INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA - … · 2019-08-30 · 8 O S M INERÍA 9 NOTAS AL...

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTESY LITERATURA

PALACIO DE BELLAS ARTESSeptiembre, 2019 · Domingo 1, 17 h

Programación sujeta a cambios · Público mayor a 8 años

CARLOS MIGUEL PRIETO

Director Artístico

PACHO FLORES

Trompeta

Duración aproximada: 1 hora 45 minutos

5CONCIERTO DE LA OSM Y PACHO FLORES

La Orquesta Sinfónica de Minería y la Academia de Música del Palacio de Minería, que la sustenta y coordina, nacieron como aquellas sociedades europeas que antaño creaban y patrocinaban conjuntos musicales sólo por amor a la música. Obtenían donativos y organizaban conciertos por suscripción y fueron fundamentales para el desarrollo de la música desde el siglo XVIII.

ORQUESTA SINFÓNICADE MINERÍA

También hubo antecedentes mexicanos de esas sociedades; tal vez el más antiguo se originó en 1792 con el Real Seminario de Minas y después la Sociedad Filarmónica Mexicana en el siglo XIX. Desde las postrimerías del siglo XVIII se organizaban conciertos con el nombre de “Academia de Música” y tenían lugar en el edificio conocido como Escuela de Minas, hoy Palacio de Minería, en cuyo recinto lograban fama los artistas que participaban en esos conciertos. Sin duda, el Palacio de Minería fue el primer centro musical de la época.

Desde mediados del siglo XX, la Sociedad de Alumnos y la Sociedad Cultural de la Facultad de Ingeniería fueron las sucesoras de aquellas agrupaciones. En pleno siglo XX, la Facultad de Ingeniería de la UNAM rescató la tradición de los mineros del siglo XIX al organizar conciertos y actividades culturales. En 1978 auspició la creación de la Orquesta Sinfónica de Minería, y en 1985 el Patronato se convirtió en asociación civil para asumir la responsabilidad de esta organización cultural: apoyar a la Universidad en una de sus funciones sustantivas y otorgar su generoso apoyo al ambicioso proyecto de la Academia. Durante su trayectoria, y con el rector de la UNAM y el director de la Facultad de Ingeniería como presidente y vicepresidente honorarios respectivamente, la Academia de Música del Palacio de Minería ha tenido el honor de contar como presidentes de su Consejo Directivo a los distinguidos ingenieros y socios fundadores Javier Jiménez Espriú, Saturnino Suárez Fernández (†), Víctor Manuel Mahbub Matta y Carlos F. de la Mora Navarrete; en 2019 se sumó a esta labor el Ing. Luis Antonio Ascencio Almada como presidente del Consejo Consultivo. A partir de 2013, el presidente del Consejo Directivo es el doctor Gerardo Suárez Reynoso. Con el apoyo y la coordinación de sus Consejos, la Academia de Música del Palacio de Minería y la Orquesta Sinfónica de Minería ofrecen, además de su tradicional Temporada de verano, conciertos especiales a lo largo del año con una programación especial acorde con cada época, como conciertos infantiles y para la familia, conciertos de música mexicana y conciertos navideños.

76 CONCIERTO DE LA OSM Y PACHO FLORES ORQUESTA SINFÓNICA DE MINERÍA

Es director artístico de la Orquesta Sinfónica de Minería desde julio de 2006. Al año siguiente fue designado director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional, agrupación con la que, en 2016, realizó una gira europea que incluyó presentaciones en la Musikverein de Viena, la Grosses Festpielhaus de Salzburgo y la Alte Oper de Fráncfort.

Desde 2005 es director titular de la Orquesta Filarmónica de Louisiana, con la que emprendió una renovación cultural de Nueva Orleans tras el huracán Katrina. En reconocimiento por una década de trabajo el Gobierno de Nueva Orleans, le otorgó, en 2015, el Chairman’s Award (máximo honor de la ciudad). En 2018 la dirigió en Carnegie Hall en el concierto por los 80 años de Philip Glass. Como huésped ha dirigido las principales orquestas de Estados Unidos (Sinfónica de Chicago, Orquesta de Cleveland y Filarmónica de Nueva York), Alemania (NDR Hamburgo y NDR Hannover), Reino Unido (Orquesta de la Radio de Liverpool, Sinfónica de la BBC de Escocia, Orquesta Nacional Escocesa, Sinfónica de Bournemoth y la legendaria The Hallé, Francia (Orquesta Nacional de Lyon y Orquesta Nacional de Estrasburgo) y Suiza (Sinfónica de Lucerna).

Colabora regularmente con solistas como Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Joshua Bell, Plácido Domingo y Lang-Lang. En 2018 la revista Musical America lo distinguió como “Director del año 2019”, y la Universidad de Loyola, Nueva Orleans, le otorgó el doctorado honoris causa. Recibió la Medalla Mozart (1998) al mérito musical, otorgada por los gobiernos de México y Austria. Su grabación de obras de Erich W. Korngold con la Orquesta Sinfónica de Minería para el sello Naxos mereció una nominación al Grammy en 2010 y en 2016 ganó un Grammy Latino por su grabación de conciertos de Sergei Rajmaninov con la pianista Gabriela Montero. Su disco del Concierto para piano de Carlos Chávez con Jorge Federico Osorio y la Orquesta Sinfónica Nacional de México recibió los mayores elogios de la crítica internacional. Carlos Miguel Prieto estudió dirección de orquesta con Jorge Mester, Enrique Arturo Diemecke, Charles Bruck y Michael Jinbo. Tambien es graduado de las universidades de Harvard y Princeton.

CARLOS MIGUEL PRIETODirector artístico


NOTAS ALPROGRAMA

Arturo Márquez (1950)Concierto de otoño, para trompeta y orquesta Son de luz Balada de floripondios Conga de Flores

Como importante dato antecedente a su Concierto de otoño, es preciso recordar que Arturo Márquez no es ajeno, ni mucho menos, a la escritura de conciertos en particular y música concertante en general; prueba de ello es este listado de sus obras previas para instrumentos solistas y diversos ensambles:

Viraje - Arpa y cuerdas Máscaras - Arpa y orquesta Concierto Son - Flauta y orquesta Espejos en la arena - Violonchelo y orquesta Danzas mestizas - Clarinete bajo y cuerdas Danzón núm. 3 - Flauta, guitarra y orquesta Danzón núm. 6 - Saxofón soprano y cuerdas Concierto para clarinete y orquesta

Antes de ceder la palabra a Arturo Márquez, declaro la extrañeza que me produce la escasísima producción (y divulgación) de conciertos mexicanos para trompeta a lo largo de la historia de nuestra música, considerando la presencia destacada que este instrumento tiene y ha tenido en nuestro ámbito sonoro; sin ir más lejos, el mariachi y la banda son prueba fehaciente de ello. El compositor lo expresa con estas palabras:

La trompeta es reina en el alma de México; la encontramos prácticamente en todas las expresiones musicales populares, es el grito mexicano de alegría y de tristeza. Es también fundamental en la música latinoamericana de concierto y mi Concierto de otoño es una recopilación de todos estos sentires, colores y quitapesares.

De manera específica, el Concierto para trompeta de Arturo Márquez es fruto (uno de muchos) de un singular proyecto del gran trompetista venezolano Pacho Flores, quien con la intención de ampliar el repertorio de música nueva para trompeta se ha embarcado en una extensa serie de

El venezolano Pacho Flores se formó en el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, agrupación de la que fue trompetista principal. Ha sido solista de importantes orquestas del mundo (Sinfónica de Tokio, Filarmónica de Buenos Aires, Filarmónica de Kiev, Camerata de San Petersburgo y Filarmónica Real de Liverpool) bajo la batuta de directores como Claudio Abbado, Simon Rattle, Seiji Ozawa, Giuseppe Sinopoli y Gustavo Dudamel.

Su repertorio incluye encargos y estrenos de obras de compositores como Roger Boutry, Efraín Oscher, Giancarlo Castro, Santiago Báez, Juan Carlos Núñez y Sergio Bernal. Entre sus galardones destaca el primer lugar en concursos internacionales como el Maurice André (el más importante del mundo para su instrumento) el Philip Jones y el Cittá di Porcia. Es director fundador de la Academia Latinoamericana de Trompeta, dedicada a la formación de jóvenes talentos en Venezuela. Su grabación Entropia (Deutsche Grammophon, 2017), es uno de sus discos más importantes, con temas populares latinoamericanos en colaboración con el guitarrista venezolano Jesús González y que ganó la medalla de oro en los Global Music Awards.

PACHO FLORESTrompeta


encargos de música para su instrumento, hechos a compositores como Roberto Sierra, Paquito D’Rivera, Efraín Oscher, Christian Lindberg y el propio Márquez.

No es casualidad que Arturo Márquez haya sido uno de los compositores elegidos para participar en esta serie de encargos, porque el compositor sonorense no sólo ha establecido una cercana relación con el legendario Sistema Venezolano de Orquestas y Coros Juveniles (del que Pacho Flores es uno de los egresados más ilustres) sino que ha dedicado tiempo, esfuerzo y recursos a la promoción de la educación musical en México, a través de diversos proyectos y acciones. No hay que olvidar, tampoco, que otro alumno ilustre del Sistema, el famoso director Gustavo Dudamel, ha llevado el delicioso Danzón núm. 2 de Arturo Márquez, literalmente, por todo el mundo.

A petición expresa mía, el compositor envía estas breves pero significativas líneas sobre su Concierto de otoño para trompeta y orquesta:

Primer movimiento: Son de luz.Explora el encuentro con nuevos horizontes de paz y reconciliación. Ritmo mestizo, diálogo de trompeta con la orquesta, forma sonata clásica.

Segundo movimiento: Balada de floripondios. Canción sin palabras tributo al amor brujo. Variaciones en forma de chacona, casi.

Tercer movimiento: Conga de Flores. Con el corazón en Rafael Méndez, Joseph Haydn y Federico Chopin. Homenaje a Pacho Flores. Intento absurdo de un rondó monotemático.

Sin duda, el lector atento percibirá el juego de palabras que anima el título del último movimiento del Concierto de otoño de Arturo Márquez. Como colofón de los datos que me envía, el compositor comenta que para la interpretación del concierto han de utilizarse cuatro trompetas Stomvi especialmente adaptadas para la ocasión. Para quienes no son especialistas en asuntos de trompeta, he aquí que Stomvi es una casa española fabricante de instrumentos de metal de alta calidad, que tiene en Pacho Flores a un asesor y consultor de la misma alta calidad. Cabe señalar, por ejemplo, que en ocasiones Pacho Flores se presenta a sus conciertos y recitales con su arsenal completo de once trompetas distintas de la casa Stomvi.

Las orquestas copartícipes en el encargo de esta obra son la Orquesta Sinfónica Nacional de México, la Orquesta Sinfónica de Tucson (Estados Unidos), la Orquesta del Centro de Artes Escénicas Hyogo (Japón) y la Oviedo Filarmonía (España). El Concierto de otoño para trompeta y orquesta de Arturo Márquez se estrenó el 7 de septiembre de 2018, con Pacho Flores (a quien, por supuesto está dedicada la partitura) a la trompeta y

la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Carlos Miguel Prieto. Los estrenos sucesivos con las otras tres orquestas, siempre con Pacho Flores como solista, ocurrieron en enero de 2019 (Tucson), mayo de 2019 (Hyogo) y agosto de 2019 (Oviedo).

Arturo Márquez (1950)Danzón núm. 2

Entre quienes conocen de música, existe un consenso en el sentido de que Arturo Márquez es el compositor mexicano más destacado de su generación. En su obra es posible detectar variedad, riqueza, y un oficio indiscutible, además de un lenguaje propio de evidente solidez, que son producto de una buena combinación de sus antecedentes musicales: el piano, el violín, el trombón, las bandas, el jazz, el rock, estudios con Gutiérrez Heras, Quintanar, Ibarra, Enríquez, perfeccionamiento en Francia y labores musicológicas. A todo esto puede añadirse que Márquez es un estudioso y conocedor de la música popular de México, cuya esencia ha sabido incorporar en sus obras sin caer en alusiones nacionalistas. Además, el compositor tiene merecida fama por su habilidad y oficio en las labores de arreglar, instrumentar y transcribir música.

La mejor forma de acercarse al Danzón núm. 2 de Arturo Márquez es a través de un texto de su puño y letra, que dice así:

La idea de componer el Danzón núm. 2 surgió en 1993 durante un viaje a Malinalco con el pintor Andrés Fonseca y la bailarina Irene Martínez, ambos expertos en bailes de salón y con una especial pasión por el danzón, la cual me transmitieron desde el principio y también en posteriores excursiones a Veracruz y al Salón Colonia en la colonia Obrera del Distrito Federal. A partir de estas experiencias empiezo a aprender sus ritmos, su forma, sus contornos melódicos a base de escuchar las viejas grabaciones de Acerina y su Danzonera, y dentro de mi fascinación capto que la aparente ligereza del danzón es sólo una carta de presentación para una música llena de sensualidad y rigor cualitativo que nuestros viejos mexicanos siguen viviendo con nostalgia y júbilo como escape hacia su mundo emocional, el cual afortunadamente aún podemos ver en el abrazo que se dan música y baile en Veracruz y en los salones de la Ciudad de México. El Danzón núm. 2 es un tributo a ese medio que lo nutre. Trata de acercarse lo más posible a la danza, a sus melodías nostálgicas, a sus ritmos montunos, y aun cuando profana su intimidad, su forma y su lenguaje armónico, es una manera personal de expresar mi respeto y emotividad hacia la verdadera música popular. El Danzón núm. 2 fue compuesto gracias a un encargo de la Dirección de Actividades Musicales de la UNAM y está dedicado a mi hija Lily.


A este breve retrato de la obra hecho por su autor es posible añadir que, como en otras composiciones suyas, Márquez ha logrado en este Danzón núm. 2 una sofisticada y al mismo tiempo sabrosa estilización de todo aquello que define al danzón, permitiendo al oyente una clara identificación de la raíz popular de esta pieza de concierto. Prueba de ello es la entusiasta reacción del público ante cada audición de la obra, cuyo estreno se llevó a cabo el 5 de marzo de 1994 en la Sala Nezahualcóyotl, con la Orquesta Filarmónica de la UNAM dirigida por Francisco Savín. A la fecha (septiembre de 2019), Arturo Márquez cuenta en su catálogo con ocho danzones para distintas dotaciones instrumentales: Danzón núm. 1 para cinta magnetofónica (con saxofón opcional), 1992; Danzón núm. 2 para orquesta, 1993; Danzón núm. 3 para flauta, guitarra y pequeña orquesta, 1994; Danzón núm. 4 para orquesta de cámara, 1996; Danzón núm. 5, Portales de madrugada, 1997; Danzón núm. 6, 2001; Danzón núm. 7, 2001; y Danzón núm. 8, Homenaje a Maurice, 2004; Danzón núm. 9, para orquesta (2017). Para más señas, y para deleite de los aficionados a los danzones de Márquez, los primeros ocho están grabados en un álbum titulado Arturo Márquez: Ocho danzones. Y en el entendido de que el danzón es una de las expresiones más sabrosas, arraigadas y difundidas de la música popular de América Latina, bien vale la pena hacer algunas observaciones a su respecto, a saber:

Una buena definición práctica del danzón, extraída de una enciclopedia especializada, dice así:

Danzón. Baile formal de salón por parejas, en forma de rondó, derivado de la tradición de la contradanza y la habanera del siglo XIX. El danzón cubano se ha desarrollado dentro de la tradición urbana popular con influencias africanas cada vez más presentes. Entre ellas se encuentra el uso generalizado de los patrones simétricos del cinquillo y el tresillo, desfasados rítmicamente para crear complejos ritmos cruzados. Estructuralmente, el danzón consiste en una serie de alternancias entre versos, estribillos y solos instrumentales. Nótese que lo que esta enciclopedia llama baile formal de salón, en México se conoce popularmente como baile fino de salón.

Otra definición, obtenida en una enciclopedia menos especializada, dice esto:

Danzón. Baile cubano que es una variedad de la antigua contradanza habanera. Uno de los más célebres autores de esta clase de bailes fue el compositor Manuel Saumell y Robredo, que escribió, entre otros, los que llevan por título Los ojos de Pepa y Sopla que quema. El lector perspicaz adivinará de inmediato que esta definición viene de una enciclopedia española.

De entre los numerosos danzoneros surgidos de la cuenca del Caribe, ninguno más entrañable y popular que el desaparecido Acerina, negro timbalero de ritmo infalible y cadencioso. Poca gente sabe que el verdadero nombre de Acerina era Consejo Valiente Roberts.

Por razones que sería interesante explorar a fondo, el danzón es uno de los géneros populares que con más frecuencia ha sido combinado con temas de la música de concierto. Se recomienda la audición de algunos danzones basados en músicas de Gioachino Rossini (1792-1868), Franz Schubert (1797-1828), Giuseppe Verdi (1813-1901), Claude Debussy (1862-1918), que son una verdadera delicia. En la vertiente simétrica a esto se encuentra el sabroso Danzón cubano de Aaron Copland (1900-1990), compuesto en 1942 y orquestado en 1944.

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Paquito D’rivera (1948)Concerto venezolano para trompeta y orquesta

Hay en la génesis de esta sabrosa, tropical y trompetera obra una simbiosis múltiple que une y hermana a dos músicos singulares: a Paquito D’Rivera, saxofonista y clarinetista, con Pacho Flores, trompetista. Los une el idioma, los une el continente, los une el Caribe, los une el aliento de sus instrumentos y, de manera particular, los une un temperamento cálido y extrovertido que garantiza una colaboración musical fructífera y, sin duda, divertida. ¿Qué tienen que decir, pues, estos dos geniales músicos respecto al Concerto venezolano que hoy nos ocupa? Escuchemos, primero, al compositor, Paquito D’Rivera:

Pacho Flores podría decirse que vino al mundo con una trompeta (¡o con muchas!) bajo el brazo. Con una gracia especial para hacerlas sonar; el hombre, para colmo, hasta se casa con la hija de un fabricante de trompetas, y es que como bien decía mi madre: “La yerba que está pa’ ti, no hay chivo que se la coma”. Cuando Pacho –que nació en Venezuela– me pide que escriba una pieza sinfónica para él, no dudé en mezclar elementos que simbolizaran la exuberante majestuosidad del paisaje de su hermosa tierra sudamericana, el enorme contraste entre la tragedia que hoy castiga a su gente y la proverbial alegría de su música típica. A petición del solista, la pieza está concebida como una fantasía en un solo movimiento, de cuyo centro emerge un cuasi-infantil merengue en 5 que desemboca en un cubanísimo danzón, como símbolo de la legendaria relación musical y humana entre los compatriotas de Antonio Lauro y Ernesto Lecuona. ¿Y el Gran finale? En respuesta a la dramática introducción del Concerto, no podría ser otro que un joropo triunfal y optimista, como presagiando la cercanía de una merecida felicidad por la que “El bravo pueblo” tan duramente ha luchado.


Unos días antes del estreno absoluto del Concerto venezolano de Paquito D’Rivera, tengo la oportunidad de mirar y escuchar un breve video en el que compositor y trompetista ensayan la obra, hablan el uno del otro y comentan algunos temas musicales de relevancia. De lo que dice Pacho Flores en este video, sintetizo el párrafo que sigue:

Esto es parte de todas estas locuras que estamos haciendo para promover el repertorio de la trompeta, sobre todo con un grande y legendario maestro como lo es Paquito D’Rivera, una leyenda del jazz. Para mí él ha sido un gran referente toda la vida escuchándolo, y es un gran sueño que hoy me pueda dedicar un concierto para trompeta con todas estas innovaciones, características, elementos, descubrimientos que hemos hecho en pro de la trompeta para llevar a las salas de concierto. A este concierto en particular Paquito lo ha llamado Concerto venezolano porque para él tiene una historia importantísima. Por ser yo venezolano, él se acuerda perfectamente de todas sus vivencias en Venezuela, de todos los grandes maestros venezolanos como Antonio Lauro, el maestro Antonio Estévez, Simón Díaz, y Paquito es una persona muy querida en Venezuela. Este concierto va a ser parte importante y bandera de mi repertorio y del catálogo de obras nuevas que estoy llevando por el mundo.

Para nadie es un secreto que Pacho Flores es hoy una estrella fulgurante en el mundo de la trompeta, y quién mejor para reconocer y apreciar ese status que otro gran instrumentista, Paquito D’Rivera, quien dice esto respecto a su colega y amigo:

Pacho Flores es un tipo especial. No solamente es un virtuoso… A mí me asusta un poco la palabra “virtuoso”. Cuando se habla de un virtuoso, se habla de un tipo que toca muchísimas notas y que no tiene corazón, y que tampoco lo necesita. Pero Pacho es otra cosa, Pacho es un gran artista con un sentimiento tremendo para tocar la trompeta. Es un artista único, con teorías únicas para tocar la trompeta, que para él no es un instrumento sino muchos instrumentos.

Y después de tocar la sección de merengue que Paquito D’Rivera menciona en su descripción del Concerto venezolano, el trompetista venezolano le pregunta al saxofonista cubano:

-¿Y te gustó el merengue?

La respuesta no podía ser más contundente:

-Al que le tiene que gustar es a ti. ¡Tú eres el venezolano!

El Concerto venezolano para trompeta y orquesta de Paquito D’Rivera recibe su estreno mundial el 1 de septiembre de 2019 en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, con Pacho Flores como solista y la Orquesta Sinfónica de Minería dirigida por Carlos Miguel Prieto. En los días subsecuentes, todos ellos se quedan en la capital mexicana y graban la obra que, junto con otras piezas latinoamericanas de colores y sabores variados, han de conformar un álbum que nutrirá el catálogo de la famosa disquera alemana Deutsche Grammophon, de la que Pacho Flores es artista exclusivo.

Daniel Freiberg (1957)Crónicas latinoamericanas, para trompeta y orquesta Panorámicas Diálogos Influencias

El calificativo de “multifacético” suele utilizarse con frecuencia para describir a los músicos especialmente talentosos, inquietos y curiosos, y se trata de un adjetivo que le cae como anillo al dedo al bonaerense Daniel Freiberg, como es fácil comprobar echando una ojeada a su biografía. Veamos…

Oficios: compositor, pianista, arreglista, productor e ingeniero de grabación.

Estudios: composición, orquestación, arreglos, dirección, piano clásico, piano de jazz, armonía de jazz, música de cine y música contemporánea.

Maestros: Don Sebesky, Gerardo Gandini, Samuel Zyman, Stanley Wolf, Charles Jones, Hal Galper, Andy Laverne, Jacob Bergman, Joan Behrens Bergman, Earl Hagen y Leo Edwards.

Estilos que aborda en su música: clásico, jazz, rock y música latinoamericana.

Inspiración fundamental para dedicarse de lleno al jazz: Bill Evans, Chick Corea y Keith Jarrett.

Amigo y mentor de importancia fundamental: Paquito D’Rivera

Artistas en cuyos álbumes puede escucharse su trabajo: Marc Anthony, Armando Manzanero, Chayanne, José José, Jaguares, Berta Rojas, Christian Castro, Maureen McGovern, Cheo Feliciano y Willie Colón.

Intérpretes de sus arreglos de jazz: Stéphane Grappelli, Paquito D’Rivera con la Dizzy Gillespie All Stars Big Band, la Wynton Marsalis Jazz, la Orquesta Jazz Sinfónica de Sao Paulo, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, la WDR Big Band, la Swiss Big Band y la Orquesta de Filadelfia. También Regina Carter, Claudio Roditi, Jorge Dalto con Eddy


Gómez. Su nuevo grupo, The South American Jazz Projects, incluye músicos top del ambiente de jazz neoyorquino.

Vínculo con el cine y la televisión: como compositor para HBO, Summit Entertainment-Lions Gate, National Geographic, Discovery Channel y películas independientes.

Premios: ganador de tres Grammy, y varias nominaciones al premio máximo de la Academia de Grabación.

Hecha y revisada esta compacta pero ilustrativa lista, es momento de dar voz a Daniel Freiberg, quien envía desde Nueva York este texto sobre su obra Crónicas latinoamericanas, redactado ex – profeso para esta nota:

Esta obra fue estrenada a nivel mundial el 18 de Septiembre de 2015 por la Orquesta de la Radio de Colonia, Alemania, institución que la comisionó especialmente. El director fue Wayne Marshall y el clarinete solista, Andy Miles. Para su estreno en México (acontecido el 1 de julio de 2015), es un sueño hecho realidad poder contar con el máximo exponente del jazz latino, el prodigioso clarinetista y saxofonista cubano Paquito D’Rivera. Latinoamérica es una fuente inagotable de ritmos y estilos musicales que nos sirven de inspiración a los compositores. Crónicas Latinoamericanas fusiona los lenguajes de la música clásica, el jazz y la música latinoamericana. Estos son sonidos y colores que me rodean desde mi infancia en Buenos Aires y a través de mi vida profesional en Nueva York, donde vivo desde 1979. Este concierto está compuesto de tres movimientos. El primero, Panorámicas, sobre ritmos sudamericanos, nos pasea a través de valles y montañas… desde el punto de vista de un pájaro que los sobrevuela. Más adelante, la orquesta se detiene para dar lugar a la cadenza, donde el clarinete se eleva solo, improvisando libremente. Después, todos se vuelven a unir en la re-exposición del tema principal para seguir ascendiendo a nuevas y emocionantes alturas. El segundo movimiento, Diálogos, es lento, una profunda conversación entre el hombre y Pachamama (la Madre Tierra). El tema principal está inspirado en las tradiciones musicales andinas. El tercer y último movimiento, Influencias, celebra musicalmente la mezcla de diferentes culturas. El tema principal, un vals afro-peruano, acaba dando lugar a una explosión jazzística neoyorquina, donde el clarinete improvisa su solo en estilo hard-bop.

El estreno mexicano de Crónicas latinoamericanas ocurrió el 1 de julio de 2015 con Paquito D’Rivera en el clarinete y la Orquesta Sinfónica de Minería bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto. La versión de Crónicas latinoamericanas que se estrenará en México este 1 de septiembre es una adaptación para trompeta realizada por Pacho Flores.

José Pablo Moncayo (1912-1958)Huapango

Según la fuente que uno consulte, huapango es una corrupción de la palabra fandango, o un término proveniente de la lengua náhuatl que quiere decir “lugar donde se coloca la madera”, o sea, la tarima para el baile, o es una contracción de las palabras Huasteca y Pango, siendo éste el nombre alternativo del río Pánuco, o es el equivalente del llamado son jarocho, o un aire popular en décimas rimadas, o un tipo de canción popular mexicana que existe en dos variedades, el huapango jarocho y el huapango ranchero. En realidad, y aunque el asunto parezca muy complejo, todas estas definiciones tienen algo de útil para acercarnos a la esencia del huapango. Y este acercamiento no deja de ser interesante, necesario quizá, si consideramos que el Huapango de José Pablo Moncayo (1912-1958) es la obra musical más notoria de México. Para esta espléndida, brillante, siempre luminosa obra orquestal, Moncayo elaboró y transformó los temas de tres huapangos alvaradeños, citados en una nota por el musicólogo Otto Mayer-Serra: El siquisirí, El balajú y El gavilancito. Ante la posibilidad (también fascinante) de escuchar estos sones en sus versiones originales, uno puede darse cuenta de que Moncayo hizo mucho más que citar textualmente los huapangos. De hecho, su trabajo de elaboración es muy rico y variado, y el detalle más claro de su apego a la forma original del son jarocho está presente en la sección final de la obra, cuando la trompeta y el trombón dialogan retadoramente, cual si fueran dos copleros alvaradeños. La diferencia fundamental es que la trompeta y el trombón, en vez de intercambiar sutiles insultos y otras cuestiones de doble y hasta triple sentido, intercambian brillantes frases musicales. Por cierto, además de los tres sones citados por Mayer-Serra, es posible detectar en el Huapango de Moncayo la presencia fugaz de fragmentos de algunos otros, en particular de El pájaro cu.

Para volver al huapango como forma musical popular, cabe la aclaración de que, en su forma típica a la usanza veracruzana, suele acompañarse por lo general con requinto, arpa, guitarra y, en ocasiones, violín y jarana. Una audición atenta del Huapango de Moncayo nos permitirá descubrir que el compositor tapatío logró, con particular elegancia y efectividad, transportar a la orquesta algunos de los sonidos del conjunto instrumental típico del huapango. A este respecto cabe mencionar, por ejemplo, el interludio protagonizado por el arpa hacia la mitad de la obra, o los episodios en los que los violines acompañan como pequeñas jaranas, rasgueados y no frotados. Blas Galindo (1910-1993), colega y coterráneo de Moncayo, decía esto sobre el compositor y su Huapango:

“Moncayo no es un compositor nacionalista. El Huapango, su obra más divulgada, constituye un caso aislado en su producción. Trátase, en rigor, de un arreglo brillante y afortunado de sones


veracruzanos. En sus restantes obras, que no son de procedencia folclórica, se advierten, sin embargo, ciertos elementos mexicanos, los cuales imprimen un carácter peculiar a la música de este autor. Es, sin duda, un mexicanismo elevado a una categoría universal. Moncayo maneja los recursos del arte de orquestar con seguridad de maestro”.

La inmensa (y bien merecida) fama y popularidad de que goza el Huapango de Moncayo puede verse como un fenómeno que tiene aspectos positivos y facetas negativas. Un breve inventario al respecto puede contener, entre otras, estas observaciones:

El impacto enorme del Huapango en nuestro medio musical, tanto en el ámbito de su ejecución frecuente como en el de la percepción del público, ha ocasionado que el resto de la producción de Moncayo (muy estimable, por cierto) haya sido relegada a un olvido inmerecido. Entre los miles de melómanos que no pierden oportunidad de escuchar el Huapango una y otra vez, ¿cuántos conocen Bosques, Cumbres, Tierra de temporal, las Tres piezas para orquesta, la Sinfonía o la Sinfonietta, para mencionar únicamente el rubro de su música orquestal?

Con cierta justificación, el Huapango de Moncayo ha sido transcrito, arreglado y transformado en numerosas ocasiones, convirtiéndose en una pieza que aparece con ubicuidad bajo múltiples disfraces sonoros. Si por una parte ello ayuda a la mayor difusión de esta luminosa obra cuando se carece de una orquesta sinfónica, lo cierto es que algunas de esas versiones le hacen más daño que bien a la partitura del compositor jalisciense. Una buena transcripción para acordeón, por ejemplo, resulta más coherente y satisfactoria que un mal intento de arreglar el Huapango para cuarteto de guitarras amplificadas y gran órgano.

Muchos melómanos suponen que el Huapango de Moncayo, especie de segundo himno nacional mexicano, debiera ser materia perfectamente conocida para nuestros músicos. Por desgracia, suele ocurrir lo contrario, y no es infrecuente enfrentarse a malas ejecuciones de esta obra, causadas por aproximaciones rutinarias y descuidadas por parte de orquestas y directores que creyendo que conocen el material a la perfección lo interpretan con desgano y soberbia singulares.

Una de las consecuencias más negativas de la gran popularidad del Huapango está en el hecho de que casi inmediatamente después de su estreno, esta rica obra comenzó a ser usada (y abusada) como fondo musical para toda clase de propaganda oficialista y gubernamental, así como en numerosos productos audiovisuales comerciales, promocionales y turísticos de intención “nacional” o “mexicanista”,

con el consiguiente efecto de “abaratamiento por hartazgo”. Debiera quedar prohibido por ley volver a utilizar el Huapango para musicalizar películas, documentales, comerciales y similares, en el entendido de que el abuso perjudica la salud... de la partitura.

El Huapango, noble obra que ha resistido todos estos abusos y vejaciones a lo largo del tiempo, se estrenó el 15 de agosto de 1941, con la Orquesta Sinfónica de México dirigida por Carlos Chávez. Pocos son los melómanos que saben, por cierto, que diez años antes, en 1931, el compositor mexicano José Pomar (1880-1961) escribió su propio Huapango para orquesta, obra por demás muy interesante.

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Efraín Oscher (1974)Mestizo, concierto para trompeta y orquesta Oro negro Cimas blancas Costa negra Noches blancas

Una revisión somera de la biografía de Efraín Oscher apunta de inmediato, por varias vías, al notable Sistema, como se conoce coloquialmente al programa venezolano de orquestas infantiles y juveniles que a lo largo de los años ha dado notables resultados, no sólo estrictamente musicales, sino también sociales y culturales. En este sentido, el dato más importante es que Efraín Oscher, uruguayo de nacimiento, educado en Venezuela, flautista y compositor, realiza una parte sustancial e importante de sus estudios precisamente bajo la tutela del Sistema creado en 1975 por José Antonio Abreu. Los datos colaterales apuntan a las colaboraciones de Oscher con otros destacados músicos también surgidos del Sistema; aquí destacan de inmediato los nombres de Edicson Ruiz, contrabajista de la Orquesta Filarmónica de Berlín, y el trompetista Francisco Pacho Flores, de fulgurante carrera internacional. Entre los tutores de Oscher como intérprete destaca la figura del legendario flautista William Bennett, y entre sus proyectos más importantes es preciso mencionar la fundación y dirección del grupo Solistas Bolívar, dedicado primordialmente a la promoción y difusión de la música de cámara de compositores latinoamericanos.

El título Mestizo que Efraín Oscher ha dado a su Concierto para trompeta y orquesta es más que apto, debido a su intención descriptiva y a su contenido musical. El propio compositor ha afirmado que la obra puede ser considerada como una película que tiene como escenario distintas regiones de la geografía de Venezuela. El trompetista Pacho Flores comenta de manera más específica sobre la obra de Oscher:


Este es un concierto que se interpreta con tres trompetas, lo cual es algo inédito. Además, es un concierto que tiene elementos nuevos, de diferentes tendencias de la música tradicional venezolana, muchos de ellos modernos, lo que enriquece la obra. En el cuarto movimiento hay una cadencia del género salsa que es una improvisación, representando un elemento inédito en un concierto para trompeta y orquesta.

Oscher escribió su concierto Mestizo por encargo de FESNOJIV, la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, que es el nombre oficial del Sistema. Este encargo fue hecho específicamente para Pacho Flores, trompetista venezolano que entre otros méritos tiene el de haber ganado en 2006 el más importante concurso de trompeta de la actualidad, el Concurso Maurice André, así como los concursos Philip Jones y Città di Porcia. El concierto está estructurado en cuatro movimientos y el compositor plantea para el solista el uso de tres instrumentos: trompeta en si bemol, trompeta en do y flugelhorn o fliscorno. Los cuatro movimientos se interpretan sin interrupción, y el segundo y tercero están unidos por una cadenza del flugelhorn solista. Para el tercer movimiento, Efraín Oscher propone el uso de la sordina Harmon para la trompeta en do, logrando un timbre particularmente atractivo en la parte solista. En el cuarto movimiento hay interesantes efectos de eco entre la trompeta solista y las trompetas de la orquesta, que dan paso a la expresión “tropical” de la obra, que es muy energética, poderosa y sabrosa. Mestizo, concierto para trompeta y orquesta de Efraín Oscher, fue estrenado el 23 de octubre de 2010 en el Centro de Acción Social para la Música de Caracas, con Francisco Pacho Flores como solista y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela (conocida oficialmente como Orquesta de la Juventud Venezolana Simón Bolívar) dirigida por Domingo García. Un par de años después, el Concierto mestizo fue tocado en el contexto del festival Grande Maurice, realizado del 16 al 22 de abril de 2012 en Venezuela, en homenaje al gran trompetista francés que tiempo atrás se había presentado como solista de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, dirigida por su fundador, José Antonio Abreu. Pacho Flores suele narrar, conmovido, esta anécdota que lo vincula directamente con Maurice André. Cuando el joven venezolano ganó el concurso que lleva su nombre, el gran trompetista se acercó a entregarle el premio personalmente, y se le saltaron las lágrimas. “¿Por qué llora, maestro?”, le preguntó Flores. Y André le respondió: “Porque presiento que este es mi último Concurso Maurice André en vida”. La melancólica profecía del gran maestro de la trompeta se cumplió más que cabalmente: la edición 2006 del concurso que lleva su nombre habría de ser la última realizada hasta la fecha.

Juan Arturo Brennan


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TUBA

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