Héctor MorejónP1F2. ICP

HUMANICITY

Índice:

Objetivos

Palabras clave

Bocetos e ideas pervias

Trayectoria seguida

Mapa cartográfico

Hoja de Ruta

Contexto teórico-crítico

Posicionamiento personal

Materiales construidos

Presupuesto

Análisis personal

Análisis autocrítico

Otras consultas

... Lo que falta por venir

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Objetivos:

Humanicity nace para ver de una forma diferente las situaciones cotidianas, jugar con el espacio público y hacerlo más humano. Para conseguirlo, proyectamos retratos de personas de nuestro entorno en los lugares de transito de las ciudades.

Conseguir una mueca, una sonrisa o quizás un enfado seria algo con lo que nos encontraríamos más que satisfechos. Buscamos la espontaneidad, la sorpresa y la emoción.

La búsqueda de una sensación por encima de la belleza quiere encontrar en estas intervenciones artísticas la chispa ante lo inesperado(“algo que te quema por dentro” [1]).

Colocar a personas ajenas de la vida publica en espacios reservados para imágenes de marca, políticos…etc. busca reflexionar sobre la importancia del individuo en los entornos urbanos actuales, y como estos parecen estar deshabitados.

Las creaciones para este proyecto se caracteristizan por la utilización de elementos que no están hechos para perdurar, siendo documentados para no caer en el olvido y defendiendo la esfera pública por encima de lugares mitificados e impuestos para exponer las prácticas artísticas. Someter la obra a un juicio prematuro.

Buscamos la relación directa con el espectador, dejando de lado si el trabajo es valido o no para ser expuesto. Hacer que el observador ejerza la figura de curador de la exposición pudiendo respetarlo, arrancarlo, o incluso orinarlo (aunque alguno está un poco alto para esto último).

“Con el graffiti no expones en la galería Soledad Lorenzo, pero puedes exponer enfrente de Soledad Lorenzo y encima de Soledad Lorenzo” [2]. El arte no solo se encuentra en los museos y en las galerías importantes, sino que es un motor fundamental para el desarrollo de la vida urbana.

Humanicity busca poner en relación este proyecto con otros similares, destacar una cultura visual diferente, rompedora y contemporánea en contraposición a la presentada por los canales establecidos.

No olvidemos que se trata de divertirse, para nosotros el arte, y por consecuencia este proyecto, consiste en experimentar y aprender.

http://humanicity.blogspot.com/

[1] Beuys. Wikipedia. Cotejado el 14 de enero de 2012. http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys[2] Extracto de una entrevista en la revista MAN al artista urbano NEKO con motivo del reportaje “Bombardeo de arte urbano”, enero de 2012. B-40517-198

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Palabras clave:

1. Espacio público [3]. Defender los espacios de transito.

2. Información. Someter el proyecto a un estado público continuo y colocarlo en relación con proyectos similares para su desarrollo.

3. Cultura visual. Construcción de la imagen, lo que vemos cambia quienes somos.

4. Experimentación. Base del proyecto, ver de diferente manera y cambiar nuestra percepción de las cosas, ejercer de outsider para crear analogías.

5. Herencia. Ser conscientes de la existencia de ejercicios anteriores en la historia, estudiarlos y aprender de ellos.

6. Lo cotidiano (entorno). Utilizar los canales reservados para la publicidad y figuras públicas para proyectar en ellos personas anónimas o no, pero que tienen relación con nosotros.

7. Discurso colectivo. No se tratan de ejercicios aislados cargados cada uno de ellos de un simbolismo. Aunque todos tengan algo que contar la importancia esta en el conjunto de las intervenciones, carácter plural de la obra.

8. Outsider. Relectura, ver lo cotidiano con otros ojos.

9. Retrato. Posición del fotógrafo, utilizando la herramienta con la que mas cómodos nos encontramos, afrontar las intervenciones en el espacio público. Aunque no descartamos la utilización de otras técnicas.

10. Humanizar. Recuperar los espacios de transito que en la actualidad se han convertido en autopistas de autómatas.

11. Calor. Factor sorpresa, afrontar la obra de arte sin esperarla.

12. Escala y formato. Dejar de lado la sobrevaloración del aspecto técnico y la calidad para afrontar la composición desde sus necesidades. La utilización de la escala varia en función de las mismas, dando importancia al personaje o colocándolo como mero espectador.

[3] Marc Augé. “Los no lugares, espacios del anonimato. Una antropología de la sobremo-dernidad”. Gedisa, abril de 2008. ISBN 9788474324594.

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13. Efímero. Las obras no están hechas para perdurar, es espacio público a de ser utilizado por todos y para todos, por ello a de poder ser borrado fácilmente.

14. Publicidad. Contrapeso del proyecto, es el canal utilizado para presentar a nuestros personajes, haciendo uso del mismo espacio busca crear líneas de diálogo nuevas y vidireccionales.

15. Museo, marco. Buscar caminos distintos a los institucionales y preestablecidos, no se trata de luchar con ellos sino de generar rutas nuevas de experimentación, los trabajos no funcionan de la misma manera en las dos plataformas.

16. Multiplicidad. Discurso conjunto de las obras y herramienta para la construcción de las imágenes.

17. NO CERRADO. Es muy importante destacar que este proyecto esta concebido desde la practica, la experimentación y el desarrollo. Las obras se enfrentan a diferentes lugares, sometiendo el proyecto a una continua revisión.

Bocetos e ideas previas:

Al tratarse de un proyecto en continuo desarrollo, ningún camino se encuentra cerrado. Aunque las primeras inter-venciones llevadas a cabo en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, BBAA UCLM nos sirvieron para encarrilar las acciones y proyectarlo a los espacios urbanos, no se tratan de una línea cerrada, ya que posteriormente dieron lugar a una intervención en la Estación de tren de La Melgosa (Cuenca).

Estas primeras acciones fueron llevadas a cabo para poner en relación el proyecto, atar cabos y presentarlo en un lugar donde nos encontrábamos cómodos, donde podíamos preguntar cual era el mejor canal para su desarrollo a gente de nuestro entorno y jóvenes creadores que se encuentran en la misma posición que nosotros.

Trayectoria seguida:

No es que exista una descripción, explicación o investigación en los materiales que nos condujesen a la realización del proyecto, sino, es mas la suma de los trabajos realizados hasta la fecha los que nos llevan a Humanicity.

El trabajo se bifurca con cada paso que avanzamos, a nosotros nos gusta decir que no es un camino, sino, una rotonda donde hay múltiples salidas.

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Mapa cartográfico:

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Hoja de ruta:

Partiendo de la línea principal que es “Enmarcados” el proyecto comienza a tomar vida propia, obligándonos a generar diferentes rutas de acción. Algunas de ellas son:

“Enmarcados”: Este eje central es el que hemos utilizado para generar retratos con papel y cola. Se encuentra muy cercano a la práctica de colocar carteles utilizada por la publicidad, pero nosotros buscamos lugares específicos para cada inter-vención, haciendo visible, o no, a cada sujeto, interactuando con la ciudad y presentándose individualmente o en conjunto.

La pegada de carteles es una de las practicas más antiguas utilizadas para intervenir la esfera pública y dar a conocer información, nos parecía interesante abarcar la problemática de la deshumanización de la ciudad desde este sistema.

Algunas de las primeras imágenes utilizadas fueron rostros aplastados, que buscaban dar las primeras pinceladas del proyecto, reflexionando sobre el concepto de arte y como este es presentado. Nuestras imágenes se enfrentan a la situación de estar entre la espada y la pared, en este caso entre el cristal y la pared.

Es algo similar a lo ocurrido con el arte y la publicidad, donde no están bien definidos los limites y no se conoce exactamente quien mama de quien. Para nosotros, los dos se encuentran relacionados ya que nos nutrimos de ellos.

Haciendo analogías al marco y lo que esto acarrea las imágenes se encontraban encajonadas y aplastadas, pedimos a los modelos que se colocasen en la situación de estar ante ese hipotético cristal.

A pesar de que el resultado estético no fuera el esperado, esta línea discursiva continua activa, estando presente en posteriores intervenciones

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[4] Gerhard Righter. Wikiperia. Cotejado el 14 de enero de 2012. http://es.wikipedia.org/wiki/Gerhard_Richter

Otro tema tratado dentro de “Enmarcados” es el del desenfoque. Tomando como referente al pintor Gerhard Righter [4], buscamos retratar a personas ligeramente fuera de foco, como si su identidad siguiese borrosa, a veces se funden con el fondo haciéndonos dificultosa su identificación.

Dentro de un marco cotidiano, son claramente reconocibles, por su gesto, sus rasgos…etc. Pero se presentan al publico como un individuo desconocido, en un lugar extraño.

Con estas intervenciones también se busca reflexionar sobre la posición del individuo en las redes sociales y como este se expone a ellas, muchas veces presentando un personaje algo desligado a ellos mismos, es decir, fuera de enfoque.

“Enmarcados” en cada intervención busca separarse más de la publicidad, no buscamos imágenes idílicas, paisajes paradisíacos, ni estampas inolvidables. Solo se quiere conseguir retratar a personas cotidianas, que estas se sientan identificadas con su entorno y que a la vez puedan interactuar con las proyecciones públicas.

Algo que nos llamo mucho la atención es que al conocer los retratos que habían sido colocados en la calle, se buscaban, querían retratarse con esas imágenes. La sorpresa, la sonrisa, eran algunas de las inquietudes o logros con los que nos dábamos más que satisfechos. En ese aspecto han sido conseguidos.

“15x13”:

Se trata de uno de los caminos tomados en el proyecto para no estancarse. Al volver sobre lo pequeño, los trabajos se vuelven más ágiles y rápidos, pudiendo experimentar con mayor versatibilidad.

Con estas pequeñas intervenciones se busca descontextualizar al marco, pudiendo colocar el retrato en cualquier pared, eso si manteniendo la máxima de que se trata de observadores, como vigilantes, algo similar a un gran hermano

“Ladrillos”:

Esta ultima fase de experimentación nace de la relación entre el soporte y el individuo. El ladrillo es lo que construye a la sociedad, al igual que las personas son quien la habitan.

Utilizando una superficies muy extendida en la geografía española, buscamos humanizarla, darle n toque humano al ladrillo caravista.

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Contexto teórico-crítico:

Desde este proyecto, no creemos que un punto sea más importante que el anterior, aun así:

1. Lo publico frente a lo privado. Desde nuestro posicionamiento, pensamos que la esfera pública es un espacio a reconquistar. La necesidad de estos espacios de transito va mas allá de la mera función que representan como intercambiadores, ya que a nuestro parecer son un escaparate que se a perdido, un lugar de creación e intercambio que pensamos que no está siendo utilizado y que se a abandonado por la masificación de la publicidad [5, 6].

2. Los lugares de transito y lo cotidiano frente a los museos y los lugares específicos. La importancia de los “no lugares” (espacios de transito), pensamos que esta en contraposición directa con los lugares preestablecidos, el papel del museo se a convertido en un lugar de peregrinación. La importancia del camino, de la experiencia nos representa un mayor interés que la obra terminada, la presentación pública y aceptación en el contexto al que pertenece. Por ello destacar y trabajar sobre caminos, sendas, marañas de cables que se encuentra a lo largo del mapa urbano creado por estos Tótem. Luchar contra la arquitectura aséptica y deshumanizada, derrocar los muros de la arquitectura moderna [7, 8].

3. Lo cotidiano frente a la publicidad. A pesar de que nuestro proyecto no se concibe como una critica hacia nada, esta implícito que la publicad nos convierte en meros productos, el espacio urbano esta habitado por infinidad de lugares destinado a la sociedad del consumo y ninguno al arte. Lo cotidiano, a nuestro parecer, debería formar parte de aquello que habitamos, mas allá de marcas y esponsors para la vida [9].

4. La fotografía frente a la publicidad. Que la característica principal de la fotografía sea la de reflejar el mundo real a hecho que los anuncios la tomen y la expriman al máximo. En la sociedad de lo visual la fotografía a de revelarse contra el rol establecido y presentar su lado más artístico, sincero y personal. Defender el papel del fotógrafo como creador de ideas y conceptos por encima de productos e ideales [10, 11, 12].

5. La escala y el formato. Destacar lo cotidiano, maximizándolo (“Enmarcados”) o minimizándolo (“13x15”). A lo largo de la historia el cambio de escala ante lo cotidiano nos hace ver las cosas de forma diferente, llamándonos la atención y generando sorpresa, desagrado, enfado..etc. La forma de enfrentarnos a la misma información pero de una forma revisada nos fuera a ejercer la figura del Outsider [13, 14, 15].

[5] Marc Augé. “Los no lugares, espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad”. Gedisa, abril de 2008. ISBN 9788474324594.[6] Charles Baudelaire. “El pintor de la vida moderna”. Colección de arquitectura 30. ISBN 9788492017720.[7] Pruitt-Igoe St. Louis EEUU. Youtube, Charle Jencks. Cotejado el 14 de enero de 2012. http://wwww.youtube.com/watch?v=cd7VOz_Wstg [8] “Ciudad”. Catálogo PH05[9] RTVE. “Comprar, tirar, comprar”. Audiovisual.[10] Joan Fontcuberta. “El beso de Judas”. Editorial Gustavo Gili 1997. ISBN 9788425214806.[11] Susan Sontag. “Sobre la fotografía”. Editorial DeBolsillo. ISBN 9788483467794.[12] Oliviero Toscani. “Adiós a la publicidad”

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6. La multiplicidad. Igual que Nietzsche nos dice que “No hay hechos, solo hay interpretaciones” nosotros nos planteamos las intervenciones como múltiples, tanto por estar sujetas a diferentes lecturas por ocupar un lugar público como a nivel practico de realización. La utilización de múltiples páginas para la com-posición de una imagen nos hace reflejar que hay más de uno para componer un resultado. A la hora de “13x15” y “Ladrillos” la multiplicidad compone el discurso más allá de la historia singular detrás de cada retrato, todos nos miran para hacernos ver, no para contarnos su posición [16, 17].

7. El marco y la posición del arte. A nuestro parecer hay muchos símiles entre la publicidad y su forma de presentarse en los espacios urbanos con el concepto de marco en la historia del arte y la pintura. Para nosotros la utilización de este soporte la aplicamos como contraposición a los espacios publicitarios y por otra parte como símil a aquellos elementos arquitectónicos reutilizables o donde se pueden aplicar nuevos ejercicios. En cuanto a la construcción de las imágenes buscamos representar esa delgada línea que separa al arte de lo cotidiano, cual es la posición de la imagen actual que se encuentra entre la espada y la pared, en este caso entre la pared y el cristal [18, 19, 20, 21].

8. “La mesa camilla”. Nos parecía graciosa la relación que existía entre los marcos de madera utilizados hasta la fecha para “13x15” con la aglomeración de imágenes en las casas de las abuelas, algo muy cotidiano. En nuestra labor de expandir el habito y las costumbres a la esfera pública nos parecía un dato curioso y representativo de cómo lo privado se podía hacer público y viceversa, como de una forma no pensada esas fotos se presentaban al visitante de la casa a modo de trofeos y como cada marco plantado en la calle miraba al espectador desde las alturas. La aglomeración de imágenes (intervenciones) para el discurso y el desarrollo, como si se tratase del árbol genealógico del proyecto aunque este en vez de ramificarse desde un punto fuese como las raíces; horizontal y siempre en continuo crecimiento.

9. Experimentación. Aunque ya a sido citado anteriormente nos parece impórtate destacarlo como punto vital de nuestras intervenciones, Humanicity nace de la experimentación y el continuo aprendizaje, de la búsqueda de información, la contraposición con proyectos similares, del debate y de la personalización de cada concepto estudiado.

10. El calor, la sorpresa. Seria algo similar a lo descrito por Beuys en sus intervenciones, nosotros buscamos crear una emoción por encima de un concepto o un significado, podría decirse que queremos someter a la obra aun juicio prematuro. Aunque la obra de Beuys esta sujeta al rito también lo esta a la experiencia, como nosotros el presenta su entorno, lo que para el es cotidiano [22].

[13] Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen.[14] Roger Cardinal. “Outsider Art”[15] Jean Dubuffet y el concepto de Art Brut.[16] Friedrich Nietzsche. “Fragmentos póstumos, lenguaje y conocimiento”[17] Darin Mc Nabb. “El discurso posmoderno, hacia una lógica retótica”[18] Ana Mendieta. “Glass on body”[19] Chris Cunningham. “Rubber Johnny”. Audiovisual.[20] Jenny Saville. “Closed Contact”[21] Pipilotti Rist.[22] Ana Mariana. “El arte último del s.XX, del postmodernismo a lo cultural”

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11. La utilización del papel. Cuando nos planteamos este proyecto era de vital importancia que la técnica utilizada no fuese agresiva con el espacio que iba a ocupar. Al igual que el graffiti busca la marca, la huella nosotros buscamos la sorpresa. Lo efímero para dejar el espacio libre, la no agresión ante lo publico, utilizar la esfera pública teniendo en cuenta que es común.

12. Legal e ilegal, limites de las prácticas artísticas. El problema que nosotros encontramos en el arte urbano es que no existen lugares para las intervenciones donde estas sean presentadas de una forma natural. La búsqueda de espacios racionales y asépticos deshumanizan el entorno vetando la expre-sividad de aquellos que lo habitan, sometiendo lo humano a la arquitectura cuando es esta la que debería encontrarse al servicio de las relaciones humanas.

13. La sorpresa. Para nosotros se trata de un factor tan importante como la experimentación, todo proyecto busca una reacción, y en este seria encontrarte ante lo inesperado.

14. La persona como medicina de ella misma. Podría resumirse en porque utilizamos el retrato, para nosotros es la forma más efectiva para humanizar espacios. El concepto de mimesis y de reconocer una figura familiar, nosotros mismos.

15. Lo cotidiano y el recuerdo. “La mesa camilla” nos presentaba a la gente de nuestro entorno como algo superior, en cambio la utilización de la imagen para el recuerdo seria nuestra forma de racionalizar las experiencias humanas, buscar la necesidad de archivar. Todos tenemos un álbum de fotos, si “la mesa camilla” serian los trofeos, los retratos que estas paginas contienen serian nuestra herencia para no olvidar, la necesidad de documentar e informar.

16. Información: conexión, puesta en común, aprendizaje y conocimiento. Se trataría de otro de esos conceptos faraónicos para nuestro proyecto. A nuestro parecer hoy en día es de vital importancia la necesidad de dar a conocer tus evoluciones. En ver de editarlas y publicarlas a la finalización del proyecto nosotros defendemos el camino abierto y la puesta en común. Poner en situación nuestro desarrollo con proyectos similares y someterlo a continuo juicio tanto por la esfera artística y pública como por el representado en cada intervención.

17. Construcción de la imagen. A la hora de plantearnos cada intervención hay ciertos pasos que se han de cumplir, no se trata de la practica clásica del arte donde el pintor se enfrenta al cuadro, sino que nosotros partimos de una técnica como es la fotografía para transformarla y presentarla al espacio urbano. Defendemos la figura del fotógrafo como arquitecto del concepto y el oficio del artesano como interventor del espacio.

18. Espacio público. “Se llama espacio público al lugar donde cualquier persona tiene el derecho de circular, en oposición a los espacios privados, donde el paso puede ser restringido, generalmente por criterios de propiedad privada, reserva gubernamental u otros. Por tanto, espacio público es aquel espacio de propiedad pública, “dominio” y uso público” [23]. Cabe destacar en esta definición, que el espacio público se presenta para su uso, no se trata de lugares privados de la expresión artística, al contrario, tendría que ser el eje principal de los proyectos.

[23] Espacio público. Wikipedia. Cotejado el 14 de enero de 2012. http://es.wikipedia.org/wiki/Espacio_público

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19. Posición de la fotografía. Esta se encuentra sometida al juicio del fotógrafo, con ella el creador y compositor de la imagen tiene que tener la capacidad de seleccionar la correcta. Separarse de la idealización a la que la somete la publicidad.

20. Entender la imagen frente al gusto. No se busca una imagen bella, este concepto, desde nuestro entendimiento, es demasiado subjetivo y complicado. Nuestra posición es la de presentar un contenido más allá de juicios estéticos, experimentar y crear con la plástica de la imagen trabajando con los referentes de nuestro entorno.

21. Herederos de lo escrito. La cultura visual frente a la palabra. Un dicho popular expone muy bien este concepto: “Una imagen vale más que mil palabras”. Hoy en día la cultura visual nos obliga a presentar el contenido en forma de imágenes dejando atrás (por citar referentes de intervenciones en la esfera pública), los eslóganes de Mayo del 68 o la búsqueda de fama y reconocimiento de los primeros graffitis en los años 80. La imagen toma protagonismo por encima de cualquier contenido escrito que este lo respalde, por ello nosotros damos toda la carga a la imagen, para que esta suscite una reacción, y que posteriormente el espectador puede ahondar en cada imagen.

22. “Fuego interno”. El espacio geográfico japonés obliga a la vivencia del entorno, este concepto nos suscita la curiosidad de cómo los lugares han de ser utilizados para lo múltiple, como la ciudad podría generar calor y experiencias al mismo tiempo que construye espacios, crea relaciones y movimientos [24].

23. Lo público y lo anónimo. La forma de presentarnos ante la sociedad no es la misma que la que proyectamos en nuestro entorno, donde nos sentimos cómodos. La publicidad busca cada vez más que nos convirtamos en esos ideales de belleza que defiende el arte clásico y que tanto costó derrocar. Sacando lo anónimo a la esfera pública se busca romper los referentes para generar incertidumbre ,para no convertirnos en autómatas y moldes de un arquetipo.

24. Publicidad de lo privado (red social). La necesidad de convertir nuestra vida en escaparate, de dar datos privados a disposición pública hace presente nuestro proyecto, buscamos cuestionarnos la necesidad de información y como darla a conocer. Un desenfoque suscita curiosidad y a la vez crea esa mascara ante lo privado, hace vibrar a la imagen [25].

25. Destacar la figura cotidiana frente a la figura pública. Para nosotros este concepto nace de un cruce de intereses, ¿qué ocurre cuando una figura pública forma parte de tu entorno? A nuestra forma de entenderlo esta entra en el discurso plural y conjunto mas allá de la posible información que puede suscitar por ella misma. Pensamos que una imagen no tiene mas fuerza que otra por que el que aparezca en ella sea conocido o no, puede ser más mediática y ayudar en la divulgación del proyecto, pero no es esto lo que buscamos, de hecho entra en contraposición del discurso que realizamos. Tampoco somos poseedores del conocimiento de cada individuo, y mas dirigiéndoos a toda una sociedad, las personas son desconocidas en cierto ámbito, a una escala global los personajes públicos de nuestro entorno se diluyen, haciendo anecdótico su aparición en el proyecto.

26. Ensayo, prueba y error. Se trata de evolucionar, para ello es necesario equivocarse.

[24] Anish Kapoor y Arata Isozaki. Ark Nova, Higashi Nihon (Japón).[25] ] Gerhard Righter. Wikiperia. Cotejado el 14 de enero de 2012. http://es.wikipedia.org/wiki/Gerhard_Richter

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27. Lugares de transito frente a sitios de encuentro. Partiendo de la ciudad para recuperar y humanizar los espacios de transito, abandonados, etc. No buscamos destacar la perdida del lugar de encuentro sino del lugar de transito, rescatar la esencia del concepto de flâneur acuñado por Baudelaire, actualizándolo y revisándolo [26].

28. Efímero, la durabilidad de la obra. Ser consciente del deterioro de las intervenciones, tomando esto como parte activa del proyecto y siendo documentado en la medida de lo posible.

29. No cerrado. Aunque para cualquier proyecto existas fechas de entrega, el aprendizaje supone un grado en el desarrollo de nuestras obras. No podríamos llegar hasta aquí sin haber asimilado nuestras intervenciones anteriores. Importancia de la herencia y la experimentación.

Eje principal. Podríamos haber llamado a esta conclusión palabras llave, aunque para nosotros es mas como analizar lo cuestionado.

Los conceptos básicos para el entendimiento del desarrollo de nuestro proyecto serian los siguientes: la imagen, lo cotidiano, la experimentación, lo inesperado, la intervención y el espacio público.

Posicionamiento personal:

Este proyecto se basa en buscar nuevas líneas de desarrollo para las proyecciones artísticas actuales. La base desde la que nosotros partimos es lo cotidiano y lo publico.

La información es otro de los puntos fundamentales, la necesidad de catalogar y tener un acceso fácil a la información.

El arte y la información hace de cola de la sociedad y todo lo que vemos nos enriquece, esto hace que la cultura visual sea necesaria en la sociedad

Los espacios de transito han de ser recuperados como lugar para la practica plural, un espacio de encuentro y de creación.

Hoy en día tenemos demasiada facilidad para llegar a más información de la que podemos abarcas, la figura de la persona se desvanece y es algo que nosotros queremos recuperar.

Desde nuestro punto de vista hay que hacer participe a los ciudadanos del arte, que sean conscientes de su entorno y de las posibilidades que este tiene.

Coherencia y refinamiento de las piezas, creadores como seres inteligentes pero no desconectados de lo humano, lo cotidiano y la ciudad.

[26] ] Charles Baudelaire. “El pintor de la vida moderna”. Colección de arquitectura 30. ISBN 9788492017720.

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Materiales construidos:

“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“Enmarcados”

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“13x15”

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“13x15”

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“Ladrillos”

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“Ladrillos”

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“Confeti”

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“Confeti. Como se hizo”

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“Video”

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“Video”

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Presupuesto (por unidad):

Cada intervención es sometida a un procedimiento y unas características especificas, por ello se hace dificultosa la realización de un presupuesto preciso.

Fotocopias: 0,05 €

Cinta de carrocero: 1,5 €

Cola: 4,75 €

Envase: 3 €

Agua: -

Brochas: 2,5 €

Marcos: 0,50 €

Cinta de doble cara: 3,75 €

Mango: 6, 25 €

Folio de pegatina + impresión: 0,5 €

Análisis personal:

Resultados:

En base a los datos (Cotejados el 18 de enero de 2012):

Facebook: 175 amigos. 18-24 años 44% del público 25-34 años 14% del público 18 países. 54855 de público aproximado. 16 personas hablando de ello. 382 interacciones semanales

Youtube: 519 reproducciones 8 videos

Medios: Araka. Asalto. Festival Internacional de Arte Urbano. Do2 Magazine. Escrito en la pared. Fusion Art Valencia. It drew it self. Street art Mashup. Observatorio de arte urbano. Street Art Madrid. Street Art Vitoria-Gasteiz. Urbanartimaña. Valencia Cultural Projects.

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Análisis autocrítico:

Es difícil redactar un análisis autocrítico, ya que nosotros mismos nos sometemos continuamente a una evaluación continua.

Cabe destacar que no esperábamos tanta repercusión, creíamos que esto se iba a quedar en algo anecdótico y que la totalidad de las obras iba a desaparecer a las pocas horas. Pero aun perduran algunas, hemos recibido el apoyo de mucha gente y hay una satisfacción enorme por la aceptación de parte de los individuos que en las imágenes aparecen.

Aun así no estamos satisfechos, este proyecto continua vivo y citando las palabras del artista urbano JR:

“me gustaría llevar el arte a lugares imposibles, crear proyectos tan grandes como la comunidad que se va a ver obligada a hacerse preguntas” [27].

[27] Extractos de una entrevista al artista publicada en “Beaux Arts Magazine”, octubre 2009. ISBN 07572271

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Otras consultas:

[28] “El objetivo es hacer que la gente vea situaciones cotidianas desde otra perspectiva y, si es posible, llegar a hacerles sonreír. Algo que podría llamarse entretenimiento urbano, ya que lo que se busca conseguir es hacer jugar con nuevas técnicas e imágenes para conseguir sorprender a los ciudadanos”.Mentalgassi. Catálogo Getxophoto 2010.[29] Metalgassi. video promocional para las intervenciones realizadas en el festival Gerxophoto 2011. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://vimeo.com/28656812 [30] Mentalgassi. Introducción para la versión digital de su proyecto en el catalogo de Getxophoto 2011. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.getxophoto.com/web/go.php/inicio [31] 075 JR, de la colección design&designer est editée para PYRAMYD en 2011. ISBN 9782350172347.[32] Banksy. “The antiques roadshow”. Audiovisual.[33] “Reclaim the streets”[34] Boris Mikharlov. “Tea coffee capuchino”.[35] Rineke Dijkstra. Marian Goodman gallery.[36] Duchamp. “Etant Dones”.[37] Terry Richardson. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.terryrichardson.com/[38] Araki. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.arakinobuyoshi.com/[39] Marshall McLuhan y Quentin Fiore. “El medio es el masaje” [40] Italo Calvino. “Seis propuestas para el próximo milenio”[41] Bresson, “El momento decisivo”[42] Flusser[43] Picasso (la anécdota de los pájaros. Me gusta el cantar de los pájaros y, ¿los entiendes?)[44] Jenny Holzer. Wikipedia. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://en.wikipedia.org/wiki/Jenny_Holzer[45] To say it. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://tosay.it/ [46] La pluma electri*k. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://laplumaelectrik.blogspot.com/[47] La pluma electri*k. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.laplumaelectrik.org/[48] Marina Abramovich. Wikipedia. Cotejado el 4 de enero de 2012. http : / / e s . wikipedia.o r g / w i k i / M a r i n a _ A b r a m o v ic[49] NEKO. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.nekoabc.com/[50] Barbara Kruger. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.barbarakruger.com/[51] Barbara Kruger. Wikipedia. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger[52] Intimidad Romero. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://intimidad.tumblr.com/[53] Intimidad Romero. Cotejado el 4 de enero de 2012. https://www.facebook.com/intimidadromero[54] TED Prize, el deseo de JR: usar el arte para poner el mundo al revés. Cotejado el 4 de enero de 2012. http://www.ted.com/talks/lang/es/jr_s_ted_prize_wish_use_art_to_turn_the_world_inside_out.html

... Lo que falta por venir

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... Lo que falta por venir

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http://humanicity.blogspot.com/