Un recorrido por la técnica libre

La abstracción de Aitala

Alumna : Martina Pizarro Miguens

Carrera : Diseño de Indumentaria

Asignatura : Taller de Reflexión Artística III

Docente : Manuel Carballo

Índice

Resumen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1

Desarrollo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 2

Bibliografía . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8

Anexo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9

Resumen

En este ensayo se analizarán las obras del artista argentino Benjamín Aitala. Estas

mismas las relacionaremos con distintos movimientos históricos y contemporáneos

del arte. Principalmente, compararemos su arte con el pop art, el cubismo y el

renacimiento. El primero de ellos lo destacamos en torno a los collages y los colores

que utiliza el artista en sus obras. Luego, lo vinculamos con las tipografías

características del movimiento del cubismo. Por otro lado, en cuanto al renacimiento,

conectaremos como la utilización o no de perspectiva afecta a las obras de arte.

Fuera de los movimientos, se hará una relación respecto a la tecnología, teniendo

en cuenta los programas de diseño gráfico que el artista suele aplicar en sus

trabajos. Por último, vamos a comparar al artista con una de las pinturas libres mas

vistas de hoy en día, el grafiti urbano, ya que el mismo comparte características

respecto a su forma de expresión.

Un recorrido por la técnica libre

La abstracción de Aitala

Las obras que se van a analizar durante este ensayo son del argentino nacido en

Olavarría, Benjamín Aitala, quién estudió unos cuantos años en la Universidad de la

Plata la carrera de Bellas Artes. Este hombre es un artista reconocido en nuestros

tiempos en el país por su arte contemporáneo, y cuenta con una gran cantidad y

variedad de exhibiciones y exposiciones.

El arte de Aitala es muy particular. La gran mayoría de sus obras son de libre

interpretación, dejando al público la capacidad de entender por sí mismos el

significado y el fin que cada representación tiene. Lo que el artista busca es que sus

obras, por medio de esta interpretación, conduzcan a los espectadores a distintos

lugares, haciendo de la imaginación un elemento esencial. Lo que destacamos de

esta característica, es la capacidad de hacer trabajar la mente humana. Tener el

poder de hacer pensar a la gente, y llevar a cada uno a un lugar diferente por medio

de su imaginación, es una capacidad que pocos artistas se dan el lujo de alcanzar.

En sus obras, el artista incluye algunos elementos que podemos llegar a relacionar

con los movimientos del pop art, el cubismo, y el renacimiento. Sus

representaciones cuentan con varios elementos característicos, como el empleo del

collage, el uso de colores puros brillantes y fluorescentes a través de la utilización de

acrílicos. En estos trabajos también podemos observar la presencia de la figura

humana, mezclada con todos los demás ingredientes de sus obras, como también la

denotación de paisajes, que sobresalen entre los collages y las pintadas.

Ahora nos concentraremos en cuáles son los movimientos artísticos y objetos de la

cultura que podemos vincular al trabajo de este artista, intentando hacer

comparaciones y denotando cosas en común con algunos de los movimientos más

icónicos de la historia del arte. Poder establecer semejanzas con algunos estilos y

movimientos, permite hacer un análisis profundo de sus obras a veces darle una

clasificación al artista, haciéndonos saber qué tipo de arte es el que sus obras

denotan. De todas formas, dichas clasificaciones no las hacemos con el fin de

encerrar al artista en un determinado estilo, sino nada más analizar sus obras en un

contexto y vincularlas con la cultura e historia del arte.

El primer movimiento con el que lo relacionamos es el pop art, un arte

eminentemente ciudadano, surgido de las urbes, y que es ajeno por completo a la

naturaleza. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes

ya que las prácticas y los conceptos que se utilizan de manera general en este

estilo, hacen que sean de una difícil comprensión. En este arte se usan colores

puros, brillantes fluorescentes, colores que se contrastan fácilmente, y que suelen

ser vivos y brillantes como los que se encuentran en las obras del artista argentino.

Este movimiento urbano recibe su nombre por primera vez en el año 1954, cuando

el crítico británico Lawrence Alloway lo utilizó para etiquetar un arte popular que

había sido creado por una cultura, un grupo de personas que tenía un

influenciamiento fuerte por parte de la publicidad, y que según él tenía muy poco

sentido crítico. El nombre luego ya le quedó asentado a este tipo de arte, que desde

un principio desafió la visión modernista de la cultura y a la perspectiva tradicional

de las Bellas Artes. El inicio del pop art también es relacionado con el llamado Grupo

Independiente, fundado en Londres en 1952, que era un grupo de jóvenes de

distintas profesiones, que realizaban obras basadas en objetos encontrados,

elementos de comerciales, películas, tiras cómicas y tecnología, entre otras cosas.

El artista y escultor Eduardo Paolozzi, co-fundador del Grupo Independiente,

reconocido por sus obras utilizando la técnica del collage (ver imagen 5) al igual que

el artista contemporáneo Aitala. Sus elementos son variables, por eso cuando uno

busca describir como sería una obra pop art típica, no puede hacerlo, ya que este

movimiento tiene características propias que hacen énfasis en las actitudes y

emociones que conducen al arte, más que en el arte en sí (Stangos, 2002).

Reconocidos artistas del pop art en el mundo hay varios, entre ellos podemos

destacar a Andy Warhol, a quién se lo caracteriza por querer “eliminar por completo

la idea de obra hecha a mano”. Sus cuadros suelen basarse en imágenes

fotográficas transferidas al lienzo por “medio de estarcidos”. Algo similar hace Roy

Lichtentein, pero él, a diferencia de Warhol, busca “crear conciencia de los

significados de la existencia contemporánea de maneras completamente diferentes”.

No solo ellos, sino los artistas del movimiento en general, se destacan por realizar

sus obras utilizando recursos como el silkscreen, la producción masiva, los collages

y fotografías, incluyendo el las obras un toque irónico e irreverente, haciéndole

frente a una sociedad que se presenta cada vez más industrializada. Las obras

suelen tener materiales como la goma espuma, los acrílicos, poliéster, tiras de comic

o señales de tránsito (Stangos, 2002).

El arte figurativo se define por la imitación de la naturaleza, la representación de

figuras que existen en la realidad. Un claro ejemplo del figurativismo en el Pop Art es

Andy Warhol con una de sus obras más reconocidas en todo el mundo, las latas de

la sopa Campbell, un elemento popular de la época (ver imagen 6). En la imagen del

artista contemporáneo argentino, Aitala se encuentra la representación de figuras

humanas y hojas refiriéndose al arte figurativo siendo este uno de los elementos del

Pop Art.

A su vez, las obras del artista argentino se las pueden asociar con el Cubismo. Este

movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1924 nació en Francia y algunos de

los artistas más reconocidos fueron Picasso y Braque entre otros. Las obras de los

años anteriores estaban muy cargadas de emoción e influidas por las problemáticas

sociales y políticas de la época.

“El cubismo, por otra parte, era por encima de todo un arte formalista, preocupado

por la revaluación y la nueva invención de procedimientos y valores pictóricos. Esta

evolución estuvo, se verá, por completo libre de influencias externas. Tenía vínculos

con la literatura contemporánea, pero evitó alusión literaria” (Stangos, 2002).

Este movimiento está basado en las figuras geométricas tales como el cilindro, la

esfera y el cono. Fueron los artistas los que quebraron los estándares de la

proporción de la figura humana y los objetos. Además, cambiaron la forma de utilizar

la perspectiva, le dieron un nuevo giro a diferencia del manejo convencional de la

técnica, dieron lugar a los planos multidimensionales.

En las obras de Benjamín Aitala se logra ver reflejado el movimiento artístico

llamado Cubismo en las tipografías utilizadas. Esto es así ya que la composición es

más libre, la línea utilizada en las letras son rectas y circulares, además poseen un

aspecto tanto estético como retórico. Por último, el artista utiliza el esténcil dándole

un volumen único algo característico del movimiento.

Saliendo un poco del tema tratado, ahora vamos a relacionar al artista con un

período artístico de gran importancia, el Renacimiento. Fue un movimiento artístico

que tuvo lugar a fines de la Edad Media, ocurriendo más que nada en Europa. Sus

inicios se situaron en la ciudad italiana de Florencia en el siglo XV, donde este

movimiento surgió y luego comenzó a expandirse con gran velocidad a lo largo de

todo el continente y el mundo. Tiene este nombre porque se lo considero un renacer

justamente, un volver a nacer del arte que se había perdido (Gombrich, 1992).

Brunelleschi no solo fue el iniciador del Renacimiento, sino que también fue el

creador de la técnica de la perspectiva matemática (Gombrich, 1992). Esta nueva

creación fue de increíble utilidad, porque le permitió a los artistas a resolver un sinfín

de problemas que se presentaban respecto a la perspectiva, brindando una

respuesta matemática que facilitaba mucho la aplicación más simple de apreciar.

En la imagen, se puede notar una de las primeras obras que se ejecuto de acuerdo

con estas nuevas reglas matemáticas, la obra es del artista Masaccio llamada

“Santísima Trinidad” (ver imagen 7). En esta imagen se puede apreciar el intento de

generar perspectiva en el techo, especialmente las bóvedas y las columnas.

En el caso del artista argentino sus obras no presentan ningún tipo de perspectiva,

son imágenes superpuestas que no respetan la naturaleza de las figuras u objetos.

Además no considera los tamaños ni los colores ni las sombras establecidas de sus

figuras y objetos.

La perspectiva fue el descubrimiento más importante de la época. Todos los artistas

del movimiento la empleaban en sus obras. Algunas de las temáticas más vistas de

las obras del Renacimiento son los paisajes y las figuras humanas. En la obra “La

Tempestad” de Giorgione se logra ver un ambiente natural con buena profundidad,

la tempestad representada en el rayo, también bien lograda la perspectiva con las

diferentes capas y un hombre, una mujer y un niño (ver imagen 8).

Los artistas de este movimiento artístico buscaban representar la naturaleza tanto

en las figuras humanas como en sus paisajes.

Las obras de Aitala poseen tanto figuras humanas como también paisajes pero a

diferencia del Renacimiento, el artista trabaja de otra manera a estas dos temáticas,

ya que estas están representadas de manera abstracta y no muestran la misma

naturalidad que se buscaba en la época.

Dejando ya de lado el Renacimiento, pasamos a algo más actual, también con

relación al artista, llamado Street Art o también arte urbano. Este hace referencia a

toda expresión artística realizada de manera ilegal en las calles urbanas. Un gran

representante de este estilo artístico es el español conocido bajo el nombre de Pejac

(ver imagen 9). Este hombre tuvo la gran idea de sacar el arte de los museos y las

exhibiciones, y tomar los espacios urbanos como medio de expresión de su arte. La

idea que lo impulsó a hacer esto era poder darle popularidad a sus obras, y una

popularidad muy especial, ya que todo persona que transite por la calle podría ver

sus trabajos, en vez de tener que ir a algún tipo de exhibición.

El gran fin oculto detrás de esto es que el artista encuentre a su público, y no que el

público sea quién debe buscar al artista. Tomando sitios urbanos como lugar de

trabajo, lo que hace es transformar algo cotidiano y citadino como un muro gris, en

el espacio ideal para expresar una idea y exponer una obra de arte al aire libre,

disponible para todos. Capturando esta idea de expresarse en las calles, y poder

convertir algo rutinario y aburrido en la base de una obra de arte, nace el arte

llamado grafiti, como una rama del Street art.

El grafiti es un tipo de arte, más que nada de pintura, que se destaca principalmente

por ser considerado ilegal en la mayoría del mundo, ya que el mismo se realiza en

espacios urbanos o en la vía pública. Surgió como un medio de expresión de la

gente que buscaba dejar un mensaje, y vio la oportunidad de hacerlo en los lugares

transitados, para que sus obras puedan ser admiradas. Otro de sus principales

objetivos es buscar llamar la atención de los espectadores (Wikipedia, Grafiti, 2003).

En realidad, las obras de Aitala no son en las calles, ni en espacios públicos, y

mucho menos ilegales. Pero no comparamos su arte con el Street art por eso, sino

por otro motivo. Por más que uno se realice en la calle y otro en un lienzo, lo que

estos artistas buscan es expresarse ante su público, tienen la misma finalidad.

Como se dijo previamente, el artista argentino se expresa, y a la vez busca que su

audiencia pueda interpretar su arte libremente, que decida cada uno el significado y

contenido de la obra. Con estos tipos de arte, expresados en la calle, por más que el

propio artista no lo busque, siempre va a recibir variadas interpretaciones. Esto le

sucede por el hecho de que, al estar expuesto para que cualquier persona lo

observe, lógicamente, cada uno va a realizar una interpretación distinta y va a ver un

significado distinto en esa expresión del autor. Por lo que, por más que el Street art,

el grafiti, y Aitala no sean muy similares en su modo de expresarse, comparten de

manera inevitable, un mismo fin.

La última comparación que vamos a realizar con el arte de Aitala, es de carácter

tecnológico. Las obras de este artista tienen un vínculo bastante fuerte con la

tendencia tecnológica con la que convivimos hoy en día. La mayoría de sus trabajos

especialmente las tipografías utilizadas en sus obras son extraídas de nuevos

programas de diseño gráfico. La capacidad que el hombre tiene para poder

transformar un programa que, por más que antes no era conocido o ni existía, hoy

en día es bastante utilizado por la gente, es remarcable por el hecho de que, al ser

un programa que puede ser de uso cotidiano para algunos, como la gran mayoría de

la tecnología, él puede transformarlo en una obra de arte única y sin igual. En esta

era de tecnología, todos los días surge algo nuevo, y con Aitala sucede algo similar,

ya que cada uno de sus trabajos es una obra de arte novedosa.

En conclusión, las obras del artista argentino, Benjamín Aitala, no buscan una

reflexión concreta, no tienen un único propósito como quizás tenían las obras del

Renacimiento, en las que la intención era representar un paisaje, un hecho histórico

de la manera más natural posible. Este artista se caracteriza por su abstracción, y

como mediante ella los espectadores son capaces de percibir diferentes

sentimientos y emociones de manera libre e individual. Este artista abarca diferentes

ramas artísticas y diferentes técnicas, tales como el pop, el cubismo y el Street art.

Esta combinación de elementos de diferentes movimientos y técnicas artísticas es lo

que hacen a este artista único e inigualable.

Bibliografía

Gombrich, E. (1992). “Historia del arte ”La conquista de la realidad. Ediciones

Garriga. Barcelona.

Hauser, A. (2002). “Historia social de la literatura y el arte II “ Ediciones

Guadarrama. Madrid.

Stangos, N. (2000). “Conceptos del arte moderno” Del fauvismo al

posmodernismo. Ediciones Destino. Barcelona.

Grafiti. (2003). En Wikipedia, la enciclopedia libre.

<https://es.wikipedia.org/wiki/Grafiti> recuperado el 11/06/17

Anexo

Imagen 1 Benjamín Aitala

Imagen 2 Benjamín Aitala

Imagen 3 Benjamín Aitala

Imagen 4 Benjamín Aitala

Imagen 5 “Bash”,1971, Eduardo Paolozzi

Imagen 7 “Santisima Trinidad”,1427,

Masaccio

Imagen 6 “Latas de sopa Campbell”,1983,

Warhol

Imagen 8 “La Tempestad”,1508, Giorgione

Imagen 9 “Vandal-ismo”,Pejac