2011

Alestra, Gisela Fernández, Cristal Ferreyra, Lucia

[ILUMINACIÓN ESCENICA] Universidad de Mendoza – Sub sede San Rafael Profesora: Fernández Gabriela

Objetivos

EXTERNOS Difundir los conocimientos adquiridos.

INTERNOS Conocer diferentes efectos y sensaciones que se pueden lograr con la luminotecnia en los

escenarios de teatro; sus técnicas y aplicaciones. Conocer las diferentes herramientas y elementos que se utilizan para ello.

Preguntas

¿Qué es la luz? ¿Qué es la escenografía teatral?

¿Qué diferencia hay entre luz natural y artificial? ¿Cómo manipular los efectos de la luz, como claroscuro y sombras, en rostros, escenas y

espacios y cuándo aplicarlos? ¿Cómo crear sensaciones a partir de la luz?

¿Qué tecnología para la manipulación de la luz existe?

Justificación

La iluminación escénica es fundamental, ya que esta contribuye para crear diferentes sensaciones y espacios en el ámbito teatral.

Debido a que nuestra profesión contempla esta actividad, mas nuestra carrera no, nos

pareció interesante como crecimiento profesional en el área que no hemos profundizado.

Marco Teórico

ÍNDICE

1. luz

1.1definición y concepto

1.2la luz en el teatro

1.2.1manual de iluminación

1.3propiedades de la luz

1.3.1 refracción

1_4luz natural

1.5 luz artificial

1.5.1 estilos de iluminación

1.5.2los colores

2. La escenografía

3. Evolución de la iluminación en los escenarios

3.1 iluminación en espacios escénicos.

3.1.1 hay dos formas básicas de entender la iluminación.

3.1.1.1 el naturalismo

3.1.1.2 el pictorialismo

3.1.2 hay dos estilos básicos de iluminación

4 Luz

4.1 tipos de luz según sus propiedades

4.1.1 luz difusa

4.1.2 usos

4.1.3 luz concentrada

4.2 tipos de luz según su uso.

4.2.1 luz principal

4.2.2 luz de relleno

4.2.3 contraluz

4.3 tipos de luz según la función.

4.3.1 luz funcional

4.3.1 luz ambiental

4.4 sombra

4.4.1 sombras propias

4.4.2 sombras arrojadas

5. iluminación escénica

5.1existen diferentes tipos de efectos de luz con focos.

5.1.1 luz cenital

5.1.2 luz frontal

5.1.3 luz lateral a 45°

5.1.4 contraluz

5.1.5 luz rasante

5.1.6 luz ambiental

6. color

6.1 mesa de control o mesa de mezclas

6.2 técnico de luces

6.3 cómo realizar un diseño de iluminación.

6.4 la pasada de luces.

7. diseño de iluminación teatral: creación de sensaciones

7.1 visibilidad selectiva

7.2 maneras de determinar un plano principal:

7.2.1 control del contraste

7.2.2 control del color

7.2.3 uso del seguidor

7.2.4 inversión

7.2.5 composición del espacio

7.3 hay diversas formas de componer el espacio haciendo uso de la luz:

7.3.1 resaltar el espacio

7.3.2 crear espacios

7.3.3 sustanciación de la luz en el espacio

7.3.4 información

8. la luz como elemento comunicativo en el espacio escénico

8.1. La luz como signo

8.1.1 un lugar

8.1.2 situaciones

8.1.3 identidad de los personajes

8.2 atmósferas y ambientes

8.2.1 la luz como creadora de emociones

8.2.2 elección de emociones a transmitir

1. LUZ

1.1Definición y concepto

La luz es una energía electromagnética radiante que por esta condición puede ser

percibida sin ningún tipo de problema por el ojo humano. Obviamente, desde hace unos

cuantos siglos atrás, distintos científicos o simplemente personas interesadas en el

estudio de la materia se vienen ocupando del estudio de este fenómeno de la luz, sin

embargo, desde su creación hace unos años, es la óptica la disciplina que se encarga del

estudio de las principales formas de producir luz, su control y aplicaciones.

1.2LA LUZ EN EL TEATRO

1.2.1Manual de iluminación

La luz no tiene visibilidad por sí misma. Esto es algo que muy poca gente recuerda,

quizás por tratarse de una abstracción que sólo se convierte en realidad cuando

“algo ” se hace visible..Y ese algo no es la luz sino aquello que la refleja. La luz

cuenta cómo es la apariencia de las cosas, qué se muestra y qué se oculta.

“La luz que revela la forma”.

En el teatro la luz se constituye en un lenguaje visual estrechamente ligado a la

acción dramática, como el vestuario y la escenografía. Pero ninguno de ellos es

imprescindible, ya que la acción dramática tiene como único participante al actor

y al expectador. Sin embargo la luz permite su visualización de una determinada

manera apoyando, intensificando o complementando sus intenciones, sus emociones.

Además la luz –con su lenguaje propio – interviene en un espacio y nos emociona

o nos cuenta una historia. Puede constituirse en “acción dramática ” sin la presencia de

actores. Así como en un amanecer o un atardecer el sol es el protagonista de la acción,

lo veamos o no, la luz puede ser “el actor ”. Su acción transforma todo lo que vemos.

En la paradoja de optar entre el comportamiento dramático de la luz dentro de una obra

teatral y su actividad limitada a hacer visible el espacio y las personas que circulan por

él,el director y el diseñador de luces tienen la última palabra, que además responde a

una decisión subjetiva. En cuanto al espacio dramático,la luz define unamística particular

que se vamodificandoa través de variables de color,de intensidad,de posición,de movimie

nto. Nuestro primitivo acercamiento a las sensacioneslumínicas,

que determinaninmediatamente nuestra percepción de apariencia y realidades,

sumado a los avances tecnológicos de la luz hoy día,nos hace poseedores de una

herramienta expresiva de increíble intensidad y complejidad.

Directores, actores y escenógrafos conviven permanentemente con ideas y situaciones lu

mínicas. Pero más allá de estas consideraciones,

y de los sofisticados adelantos técnicos con los que hoy contamos, la luz sigue

conservando su magia y su misterio. Hablar de su poder de

evocación y de su gran capacidad expresiva es el principal objetivo ELI SIRLIN

1.3PROPIEDADES DE LA LUZ

1.3.1 Refracción

La refracción es el cambio brusco de dirección que sufre la luz al cambiar de medio. Este

fenómeno se debe al hecho de que la luz se propaga a diferentes velocidades según el

medio por el que viaja. El cambio de dirección es mayor, cuanto mayor es el cambio de

velocidad, ya que la luz prefiere recorrer las mayores distancias en su desplazamiento por

el medio que vaya más rápido.

Como la refracción depende de la energía de la luz, cuando se hace pasar luz blanca a

través de un medio no paralelo, como un prisma, se produce la separación de la luz en sus

diferentes componentes (colores) según su energía, en un fenómeno

denominado dispersión refractiva. Si el medio es paralelo, la luz se vuelve a recomponer al

salir de él.

Propagación y difracción

Una de las propiedades de la luz más evidentes a simple vista es que se propaga en

línea recta. Lo podemos ver, por ejemplo, en la propagación de un rayo de luz a través de

ambientes polvorientos.

De la propagación de la luz y su encuentro con objetos surgen las sombras. Si

interponemos un cuerpo opaco en el camino de la luz y a continuación una pantalla,

obtendremos sobre ella la sombra del cuerpo. Si el origen de la luz o foco se encuentra

lejos del cuerpo, de tal forma que, relativamente, sea más pequeño que el cuerpo, se

producirá una sombra definida. Si se acerca el foco al cuerpo surgirá una sombra en la que

se distinguen una región más clara denominada penumbra y otra más oscura

denominada umbra.

Interferencia

La forma más sencilla de estudiar el fenómeno de la interferencia es con el

denominado experimento de Young que consiste en hacer incidir luz monocromática (de

un solo color) en una pantalla que tiene rendija muy estrecha. La luz difractada que sale

de dicha rendija se vuelve a hacer incidir en otra pantalla con una doble rendija. La luz

procedente de las dos rendijas se combina en una tercera pantalla produciendo bandas

alternativas claras y oscuras.

El fenómeno de las interferencias se puede ver también de forma natural en las manchas

de aceite sobre los charcos de agua o en la cara con información de los discos compactos;

ambos tienen una superficie que, cuando se ilumina con luz blanca, la difracta,

produciéndose una cancelación por interferencias, en función del ángulo de incidencia de

la luz, de cada uno de los colores que contiene, permitiendo verlos separados, como en

un arco iris.

Reflexión y dispersión

Al incidir la luz en un cuerpo, la materia de la que está constituido retiene unos instantes

su energía y a continuación la remite en todas las direcciones. Este fenómeno es

denominado reflexión. Sin embargo, en superficies ópticamente lisas, debido

a interferencias destructivas, la mayor parte de la radiación se pierde, excepto la que se

propaga con el mismo ángulo que incidió. Ejemplos simples de este efecto son los espejos,

los metales pulidos o el agua de un río (que tiene el fondo oscuro).

1_4LUZ NATURAL

Luz diurna, luz del día o luz natural, es una combinación de toda la luz solar exterior

durante el día (y tal vez también durante el crepúsculo). Esto incluye luz solar

directa, radiación difusa del cielo, y (a menudo) ambos reflejados desde la Tierra y los

objetos terrestres. De este modo, el claro de luna no es considerada luz diurna, aun siendo

"luz solar indirecta". Día es (en el lenguaje cotidiano) el período durante el día en el que la

luz diurna está presente.

La luz diurna se presenta en un sitio particular, en cierto grado, siempre que el sol esté

sobre el horizonte de ése sitio. Con nubes tempestuosas espesas con el sol en el

horizonte, lo que podría crear sombras de luces callejeras lejanas y visibles. Puede estar

más oscuro en circunstancias inusuales como un eclipse solar o muy altos niveles de humo

atmosférico.

1.5 LUZ ARTIFICIAL

La iluminación es la acción o efecto de iluminar. En la técnica se refiere al conjunto

de dispositivos que se instalan para producir ciertos efectos luminosos, tanto prácticos

como decorativos. Con la iluminación se pretende, en primer lugar, conseguir un nivel de

iluminación - interior o exterior - , o iluminancia, adecuado al uso que se quiere dar al

espacio iluminado, nivel que dependerá de la tarea que los usuarios hayan de realizar.

1.5.1 Estilos de iluminación

De manchas: distribuye todo un conjunto de manchas luminosas por las superficies y

perfiles del decorado, que se encuentra escasamente iluminado por una débil luz difusa.

De zonas: crea una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad; de

esta forma se centra la atención, se ayuda a expresar la distancia y se crea un ambiente.

De masas: imita el efecto natural de la luz.

1.5.2Los colores

Según el color de la fuente de emisión se produce un efecto sobre el estado anímico de las

personas: las fuentes de alimentación blancas (iluminación diurna) "activan" (producen un

"estado de ánimo diurno"), mientras que las bombillas tradicionales, con una elevada

composición de rojo, producen pasividad y un estado de ánimo de tarde-noche (de

atardecer).

Otra característica es que el rojo e infra rojo son emisores térmicos, con elevada

transmisión de calor, y que son las frecuencias de onda que absorben principalmente las

plantas durante la fotosíntesis (de ahí que dejen las frecuencias residuales, que no

procesan a energía química: el verde).

Según el color de la luz, se clasifican las lámparas en tres categorías: luz cálida (alto

porcentaje de rojo, bombilla tradicional), luz neutral (para el trabajo, oficinas, tiendas,

etc.), y luz diurna (usada en elevadas necesidades de intensidad de iluminación).

2. LA ESCENOGRAFÍA

Definimos al “Diseño de iluminación” como el uso creativo de la luz para reforzar el

entendimiento y la apreciación de una producción visual.

La función práctica de la luz es la de hacer visible el espacio. La luz ilumina el lugar, lo

hace evidente, de modo que aparezca como tal espacio. Junto a esta función práctica, la

luz puede adoptar funciones simbólicas y significativas, pues todas las culturas han

formado un código simbólico de la luz, basado en la contraposición entre luz y oscuridad,

con sus matices de sombra, y en la alternancia de día y noche, con sus tiempos lumínicos

intermedios. Por ejemplo, alba, aurora, amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer,

ocaso, noche, madrugada, forman un campo simbólico, no sólo natural, asociado a ideas y

sentimientos.

En el teatro se emplea la luz tanto en su función práctica como simbólica, siempre que se

pueda imitar o crear las condiciones semejantes a los efectos de iluminación que se

quieran conseguir. En su segunda función, la simbólica, entró a formar parte del código

teatral tardíamente, hace relativamente poco tiempo, pues su uso significativo hizo su

aparición primero con la luz de gas y más adelante con la luz eléctrica y las nuevas

tecnologías; entonces tomó carácter significativo, ya que existía la posibilidad técnica de

manipularla y configurarla como código significativo.

3. Evolución de la iluminación en los Escenarios

Las representaciones en la Antigüedad y en la Edad Media se realizaban a la luz del día

(mañana o tarde) y al aire libre, con lo cual la luz era la natural, tanto para espectadores

como para el escenario.

En la EDAD MEDIA la iluminación natural, adquiere una nueva significación por la religión.

Las iglesias construidas a fines del período Románico poseían aberturas circulares que

permitían el paso de los rayos del Sol.

Estas aberturas estaban ubicadas en lugares estratégicos de las paredes convirtiéndose así

en focos "dirigidos" por el hombre durante un breve lapso.

El objetivo de este foco, observando el interior de la iglesia, era iluminar un fresco o un

ícono ubicado en el lugar donde se apoyaba la luz a la hora de ser convocado el ritual.

Quizás podamos afirmar que este sea el primer registro de luz direccionada con la

intención de guiar la mirada del espectador hacia un elemento específico.

Más adelante en la línea del tiempo nos encontramos con los Constructores de

Catedrales, hábiles artesanos que se reunieron en logias según los oficios que

desempeñaban; por otro lado los abades que regían las iglesias buscaron formas

novedosas de convocar feligreses y de transmitirles los conocimientos religiosos.

En el siglo XVII se pasó la representación a locales cerrados o semicerrados, y de la

mañana o tarde se pasó a realizarla en la tarde o noche. Esto, sin embargo, no supuso la

creación de un código significativo lumínico, puesto que se iluminaba por igual el

escenario y la sala, mediante lámparas de velas o candiles de aceite, que se encendían uno

por uno antes de la representación y se apagaban del mismo modo al concluirla; era

imposible apagar y encender a media función. A veces se añadían en el escenario las

llamadas candilejas, una fila superior o inferior, o ambas cosas, en el borde del escenario,

pero tampoco se podían encender y apagar durante la función, sino al comenzar y al

terminar ésta. Este tipo de luz escénica, que sólo sirve para visibilizar el espacio, no se

puede llamar propiamente signo teatral.

En el siglo XX, algunos autores y directores de escena, renuncian al uso de la luz como

código de significado, prefiriendo una iluminación general y “natural”, como hizo Bertolt

Brecht, pero en ese caso, al existir ya un código lumínico teatral, la renuncia a él tenía

también un valor de signo negativo, el rechazo a la ilusión y a la inmersión propias del

teatro burgués.

La luz como signo en el teatro funciona en razón de su intensidad, su color, su distribución

y su movimiento, posibilidades que ofrecen las modernas tecnologías. Una de sus

funciones significativas básicas consiste en dar a entender la luz: solar, lunar, de

antorchas, de velas, de un arco iris, de tormenta, de neón, etc. La luz en teatro se

representa a sí misma y se crea como un tipo concreto de luz, el cual pertenece a un

código cultural simbólico, que lleva consigo todos sus significados concretos: día, noche,

sombra, penumbra, etc.

Puede, por tanto, connotar otros significados, que aluden al lugar, al tiempo, a los

personajes, etc. Gracias a las técnicas de iluminación se pueden crear efectos que hace un

siglo solamente eran inimaginables. Con ayuda de la luz (el aparato técnico de

iluminación), se pueden aislar y concentrar la atención sobre determinados signos: partes

del decorado, gestos o movimientos de los actores, accesorios.

Estas son las diferentes posibilidades de significado de la luz:

Puede dar a entender un lugar: rayos discontinuos y móviles pueden significar un bosque,

por ejemplo.

1. Puede remitir a una cueva, si se concentra en tubo, al interior de una catedral, a una

habitación, etc., e incluso puede sustituir el decorado en su totalidad.

2. Puede indicar procesos meteorológicos, fenómenos naturales y sucesos sociales, o sea,

crea situaciones y acciones, a veces en asociación con signos acústicos no verbales

(ruidos).

3. Puede aportar significados referidos a la identidad de los personajes, aislándolos o

destacándolos, por color o por intensidad.

Crea atmósferas y ambientes, siguiendo códigos culturales previos. Se identifica la luz

clara y cálida, por ejemplo, con la tranquilidad; la luz lunar, fría y azul, con el misterio, lo

romántico. De este modo puede transmitir sentimientos: recogimiento, euforia, intriga, e

incluso ideas, como en una apoteosis celestial al final de un auto sacramental, por

ejemplo, que significaría el triunfo de la espiritualidad.

3.1 Iluminación en espacios escénicos.

La luz es abstracta, libre y dinámica, porque no es tangible, no tiene reglas al momento de

utilizarse y porque existe un movimiento en ella que es dado no solo físicamente sino

porque puede manipularse sobre las intensidades, brillos, reflejos. En el diseño la función

de la luz y el color cobran aún más sentido si se logra transmitir un mensaje o una

sensación a la hora de diseñar con ambos.

El diseño de iluminación es un trabajo con base en la luz y no forma parte del fenómeno

natural porque uno trata de recrear o inventar atmósferas relacionadas con un momento,

un tema, una idea, un objeto, usando recursos técnicos con luz artificial dentro de un

espacio. El diseño de iluminación nunca será un efecto natural sino una imitación.

Dentro del teatro u otro lugar, el diseño de iluminación será siempre un evento artístico.

En la danza, la ópera, el teatro, un performance, la arquitectura, etc., la iluminación es

esencial para los efectos visuales que se produzcan en el espacio, reforzando lo que cada

una de éstas manifestaciones quiera transmitir.

La iluminación es considerada subjetiva, al no ser tangible y producir efectos emocionales

de manera inconsciente que afectan nuestra sensibilidad y percepción.

3.1.1 Hay dos formas básicas de entender la iluminación.

3.1.1.1 El naturalismo

Sigue la ubicación lógica de las fuentes de luz en una escena y a esto se denomina a

menudo iluminación justificada. Por ejemplo, si se fotografía a dos personas situadas una

frente a la otra en una escena exterior con luz día y una de las personas se encuentra a

contraluz, la otra persona debería estar a plena luz del sol.

3.1.1.2 El pictorialismo

Permite usar ángulos de iluminación que infringen esta lógica con el fin de conseguir un

efecto artístico. Aunque no sea realista, ambas personas pueden estar a contraluz

sencillamente porque es más bonito.

3.1.2 Hay dos estilos básicos de iluminación

• La iluminación en clave alta es predominantemente brillante y permite pocas zonas

oscuras o sombras dentro de la escena. Este tipo de iluminación se caracteriza por una

iluminación intensa sobre el sujeto y con frecuencia un fondo expuesto por igual.

• La iluminación en clave baja realza la profundidad usando tonos contrastados de altas

luces y sombras.

Sólo están bien iluminadas unas pocas zonas, dando como resultado más zonas de

sombras. Esta relación crea el efecto de clave baja.

4 LUZ

La luz es abstracta, libre, dinámica y – si se quiere- puede ser comunicativa. Decimos que

la luz es abstracta ya que es intangible, que es libre en tanto que no tiene reglas de cómo

utilizarse y que es dinámica porque tiene movimiento en sí: además de lo físico, es posible

modificar la intensidad, el brillo, los reflejos de ella. Por otro lado, la luz puede ser

comunicativa siempre y cuando en su diseño se busque transmitir algún mensaje o

sensación a través de la manipulación de ella y su color. A su vez, se considera que la luz

es subjetiva ya que ella puede provocar emociones que afecten de manera inconsciente

nuestra sensibilidad y percepción.

En la actualidad, generalmente, nos referimos al diseño de iluminación en tanto a la

manipulación de la luz artificial dentro de un espacio para recrear o inventar una

atmósfera que nos sugiera un momento, una idea, un lugar, un tema, un objeto. Muchas

veces la luz escénica busca imitar la realidad y la naturaleza, pero siempre que hablemos

de manipulación de la luz, hablamos de un fenómeno artificial.

Por otro lado, ya sea en un teatro o cualquier otro espacio, el diseño de iluminación

pertenece al campo de las artes siendo siempre primordial para la creación de efectos

visuales deseados, reforzando el mensaje de lo que cada uno de ellos quiere transmitir.

4.1 Tipos de Luz según sus propiedades

4.1.1 LUZ DIFUSA

Definición y Características.

La luz difusa o luz suave (o indirecta) es aquella que no es definida, sino que se dispersa en

muchas direcciones.

Este tipo de luz propicia un reflejo desbordado y una transición de la luz a la sombra

menos marcada. Las sombras que produce son débilmente delimitadas, es decir, que el

efecto de la luz difusa sobre el objeto o persona a iluminar será de menor contraste:

mientras mayor sea la fuente de luz tanto mayor será la dispersión del haz.

4.1.2 USOS

La luz suave se utiliza para el modelado y definición de profundidad, ya que es

favorecedora para la mayoría de los rostros porque crea pocas sombras y tiende a

envolver los objetos.

A su vez, si se la utiliza en demasía, puede “aplanar” los elementos del espacio.

Para lograr una luz difusa artificial, en general, se refleja una fuente dura sobre una

superficie reflectante irregular o se proyecta la luz a través de un medio difusor.

4.1.3 LUZ CONCENTRADA

Definición y Características.

La luz concentrada o fuerte (o directa) es aquella cuyo haz de luz puede verse

perfectamente definido.

En la luz concentrada no se percibe fuga alguna del haz ni reflejo fuera del contorno, es

decir, el paso de luz a oscuridad es directo. El efecto que esta luz produce sobre el

elemento o persona a iluminar es fácilmente controlable: depende de la distancia de la

luminaria y del tipo de reflector, cuanta menos distancia, menor será el área a iluminar y

más concentrado e intenso será el haz.

Las sombras que este tipo de luz produce son definidas, y su tamaño es aproximadamente

el del objeto o elemento a iluminar, y si se reduce la distancia entre éste y la fuente de

luz, la sombra será mayor y menos nítida, y la luz dará la sensación de ser más dura.

Por último, la luz concentrada permite la conservación de su brillantez, debido a que se

proyecta perfectamente.

Usos

La luz dura sirve para crear sombras profundas e intensas, y siempre debe usarse con la

precaución de que no parezca falsa o muy localizada.

4.2 Tipos de Luz según su uso.

4.2.1 LUZ PRINCIPAL

La luz principal es la fuente más importante de iluminación de una escena, cuya finalidad

técnica es producir un nivel luminoso que permita una exposición y visibilidad adecuada.

Esta luz, es la que ilumina el lado principal del objeto o sujeto expuesto.

4.2.2 LUZ DE RELLENO

La luz de relleno es aquella que ilumina las zonas de sombras, es decir, que “rellena” las

sombras y cuya finalidad es reducir el contraste de la sombra.

Normalmente las luces de relleno son también luces difusas que, o bien tienen un aparato

difusor de la luz, o bien rebotan en una superficie reflectante para ampliar su volumen

lumínico y dispersar la luz.

Esta luz es la que ilumina el lado oscuro o poco importante del objeto o sujeto expuesto.

4.2.3 CONTRALUZ

El contraluz es la fuente que ilumina el lado del sujeto (u objeto) opuesto al objetivo. Esta

luz se utiliza para separar al sujeto (u objeto) del fondo, y para realzar la sensación de

profundidad.

4.3 Tipos de Luz según la función.

4.3.1 LUZ FUNCIONAL

Luc Lafortune (diseñador de luces del Cirque du Soleil), al proyectar sus diseños, separa la

luz “funcional” de la “ambiental”.

La luz funcional está más asociada a los aspectos de visibilidad selectiva y revelación de la

forma.1 Es decir, la luz funcional es aquella que ilumina la acción de los intérpretes,

aquella que debe captar la atención de manera protagónica.

4.3.1 LUZ AMBIENTAL

Por otro lado, la luz ambiental, es aquella que da una significación al espacio. Es la luz

encargada de mostramos el espacio y sus características, revelamos texturas y colores de

fondos y pisos, brillos, balancean los contrastes, decidir qué elementos escenográficos

están presentes en cada momento de las escena.

4.4 Sombra

La sombra, en la iluminación escénica, no está entendida como “oscuridad” o “ausencia

de luz”, sino más bien como la proyección oscura de un elemento, contraria a la luz que lo

ilumina. La sombra es, pues, pareja de la luz, puesto que no existe la una sin la otra, es una

sustancia positiva por derecho propio y estimuladora de distintas percepciones.

Las sombras generadas pueden ser propias o arrojadas.

4.4.1 SOMBRAS PROPIAS

Las sombras propias son aquellas que se hallan directamente sobre los objetos, que se

originan por su propia forma, según la orientación del espacio y la distancia de la fuente

luminosa.

A nivel físico es consecuencia de la interposición de un objeto frente a un haz de luz; a

nivel perceptivo, la sombra propia forma parte integral del objeto, a tal punto que la

experiencia real puede no repararse en ella sintiéndola solamente como complemento en

la visión del volumen del objeto.

4.4.2 SOMBRAS ARROJADAS

Las sombras arrojadas son aquellas que un objeto (o parte de un objeto) proyecta sobre

otro.

A nivel físico tiene la misma característica que la sombra propia: se origina como

consecuencia de la interposición de un objeto frente a un haz de luz; mientras que a nivel

1 Tema que se verá en profundidad en el capítulo 8

perceptivo, la sombra arrojada es una imposición de un objeto sobre otro, una

interferencia sobre la totalidad del objeto receptor, que puede llegar incluso a modificar

visiblemente su forma.

5. Iluminación escénica

Cumple dos principales funciones: iluminar el escenario y a los actores y transformar el

escenario en una atmósfera perfecta a la obra. El público espera tener un 100% de

visibilidad de los actores y el escenario.

Hay dos grupos de iluminación, la indirecta, que es empleando luz reflejada o iluminación

general, y la directa, proveniente del sol o una lámpara. La utilizada por la comedia

musical es la primera, y para ello usan focos y proyectores. Con ellos, hay cuatro factores

controlables: la intensidad, el color, la distribución y el movimiento.

5.1Existen diferentes tipos de efectos de luz con focos.

5.1.1 Luz cenital

El haz de luz incide verticalmente en un ángulo de 90° desde arriba sobre el objeto, con un

máximo de desviación de 25° a 30°. El efecto que produce sobre los objetos o personas

acentúa solo ciertas partes, es una luz poco favorable y muy dura, provoca sombras muy

marcadas. Y es lo más parecido a la luz del mediodía en verano.

5.1.2 Luz frontal

Este tipo de iluminación se coloca frente al objeto, con un ángulo de incidencia ideal de

45°, pudiéndose colocar hasta un máximo de 60° con respecto a la horizontal. Este tipo de

iluminación da un efecto óptico de aplanar las cosas y pegarlas hacia el fondo, los

contornos se ven poco definidos y puede considerarse como luz general. La sombra

producida por este tipo de iluminación queda detrás del objeto iluminado.

5.1.3 Luz lateral a 45°

Como su nombre lo indica es una luz que se coloca al lado derecho o izquierdo del objeto

a iluminar, el ángulo ideal para que incida el haz es de 45° con respecto al objeto y a un

máximo de 60°. Matiza y contornea de forma uniforme, no aplana y visualmente despega

el objeto del fondo. Las sombras son prolongadas y muy marcadas.

5.1.4 Contraluz

Ubicado detrás del objeto, el haz puede dirigirse sutilmente encima o sobre el mismo. Su

ángulo de incidencia es hasta 45°. El efecto producido es de profundidad, el objeto se ve

rodeado por un halo de luz a su alrededor que contornea la silueta perfectamente. La

sombra producida es alargada, definida y proyectada hacia el frente.

5.1.5 Luz rasante

Es una luz que roza el objeto sobre un ángulo de 90° respecto a la horizontal.

Generalmente se ocupa sobre el piso para realzar y matizar. Es una excelente luz para

efectos y crear claro-oscuros. Las sombras producidas pueden ser molestas si no se fugan

en la dirección correcta.

5.1.6 Luz ambiental

Es utilizada como luz general, se distribuye de forma que ilumine todo el espacio

uniformemente, también puede provocar una degradación de claro-oscuro o de color.

Matiza sin resaltar y provoca casi nada de sombras.

En la práctica la iluminación es decisiva para la transformación de sensaciones. La

disposición de los reflectores dará el efecto óptimo que se pretende, teniendo siempre en

cuenta que el diseño de iluminación no puede realizarse con modelos fijos. Los tipos de

iluminación y reflectores son solo referentes a tomar en cuenta, la disposición y decisión

de cómo utilizarlos dependerá de los objetivos a iluminar, el tipo de contexto donde se

realice y de la creatividad de cada diseñador.

6. COLOR

El color en la luz se hace con los filtros, hechos con láminas de acetato y teñidas de diversos colores, se las llama “gelatinas”, que se vende por pliegos, de allí se recorta el cuadrado que se necesita y se monta en un porta filtros colocado en la boca del foco.

Debido a las altas temperaturas no se deben utilizar filtros de otros materiales y también se debe evitar que el filtro entre en contacto con la lámpara porque también se queman.

Para una iluminación general rara vez se usa el color blanco porque se come el color de los decorados y los vestuarios. Siempre usamos la luz filtrada para resaltar el color de la escena, aunque la combinación de colores de blanco.

Puede causar mal efecto usar solo un color o una sola gama de colores para iluminar una escena. Es mejor equilibrar las diversas gamas de color, si el resultado es uniforme, el efecto se pierde.

Nunca mezclar colores montando filtros de distinto color sobre un mismo foco porque el efecto distaría mucho del efecto buscado y restaría luminosidad al foco. Tenemos que probar los focos de acuerdo con el vestuario para evitar efectos no deseados.

6.1 MESA DE CONTROL O MESA DE MEZCLAS

El técnico de luces puede manejar de forma independiente la intensidad de los focos conectados a cada uno de los canales. La combinación de focos que iluminan una escena se conoce con el nombre de “efecto”.

La mesa de control cuenta con un mando central o master que permite controlar todos los canales a la vez, así podemos preparar la intensidad de los focos y conseguir que los canales elegidos entren todos simultáneamente.

Algunas mesas tienen dos masters (A y B), que permiten preparar los efectos de luces con antelación, mientras el efecto A está en escena trabajamos sobre el B.

6.2 TÉCNICO DE LUCES

La velocidad con que aparezca cada efecto depende de la habilidad del operador al accionar los reguladores.

La función principal del técnico de luces es controlar los efectos bruscos de encendido y apagado. Un buen técnico debe utilizar siempre los reguladores incluso para encendido y apagado rápido (a capón) y no darle al interruptor general. Con un encendido brusco hasta la máxima densidad podemos deslumbrar al espectador. Mejor un encendido rápido de hasta un 60 ó 70% y después hasta el 100%, así el iris del espectador se va acostumbrando a la luz. Para el apagado ocurre igual.

Se sube rápidamente hasta el nº 7

Luz a capón

Regular lentamente hasta el nº10

Cuidar el fundido:

Cuidar cuando se funden dos efectos sobre el escenario. Ejemplo: efecto B sube mientras el efecto A va bajando, o viceversa.

El aumento necesario para que una lámpara empiece a arder es mayor que la disminución de tensión que necesita para bajar la intensidad. El efecto entrante debe comenzar antes que el saliente, porque las luces tardan más en encenderse que en apagarse.

6.3 CÓMO REALIZAR UN DISEÑO DE ILUMINACIÓN.

1.- Necesidades de la obra: tener en cuenta los distintos espacios, la escenografía, cómo es el texto, cómo se mueven los actores.

2.- Medios físicos: las dimensiones del escenario. Equipo con el que contamos.

3.- Potencia de que disponga el edificio.

4.- Conseguir una iluminación uniforme del espacio escénico, dividimos el escenario en zonas, formando una cuadrícula. Cada zona tendrá 2,5 m2 aprox. Así cada cuadro podrá iluminarse independientemente con un juego de focos, procurando que el actor que se sitúe en el centro que de correctamente iluminado.

5.- Planos de luces:

Contiene el diseño final de la iluminación y consiste básicamente en un croquis del escenario con indicación de los principales elementos de escenografía y en él se señalan lo siguiente:

Aparatos de iluminación que utilizamos.

Lugar donde se instala cada uno.

Área del escenario que debe iluminar.

Filtro de color que debo colocar.

Tipo de aparato en función del símbolo que le corresponda en el código internacional.

Este plano de luces se completa con un “plano de dirección de luces” donde se desglosa el croquis del escenario, escena por escena, indicando en cada una la zona exacta hacia la que debemos dirigir cada uno de los focos que intervienen en la iluminación de la misma.

Preparar una lista con todos los efectos de luces del espectáculo:

Numeramos del 1 en adelante.

Indicamos los canales que intervienen en cada efecto.

Qué intensidad y en qué momento del espectáculo debe entrar o salir (“Que pie”). Para el control de luces registramos si será un apagón rápido, registramos su velocidad.

6.- Libreto para el técnico de luces. Tiene el texto completo del espectáculo y allí apunta en qué momento entra cada efecto.

6.4 LA PASADA DE LUCES.

Es pasar todos los efectos de luz, uno a uno sobre cada persona, y ver el resultado general. Después suele haber un ensayo general donde el técnico comprueba todos los efectos a tiempo real, controlando sobre todo la entrada y la salida (fundido).

Después se calientan los focos, media hora antes de que empiece el espectáculo. Si no están calientes se pueden fundir al hacer luz a capón.

7. DISEÑO DE ILUMINACIÓN TEATRAL: CREACIÓN DE SENSACIONES

“La función práctica de la luz es la de hacer visible el espacio. La luz ilumina el lugar, lo

hace evidente, de modo que aparezca como tal espacio. Junto a esta función práctica, la

luz puede adoptar funciones simbólicas y significativas, pues todas las culturas han

formado un código simbólico de la luz, basado en la contraposición entre luz y oscuridad,

con sus matices de sombra, y en la alternancia de día y noche, con sus tiempos lumínicos

intermedios.”2

El Diseño de iluminación es el uso creativo de la luz para reforzar el entendimiento y la

apreciación de una producción visual. En él entran en interacción dos aspectos

primordiales: los conocimientos técnicos y perceptivos por un lado, y el proceso creativo

por el otro.

Dentro del proceso creativo existen ciertos “objetivos” que la iluminación debe alcanzar

en una escenografía, y con los cuales Stanley Mc Candless redefine al diseño de

iluminación como “el uso de la luz para crear una sensación de visibilidad, naturalismo,

composición y emoción (o atmosfera)”. Para lograrlo, existen cinco puntos específicos en

los que se centra esta disciplina: la visibilidad selectiva (es decir, la utilización de la luz

para lograr que cada espectador vea clara y correctamente aquello que se quiere mostrar;

esta visibilidad va cambiando de acuerdo al carácter dominante cambiante de la escena),

la revelación de la forma (o la modelación de la luz para crear el carácter tridimensional),

2 El significado de la luz en el teatro

la composición del espacio (realizado de manera plástica para generar un efecto pictórico

en el ambiente), el impacto directo sobre los estados de ánimo (que no es otra cosa que

expresar mediante la luz emociones y estados de ánimo), y la información (es decir, dar

cuenta de los datos necesarios para comprender el hecho dramático, para generar fluidez

en la lectura de un espacio y de una obra).

7.1 Visibilidad selectiva

La función fundamental de la luz es permitir la visibilidad, hacer visibles las cosas. Pero la

visibilidad funciona selectivamente: “revela las cosas selectivamente en términos de

agudeza”3.

Para la acción dramática es condición fundamental que sea vea aquello que se quiere

mostrar. Se dice que si a un actor no se lo ve, tampoco se lo escucha. Esto, en realidad, es

cierto hasta cierto punto, pero la cuestión es que nuestro sentido más desarrollado es el

de la vista, por tanto nuestro sistema perceptivo se maneja por pregnancia visual:

focalizamos aquello que más nos llama la atención, y el resto pasa a segundo plano.

Cuando estamos atentos, todos nuestros sentidos trabajan en forma conjunta.

La luz trabaja en esta captación de atención ya que produce un recorte del “elemento

importante” al controlar el contraste general de lo que se percibe. Su intensidad

determina las áreas de mayor pregnancia visual: cuanta más intensidad luminosa tiene un

objeto, más atención concentrará. Ante un contraste, la percepción distingue y separa lo

principal de lo secundario, lo dominante de lo recesivo. En los espectáculos teatrales,

diferentes elementos, personajes y partes del espacio pierden o ganan importancia, y la

luz es una de las encargadas de resaltar el protagonismo de ellos.

7.2 Maneras de determinar un plano principal:

7.2.1 Control del contraste

Una de las herramientas que poseemos para dar mayor o menor protagonismo a un

elemento, personaje o parte del espacio, es el control del contraste. Manipulamos a

nuestro gusto el contraste a través de la intensidad de la luz (el plano principal está

iluminado con una luz más intensa, y el secundario con uno menos intenso)

7.2.2 Control del color

3 Mc. Candells

También el color es una gran herramienta. Una luz de color saturado y cálido da mayor

protagonismo que otra con menor saturación, fría y de igual brillo. Así, daremos

protagonismo a un actor que esté iluminado con una luz roja saturada, por sobre otro con

luz azul.

7.2.3 Uso del Seguidor

El recurso más simple de la visibilidad selectiva es el uso del seguidor. Con un artefacto

que permita el desplazamiento de la luz conforme un actor recorra el espacio escénico, se

logra una mayor pregnancia visual y la mirada del espectador lo seguirá en su recorrido.

7.2.4 Inversión

La visibilidad selectiva también puede darse por inversión, esto es, visualizar una silueta

contra un fondo muy iluminado, o una abertura desde donde entra luz, que evidencia una

forma no visible en su detalle. La luz funciona como fondo de esa figura plana negra:

aunque el plano de fondo sea el iluminado, la forma que se antepone es la que logra

mayor pregnancia visual y protagonismo.

Revelación de la forma

No basta con hacer que los objetos y las personas sean más visibles. La luz debe contribuir

a evidenciar las formas y denotar su carácter tridimensional.

Luz y sombra tienen igual importancia y se revelan una a la otra. Existen diversas maneras

de revelar la forma, normalmente se utilizan posiciones de luz opuesta: frente-contraluz,

lateral izquierdo-lateral derecho. Los opuestos perfilan y contornean a los elementos con

luz, creando sombras que muestran su volumen.

A través del modelado de luz y sombra, podemos revelar o esconder cuerpos, suprimir

cabezas, manos, resaltar músculos, trabajar con la forma en su detalle. También pueden

sugerirse formas en tridimensión delineando siluetas, a través de formas incompletas,

utilizando luces en una única dirección (de modo lateral o de contraluz, nunca de frente).

7.2.5 Composición del espacio

“Pintar el escenario con luz es siempre la tarea más obvia y la búsqueda más gratificante

para el diseñador de luces”4.

Hablar de composición del espacio es hablar de la generación de un espacio iluminado,

equilibrado o no, pero pensado integralmente. Nos referimos al diseño, más

puntualmente, de la luz ambiental en relación al espacio escenográfico, implica dar

significado al espacio.

7.3 Hay diversas formas de componer el espacio haciendo uso de la luz:

7.3.1 RESALTAR EL ESPACIO

Si hubiere una textura, un plano, un elemento que aportase de alguna manera a la escena

que diseñamos, podríamos resaltarla y darle importancia por medio de una luz: en el

ejemplo de abajo, diseño de Josef Svoboda, una luz rasante demuestra la importancia que

posee la pared de textura pétrea.

4 Richard Pilbrow, en su libro “Stage Lighting Design”

7.3.2 CREAR ESPACIOS

Otra posibilidad, es la de crear espacios mediante el uso de la luz. Un trazado de luz o una

forma generada por la luz puede convertirse en un elemento corpóreo. Si creamos una

línea de luz podemos estar creando un sendero, un camino que al actor se le presenta en

su historia. Si creamos un foco de luz fuerte color roja en un punto determinado,

podríamos crear una fogata con la que el personaje se abrigaría.

7.3.3 SUSTANCIACIÓN DE LA LUZ EN EL ESPACIO

La luz puede fragmentarse o solidificarse en el espacio, según como se la emplee. Se

puede generar luces corpóreas –como se muestra en la imagen a la izquierda, donde las

luces de contornos suaves tipo fresnel llegan a armar “un gran cono de luz”-, o

desmaterializarla –como en la imagen a la derecha, donde se utilizan gobos en elipsoidales

con diseños de follaje o de pequeñas superficies con formas variadas-.

7.3.4 Información

Cada puesta en escena tiene un sentido y una información que brindar. Siempre hay algo

que se expresa, alguna historia, algún relato, y la luz se encarga de facilitar la lectura de

ello, incluso de reforzarla.

En toda interpretación dramática existen momentos trascendentes, nudos dramáticos,

tránsitos, a veces un crescendo. La luz acompaña todos esos altibajos de la historia, sus

entramados.

En un desenlace violento, la luz acompaña esa violencia; si el relato se encuentra en un

tránsito tal vez la propuesta lumínica sea neutral. Lo importante es que a través de la luz,

la historia se lea, y para que esto suceda es necesario que la luz fluya a la par.

Impacto directo sobre nuestros estados de ánimo

La luz es una “sustancia poderosa” que es capaz de establecer un clima, modelar una

forma, visualizar una imagen particular. Cada una de estas posibilidades es como una capa

que se superpone con otras de manera articulada para crear una única imagen, la cual se

modifica a medida que transcurre el tiempo rápido o muy lento, con cambios casi

imperceptibles. Todo este superpuesto de capas afecta al espectador irremediablemente.

El impacto que la luz ejerce sobre nosotros es parte de un proceso de comunicación que

se da entre quienes representan la obra (en conjunto con el director, los productores,

sonidistas, etc) y los espectadores.

La luz inevitablemente penetra y altera nuestro estado de ánimo: nos calma, nos excita,

nos aterra, nos aburre, nos divierte. Cualquiera sea la emoción o estado que se quiera

generar en el espectador, es controlable.

8. LA LUZ COMO ELEMENTO COMUNICATIVO EN EL ESPACIO ESCÉNICO

8.1. La luz como signo

La luz funciona en el teatro como un signo, como uno de los elementos de la

comunicación que se establece entre los responsables de la obra y su público espectador.

La luz, en tanto signo funciona en razón de su intensidad, su color, su distribución y su

movimiento.

Existen diferentes posibilidades de significado de la luz, en tanto a que puede indicar:

8.1.1 UN LUGAR

La luz puede componer el espacio5, haciéndolo grande o reducido, al aire libre o

encerrado, creando caminos o senderos por los cuales caminar, generando rayos

discontinuos y móviles que simulen un bosque, puede remitir a una cueva si se concentra

en tubo, al interior de una catedral, o una habitación, llegando incluso a sustituir el

decorado en su totalidad.

8.1.2 SITUACIONES

A través del movimiento de la luz, es posible representar procesos meteorológicos,

fenómenos naturales y sucesos sociales, es decir, crear situaciones y acciones diversas (en

las que puede estar acompañada por signos acústicos no verbales: sonidos). Por ejemplo,

una luz blanca concentrada que aparece y desaparece al instante podría ser un rayo, o la

utilización de muchas luces cálidas de manera tumultuosa podrían significar un

bombardeo.

8.1.3 IDENTIDAD DE LOS PERSONAJES

Existe la posibilidad de acentuar una cualidad de los personajes, aislándolos o

destacándolos, por color o por intensidad. Podría darse que un personaje se encuentre en

un momento de lujuria, y la luz roja lo acompañe en su estado, o que el personaje esté

triste y se lo note por la gran generación de sombras en su rostro.

8.2 ATMÓSFERAS Y AMBIENTES

En consecuencia de los códigos culturales previos, es posible crear diferentes atmósferas y

ambientes. Se identifica la luz clara y cálida, por ejemplo, con la tranquilidad; la luz lunar,

5 Tal y como vimos en el capítulo 8, en el punto “composición del espacio”

fría y azul, con el misterio, lo romántico. De este modo es posible transmitir emociones y

sensaciones: recogimiento, euforia, intriga, e incluso ideas.

8.2.1 La luz como creadora de emociones

La interpretación dramática es una expresión en la cual se establece un fuerte vínculo

entre los actores y el espectador. Cuando una persona se acerca a presenciar este tipo de

espectáculo, lo hace predispuesto a que le mientan: el espectador es consciente que los

personajes tienen nombres distintos a las personas que los interpretan, que los actores

fingen estar enamorados, o enojados o tristes, que en realidad la escena transcurre en un

teatro o una escuela (o cualquier otro lugar físico real), pero nunca en el Medioevo, por

ejemplo. Es así como el espectador se acerca a ver una obra de teatro a ser engañado.

Y es precisamente esta predisposición al engaño lo que permite que el espectador se

identifique con el actor y se emocione por la situación que éste interpreta.

Para lograr emocionar al espectador, se utilizan variedad de recursos –además del

desempeño de cada actor- como lo son el sonido, la ambientación y, por supuesto, la luz.

8.2.2 ELECCIÓN DE EMOCIONES A TRANSMITIR

La transmisión de las emociones que se da entre el elenco y los espectadores no es al azar,

sino adrede. En toda obra o puesta en escena hay momentos emotivos para los

personajes que son importantes resaltar y comunicar. Hay una primera idea sobre la

emoción que se quiere transmitir en cada momento, que surge al leer el texto, durante los

ensayos, o en charlas con el director, el escenógrafo, los actores o el coreógrafo.

Por ejemplo, se decidirá que en el momento en el cual dos enamorados se encuentran en

medio de una fiesta, la luz ambiental se quedará estática mientras los dos enamorados se

acercan el uno al otro, iluminados con seguidores. En una situación dramática, se evitará

el exceso de luz general y ambiental ya que esto podría privarle del sentido. Un actor

cantante, contando su terrible destino, rodeado de luces móviles disparadas hacia los

espectadores puede ver quebrado todo tipo de vínculo transferencial con el público.

Hipótesis

“En el diseño de la iluminación escénica es posible crear sensaciones en el espectador.”

Variable independiente: iluminación o luz

Variable dependiente: sensaciones

Experimentación

Entrevista a un Director de Teatro: Pablo Romero

Entrevista a un Técnico en iluminación teatral: Marcos Martinez

DIRECTOR

1) La iluminación escénica es un complemento fundamental para la transmisión de sensaciones y

emociones en el público, en tanto que es un lenguaje semiótico:

a) ¿Cuáles son los aspectos fundamentales que deben tenerse en cuenta para el diseño de

iluminación de una obra o escena?

En primer lugar tener bien en claro qué sensaciones quiero generar en el espectador, de qué

lugar escénico estamos hablando: un lugar real (teatro), ficticio (lugar donde transcurre la

escena) o lugar ficticio dentro de un lugar ficticio (lugar que se imagina un personaje dentro de

otro lugar ficticio).

b) ¿Quiénes participan en este diseño?

Fundamentalmente yo como director y/o técnico, u ocasionalmente –cuando actúo yo- un

técnico. Además resulta sumamente interesante que los actores sepan empíricamente cómo

se ubican las luces, para esto es importante realizar marcas en el escenario. Cuando no se

acuerda con los actores y ellos no tienen posibilidad de probar con las luces puede que el

diseño lumínico sea inútil.

2) Existen puestas en escena en las que la luz es trabajada como un actor en tanto a su accionar,

¿alguna vez dirigió una obra en la cual incluyó esta técnica escenográfica?

-En Historias a la sombra utilicé la luz desde el punto de vista subjetivo del actor: como si se fuera

a su mundo: un personaje en una fiesta en un lugar abierto imaginaba que estaba en un boliche,

entonces ahí usé un flash (luz estroboscópica) para mostrar su imaginación.

-En Lo que me costó el amor de Laura existía una historia contada dentro de un bar que debía de

convertirse en un montón de lugares (en una calle, en un puente, etc). Entonces trabajamos estos

cambios con variaciones de iluminación y ninguna escenográfica.

3) ¿Cómo hace –y por qué- para generar con las luces diferentes sensaciones de…

…ira? Puede lograrse con colores rojos o violetas y principalmente quizás con contraluces.

…tristeza? Por disminución de la luz o un cambio hacia algún color más neutro como blanco, azul.

…felicidad? Se genera con todos los colores derivados del sol (amarillos, blancos) y con mucha luz.

…nostalgia? También se disminuye la luz de manera progresiva y se puede trabajar con algún color

caramelo, piel, o con algún cosmético magenta, celeste.

…miedo? Es conveniente trabajarlo en sombra más que en luz. Puede ser con contraluces, porque

lo que uno busca muchas veces es que el espectador se identifique con el actor: el espectador

deber sentir una cuota de miedo propio.

4) La creación de sensaciones ¿ayuda a conectarse con el espectador?

Siempre hay que saber de qué manera uno debe conectarse con el espectador. Si uno apunta a

generar la empatía con determinados personajes o si apunta a estableces determinado mensaje o

si apunta a la reflexión brechiana (sin la oportunidad de involucramiento sentimental por parte del

espectador).

Siempre se logra conexión con el espectador, siempre existe esta conexión y debemos ser

conscientes de lo que debemos generar. En mi caso, la mayoría de las veces quiero generara que

la platea pueda reflexionas sobre determinados temas y muchas veces para dar esta “especie de

mensaje” es mucho más efectivo hablar, en vez de la situación ideal, de todo su contrario.

Existe una frase de Marx que tiene que ver mucho con esto: “Hay que hacer más ignominiosa a

una ignomignia, pensándola, dándola a conocer”. Esto quiere decir que si queremos hablar de la

prostitución los personajes no deben convertirse en abogados defensores de las prostitutas o

fiscales de los proscenetas, sino que deben mostrar la situación de las prostitutas aún más terrible

de lo que es en realidad, para que este mensaje se complete en el espectador.

Otro ejemplo: nosotros vemos gente que vive en la calle todos los días, si no nos detenemos a

pensar en ellos no nos afecta, en cambio, si pensamos en las causas sociales y no individuales de la

mendicidad, ahí existe la posibilidad de reflexión.

TÉCNICO EN ILUMINACIÓN

1) La iluminación escénica es un complemento fundamental para la transmisión de sensaciones y

emociones en el público, en tanto que es un lenguaje semiótico:

a) ¿Cuáles son los aspectos fundamentales que deben tenerse en cuenta para el diseño de

iluminación de una obra o escena?

Toda iluminación tiene que estar en consonancia con el mensaje, la idea o argumento de la

obra a la que pertenece: esto es lo principal.

b) ¿Qué criterios utiliza para ello?

Me baso mucho en Eli Sirlin en cuanto a cosas como:

- “visibilidad lumínica” (no siempre es necesario que se vea todo el escenario, sino que la idea

es mostrarle al espectador qué parte de la luz o de la sombra es importante en un

determinado momento.

-otro aspecto sería la revelación de la forma: es decir, que los aspectos tridimensionales no se

deformen con la luz (pasa mucho con la luz frontal: se da mucho en recitales de rock), que no

se vea un objeto plano. El hecho de perder la profundidad visual afecta muchísimo en la

percepción que el espectador pueda tener de esa obra.

-la composición del espacio escénico: que tiene que ver con cómo disponés una cantidad

determinada de luminaria en un escenario con determinadas dimensiones, determinada

escenografía y actores. Y para eso es necesario tener en cuenta todo este tipo de factores: qué

tipo de puesta en escena se trata, actores, espacio y cantidad de luminarias.

-la información: precisamente es brindar la información justa al espectador, no confundir con

cambio de luces bruscos, no intentar hacer alarde de la técnica que tengo, sino ir en

consonancia con la obra. Mucho depende de la puesta también. Con la luz podemos crear

convenciones: podemos crear la convención de que es de día o de noche sin cambiar

elemento alguno de la escenografía.

-impacto directo sobre el estado de ánimo del espectador: tiene que ver con qué impactos

quiero generar en el espectador. Muchas veces los directores y actores lo saben y a veces no.

Lo ideal sería que lo supieran.

c) ¿Quiénes participan en este diseño?

Uno debe acordar siempre con los directores y después con los actores, si hubiera otra gente,

también. Siempre es importante acordar, más en algo como el teatro que es todo tan

subjetivo: si no se tiene bien claro qué quiero mostrar puedo crear diferentes climas. Por

ejemplo, gran cantidad de luz predispone a la risa y poca cantidad de luz predispone al drama.

Yo siempre trato de acordar primero con el director, después con otros técnicos (si es que hay)

y en tercer lugar con los actores intervinientes en la obra.

Cuando empecé a trabajar como técnico yo creía que iba a tener poca libertad y que todo el

mundo y todos los actores y directores del mundo manejaban el lenguaje lumínico, pero me

encontré con que no, entonces, la mayoría de las veces terminé diseñando la puesta lumínica

casi solo en base a estos acuerdos.

También es importante conocer sobre el vestuario, además del color, el tipo de tela (si es

sintética o natural: las naturales presentan menos variación en el sentido de que es más

sencillo darse cuenta cómo funcionarán los colores: algodón amarillo con luz azul resultará

algo verde, en cambio con telas sintéticas en el vestuario se da mayor variación y no se logra el

color deseado tan fácilmente). También pasa eso con el telón de fondo y la utilería. Por eso

hay que probar con las luces.

2) La intensidad de la luz provoca sensaciones al sujeto perceptor:

a) ¿Qué elementos fundamentales deben tenerse en cuenta la manipulación de la

intensidad?

Está esto que yo te decía: a mayor luminosidad, mayor comicidad genera. Aunque

obviamente tiene sus excepciones. Vos podés trabajar una comedia muy oscura, siempre

dándole tiempo al espectador a que el ojo se adapte a esa oscuridad.

La intensidad tiene como fin también acentuar o marcar determinados momentos de una

puesta en escena, ya sea disminuyendo o aumentando la luminosidad.

b) ¿Qué percepciones pueden provocarse en el espectador?

Al iluminar un actor o elemento, estamos indicando al espectador dónde debe mirar,

dónde va a sucedes algo. Eso puede ser anticipativo o mientras transcurre.

El tema de las percepciones también está ligado básicamente a los colores. Generalmente

se debe trabajar con una cantidad media de luz para no producir fatiga visual.

3) La posición de la fuente de luz comunica diferentes cosas según de dónde provenga:

¿En qué situaciones y para qué utiliza…

a) Iluminación cenital?

Sirve principalmente para destacar espacios centrales, principalmente donde va a

producirse monólogos, apartes o semiloquios. Es una luz irreal por el tipo de luminarias

que se usan, es más difícil con el cenital crear la ilusión de un hecho natural. Tiene una

ubicación más teatral en ese sentido; esto siempre que hablemos de un solo cenital.

En cambio, con varios cenitales, se puede crear una cortina de luz que sirve para delimitar

espacios: lo que está detrás de ellos lo podés ocultar, no se ve. Por ejemplo, tenés una

escena que está en un lugar cerrado y querés abrirlo, lo podés hacer ocultando con luz

cenital toda la escenografía de atrás. Es una luz acéptica, limpia, no produce mucha

sombra.

b) Iluminación frontal?

Es la más peligrosa porque su abuso aplana las formas. Siempre se debe usar en relación

con otras luces. Yo siempre utilizo una luz frontal bastante potente para realizar una

iluminación general del escenario o para corregir las sombras o cantidad de luz que

producen las otras luces del escenario. Trabajo con luminarias de gran intensidad (fresnel,

1000W, o PATH).

c) Iluminación lateral?

Es interesante porque mantiene la forma de los objetos o actores. Genera mucho

contraste. La idea es trabajar con laterales de los dos lados y elegir, de última, qué lado

debe estar más iluminado y cuál menos. Siempre al actor le va a llegar más luz cuanto más

cerca esté de ella (existe una ley para ello, la ley del cuadrado de la luz distancia: L= l/d2).

Sirve mucho para espectáculos de danza o danza-teatro.

d) Iluminación diagonal?

Es muy interesante porque, a diferencia de la frontal, genera sombra. Entonces no se

aplana el actor o la escenografía. Por ejemplo, en “Medio Pueblo” la usé para iluminar una

especie de escalera donde estaban ubicados unos muñecos. La luz iluminaba más a un

vértice que a otro y así se acentuaba la idea de tridimensionalidad.

e) Iluminación nadiral?

Es una luz peligrosa porque genera mucha sombra, generalmente en la cara; entonces hay

que usarla conscientemente de esto y con complementos (luz cenital o frontal). A menos

que lo que yo quiera sea justamente generar sombra. Sirve para las escenas que

podríamos considerar dramáticas.

Otro problema que tiene esta luz es el hecho de poner las luminarias arriba del escenario,

ya que se las pueden chocar los actores, por eso hay que ver bien por dónde van a caminar

ellos y disponerlas fuera de su recorrido.

f) Contraluz?

Toda puesta siempre debe tener un contraluz ya que si no se utiliza contraluz se pierde la

tridimensionalidad. Generalmente hay que trabajar con paletas opuestas de colores: si

tenés una fuente que tiende a cálido, el contraste tiene que ser frío. Esto tiene que ver con

la tridimensionalidad y la teoría de color de los impresionistas: una luz roja tiene sombra

verde, una luz amarilla tiene luz violeta, y así con todos los opuestos.

Esta luz también sirve para mostrar todo el escenario sin demasiada luz o para cambiar el

color de fondo de la escena (en ese caso, se puede utilizar para dar una interesante

bienvenida al espectador, al principio de una obra) y para momentos dramáticos. Pero

también genera fatiga visual, así que hay que usarla cuidadosamente sin abusar. La regla

sería poner 1/3 de luminarias en contraluz, más de eso generan irrealidad.

4) El ritmo del diseño de iluminación escénica permite decidir cómo se contará la historia,

a) ¿En qué situaciones y para qué utiliza los cambios bruscos de luces?

Hay que tener cuidado en los cambios bruscos de luces porque a partir de usar este efecto

lo que hiciste con el espectador es crear una convención. Es muy peligroso después destruir

esta convención. Por ejemplo, si la escena se convierte rápidamente de luz de noche a luz

de día, siempre deberá convertirse así. Es muy probable que el cerebro del espectador no

reaccione rápidamente a estos cambios, pero el ojo sí: entonces puede, el espectador, irse

sin que le cierre algo y sin saber qué es eso que no le cierra.

Muchas veces podemos marcar cortes en escena con cambios bruscos de iluminación.

Estos cortes pueden aludir a elipsis temporales o cambios de espacio.

b) ¿Qué efecto produce en los espectadores?

Se produce una convención con los espectadores, un acuerdo. Pero generalmente el uso

constante de cambios bruscos genera fatiga visual y pérdida de percepción visual: se

pierden detalles porque el espectador está más pendiente de unir los cambios de luz que

en los sutiles movimientos de manos, gestos, etc.

5) ¿Cuándo se opta por utilizar una luz difusa y cuándo una focalizada?

Las luces difusas (que tienden a la omniluminosidad) se pueden usar como luz general, como

contraluz, como luz ciclorámica (contraluz que se usan, no sobre el escenario, sino sobre el telón

de fondo).

La luz focalizada (que poseen lentes) se usa en todas las otras posiciones, fundamentalmente en

los cenitales, diagonales, nadirales, todas.

En realidad, hay también luces semi-focalizadas, que iluminan puntualmente pero con cierto

grado de penumbra.

De todas maneras lo mejor es una iluminación en varias posiciones o tipos de luminarias.

6) El color de la luz tiene una significación asociada a la cultura y aspectos físicos:

a) ¿Para qué estados anímicos o situaciones de las escenas utiliza colores cálidos y cuándo

colores fríos? ¿Por qué?

Los colores cálidos, remiten al fuego. Nos predisponen a diferentes estados:

-el amarillo a la comicidad, la risa; también por una asociación a la luz del sol.

-los rojos nos hablan de pasión, asesinato, muerte; más si se acercan a los colores sangre.

-el magenta es ambiguo: puede usarse tanto para humor como para drama.

-los colores ámbar depende cómo se utilicen pueden imitar o dar sensación de luz de

lamparita de pocos WATTS y asociarse a la pobreza del espacio escénico. También pueden

predisponer a la comedia por ser un derivado del amarillo.

Los colores fríos, por el contrario, remiten al agua, por lo cual dan sensación de

tranquilidad o peligro, y hablan de la noche:

-el azul nos predispone a la tranquilidad, la frialdad (puede utilizarse al momento de un

asesinato interesante).

-el verde es ambiguo: puede transmitirnos desde paz (si es des-saturado) o dar fuerza, si

es saturado

b) ¿Qué elementos se pueden definir mediante el uso de uno u otro color de luz?

Siempre es interesante pensar a qué elementos naturales reemplaza la luz “espectacular”

o “artificial”:

-con azules-celeste-blancos podemos crear la noche

-con diferentes gamas de ámbar imitamos la iluminación de un foco de filamento.

-con blancos-amarillos creamos luz de día.

-con magenta-naranja-violeta imitamos un ocaso o amanecer.

7) Existen puestas en escena en las que la luz es trabajada como un actor en tanto a su accionar,

¿alguna vez trabajó en una obra en la cual se incluyera esta técnica escenográfica?

-En Medio Pueblo, en el primer momento, se veía la sombra del actor en una de las paredes del

teatro, entonces antes de entrar al escenario la gente ya veía la sombra del actor.

-A veces se usa un cenital como alusión a una revelación divina del actor.

-En un Varieté un actor manipulaba el seguidor con el cual iluminaba al público, y entonces el

seguidor era el reemplazo de la mirada del actor.

-En La laguna de la niña encantada –que la iluminé una sola vez-, utilicé como reemplazo de la

laguna una luz azul.

Conclusión

Mediante las entrevistas realizadas, la información recaudada, y la participación como observadoras en diferentes espectáculos, podemos concluir que la iluminación afecta de manera importante en el clima generado, en los colores, las sombras, la tridimensionalidad, la acentuación de una situación específica que permite ver gestos y detalles y el estado de ánimo de los espectadores. Diferentes colores, diversas formas de ubicar el equipamiento de iluminación, los diversos juegos y efectos dados con las luces, el ritmo y las variaciones de intensidad son elementos de los que se vale el iluminador para generar diferentes sensaciones y estados anímicos en los espectadores. Estas sensaciones y estados de ánimo son estudiados y elegidos por un acuerdo dado entre el director, los actores y diferentes técnicos: escenógrafos, coreógrafos, vestuaristas, maquilladores.. En síntesis, podemos decir que

“en el diseño de la iluminación escénica es posible crear sensaciones en el espectador”