Proyecto introspectivo sobre

estructuras físicas

María José Murillo del Carpio

Código: 20064356

PUCP Facultad de Arte

Noviembre 2010

Índice

1. Introducción

2. Referentes conceptuales

2.2 Prácticas contemporáneas de la pintura y el Collage

2.2.1 La pintura

2.2.2 El collage

2.2.3 El collage como pintura

Conceptos biológicos usados en el arte

2.2.4 Fractal natural

2.2.5 Reproducción

2.2.6 Mutación

3. Referentes visuales

3.2.1 Elio Rodríguez

3.2.2 Annie Varnot

3.2.3 Annie Varnot

4. Proyecto

4.2 Antecedentes

4.3 Método

5. Obras

6. Bibliografía

CAPÍTULO UNO

INTRODUCCIÓN

Me baso en la interpretación del funcionamiento de la naturaleza y en sus formas,

para crear sistemas personales que sean legibles pero sin otorgarle carga conceptual

alguna, es decir, no es de mi interés atribuirle significado a los elementos que

conforman esta unidad o sistema organizado, simplemente los entiendo como códigos

que se presentan de manera inconsciente en mis trabajos, traduciendo mi forma de

pensar y de ver el mundo en un lenguaje no figurativo. Tomo la definición de sistema

como un conjunto de partes o elementos organizados y relacionados, que interactúan

entre sí, llegando a conformar un cosmos como sistema ordenado y consiguiendo

entenderme y descubrirme por medio de la creación de estos sistemas.

CAPÍTULO DOS

REFERENTES CONCEPTUALES

I. Prácticas contemporáneas de la pintura y el collage

La Pintura (En proceso)

La pintura se ha reinventado a lo largo de su historia y lo seguirá haciendo. En un primer momento la pintura era definida como una imagen de las cosas visibles, donde la noción de mimesis se adscribía a ella y donde sus productos eran considerados como representaciones del mundo sensible, copias de la naturaleza. La pintura fue tomada progresivamente como modelo de conocimiento, el cuadro pasó a ser una representación de cómo podía conocerse el mundo, de cómo el hombre le daba sentido. Aparecieron nuevas tecnologías como la cámara oscura hasta llegar al descubrimiento del proceso de la fotografía, el cual causó polémica al tener los mismos fines que tenía la pintura en ese momento, mostrar el mundo como manera de conocimiento. La importancia de la pintura radicó entonces en la transmisión del alma, de la sensibilidad y la imaginación y dejó a un lado su objetivo pasado de mímesis. En estos tiempos, el hecho que la pintura haya traspasado barreras, tanto de su propia técnica como soporte, no quiere decir que haya muerto o desaparecido. La pintura ya no sobrevive como técnica sino como tradición, existe por sí misma. Como dice David Barro “La pintura es una idea, una forma de pensar, seguramente sobre la propia pintura (…) Se podría decir que de la pintura sólo nos queda el propio término ‘pintura’ que actúa a modo de caleidoscopio de significados.” (Barro, 2009) La pintura ha dejado de ser restringida al formato de dos dimensiones o a su materialidad, ahora la pintura es vista como idea, como forma de pensar.

El collage (En proceso)

Obra de arte realizada con una serie de objetos o partes de objetos yuxtapuestos. La palabra “collage” viene del francés coller que significa pegar. El collage ha sido usado a lo largo del siglo xx por corrientes artísticas como el futurismo, el cubismo, el dadaísmo, surrealismo y constructivismo, las

cuales se basaban en la manipulación de diversos materiales utilizados como materia prima para componerlos sobre un espacio determinado. Esta forma de expresión basada básicamente en recolectar, cortar, pegar y componer elementos sobre un espacio con una intención determinada, está por lo tanto muy ligada a la experimentación con diferentes materiales que otorguen posibilidades tanto de volumen como de texturas visuales y sensoriales. Ésta interacción con el material y las posibilidades que te pueda dar son importantes.

El collage como pintura (En proceso)

En mi proyecto el collage ha sido incorporado a mis composiciones a causa de mi interés por la costura, de modo que he dejado de pintar al óleo para comenzar a hacer pintura con diversos materiales yuxtapuestos y ensamblados, teniendo la posibilidad de experimentar con medios alternativos a los tradicionales. Este afán por componer con retazos de tela, envases de pastillas, pedazos de pastico de diversas calidades y otros materiales, me otorga la posibilidad de reorganizar estos elementos en un nuevo espacio que integra y relaciona a cada uno de ellos en un todo unificado. Esta acción de descontextualizar cada material que empleo en mis trabajos y lograr que sean parte y funcionen en un nuevo contexto, ya de carácter personal, es lo que hace que elija el collage como el lenguaje más adecuado para expresarme debido a que encaja con mi proceso de crear de manera más experimental e intuitiva.

II. Conceptos biológicos usados en el arte

Fractal natural (En proceso)

Muchas estructuras naturales son de tipo fractal. Un fractal se caracteriza

por ser en primer lugar demasiado irregular para ser descrito o calificado en

términos geométricos tradicionales, el fractal posee detalle a cualquier

escala de observación y tiene la propiedad de que sus partes sean exactas o

aproximadamente similares al conjunto en total, pero si variando su escala,

mas no la composición general. Esta característica se encuentra

frecuentemente en la naturaleza. Un fractal natural es un elemento de la

naturaleza que se ajusta a las propiedades de la geometría fractal, como

por ejemplo lo son las nubes, las montañas, los arboles o el sistema

circulatorio.

Reproducción (En proceso)

La reproducción es un proceso biológico que permite la creación de nuevos

organismos, siendo una característica común de todas las formas de vida

conocidas. El proceso de la replicación de los seres vivos, llamado

reproducción, es una de sus características más importantes. Crea

organismos nuevos, que pueden reemplazar a los que se hayan dañado o

muerto.

Las dos modalidades básicas de reproducción se agrupan en dos tipos,

reproducción asexual, que basta con un organismo para reproducirse y

reproducción sexual, en la que dos organismos de sexos opuestos o

hermafroditas pueden reproducirse

Mutación (En proceso)

La mutación es una alteración o cambio en la información genética de un

ser vivo y que, por lo tanto, va a producir un cambio de características, que

se presenta espontáneamente y que se puede transmitir o heredar a la

descendencia. La unidad genética capaz de mutar es el gen que es la unidad

de información hereditaria que forma parte del ADN. En los seres

multicelulares, las mutaciones sólo pueden ser heredadas cuando afectan a

las células reproductivas. Una consecuencia de las mutaciones puede ser

una enfermedad genética, sin embargo, aunque en el corto plazo puede

parecer perjudicial, a largo plazo las mutaciones son esenciales para nuestra

existencia. Sin mutación no habría cambio y sin cambio la vida no podría

evolucionar.

CAPÍTULO TRES

REFERENTES VISUALES

I. Elio Rodríguez (En proceso)

El artista cubano Elio Rodriguez a empleado en su obra titulada “Ceiba Negra” materiales como tela de fieltro oscura, piezas de cerámica y una especie de hilo sintético que utiliza para ensamblar cada pieza blanda logrando asi una sensación de volumen, masa o bulto. Al emplear materiales como tela rellenada, se incita de esta manera a una apreciación no solo visual, sino también una apreción táctil y sensorial, como si la obra invitase a ser tocada y sentida ya no solo vista, es importante esta representación objetual y tangible de estas formas de carácter orgánico, ya que se produce una sensación de carne, de cuerpo. La composición es de formato irregular determinada por formas orgánicas las cuales aluden a esta planta llamada Ceiba Negra, los ritmos son también orgánicos produciendo la sensación de ser objetos con vida, de estar en movimiento. La obra se caracteriza también por su monocromia, el artista al emplear tela oscura casi negra en toda la composición es como si quisiera quitarle importancia a lo que es el color, es decir, que la obra no se lea por el color, sino más bien al bañar toda la composición de un tono, lo que resalta a la vista primordialmente son los volumenes y la forma logrando así que esto sea sea el eje comunicador de la obra. Pero el hecho de haber escogido el color negro para cubrir completamente su obra tiene también una presencia con carácter fuerte, imponente, agresiva, como si estas especies de hojas pudieran atacarte o atraparte, muy difierente hubiera sido el caso si toda la composición fuera completamente de color blanco. Al ser Elio Rodriguez de nacionalidad Cubana, el color negro también puede tener otro tipo de significado ligado a la raza negra, a la discriminación y al racismo. La distribuación de los elementos es agrupativa y densa provocando una sensación de abultamiento, de frondosidad de la planta, de fertilidad. Estaobra, con todas la característica nombradas anteriormente, trata de reflejar en mi opinión el poder y la fuerza de la naturaleza sobre el resto.

Elio Rodríguez. “Ceiba Negra”, 2010, fieltro negro rellenado, medidas variables

Acercamiento de obra “Ceiba Negra. Elio Rodríguez. 2010

II. Annie Varnot (En proceso)

El trabajo de esta artista americana me parece interesante en cuanto

descontextualiza los materiales cotidianos como sorbetes o cañitas de

plástico trabajando el material de una forma muy particular. La artista

corta las cañitas agrupándolas unas con otras en grandes cantidades de tal

manera que el producto final crea una sensación completamente nueva.

El trabajo de Varnot se caracteriza por la acumulación de materiales

similares que en su conjunto crean una forma más compleja. Ella describe

su trabajo como una representación sintetizada de la naturaleza así como

también ella encuentra en sus esculturas pequeños mapas de sistemas que

aún no los entiende y se encuentra en proceso de llegar a descifrarlos. Las

esculturas de Varnot También se pueden definir como abstracciones

orgánicas. Entre sus intereses están el calentamiento global, la topografía

del paisaje y las enfermedades. Varnot se preocupa por lograr en cada una

de sus obras una transformación en el aspecto del material utilizado, lo cual

relaciono con mi trabajo en cuanto a que también me interesa esta

alteración de la apariencia o la naturaleza de cada material

Annie Varnot. “Perelandra”, 2006, sorbetes plásticos, pompones, cables pintados, hisopos,

pedestal iluminado 23”x20”x5 ½”.

Annie Varnot “Varian Sea”, 2006, técnica mixta, 50”x17”x18”.

III. Karen Margolis

Karen Margolis explora el cambio como proceso y como necesidad

emocional, comparando las influencias de transformaciones físicas con

pensamientos y sentimientos. Mediante su trabajo ella procura darle

vida a cosas viejas y obsoletas como mapas desactualizados, basura y

piezas de arte abandonadas. Margolis se ha interesado por la

simplicidad de la línea y el círculo como forma y símbolo de infinidad, de

vacío y completo. El círculo es un elemento integral en casi todo su

trabajo.

Lo interesante que encuentro en esta joven artista americana es el

empleo que hace sobre el soporte y los medios que usa para ello. Ella

utiliza mapas antiguos y sobre ellos, con la ayuda de una punta para

soldar, hace pequeñas incisiones, de esta manera va superponiendo

capas iguales hasta lograr que se cree nuevas rutas en los mapas,

atribuyéndoles su valor nuevamente y dándoles lugar en el mundo.

Por otro lado, ella hace trabajos sobre papel pintado, basados en la

codificación de sus monólogos internos. Estos trabajos describen la base

física de las emociones por medio de crear especies de sistemas

moleculares, los cuales interpreta como sus estados mentales. Genera

una codificación de tanto sus pensamientos, sentimientos, como

recuerdos, plasmándolos en patrones moleculares que le sirven como

medio de medio de entendimiento de su persona.

Karen Margolis. “Connectives”, 2010, papel quemado, medidas variables

CAPÍTULO CUATRO

PROYECTO

I. Antecedentes

Durante el transcurso de mi formación académica primó la contemplación

y el análisis del natural a través de la pintura como medio expresivo. Fue

en ese periodo donde me dediqué a pintar paisajes observando la

naturaleza a modo de mímesis. Al mismo tiempo me interesaba pintar

paisajes desde mi propia cosmovisión.

Es cuando entro a talleres donde busco tocar el tema de la naturaleza, pero

ya no desde una mirada mimética, sino más bien desde una mirada más

personal optando por representaciones no figurativas, pero aun así

sumamente ligadas a este interés hacia la vida misma y la naturaleza.

De esta manera pasé por la necesidad de dejar el óleo por un momento

para comenzar a experimentar nuevas formas de pintura, para descubrir

nuevos materiales y vehículos que me ofrecieran la oportunidad de conocer

sus propiedades plásticas y nuevas posibilidades de entender lo que

podemos concebir como pintura. A la vez tuve la necesidad de escapar del

formato plano y recto del bastidor, lo que me hizo reflexionar sobre los

límites de la obra y hacer que el formato responda y se relacione con la

estructura de cada trabajo.

El origen de este proceso de experimentación fue completamente casual y

vivencial, todo comenzó con la caída de un incienso prendido a una bolsa

de basura que guardaba en mi taller, la punta del incienso ocasionó

pequeños orificios bien definidos en el plástico, de esta manera comencé a

hacer pequeñas incisiones en retazos de bolsas delgadas de color negro, ya

de mayor formato, con la punta del incienso prendido, a modo de plumilla

o instrumento para dibujar, luego cogía estos retazos y los unía con fuego

unos con otros creando así una composición irregular de gran tamaño. Las

formas que fueron saliendo de ésta acumulación de puntos pequeños

generaron sensaciones de desintegración y regeneración, de carácter

orgánico.

Desde ese momento, me atrajo la idea de crear sin tener límites

preestablecidos. No me interesaba planificar desde un primer momento

cuál iba a ser el formato o resultado final de la obra, que materiales iba a

emplear en mis trabajos o el simple hecho de contar con un boceto previo

que esboce a grandes rasgos la idea de cada trabajo. Esto no sucedía en mi

proceso creativo ya que al tener mucho de espontaneidad e intuición, la

idea de cada trabajo iba desarrollándose en paralelo con la producción

plástica que se iba originando en esta especie de laboratorio que se había

convertido mi taller, haciendo pruebas con variedad de materiales y medios

alternativos. La obra iba evolucionando junto al proceso de

experimentación que iba teniendo.

Los materiales que usé en ese primer momento de exploración de vehículos

y medios fueron variados, desde látex y tinta china hasta plásticos de

diferentes calidades, telas, tecnopor, clavos e imperdibles, entre otros. La

acumulación fue una característica importante en el empleo de estos

materiales, no me interesaba usar un imperdible como unidad, sino que al

momento de acumular este imperdible con decenas del mismo a su

alrededor, originaba una masa que formaba una unidad diferenciada

produciendo formas que yo encontraba interesantes, haciendo que el

imperdible ya no destaque independientemente sino que produzca una

sensación diferente a la que comúnmente produce.

Me interesó alterar la apariencia de los materiales, conseguir que no

parecieran lo que realmente eran. Procuré transgredir su naturaleza, su

valor cotidiano e intentar jugar con la versatilidad que me puede brindar

cada material.

Mis trabajos perdieron todo interés en crear un espacio ilusorio hacia el

interior del formato, por lo contrario partieron del soporte mismo hacia

afuera, es justamente en los relieves, en la textura y en el volumen

generado donde conseguí encontrar especies de códigos importantes a la

hora de componer.

María José Murillo. “Paisaje personal”, 2009. Óleo sobre lienzo, 161x 150 cm.

II. Método

Al haber pasado por un proceso de experimentación el ciclo pasado me

concentré básicamente en probar nuevos medios de experimentación para

alterar y escapar del formato convencional, intervine directamente sobre el

soporte y tomé el collage como componente importante para yuxtaponer

capas de diversos materiales transgrediendo la naturaleza de ellos mismos

al emplearlos no en la manera que se usan cotidianamente sino llevándolos

a un espacio donde su utilidad queda relegada.

Al definir mi proyecto de este ciclo como parte inicial de un proyecto mayor

y más complejo que seguirá en camino, quiero decir que yo no quiero

adelantarme a manejar conceptos o tratar de atribuirle como sea

significados precipitados a lo que estoy haciendo, siendo de alguna manera

deshonesta con mi obra. Me limitaré a describir lo que sí tengo claro hasta

esta etapa de mi trabajo.

Mi trabajo habla generalmente de la naturaleza, como referencia a los

fenómenos del mundo físico y a la vida en general. He podido deducir que la

mayoría de formas, ritmos, texturas (táctil/ visual), líneas y movimientos

generados en mis composiciones son de carácter orgánico, mostrando en

esencia el aspecto reproductivo, regenerativo e indeterminado de la

naturaleza haciendo referencia a sus espontáneos y cíclicos cambios así

como también a su organización y sistematización interna.

Me interesan las estructuras propias de la naturaleza, a diario puedo

observar como el mundo toma forma, en esferas, cilindros, espirales y

otras muchas estructuras que forman parte del mundo vivo. Me parece

sorprendente como la naturaleza se organiza interior y exteriormente de la

manera más beneficiosa para sobrevivir y perdurar. Las formas como los

patrones orgánicos no están en la naturaleza de manera gratuita, siempre

tienen una función específica para poder vivir. La fractalidad, por ejemplo,

es el mecanismo más efectivo para el crecimiento de las plantas, es el

mejor patrón para crear frondosidad ideal para aprovechar al máximo el

contacto con el exterior. Puedo observar que todo lo que tiene vida está

siempre condicionado a movimiento y crecimiento, y por lo tanto, cuenta

con características únicas, cada objeto vivo es diferente a otro, jamás serán

completamente idénticos. Esta indeterminación de lo vivo es la que me

llama la atención, y la que se contrapone al mundo material.

Me baso en la interpretación del funcionamiento de la naturaleza y en sus

formas, para crear sistemas personales que sean entendibles pero sin

ninguna carga conceptual, es decir, a cada elemento presente en mis

composiciones no le atribuyo significo alguno, simplemente sirven como

códigos que se presentan de manera inconsciente en mis trabajos, como

traduciendo mi forma de pensar y de ver el mundo en un lenguaje no

figurativo, donde importa sobre todo la organización propia de dicho

sistema. Tomo la definición de sistema como un conjunto de partes o

elementos organizados y relacionados, que interactúan entre sí, llegando a

conformar un cosmos como sistema ordenado.

Como parte de mi proceso creativo se manifiestan continuamente cierto

tipo de acciones repetitivas y básicas como reunir, recoger, recolectar,

reutilizar, acumular, juntar, pegar, agregar, amontonar. Acciones que son

de fundamental importancia llevándome a formar de manera no planeada

una suerte de retícula constituida por patrones orgánicos repetidos y

organizados dentro de un sistema. Me interesa como estas formas

empatronadas actúan en conjunto a manera de reproducción. Me importa

capturar en mis composiciones la manera física en la que la naturaleza se

agrupa, muta y migra creando así este tipo de formas y composiciones

involuntarias pero siempre con una intención y función específica que no

paran de captar mi atención hasta el día de hoy.

Mi trabajo depende de varios procesos como el corte y ensamblaje de

piezas de madera que me otorga la posibilidad de generar formas

irregulares tomando en cuenta los espacios de vacío y el espacio que

contiene la obra como elemento importante e integral a la composición.

Por otro lado he empleado la costura me otorga la posibilidad de fabricar

piezas con formas propias jugando con la particularidad que me ofrece

cada tipo de tela y sus propiedades sensoriales, además del volumen y

espesor conseguido. Tengo interés en la exploración del espacio entre la

pintura (forma y color) de dos dimensiones y tres dimensiones, de manera

que he empleado materiales que me lleven a generar volumen.

Asimismo he utilizado pintura en cuanto a su materialidad, he empleado

acrílico veteado sobre papel brillante, de manera que el resultado son la

simulación de líneas o estrías multiplicadas. El uso de materiales como

espejos rotos, cintas de tela, plásticos, entre otros han sido igualmente

empleados en mis composiciones.

El resultado de mi trabajo son especies de collages no figurativos, sin

embargo evocando formas vivas, no con la intención de querer representar

la naturaleza tal y como es, más bien tomando el modo en que la naturaleza

se forma y desenvuelve. Mi intención no es imitar la naturaleza sino

interpretar su funcionamiento interno y crear estructuras orgánicas de

carácter personal.

CAPÍTULO CINCO

OBRAS

María José Murillo. s/t, 2010. Bolsas de plástico perforadas con incienso, medidas

variables.

María José Murillo. S/t, 2010. Plásticos, tinta china, crayola, tela, envases de pastillas y spray negro sobre cartón, medidas variables.

S/t, 2010. Plásticos, tinta china, tecnopor, tela, látex, spray negro y clavos sobre cartón, medidas variables.

S/t, 2010. Plásticos brillantes, retazos de cartón y tachas sobre cartón, medidas variables

S/t, 2010. Tinta china, látex, cartón corrugado, tela, imperdibles, chinches y tecnopor sobre lona, medida variables.

Acercamiento a imagen.

María José Murillo. S/t, 2010. Madera, acrílico, tela, fibra sintética, medidas variables.

María José Murillo. S/t, 2010. Madera, acrílico, tela, espejos, plásticos, cartulina, papel brillante, medidas variables

BIBLIOGRAFÍA (En proceso)

BARRO, David y Álvaro NEGRO

2005 “Sky Shout” La pintura después de la pintura .Santiago de Compostela: Auditorio de Galacia

BARRO, David

2009 Antes de ayer y pasado mañana o lo que pueda ser pintura hoy.

Barcelona: Galaxia.

DANTO, Arthur C. (Se revisará más adelante)

1999 El arte contemporáneo y el linde de la historia, Barcelona: Ed Paidós

FRASCINA, francis, Nigel BLAKE y Briony FER

2006 La modernidad y lo moderno: La Pintura Francesa En El Siglo XIX. Madrid:

Ediciones Akal

SCHWABSKY, Barry

2004 “Vitamin P: New Perspectives in Painting”. London: Phaidon Press

TASCHEN

2005 Art of the 20th Century. Berli: Taschen

2009 100 Contemporary Artists. Berlin

WALLYS, Simon (Se revisará más adelante)

2001 “Hybrids: International Contemporary Painting”. Liverpool: Tate