INSTITUTO SUPERIOR DE FORMACIÓN DOCENTE ARTÍSTICA N° 805

DOCUMENTO DE CÁTEDRA

CICLO INTRODUCTORIO - AÑO 2016

TALLER DE PINTURA

Profesores: Silvana Rojas Tracci - Aldo Coñuel

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Ciclo introductorio del Taller de Pintura

Profesores: Coñuel Aldo, Rojas Tracci Silvana

Año lectivo 2016

Unida Nº 1

Tema: El Color en la pintura: Materiales, soportes y herramientas.

Introducción

En esta unidad se profundizara los conocimientos básicos mediante la técnica de la pintura.

Desde las primeras pinturas de las cavernas hasta nuestros días, el color sigue siendo uno de los

elementos que brindan mayor riqueza para representar, expresar y simbolizar plásticamente.

En tiempos remotos, los primeros humanos descubrieron que con tierras rojas y piedras obtenían

colores, y que con ellos podían representar imágenes sobre los muros de rocas de las cavernas donde

vivían.

Es posible que hayan sentido un enorme placer al comprobar que sus manos, lograban

producir imágenes y que los demás reconocían en ellas a los animales que cazaban.

Fue entonces que los seres humanos comenzaron a valernos del lenguaje visual: el color y las

formas creadas empezaron a ocupar un espacio en los lugares que habitan.

El hombre primitivo pintaba con colores que sacaban de la tierra o de los vegetales y los

mezclaban con agua o grasa. (Ver pintura rupestre –Toro negro – Cueva de Lascaux-Francia).

¿Qué es pintar?

Pintar es cubrir una superficie con pintura. Se pude pintar una pared, pintar una casa, pintar

un mueble con la intención de embellecer, adornar o decorar. Al pintar una imagen la intención,

posiblemente, además de embellecer y decorar, sea comunicar algo, expresar un sentido, una idea o

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una sensación. También puede suceder que alguien pinte, simplemente, por el placer que le causa

mezclar la pintura, aplicarla y contemplarla. Para diferenciarla de otros tipos de pintura, llamamos

“pintura artística” a esta ultima manifestación, que no necesariamente tiene que estar realizada por

un artista. (Ver “pintor trabajando”, óleo sobre madera, Paul Cezanne – 1839- 1906) Francia-

Impresionismo.

El color en la pintura

En la pintura, el color es un elemento de fundamental importancia, podríamos decir que la

pintura es color, ya que es la expresión que se estructura en torno a este.

Los colores surgen a partir de las ondas luminosas, que son un tipo particular de energía que

compone la luz. Estas ondas son incoloras, pero en nuestros ojos y en nuestro cerebro se produce la

sensación de ver un color cuando esas ondas luminosas se encuentran con un determinado cuerpo.

Las células de la retina del ojo humano tienen la capacidad de percibir esas sustancias y su relación

con los cuerpos que las reflejan cuando decimos que algo es azul, se debe a que ese objeto, al recibir

la luz, absorbe la onda luminosa y refleja la que corresponde al color azul. El ojo humano es capaz de

discernir alrededor de 100 matices de luminosidad y varios miles de diferencias de colores.

Los colores con los que pintamos no son haces de luz sino pigmentos, o sea sustancias que

tienen la propiedad de producir determinados colores al ser mezcladas con otra sustancia.

Existen diferencias en el comportamiento de los colores-luz y de los colores-pigmentos. Si mezclamos

pigmentariamente, es decir con pintura, todos los colores, obtendremos un color pardo grisáceo.

Los colores interactúan entre sí sobre la superficie. La manera en que percibimos un color está

condicionada por el contexto en que se encuentra, es decir por los colores y formas que la rodean, y

por el lugar que ocupa en la imagen.

Según lo expuesto por el Prof. Osvaldo Krasmanski en su libro: Introducción al color.

TEORÍA DEL COLOR – ISAC NEWTON

Para hablar de color es imprescindible hablar de luz, ya que bajo la acción de ésta es que

nosotros podemos percibirlo. Donde no hay luz, no hay color.

Newton en la segunda mitad del siglo XVII (1675), descubre lo que más tarde pasaría a formar

una teoría del color.

Fabrica un prisma de vidrio y lo coloca sobre una mesa. Oscurece una habitación, pero

previamente hace un orificio en la persiana por donde pasa un rayo de sol.

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Interfiere el rayo de sol con el prisma y ve proyectada sobre la pared opuesta, una imagen, que

no es otra cosa que el espectro solar, es decir, la descomposición de la luz en los siete colores

del arco iris.

Newton coloca otro prisma entre el primero y la pared y descubre que los siete colores se

funden en uno solo, el blanco. Ha recompuesto nuevamente la luz.

También se da cuenta que para recomponer la luz blanca, no hace falta fundir los siete colores,

basta con un par específicos de ellos: rojo/ verde, amarillo/ violeta, azul/ anaranjado. Es

decir, los que más tarde serían denominados colores complementarios.

En toda su extensión el espectro es como una cinta, que comienza siendo roja y termina en un

violeta claro, pasando por progresivas alteraciones que dan origen al naranja, verde y azul.

(Fig.1)

Ahora bien ¿Cuál es la explicación por la cual vemos los objetos de determinados colores?

Esto se debe a que dichos objetos tienen la propiedad de absorber determinada cantidad de

luz y rechazar otra.

El color natural del objeto que nosotros percibimos está dado por el rayo que rechaza. Así por

ejemplo una manzana es roja, porque absorbe los rayos azules y amarillos y rechaza los rojos,

Si absorbiera los rojos y rechaza los azules y amarillos, sería verde.

Las superficies negras absorben todos los rayos solares; las blancas reflejan todas.

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SOPORTE EN LA PINTURA

Soporte pictórico es la superficie sobre la que se aplica el color en una pintura. Cumple la misión de portar el fondo y las capas de pintura. El soporte y el color son los dos elementos indispensables de este arte. El fondo es la capa de preparación entre el soporte y la pintura, necesaria en materiales como la piedra o la tela (imprimación).

A lo largo de la historia, se ha pintado sobre una gran variedad de soportes, cada uno de ellos con sus propias características, como son la textura y absorción. Estas circunstancias determinan el tipo de pigmento que puede aplicarse y, en general, el tratamiento del mismo. Los soportes más usuales han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas de madera, lienzos y pergamino o papel. El lienzo es el soporte más extendido de la historia de la pintura, que permite grandes superficies sobre las que pintar con menos peso.

El segundo soporte sobre el que se aplicó pintura, desde la Antigüedad, fue la madera. La madera que más se empleaba era la de nogal, pino o abeto, si bien era algo que dependía de la región donde se viviera y de las especies arbóreas que estuvieran disponibles en abundancia, pues en Italia se usaba chopo, y en el Norte de Europa, roble, haya o pino. (En nuestro taller utilizaremos fibro fácil de 3 m m y mas, por ser esta madera económica y se puede encontrar en esta zona. Una vez que se corta es imprescindible que se le aplique sobre su superficie, una o dos manos de imprimación para su utilización).

El lienzo es una tela hecha con lino, algodón o cáñamo. Dependiendo de las características de la tela, su fragilidad, o el relieve de la urdimbre y la trama cruzados, la superficie pictórica es diferente y también es distinto el resultado.

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En Occidente pueden encontrarse papel y cartón texturados, esto es, a los que se ha dado una

textura de tela, idóneos para pintar al óleo y al acrílico; resulta relativamente barato, aunque es fácil

de dañar.

Otro soporte sobre el cual se pinta es el papel, generalmente en formato pequeño debido a su endeblez. También en alguna ocasión se ha pintado sobre el papel aplicando este a un soporte rígido como la madera o la pared. Dependiendo del «grano» del papel, esto es, su textura, si es satinado o rugoso, el papel capta el pigmento de la pintura de una u otra manera, permitiendo diversos efectos del dibujo.

Este soporte es adecuado para técnicas como la acuarela, el pastel, o el grabado, técnica esta última que permite reproducir láminas o estampas mediante la impresión. Además, resulta perfecto, y así se ha empleado a lo largo de la historia del arte, para la elaboración de esbozos, estudios preliminares o dibujos, empleando la tiza, el carboncillo, o tinta y pluma; el motivo es que resulta fácil de transportar de un lugar a otro, y el artista lo podía llevar consigo en cualquier momento

En Occidente pueden encontrarse papel y cartón texturados, esto es, a los que se ha dado una

textura de tela, idóneos para pintar al óleo y al acrílico; resulta relativamente barato, aunque es fácil

de dañar.

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MATERIALES Y HERRAMIENTAS UTILIZADOS EN LA PINTURA

ACRÍLICOS DECORATIVOS

A LOS ACRILICOS DECORATIVOS SE LES PUEDE AGREGAR AGUA? Sí, en forma medida, para no corromper la calidad del producto. Para dar transparencia existen productos accesorios especialmente diseñados para este fin.

BASES ACRÍLICAS

QUE SON LAS BASES ACRILICAS? Como su nombre lo indica es un producto acrílico (al agua) que sirve para dar base a trabajos de pintura decorativa, country y falsos acabados. Sella y da color.

CUAL ES LA DIFERENCIA ENTRE LA BASE ACRILICA Y LOS ACRILICOS? Que son mas espesas y cubritivas y se presentan en envases mas grandes ya que son para dar bases a superficies mayores. Nos permiten ahorrar material a sellar la base, ya que ésta absorberá menos acrílico al pintar.

PINCELES

PARA QUÉ SIRVEN LOS DIFERENTES PINCELES DE ACUERDO A SU PELO? Pelo de cerda : es un pincel duro, rústico, ideal para pintar con óleos, para pintar sobre tela, para técnicas de pincel seco, etc. Pelo de pony : es un pincel suave, que casi no marca la pincelada, ideal para dar bases, para esfumados, etc. Fibra sintética : es un pincel terso, ideal para pintura decorativa, es menos delicado que el de pony.

Varios pinceles.

El término pincel hace referencia a cualquier variedad de herramienta que, en su mayoría,

cuenta en un extremo con un mango y en el otro con una cantidad considerable de cerdas, alambres,

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cabellos u otra clase de filamento o material similar. Es utilizado principalmente para pintar, aunque

sus usos pueden ser diversos.

Un pincel consta de varios elementos: el pelo, la férula y el mango con su grabado.

El haz de pelo

Este es el elemento más importante del pincel. En general, son de pelo natural de animal, excepto los denominados filamentos sintéticos. Cada tipo de pelo tiene sus propias características, que son las que confieren al pincel un carácter determinado. Tales se sirve en la medida de lo posible de las propiedades naturales del pelo, haciendo así que éste no se corte y mantenga su forma más natural.

Diversos tipos de pincel. (Se enlistan ahora diferentes formas del pincel, usualmente clasificados por haz de pelo.)

Pincel de tamponado

Se trata de una brocha redonda de pelo áspero con extremo plano. Es el único pincel en el que se han cortado los extremos de los pelos.

Pincel de abanico

Se utiliza para hacer una transición cromática uniforme. También se utilizan para difuminar el pastel y el carboncillo.

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Lengua de gato

Esta forma de pincel reúne las ventajas de un pincel plano y un pincel de punta redonda. Adecuado tanto para detalle como grandes superficies, permitiendo hacer contornos definidos.

Paletina

Los pinceles anchos o muy anchos, suelen ser de mango corto y se utilizan para dar grandes superficies de color, imprimaciones y barnices.

Pincel plano

Por su borde filoso, nos permiten realizar diferentes definiciones y también aplicar la técnica de doble carga. Pueden tener pelos largos o pelos cortos. Los primeros son muy útiles a la hora de flotar, esfumar, trazar líneas delgadas con el filo o utilizar todas las cerdas y pintar rayas más anchas. El pincel chato de cerdas cortas es ideal para acrílicos con consistencia pesada y para fondos texturados o desparejos, ya que al contar con pelos cortos no se abren tanto al momento de ejercer presión.

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Pincel de punta redonda

Este modelo sólo se puede hacer de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.

Pincel abombado

El pincel abombado se encuentra elaborado con el borde arqueado, se utiliza para todas las técnicas.

Pincel de sumi-e

Es un pincel de estilo asiático, similar a los usados en acuarelas, con un mango grueso de bamboo o de otra madera; y un espeso pelaje que mojado pinta una fina punta.

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Pincel Liner

Este pincel tiene múltiples propósitos dentro de los efectos, sobre todo en lo que a realizar

detalle se refiere. Es ideal para trazar líneas curvas y rectas muy finas y para delinear. Las líneas

pueden engrosarse de acuerdo a la presión que se ejerza sobre el mismo.

Pincel angular.

Es un pincel chato, biselado que permite realizar flotados, doble carga y para técnicas de una

sola pincelada. También se le suele conocer como “pincel para pétalos de rosa”, sus pelos están

cortados en ángulo. El extremo más largo es perfecto para meterse en lugares pequeños.

La Espátula

Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semirrígida o flexible, y de

mango recto que los pintores utilizan con distintos fines: para manipular los colores en la paleta,

como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa

pictórica o para pintar. De hecho, muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al

pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.

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Tiene diversas formas y generalmente es de acero. Asta de cuerno, marfil, hueso o caucho

duro son también utilizados cuando los colores no pueden tener contacto, por reacción química, con

el metal. Suelen utilizarse dos tipos de espátulas de acero templado:

Espátulas para paleta. Para mezclar colores en la plancha o en la paleta. Tienen hojas delgadas

y blandas, de 10 a 15 cm. de longitud, con puntas afiladas y redondeadas, y de forma recta o angular.

Las angulares sirven para eliminar los grumos de pintura.

Espátulas para pintar. De hojas finas, delicadas y muy sensibles, a veces soldadas a mangos

largos; se usan para los procesos directos de pintura: aplicación y manipulación de la pintura en el

lienzo. Se fabrican en multitud de formas, estilos y tamaños. La historia no registra un uso muy

extendido de estos instrumentos antes de mediados —o finales— del siglo XIX.

La paleta

En la Antigüedad los pintores hacían uso de conchas o tazas, donde se ponían los colores ya

mezclados. Luego se adoptó una pequeña paleta de madera, con un pequeño agujero para introducir

el dedo pulgar. En un principio, su fondo parduzco se adecuaba a la preparación de los lienzos, pero

posteriormente, siendo la mayoría de las preparaciones de color blanco, se cambió su color por otro

de tonalidades claras y luminosas.

Las formas y tamaños de las paletas han ido evolucionando a lo largo del tiempo desde las

pequeñas paletas del tamaño de la mano, que pueden verse en los cuadros y miniaturas de los siglo

XV y XVI, hasta las impresionantes paletas de brazo dotadas de un contrapeso, adecuadas para los

impresionistas que trabajaban al aire libre. Sobre una de estas paletas, que tenían unas dimensiones

aproximadas de 50 x 75 cm., se podía extender una gran cantidad de óleos.

En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano. Los

acuarelistas utilizan paletas de porcelana o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil;

algunos pintores flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de

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material sintético blancas y de aluminio lacadas en blanco mate, dotadas de cavidades redondeadas,

además de modelos cuadrados de chapa blanca provistos de una gran cantidad de separaciones

soldadas sobre su superficie.

Hay también paletas de vidrio o de porcelana, que tienen como cualidad su fácil limpieza

rascando con una cuchilla. Las paletas "pelables" o de usar y tirar son cuadernos de papel de forma

ovalada, como una paleta tradicional, con orificio para el pulgar, pudiendo trasladarse fácilmente los

grumos de pintura sin usar a otra hoja.

Los pintores actuales también utilizan platitos blancos, pequeños recipientes de porcelana,

cristal o estaño sin valor para tirarlos cuando llegan a acumular tanta pintura o barniz que ya no vale

la pena conservarlos.

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Ciclo introductorio del Taller de Pintura

Profesores: Coñuel Aldo, Rojas Tracci Silvana

Año lectivo 2016

Unida Nº 2

LUZ Y SOMBRA

Cualquier forma que esté representada solo por su contorno se aprecia como plana, pero en el

momento que representamos la diferencia de luz y sombra que un foco cualquiera deja sobre dicha

superficie, conseguiremos la sensación de volumen. Esta sensación de tridimensionalidad dará a

nuestra producción realismo.

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Tema: Acromatismo – Claves Tonales.

El término acromático significa carente de color. Se refiere a los valores de grises de las series

lineales o escalas. Que tiene solo posibilidad de aclarar u oscurecer el color, como ocurre con el

blanco, negro y grises, pero no cambia su naturaleza. (Léxico Técnico de las Artes Plásticas- Irene

Crespi – Jorge Ferrario .Eudeba)

El blanco y el negro son llamados tonos neutros o acromáticos, así se llama también a los

grises, que se obtienen mezclándolo.

Hablando en términos de haces de luz, el blanco corresponde a la luz, que es la suma de todos

los colores del espectro, mientras el negro corresponde a la ausencia de luz, la oscuridad total.

El grado de claridad u oscuridad de un color se denomina valor.

Cuando un color es luminoso, claro, decimos que es de un valor alto, los colores oscuros

corresponden a valores bajos.

Al mezclar pigmentariamente un color con blanco se obtienen tonos más claros. Las mezclas

con negro permiten, en cambio, obtener tonos más bajos u oscuros.

Escala de valores acromática

Son acromáticos, entonces, el blanco, el negro y todos los grises intermedios .El grado de

luminosidad que nos hace distinguir un gris claro, próximo al blanco, de un gris oscuro, próximo al

negro, se denomina valor.

Toda graduación ordenada de grises que abarque del blanco al negro, con intervalos

regulares, recibe el nombre de escala de valores. Lo que se usa generalmente es la de Ross Pope de

nueve unidades, correspondiente el Nº 1 al negro y el Nº 9, al blanco.

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Actividades

1) Pintar las escala acromática en forma lineal.

Escala de valores acromática 1° Realizar una con lápiz.

2° Una con la técnica de aguadas con acrílicos.

3° directamente con acrílico

Clave Alta

Si reducimos los contrastes de valor aproximadamente al tercio superior de la escala, del blanco o

luz intensa, a la luz baja el resultado será un esquema de clave alta.

Dentro de esta escala podemos establecer los intervalos a nuestra elección.

Además, esta clava alta tiene una cualidad expresiva definida, de luminosidad y delicadeza que la

hace apta para ciertos propósitos o inadecuada para otros.

Clave Intermedia

Si limitamos los contrastes al tercio intermedio aproximado de la escala de valor, surge otro

esquema típico. Esta puede abarcar desde la baja claridad hasta lo oscuro alto o lo oscuro. Tiene,

asimismo, una cualidad de expresiva característica, y cierta moderación y refinamiento que puede

resultar de mucho efecto.

Clave baja

Si utilizamos el tercio inferior de la escala, desde lo oscuro al negro, el resultado es una clave

baja. Tiene cierta cualidad apagada y sombría.

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Actividades:

Realizar las siguientes escalas

Escala de valores con clave alta.

Escala de valores con clave intermedia.

Escala de valores con clave baja.

2) Representar las claves en el siguiente esquema, un esquema para cada clave.

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Unida Nº 3

Tema: Colores Primarios, Secundarios y Terciarios.

Colores primarios

Rojo, amarillo, azul .Estos tres colores no pueden obtenerse a partir de la mezcla pigmentaria

de otros colores. Por eso se llaman “colores primario o fundamentales”

Si se los mezclan de a pares obtendremos los colores secundarios.

Colores secundarios

Amarillo + Rojo = Naranja Amarillo + Azul= Verde Rojo +Azul = Violeta

Círculo Cromático

Una manera de organizar visualmente las relaciones y mezcla entre colores, es a través del

círculo cromático.

Para formarlo, ubicaremos los tres colores primarios, que son los fundamentales, en los tres

vértices de un triángulo equilátero.

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Luego colocaremos entre cada par de primarios el color secundario resultante de la mezcla

entre ellos en partes iguales. También podemos ubicarlos en los vértices de un triángulo equilátero.

En medio de los colores primarios y secundarios existen terciarios, y su amplia gama varía de

acuerdo con la cantidad de uno y otro primario que componen los secundarios.

Colores terciarios

Colores terciarios, son los obtenidos de la mezcla de un primario y un secundario. En realidad no son más que matices de un color.

AMARILLO + VERDE = VERDE AMARILLENTO VERDE + AZUL = VERDE AZULADO AZUL + VIOLETA = VIOLETA AZULADO VIOLETA + ROJO = VIOLETA ROJIZO ROJO + NARANJA = NARANJA ROJIZO NARANJA + AMARILLO = NARANJA AMARILLENTO

El límite en que un color deja de ser VERDE AMARILLENTO para ser AMARILLO VERDOSO es bastante sutil y dependerá de cuál será el color dominante en la mezcla.

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Los colores que se relacionan entre sí, van constituyendo una secuencia, formando gamas. Por

ejemplo: amarillo, amarillo verdoso, verde, verde azulado, azul. (Colores armónicos)

Cuando en un cuadro se utilizan colores de una misma gama, generalmente se produce un

efecto armonioso, provocado por el color que tienen en común. Estos colores se llaman adyacentes

entre sí). (Ver pintura Water Liles –Eduardo Monet- 1840 – 1926- francés.)

Colores complementarios

Los colores que se ubican enfrentados en el círculo cromático, entre si, son complementarios u

opuestos.

Los tres colores complementarios son los que están formados por un color primario y un

secundario, formado por la mezcla de los dos primarios.

Rojo y Verde _______ Amarillo y Violeta ______________Azul y Naranja

Al estar juntos dos colores complementarios se resaltan sus características individuales y sus

atributos, por ejemplo un amarillo es más luminoso contra un violeta que a su vez se verá más

profundo y frió.

Si mezclamos los pares complementarios entre sí obtendremos tonos neutros pardos o

amorronados. La relación entre complementarios existe en todo el círculo cromático, por ejemplo el

complementario de un violeta azulado es un naranja amarillento

Colores análogos

Los colores análogos son aquellos que están contiguo en el círculo cromático por ejemplo:

violeta rojizo- violeta- violeta azulado.

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Colores alternos

Los colores alternos son aquellos que se alternan en el círculo cromático por ejemplo: Naranja-

Amarillo- Verde.

Actividades:

Realizar un Círculo cromático en donde se visualicen los colores primarios, secundarios y

terciarios. En un formato 50 x 50, sobre un papel obra de alto gramaje.

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Ciclo introductorio del Taller de Pintura

Profesores: Coñuel Aldo, Rojas Tracci Silvana

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Unida Nº 4

Tema: Bodegón- Color Local.

Concepto de Bodegón:

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa

objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales,

frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de

mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado.

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el

bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los

retratos.

Como lo expresa el Libro: El significado del Arte- Herbert Read- Bibliotecas de Obras Maestras del

Pensamiento- Editorial Losada. Buenos Aires.

EL COLOR – PAUL CÉZANNE

Ahora nos volcamos al papel representado por el color en la pintura. En especial a un artista:

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de1906) que fue un pintor francés

postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna. Se inscribió en la Academia

Suiza Académie Suisse Cezanne, pintaba el mundo tal como se presentaba ante sus ojos.

“Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar

sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera”.

La sensación se transmite, como en Cézanne, por gradación de los valores de tono de los colores, pero

sólo lo indispensable para asegurar un centro y un equilibrio sobre la composición total. El color queda

así reducido a su mayor atracción sensual. Lo que esa atracción significa para nosotros puede ser

mejor descrito en las palabras de Ruskin: “Todos los hombres bien organizados y justamente

moderados, gustan del color; está hecho para ayuda y delicias perpetuas del alma humana; es

empleado profusamente en las obras más sublimes de su perfección; está asociado con la vida en el

cuerpo humano, con la luz en el firmamento, con pureza y dureza en la tierra”.

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Actividad:

Realizar diferentes composiciones en formatos de 30 x 50 cm, con objetos del bodegón.

Realizar bodegones con naturalezas muertas en soportes de mayor tamaño.

BIBLIOGRAFÍA

Introducción al color- Prof. Osvaldo Krasmanski

El significado del Arte- Herbert Read- Bibliotecas de Obras Maestras del

Pensamiento- Editorial Losada. Buenos Aires.

“Educación Plástica I”. Pablo Ramirez Burillo y Carlota Graciela Cairo. Editorial

Santillana.

“La Historia del Arte"

Wikipedia, la enciclopedia libre.

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