ALUMNA: Ruth Castro

NIVEL: 3-A

INFLUENCIA DE LOS MOVIMIENTOS ARTISTICOS EN LOS DISEÑADORES DE MODA DEL SIGLO XX y XXI

Entre los años 20 la relación entre moda y arte se estrechó de una forma sin precedentes. Los diseñadores formaron equipo con artistas para hallar nuevas fuentes de inspiración. Los nuevos movimientos artísticos como el surrealismo, el futurismo y art deco entre otros propusieron que todo el entorno de la persona, incluyendo la indumentaria, deberían estar en armonía, como una única manifestación artística. La colaboración de los artistas de vanguardia aportó un diseño artístico radical a la indumentaria.

ARTE DECO

El art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.

Se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del propio art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco, afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Características:

E el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.

Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..

Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..

Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.

Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes. Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el

palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey. Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en

los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.

Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Influencia del Arte Deco en la moda

El predominio imperante de la geometría se puede apreciar en creaciones textiles y de indumentaria, realizados por varios artistas en esta época. Este movimiento puso de moda los materiales sobrios y lujosos como los metales, las

piedras preciosas y las pieles. Creando maravillosas obras dignas de ser exhibidas.

Fancy Susan Sternau en la obra Art Déco lo describe de la siguiente forma:

"Desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de las estrellas, el Art Deco hizo la transición, en unos pocos años, de un primario estilo francés a un universalmente entendido símbolo del glamour. Art Deco, es un conveniente término usado para describir arte decorativo en el período entre las dos guerras mundiales, y refiere a un estilo que es clásico, simétrico y rectilíneo. Como movimiento se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó un alto punto de 1925 a 1935. Este estilo fue el producto de influencias tan diversas como el Art Nouveau, Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, "Africa y las Américas".

Según Milla Martinez:

El popular traje de noche negro cobró vida gracias a los bordados circulares y triangulares con hilos de oro y plata, y los dibujos diagonales en tonos que iban del gris al negro produjeron increíbles diseños gráficos inspirados en el imperante estilo Art Déco (Martínez, 2008, p. 21).

Entre los diseñadores e ilustradores de moda influenciados por este movimiento artístico tenemos:

“Coco” Chanel tuvo un papel decisivo en este nuevo aspecto de la moda femenina al diseñar ropa cómoda, de líneas simples y con una innovadora combinación de género de puntas y formas de inspiración masculina.

Paul Iribe y Georges Lepape quienes hicieron que este período fuera considerado como la época dorada de la ilustración de moda.

SURREALISMO

Este movimiento artístico surge en París en 1924 a raíz de una revolución juvenil y se extendió hasta el final de la II Guerra Mundial, siendo muy popular en EEUU. Allí, el escritor francés André Bretón, publica el Primer Manifiesto del Surrealimo y define este nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento". Bretón estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un nuevo arte que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.1

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

Influencia del Surrealismo en la moda

El Surrealismo valiéndose de la fantasía y el deseo influyó en la moda, inspirando a diseñadores a jugar y a realizar diseños con lo existente. Los artistas, que integraron la corriente surrealista, trabajaron con modistos franceses.

1 http://alonsomerchan.blogspot.com/2013/03/surrealismo-i.html

Podemos citar el caso La diseñadora Elsa Schiaparelli creó el vestido de langosta en 1937, con la colaboración de Dalí., o Man Ray para las boutiques de Schiaparelli o Madame Grès, creando duplas creativas de trabajo. Los artistas surrealistas vieron en la moda una experiencia artística, una forma mediante el cual podían manifestar sus dictados.

Durante los años 30 Schiap forjó relaciones creativas con varios artistas surrealistas incluyendo a Man Ray, Marcel Duchamp y Jean Cocteau, pero fue Dalí el que produjo la mayor influencia sobre ella. Su colaboración con él duró desde el año 1936 a 1938, notablemente durante esa época produjo los atuendos que cautivaron más la atención del público.2

Schiaparelli también se dedicó al diseño y creación de ingeniosos bolsos con piezas inspiradas en objetos usuales como el piano, los farolillos chinos y, en 1936, un bolso jaula que recordaba el cuadro de René Magritte.

Elsa Schiaparelli era una mujer con un gran sentido de la creatividad, al cual se le ocurrían cosas innovadoras con elementos cotidianos que tenía a su alcance, como por ejemplo el uso de aspirinas para la confección de collares, la utilización de materiales como el plástico para el diseño de bijouterie con forma de escarabajos y abejas que decoraban modestos trajes.

La profunda adoración que tenían los surrealistas por el cuerpo femenino se llevó al ámbito del diseño, donde fue el tema de inspiración para la realización de envases de perfumes y fotografías sobre maniquíes.

Los surrealistas, según William Cruz Bermeo:

En su búsqueda por un análogo del cuerpo hallaron la realización en los maniquíes de costura y de escaparate así como en la estatuaria clásica. Este comparable juego de cuerpos le daba posibilidades a la moda y a las artes para representar y poner de relieve la transformación de una forma tomada de la naturaleza del arte (Cruz Bermeo, 2007, p. 4).

Los surrealistas, a raíz de la depresión, encontraron un fuerte incentivo en la moda, ejerciendo el trabajo como ilustradores de moda, diseñadores textiles y de accesorios para boutiques prestigiosas y revistas de moda. Su vinculación al mundo de la moda no se debió solamente a la crisis sino también que vieron a través de ella un modo expresar sus capacidades lúdicas y creativas.

La moda no le rindió tributo hasta 1980 cuando Yves Saint Laurent, Christian Lacroix y Karl Lagerfeld mezclan lo avant-garde con una estética irreverente y humorística. Este renacimiento del surrealismo como forma de expresión en la moda atiende a una razón muy simple: el surrealismo siempre ha formado parte de un imaginario colectivo e inquebrantable que ha alimentado, y sigue alimentando, a una nueva generación de diseñadores a los que se podría denominar como “los surrealistas de nuestro tiempo”.

POP ART

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.3

2 Revista Exclama, Artículo Surrealismo + Moda, escrito por Rocio Lago3 De la Croix, H.; Tansey, R., Gardner's Art Through the Ages, New York: Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1980.

Cada vez más personas iban vestidas a la moda, independientemente de su situación económica. La ropa había dejado de ser un lujo: se compraba y consumía compulsivamente, y del mismo modo se desechaba para sustituirla por una nueva. Aparecen secciones de ropa en los almacenes, y surgen las boutiques, una a la vuelta de cada esquina.

Influencia del Pop Art en la moda

El movimiento también llegó a la alta costura de la mano de Y ves Saint Laurent con su colección “Pop Art” de 1966, inspirada en los trabajos de Warhol, Wesselman y Liechtenstein. El diseñador francés también es responsable del vestido Mondrian, que causó furor llevando los cuadros de colores primarios del neoplasticista a las vidrieras.4

Según Rie Nii:

“El arte había entrado al mundo de la moda. Con las formas simples de los años sesenta, las imágenes de los cuadros se podían aplicar directamente al vestido”. (Fukai, Suoh, Iwagami, Koga, Nii, 2000, p. 571).

OP ART

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año de 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia, que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano.

El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento.

Características:

La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea

poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.

Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto

emocional en la obra.

Influencia del Op Art en la moda

El Op Art engañaba a la vista del espectador con ilusiones ópticas. Derivado del racionalismo de la Bauhaus y el uso del color del Suprematismo, se aplicó no sólo en pintura sino también en diseño gráfico, fotografía e indumentaria.

Las tramas alucinatorias se trasladaron rápidamente a estampados psicodélicos que adornaban la mayoría de los vestidos y minifaldas a fines de los años 60. Los más destacados diseñadores que incursionaron en el movimiento son Mary Quan t , Geoffrey Beene y, principalmente, Pucci.

4 Artículo Influencia del Op Art en la moda, escrito por Robert Berrocal

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los sesenta no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.5

Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista "no combinaban".6

El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes del Op Art en el vestir. Ella es considerada como un exponente del Op Art en el arte de la moda, en la forma moderna de vestir. En los finales de los 60, incluso en los principios de los 80, en la moda se impuso, dentro de lo ecléctico de la misma, el vestir combinando el negro y el blanco, la moda op art.7

“El éxito de la expresión op art, impresa primeramente en Time, fue extraordinario. Durante 1965 fue de uso corriente en arte, moda, revistas humorísticas y periódicos... Harper’s Bazaar encabezó con la expresión op scene (escenario op) descripciones de vestidos tales como: “motas negras y marrones en un piqué blanco plisado (todo estriba en la forma en la que usted lo mire)”. Vogue volvió al op art con una portada que ostentaba un dibujo demuaré sobrepuesto a la cabeza de un modelo: “Puf! El arte es op. La moda es op.”

El op art no se quedó en las revistas de moda, sino que pronto apareció en las revistas para adolescentes.” (Mosquera, G. 1993, pag. 128)

MINIMALISMO

El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes.

Características:

Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales. Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato. Carácter "opaco" (negación de cualquier efecto ilusionístico) conforme a su verdadera naturaleza. Máxima sencillez. Cualidad casi inmaterial. Superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores,

apenas modificadas con líneas y puntos casi imperceptibles, por marcas cerca del borde. Utilización directa de los materiales que son minimamente manipulados. Empleo de distintos materiales a fin de explotar la interacción de sus características físicas. Creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino. En general, predominio de formatos y colores neutros. Busca lo esencial y especial. Lo más importante funcionalidad de las cosas. Fuera del concepto de exceso, saturación y contaminación visual.

Influencia del Minimalismo en la moda

5 Artículo Influencia del Op Art en la moda, escrito por Robert Berrocal6 Ibíd.7 Ibíd.

En la moda predominan los colores suaves y tenues, además de dar relevancia a los conceptos simples, adornos muy ligeros a lo estilo minimal-zen japonés siguiendo el precepto minimalista que dice "todos los elementos deben combinar y formar una unidad". Esta tendencia vino de oriente, en que los elementos no tienen que estar recargados y tienen que ser lo mas simple posible y colores no estridentes para dar una visión armoniosa y de tranquilidad basada mucho en la cultura japonesa del equilibrio.

Esta estética tan minimalista derivó de la reacción al pop art, frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo creó conceptos opuestos. Como la desaparición de los colores estridentes dando paso a la sencillez e independencia de la creación, de la simplicidad de esta que hacia que por ella misma fuera bella y no necesitara ningún complemento para enriquecerla ni ningún medio para venderla como producto sino como concepto y que la creación se vale por si sola.

Los diseñadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes, formas y colores. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

FUTURISMO

Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la paz del mundo

Influencia del futurismo en la moda

El futurismo llega a la moda de la mano de Paco Rabanne, en 1962 haciendo su pequeña, casi imperceptible aparición a través de un accesorio que diseñó junto dos amigos, hoy reconocidos modistos, Christiane Bally y Emmanuelle Khanh . Para hacerse un nombre en el competitivo negocio y en lo que le gustaba, la moda, y ganarse su primer dinero mediante ella.

El peculiar accesorio servía aparentemente de gorro con gafas de sol incorporadas, todo de una pieza. Estaba elaborado de materiales muy novedosos en el campo de la moda nunca antes utilizados y menos para un novedoso artilugio realmente no muy confortable como es el metal tipo aluminio que por su rigidez no es cómodo como gorro.

Paco Rabanne, Pierre Cardin y Christiane Bally su amigo de la infancia formó el trío futurista y le llamaron el Le Corbusier de la Costura.

Paco Rabanne siempre fue un visionario futurista porque se adelantaba constantemente a las tendencias de aquella época, más atrevida pero realmente no muy concienciada en la aparición de extraños materiales nunca usados como vestimenta por ello decidió ir disminuyendo sus extremidades e ir amoldando mas los tejidos al cuerpo para ir urbanizando sus prendas.

OPININION PERSONAL

La influencia de los movimientos artísticos en los diseñadores de Moda ha sido y será importante ya que estas son las que le brindan una estética agradable a cada diseño, pienso que al unir los movimientos artísticos con la moda podemos considerarla como otra creación que ayuda a mantener viva una cultura artística que no nos permita olvidar cada una de las vanguardias que nos han brindado miles de obras artísticas que han marcado la historia del ser humano, el arte como medio de comunicación y expresión creativa ayuda al diseñador a abrirse ante la sociedad al ayudar a inspirarse en obras que sin duda alguna han tenido una maravillosa acogida en el mundo entero.

NETGRAFIA

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/7472_18283.pdf

http://www.20minutos.es/noticia/1572772/0/relacion/moda-arte/siglo-xix-actualidad/

BIBLIOGRAFIA

Hillier, Bevis The World of Art Deco New York:1971--E.P. Dutton & Co.

INSTITUTO DE LA INDUMENTARIA DE TOKIO. Moda. Una historia desde el siglo XVII al siglo XX. Barcelona. 2004

Spector, Jack J. (2003). Arte y escrituras surrealistas (1919-1939). Madrid: Editorial Síntesis.

Mosquera, G. 1993. Del Pop al Post. Cuba. Arte y literatura ciudad de la Habana

Ruhrberg, K. et al. (2005) Arte del siglo XX. Volumen I y II. India, Taschen.

De la Croix, H.; Tansey, R., Gardner's Art Through the Ages, New York: Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1980.

Osterwold, T. (1992) Pop Art. Uruguay: Benedikt Taschen Verlog Gmbh

ANEXOS

Vestidos de noche inspirados en el arte Deco

Vestido de la Diseñadora Chapareli con la ayuda de Dali