaturas de 6 minutos a un nivel de salvaje surrealismo que raramente fue igualado: Porky in Wackyland, Tortoise Wins By a Hare, The Big Snooze, Coal Black and de Sebben Dwarfs y The Old Grey Har son ejemplos de su trabajo.

En 1946 una disputa hace que Clampett deje el estudio y trabaje por sí mismo en un estudio de televisión enfocado para audiencias infantiles en donde crea el popular show televisivo: Time for Beany.

Como es lógico, la guerra no sólo afecto a EUA sino a todo el mundo:

En Canadá el National Film Broad of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas y se comenzó con la enseñanza de la animación, detacando Norman McLaren como unos de los principales animadores.

En los paises comunistas se promovió intensamente la animación, permitiendo a los animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka fue uno de los principales animadores de este periodo.

En Asia, en China y Japón principalemente se comenzaron a producir sus primeras películas animadas. Mientras tanto de regreso en EUA, tras una década de intentos por tirar a Disney del trono, los estudios MGM fueron bendecidos con dos golpes de suerte: Will Hanna y Joe Barbera. Este dúo eran dos animadores residentes de MGM que lograron un hit con su corto metraje: Puss Gets The Boot, el cual fue nominado al Oscar, lo que los motivó a producir la extensa serie de Tomy y Jerry que le valió varios premios de la Academia y cuyo éxito no fue igualado por ninguna otra compañía a excepción de Disney.

Por este tiempo Tex Avery deja los estudios Warner tras una disputa con Leon Schleisinger y se va a MGM en donde crea la serie de Red Riding Hood, caricatura que crea nuevos estándares al ser dirigida al público adulto.

Con Tom y Jerry y el surrealismo de Avery, MGM logra por fin colocarse dentro las tres grandes compañías de animación, a la par de Disney y Warner.

Los cambios también llegaron a los estudios Fleischer, aunque estos no fueron tan benéficos e inspiradores como los de MGM. Mientras que los Fleischers llevaron a Popeye a la Marina y contribuyeron con el esfuerzo de la guerra, también comenzaron con las series animadas de Superman (primera serie que fue nominada a un Oscar). No obstante, a principios de 1940, Paramount Pictures inexplicablemente corre a los Fleischers de su posición como cabezas del grupo de animación6 y absorbe sus estudios bajo su propia compañía de animación llamada: Famous Studios. Desafortunadamente la ausencia de los Fleischers se hizo notar y aunque las caricaturas de guerra seguían siendo populares, la calidad en las historias empezó a declinar, problema que se hizo más y más evidente conforme la década llegaba a su fin.

Todos estos cambios que se dieron en los principales estudios causaron que cerraran los ojos a otro cambio importante: John Hubley, conocido animador de Disney, deja la compañía por la huelga de animadores.

Como se mencionó anteriormente, dicha huelga ocasionó que varios de los aniamdores de Disney dejaran la casa productora en busca de otras oportunidades, es así como John Hubley junto con varios otros animadores funda un nuevo y pequeño estudio, los estudios UPA, para perseguir su propio sueño: intentar nuevos, más abstractos y experimentales estilos de animación.

Hubley alcanza el éxito con su cortometraje Hell Bent For Election, el cual fue dirigido por el veterano Chuck Jones de los estudios Warner. Gracias a esto, el pequeño estudio UPA encuentra una casa en Columbia Pictures. Desde ese momento, los animadores de UPA comienzan a producir una serie de caricaturas que inmediatamente sobresalen de las mediocridades hechas por otros estudios. El enorme éxito de Mister Magoo hizo que las demás compañías se sentaran y tomaran nota del trabajo de UPA y cuando el corto Gerald Mc Boing-Boing ganó el Oscar el efecto en Hollywood se hizo evidente: el estilo de UPA fue conocido como “Diferente a todo lo que se había visto antes en las pantallas de películas” y las audiencias respondieron agradecidas al cambio que ofrecía UPA de las repetidas batallas gato-ratón de MGM o a la violencia animada de Warner.

Sin emabrgo, a pesar de haber sobrevivido a la guerra, la animación todavía tendría que enfrentar un enemigo mucho más aterrador, cuya popularidad llevó a la caída del cine y puso fin a la Era Dorada de la Animación: La Televisión.

Stop Motion y Efectos Especiales

Por otro lado, cabe mencionar que la animación desde sus principios y hasta 1940 fue usada solo como modo de entretenimiento y no tenía muchas ramificaciones. Una excepción a esto fueron las series de Superman de 1940 de Fleischers Studios, que incluían efectos especiales de películas de carne y hueso para ilustrar algunos poderes del último hijo de Krypton.

6 Movimiento que sigue siendo controversial aun en nuestros días y que no ha sido profundamente estudiado por historiadores fílmicos.

Sin embargo el uso de la animación creó una industria hermana que se usó únicamente para efectos especiales: el Stop Motion, técnica que involucra trabajo de animación para crear fondos o escenarios que no podrían hacerse o saldrían muy caros.

El Stop Motion y la animación de dibujos hechos a mano nunca se utilizaron en conjunto. De hecho el Stop Motion se volvió famoso en 1933 al ser usado en la película King Kong donde el animador Willis O’Brien definió varias de las principales técnicas del Stop Motion que se usarían en los siguientes 50 años. El éxito de King Kong ayudó a que la técnica se usara en otras películas como Mighty Joe Young y creó nuevas carreras para nuevos animadores que en vez de dedicarse a la animación en sí, la utilizaban para crear efectos especiales.

Sin embargo la fusión entre el Stop Motion y la animación no se daría hasta después de varios años en películas como: Mary Poppins, Pete´s Dragon o Who Frammed Roger Rabbit.

De los 50’s a los 80’s

La calidad de la animación en los principales estudios hollywoodenses comenzó a declinar gradualmente en 1950. Warner Bros y MGM estaban en la cima de su creatividad al comienzo de la década y poco a poco comenzaron a alejarse de los abundantes y realistas detalles que habían caracterizado a las animaciones de 1940 dirigiéndose a un estilo de animación simplista y poco realista. La influencia de UPA provocó que varios de los estudios pidieran “hacer caricaturas como UPA”, y los resultados de esto se reflejaron en las pantallas:

En Warner las caricaturas de Chuck Jones llegaban a un punto de mediocridad que nunca antes había sido igualado en la historia de la animación. Irónicamente, a pesar de que Jones producía un número considerable de caricaturas de mala calidad (ocasionalmente crueles y violentas), mucho de su trabajo de la década de los 50’s se convirtió en clásicos: las series del Correcaminos, las caricaturas de Bugs Bunny vs Daffy Duck y los clásicos: Duck Amuck, What’s Opera Doc?, Rabbit of Seville, Feed the Kitty, entre otras.

En MGM las caricaturas continuaban ganando premios en 1950. La serie de Tom y Jerry ganó dos Oscares más y la legendaria racha ganadora de Tex Avery continuó hasta que el estudio cerró su división de animación en 1955 debido a los altos costos de producción.

A las caricaturas de Paramount tampoco les fue muy bien. Las caricaturas de Famous Studio experimentó un rápido decline en sus caricaturas de finales de los 40’s tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, así que sus caricaturas se volvieron dependientes a las fórmulas de violencia. 1950 vio la introducción de Gasparín, el Fantasma Amigable y Herman and Katnip, mientras que incluso Popeye el Marino perdía mucha de su popularidad y creatividad. Todo esto ocasionó que las caricaturas de Paramount se hundieran al grado de volverse caricaturas de relleno para las salas cinematográficas.

Por otro lado, la industria hermana de la animación, Stop Motion, alcanzó la cima de su popularidad en 1950. La creciente popularidad de los filmes de Ciencia Ficción llevó a un exponencial desarrollo de los efectos especiales y el animador George Pál se convirtió en una

figura importante en esta rama. Mientras tanto, el trabajo de Ray Harryhausen en películas como Earth vs the Flying Saucers, The Seventh Voyage of Sinbad y The Beast from 20,000 Fathoms fomentó el desarrollo de efectos especiales “realistas” para los filmes. Estos efectos usaban muchas de las técnicas utilizadas en la animación por celdas, pero aun así las dos industrias no se unieron.

Stop Motion se desarrolló al punto que los efectos de Douglas Trumbull en 2001: A Space Odyssey(1968) se veían reales.

Los efectos especiales de Hollywood siguieron desarrollándose de manera que evitaban la animación por celdas a toda costa, aunque algunas secuencias de animación memorables fueron incluidas en algunos filmes7. Pero a excepción de estas escenas ocasionales, la única integración real de la animación por celdas8 en los filmes de “carne y hueso” fue en la animación de los créditos y secuencias de títulos. Las secuencias de entrada de Saul Bass para las películas de Alfred Hitchcock (incluyendo Vertigo, Noth by Nothwest y Psycho) fueron legendarias. De la misma manera, la secuencia de entrada de The Pink Panther fue tan popular que provocó la creación de la serie de caricaturas basadas en el personaje del mismo nombre.

El estudio de animación de Walt Disney contribuyó con los efectos especiales de la película Forbidden Planet, pero sólo fue una excepción a la norma de sus trabajos durante esta década.Las películas de animación de Disney seguían atrayendo multitudes en la década de los 50’s. Tras una serie de películas a finales de los 40’s que realmente eran colecciones de pequeñas caricaturas unidas, el estudio vio el regreso de una fórmula exitosa: la adaptación de cuentos de hadas a la animación. Disney produjo varios filmes clásicos durante esta época: La Dama y el Vagabundo, Peter Pan, 101 Dálmatas, Cenicienta y la Bella Durmiente, aunque incluso Disney encontró imposible reproducir el increíble realismo de Fantasia y Pinocho. 101 Dálmatas fue un experimento en la estilización de las técnicas de animación siguiendo los pasos de UPA. Si Disney regresaba a la fórmula de los cuentos de hadas y no tomaba riesgos como lo había hecho en el pasado, era porque la compañía había incursado en la creación de filmes de carne y hueso y en la creación de su parque temático Disneylandia. Esto probó ser un gran movimiento, pues permitió a Disney hacer una éxitosa transición al nuevo medio de la televisión, un medio que cambiaría a la animación para siempre.

Caricaturas en la TV

Desde el principio, las caricaturas no eran hechas para los niños, de hecho, en la Era de Oro contenían humor sugestivo y temas maduros, no obstante los dueños de los cinemas o exhibidores siempre las vieron como “entretenimiento infantil”. Este modo de pensar prevaleció cuando el nuevo medio de comunicación, la televisión, comenzó a mostrar caricaturas a finales de la década de los 40’s.

7 La más famosa de estas escenas fue durante la película Anchors Aweight, donde el actor Gene Kelly bailaba con un animado Jerry Mouse, personaje sacado de la fama de Tom y Jerry.8 Técnica llamada también Stop Motion utilizada para añadir efectos espciales a las películas “de carne y hueso” por medio de varoias celdas que al ser reemplazadas unas por otras daban efecto de movimiento. Dicha técnica se volvió famosa en 1933 con la película Donkey Kong.

Una de las primeras imágenes en ser transmitida fue Félix el Gato. La TV se convertía en todo un fenómeno y comenzó a atraer a las audiencias y a su vez, las alejaba de las salas cinematográficas. Por otro lado, muchos de los shows infantiles de televisión incluían las caricaturas de los 20’s y 30’s en sus horarios. Paul Terry, productor de caricaturas, vendió los derechos de todas las caricaturas Terrytoons a la televisión y se retiró del negocio en 1950. Esto garantizó una larga vida a personajes como Mighty Mouse y Heckle and Jeckle, cuyas caricaturas fueron sindicalizadas y estuvieron al aire por los siguientes 30 o 40 años.

Walt Disney también invirtió en la televisión con sus propias series semanales llamadas: Disneylandia. Este show, que era esencialmente un comercial semanal de media hora, popularizó su nuevo parque temático del mismo nombre.

Sin embargo, el primer estudio importante que produjo caricaturas hechas especialmente para la televisión fue Hanna-Barbera Productions. Cuando MGM cerró su estudio de animación en 1955, Hanna-Barbera comenzó a producir caricaturas directamente para la televisión, encontrando una audiencia perfecta en la “Hora Familiar”.

La primera serie animada de Hanna-Barbera que gozó de un horario estelar fue The Ruff & Reddy Show en 1957, seguido por Huckleberry Hound en 1958, pero no fue hasta en 1960 cuando el estudio anotó uno de sus más grandes éxitos: Los Picapiedra. Esta fue de las primeras caricaturas de media hora de duración y, como sus predecesoras, también se transmitió en horario estelar, cuando toda la familia miraba la televisión. Los Picapiedra fue la primera de varias exitosas series que el estudio Hanna-Barbera logró crear. Entre ellas destaca la aclamada Las Aventuras de Jonny Quest, considerada el mejor trabajo de este dúo. Sin embargo, las caricaturas en horario estelar comenzaron a perder rating ante las series televisivas y Hanna-Barbera tuvieron que enfocar sus esfuerzos al creciente mercado de las caricaturas de los sábados por la mañana.

Uno de los problemas de producir caricaturas para televisión era la extrema labor necesaria para llevar a cabo el intensivo proceso de animación. Mientras que los cortos animados para cine se producían en ciclos de 6 o más meses, la televisión necesitaba sesiones de 10 a 20 episodios de media hora por año. Esto llevó a la creación de técnicas para agilizar los procesos de producción, entre ellas la “Animación Limitada”9 que fue muy utilizada para crear animaciones de bajo presupuesto.

Por todo lo anterior, la producción masiva de caricaturas para televisión llevó a un rápido decremento en la calidad de animación, lo que provocó que para 1960 las caricaturas se hubieran hundido a un nivel avergonzante.

9 Proceso de animación que no persigue un enfoque realista. Este proceso crea una imagen usando arte abstracto, simbolismo y movimiento limitado para crear el mismo efecto que la animación real, pero con un costo más bajo. Este estilo de animación depende más en la suspensión del modo tradicional de contar la historia, aquí la historia existe más en la imaginación del espectador que en la misma película. Se dice que es una animación de poca calidad puesto que permite la duplicación de celdas, disminuyendo como resultado el número de cuadros por segundo, así en vez de tener 24 cuadros diferentes por segundo para dar una animación “real”, la animación limitada puede tener hasta 12 cuadros por segundo, causando un animación cortada o a saltos, pero bajando considerablemente los costos de producción.

UPA fue una de las primeras víctimas del mercado de animación de TV. La calidad de sus caricaturas para cine se había disminuido desde que John Hubley abandonara el estudio, por lo cual UPA tuvo que irse a la televisión para poder mantenerse, decisión que resultó ser la muerte del estudio: Las dos series de UPA para televisión Mister Magoo y Dick Tracy tuvieron una calidad pésima, y aunque aún mantenían algo de su facilidad visual que en su momento había sorprendido a la industria, la horrible calidad tanto en la animación como en la trama de sus historias acabó por alejar al público y condenar al estudio. UPA abandonó la industria de la animación por completo en 1960.

Mientras todos los estudios importantes tenían dificultades al adaptarse a los rigores de la animación por TV, un nuevo estudio apareció y prosperó en donde los demás estaban fracasando. El estudio de Jay Ward, productor de la serie The Rocky and Bullwinkle Show, tomó ventaja de las necesidades de la animación limitada y tuvo como resultado una serie de caricaturas que compensaba su falta de increíbles efectos visuales con un inteligente guión, diálogos humorísticos y una actitud sarcástica y “en onda” que interesó a la nueva cultura de los 60’s.

La Caída de la Animación

1960 vio la caída de toda la industria de la animación cuyo efecto duró por los siguientes 20 años. Las creaciones animadas de los estudios de Hollywood parecían haberse contagiado de una apatía que llevó a un decline en la calidad de la industria. La creatividad y la originalidad dejaron de existir a tal grado que las animaciones de calidad eran hechas por estudios pequeños e independientes o por otros países.

En 1961, Walt Disney ayudó a establecer el Instituto de Artes de California. LA fundación del instituto fue tanto un gesto filantrópico como una sabia inversión de Disney, ya que la escuela le proveería mucho talento creativo en los años siguientes. De hecho CalArts y otras instituciones afines tendrían un papel muy importante en el renacimiento de la animación en 1990.

Mientras tanto y aunque los filmes de Disney de los 60´s (Mary Poppins y The Jungle Book) aun generaban grandes ingresos para el estudio, el imperio sufrió uno de los peores golpes de su historia: Walt Disney fallece por cáncer en el pulmón en 1967. La Compañía Disney se tambaleaba al no encontrar una dirección a la cual moverse tras la muerte de su creador y sus películas, tanto las de carne y hueso como las de animación, sufrieron como resultado.

Mientras el estudio trataba de mantenerse fiel a sus ideales (preguntándose siempre “¿Qué es lo que Walt haría?”) sus siguientes filmes Los Aristogatos y Robin Hood no fueron sino sombras de lo que alguna vez fue la empresa.

Warner Bros, por su parte, cerró sus estudios de animación completamente y los directores de Termite Terrace siguieron sus propios caminos. Friz Freleng fue cofundador de DePatie-Freleng Enterprises, y la compañía entró al mercado de la animación por TV con varias series de caricaturas para las mañanas de los sábados, las cuales se perdieron entre el gigantesco número

de caricaturas contra las cuales competían. Freleng produjo varias de las caricaturas de La Pantera Rosa en 1960.

Chuck Jones, por otro lado, se negó a sacrificar la calidad de la animación. Su propia compañía, Tower 12 Productions, trabajó con MGM en las series de Tom y Jerry en 1960, pero sólo obtuvieron resultados mediocres. Jones comenzó a producir algunos especiales animados de alta calidad, los cuales no necesitaban la producción de vastos números de episodios. Su especial más famoso fue How the Grinch Stole Christmas!, una adaptación de la historia de Dr Seuss que se volvería un inolvidable clásico navideño. Jones también produjo 3 adaptaciones animadas de historias cortas de Rudyard Kipling y el largometraje titulado The Phantom Tollbooth.

La animación más exitosa de 1960 fue Yellow Submarine, cuyo director, George Dunning, era un animador independiente que no salió del rígido sistema de animación de Hollywood. Pero aparte de este filme, la animación de alta calidad estaba en peligro de convertirse en un arte perdido. La industria se había estancado y necesitaba un cambio, y el intento más prominente en traer dicho cambio vino de otro joven e independiente director: Ralph Bakshi.

Moviéndose a los filmes de animación después de tratar de salvar al estudio de animación de Famous Studios de ser cerrado por Paramount, Bakshi impactó a las audiencias tras producir el primer filme animado pornográfico, Fritz the Cat. La película fue un éxito instantáneo e inspiró a Bakshi a producir varios filmes animados (no necesariamente pornográficos) dirigidos al público adulto en lugar de al infantil, siendo el más famoso de estos filmes una ambiciosa adaptación animada de El Señor de los Anillos. Pero a pesar de las críticas de aceptación hacia sus películas, éstas no lograron tener un gran impacto en Hollywood. Al ver esto pocos animadores y estudios se atrevieron a seguir los pasos de Bakshi y cuando la calidad de sus caricaturas disminuyó la influencia de Bakshi se extinguió.

Algunos otros intentos se hicieron para revolucionar las películas animadas en 1970, pero a pesar de los esfuerzos puestos en filmes como Watership Down, Heavy Metal y Los Rescatadores de Disney, el género de la animación descendió a abismos de los que no podía escapar.

Comercialización y Contracultura

En este tiempo en donde la industria de la animación parecía no poder sobreponerse y recuperar su antigua gloria, la televisión, quien fue la responsable de comenzar el decline de este arte, irónicamente fue quien le dio una nueva esperanza: Los Sábados por la mañana.

La animación en televisión se centró exclusivamente en los niños, la tradición infantil de levantarse temprano para ver las caricaturas del sábado por la mañana se convirtió en una especie de ritual para millones de niños, y los canales de televisión estaban contentos de transmitir bloques de caricaturas de varias horas de duración. Las caricaturas tenían malos guiones y una pobre animación, pero a los niños parecía no importarles. Hanna-Barbera Productions se convirtió en el líder en la producción de caricaturas para niños.

A pesar de la competencia como Filmation Studios (Fat Albert y Archie) y DePatie-Freleng Enterprises (La Pantera Rosa), Hanna-Barbera logró desarrollar un monopolio de caricaturas en

1970, lo que llevó a un decline en la calidad de las caricaturas del sábado por la mañana. No había ningún incentivo para Hanna-Barbera para producir animación de alta calidad puesto que cada vez que un show era cancelado era cambiado inmediatamente por un show Hanna-Barbera sin importar si la calidad de esta era menor al show cancelado.

Los únicos esfuerzos sobresalientes en crear animación original y de calidad para televisión en el periodo de 1960 a 1980 vinieron de los especiales de TV de horario estelar. Estas caricaturas de 1 sólo capítulo aparecían en horario estelar, lo cual las obligaba a estar dirigidas a niños y adultos y a obtener ratings mayores a sus contrapartes de los sábados y días entre semana. CBS, en particular, permitió transmitir en su canal un gran número de especiales animados, los cuales se convirtieron en clásicos. Ejemplos de esto fue Rudolph the Red-Nose Reindeer de los estudios Rankin-Bass y la serie de Peanuts de Bill Melendez, la cual ganó varios premios.

Pero la verdadera creatividad dentro de la animación vino de animadores independientes que produjeron cortometrajes animados independientes que raramente fueron vistos fuera del género “Art House”. Mientras los estudios de Hollywood desaparecían varios productores independientes continuaron haciendo experimentos, filmes animados artísticos que exploraban nuevos territorios dentro de la animación. Cortos como The Critic, Bambi Meets Godzilla, Lupo de Butcher y muchos otros fueron desconocidos para la audiencia en general, sin embargo dichos filmes ayudaron a mantener vivo el Premio de la Academia a Cortometraje de Animación, además de introducir nuevos nombres a la industria de la animación, nombres que traerían el cambio necesario a la industria en 1980.

Durante 1980 se cambiaron las regulaciones de la televisión haciendo al medio más flexible, entre las normas que cambiaron más importantes fue el hecho de que los programas de televisión ya no deberían considerarse educativos.

Empresas de juguetes tomaron ventaja de esta situación y la primera mitad de esta década vio la introducción de toda una ola de caricaturas basadas en juguetes que fueron ampliamente criticadas por ser sólo comerciales de 30 minutos sobre los juguetes que caricaturas en sí mismas. Entre estas caricaturas se incluyen: G.I. Joe, Transformers, Ositos Cariñositos, Pac Man entre otras. Y aunque criticadas por estar pésimamente escritas y con pobre animación, fueron un increíble hit dentro del público infantil, además de ser las primeras caricaturas en realmente amenazar el mercado de Hanna-Barbera.

En 1981 Friz Freleng se retira y el estudio de DePatie-Freleng Enterprises se vendió a Marvel Comics y continuó bajo su liderazgo como Marvel Productions Limited. Este nuevo estudio se centró casi exclusivamente en mercadotecnia de juguetes creando un nuevo nicho de mercado entre audiencias jóvenes. A pesar de la poca calidad, las caricaturas de Marvel Productions (especialmente G.I. Joe y Transformers) ofrecieron un cambio a la trillada fórmula de Hanna-Barbera.

En este periodo de apertura, otros países comenzaron a exportar sus caricaturas. En Europa detacó el italiano Bruno Bozzetto con Allegro non troppo así como la animación El Planeta Salvaje de Réne Laloux. Pos su parte, Europa del Este, aportó el trabajo de los herederos de Jiri Trnka quienes produjeron desde series de televisión para niños hasta cortometrajes artísticos

oscuros y radicales. Jan Svankmajer destacó también por la utilización del Stop Motion y la plastilina para crear escalofriantes mundos surrealistas.

Sin embargo ningún país causaría tanto impacto a largo plazo como Japón. La salida de Astroboy del país del sol naciente introdujo en occidente el género Anime, el cual daba un modo diferente de animación en donde las historias eran más elaboradas, al igual que los personajes; los dibujos eran totalmente diferentes a lo que el público estaba acostumbrado y los episodios generalmente iban hilados en vez de ser independientes uno del otro. Quizá la principal característica era el estrecho vínculo que tenían con el manga (palabra japonesa que designa a los comics). Los animes más populares fueron: Astroboy y Speed Racer en 1960; Battle of the Planets y Star Blazers en 1970 y Voltron y Robotech en 1980.

Como regla, las series importadas eran fuertemente censuradas para ajustarse a las normas infantiles, pero Robotech fue la excepción. Aunque el impacto del arte del anime en Norte América fue mínimo por décadas, las distintiva naturaleza de las series japonesas crearon grupos de culto, fanáticos y seguidores que crecieron gradualmente desde la llegada de Astroboy hasta que, en 1980, Robotech, con su compleja historia y franca representación de violencia, abrió el terreno para lo que sería el boom del anime en los años 90’s.

1980 también vio el nacimiento de la industria del video musical, lidereada por MTV. De la experimentación artística en estos pequeños cortos generalmente resultaban exuberantes y creativas secuencias animadas que les recordaron a las audiencias el potencial de la industria y no sólo los mediocres trabajos de las caricaturas de los sábados por la mañana. Algunos de los videos más memorables que se crearon esta etapa fueron: Take On Me de A-Ha, Sledgehammer de Peter Gabriel, Money for Nothing de Dire Straits y Harlem Shuffle de The Rolling Stones (video cuya animación fue dirigida por Ralph Bakshi).

De 1988 al Presente

El Regreso de Disney

A mediados de los 80’s la industria de animación americana había llegado a un estado decrépito. Los comerciales de juguetes disfrazados de entretenimiento dominaban los shows vespertinos de caricaturas como las mañanas de los sábados por la mañana y las únicas animaciones originales venían de pequeñas caricaturas independientes. Los filmes animados aparecían ocasionalmente en carteleras, pero la gloria de los viejos días había desaparecido. Incluso el grandioso Disney, quien a penas había salido airoso de un intento de que se adueñaran de su corporación, estaba considerando abandonar la producción de largometrajes animados.

No obstante, los fanáticos de los filmes, audiencias, críticos y animadores fueron tomados por sorpresa cuando el tan esperado “Renacimiento” de la animación comenzó en el más antiguo, conservador y principal productor de caricaturas: Disney.

Tras los problemas que la compañía tuvo en 1980, el nuevo jefe Michael Eisner logró darle la estabilidad que necesitaba al devolverla a sus raíces y revitalizar sus estudios de películas. Con gran entusiasmo de los fans en 1988 la compañía colaboró con Steven Spielberg para producir la

película Who Framed Roger Rabbit, dirigida por Robert Zemeckis. La película fue un hit total y proveyó el empuje que tan desesperadamente necesitaba la industria de la animación. Roger Rabbit no sólo dio a Disney increíbles cantidades de dinero, sino también encendió la chispa de la popularización de los clásicos animados que duraría hasta nuestros días. Fue en este tiempo cuando la historia de la animación fue sujeta de profundos estudios e investigaciones y ciertas viejas leyendas dentro del negocio como Chuck Jones y Friz Freleng se volvieron el centro de atención, siendo aclamados tras décadas de ser virtualmente ignorados tanto por el público como por profesionales de la industria.

Tras Who Framed Roger Rabbit, Disney siguió con The Little Mermaid, la primera de una serie de nuevos filmes animados que parecía recapturar la magia de los años dorados del propio Walt Disney. El estudio invirtió grandemente en la nueva tecnología de animación por computadora para mejorar sus técnicas, produciendo extravagancias como The Beauty and the Beast y Aladdin que no sólo atrajeron al público a las salas cinematográficas como no se había visto en décadas, sino que proveían un festín visual que no se igualaba desde 1940. La cima del éxito de Disney se dio en 1994 con The Lion King, superando las expectativas del estudio al volverse una de las más exitosas películas de todos los tiempos.

Disney también se abrió paso por la tan negada área televisiva con series animadas. Con el éxito de su serie de caricaturas The New Adventures of Winnie the Pooh al igual que con The Gummi Bears y DuckTales, Disney se convirtió en una marca para las caricaturas de TV. DuckTales fue la primera serie animada de TV a la que se le invirtió grandes cantidades de dinero y demostró ser redituable al ser sindicalizada y tener varias repeticiones, demostrando que la animación de alta calidad para la TV era viable. Lo que provocó la creación de varias series animadas exitosas durante los 90’s siendo Gargoyles el proyecto más ambicioso y artístico de Disney.

Spielberg y Warner Bros

Pero mientras Disney estaba trayendo nueva vida al estado de la animación, a su vez, Steven Spielberg estaba haciendo sus propios intentos. Como fanático de la animación de toda su vida, Spielberg también estaba interesado en producir animación de alta calidad, por lo que trabajó con Don Bluth para producir An American Tail. El éxito de esta película y la siguiente película de Bluth, The Land Before Time hizo que Hollywood se diera cuenta que Disney no era el único que podía hacer filmes animados redituables. Por lo que los otros estudios Hollywoodenses comenzaron a producir sus propios filmes animados, aunque volvieron a caer en el error de tratar de imitar a Disney.

Mientras tanto, Spielberg incursó en la animación para TV trabajando en el estudio de Warner Bros produciendo Tiny Toons Adventures, serie animada de alta calidad que hacia homenaje a las grandes caricaturas de Warner Bros y Termite Terrace. Tiny Toons fue tan popular en las audiencias jóvenes que animó a Warner a reabrir sus estudios y volver a ser un contendiente en el campo de las caricaturas animadas. Tras Tiny Toon, Spielberg siguió con Animaniacs and Batman: The animated Series, esta última no sólo atrajo al público infantil sino que recapturo a los viejos espectadores quienes ya eran jóvenes o adultos.

Animación para Adultos

Los 90’s vieron los comienzos de una nueva ola de series animadas dirigidas principalmente para los adultos. Los Simpsons, basados en pequeños segmentos animados del The Tracy Ullman Show, fue la primera caricatura en horario que logró recaudar una considerable cantidad de audiencia, cosa que no sucedía desde los Picapiedra. Los Simpsons fue el primer gran éxito del canal Fox, causando tal sensación que se volvieron parte de la cultura popular y una aceptación mundial.

Dentro de todo el movimiento de la resurrección de las caricaturas hubo un extraño y experimental movimiento. En 1989, dentro de un festival de cortometrajes animados organizado por Craig “Spike” Decker y Mike Gribble en San Diego, se presentaron dentro de las salas cinematográficas trabajos de estudiantes del California Institute of the Arts al igual que trabajos experimentales hechos por el National Film Board of Canada. Dentro de estos cortos se incluyó el trabajo de John Lasseter, Nick Park y el primer trabajo de Mike Judge, un corto titulado Frog Baseball que fue la primera aparición de sus conocidos personajes Beavis and Butthead.

El festival gradualmente se convirtió en una exhibición de animaciones “torcidas y enfermas”, convirtiéndose en un movimiento “underground” de humor para adultos y material subjetivo. Al aparecer cada vez más animaciones extremas y subjetivas, la nueva corriente comenzó a influir en las caricaturas para TV llevándolas a un territorio más frenético y escatológico ejemplificado en programas como The Tick y Duckman

Otros canales de TV también experimentaron con animaciones para adultos. MTV produjo varias series animadas para adolescentes, incluyendo Liquid Television y Beavis and Butthead. Incluso USA Network fundó un culto de seguidores fanáticos de Duckman. Pero la serie animada para adultos más exitosa de la década de los 90’s fue South Park, la cual comenzó en 1996 como una caricatura de internet pirateada.

En 1994, Cartoon Network aceptó incluir dentro de su programación el título Space Ghost Coast to Coast. Con un particular giro postmoderno, el show mostraba entrevistas a celebridades reales mezcladas con celdas de animación recicladas de la caricatura original Space Ghost. La serie volvió a darle valor a las producciones de Hanna-Barbera, que ahora eran propiedad de Cartoon Network

Por otro lado la animación independiente también comenzó a beneficiarse de las nuevas tecnologías digitales. Cualquier artista con los suficientes conocimientos y habilidades técnicas podía explorar nuevos estilos y formas con una libertad mucho mayor. Las habilidades tradicionales de animación como el dibujo y entintado comenzaban a hacerse a un lado para dejar paso a la manipulación digital que permitían nuevas y más agresivas formas de animación.

En adición a todos estos nuevos programas, las caricaturas japonesas o anime, quienes habían comenzado a gustar en 1980 con Robotech, se estaban convirtiendo en todo un fenómeno. El creciente mercado del anime alimentaba a adolescentes y universitarios con gran número de caricaturas japonesas traducidas al inglés. Lo que en un principio era difícil de encontrar, ahora

el anime se podía conseguir en cualquier parte, y debido a que la animación ocupa un lugar muy importante dentro de la cultura nipona, los temas tratados por éstas iban de temas infantiles a pornografía gráfica y violencia extrema.

La Caída de la Mañana del Sábado

Tras casi dejar de existir, la industria de la animación estaba cobrando tanta popularidad que se estaba utilizando no sólo para películas o simples caricaturas de 30 minutos, sin para comerciales, videos musicales y videojuegos. Tal era la fama que estaban logrando que nuevos y pequeños estudios emergieron para competir en el mercado.

Varios de ellos quisieron competir contra Hanna-Barbera Productions y su monopolio de caricaturas para los sábados por la mañana. La competencia se hizo tan dura que Hanna-Barbera no pudo soportar la presión: nuevas y nuevas caricaturas de gran calidad salían a hacerles frente y ellos sólo hacían intentos por actualizar sus antiguos éxitos: A Pup Named Scooby-Doo y C.O.W. boys of Moo Mesa, los cuales no podían competir contra shows de Fox Kids Network y el nuevo canal de Warner Bros WB Network. Hanna-Barbera fue dejado atrás y fue comprado por Turner Broadcasting.

No sólo Hanna-Barbera tuvo problemas en adaptarse al nuevo boom de la animación. Las “Tres Grandes” (ABC, NBC y CBS) también descubrieron que sus antes leales audiencias se iban a otros canales tales como Nickelodeon, Disney Channel y Cartoon Network. Los videojuegos y películas disponibles en video también cambiaron el mercado al punto de que NBC abandonó su transmisión de caricaturas y ABC fue comprado por Disney, quien transformó su horario matutino de los sábados en una “mañana Disney”, una barra donde únicamente se transmitían caricaturas de la compañía.

Ahora era la oportunidad de los canales de televisión por cable, quienes comenzaban a obtener grandes éxitos: Nickelodeon dio vida a Ren and Stimpy, Rugrats y Spongebob Squarepants; Time Warner, los nuevos dueños de Hanna-Barbera, se centraron en el desarrollo de nuevas caricaturas para Cartoon Network dando nacimiento a una nueva generación de caricaturas de Hanna-Barbera como Dexter’s Laboratory y The Powerpuff Girls.

Sin embargo no toda pieza de animación llevaba al éxito, los filmes animados de Disney comenzaban a perder calidad a finales de los 90’s tras la salida de Jeff Katzenberg quien dejó Disney para formar el estudio Dreamworks junto con Steven Spielberg y David Geffen. De la misma manera, los filmes animados que salieron en los 90’s que trataban de imitar a Disney (principalmente producidos por 20th Century Fox y Warner Bros) fracasaron, al igual que en 1930 y 1940, en capturar la audiencia ya capturada por la industria de Mickey Mouse. Warner en particular tuvo una racha de fracasos en sus películas animadas: Cats Dont Dance, Quest for Camelot y The Iron Giant, esta última gran aclamada por la crítica, pero ignorada por el público. Warner también intentó recrear el éxito de Roger Rabbit con Space Jam, una película que combinaba la popularidad de Bugs Bunny y los Looney Tunes con la superestrella de Basketball Michael Jordan.

La tendencia de la mercadotecnia dirigida a los niños continuó durante los finales de los 90’s aunque no a niveles tan grandes como a principios de la década. Esta mercadotecnia fue la culpable de dos fenómenos comerciales que dominaron los horarios de la barra de caricaturas entre semana: Mighty Morphin Power Rangers a mitades de los 90’s y Pokémon a finales de la década. Aunque la primera no era una serie de animación, Pokémon se erigió como un imperio mercadotécnico en el cual la caricatura no era sino otro más de sus productos.

El Nacimiento de la Animación por Computadora

No conformes con toda esta nueva ola de animaciones, una nueva rama dentro de la industria comenzó a tomar forma: la animación por computadora. En la década de 1990 se dio una exponencial mejora en el uso de tecnología computacional con el fin de realzar las secuencias animadas y los efectos especiales. Esta nueva forma de animación pronto dominó el área de efectos especiales en Hollywood (películas como Terminator 2, Judgement Day y Jurassic Park mostraron increíbles secuencias animadas nunca antes vistas), por lo que sólo era cuestión de tiempo en que aparecieran películas totalmente animadas por computadoras.

Una vez más Disney fue el líder en el área. Los animadores de Disney habían introducido poco a poco en sus películas secuencias animadas generadas por computadora desde the Beauty and the Beast en 1991. Una alfombra mágica, completamente animada por computadora, tuvo un papel importante en Aladdin y en 1995 Disney se asoció con Pixar para producir Toy Story, el primer largometraje generado totalmente por computadora. La película fue un éxito total y creo que varios estudios Hollywoodenses le siguieran los pasos produciendo sus propias películas CGI.10

Tal vez por que fue desarrollada primero como un método para crear efectos especiales, la animación por computadora no fue vista como “entretenimiento infantil”. Tras décadas de existir como relacionadas pero independientes industrias, la animación y los efectos especiales se unieron por fin debido a la popularización de los efectos computarizados, al grado de ser para Hollywood como una segunda naturaleza para sus películas.

Los mejores efectos especiales eran frecuentemente tan sutiles que pasaban desapercibidos. La ganadora del Oscar a mejor película, Forrest Gump (1994) dependió grandemente en efectos especiales generados por computadora para crear la ilusión de realismo, como la escena en la que Tom Hanks le da la mano al presidente John F Kenedy. Otra película que usó imágenes computacionales durante casi sus tres horas de duración fue Titanic, lo cual logró crear un nivel de realismo que ayudo a la película a convertirse en uno de los más grandes éxitos taquilleros de todos los tiempos. La animación por computadora no tardó en desplazarse a otros medios y hacer incursiones en la TV. Rebot, una serie CGI transmitida las mañanas de los sábados, logró obtener un gran número de fans adultos, además fue la primera serie de CGI en televisión, seguida por Transformers, War Planets y Roughnecks. La calidad de la animación por computadora mejoraba considerablemente con cada serie, incluso series de carne y hueso (especialmente las de ciencia

10 Computer Generated Imagery, el término se aplica al campo de los gráficos generados por computadora, desde animación en 3D hasta efectos especiales.

ficción como Babylon 5) invirtieron en la producción CGI, logrando efectos especiales de bajo costo que sus predecesores solo podían soñar.

Otros estudios además de Disney también metieron mano en los filmes CGI, pero descubrieron que a pesar de sus esfuerzos sólo eran una mancha en la armadura del casi-monopolio de Disney en lo que a películas animadas se refiere. Mientras Antz y Small Soldiers de Dreamworks palidecieron ante A Bugs Life y Toy Sotry 2 de Disney-Pixar, el estudió logró obtener su primer gran éxito con Shrek en el 2001. El éxito de Shrek fue tal que incluso logró desbancar a la película de Disney Atlantis. Incluso 20th Century Fox logró obtener grandes ganancias al lanzar su película Ice Age en el 2002.

Pero la estrella de la revolución CGI fue sin duda Pixar. Aun antes de Toy Story, el estudio ya se había hecho de un nombre al producir cortometrajes animados ganadores de Oscares (Tin Toy); y cuando Disney trató de hacer su propia película CGI (Dinosaur) sin ayuda de Pixar, el resultado fue el fracaso.

A pesar de todo esto, la animación por computadora aun depende de los personajes estilizados de las caricaturas. 2001 vio el primer intento de crear un mundo completamente animado usando fotorealísticos actores humanos en Final Fantasy The Spirits Within, sin embargo la película no logró el éxito esperado.

Aunque las computadoras lograban crear personajes como Jar-Jar Binks para Star Wars o a Gollum para The Lord of the Rings, los cuales fueron ampliamente aceptados, aún no era el tiempo para los filmes completamente animados que mostraban actores humanos virtuales.

Los efectos especiales se incrementaron a tal punto que en el 2002 la película de ciencia ficción Star Wars: Attack of the Clones fue considerada por su director, George Lucas, como una película de animación en donde aparecían actores de carne y hueso. De hecho, los efectos CGI habían evolucionado tanto que era difícil identificarlos de los que era real, lo que llevó a que varias películas incluyeran personajes generados por computadora que interactuaran con los actores humanos.

Para el 2002, el uso de la animación por computadora, tanto para la pantalla grande como para la chica, se volvió tan exitosa que los estudios principales consideraron abandonar la animación tradicional y concentrarse sólo en la computarizada. Disney, una vez más parecía ser el que dirigiría todo el proceso pues, a pesar del éxito de Lilo & Stitch, el rotundo fracaso sufrido con Treasure Planet parecía asegurar algunos cambios y despidos en su estudio de animación. Las pérdidas de Disney se hicieron evidentes cuando el Oscar del 2002 a Mejor película animada fue para Spirited Away (Sen To Chihiro No Kamikakushi) de Hayao Miyazaki.

A finales de año Disney vendió todos los escritorios de dibujo para animación, mientras que Dreamworks anunció que abandonarían la animación tradicional y se concentrarían exclusivamente en filmes generados por computadoras a partir del 2003

Mientras que la animación de celdas seguirá siendo la norma para las caricaturas de TV en el futuro próximo, estudiantes de la historia de la animación aseguran que la era clásica de

animaciones dibujadas, que empezó con el filme de Disney Blanca Nieves, está llegando a su fin. Otros difieren de esta opinión argumentando que el moderado éxito de filmes animados por celdas como Brother Bear y el hecho de que Pixar se haya independizado de Disney y planee producir sus propias películas usando la animación tradicional, pueden revivir este arte.

Reconocimientos para la Animación

Para principios del siglo XXI la animación había sido tan ampliamente aceptada que The Academy of Motion Picture Arts and Sciences introdujo un nuevo Premio de la Academia para Mejor Película Animada. Los 2 mayores contendientes a este premio fueron 2 filmes CGI: Shrek y Monsters Inc. Siendo Shrek el ganador para sorpresa de varias compañías que se sorprendieron de ver a Disney perder el Oscar de un campo que había lidereado durante tanto tiempo. No obstante hubo objeciones de que el premio iba dirigido a filmes familiares puesto que el tercer nominado fue Jimmy Neutron en vez de ser Waking Life, un filme dirigido a público adulto.En 2002 el ganador fue Hayao Miyazaki con Spirited Away y en 2003 fue Pixar/Disney con Finding Nemo venciendo a The Triplets of Belleville de Francia y a Brohter Bear de Disney.También existen los Premios Annie, dirigidos por la Asociación Internacional de filmes de Animación (AssociationIinternationale du Film D'animation-Hollywood). Se realizan cada año en febrero y dan premios por logros en los campos de animación para películas y para TV.

La Animación en México

A pesar de que en los años terinta la animación ya estaba en su época de oro, en México apenas estaba en sus inicios. Los primeros intentos estuvieron a manos de Salvador Prueda quien creó Don Catarino. Prueda, al ser carrancista, se fue a los Angeles al ganar Àlvaro Obregon la presidencia, ahí aprendió la técnica de los dibujos animados y puso un estudio. Ahí trabajo en la cinta de Don Catarino y en la revista musical Goodrich Euzkadi, sin embargo ambas quedaron inconclusas y nunca se estrenaron. Posteriormente Prueda hizo la primera película sonora, antes de Santa, y trabajó con Arcady Boytler en La Mujer del Puerto.

Por tanto, las primeras películas de animación fueron los seis cortometrajes del Doctor Vergara realizados entre 1935 y 1938; historias que presentan desquiciadas situaciones que alcanzan matices de surrealismo: animales ebrios disparando balas en un baile y pericos buscando un tesoro en una pirámide llena de fantasmas

En los 40’s, Santiago Reachi, socio de Cantinflas en Posa Films, continuó con la labor de la animación en el estudio que fundó: Caricolor. Trajo a nuestro país dibujantes estadunidenses, quienes hicieron el cortometraje Pelón se va de Cacería, que se exhibió en algunas salas, aunque no se conserva la copia. En el estudio se trató de hacer más películas con éste y otros personajes, pero los animadores fueron reclutados para servir al ejército de su país en la Segunda Guerra Mundial.

Los profesionales mexicanos que aprendieron de esta experiencia comenzaron haciendo cortinillas y efectos especiales, y montaron la empresa Caricaturas Animadas de México. Intentaron realizar el primer trabajo cinematográfico de Los Supersabios (basado en la historieta

del mismo nombre) mas no lograron terminarla y se dedicaron a la publicidad. Entre ellos se encontraban Carlos Sandoval, Ernesto López, Claudio Baña, Ángel Zamarripa y Antonio Campuzano.

En 1951, Richard Tompkins, quien fue el primer gerente de los Estudios Churubusco, fue traído a México por la RKO de Estados Unidos y fundó, posteriormente, la empresa Dibujos Animados S.A que tenía convenios con Disney para hacer el doblaje de sus películas.

La compañía, que estaba muy ligada a Hollywood, realizó doce cortometrajes anticomunistas, patrocinados por Estados Unidos. Algunos fueron velados, otros más abiertos. Para esto, la compañía trajo animadores, dos cámaras, mesas de animación y equipo. Algunos de ellos habían trabajado con Disney y UPA. Desafortunadamente la mayoría de estos trabajos nunca se estrenaron y quedaron como copias en los Archivos Nacionales en Washington.

En 1956 y 1957, la compañía de Tompkins se dedicó a hacer publicidad, doblaje y fue muy importante para la época, pero nunca volvió a hacer animación. Ahí se formaron Arnulfo Rivera, Miguel García, Daniel Burgos, y todos los animadores que continuaron trabajando hasta la década de los años ochenta.

Ernesto Terrazas, quien diseñó a Pancho Pistolas de Los tres caballeros, se asoció con Tompkins y adaptó todas sus cintas anticomunistas. Él estuvo en Valmar, empresa que realizó El Cucaracho en 1958 y consiguió un contrato para hacer la maquila de la serie de dibujos animados Rocky & Bullwinkle (1959 a 1964), pues a la compañía le convenía por razones de costos. Posteriormente, Valmar se transformó en Gamma y consiguieron algunos otros contratos de maquila. Estas animaciones no se vieron en México y nunca se les dio crédito a los mexicanos.

Gamma desapareció y dejó en el aire a sus trabajadores cuando terminó la temporada de Rocky & Bullwinkle, por lo que se unieron y fundaron Producciones Animadas S.A. (PASA) hacia finales de la década de los 60’s. Ahí hicieron publicidad (de lo que han vivido, fundamentalmente, los animadores de nuestro país), cortinillas, créditos y maquila. PASA produjo una adaptación de Los supermachos de Rius y siguió con pilotos para una serie de Memín Pinguín que nunca cristalizó, además de adaptaciones de canciones de Cri-Cri.

A principios de la década de los 70’s, los hermanos César y Ángel Cantón, con una de las cámaras de Gamma, fundaron Kinemma, y realizaron la maquila de series como Los picapiedra, Josie y las melódicas y Los superamigos. Kinemma trabajó varios años con Hanna-Barbera y otras productoras.

Fue en esta década cuando comenzó la corta, pero existente, etapa de los largometrajes animados en México. Comenzó con Los Tres Reyes Magos (1974) de Fernando Ruiz y Adolfo López Portillo, primer largometraje de animación mexicano. Dos años después se realizó el segundo: Los supersabios, de Anuar Badín.

El tercer largometraje mexicano de animación, Roy del espacio, se estrenó en 1981 y duró sólo tres días en cartelera. La cinta más conocida, Katy la Oruga (1984), fue en su origen un proyecto

mexicano de Fernando Ruiz, pero finalmente fue realizada en España, al igual que la segunda parte de la película Katy, Kiky y Koko (1988).

Las aventuras de Oliver Twist, también de Ruiz, se comenzó en 1985 en cine, pero se terminó en video, único formato en que se exhibió este largometraje, distribuido en el sur de Estados Unidos. Éste sería, por mucho tiempo, el último largometraje de animación realizado en nuestro país.

El verdadero auge del cine de animación en México se dio en la década de 1990, con animadores como Carlos Carrera, Erick Beltrán, René Castillo, Ulises Guzmán, Dominique Jonard y Rigoberto Mora.

Gracias a El Héroe (1993), de Carlos Carrera, y a la Palma de Oro que recibió en el Festival de Cannes, se arribó a una nueva época de la animación mexicana. Desde entonces, el Imcine ha coproducido alrededor de 15 cortometrajes de animación, género que está mejor que nunca en nuestro país, si revisamos la calidad y la cantidad de la producción nacional, y los premios que ha recibido.

El cortometraje mexicano más exitoso es Hasta los Huesos (2002) de René Castillo. El corto de animación en plastilina, ha recibido alrededor de 50 premios internacionales, y continúa participando, en promedio, en cinco festivales de cine al año. Es la película mexicana de animación más conocida alrededor del mundo, después de El Héroe. Esta película, que narra la muerte de un hombre y su llegada al infierno, ha viajado a los festivales de animación más importantes del mundo, como Annecy, en Francia, en donde ganó los premios del jurado infantil y de la mejor ópera prima, así como una mención especial de la crítica internacional.

Aunque los cortometrajes mexicanos de animación iban por buen camino ganando premios y mejorando su calidad enormemente, la inexistencia de los largometrajes animados era una sombra que caía sobre la industria. Varios productores como René Castillo y Dominique Jonard intentaron producir el tan esperado largometraje, pero fracasaron.

No sería hasta el 2003 cuando México vería el tan ansiado largometraje animado: Magos y Gigantes, proveniente de Ánima Estudios. El filme, dirigido por Andrés Couturier, fue realizado con técnicas de animación en 2D en formato digital y hecho totalmente por computadora. Sin embargo, a pesar de todos los esfuerzos y las buenas críticas, la película sólo estuvo 1 semana en cartelera.

No obstante, Magos y Gigantes es un logro importante para la industria cinematografica en nuestro país pues abrió campo para la creación de nuevos largometrajes animados. Actualmente Anima Estudios se encuentra produciendo Imaginum y tiene planes para hacer una tercera película animada.