Isamu Noguchi

Isamu Noguchi nació el 17 de noviembre de 1904 en Los Angeles, como hijo ilegítimo; su padre

fue el poeta Yonejiro Noguchi y su madre, la escritora Leonie Gilmour, americana de origen

irlandés. Su padre viajó a Estados Unidos cuando tenía dieciocho años y se encontró con

Leonie quien se enamoró de Yonejiro y de su talento, ayudándolo en la traducción de sus

poemas. Yonejiro llegó a ser famoso cuando tenía veinticinco años y regresó a Japón. En ese

momento, Leonie quedó embarazada, pero Yonejiro volvió a Japón solo. Éste fue un comienzo

difícil para la vida de Isamu. Cuando Isamu tenía dos años, su madre lo llevó a Japón para ver a

Yonejiro, quien trabajaba como profesor de la Universidad Keio Gijuku. Él ya tenía esposa

japonesa. Tres meses después de esto, Yonejiro les dio, a disgusto, una casa a Isamu y Leonie

en Chigasaki, Kanagawa. Desde entonces, Yonejiro no los visitó. Isamu tuvo una vida difícil en

Estados Unidos y en Japón a raíz de la discriminación como hijo ilegítimo o por la mezcla de

sangre japonesa e irlandesa. Por eso, Isamu no quería ir a la escuela y su madre lo hizo ir a un

taller de talla en madera, actividad a la que se entregó completamente: encontró su lugar en la

naturaleza abundante de Japón.

Yo creo que la vida de Isamu Noguchi se parece a la del maestro Leonardo da Vinci, quien

también nació como

hijo ilegítimo y estudió

la naturaleza. Ellos dos

vivían aislados y la

naturaleza fue su

amiga. Ellos dos no

fueron materialmente

favorecidos en su

infancia, pero, gracias a

su situación penosa,

pudieron tener

motivación para ser

artistas.

Isamu Noguchi en 1941, a la edad de 37 años.

En 1918, su madre Leoni, envió a Isamu a los Estados Unidos cuando él tenía 13 años para entrar en el Interlaken School, una escuela secundaria pública en el estado de Indiana, Estados Unidos. Probablemente Isamu no quería asistir a esa escuela, porque desde entonces tuvo una

vida difícil con una sensación de profunda soledad y esa escuela trabajaba bajo el esquema de residencia; sin embargo, durante aquella época, conoció parte de la obra de William Blake, pues debido a que sus padres eran literatos, Isamu creció en un ambiente en el que estaba presente la literatura. Finalmente, en 1919, Isamu ingresó al colegio con la intención de ser artista. De esta manera se volvió asistente del escultor Gutzon Borglum, quien le comentó que no tenía talento como escultor. Aunado a ello, su tutor, el Dr. Edward Lumley, le aconsejó el estudio de la medicina, y al sentirse frustrado como artista, decidió seguir este consejo. Unos años más tarde, en 1923, se trasladó a Nueva York, donde ingresó a la Universidad de Columbia ganándose la vida trabajando en un restaurante por las noches. Por aquella época, su madre Leonie regresó a los Estados Unidos después de 17 años de estancia en Japón e Isamu se fue a vivir con ella a Nueva York. Esta convivencia fue muy positiva para el futuro del artista, pues su madre, quizá viendo en su hijo una profunda decepción, le animó a seguir su vocación artística.

Así fue como en 1924, Isamu comenzó a asistir a la clase nocturna de escultura en la escuela de

arte Leonardo da Vinci, aun estando matriculado en la universidad. Pronto su talento floreció,

e incluso fue equiparado su talento con el de Miguel Ángel, el cual pudo mostrar

inmediatamente mediante una exposición. Su padre, tal vez en desacuerdo con su vocación,

no le permitió utilizar su apellido, a lo cual el artista hizo caso omiso. Después de que el

director de la escuela de arte le recomendara dedicarse a la escultura, Isamu abandonó la

medicina y montó su taller plástico en Greenwich Village, Nueva York.

En 1926, Isamu conoció la obra de Constantin Brancusi, quien fuera el más famoso escultor

rumano influido por Auguste Rodin y uno de los primeros artistas del arte moderno en la

Brummer Gallery en Nueva York, y se emocionó intensamente con ella por lo que la convirtió

en una de sus influencias; hacia 1927, el escultor emigró a París como becario de arte, donde

trabajó como asistente del

maestro Brancusi

estudiando en la Academy

de la Grande Chaumiere y

la Colarossi School

constituyendo este hecho

como un gran impulso a su

carrera.

Plaza Noguchi en Little

Tokyo, Los Angeles,

Estados Unidos

El encuentro con el maestro Constantin Brancusi hizo maravillosa la vida de Isamu Noguchi en

París. En la capital francesa aprendió mucho como asistente del maestro rumano y

experimentó varios amores; sin embargo, su beca para estudiar y residir en París tan solo tenía

vigencia de un año e Isamu no pudo prorrogarla, por lo que en 1928, se regresó a Nueva York.

Al año siguiente de su regreso a la unión americana, hacia 1929, Isamu organizó una

exposición de su obra sin los resultados esperados, pues fue poco apreciada, aunque en el

ámbito privado, los pedidos de esculturas por parte de particulares fueron muy valorados. Con

ello generó el suficiente capital para visitar París, Berlín, Moscú y Pekín entre 1930 y 1931. En

esta última ciudad aprendió a dibujar con tinta china bajo la enseñanza de Qi Baishi.

Posteriormente visitó Kioto, Japón, donde se encontró con su padre después de trece años. Allí

aprendió cerámica con el maestro Ninmatsu Uno inspirado por la belleza de Japón. Pese a

estas favorables circunstancias, anímicamente continuaba sintiendo la extraña soledad que

padeció toda su vida, pues sentía que en Japón era percibido como americano, al igual que en

Estados Unidos se le trataba como japonés, lo cual lo llevaba a preguntarse “¿a dónde

pertenezco?”.

Finalmente decidió, hacia 1932, volver a Nueva York, donde organizó exposiciones en las ías

Demotte y la John Becker. Al año

siguiente, creó las célebres obras Play

Mountain y Monument to the

plow como su primer proyecto

público y en 1935 produjo la

escenografía de la obra Frontier, de la

bailarina Martha Graham.

En 1936 Isamu visitó México para

dedicarse a la pintura mural con su

amigo Diego Rivera y conoció una

cultura que le pareció exótica.

Igualmente conoció a Frida, de quien

se enamoró después.

Isamu Noguchi a la edad de 36 años.

En 1936, cuando Isamu tenía 32 años, pasó ocho meses en México para dibujar el mural que se

llama La historia de México, en el mercado Abelardo L. Rodríguez en el Distrito Federal. Ahora

se puede ver esta obra en el segundo piso del mercado recibiendo luz indirecta en un lugar

oscuro. Me parece que Isamu y Frida Kahlo están presentes y su mural nos dirige algunas

palabras. El relieve del mural expresa la idea de Isamu en esa época, saliendo del muro

audazmente y con un oscuro colorido.

Isamu recibió una bienvenida afectuosa por parte de Diego Rivera y le presentó a su esposa,

Frida Kahlo. Isamu se irritaba por la actitud orgullosa de Diego para Frida, y espontáneamente

se enamoró de ella. La artista también se enamoró de Isamu y frecuentemente lo visitaba en el

mercado. Fue un lugar para verse en secreto. Tuvieron varios puntos en común, por ejemplo,

la historia personal desde su nacimiento: los dos fueron mezcla de sangre. Tuvieron un mundo

en donde sólo ellos entendían los sufrimientos del otro. Creo que se curaron mutuamente las

heridas del corazón. Cuando Frida propuso que buscaran un departamento para ellos dos,

Diego se dio cuenta de la relación y se enfadó mucho diciendo que mataría a Isamu. Por eso,

Isamu volvió a Estados Unidos de inmediato.

En esa época no había mucha diversión y pronto se publicó la infidelidad de Frida a gran escala

en las páginas de chismes de los periódicos. Hasta entonces, sólo se publicaban chismes de

Diego y la gente se aburría con esto. ¡Tómate ésa! La gente se reía de Diego y fue partidario de

Frida. Después de su corta estancia en México, en 1937, Isamu volvió a Nueva York dejando el

recuerdo de una vida llena de incidentes en México y de Frida. Parece que la vida en este país

pudo ser un sueño y una ilusión para Isamu.

Mural "La historia de

México" de Isamu

Noguchi en el mercado

Abelardo L. Rodríguez

En 1937 Isamu volvió a Nueva York de México y creó Radio Nurse, que fue la primera obra de

una producción en serie. Además, en 1939 produjo Table for A. Conger Goodyear como primer

diseño para mesa en Nueva York.

En 1941 empezó la vida como artista con su amigo, Arshile Gorky, en Hollywood, California. En

1948, cuando tenía 44 años, Gorky se suicidó. Así, Isamu perdió a su mejor amigo.

En 1943, Isamu diseñó su primera obra de iluminación: Cylinder lamp. Enseguida, en 1944,

diseñó Coffee table y Dinner set; después, Herman Miller, Inc., una empresa estadounidense

de muebles, los produjo en serie. En 1946, tuvo un gran reconocimiento por su obra de

mármol que había sido exhibida en la “Exposición de los 14 Americanos” en el Museo de Arte

Moderno de Nueva York. En 1948 diseñó un monumento de Gandhi en la India; en 1949

organizó una exposición personal, después de 13 años, en Charles Egan Gallery en Nueva York.

Al siguiente año visitó Japón, después de 19 años de no haber ido, y conoció a artistas jóvenes

como Kenzo Tange, un arquitecto. Durante su estancia en Japón, recibió pedidos de diseños

como Memorial Room y Garden en la Universidad KEIO, y en octubre del mismo año organizó

una exposición personal en la tienda departamental Mitsukoshi; al siguiente mes Isamu volvió

a Nueva York.

En la misma época, Yoshiko Yamaguchi, una actriz de nombre Li Xiang Lan, visitaba Hollywood,

California, para una filmación. Ella conoció a Isamu ; ella e Isamu estaban en una situación

compleja, entre dos patrias, y este punto en común hizó que simpatizaran. Isamu había

imaginado que no iba a casarse con nadie, pero ellos se casaron repentinamente. Aunque cada

uno fue un artista en áreas diferentes, se admiraban y se entendían mutuamente. El ceramista

Rosanjin Kitaoji les prestó su pabellón anexo en un terreno en Kita-Kamakura. Fueron de luna

de miel a Italia y Francia. Visitaron al maestro de Isamu, Constantin Brancusi, en París. Era una

época completamente feliz en la vida de Isamu con esperanzas para el futuro.

Después de la luna de miel, Isamu y su esposa, alquilaron un pabellón anexo de Rosanjin Kitaoji

en Kitakamakura, y empezaron una vida nueva como matrimonio. Isamu trabajaba en la

cerámica utilizando el horno de Rosanjin, mientras Yoshiko iba todos los días a un estudio

filmográfico desde Kitakamakura.

2000 The Isamu Noguchi Foundation, Inc, USA

Isamu no estaba satisfecho con sus actividades artísticas en Japón. Sentía que la cultura

japonesa en esa época era bastante pasada de moda. Isamu decidió ir a EE.UU. con su esposa,

y en 1953 se fue a Nueva York; seis meses después su esposa Yoshiko lo siguió. Ella tuvo que ir

después debido a que no consiguió obtener su visa, aunque no sabían por qué; finalmente la

obtuvo por seis meses. Comenzó a trabajar como actriz en Nueva York aunque no podía

permanecer ahí por mucho tiempo, así que volvió a Japón para continuar trabajando como

actriz e Isamu se quedó en Nueva York para seguir su camino como artista, los dos se pudieron

separar porque tenían un respeto mutuo en cuanto al trabajo del otro, pero algo en sus

mundos era diferente. A veces discutían mucho al hablar. Comenzaron a estar cada vez más

ocupados en el trabajo y después de tener unas vidas separadas, pusieron fin a su matrimonio

de cinco años (año 1956).

Aunque Isamu tenía planeado casarse antes con Yoshiko, en el año de 1951 volvió a visitar

Japón; fue a Hiroshima con Kenzo Tange y también diseñó un puente. Además, participó en el

concurso para hacer el monumento en memoria de los fallecidos por la bomba atómica.

Aunque contaba con la recomendación del arquitecto Kenzo Tange no fue aceptado. Para

Isamu, esto fue otro gran shock. Una de las personas del jurado, insultó a Isamu diciendo que

era americano, dando la razón de que “no se puede utilizar un diseño de un americano de los

que lanzaron la bomba atómica”. Sin embargo, fue una lástima, ya que aunque Isamu le rogó a

Tange “que se les pida a los jueces que tomen en cuenta que la mitad de mi sangre es

japonesa” ese deseo no se le cumplió. Isamu otra vez sintió que su existencia no pertenecía a

ningún lugar.

Aunque se convirtió en un sueño imposible construir el monumento en memoria de los

fallecidos de la bomba atómica, al final la realización del diseño la llevaría a cabo Kenzo Tange;

copiando una parte del diseño de Isamu, completó el proyecto, adoptando el diseño del

puente para hacerlo realidad.

Además, en ese mismo periodo nació el desarrollo del mundo de Isamu con su obra Serie de

luz. Las lámparas de su obra, que resultaban de la creación del takehigo(varas muy delgadas de

bambu), y el washi (papel estilo japonés) eran objetos de sensibilidad japonesa. Ahí se puede

sentir su intento por llamarse japonés. Además se puede pensar que más que los japoneses

hacía experimentos investigando sobre la belleza de Japón. En ese contexto puede que

estuviera el estilo de vida con Yoshiko. El brillo de las cálidas lámparas de alguna manera se

veían como superpuestas entre sí.

Además, después de haberse separado de Yoshiko, Isamu continuó trabajando con mucha

energía, produjo en la Quinta Avenida de Nueva York Waterfall wall (Cascada de pared)

y Ceiling (Techo), el monumento del natalicio de Buda en el año 2500 en Nueva Delhi; una vez

más vivió en Nueva York después de haber construido el jardín de la oficina central de la

UNESCO, en Paris.

Isamu fue completando uno a uno sus grandes proyectos: en el año 1961 construyó su estudio

en la ciudad de Long Island. Después de eso, durante 10 años visitó el municipio de Carrara en

Italia. En el año 1964 produjo el jardín de la compañía IBM, en Japón.

En el año de 1968 en el museo de arte de Whitney inauguró su propia exposición personal; en

1970 para la Expo mundial de Osaka construyó una fuente conmemorativa. En el año 1972, en

Detroit, comenzó a colaborar con el arquitecto George Sadao, desde entonces esa

coproducción continuó. Después de eso, construyó el Landscape of time (Paisaje del tiempo)

de Seattle, el Momotaro de Nueva York, el Tengoku (Cielo) del Museo Sougetsu de Tokio, entre

otros.

Después, continuó sin disminuir su voluntad de trabajar, pues desde que era joven tenía el

sueño de esculpir la tierra misma, viendo siempre hacia la realización de ese proyecto no

renunció a su idea fundamental. Eso es lo que lo llevó a unirse al paisaje del Parque

Moerenuma de Sapporo, junto con el sentimiento incansable de búsqueda de algo fue que

Isamu se esforzó por avanzar.

El diseño del paisaje de Isamu Noguchi. El Parque Moerenuma en Sapporo

En el año 1969, en la prefectura de Kagawa, en la ciudad de Takamatsu en el poblado de Mure,

vivió Isamu; el motivo es que quedó encantado, entre otras cosas, con el granito negro (piedra

berroqueña) de Japón. Tomó la decisión, dentro de su corazón, de establecer su residencia y su

estudio en la región donde se produce la piedra aji. Su buen compañero, Masatoshi Izumi,

como asistente comenzó a obtener una gran fuerza para trabajar. En el año 1986 comenzó la

producción deSlide Mantra, para exponer en la edición 42 de la Bienal de Venecia como

representante de Estados Unidos. En 1987 recibió, de manos del presidente Reagan, la

Medalla Nacional de las Artes de America. En el año 1988 fue condecorado con Tercer grado

de la medalla Orden del Tesoro Sagrado.

El proyecto de realización del paisaje del parque Moerenuma de Sapporo, fue definido en el

año de 1988, por lo que Isamu se alegró mucho. Sin embargo, en ese mismo año, sin haber

podido ver ni una sola vez el parque Moerenuma terminado, abandonó este mundo. Después

de su muerte, el parque Moerenuma fue terminado en el año 2004.

En la ciudad de Mure, Kagawa, nació la escultura de piedra gigante llamada Energía Vacía de

3.6 metros de alto y 17 toneladas de peso, es una obra que va de la forma de una rosquilla

transformándose a un cuadrado y que despide un imponente negro mate.

Pie de foto: 3.6 metros de altura, peso: 17 toneladas. "Energía vacía." Museo Jardín de Isamu

Noguchi en la Provincia de Mure, Prefectura de Kagawa

En sus últimos años, la obra Energía Vacía se convirtió en su conclusión. Con el significado

de fuerza y aire, tal vez quería decir “que el origen de la fuerza, está en donde no hay nada”.

Era el mundo a donde Isamu llegó, en otras palabras, también se puede decir que es “la unión

del mundo de la nada (vacío) y el existir”. Estas esculturas parece que serán aplastadas por un

sentimiento de opresión y un aura que está flotando. Allí, entre la vida y la muerte, el mundo

de la nada y el existir, la oscuridad y la luz, la vida y el universo entre otros, se puede ver el

mundo de toda la creación, se puede captar la raíz de las cosas. Es por eso que las personas

que ven algo en esta escultura, pueden sentir la fuerza de su exigencia.

Cuando se tiene la obra frente a los ojos, salta a la vista el útero al fondo del gran anillo negro.

Isamu tenia la costumbre de escuchar música de jazz siempre que terminaba un trabajo.

También mientras lo escuchaba le venían los recuerdos de su madre, aunque le guardó rencor

hasta el final de sus días. Los dos caracteres con los que se escribe soledad (kodoku 孤独 )

nunca los pudo borrar de su vida. Por otra parte, recitaba del libro de poesía

titulado Peregrinación, que tomó de su amado y respetado padre Yonejiro, un pasaje que

hablaba del mar interior de Seto. Este hermoso poema conmovía mucho a Isamu y hacia que le

salieran las lágrimas; salía de la casa, mientras contemplaba el atardecer del cielo y

dirigiéndose al resplandor dorado, nadaba en la hermosa extensión del mar, confiando en su

cuerpo; las lágrimas no se detenían y al agrandarse se derramaban. Esas lágrimas derramadas

fueron absorbidas por el mar de Seto.

Isamu fue a Paris para ver una obra que le estaba siendo pedida. Antes de regresar a Japón,

hizo una corta visita a Nueva York, donde se desvaneció. Irónicamente, ésta fue la tierra de

donde Isamu salió como escultor y donde llegó a la meta de su vida. La causa de muerte fue

una insuficiencia cardiaca: falleció el 30 de diciembre de 1988 a la edad de 84 años.

ESCULTURAS

Food tree1928

Gold-plated brass

24 1/8 x 12 1/2 x 6 7/8 in. (61.3 x 31.8 x 17.5 cm)

Base: 4 x 8 3/4 x 8 3/4 in. (10.2 x 22.2 x 22.2 cm)

Globular

1928

Polished brass

20 x 9 1/4 x 11 1/2 in. (50.8 x 23.5 x 29.2 cm)

Base: 3 3/4 x 9 x 7 3/4 in. (9.5 x 22.9 x 19.7 cm)

Figure

1945 - 1985

Bronze

59 7/8 x 21 1/2 x 15 7/8 in. (152.1 x 54.6 x 40.3 cm)

Positional shape

1928

Gold-plated brass, marble

Leda

1928

Gold-plated brass

23 3/8 x 11 7/8 x 12 5/8 in. (59.4 x 30.2 x 32.1 cm)

Base: 1 1/8 x 15 x 15 in. (2.9 x 38.1 x 38.1 cm)

Sail Shape

1928

Brass

42 1/2 x 17 1/8 x 19 1/2 in. (108 x 43.5 x 49.5 cm)

Base: 2 1/8 x 15 1/8 x 15 1/8 in. (5.4 x 38.4 x 38.4 cm)

Red Seed

1928

Wood, metal

14 1/2 x 13 1/2 x 10 3/4 in. (36.8 x 34.3 x 27.3 cm)

Base: 3 1/8 x 8 x 8 in. (7.9 x 20.3 x 20.3 cm)

Mother and child

1944 - 1947

Onyx

19 3/8 x 12 3/4 x 8 5/8 in. (49.2 x 32.4 x 21.9 cm)

Strange Bird (To the Sunflower) (Unknown Bird)

1945

Green slate

56 5/8 x 21 7/8 x 20 in. (143.8 x 55.6 x 50.8 cm)

Folded torso

1958 - 1959

Aluminum

71 1/4 x 23 x 16 in. (181 x 58.4 x 40.6 cm)

Base: 8 x 16 x 15 3/4 in. (20.3 x 40.6 x 40 cm)

Orpheus

1958

Aluminum

83 x 44 1/4 x 6 5/8 in. (210.8 x 112.4 x 16.8 cm)

Base: 5 x 40 x 11 5/8 in. (12.7 x 101.6 x 29.5 cm)

Humpty Dumpty

1959 - 1973

Painted stainless steel

67 1/4 x 39 1/2 x 8 1/2 in. (170.8 x 100.3 x 21.6 cm)

Base: 7 1/4 x 29 x 11 7/8 in. (18.4 x 73.7 x 30.2 cm)

Pink Jizo

1960

Portuguese marble, brass, limestone

23 1/2 x 9 7/8 x 17 3/4 in. (59.7 x 25.1 x 45.1 cm)

Base: 9 1/8 x 9 x 11 in. (23.2 x 22.9 x 27.9 cm)

Study for a Waterfall

1961

Granite

55 7/8 x 19 5/8 x 14 3/4 in. (141.9 x 49.8 x 37.5 cm)

Base: 19 x 26 x 22 in. (48.3 x 66 x 55.9 cm)

Shodo Flowing (Calligraphy)

1960 - 1962

Bronze, black patina

76 1/4 x 15 x 12 3/4 in. (193.7 x 38.1 x 32.4 cm)

Stone of Spiritual Understanding

1962

Bronze, aluminum

51 3/4 x 54 x 15 1/2 in. (131.4 x 137.2 x 39.4 cm)

Untitled

1962

Mannari granite

31 3/4 x 24 1/4 x 10 1/8 in. (80.6 x 61.6 x 25.7 cm)

Base: 38 1/8 x 11 1/4 x 11 in. (96.8 x 28.6 x 27.9 cm)

Vertical Man

1964

Serpentine, stainless steel

"73 x 14 1/2 x 15 in. (185.4 x 36.8 x 38.1 cm) Weight: 187 lb. (84.8 kg)"

Indian Dancer

1965 - 1966

Granite

Green Essence

1966

Serpentinite marble, aluminum

65 x 28 x 28 7/8 in. (165.1 x 71.1 x 73.3 cm)

Euripides

1966

Italian marble

83 x 41 1/2 x 28 1/8 in. (210.8 x 105.4 x 71.4 cm)

48 1/2 x 49 1/8 x 26 3/4 in. (123.2 x 124.8 x 67.9 cm)

Base: 7 3/8 x 39 7/8 x 29 3/8 in. (18.7 x 101.3 x 74.6 cm)

Base: 7 1/2 x 48 1/4 x 29 3/4 in. (19.1 x 122.6 x 75.6 cm)

Slide Mantra

1966 - 1985

Carrara marble

19 5/8 x 22 1/8 x 23 3/4 in. (49.8 x 56.2 x 60.3 cm)

Ding Dong Bat

1968 - 1969

White statuary marble, pink Portuguese marble

23 1/4 x 92 5/8 x 16 1/4 in. (59.1 x 235.3 x 41.3 cm)

Base: 14 x 13 3/4 x 19 1/4 in. (35.6 x 34.9 x 48.9 cm)

Base: 18 x 13 3/4 x 19 1/4 in. (45.7 x 34.9 x 48.9 cm)

atsura

c. 1968

Miharu granite, stainless steel, wood

28 x 15 3/4 x 11 1/2 in. (71.1 x 40 x 29.2 cm)

Vertical View

1973

Miharu granite

41 1/2 x 42 x 21 1/8 in. (105.4 x 106.7 x 53.7 cm)

Base: 9 5/8 x 30 x 36 in. (24.4 x 76.2 x 91.4 cm)

Deepening Knowledge

1969

Basalt

In Silence Walking

1970

Bardiglio marble

62 5/8 x 20 5/8 x 15 1/8 in. (159.1 x 52.4 x 38.4 cm)

Base: 9 x 22 x 19 in. (22.9 x 55.9 x 48.3 cm)

Sentinel

1973

Disc-sanded stainless steel

71 3/8 x 70 1/2 x 28 5/8 in. (181.3 x 179.1 x 72.7 cm)

End Piece

1974

Basalt, COR-TEN steel

59 5/8 x 67 x 20 3/4 in. (151.4 x 170.2 x 52.7 cm)

El cubo rojo

To darknees

The mountain

Indian dancer

Worm piramide

10 Death (Lynched Figure)