Análisis Película Der Neunte Tag

“La Iglesia Católica y Hitler: Permanencias y Rupturas Discursivas”

Profesor:

Nombres:

Fecha:

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso

Facultad de Filosofía y Educación

Instituto de Historia.

1-. Crítica Externa:

Ficha Técnica:

a) Nombre Original: “Der Neunte Tag” (El Noveno Día)

b) Director: Volker Schlöndorff

c) Escritor:  Eberhard Görner y Andreas Pflüger

d) Productor: Jürgen Haase

e) Reparto: Ulrich Matthes, August Diehl, Bibiana Beglau, Hilmar Thate, Germain

Wagner, Jean-Paul Raths, Ivan Jirik, Karel Hromádka, Miroslav Sichmann, Adolf Filip.

f) Año de Estreno: 2004

g) Género: Drama

h) País: Alemania y Luxemburgo

i) Música: Alfred Schnittke

j) Presupuesto del Film:

k) Duración: 98 minutos

l) Premios y Reconocimientos:

- 2004: Premios del cine Alemán: Mejor diseño de producción

- 2005: Festival de Mar del Plata: Selección oficial de

largometrajes

2-. Crítica Interna: Contexto Histórico de elaboración y estreno del film

a) Andréi Tarkovski (Óblast de Ivanovo, Rusía, 4 de Abril de 1932- París, Francia, 29 de

Diciembre de 1986), hijo del poeta ruso Arseny Tarkovski. Director de cine desde 1958,

el más famoso director de cine soviético luego de Serguéi Eisenstein, durante los años

60, 70 y 80, sus obras fueron clasificadas dentro de la categoría cine de autor (de guión

propio), en las cuales escudriñaba en la mentalidad de las personas, la soledad

intrínseca del hombre y otras emociones propias de las personas, mostrando, a través

de su cine, una verdadera forma de hacer poesía en base a las imágenes, lo que él

mismo teorizó en su texto “Esculpir el tiempo”. De este autor destacan obras como “La

infancia de Iván” (1962), la que es considerada una obra de arte por cineastas famosos

como Ingmar Bergman, “Andréi Rubliov” (1966), en la que revisa la biografía del pintor

medieval, “Solaris” (1972), película enmarcada en la carrera espacial y divagando sobre

problemas en las relaciones interpersonales frente a lo desconocido, y “The Mirror”

(“Zércalo”,1975), una evocación de recuerdos sobre una conversación nostálgica frente

a lo que sucede en el mundo en ese momento. Controvertido en su relación con el

régimen, debido a las limitantes que levantaban frente al desarrollo de su arte.

b) La película fue realizada el año 1979, si bien tuvo que ser filmada dos veces debido a un

accidente durante la grabación, más importante es que el gobierno soviético limito el

presupuesto y la distribución de este y otros filmes del director, al que se consideraba

como crítico del régimen soviético, provocando que cada una de sus películas fuesen

puestas bajo la lupa y revisadas atentamente, si bien algunas de estas fueron realizadas

bajo la expresa petición del gobierno. En el año en que se realizó la película, la Unión

Soviética planeaba, y de hecho realizó, una intervención sobre Afganistán, durante la

guerra civil en este país, bajo el marco de la Guerra Fría. Poco antes, en 1977, se creó

la constitución frente al periodo de estancamiento económico, que buscaba acercar al

comunismo propuesto por Marx a la realidad, La importancia del cine en esta época se

puede explicar desde la necesidad de propaganda en favor de lo avanzada que está la

sociedad soviética, en este mismo sentido, el film “Solaris”, del mismo director, e incluso

la película que compete a este informe, buscan exaltar una identidad propiamente

soviética en base a la identidad rusa, así mantener a la gente alineada dentro del

pensamiento socialista, manteniendo cohesionada a la gente culturalmente, incluso

frente al germen de crisis económica que se vive en ese momento. Es importante que,

debido a la persecución de la que es parte el director, esta es la última película que

realiza bajo el gobierno soviético hasta su muerte en 1986.

c) Estando en plena guerra fría y, por tanto, en la carrera por la producción de energía

nuclear y el miedo de la utilización de esta energía como armamento, la película da

muestra de un entorno post-apocalíptico, tal como el que se puede encontrar en los

lugares donde estaban emplazadas las centrales eléctricas, las plantas nucleares y

diferentes lugares con ambiente nocivo para la salud, lo que demostraba la profunda

tristeza del ambiente industrial de la época, ya que todas les escenas fueron rodados en

lugares abandonados de este tipo, este ambiente nocivo probablemente empeoró el

cáncer que en 1986 acabaría con la vida del director de cine. “La Zona” de la que se

habla en la película es un entorno que, el mismo año de la muerte del director, se vería

en el accidente nuclear de Chernobyl. El film se enmarca dentro de ese miedo ante la

fragilidad de la existencia, la soledad que acosa al ruso, lo propiamente ruso, mostrando

de forma preciosista la nostalgia de la compañía y el entendimiento en un espacio con la

población demasiado diseminada por un territorio extenso.

d) El film responde al problema de, según el propio Tarkovsky al referirse al objetivo del

arte durante una entrevista, “...preparar al hombre para la muerte.”, la idea de una

consciencia torturadora en la realidad, pero habitando fuera de ella, es decir, de la

sensación de ser prisionero, la certeza de la prisión eterna, todo lugar apresa a las

personas, mientras, incluso en su interior, los hombres son presa de sus deseos, Un

lugar inexistente en el mundo contiene la posibilidad de encontrar y lograr las búsquedas

personales.

La soledad y la nostalgia del ser ruso queda representado en esta película, porque el

director es netamente un director que propone y trabaja el tema de la identidad rusa,

según su propia identificación, como una fijación romántica y artística, del mismo modo

en que su padre lo hacía a través de su poesía, que era explicada en su cine a través de

las formas, siendo el espacio de la película un espacio que puede apropiarse en la

dificultad del camino y la búsqueda de un fin, tal como se fue apropiando el espacio de

Rusia. Aquí se encuentra otro problema al que responde, la necesidad de mostrar lo

ruso, más allá de lo soviético, ante un mundo hostil.

Así otro problema al que responde el film es la visión del arte, un arte que no es una

expresión de belleza en un sentido de emociones alegres, sino que se enmarca en un

espectro de sublimación del ser, expresando y entregando lo peor de las personas como

una realidad patente, enrostrando al espectador lo difícil del arte de vivir, siendo el arte

una imagen más allá de la imagen, una forma de alcanzar una sensación o sentimiento,

desde un punto de vista espiritual y existencialista, evocando cierta sensación onírica en

la vivencia de una naturaleza en clara contraposición frente a lo artificial. Esto desde la

forma y no del fondo del film

2-. Crítica Interna: Contexto histórico que nos muestra el film

a) Si bien el film no está ambientado en una época concreta de la historia humana, nos

muestra un periodo post-apocalíptico a continuación de la época en la que se hace,

podría decirse que es la imagen reflejada de un lugar de la U.R.S.S. de los 80, luego de

un estallido radioactivo, o de alguna índole similar tendiente a la carrera nuclear y la

devastación que se esperaría de una catástrofe tal, y por tanto se muestra casi

contemporáneo a la época en que se confecciona la película.

b) El film nos muestra, (como interpretación libre del libro “Pícnic al borde del camino”, de

los guionistas de la película), el viaje de un escritor, un profesor y un “stalker”,

especialista en robar objetos del lugar al que van, La Zona, en particular el “Cuarto”

dentro de la zona (esto ocurre un lugar en Cánada en el libro, si bien en la película no se

hace referencia a un lugar específico), un lugar donde las búsquedas y deseos

personales se cumplen, La Zona surge por la caída de un meteorito previo a las

acciones del film.

c) La visión que se levanta sobre los hechos es crítica en varios aspectos, ya que se

muestras la existencia de un gobierno centralizado que controla “La Zona”, pudiendo

verse como un símil de la U.R.S.S. controlando los secretos, limitando la acción de las

personas.

2-. Crítica Interna: Relación existente entre los aspectos técnicos y el contenido histórico del

film

a) Los recursos son utilizados para dar realce a la imagen que quiere crear el director con

el film, en particular el director juega con la luz y la oscuridad, atendiendo a mostrar una

cotidianidad cruda y naturalizada. La utilización constante de primeros planos, tal como

en el expresionismo alemán1, utilizando la imagen como una afección, como una unidad

reflejante y reflejada2, muestra lo que muestra y lo que podría mostrar potencialmente,

genera emociones por cada micro-movimiento al observar la cara inmóvil y expresiva,

cada parte del rostro implica una expresión por sí misma y en su totalidad muestra la

esencia del todo. Refleja, de esta manera, las dos preguntas primordiales que se le

realizan a un rostro inmóvil desde el punto de vista del espectador: “¿qué sientes?” y

“¿qué piensas?”, transmitiendo estas sensaciones. Otro recurso usado es el del tiempo,

quiebres temporales rápidos y consecutivos para la conversación introspectiva

recurrente, sensación de atemporalidad en imágenes repetitivas o pausas largas en la

conversación, rozando en lo onírico, pero siempre manteniendo un realismo de tiempo

relativo y palpable, un régimen temporal orgánico, real e imaginario intercalándose3,

mostrando escenas largas, sin acciones de los personajes, solo mostrando el ambiente.

La cámara en tercera persona da una sensación de observador interior, estando dentro

de la escena pero siendo invisible.

1 Películas como “Das Cabinet des Dr. Caligari” (Robert Wiene, 1920) o “Dr. Mabuse, der Spieler - Ein Bild der Zeit” (Fritz Lang, 1922)2 Deleuze, Gilles, “Cine 1: La imagen-movimiento”, Ediciones Paidós, Buenos Aires, 1983, pp. 132-1343 Deleuze, Gilles, “Cine 2: La imagen-Tiempo”, Ediciones Paidós, Buenos Aires, 1985, pp. 171-173

b) Los recursos utilizados en la película se significan dentro y tras el movimiento de la

Nouvelle Vague francesa4, por la cual se ve afectado el director, utilizando los recursos

que impusieron los cineastas franceses de este movimiento a sus películas: la utilización

de la mirada del autor o de la cámara, introduciendo al espectador a los ojos del director,

la utilización de montaje como forma de potenciar el afán creador, pero atento al

realismo de las actuaciones y lugares, procurando atención al contexto y escenario de

las grabaciones y diálogos. En el punto referente a los diálogos y la escenografía, esta

película se separa un poco de la tradición cinematográfica francesa, ya que limita la

actuación al guion y los escenarios. En los recursos auditivos, se utiliza principalmente el

sonido ambiental, el que no cesa durante toda la película, ya sean crujidos, chapoteos,

los sonidos de la naturaleza, siendo los más destacable los sonidos del agua, en este

sentido, goteras y chapoteos, el escurrir de un flujo, la lluvia. Todos estos recursos, más

los nombrados en la pregunta anterior, se enfocan en generar una idea de identidad rusa

que se desea mostrar a través de la presión y la soledad frente al ambiente y la

naturaleza. La utilización del blanco y negro la mayor parte de la película para cambiarlo

a colores al entrar en la Zona nos habla de las esperanzas puestas, frente a la gris

cotidianidad. Todo esto se debe a que los recursos potencian el mensaje que está

entregando, de por sí, el film a través de su trama y actuaciones, así, cada uno de los

personajes principales muestran algo de la realidad, el profesor escéptico, el escritor

filósofo y crítico no constructivo, el Stalker, esperanzado y creyente ciego, la película

muestra distintas características de la persona actual a su momento, en especial del

ruso bajo régimen soviético. Estas características son muy propias del cine de autor.

c) Entre los símbolos importantes que podemos identificar están dos ya nombrados: El

sonido del agua para mantener al espectador atento a la acción, oprimiendo las

emociones al límite de la naturalidad, en sí, los sonidos ambientales presentes como una

recurrencia incontrolable, interiorizando la acción e inacción de las imágenes, y los

sonidos de fondo agregados, como una música minimalista que aumenta estas

sensaciones, casi imperceptible en su confusión, al sonar ambos juntos, pero notorios

ante lo abrumado del entorno que provoca la mayor atención posible en la espectativa.

Por otra parte el primer plano tanto a rostros como a objetos, intencionando la mirada del

espectador, sin mostrar, a ratos, ninguna acción que tenga que ver con la historia, pero

manteniendo mostrando emociones y sensaciones, cumpliendo y dando una búsqueda

más allá de la historia misma, de la trama, enfocándose en la sensación.

4 Thompson, Kristin. Bordwell, David. ”Film History: An Introduction”, Third Edition. McGraw Hill. 2010, p.412