TEXTO

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San Pedro Garza García reconoce a la cultura como una posibilidad de desarrollo del ser humano y factor de cohesión mediante la restauración del tejido social, de ahí su constante aportación a la actividad cultural en nuestra comunidad desde espacios culturales como el museo El Centenario, el Centro Cul-tural Plaza Fátima, el auditorio San Pedro y las tres casas de la cultura: San Pedro, Vista Montaña y La Cima.

Y como nuestra comunidad es activa en las artes (como espec-tadora, promotora y creadora) y generosa (procurando constan-temente actividades tendientes a ayudar a quienes más lo nece-sitan, como las de la Asociación Andares ABP, buscando elevar la calidad de vida de personas con discapacidad), para el muni-cipio de San Pedro Garza García es un honor recibir en el Centro Cultural Plaza Fátima la muestra colectiva “50 artistas, un im-pulso” a beneficio precisamente de Andares.

Esta muestra colectiva no sólo permitirá apreciar el trabajo de destacados artistas locales e internacionales que ofrecen su ta-lento en beneficio de esa fundación, sino que además brinda la oportunidad, al adquirir alguna de estas piezas, de contribuir con tan noble causa, por lo que espero contar con su asistencia y colaboración.

Lic. Ugo Ruiz Cortés ALCALDE DE SAN PEDRO GARZA GARCÍA

50 ARTISTAS UN IMPULSO 4TA EDICIÓNANDARES ABP

Catalina Zambrano de Ramos DIRECCIÓN GENERAL

Catalina Restrepo Leongómez CURADURÍA

Emireth Herrera TEXTOS

Laura Tamez VINCULACIÓN

Judith Memun DISEÑO EDITORIAL

Las fotografías son cortesía de los artistas

Este catálogo se terminó de imprimir en el mes de octubre del año 2013 por Litográfica Contraste en Monterrey, Nuevo León. Para la formación de textos se utilizó la familia PT Sans diseñada por Alexandra Korolkova para ParaType en el año 2010.

CONSEJO ANDARES

Lic. Federico Santos Boesh PRESIDENTE

Sr. Jaime Rodríguez Silva VICEPRESIDENTE

Lic. Estela Villarreal Junco SECRETARIA

Sra. Alicia Navarro de MartínezLic. Blanca Maiz de LaraLic. Jesús Coronado HinojosaLic. Marcela Ayala de GonzálezLic. Sofía Izaguirre de GarcíaLic. Alberto Rodríguez BenítezIng. Mauricio Wapinski KleimanLic. Catalina Zambrano de RamosLic. Jorge Ureña García

Centro Cultural Plaza FátimaVasconcelos y Calzada San Pedro

sin número, San Pedro Garza García, Nuevo León.

6 de noviembre del 2013

www.50artistas1impulso2013.tumblr.com

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“50 artistas, un impulso” es una gran iniciativa que surgió en el 2009 y que cada año ha tomado más fuerza para beneficiar a jóvenes y adultos con discapacidad intelectual.

Por 4 años consecutivos, nos hemos dado cita para demostrar que el arte sigue siendo la expresión más sensible del ser hu-mano, donde tanto el artista cuando crea su obra como quien la aprecia y valora se conjugan para darle un sentido benéfico a un proceso lleno de creatividad, conciencia y generosidad.

Este encuentro de arte es una muestra del trabajo en equipo, del talento de muchos para beneficio de otros y de la participa-ción de cada uno de nosotros para el bien común.

Sinceramente agradecemos a quienes dan vida a esta cuarta Edición, siempre pensando en favorecer con su expresión artís-tica, compromiso social y valor humano a 100 personas con discapacidad intelectual y sus familias.

Lic. Federico Santos BoeschPRESIDENTE DE CONSEJO

ANDARES ABP

“50 artistas, un impulso” es una iniciativa de Andares ABP que no sólo busca ayudar a los más necesitados, sino crear un foro para dar a conocer el trabajo de artistas con diferentes trayectorias.

El arte contemporáneo se aprecia a menudo desde dos pers-pectivas fundamentalmente: 1 su nivel crítico y conceptual y 2 su calidad técnica. Cuando uno de estos aspectos falla suelen generarse críticas negativas. Existen, por ejemplo, proyectos en los que el artista evidencia un excelente manejo de la técnica, pero que a pesar de eso, no logran transmitir nada. En sentido inverso, es común ver proyectos donde el planteamiento con-ceptual es interesante, pero la calidad en la ejecución de la pieza es insuficiente; ya sea porque la técnica es pobre o porque los elementos visuales no son claros y congruentes con lo que el artista quiere decir. Personalmente considero que una obra de arte alcanza relevancia cuando confluyen en ella estos dos in-gredientes en forma balanceada.

Bajo esta premisa, se presenta en esta exposición una selec- ción extensa de artistas que han logrado un nivel de calidad incuestionable en ambos ejes. Detrás de cada pintura, dibujo o fotografía, hay una investigación seria, un propósito, una postura crítica congruente con los intereses, opiniones y contextos de cada uno de sus creadores.

El objetivo con esta exposición es crear un diálogo entre lo que pasa dentro y fuera de la escena de producción cultural de Monterrey. Soy de la opinión de que el ser humano única- mente enriquece su vida en la medida en la que logra generar intercambios; cuando aprende del otro y logra ver el mundo desde esa perspectiva.

La muestra está dividida en dos partes, la primera de las cuales consiste en una selección en la que participan artistas inter-nacionales de países como Argentina, Colombia, España, Esta- dos Unidos, Japón, Bélgica, República Dominicana y Bolivia. La mayoría de ellos nunca han exhibido en Monterrey. La segunda, está enfocada enteramente en destacar a los mejores exponen-tes de la pintura Regiomontana.

Siendo extranjera, lo que más me impactó de la escena de Monterrey es la gran cantidad de pintores que hay y la seriedad con la que se organizan y trabajan. Pude darme cuenta de la di-versidad de estilos y líneas estéticas. “50 artistas, un impulso”, es un foro muy importante que se presta para ponerlas en un contexto que permite su apreciación y valoración como varia-ciones de un interés compartido.

La exposición es un experimento en el que se propone un diá-logo entre la expresión local y la obra de artistas extranjeros. Estoy convencida de que por vía del diálogo se encuentra la verdadera riqueza. Una riqueza que le llega a todos: a los coleccionistas porque seguramente encontrarán piezas impor-tantes que alimentarán su colección; a los beneficiarios, quienes podrán recibir más apoyo por parte de Andares ABP; a los artis-tas participantes —locales y extranjeros— que probablemente encontrarán ecos con los demás exponentes; a los estudiantes que tomarán nota y revisarán nuevos referentes; y sobretodo, al público regiomontano, que podrá apreciar una selección de obra cuyo nivel conceptual y técnico es impecable.

Catalina Restrepo LeongómezCURADURÍA 50 ARTISTAS 1 IMPULSO 4TA EDICIÓN

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1 ANDRÉS FELIPE CASTAÑO El artista Colom-biano Andrés Felipe Castaño realiza a través de su obra, una reflexión acerca de la reproducción del conocimiento partiendo de la imagen. El dibujo se posiciona como una herramienta de su proceso artístico, por medio de la cual representa cómo la percepción está relacionada con los fenómenos de la imagen y la presencia de los medios masivos.

El artista manifiesta su ingenio al identificar situaciones que in-volucran la manipulación de la mirada y traducirlas en repre-sentaciones simbólicas que nos llevan a una comprensión densa acerca de la realidad y nuestro papel en ella.

Las piezas Línea Dictatorial y El General surgen de la historia de los abuelos del artista que llegaron a América y trajeron consigo una serie de anécdotas relacionadas con el proceso de abandonar su lugar de origen, las cuales establecen una cone-xión con la imagen. Línea Dictatorial presenta retratos que desmantelan a quienes estuvieron al frente de una sociedad por años. Se observan expresiones que dibujan años de autoritaris-mo gubernamental ejercido por todos los dictadores del siglo XIX, XX y XXI, y así formar lo que el artista llama “una línea, que simulará el horizonte, esa idea progresista propia de la modernidad”. Como parte de este trabajo utiliza propaganda política que de alguna manera, construyó la imagen de cada dictador. La organización de los retratos está basada en el huso horario, razón por la cual Oceanía aparece inicialmente y ter-mina con Centroamérica.

Por otro lado, El General es un dibujo que con su magnífica técnica enmarca la sobriedad y el arrebato del dictador de Li- bia. Los rasgos de su rostro están endurecidos mostrando su aire impositivo y una postura rígida. El detalle de expresividad que resalta en sus ojos, dejan ver su orgullo y su capacidad de intimidación.

La obra de Andrés Felipe Castaño nos deja inmersos en un con-texto que re-evalúa el poder de la imagen, su contenido y los procesos de circulación. La manera en que su interpretación va tomando forma es lo que al final permite que su obra sea más profunda y provoque mayor impacto.

2 JULIO PASTOR El artista Julio Pastor interviene el espacio del papel con pinceladas de acuarela dando vida a la memoria de lugares a través de la representación de objetos y edificios. El tema principal de sus piezas trata sobre una experiencia per-sonal, sobre todo en cuestión a la cotidianidad. Su obra se basa en la combinación de lo experiencial con una investigación de carácter social entre el paisaje y la relación social.

La serie pictórica Berlín: under construction muestra una repre-sentación urbanística de cómo se va transformando la ciudad, entre las cuales se encuentran instalaciones hidráulicas, lími- tes establecidos por conos naranjas apilados, piezas de madera, y perspectivas de edificios. El artista pone en escena el recorrido de un transeúnte cuya atención es acaparada por un proceso constructivo que involucra barreras que delimitan el punto de trabajo ya sea por mantenimiento o por un nuevo edificio. La se-ñalética que aparece en las acuarelas indica la dirección que toma el proyecto. Además, se encuentra el anuncio del proyec- to terminado, a través de la cual la gente puede visualizar cómo va a terminar el proyecto. En la serie también se encuentra una isla que prevalece ante los cambios como una muestra de lo que se vive, se siente y que ha sido ocupado.

Esta serie pictórica muestra la intensidad de vivir un paseo, donde se reconoce el entorno y se siente el andar, de tal mane- ra que pareciera que la ciudad se hace escuchar a través de ele-mentos que expresan una historia, se admira el proceso de mutación que atraviesa día a día y se imagina hacia dónde se aventura urbanísticamente, de igual manera es inevitable apre-ciar la intervención que los habitantes en conjunto con la natu-raleza hacen en ella. En esta obra el paseo se convierte en una exploración urbana que permite una introspección tanto per-sonal como social, donde Julio Pastor demuestra su sensibili- dad para captar el paisaje que le rodea y entender los elemen-tos que la integran, para así externarlos y plasmarlos con su técnica pictórica.

3 JAVIER GUTIERREZ El artista argentino Javier Gutiérrez tiene en su trabajo obra pictórica, objetos e instalaciones. A partir de trazos coloridos, el artista lo-gra moldear gestos como representación de emociones y esta-dos de ánimo que son caracterizados por los personajes y llegan a ser perceptibles ante el público como expresiones irónicas.

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Aún cuando sus pinturas parecieran ser de fácil lectura, adquieren un valor significativo de impacto e introspección.

Las situaciones de las composiciones pictóricas son un tanto perturbadoras, ya que marcan el devenir como consecuencia de acciones erróneas. Los personajes se encargan de ilustrar un cuento que es contado por animales en un escenario donde la naturaleza está presente y a su vez se hace escuchar.

La pieza Ellas con las estrellas es una composición lúdica en la que aparecen flores decorando el papel tapiz del fondo y estre-llas que resaltan tambien en el vestido de una perrita French Poodle, cuyos ojos expresivos y brillantes se jactan de recibir proposiciones representadas por dos ramos de flores que se extienden hacia ella, mientras sotiene en sus brazos un bebé adulto que viste solamente un gorro azul. La sutil sonrisa de la French Poodle pareciera burlarse del contexto en el que se encuentra y pone en cuestión quién es la mascota de quién.

Por otro lado, Missing es una obra melancólica en la que sen-timientos de desolación y desesperación son encarnados en un perro perdido. Nuevamente las texturas de un papel tapiz se relacionan con el hogar, la imagen del perro en un charco y el texto “Ya nunca volvimos a saber de él …” revelan sentimientos de desesperación y angustia que fluyen a través de la obra.

El lenguaje grotesco de Javier Gutiérrez expone sobre el lienzo humor negro y franqueza, además demuestra su particular ta-lento de caricaturizar situaciones donde los animales toman el control. Desde una postura lúdica sus composiciones exaltan emociones y llevan al espectador a profundizar en una especie de fábula, en la cual las pinturas se convierten en un espejo que refleja una serie de narraciones que tergiversan el final feliz y propician una reflexión.

4 DAVID GREMARD ROMERO Es un artista que ha explorado el arte a través de distintas disciplinas. Su represen-tación visual consta de una figuración contemporánea en la que aborda relaciones ocultas y temas sobre el sincretismo de los trajes de la lucha libre. El artista realiza composiciones donde vincula el arte clásico y la cultura actual, en las que destacan temas de raza, sexualidad e identidad.

Las imágenes de David Gremard constituyen un panorama de absoluto deslumbramiento donde aparecen signos y símbolos que encadenan relatos desde una perspectiva personal.

Colores brillantes y formas míticas se conjugan en una mezcla codificada, en la que es evidente su interés en jeroglíficos y có-dices de la cultura mexicana. También se encuentran personajes en movimiento sobre escenarios de transformación, donde es imposible dejar de ver los vestuarios y detalles exquisitos en los cuerpos de los protagonistas.

La pieza Portrait of Rai as Quetzalcoatl, muestra una interpreta-ción de la Serpiente Emplumada cuyo trasfondo contemporáneo da pie a un relato de identidad. Sin título, es una pieza que ade-más de exaltar el deleite estético, nos adentra en la observación y la imaginación.

5 RODRIGO IMAZ Bajo una estética reflexiva, la obra de Rodrigo Imaz se vuelve una interpretación personal acerca de diversas situaciones, como capas que son develadas sobre un plano con-formado por formas extraordinarias, que además de despertar asombro deja al descubierto un mundo sobredimensionado de acción y reacción.

A partir de diversas técnicas, el artista da vida a seres que apa-recen en el medio urbano, transformando la apariencia de un edificio e integrándose a él, como una inserción que alberga en sus muros y se desplaza en la imagen urbana. Cada espacio in-tervenido por el artista adquiere una connotación distinta de-bido a la energía que reaviva al cuerpo arquitectónico.

La naturaleza y los seres fantásticos son personajes que encar- nan situaciones reflexivas y críticas sobre el daño al medio am-biente. Por ejemplo, los animales marítimos que viven en las profundidades de los océanos y salen a la superficie para ser contemplados, son el reflejo contextos existentes que en al- gún momento buscarán salir a flote para hacer un llamado de atención. El artista maneja un sentido direccionado a recono- cer ciertos elementos que manifiestan poder, siendo el instinto esa fuerza con la que se apoderan del mundo.

En Polvo para ciegos resalta el azul en tinta china como fondo de un ojo que es enmarcado por la leyenda LEGÍTIMO POLVO, PARA CIEGOS QUE MIRAN Y NO QUIEREN VER, siendo evidente la necesidad de expandir la mirada y reconocer lo que está de-lante de nuestros ojos. Bajo la misma temática se encuentra Ciego: El simple placer y el pobre misterio de no ser, donde el es-pacio y la postura de un hombre rodeado por agua, recrean una situación vulnerable que cuestiona el mañana.

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6 EUNICE ADORNO La artista mexicana Eunice Adorno muestra una realidad basada en la vida cotidiana, las relaciones humanas y los sentimientos. Tiene la capacidad de captar el denso significado de situaciones en las que se identifican estos elementos para hacer de sus fo-tografías una expresión íntima de historias personales.

Entre sus proyectos más cautivantes se encuentra Mujeres Flores o Fraum Blaum en alemán, en el que retrata la vida de las mujeres menonitas que desde 1920 llegaron a los estados de Durango y Zacatecas. En las fotografías destacan elementos coloridos, como flores, texturas, combinaciones de diversos materiales y expresiones de rostros espontáneos que están más allá de las labores domésticas de las mujeres.

Las imágenes expresan un recorrido visual que inició a partir de la identificación de la artista con las mujeres menonitas, el cual se originó desde el momento en que se hospedó en la casa de una familia de esta comunidad permitiéndole llegar a compar- tir conversaciones, recuerdos y secretos. Aunque el trabajo de la artista es de tipo documental es notable que su obra alcanza un nivel poético, debido a que muestra la sencillez de un ambiente en el que se ve el cielo azul con sus nubes, la tierra árida y las montañas, en contraste con la suavidad de la decoración y la arquitectura de las casas, los vestidos y las texturas en las que resaltan las flores.

La producción artística de Eunice Adorno traslada las senti-mientos a imágenes sobrepasando las barreras de tradiciones, costumbres e incluso del lenguaje, las cuales se quedan en se-gundo plano para exaltar una significación con alto grado de intimidad y una mirada distinta que nos recuerda la importancia del diálogo. Las flores se perciben como símbolo de una com-posición con fuerte carga emocional cuyo elemento principal es el vínculo generado en el proceso de creación artística.

9 JIMENA RINCÓN La artista Jimena Rincón explora el espacio desde el habitar y cómo puede ser modificado por el su-jeto. Los objetos, máquinas y juguetes, son elementos que apa-

recen en su producción como medio de identificación, siendo la conexión entre la historia y las acciones que se realizan en el presente. Las cualidades artísticas de su trabajo se manifiestan a través de una fina técnica pictórica y una serie de intervencio-nes, en las cuales destaca el uso de pintura automotriz.

La técnica pictórica de la artista además invita al espectador a penetrar en una estética compositiva, revelando un vacío que se va dilatando hasta el momento en que es ocupado por pen-samientos y memorias, de tal manera que es posible aventurar-se a llenar ese espacio con sentimientos y experiencias.

Entre sus pinturas se encuentra Bug, una composición cuya ma-yor cualidad consiste en la capacidad de resaltar un objeto en la nada, donde los faros del vehículo iluminan un espacio de te-nues tonalidades y delicadas texturas dando la apariencia de permitir que el coche salga del lienzo. Por otro lado, en Iceberg se descubre el detalle en un todo, en el que el horizonte no tie-ne límites; sin embargo, un pequeño elemento como un coche-cito emerge de la pintura para realizar un recorrido a lo largo de los trazos invitándonos a profundizar en ella. Tormenta, es una pieza en la que se interviene el espacio, y partir de la manipula-ción de la materia se produce una sensación de inquietud y cu-riosidad por saber qué hay detrás del objeto. Funciona igual que un interruptor que activa aspiraciones y cataliza la soledad.

El trabajo de Jimena Rincón pudiera interpretarse como una ana-logía del espacio y nuestra posición en relación con el mismo, en cuanto a temporalidad y sus dimensiones físicas. Sus imágenes son escenas que resplandecen con el reflector de la melancolía, propiciando que se lleve a cabo un proceso de concientización a través del cual, el ser humano reconoce su origen, se enfrenta ante la soledad y asume su individualización.

11 DANIEL PÉREZ RÍOS El artista Daniel Pérez Ríos ha desarrollado proyectos en los que se utiliza información de la web como materia prima de su producción artística. Por otro la-do se encuentra la música y el urbanismo, temas que le permiten indagar en la experiencia humana y su contexto morfológico.

La reformulación de conceptos y el análisis de datos se vuelven un reto para el artista que consiste en conciliar un juego dentro de un mundo mediático. Es así como surgen un sinfín de inter-pretaciones que se funden en una obra artística generadora de discursos.

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El hecho de examinar el aspecto interactivo y la participación colectiva en un plano social tecnológico, sitúa a la obra en una esfera interhumana en la que se desentrañan diversos aconte-cimientos.

...and justice for all (del disco ...and justice for Jason) representa la participación activa en internet y en la música como plataforma de experimentación y producción. Esta obra se traslada a una situación que replantea un acto de la banda Metallica, al aplicar poco volumen al sonido del Bajo eléctrico durante la grabación del disco, luego de la muerte de su primer bajista. Por otro lado, un usuario de Youtube recreó el disco utilizando la música ori-ginal y regrabando el bajeo sobre la misma. La pieza son las frecuencias de esta canción hecha imagen.

13 MAURICIO LIMÓN Adentrarse en el trabajo de Mauricio Limón es descubrir su forma de hacer arte como una representación orgánica, en la que las relaciones humanas y las experiencias forman parte del discurso de su producción artísti-ca. Su trabajo propicia la exaltación de los sentimientos a través de múltiples colores, mientras que la delicadeza de sus trazos y sus acciones tienden a despertar la nostalgia de los espectadores.

El trabajo interdisciplinario del artista mexicano abarca el di-bujo, la pintura, el video y el performance, convirtiéndose en las herramientas con las que experimenta la mezcla de los mate-riales y profundiza en temas de tipo antropológico. Uno de sus proyectos más fascinantes es Psychotropics. En esta serie de pinturas el artista muestra la variación en los estados de ánimo, los juegos de la mente y la imaginación como un fenómeno que estimula la creatividad y despierta los sentidos.

Resulta interesante la forma en que el artista experimenta con materiales como el copal, octe y alumbre, generando efectos y texturas que resaltan diversas tonalidades, dando la impresión de que la obra estuviera cobrando vida. En el caso de los retra-tos, las mujeres de cada pieza son diferentes pero mantienen en común la intensidad en la expresión de su rostro, siendo inevi-table que la fuerza de su mirada y la sensualidad de sus labios pase desapercibida. Cada mujer es definida tanto por la presencia experimental de la materia, como por la fuerza de algún rasgo que la individualiza y le da un carácter definido.

La pieza Agua Blanca presenta la inserción de la edificación del restaurant con este nombre en la tranquilidad de la playa. El

concreto aparente, los castillos que sobresalen expresando la continuidad de la construcción y un tinaco sobre la losa, son elementos propios de un tipo de construcción empírica regional. Se trata de un paisaje que ilustra la apropiación de materiales cotidianos aparentes en obra gris, que a su vez es moldeado en medio de una combinación de artificialidad y naturaleza.

Esta composición pictórica presenta una estética visual que se vislumbra a través de un conjunto de coloridas células super-puestas, reforzando en la imagen una apariencia intrigante.

La obra de Mauricio Limón es personificada por la sensibilidad y la narrativa, donde converge lo real con la imaginación. El es-pectador es llamado a profundizar entre curvas, líneas delgadas y colores sutiles, que conforman un contexto en el que aparecen flores, tallos, cuerpos de hombres y mujeres. Mediante estas formas se puede sentir la vida y la belleza, causando así la sensación de que la obra hablara por sí misma.

15 PABLO COTAMA Pablo Cotama interviene la superficie convir-tiéndola en un espacio donde las figuras son flexibles y se entre-lazan unas con otras. Las formas y las mezclas que surgen en sus piezas son el resultado de una materialización de sus pensamien-tos y reflexiones acerca de la vida y las acciones del hombre.

La plasticidad de su obra, las tonalidades y la trama plástica lle-nan sus piezas con vitalidad, lo que a su vez genera confronta-ciones entre la individualidad humana, el mundo y el univer- so. El artista lleva su simbología a una dimensión en la que es posible sumergirse entre olas de pigmentos y disposición de sensaciones.

En Momentum Banana podemos ver simios y perros que se encuentran con objetos como aviones, que parecieran haber sa-lido de una juguetería. Los trazos se sobreponen a otros cre- ando una especie de laberinto en el que se presentan situacio-nes atenuadas con textos de comic que resaltan un paisaje ex-pandido. En esta pieza el artista aplica una diversificación de técnicas que traspasan el bastidor para trasladarse a una super-ficie plana sobre tela.

Las piezas de Non Plus Ultra presentan juguetes que cobran vida para re-escenificar un conjunto de circunstancias, donde diver-sos elementos crean un sentido de acción en un plano de pers-pectiva y colores brillantes expresados metafóricamente a través

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de símbolos y luminosidad contrastante. La combinación de cada objeto con las texturas de las pinturas se manifiesta para dar lu-gar a una lectura personal al espectador.

Las composiciones de Pablo Cotama poseen un denso significa-do en un imaginario que causa controversias con el afán de pro-fundizar en el vaivén de la vida y los ideales del hombre, lo cual se integra en un contexto de obstáculos y contrastes tanto a ni-vel individual como universal. Detrás de su mirada aparece una transparencia de interpretaciones contemporáneas que aterrizan en la incitación a reflexionar y brindar un soporte de aire lúdico e irónico en un canon que expande los límites de la obra.

16 MATEO PIZARRO Luz e imagen son las cualidades que crean el marco de producción del artista Mateo Pizarro. Su propuesta evidencia la exploración de las posibilidades en el di-bujo que denota una calidad asombrosa, además de estar sus-tentada por argumentos conceptuales que requieren de un pre-dominante análisis, dando lugar a revelaciones simultáneas de la narrativa de la imagen.

En su intención de crear piezas que requieran de una observa-ción meticulosa, el artista ha desarrollado una creación visual contemporánea a través de distintas estrategias, que llevan a sus imágenes a convertirse en una realidad visual en la que cada personaje interpreta una historia y posee una personalidad pro-pia. Se trata de narraciones que revelan secretos, experiencias y contradicción. En un juego de figuras y formas, las imágenes se transforman a la mirada curiosa del espectador para recrear escenas que exaltan un discurso ambiguo.

Hombre con avestruz es una obra metafórica que libera el senti-do humano como objeto reflexivo de expresividad. Resulta fasci-nante observar detenidamente cada trazo y descubrir los deta-lles que se vuelven descifrables, para así comprender el discurso significante de su representación. La obra despierta la imagi-nación con un sutil componente provocador que pone en cues-tión temas sobre la sociedad actual.

Mateo Pizarro demuestra en su producción artística un lenguaje que refleja dentro de su complejidad de apreciación, cuestiona-mientos que liberan una esencia vibrante que concluya en una experiencia sensorial.

17 SOFÍA ECHEVERRI Simulación y ficción son ingredientes importantes en la obra de la artista Sofía Echeverri, que a partir de la observación del comportamiento humano, el análisis de las relaciones de poder y la investigación estética profundiza para desarrollar un trabajo reflexivo y lleno de destreza. En medio de su creación poética resalta la meticulosidad de su técnica además de conformar un discurso que juega con la realidad y las apariencias.

La artista integra formas orgánicas cuya cualidad principal es la mutación, así refleja una expresividad profunda que provoca la expansión de la obra provocando un sin fin de pensamientos. Sus piezas son similares a una amalgama viva cambiante, previa-mente interiorizada que emerge de la espontaneidad creativa. Su técnica en el dibujo emana delicadeza y frescura, mientras que en sus composiciones pictóricas se observa la abstracción del color y contraste. En otros de sus proyectos la esencia figu-rativa transforma el sentido y renueva las ideas. La generación de un doble discurso es notable en la intervención que realiza la artista combinando la imagen con textos y círculos de una for-ma tan delicada pero definida, que evoca translúcidamente la exploración en la representación visual.

La serie Actualizaciones manifiesta la técnica de piezografía, a través de la cual Sofía Echeverri lleva el significado a un hori-zonte de historicidad, donde toma un curso dentro de lo absurdo y es manipulado por círculos que atenúan la continuidad espacial. (Portrait of a pet girl) es la imagen clásica de una joven con ojos expresivos, cuya interpretación es tergiversada con un tono lú-dico por medio de un círculo aplicado en su rostro, que muestra la nariz y la boca de un gato que relame sus bigotes. De la serie actualizaciones (Landscape with road), presenta un paisaje que rodea la carretera y es resaltado con un círculo, semejante a un lente que se enfoca para mostrar un camino. De la serie actua-lizaciones IV (Marat w/tatoo), es una imagen clásica donde un hombre se encuentra abatido en la bañera sosteniendo en su mano derecha un papel y en la izquierda una pluma; la atención se centra en el círculo que señala el tatuaje que lleva en el bra-zo. En De la serie actualizaciones V (Little dead w/ gun) expone la belleza clásica en contraste con la pistola que la señala, y transforma el significado manifestando un sentido de rendición. De la serie actualizaciones II (Hunt ride with Factory) resulta ilu-minada por dos círculos que intervienen una imagen paisajista, convirtiéndola en una superficie que se integra en un plano al-terno donde los fragmentos se unen dando como resultado una composición que causa perplejidad.

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18 TAHANNY LEE Es una artista que realiza su obra desde un nivel íntimo, en el que dos sucesos que han marcado su vida se han convertido en el interruptor de su pro-ducción artística. Uno de ellos es la separación de sus padres y el segundo la muerte de su hermana.

Las piezas de la artista ponen al descubierto su habilidad de vincular la materia y el objeto artístico con el método perfor-mático donde la artista se manifiesta como el sujeto y el objeto de la obra, para luego convertirse también en espectador de la misma. Su forma de expresión resulta sincrónica y simultánea, de tal manera que diversas situaciones son replanteadas de for-ma distinta y desde una perspectiva profunda.

Lo enigmático de sus piezas es la manera en que selecciona y combina imágenes que se vuelven parte de su proceso creativo. Algunas de sus composiciones parecen unir fragmentos de his-torias que se relacionan unas con otras.

Las camas son precisamente el resultado de embonar elementos como escenas de videos caseros en camas con materiales como arcilla, papel y resina. Esta serie muestra a Tamara, la hermana de la artista en diferentes contextos, sin embargo parecieran burbujas que capturan un momento de la realidad que adquiere múltiples significados.

La obra de Tahanny Lee posee una fuerte carga emotiva que se manifiesta a través de símbolos y registros de rituales donde se entrelazan recuerdos y experiencias, permitiendo la perma-nencia de instantes que se encuentran suspendidos en una pieza artística.

19 CLAUDIA LOPEZ TERROSO La artista oaxaqueña Caludia López Terroso muestra en su trabajo un fuerte interés por la creación artística a partir de una experiencia personal que involucra la conceptualización de la casa y de lo familiar. En su vida la mágia, la sanación y las leyendas son componentes que se presentan por herencia familiar. Asimismo, considera la casa como un lugar de integración donde se activan cuestiones oníricas y espiritua-les, además de poseer la cualidad de resguardar historias.

La obra de Lopez Terroso invita al espectador a hacer un aden-tramiento en el habitar consciente a través de fotografías y dibu-jos como parte fundamental de su producción visual. De igual manera su trabajo está conformado por libros de artistas, cajas, objetos e incluso una bitácora de experiencias.

Entre sus proyectos se encuentra Bajo los Párpados, cuyas imá-genes muestran el andar en el pasiaje y una mirada poética de acciones domésticas. Se trata de una composición visual de es-cenas que trazan cartografías para exponer historias construi-das valiéndose de códigos y símbolos, convirtiéndose así en los elementos principales de sus fotografías.

En El Viaje y la Imposibilidad del Regreso, la artista toma como referencia la obra “La Odisea” de Homero presentando fotogra-fías que reflejan una exploración de desplazamientos añoran- do el retorno. Las fotografías exaltan la naturaleza creando una narrativa visual en un territorio donde se hace presente la dualidad de un universo físico y onírico.

Podría decirse que el espacio creativo de Claudia López Terro- so tiene una arquitectura diseñada a base de experiencias re-lacionadas con rituales chamánicos, sueños premonitorios, y un sentido espiritual que en conjunto trazan los múltiples la-berintos de su producción creativa. Estos conceptos son mate-rializados desde el momento en que realiza una investigación, colecta información y la interpreta como parte de su trabajo.

20 FLORIA GONZÁLEZ Creció en la frontera entre U.S.A. y México, lo que ejerce una gran influencia en su trabajo. Su len-guaje artístico se caracteriza por la influencia del cine, la ficción y la literatura, que se hace presente en sus proyectos de foto-grafía y video. Aún cuando se trata de un trabajo que surge des-de una pulsión íntima de sí misma, las imágenes son construidas bajo el análisis de un canon de consecuencias donde el ser hu-mano debe tomar decisiones y los actos tienen secuelas.

La artista mexicana crea composiciones visuales partiendo de un acercamiento psicológico, vinculado con la estética del cine de terror de los 80´s, referentes que la llevan a representar su atracción por lo oculto de una manera poética. Sus fotografías son el resultado de un montaje meticuloso y detallado, como si hubiese capturado un momento dentro de un set de grabación; su pureza y perfección incitan al espectador a observar y a com-partir la historia que contiene cada pieza.

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La fuerza contenida en cada imagen es similar a la que se genera durante la identificación con una escena teatral o de una pelí-cula. Las texturas, la acentuación de claros y sombras ejercen la intensidad necesaria para que pueda atrapar miradas y llenarlas con un significado profundo y obscuro. El espectador más que asumir el papel de observador, se ubica en un plano donde la obra lo incita a realizar una instrospección que le permitirá pe-netrar en los disitintos niveles de conciencia donde encuentra temores y emociones de los que no se puede huir.

Cada elemento y cada personaje estan asociados, tienen su ra-zón de ser. Las imágenes se convierten en ventanas que permiten mirar en el interior una realidad existente que espera ser ana-lizada y trascendida, que va mas allá de la ilusión para repre-sentar sentimientos y pensamientos. Pudiera compararse con la interpretación que requieren los sueños recurrentes para ser descifrados integrando elementos simbólicos.

El ingenio de Floria González muestra la realidad de un mundo contemporáneo donde prevalencen las dualidades y adentra-mientos íntimos, provocando que la brevedad de la materia viva a través de la idea hecha imagen.

21 ALEJANDRO CARTAGENA Ha utilizado el paisaje y el retrato como vehículo para profundizar en fragmentos de la vida diaria. Sus fotografías tratan de situaciones del contexto urbano, actividades sociales, por ende también en aspectos medioam-bientales. El paisaje se convierte en un escenario de interacción social que refleja la identidad de una ciudad como un conjunto de espacios públicos y privados. Mientras que la imagen urbana se considera como el alcance visual que se tiene de la ciudad, el artista captura momentos de lo que no se ve a simple vista y son presentados en series foto-gráficas de tipo documental. Between Borders es una aproxima-ción a la gente que vive en dos fronteras, la física entre Estados Unidos y México, y la ideológica por estar en el punto en que convergen las actividades ilícitas y el narcotráfico. La investi-gación de este proyecto resulta en la representación del sentido de pertenencia de comunidades cerca de la ciudad de Reynosa que pese a las tentaciones, deciden llevar una vida tranquila re-flejada en su imagen urbana. Carpoolers muestra cómo la ciudad de Monterrey conserva su esencia mutable, lo que lleva a los habitantes a sobrevivir al

crecimiento desordenado. Tomando como referencia un puente peatonal ubicado en la carretera 85, el lente de la cámara del artista dirige su mirada a las camionetas pickup para fotogra- fiar en medio del tráfico a los trabajadores que atraviesan gran-des distancias desde sus casas hasta el lugar de trabajo. Esta práctica pone en evidencia la crisis social desatada por la caren-te planeación urbanística, sin embargo el diálogo que se genera entre el espacio público e íntimo, así como la intervención pai-sajística se hace visible en su fotodocumento. La actividad artística de Alejandro Cartagena basada en la inves-tigación y la reflexión confronta la cotidianidad y el estilo de vida de los mexicanos en fotografías que manifiestan su visión peculiar acerca de la intersección de los acontecimientos presen-ciados en huecos, que aunque aparentemente están en el olvido expanden los límites de su invisibilidad.

23 MARÍA GARCÍA IBAÑEZ La obra de María García Ibáñez tiene que ver con la forma estructural de lo que nos rodea. El dinamismo que se encuentra intrínseco en su trabajo genera un sentido orgánico. Es evidente su interés minucioso en cada parte de lo que observa, y lo evidencia ya sea por la intervención que realiza o por la representación gráfica que incluye en cada detalle.

En su trabajo se manifiesta una indagación por conocer em-píricamente la conformación de los cuerpos, desde los huesos hasta las capas que una a una los cubre y protegen dando for- ma, lo que provoca un goce estético del diseño desde su con-figuración básica.

Resulta fascinante descubrir cómo se compone Estratos a través de la interpretación de la artista, donde las capas se develan para dar entrada a otra más y así sucesivamente. En sus dibujos se puede apreciar la superposición de las capas, y la intercepción de las líneas de una forma casi perfecta. Las vistas que muestra por medio del dibujo digital en esta serie, deja al descubierto la con-tinuidad en espiral y el análisis geométrico de la estructura.

En uno de los esquemas de la serie Estratos llamado Sin título, los trazos se extienden en sentido horizontal, mientras se ejerce una fuerza centrípeta que provoca la acumulación de líneas en el centro, dando la apariencia de suspenderse en una onda gravi-

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tacional. El siguiente Sin título, se eleva energéticamente ilus-trando un orden ascendente y la constante producción de curvas en movimiento.

Las imágenes de esta serie exhiben momentos sostenidos y en-capsulados en un instante, que permiten disfrutar de la belleza y la pureza de las figuras. La cerámica se convierte en un material que aparece como fuente inspiracional y un vehículo para des-cifrar el origen y el ordenamiento del objeto.

24 MARCELA VARELA Se apropia del dibujo para realizar una autoexploración, en la que desentraña recuerdos que luego toman forma en el papel y adquieren una connota-ción simbólica. Su trabajo oscila entre la cotidianidad y una re-flexión sobre sí misma.

Los dibujos toman sentido como un rompecabezas donde di-versas situaciones se materializan relacionándose con perso- nas, animales y objetos a quienes ha otorgado alguna carga emocional. Al momento de reconstruir cada pieza del rompe-cabezas, sucede lo mismo con su memoria que va tomando for-ma y además le permite re-visualizar el pasado. Las piezas se unen y adquieren un significado que se difumina con tinta so- bre el papel.

En la serie Dibujos para el fin del mundo, la artista presenta dis-tintos personajes que parecieran salidos de un carnaval, visten trajes con ornamentación colorida y un animal que sobresale como elemento distintivo. Todos llevan sus cabezas cubiertas e incluso plumas en la parte superior y algunos de ellos sostienen una especie de báculo mientras caminan.

El dibujo Monstruos bien presenta una sátira donde aparece un hombre con su cabeza y piernas cubiertas de cabellos, el hom-bre que lleva su tronco descubierto tiene seis brazos y dos de ellos están unidos por medio de un cordón a las muñecas de las manos de una niña y un niño.

Estas piezas presentan una figuración con elementos repetiti-vos, pero que a su vez en cada uno de ellos adquiere un signifi-cado específico que realza el simbolismo, ya que cada personaje representa una situación dramatizada con un tono lúdico.

Es a través del diálogo entre Marcela Varela y el dibujo, como llega a analizarse a sí misma desde afuera del papel y a par- tir de él. De alguna manera estas piezas son una interpreta- ción personal que busca ser completada con la iniciativa del espectador al conectar su reflexión con el discurso de la artista.

26 MARÍA FERNANDA BARRERO La artista María Fernanda Barrero se basa en la observación e investigación del espacio para comprenderlo y así articular la materia, creando un ambiente monocromático donde no existen barreras y todo está interconectado. La blanca luminosidad se hace presente y la extensión del espacio da cabida a lo que lla-ma la artista “metáforas latentes y símbolos potenciales”, produc-to de lo que es observado en el día a día.

Su obra se traduce a un contenedor espacial que tiene que ver con su interpretación de la vida, donde surgen relaciones y experiencias en un contexto físico y temporal. Una de las cua-lidades del contenedor es la maleabilidad manifestada al fu-sionar la mente y la sensibilidad mediante experiencias exal-tadas por las formas y la composición de cada pieza.

Se desprenden formas exquisitas de una superficie de papel que da vida a múltiples posibilidades, admitiendo un trabajo poético y perceptivo, que se manifiesta como un marco de acción donde se establecen conexiones en un escenario proyectado por la artista. Es entonces como el papel cobra vida creando formas y signos que transportan a una dimensión donde el espacio construido es productor de discursos.

En el proyecto El corto (o largo) camino al paraíso, aparecen ho- jas que brotan de rectángulos, son pequeñas señales de vida que surgen entre el material procesado, como si naturaleza y sensaciones florecieran de un muro. Además, se encuentran pie-zas que aparentan haber sido extraídas de un paisaje, donde cada elemento forma parte de una composición disuelta en el andar con una intención definida, que deriva en un significado.

Para el espectador resulta deleitable observar este trabajo como muestra de un panorama multifacético, a través del cual es posi-ble activar pensamientos y dar lugar a profundas experiencias.

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27 LEO MARZ Un estilo experimental y determinado es percibido en la producción de Leo Marz. La exploración de su estética da como resultado pinturas, dibujos e instalaciones con elementos simbólicos que transgreden la superficie sobre la que trabaja, haciendo de ella una fusión que encapsula la práctica y la poética en un diálogo que se percibe una vez que el especta-dor se adentra en su obra. La investigación forma parte de su proceso artístico, además de articular las relaciones post-pro-cesuales que propician el surgimiento de próximos proyectos. Su metodología y la manera en que trabaja colectivamente lo lleva a desarrollar un lenguaje narrativo e intertextual.

Con el fin de conceptualizar situaciones, el artista contextuali- za significados que toman forma en una combinación perfecta entre objeto y obra. La esencia de las piezas posee una codifi-cación propia que provoca la revelación de la naturaleza del objeto ante su artificialidad. La indagación de situaciones y la acumulación de historias son evidenciadas mediante una serie de registros que consta de diversos documentos, artículos y re-portes que forman parte de la operación artística.

La pieza Quadra phaser de la serie de Stompboxes muestra la materialidad contextual de un objeto que precisa la tonalidad del sonido e incluso lo transforma. El objeto se vuelve gene-rador de discursos a partir del sentido referencial, tomando en cuenta su capacidad de crear efectos para reforzar o debilitar la intensidad del sonido. Con la originaria interpretación de Vox Tone Bender resulta una fuerte personalidad que expresa la in-tersección entre una colección de experiencias que parecieran haber sido extraídas de un laboratorio en que se opera de dis-tintas formas para crear una especie de laberinto absorbente de sonidos. Tone Bender, es una pieza realizada con carboncillo y grafito sobre papel que muestra un pedal enigmático, que se convierte en un medio productor de reflexiones hipotéticas.

En un plano más profundo, el trabajo de Leo Marz se compone de fibras descifrables que se extienden a lo largo del conoci-miento y la apreciación para ser deliberadas desde una visión panorámica.

28 JUAN ANTONIO SÁNCHEZ-RULL En ese afán de querer controlar el entorno, el hombre lo ha modificado obligando a la naturaleza a someterse a una adaptación bajo los deseos y ne-cesidades humanas. Las composiciones de Juan Antonio Sán-chez-Rull nos hacen meditar en su intención de mirar una rea-lidad que para ser apreciada necesita de un enfoque distinto.

Además de la asombrosa técnica, perfección y detalle que son evidentes en sus imágenes, el artista hace uso del lente de su cámara posicionándose en el papel de observador, desde el cual aflora una transformación de contextos. En Casa Darwin, se muestra un hábitat diseñado y construido por el hombre, donde la naturaleza ha sido manipulada buscando el confort de los animales. Se trata de un zoológico que a los ojos del artista es percibido como una casa de retiro o manicomio.

Las fotografías son representaciones fieles de acciones y emo-ciones de chimpancés de diversas razas que habitan en este lugar, sin embargo podría interpretarse como una metáfora en la que cualquier persona pudiera verse reflejada. En algunas de las imágenes es notable el cristal a través del cual se está capturando un momento o una situación, en otras los simios muestran un estado de opresión, cuyos límites son los cristales reforzados y las rejas; las puertas podrían ser la solución a esa búsqueda de libertad, el acceso y salida a esta realidad. Algu- nas de las imágenes presentan miradas profundas, que se alzan para encontrar un cielo armado de mallas ciclónicas. El juego de luces permiten ver un sentido de ausencia y desolación, mien-tras que las huellas de los cristales expresan desesperación.

Los animales de esta serie fotográfica son los protagonistas que comunican sentimientos y propician despertar un sentido de humanización y sensibilización ante una artificialidad aparen-temente natural. Podría decirse que dentro de las reflexiones que se generan se encuentra el redescubrir esa necesidad por rescatar la naturaleza.

El artista Juan Antonio Sánchez-Rull transmite sensaciones, analiza el espacio e interioriza en él, posee la capacidad de percibir situaciones y sentimientos latentes, que con su talen- to son traducidos en un lenguaje visual que impresiona.

29 JIMENA SCHLAEPFER Los mundos fantásticos y el trabajo artesanal son parte esen- cial en la obra de la artista mexicana Jimena Schlaepfer, quien ha desarrollado una estética que deja ver diversas formas de la naturaleza. Las caracterizaciones de sus series y la manera en que Jimena individualiza a sus animales llenan de energía su trabajo, permitiendo conocer mundos diferentes que se cons-truyen cuando son observados detenidamente, como si la be-lleza de cada ser se fortaleciera con cada mirada.

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Sus pinturas tienen una maravillosa combinación y resulta im-posible no sumergirse en el relato que cada imagen pareciera contar. No sólo incitan a la imaginación, sino que también pro-voca el anhelo de mirar y profundizar en cada pieza con cada detalle y textura.

Es difícil resistirse ante el ingenio que se muestra en la Serie Bailarinas, tal como se aprecia en Piesderaiz, donde un avestruz hace aparición con aire exótico y porte de altivez, pavoneán- dose en medio de un garigoleo femenino con tonos rosas y azules sobre un fondo negro que realza la figura del personaje. La ostentosidad de su plumaje representa todo aquello que la enaltece y que también es parte de ella.

Cuando en Orquídeas las mismas flores y la mariposas son rodeadas por réptiles tan fuertes y enigmáticos como las víbo-ras, todo su entorno pareciera manifestar un sutil camuflaje en blanco y negro, que a su vez resalta con absoluto detalle las líneas y la belleza que posee cada ser vivo, así se enrollan e iluminan en una dinámica que fluye de manera natural y los hace más vivos.

Su trabajo artesanal pudiera ser asociado con la creación de cada pieza y la interpretación que Jimena Schlaepfer realiza. La inspiración y emotividad por la naturaleza en el trabajo de Jimena Schlaepfer se manifiesta en metáforas que se perciben como una realidad efímera de un mundo alterno, donde la mu-tación de esos seres y paisajes imaginarios evolucionan llenán-dose de poder y armonía.

30 ALEJANDRA ESPAÑA La naturaleza se convierte en el objeto de estudio de Alejandra España. En su producción destaca la creación de ambientes que presentan criaturas fantásticas como fósiles, rocas, animales y plantas. Po-dría decirse que una de las cualidades de su obra es demostrar que dentro de lo caótico se encuentran experiencias estéticas que ella considera “posibles catalizadoras de cambios en la men-te” buscando transmitir armonía y las formas de relacionarnos con el medio que nos rodea.

La multidisciplinariedad de la artista corresponde a su interés por experimentar con diversos materiales, así como la creación de nuevas formas de entendimiento. Su proceso creativo de-muestra que la exploración en la técnica está relacionada con el método intuitivo que experimenta por sí misma y es trans-

mitido en sus piezas con un tono lúdico e irónico. La sorpresa y la exaltación de los sentidos del espectador son provocados al encontrarse ante un espacio hecho imagen, donde los persona-jes se vuelven la caracterización de elementos biológicos.

La serie de Tintas nos invita a sumergirnos en una composi- ción simbólica cuyos trazos en negro son resaltados por colores tierra, azules y verdes que parecieran estar pintados sobre una piedra. La primera pieza de la serie Tintas I, nos introduce en un espacio construido por plantas, texturas, piedras y tonalidades que representan un fragmento de naturaleza viva. En Tintas II podemos notar la presencia de cabezas de insectos con promi-nentes ojos y antenas que se vuelven los protagonistas de la imagen. Mientas que Tintas III, es la conjugación de un escena- rio donde los animales se integran en una narración zoomórfica.

Alejandra España envuelve al espectador en un sentido de re-flexión y apreciación por la naturaleza, redirigiendo su mirada con la intención de reconocer la presencia de pequeños animales, que aún cuando pasan desapercibidos por su tamaño, generan sonidos y movimientos al desenvolverse en el medio ambiente, tal como lo hacemos nosotros al habitar.

31 ALEJANDRA ALARCÓN Toca el tema de la identidad femenina a partir de la investigación teórica y conceptual. En su trabajo plantea puntos de negociación con el otro, donde oscila la identidad femenina con la capacidad de adaptarse y ser transformada. Las relaciones conceptuales que surgen a lo largo de su proceso creativo derivan del rizoma de Deleuze y Guattari, de ahí que se dibujan redes conceptua- les con múltiples posibilidades. Su producción artística consta de pintura en acuarela, video, construcción e intervención de objetos tridimensionales, intervención de material bibliógrafí- co, entre otros.

Existe un amplio repertorio de cuentos de hadas que se han leído a los niños, éstos van tomando diferentes interpretacio- nes y podría decirse que adquieren distintas entonaciones de-pendiendo del narrador. De igual manera la artista boliviana se apropia de cuentos infantiles para realizar una deconstrucción del imaginario occidental, con una mirada dirigida a mostrar una realidad alterna basada en el postfeminismo.

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Caperucita la más Roja, es una obra pictórica cargada de una fuer-te intensidad que radica en mostrar una realidad escondida en la narración de un cuento infantil. Esta serie refleja sentimien-tos y emociones que aunque perversos, están presentes y se desatan en el subconsciente. Es posible que las imágenes parez- can impactantes debido a que la delicadeza de los colores y sus trazos sacan a la luz aquéllas pasiones y extraños pensamien- tos que se manifiestan por primera vez durante la transforma-ción de niña a mujer.

Alejandra Alarcón demuestra su capacidad de pintar con acua-rela la ingenuidad de una niña en desarrollo que atraviesa el proceso de adaptación tanto física, como mental y emocional-mente. Sus imágenes van cambiando hasta mostrar las expre-siones del rostro femenino que disfruta devorar al lobo. De pronto surge la metamorfósis que se apodera de ella, para li-berar deseos y pasiones reprimidas; quien en un principio pare- cía una niña, ahora aparece dominando a su presa y juega a ser lobo poniendo en duda el papel de la víctima. Destaca la mirada de unos ojos fijos que antes transmitían ingenuidad y que ahora se muestra desafiante. Cuando Caperucita se deshace de su capucha roja, queda al descubierto una fusión de mujer lobo que al final volverá a estar atrapada en un envoltorio de moralidad y tabúes.

33 FRANCISCO LARIOS Francisco Larios es un artista multidisciplinario cuya producción consta de video, dibujo, arte-objeto, fotografía y medios digitales. Con una visión contemporánea da vida a personajes que fluctúan entre una realidad física y alterna.

El artista posee el talento de poner en cuestión las apariencias y mostrar la esencia de las cosas. Es así como las cualidades intrínsecas de la imagen sobresalen en un nivel poético. La sig-nificación de sus imágenes reside en un plano de conciencia y reflexión. En un panorama contemporáneo el artista proyecta cuestiones filosóficas y a su vez utiliza personajes de fábulas humanizados que potencializan una actitud inclusiva ante la ex-ploración humana.

En la serie Sin título aparecen figuras cuyas expresiones se manifiestan por la posición de sus brazos y la postura que to-man; sus rostros se encuentran cubiertos por una máscara, sin embargo es notable la individualidad y emociones propias de cada personaje.

38 ANTONIO IBARRA El trabajo de Antonio Ibarra descubre una estética de verdad y belleza entre lo olvida-do y lo que le rodea. Tiene una manera particular de poner al descubierto puntos de convergencia donde se lleva a cabo una reflexión acerca de la visualidad, basada en lo ordinario y lo banal. Posee el talento para resaltar a través de la fotografía, diversas cualidades que surgen al mirar un lugar común y ob-tienen un significado distinto.

Sin preconcepción alguna, el proceso creativo del artista co-rresponde a una intención latente por dibujar un espacio donde lo figurativo surge del constante movimiento que fusiona el pa-pel con la tinta. Los personajes parecieran conformarse dentro de texturas, como si fueran historietas que se conjugan en es-cenarios morfológicos.

Algunas de sus series están organizadas por libros enumerados que siguen una secuencia de composición narrativa. Uno de ellos se distingue por los rasgos de los personajes que sobre-salen de un fondo oscuro, en el que se integran más persona- jes mostrando diferentes expresiones. En otro de los libros, los personajes parecieran estar danzando y después asomarse a través de cortinas de texturas. Asimismo en varios de sus di-bujos, aparecen figuras orgánicas que se van transformando en fondos rojos, azules y negros.

El curso de sus dibujos revela cómo su obra es creada a partir de la noción de un universo donde existen caminos a seguir, así como los hilos de tinta se van conectando unos con otros. Es posible sentir esa energía que se manifiesta en un todo y en la nada, sin embargo es percibida a través de la intensidad del artista al construir obras con dinamismo, que a su vez son de-finidas por la exploración de las formas, los límites de la su-perficie del papel y toman vida con el estilógrafo.

La obra de Antonio Ibarra nace de una combinación entre lo accidental y lo sorpresivo, conserva un sentido lúdico que de alguna manera toma forma, revelando las conexiones que se generan por medio de líneas y puntos a nivel espacial.