Escultura barroca

CLAVES DE HISTORIA DEL ARTE

1º. GRADO ESPAÑOL: LENGUA Y LITERATURA

Curso 2012-2013

Javier Muñoz de Morales Galiana

Laura Alba Canales Muñoz

Marta Poblador Lizcano

2

ÍNDICE

Introducción…………………………………………………………………..3

1. Definición de Barroco y contexto histórico………………………...…..3

2. Características generales del arte en el Barroco…...………………….5

2.1_Características de la escultura barroca…….…………………..…7

3. La escultura barroca en España…………………………………….…8

3.1_Escuela Andaluza………………………………………………….9

3.2_Escuela castellana………………………………………………....11

4. La escultura barroca en Italia……………………………………….…13

5. La escultura barroca en Francia………………………………………. 17

5.1_Características………………………………………………….…17

5.2_Autores relevantes y obras……………………………………….18

6. La escultura barroca en otros países………………………………...…25

6.1_Inglaterra…………………………………………………………..25

6.2_Alemania…......................................................................................26

6.3_Países Bajos…………………………………………………….….27

Conclusiones…………………………………………………………………27

Bibliografía…………………………………………………………………..28

3

Introducción

El presente trabajo pretende llevar a cabo un análisis de la escultura barroca, con

el objetivo de desarrollar toda la información fundamental sobre este asunto. Para ello,

comenzamos definiendo el período artístico conocido como Barroco e ilustrando su

contexto histórico, para luego sintetizar las características de la escultura y finalmente

hacer un recorrido por los distintos países en los que se dio con el siguiente orden:

España, Italia, Francia y resto de Europa, tratando tanto los autores de mayor relevancia

como sus obras más destacadas. A su vez, con el afán de ilustrar todos los

conocimientos aquí presentes, hemos incorporado una serie de imágenes de las obras

más importantes tratadas.

1. Definición del Barroco y contexto histórico

El Barroco es un período histórico que hace referencia a un movimiento cultural

y artístico desarrollado a lo largo del siglo XVII y cuyo origen se encuentra en Italia,

donde es denominado Seicento, a finales del siglo XVI, a partir de lo cual se extendió

por toda Europa occidental y parte de Hispanoamérica. Aunque teóricamente el Barroco

comprende el siglo XVII, en realidad surge en el XVI y se extiende hasta el XVIII.

El término Barroco tuvo un sentido peyorativo durante mucho tiempo

identificándolo con la ostentación, el recargamiento, el engaño… que se dio en

comparación con la claridad del Renacimiento, período anterior, y cuya máxima era la

imitación de los estilos clásicos grecolatinos. Existen varias creencias en torno al origen

del término Barroco, puesto que algunos aseguran que esta palabra proviene del griego

baros que significa pesadez; para otros, procede del florentino barochio y significa

engaño. Sin embargo, la idea más extendida es que hace referencia a la palabra

portuguesa barocco, que significa “perla irregular y deforme”. Posteriormente fue

revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto

Corce y Eugenio D’ors.

Históricamente responde a la decadencia política, económica y social del siglo

XVII, puesto que a la expansión social y cultural propia del siglo XVI le sigue una

época de retroceso y crisis. Por otro lado, el Barroco surge ligado a los países

contrarreformistas en una época de grandes tensiones religiosas debido precisamente a

la contrarreforma, la cual dio lugar a numerosas guerras entre las que destacan la guerra

4

de los 30 años que asoló Europa y diezmó en gran medida a la población alemana. Se

reafirma el absolutismo monárquico de las potencias europeas, justificado

teológicamente al ser considerado el rey lo era “por la gracia de Dios”, y jurídicamente

por el derecho romano que cree que el rey es “Ley Viviente”. Hobbes y Bossuet serán

los defensores teóricos del absolutismo. Cabe destacar la tensión política creada por la

Guerra de Sucesión Española al morir sin descendencia el monarca Carlos II.

Económicamente fue un período de depresión tras la expansión y el

florecimiento del siglo anterior, provocado por las malas cosechas, las hambrunas, el

estancamiento del comercio en el área mediterránea… esta situación se agravó con la

epidemia de peste que se extendió por Europa a mediados del siglo XVII. Tras conocer

toda esta situación, no es de extrañar la gran pobreza y depresión en la que vivía la

mayoría, llegando a alcanzar el número de pobres y mendigos la cuarta parte de la

población en algunos países.

Ideológicamente el Barroco se identifica con una nueva sensibilidad ajena al

mundo platónico e idealizado de los humanistas para volverse a plantear los eternos y

angustiosos problemas del ser humano. Por un lado, el Renacimiento buscaba plasmar

la realidad idealizándola, mientras que el Barroco trata de reflejar el mundo con todas

sus fracturas, contradicciones y penurias. Los sermones religiosos dados por los clérigos

del barroco ahondaban en la necesidad de que el hombre se centrara y conformara con

su destino, rechazando ideas vanas y falsas ilusiones. El hombre barroco se mueve así

entre la desesperanza y la rebeldía frente el mundo que debe vivir.

Es necesario destacar el concepto de desengaño barroco, el cual se refiere al

proceso por el que el hombre adquiere un conocimiento de sí mismo y de la realidad sin

imposturas, renunciando a la idea de que las cosas pueden ser positivas y sin dejarse

engañar por la aparente afabilidad del mundo.

Por otro lado, se identifica la vida como un sueño, algo pasajero e inconsistente,

lo que es consecuencia de la depreciación de la realidad ya mencionada y provoca la

duda entre la ensoñación y lo real. Es frecuente la introspección hacia el interior del

hombre, así como la meditación sobre la muerte.

Por último, cabe destacar que el modelo de hombre barroco es el estoico, es

decir, aquel que rechaza las ilusiones engañosas del mundo, lo cual oscila con la idea

del gozo de la vida al comprender que todo es ilusión y que hay que aprovechar el

momento. Este último punto se refleja en la literatura a través de tópicos como Carpe

Diem, memento mori…

5

A lo largo de este período encontramos una gran producción en numerosos

campos: literatura, arquitectura, pintura, danza, ópera, teatro… nosotros nos

centraremos en la escultura.

2. Características generales del arte en el Barroco.

El artista barroco tiene en cuenta las

figuras e ideales del Renacimiento y,

partiendo de ellos, se aleja hacia un punto de

vista más subjetivo para tratar de crear

caracteres propios y definidos. Para lograr

esta creación del propio estilo se trata de

innovar, de buscar la originalidad, lo

sorprendente para excitar la sensibilidad y la

inteligencia. Para lograr esta innovación, el artista emplea imágenes brillantes,

novedades estilísticas, ideas ingeniosas… un ejemplo sería el uso ilusionista de los

efectos ópticos que trataban de llamar la atención. Este hecho nos sugiere el por qué el

arte se volvió más recargado, decorativo y ornamentado. El Barroco puede representarse

como un opuesto al Renacimiento, puesto que se abandona la mesura clasicista para dar

paso al exceso característico de esta época, dándose una adaptación de los modelos

empleados en el Renacimiento.

Por otro lado, el arte Barroco es un arte de

contrastes, puesto que en este período se nos

presenta una fisionomía completamente

heterogénea al presentar de igual manera belleza y

fealdad, lo común y lo original, la luz y la sombra,

lo hermoso y lo grotesco, lo grandioso y lo

cotidiano… por otro lado también encontramos un

gran contraste temático entre la vida y la muerte.

Así, la ausencia de normas provoca una visión unilateral de la realidad que provoca su

idealización hasta la belleza absoluta o su deformación hasta el envilecimiento

degradante, provocando una vez más los ya nombrados contrastes y tendiendo a la

exageración en la búsqueda de la realidad y del estilo propio y original.

Altar de San Luís de los franceses

Susana y los viejos

6

Ideológicamente el Barroco

concibe el mundo como una realidad

engañosa que trata de confundirnos

para lograr nuestra ignorancia y que se

mueve y transforma constantemente.

Ante este hecho el hombre se resigna

con pesimismo y concibe su alrededor

como un profundo caos lleno de

desorden y confusión que se encuentra

en movimiento en el que sólo cabe esperar a la muerte. La vida es un mero tránsito,

encontrando aquí la idea de la fugacidad del tiempo y la brevedad de la existencia de

donde, a su vez, surge la necesidad de aprovechar la vida y el momento. Así, ante la

idea del mundo como mudanza y cambio constante produce la idea de dinamismo y

movilidad en el arte. En ocasiones para huir de este mundo ilusorio se buscaba la

creación de una realidad alternativa a través de la ilusión y la ficción, encontrando su

máxima expresión en las fiestas y la celebración lúdica.

Otra característica que es necesario

resaltar es el profundo naturalismo que se da

en esta época, puesto que, al contrario que

había ocurrido anteriormente, las figuras no

se representan como meras imágenes

idealizadas y en un conjunto unitario, sino

que tratan de desarrollar una personalidad

propia y de aspecto específico, tratando de

dejar al margen los cánones y representando

de forma realista a la persona. De igual

manera, los artistas buscaban representar los sentimientos interiores, las pasiones, los

temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes tanto en

pintura como en escultura, tratando así de

conferir movilidad y personalidad a la obra.

Por último, cabe destacar el carácter

ilusorio y artificioso en el que predomina el

gusto por lo efímero y lo visual, por lo que el

Las Meninas

Cristo yacente

Lección de anatomía

7

hombre debía realizar un esfuerzo para lograr comprender el arte, creyéndose que el

receptor disfruta más del arte cuanto más compleja se le muestre. Se produce un gran

desarrollo del teatro moderno especialmente en Inglaterra y España. El Barroco

defiende la idea de que la vida es una mera obra de teatro y que los hombres son

actores, resaltando de nuevo la ilusión que es la realidad y la poca importancia de la

vida. De igual manera se teatralizan el resto de las artes, especialmente la arquitectura,

mostrándose las cosas de manera idealizada en lugar de cómo realmente son.

2.1_Características de la escultura barroca.

La escultura barroca cumplió un papel decorativo de gran importancia tanto en

la arquitectura externa como interna, empleándose para ello el mármol blanco, el

bronce, la madera… Al igual que la arquitectura, buscaba la exaltación del poder, ya

fuera este de la Iglesia o el Estado, y se encuentra omnipresente en fachadas, retablos,

monumentos públicos… Parte del sustrato renacentista y procura la ruptura total con el

equilibrio clásico.

Por un lado se produce la tendencia a la representación de la figura humana desde un

punto de vista sumamente objetivo, lo que podría

asociarse al naturalismo ya mencionado anteriormente. Al

contrario que los renacentistas, en el Barroco se trata de

representar figuras tal y como son y, por tanto, se rompe

con los modelos o cánones clásicos que trataban de

idealizar las figuras representadas. De este modo, se

produce una gran veracidad al encontrar imágenes

vulgares, cotidianas, bellas… Por otro lado, los rostros

poseen una vivacidad plena puesto que se representan con

dramatismo y por tanto ayudan a conmover al espectador a través de los sentidos. Por

tanto, la escultura barroca expresa las pasiones del alma, llegando incluso a exagerarse

algunos gestos, actitudes…

Se realizan composiciones libres del geometrismo, lo que provoca el contraste

con respecto al Renacimiento donde predominaba la proporción equilibrada. De este

modo, la escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera, manifestándose esta

inestabilidad en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y

ampulosidad del ropaje. Igualmente se produce la acentuación de los juegos de luces y

Busto de Luis XIV

8

sombras a través del movimiento de los ropajes, lo que provoca la sensación de

movilidad en las esculturas, lo que se convierte en la auténtica obsesión de los artistas

barrocos. Los personajes son siempre captados en plena acción, siempre hacia fuera en

composiciones en las que sobresalen las ropas o las extremidades, provocando de nuevo

esa sensación de movimiento. Desaparece la simetría y se multiplican los pliegues de

las ropas, los contrastes lumínicos, los

puntos de vista…

Se produce una representación del

desnudo en su estado puro, como una

acción congelada, conseguido gracias a la

asimetría y al predominio de las

diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos

difusos e intermitentes que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresionismo.

Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la

contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas…

La temática de la escultura barroca es fundamentalmente religiosa debido al

contexto histórico al que pertenece. Así, nos encontramos en la época de la

contrarreforma, en la que se buscaba la vuelta al origen espiritual de la Iglesia. Por lo

tanto, no es de extrañar la frecuente presencia de ángeles, arcángeles, cristos, vírgenes,

santos… También podemos observar la existencia de una temática mítica.

3. La escultura barroca en España

En España, los temas relacionados con la mitología desaparecerán de la

escultura barroca, al igual que todos aquellos que no tengan una estricta relación con la

religión. Las únicas excepciones que encontramos al respecto están en el ámbito de la

Corte, donde se realiza la escultura monumental. Además, se realizarán distintos

retablos en los que aparecerán figuras exentas y en bajorelieve. Así, debido al

predominio de la escultura religiosa, la imaginería — especialidad del arte de la

escultura, dedicada a la representación plástica de temas religiosos— tendría que ser

Torso de ninfa

9

destacada. Dichas esculturas fueron creadas con el fin de permanecer en iglesias, en

conventos y en las procesiones de Semana Santa.

El material más utilizado fue la madera, como prolongación de la tradición

hispana. Las técnicas más empleadas en este tipo de obras son el estofado y la

policromía, consistentes la primera en labrar a manera de bordado, rellenando con

algodón o estopa el hueco o medio entre dos telas, formando encima algunas labores y

perfilándolas para que hagan relieve; y la segunda, en aplicar diversos colores a las

esculturas. Las esculturas pasarán a adquirir un tono mucho más realista que lo

anteriormente logrado, además de lo cual serán adornadas con hermosas vestiduras, un

cabello de lograda naturalidad y lágrimas de cristal, todo ello llevado a cabo con el

objetivo de causar una profunda emoción religiosa en el espectador.

Dentro de la escultura barroca podemos diferenciar dos grandes escuelas, la

escuela andaluza y la escuela castellana.

3.1_La escuela andaluza

Los intercambios comerciales con América habían hecho de Andalucía la zona

más próspera de la época, pasando a ser Sevilla y Granada los más grandes focos

artísticos del siglo XVII. Así, encontramos en la escuela andaluza la presencia de

grandes autores, entre los que destacan Juan Martínez Montañés (1568-1649) y su

discípulo Juan de Mesa (1586-1627), Alonso Cano (1601-1667), Pedro de Mena (1628-

1688)y Fernando Ortiz (1717-1771).

La obra de Martínez destaca por la

búsqueda de la belleza mediante la serenidad y el

sosiego, lo cual se refleja en su talla notablemente

modelada y sus grandes paños. Por esta misma

razón su policromía es muy equilibrada, a

diferencia de la policromía de la escuela castellana.

Tales características pueden ser apreciadas en El

Cristo de la Clemencia (1603), en el que recrea la

figura de Jesucristo de forma muy humanizada, con

apenas notas sangrientas. Otra de sus más

destacables obras es Inmaculada (1628-31) de la Catedral de Sevilla, que representa a

El Cristo de la Clemencia

10

una joven ingenua, serena y melancólica, llena de dulzura. No podemos olvidar el

interés de Martínez por el tema del Niño Jesús, puesto que consiguió una muy lograda

imagen de tal figura, que se encuentra en la Iglesia del Sagrario de Sevilla, de la que se

realizaron varias réplicas. En todas sus obras podemos observar características más

clasicistas y manieristas que barrocas, a pesar de que al final de su carrera optase por un

estilo más barroquizante. El lenguaje sereno y clásico que le distingue influyó en toda la

Escuela Andaluza, suponiendo un gran contraste con el dramatismo de la escuela de

Valladolid. La finalidad de sus religiosas esculturas era, o bien la participación en

procesiones, o bien la decoración interior de una Iglesia.

Juan Martínez Montañés tuvo varios discípulos, como Juan de Mesa, que

comenzó su carrera como imaginero en 1615 con una escultura

de San José con el Niño. Más adelante llevó a cabo su

escultura Cristo del Amor, que inauguraría una serie de diez

crucificados. No menos destacable fue el Cristo del Buen

Ladrón, de 1,92 metros de altura, obra en la que se alejó del

estilo de Martínez Montañés en pos de aumentar los

claroscuros y darle a la obra una mayor fuerza pasional. Otra

de sus obras, también cargada de sensacionalismo barroco, fue

el Señor del Gran Poder, un muy logrado reflejo de las secuelas del sufrimiento

humano en un rostro que se muestra cansado y envejecido como causa de los daños

soportados.

En cuanto a Alonso Cano, la hondura expresiva de

sus obras es superior a las de Martínez Montañés, al igual

que el dinamismo de las mismas. Su mayor obsesión es la

búsqueda de la perfección mediante la idealización de sus

modelos, dotándolos de una increíble serenidad. Por otra

parte, fue el primer escultor andaluz que abandonó la

técnica de estofado. Una buena representación de todas

estas características es El retablo de Santa María Lebrija

(1628-38). Otras obras dignas de mención son

Inmaculada del Facistol, San Diego de Alcalá y los

bustos de San Pablo, Adán y Eva. Su discípulo más destacado fue José de Mora (1642-

1724), que llegó a ser escultor del rey Carlos II. Este escultor llevó a cabo imágenes de

San José, San Antonio y la Inmaculada.

Señor del Gran Poder

Inmaculada del Facistol

11

Pedro de Mena, por su parte, optó por una vía más realista y directa, recayendo

su atención en la transmisión de estados

de ánimo. Sus obras son reconocibles por

los rostros y rasgos alargados de sus

figuras, así como por las ropas

policromadas con colores en fuerte

contraste, trabajadas con unos perfiles

muy finos. Abordó, así, temas tales como

el dolor, como podemos ver en la

Magadalena Penitente, el San Francisco y

los bustos de la Dolorosa y el Ecce Homo. La Magdalena Penitente representa a una

mujer joven que se encuentra demacrada por la penitencia, con la cara ovalada, cuyo

sentimiento y espiritualidad son reforzados por la nariz afilada, la boca pequeña

entreabierta y la mirada triste. El dramatismo se aprecia en la mano derecha abierta

sobre su pecho y siguiendo la mirada de la imagen hacia el crucifijo que sostiene en la

mano izquierda. Muestra la influencia de la escultura castellana.

En lo que respecta a Fernando Ortiz, La escultura de San Francisco de Asís

(1738) supuso el inicio de la búsqueda de un estilo

mucho más personal. Más adelante su estética adoptaría

una clara influencia Italiana, como podemos ver en el

San José de la Catedral de Málaga, en la Inmaculada del

Museo del Patrimonio Municipal de Málaga y en el San

Sebastián de la Iglesia de Teba. Otra de sus obras más

importantes fue llevada a cabo en 1756, titulada Jesús en

la Oración en el Huerto, de gran calidad técnica y

artística.

3.2_La escuela castellana

Centrada en Valladolid y Madrid, presenta una escultura claramente realista,

identificable por la talla completa, el dolor y la crueldad con abundancia de sangre,

profundo dinamismo, caricaturización de los personajes malvados, intenso modelado y

unos rostros con fuerte expresividad. A esta escuela pertenecen los vallisoletanos

Magdalena Penitente

San Francisco de Asís

12

Francisco del Rincón (1567-1608), Gregorio Fernández (1576-1636) y Luis Salvador

Carmona (1708-1767); y el madrileño Juan Sánchez Barba (1602- 1673).

Francisco del Rincón fue el creador de la escena procesional de La Elevación de

la Cruz, encargada por la cofradía de La Pasión para la Semana Santa de Valladolid en

1604. Rincón también llevó a cabo obras

de imaginería, como el Cristo de las

batallas y el Cristo de los carboneros.

Su estilo es reconocible por la mesura de

su manierismo. Su principal aportación a

la escultura hispana es la creación del

paso procesional barroco, que hasta la

generación posterior no alcanzaría su

mayor esplendor.

Gregorio Fernández, de origen

gallego, se caracterizó por emplear un

realismo un tanto recio que, lejos de

resultar vulgar o morboso, puede ser

apreciado en la honda expresión de los

rostros, en la forma de destacar las

partes más significativas y en los

elementos postizos —tales como ojos

de cristal, uás y dientes de marfil,

coagulos de sangre simulados con corcho o lágrimas de resina— añadidos para dar

mayor autenticidad. A él se le atribuyen obras tan importantes de la barroca española

como los Cristos yacentes y La piedad. En cuanto a los Cristos yacentes, Fernández

recogió un tema iconográfico que ya había aparecido en la escultura medieval y

renacentista, renovándolos mediante un nuevo tratamiento, más verista y patético. La

piedad, por su parte, representa a Cristo bajado de la cruz en el regazo de su madre. Tal

conjunto es humanizado y vuelto más monumental, puesto que se insiste en la

gestualidad algo teatral de la virgen, los plegados de los mantos y la anatomía de Cristo.

En lo referido a Luis Salvador Carmona, se centró sobre todo en la imaginería.

En sus primeros años de trabajo, Carmona realizó diversas obras en piedra en templos

madrileños y participó en la serie de reyes del Palacio Real de Madrid (1750-53). En la

Elevación de la cruz

La piedad

13

corte madrileña alcanzó el cargo de Escultor de Cámara. Si

bien sus obras pueden considerarse claramente barrocas,

también se perciben en ellas ciertas tendencias neoclásicas.

Una de las más importantes es un busto titulado La fe.

Juan Sánchez Barba se especializó en la talla de

imágenes para retablos o

exentas, primordialmente en madera. Trabajó en las

decoraciones efímeras para la entrada de la reina

Mariana de Austria, en el grupo de la Virgen del

Carmen entregando el escapulario a San Simón

Stock y en los bultos de San Andrés Corsino y San

Pedro Tomás, destinados a ocupar los nichos del

retablo mayor de la iglesia del Carmen Calzado. También llevó a cabo una serie de

esculturas de la Pasión de Cristo que le darían fama en Madrid a mediados del siglo

XVII. Otra de sus más destacables obras es el Cristo yacente conservado en la iglesia

parroquial de Nuestra Señora de la Asunción de Navalcarnero, en Madrid.

4._La escultura barroca en Italia

Si hay un escultor barroco italiano claramente destacable frente a los demás es,

sin duda, Gian Lorenzo Bernini, hijo del manierista Pietro Bernini. Se caracteriza por

representar las figuras de sus obras desnudas y en los momentos de más alta tensión,

por su teatralidad compositiva resuelta en escenas y por el constante empleo del escorzo

y las posiciones violentas y desequilibradas, todo ello con el fin de conmover. En su

obra, a su vez, queda reflejado su claro apoyo a la Contrarreforma católica mediante la

glorificación de la Iglesia. También tiene ciertas influencias

de la grecia antigua. Bernini no sólo cultivó la escultura,

sino también otro tipo de artes como la arquitectura, en

servicio de la cual puso gran parte de sus esculturas.

Dentro de sus composiciones religiosas, habría que

destacar el Éxtasis de Santa Teresa de 3,5 metros de altura,

está compuesto por dos figuras principales realizadas en

mármol blanco, salvo los rayos de sol, que están tallados en

La Fe

Cristo yacente

Éxtasis de Sta, Teresa

14

bronce. Es una obra muy representativa del barroco, ya que posee una fuerte

expresividad y está notablemente recargada, como podemos advertir en el desorden de

las figuras y en el pliegue del manto de la santa. El realismo y la sensación de

misticismo del conjunto quedan acentuados al haber pintado Bernini la capilla en la que

está ubicado.

No menos importante fue el David, estatua que

representa a dicho rey de los judíos. La peculiaridad de

la escultura de Bernini frente a otras estatuas del mismo

personaje, como la de Miguel Ángel, es que refleja una

serie de cualidades paradigmáticas propias del Barroco,

como la emoción y el dinamismo, puesto que retrata a

David en el instante en el que se dispone a arrojar la

piedra contra Goliat, con los dos pies apoyados y el

cuerpo medio girado. De esta forma la figura está en

tensión, estando implícitos en ella el movimiento y la

potencia. El rostro muestra concentración, con el ceño fruncido, mordiéndose el labio

inferior, rasgos que le hacen dejar de ser un guerrero perfecto e idealizado,

confiriéndole una gran humanidad. Detrás de la figura podemos ver varias armas que

han sido descartadas, recordatorio de que el triunfo de David no se debe a un

armamento superior sino a su esfuerzo físico. El arpa tallada a sus pies supone un

recordatorio de que David se convertirá en poeta.

No obstante, Bernini no sólo abordó temas religiosos en sus obras, sino que

también se interesó por la mitología, como prueba su gran obra Apolo y Dafne. En ella

la transformación de Dafne se muestra con intensa emoción, mostrando las distintas

etapas de sus cambios, dotando a la escultura de gran volumen: así, vista desde la

espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se

transforma, de tal modo que si giramos alrededor de la estatua podemos presenciar la

metamorfosis de la estatua en tiempo

real. La composición se lleva a cabo en

plano-relieve, dotándola de dinamismo y

difuminación. Un enorme contraste de

sentimientos, algo típico del barroco, nos

es mostrado mediante el grito de horror

David

Apolo y Dafne

15

de Dafne y la expresión de sorpresa de Apolo. La composición empleada por Bernini es

abierta, con una gran línea diagonal que aporta a la escultura un cierta sensación de

movimiento y dinamismo, lo cual está presente en los ropajes de Dafne, ondeantes, al

igual que su cabello. Por otra parte, las líneas curvas y paralelas le confieren a la obra

una enorme inestabilidad, especialmente en los ropajes ondeando, al igual que el

cabello.

Bernini también llevó a cabo diversos retratos, de entre los cuales cabría destacar

el busto de Luis XIV, realizado por Bernini durante su visita a Francia. A través de este

retrato Bernini nos muestra la moda de la época, caracterizada principalmente por las

grandes pelucas utilizadas. Los numerosos pliegues que podemos ver en ella aportan un

enorme dinamismo. El gesto es altanero y lleno de dignidad, reflejo su elevada posición

como soberano de los franceses, mientras que sus rasgos muestran un sentimiento de

distanciamiento e imperturbabilidad.

El principal rival de Bernini fue otro

autor italiano de gran importancia, Alessandro

Algardi, de estética más clásica. Su primera obra

de gran relevancia fue un monumento funerario

para el papa León XI. Tal monumento está

compuesto por una escultura central hierática del

papa sentado con todos sus atributos y

bendiciendo con la mano. A sus pies, dos

estatuas femeninas alegóricas custodian su

tumba: Magnanimidad y Liberalidad cuya

dignidad es impasible y etérea.

Otra de sus más importantes obras fue La Degollación de San Pablo, consistente

en un grupo de esculturas que recrean, como el

título indica, la ejecución de San Pablo: tales

esculturas representan a San Pablo, arrodillado y

resignado, y al verdugo preparado para acabar con

la vida del santo. Tanto en esta escultura como en el

monumento funerario, Algardi denota cierta

serenidad de la que las obras de Bernini carecen.

Movimiento funerario para el

papa León XI

La degollación de San Pablo

16

No menos importante fue su obra El

papa San León deteniendo a Atila, un

enorme y dramático panel en alto relieve de

mármol. En esta obra podemos apreciar dos

figuras principales: el papa, sereno y

valeroso; y Atila, alterado y aterrorizado.

Tales figuras sobresalen del centro hacia las

tres dimensiones y contemplan a los

guerreros angelicales que acuden a ayudar al

papa.

Otro

autor de gran relevancia fue Nicolo Fumo,

considerado uno de los mayores exponentes de la

estatuaria napolitana en madera. Entre sus obras más

famosas se cuenta la Caída de Cristo camino del

Calvario de la Iglesia de San Ginés de Madrid; y la

Asunción de la Virgen, ubicada en el altar mayor de la catedral de Lecce. Nicolo llevó a

cabo también una serie de esculturas en madera para la iglesia de San Giovanni de

Napolés, en las que queda plasmado el estilo ligero y de amplio efecto barroco que lo

caracteriza.

No podemos olvidar mencionar al autor

Giuliano Finelli, muy meticuloso en la talla de

pequeños detalles para así poder observar la carga

emocional de la que impregna sus obras, de las cuales

podríamos destacar el retrato del cardenal Scipione

Borghese. Dicho cardenal ya había sido retratado por

Bernini, pero la obra de Finelli se diferencia por ser

más sobria. Finelli realizó la imagen del Cardenal

Giulio Antonio Santorio alrededor de 1630 para la

Archibasílica de la catedral de San Juan. En la catedral de Nápoles llevó a cabo trece

estatuas que le dan gran fama.

El Papa San León deteniendo a Atila Caída de Cristo camino del

Calvario

Cardenal Scipione Borghese

17

Finalmente, cabría mencionar al autor Pietro Tacca, de inicios manieristas, cuyo

inacabadas del escultor Giambologna, comenzando por Fernando I de Toscana, un

monumento ecuestre tallado en bronce

en el que había participado desde los

modelos de terracota al proceso de

fundido y el acabado. Otra de sus más

grandes obras es el Porcellino,

inspirada en Il Cinghiale, una copia en

mármol de un jabalí helenístico. El

objetivo del Porcellino era superar a su

obra inspiradora, representando de

nuevo un jabalí. No obstante, la que

está considerada como su obra maestra se titula Los cuatro moros, que representa a

cuatro esclavos encadenados en la base del monumento a Fernando de Toscana

realizado por Baccio Bandinelli. El monumento está formado por la estatua de Fernando

sobre un pedestal, el cual es levantado por los esclavos ya mencionados. Dichos

esclavos constituyen la parte más importante del trabajo, puesto que las torsiones

acentuadas y las muecas de dolor representan las condiciones de encarcelamiento de los

temas con gran realismo y elegancia. Tacca también colaboró en una estatua ecuestre

de Giambologna de Cosme de Médicis,construyendo los paneles en bajorrelieve de la

base. Para París acabó la estatua ecuestre que había iniciado Giambologna de Enrique

IV. También ejecutó el bronce ecuestre de Felipe III para Madrid.

Su último y más arduo trabajo fue un monumento ecuestre dedicado a Felipe IV

de España, para el cual tomó como

modelo el cuadro de Velazquez. Dicho

monumento supone la primera estatua

ecuestre con el caballo erguido y

sostenido sobre las patas traseras. Este

logro se debe a un truco técnico: al ser

hueco el bronce, salvo la mitad inferior,

se posibilita que este fenómeno tenga

lugar.

Porcellino

Felipe IV de España

Porcellino

18

5. La escultura barroca en francia

5.1_ Características.

El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano, mitológico y decorativo.

Aunque también hay escultura religiosa, su importancia es menor. La misma razón que

hace que en Francia el barroco sea un arte palaciego hará que la escultura se dirija,

principalmente, a complacer a los poderosos. Predominan los bustos, los retratos, las

estatuas ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria. Tiene cierta tendencia al

clasicismo.

La escultura francesa tuvo por encima de todo carácter oficial y cortesano, en que

prevaleció la exaltación del soberano y de los grandes artífices de la monarquía

francesa. La obra religiosa pasó a un segundo plano y fue sustituida por retratos,

estatuas o monumentos funerarios que perpetuaban la labor del soberano y las

principales personalidades de la Francia del Barroco. Además, la floreciente

arquitectura palaciega demandó de la escultura numerosos encargos para la decoración

interior y de los inmensos parques y jardines que rodeaban los principales edificios. Por

lo que se aprecia claramente una integración de la escultura en la arquitectura.

De esta manera, las muestras del Barroco francés manifestarán los extremos definidos

por las composiciones equilibradas, con un carácter casi geométrico. Se fomentó un arte

clasicista en el que dominó la monumentalidad y la grandeza.

5.2_Autores relevantes y sus obras.

Dos creadores serán los que ejemplifiquen con sus obras las líneas de expresión que la

escultura seguirá en su proceso de creación: François Girardon, representante de una

tendencia caracterizada por una elegancia clasicista muy depurada, al servicio de las

clases altas, y Antoine Coysevox, de una mayor expresividad y dramatismo, no siendo

posible olvidar tampoco a Pedro Puget, cuyas obras estarán en la línea del Barroco

considerado más puro. Girardon y Coysevoz surgen en la época de Luis XIV en torno a

la decoración de Versalles. Ambos conocen bien la escultura romana, y aunque admiran

a Bernini, se inspiran en los dibujos y esquemas compositivos de su compatriota el

pintor Poussin, a la vez que estudian la escultura antigua y el clasicismo de Algardi.

19

François Girardon: es el escultor más significativo, ya que tiene un gusto clásico

y fue uno de los maestros de la escultura decorativa y monumental. .

Girardon se formó en Roma, fue un gran admirador de Bernini, aunque su obra

es más rígida, ya que no logra dar el dramatismo del maestro italiano.

Trabaja principalmente sobre asuntos mitológicos que resuelve con serenidad

aún clásica pero con ese acabado de superficies delicado y perfecto propio del

siglo XVIII. En ese sentido su mejor obra es el grupo del Apolo y las Ninfas,

para Versalles.

Girardón se inspiró en el

Apolo de Belvedere al

hacer esta obra. Los

grandiosos jardines de

Versalles sirvieron de

escenario perfecto para el

conjunto alegórico de la

fábula de Apolo. La

secuencia se iniciaba con

el nacimiento del dios en

el estanque de Latona que culminaba en la Gruta de Tetis con el auxilio de las

ninfas. Es considerada una de las obras cumbres de la escultura francesa, de

sofisticada composición en forma abierta y bajo un concepto paisajístico

próximo al helenismo. Es una obra clasicista perfectamente adaptada a los

ideales estéticos propugnados y defendidos

por Le Brun, como queda patente en el

tratamiento individualizado de cada figura,

así como en la relación espacial entre todas

ellas. El material que utilizó fue el mármol.

Se encuentra situada en Versalles.

La ortodoxia clasicista promovida desde la

Academia tuvo en la obra de François

Girardon a su más directo exponente.

Apolo y las ninfas

El sepulcro del Cardenal Richelieu

20

Hizo también el Sepulcro del Cardenal Richelieu, compuesto con serena

perfección en la cual prescinde de toda integración con la arquitectura a favor

del efecto teatral. Entre 1675 y 1677 esculpe el Monumento a Richelieu de la

iglesia de la Sorbona de París, primer ejemplo de tumba de altar exenta, en la

que la figura recostada del cardenal es sostenida por la Religión y tiene a la

Ciencia a sus pies. Posee una equilibrada composición que está contrarrestada

por una teatralidad y magnificencia que procede del gusto de Charles Le Brun,

que fue quien la diseñó, y al que Girardon se adaptaba perfectamente. En esta

escultura, el cardenal Richelieu se halla colocado sobre el sarcófago, rebosante

de dignidad y acompañado por otras figuras, mientras que a sus pies la Doctrina

Cristiana (vistiendo complicados ropajes de luto) cierra un ideal triángulo del

dolor.

También preparó una estatua ecuestre de Luís XIV,

destruida en la Revolución Francesa, en el cual

prescinde de toda integración con la arquitectura a

favor del efecto teatral. El material es el bronce y la

técnica la fundición. El caballo, de caminar sereno,

avanza sobre un pedestal que reproduce un

prado. Se hizo en 1685. Fundida con gran calidad,

destaca la precisión de los detalles de la estatua,

especialmente en los motivos ornamentales. En su

obra sigue los pasos de Bernini y en ella se percibe la

influencia de la antigua escuela de Fontainebleau. Es

el primero que sienta las bases de la escultura clasicista. La aparición de nuevas

corrientes artísticas hace que a partir de 1690 esté alejado de los encargos

oficiales. Va a caballo y está ataviado con un traje de estilo romano.

Antoine Coysevox: Desde muy joven producía estatuas de considerable

mérito. Fue contratado para decorar gran parte de Versalles y más tarde para el

Palacio Marly, con la misma facilidad y éxito que el anterior. Entre sus obras de

Marly está la ecuestre Fama (1702) y Neptuno, trasladados en 1719 a

los Jardines de las Tullerías.

Apolo y las ninfas

Estatua ecuestre de Luis XIV

21

Se le considera un gran retratista, inspirado por Bernini y de mayor fuerza

creativa que Girardon. Gran retratista que en sus esculturas de retratos tuvo gran

éxito reflejando la semejanza con los modelos y recurre

con frecuencia a lo que era la moda de Francia, retratar

a los personajes como seres mitológicos. El más

interesante de estos retratos míticos es el de María

Adelaida de Saboya como Diana Cazadora. Hizo

retratos en busto de la mayor parte de los hombres

célebres de su tiempo, incluyendo a Luis XIV y a Luis

XV en Versalles.

El Retrato de Luis XIV, su obra más original y

naturalista son los bustos y retratos, como este de Luis

XIV, de honda captación

realista, pudiéndose

comparar con los antiguos retratos romanos; aparte

destaca la libertad de movimientos y la aparente

improvisación de la composición.

Además de las obras antes mencionadas, hizo una

docena de monumentos funerarios. De estos

mausoleos, destaca La tumba del del Cardenal

Mazarino, hoy conservado en el Louvre, en el que

«recoge la inspiración teatral italiana y la interpreta

de modo más clásico en sus alegorías». Coysevox murió en París el 10 de

octubre de 1720.

Pierre Puget: al margen de París, está el

más genial de los escultores franceses, que

es, además, el más auténticamente barroco,

amigo del dramatismo, de la tensión y de la

violencia formal, por lo que sus obras son

rechazadas en Versalles. Quedó muy

impresionado al conocer la escultura de

Adelaida de Saboya como

Diana cazadora

Retrato de Luis XVI

Tumba del Cardenal Mazarino

22

Bernini, labrando en este mismo lenguaje sus primeras obras como el San

Sebastián de Génova. Ya en Francia madura su estilo tornándolo más

escultórico y acentuando el realismo sin olvidar un cierto énfasis clásico. Logró

enviar obras a Versalles, y una de ellas, el Milón de Crotona, (1671-1683,

Louvre) obra tensa, inspirada en el Laooconte, gustó mucho y fue aceptada con

elogios, aunque otras obras suyas no tuvieron tanto éxito por su barroquismo

extremado. Su pose en contraposto junto con su intensa expresividad emotiva

constituyen un ejemplo de la estética barroca, a menudo esta obra ha sido

comparada también con el David de Bernini; sus anatomía se halla también en

tensión incontenible, organizándose las figuras en una unión casi

perfecta, sobre todo la mano de Milón y el árbol en que se apoya.

Está claramente influido por Bernini: Milón de Crotona.

Pese a ser denostado por el Clasicismo dominante en Francia será el

más barroco de los escultores franceses de todos los tiempos. Pierre

Puget trabajó fuera del círculo cortesano. Formado en Roma. Otra

de las esculturas más notables de Puget son las puertas del

ayuntamiento de Tolón. Puget influyó en los escultores posteriores

del rococó francés del siglo XVIII.

Como he mencionado anteriormente, ya en el

siglo XVIII destacan escultores, de gusto

rococó, como:

François Dumont: este autor suele utilizar, entre

otros materiales el mármol y la priedra para la

realización de sus esculturas como podemos

observar por ejemplo en la del Titan golpeado

(1712), ubicada

en el Museo del

Louvre.

San Sebastián de

Génova

Milón de Crotona

Titán Golpeado.

23

Edme Bouchardon: fue un escultor, grabador y pintor de

estilo clásico antiguo dedicado a la creación de estatuas

metálicas, fuentes, piletas, esculturas religiosas y

mitológicas en mármol. Su obra resistió a la tendencia

barroca de la época y permaneció fiel a los principios

del clasicismo. Antes de ser reconocido en su país estudió y

esculpió en Roma por más de 10 años donde recibió la

influencia que muestra en sus obras. De padre y hermano

escultores, Bouchardon simbolizó la corriente artística que

retomaba la forma y pureza del estilo italiano antiguo en contraposición del

recargado Rococó reinante.

En 1722 recibe un premio denominado el Premio de

Roma por su obra titulada Gèdèon que escoge a sus

soldados observando su manera de beber. Fue

designado escultor del rey en 1732. En1746 hace su

primera obra maestra, el Cupido fabricando su arco

con la maza de Hércules (1750), en el Museo del

Louvre. Otra de sus obras es la fuente en la Rue de

Grenelle, en París. Quizá, su mejor obra fuese la

estatua ecuestre de Luis XV, que fue considerada la

mejor obra de su género en Francia, aunque el

escultor sólo pudiese finalizar su modelo, falleciendo antes de realizarla en el

material definitivo, Jean-Baptiste Pigalle fue el encargado de terminar la obra,

Fuente de la Rue de Grenelle Fontaine des quatre saisons

Estatua ecuestre de Luis XV

24

que fue destruida en la Revolución francesa. También hay que destacar su obra

Fontaine des quatre saisons en el Museo Mailloln.

Jean-Baptiste Lemoyne: también obtuvo el Premio

de Roma de escultura en 1725. Este autor

representaba la tradición de la escultura francesa.

Debido a eso, fue el retratista oficial del rey Luis

XV y de su estatuaria monumental. Fue una gran

figura de su tiempo, tan pronto recibía críticas o

denuncias como aplausos por su obra. En su obra

podemos observar carencia de firmeza y de

aprehensión intelectual de los principios más

grandes de su arte, que lo desfavorecen ante las críticas. Las obras más

destacadas del artista han sido destruidas o han desaparecido ya que fueron

centro de la violencia. La composición de La hija de Pierre Mignard, Mme

Feuquières, arrodillada ante el busto de su padre (el busto era obra de

Coysevox),un ejemplo de lo explicado anteriormente y es una muestra de la

misma violencia por la cual el monumento ecuestre de Bouchardon de Luis XIV

fue destruido. Sólo los paneles han sido conservados. En sus bustos, los indicios

de su imaginación revolucionaria casi desaparecen, y tenemos una serie de

retratos destacables, de los cuales los dedicados a las mujeres. Lemoyne fue

quizás el más destacado en su capacidad de captar visualmente los detalles y

transferirlos a su obra. Una de sus obras más destacadas es Vertumno y

Pomona,(1760) grupo, piedra, París, museo del Louvre.

En cuanto a los retratos de carácter funerario destacan: Simón

Guillain con su Tumba de Charlotte-

Catherine de la Tremoille, y Jacques Sarrazin

con La prudencia.

Vertumno y Pomona

Tumba de

Charlotte-

Catherine de

la Tremoille

La prudencia

25

Por último mencionar a Jean-Baptiste Pigalle, escultor francés

cuya obra se caracteriza por la unión de corrientes barroca y

neoclásica. Muchas de sus esculturas, de natural elegancia e

inspiración barroca, se encuentran en las iglesias de París. Su

obra más popular es la estatua de Voltaire desnudo (1776),

Amor, amistad, beso, Diderot, El niño en la jaula, Autorretrato

y Mercurio.

6. La escultura barroca en otros países

6.1_Inglaterra.

a) Características.

La escultura recibió influencias, igualmente, de los estilos italiano y flamenco.

En Inglaterra se continúa con una cierta aversión a la representación icónica

típica del anglicanismo, por lo que casi se reduce a los motivos funerarios en los

templos, que se convierten en panteones de personajes ilustres. Se trata de

representaciones ostentosas creadas para glorificar e inmortalizar la fama del

“gran hombre”.

Voltaire desnudo

Autorretrato Amor, amistad, beso Mercurio

26

b) Autores y obras.

Destacan escultores como Nicholas

Stone (1586/87-1647) que trabajó como

escultor y sobre todo realizó

monumentos funerarios.

Stone poseía un taller en Londres donde

a menudo solía recibir encargos para

esculturas de los jardines, incluyendo las esculturas en la gruta de Isaac de

Caus en la Abadía de Woburn, que han sido recientemente atribuidas a este

autor. También esculpía artículos domésticos, como puertas y chimeneas. La

gran mayoría de las esculturas de efigie de Elizabeth, Lady Carey Stone que

han sobrevivido son monumentos funerarios, y a partir de ellos se juzga la

calidad de su escultura hoy. Stone estuvo

fuertemente influenciado por la nueva moda

clasicista para el arte, y esto se refleja en dos de

sus obras, ambos en la Abadía de Westminster, el

memorial a Sir John Holles y su hermano Francis,

ambos vestidos con armaduras Romanas

trasluciendo la influencia clásica , algo nuevo para

la Inglaterra de la época. Su gusto por el realismo,

en parte producto de su formación en los Países

Bajos, está presente en La tumba de suelo de

Sir William Curle (fallecido en 1617) de la iglesia

de Hatfield, Herefordshire; Sir William es esculpido tumbado en su tumba

vestido , con las rodillas flexionadas en su última agonía. El monumento de

Stone para el Dr John Donne de 1631, en la Catedral de San Pablo de

Londres se ha considerado como el más notable. Representa el poeta, de pie

sobre una urna, vestido con un sudario, pasando por el momento del juicio.

Esta descripción, idea de Donne, fue esculpida a partir de una pintura para la

que el poeta había posado. Otra de las mejores obras de Stone es la efigie de

Elizabeth, Lady Carey en la parroquia civil de las Nueve Iglesias

de Stowe, Northamptonshire, es considerada una de sus piezas maestras.

Además otros ejemplos conservados de sus monumentos a los muertos son

los dedicados a: el monumento de pared de Sir Augustine Nicolls (1616) en

Tumba de suelo de Sir William

Efigie de Elizabeth

27

el Victoria and Albert Museum de Londres. De la escultura no funeraria de

Stone queda muy poco : una chimenea, de 1616, en el Priorato de

Newburgh que representa deidades mitológicas de pie en bajorrelieve, dos

estatuas arruinadas del jardín en Blickling Hall y una colección de estatuas

en buen estado en Wilton House. Las estatuas de Wilton House, como las de

Woburn, indican la estrecha relación de trabajo que Stone tuvo tanto con

Iñigo Jones como con Isaac de Caus, ambos trabajaron en el diseño de

Wilton.

6.2_Alemania

a) Caracteríticas.

En Alemania la escultura barroca encuentra un clima muy apropiado

para su desarrollo. Predomina el estilo de Bernini, que llega a sus

más altas cotas. Se caracteriza por el movimiento exaltado y

espontáneo, la representación en el acto, es decir, la captación del

instante. Logra una gran variedad de puntos de vista y un efectismo

escenográfico (teatralidad y monumentalidad en las composiciones).

b) Autores y obras.

Destacan Andreas Schlüter con su retrato ecuestre del Gran Elector

y Baltasar Permoser con su Apoteosis del príncipe Eugenio.

Los mejores ejemplos de la teatralidad del rococó en Alemania se

encuentran en las ornamentadas obras de Egid Quirin Asam. Su obra más conocida es la

profusa decoración de la iglesia de San Juan Nepomuceno (1733-1746) de Munich.

6.3_Países Bajos

a) Características.

En los Países Bajos los temas escultóricos alcanzaron cierta relevancia,

muy lejos de la pintura. Encontraron su hueco dentro del retrato, el busto y

la decoración de tumbas.

28

En el siglo XVII, casi todo el mundo en los Países Bajos era protestante. En lugar de la

Iglesia, los artistas dependían de los encargos que les encomendaban los nobles, los

adinerados comerciantes y otros clientes. El arte barroco holandés es principalmente

laico y en él abundan los retratos de personas que están ocupándose de sus

actividades cotidianas.

Conclusiones

Podemos concluir, por tanto, afirmando que la escultura barroca supuso un

reflejo de la forma de ver el mundo característica de este movimiento, presente en los

distintos contrastes, en la exaltación de las emociones, en el recargamiento de las

figuras, etc. Floeció en España, donde destacaron la escuela castellana y la escuela

andaluza; en Italia, donde sobresalió Bernini; en Francia, donde los más importantes

autores fueron Coysebox y Girardon; y en el resto de países, especialmente en

Inglaterra, Alemania y Holanda. En el presente trabajo se ha hablado de la escultura

barroca en todas estas naciones, haciendo especial hincapié en los más relevantes

autores y sus mejores obras, logrando desarrollar toda la información fundamental sobre

este asunto, tal y como pretendíamos al comienzo de este documento.

Bibliografía

Barroco [en línea], disponible en <http://es.wikipedia.org/wiki/Barroco> [consulta

14/4/2013].

Escultura barroca [en línea], disponible en

<http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_barroca> [consulta 14/4/2013].

29