EL LIBRO, LA PALABRA, EL MENSAJE, LA LECTURA

VISIONES DE MUJERES ARTISTAS CONTEMPORÁNEAS

IES MARQUÉS DE MANZANEDO. SANTOÑA CURSO 2007 – 2008

4º DE ESO. GRUPO A. CIENCIAS SOCIALES. ELENA GONZÁLEZ GANDUL

MARY CASSATT

Nació en 1844 en Pittsburgh. Pasó la mayor parte de su vida en París, donde se propuso triunfar como pintora.

Consiguió exponer sus obras en varios salones oficiales.

Conoció a Edgas Degas y cambió su estilo al impresionismo.

Murió en 1926.

Niña leyendo

Mujer leyendo Le Figaro

Mujer leyendo en el jardín. 1880.

Art Institute of Chicago

Mujer escribiendo una carta

Mary leyendo a sus nietos. 1888. Se ve a una señora que está leyendo un libro. Quizás sean cuentos. Se los lee a sus nietos. Los cuatro están sentados en el jardín. Predominan los colores verde y amarillo que dan sensación de reposo.

SUZANNE VALADON (1867 -1938)

Desnudo femenino, 1922. Museo de Arte Moderno. París.

Fue modelo de famosos pintores como Renoir o Toulouse-Lautrec y artista autodidacta.

Pintó preferentemente el cuerpo femenino desnudo, al que le dio una entidad propia desligándolo de la unión tradicional con el erotismo o con la degradación.

Aquí, la mujer sentada en la cama, desnuda – tiene la ropa en los pies de la cama- está leyendo un folleto o cuadernillo, tranquila, como haciendo tiempo.

El cuerpo, sentado sobre la sábana blanca, está arropado por la calidez de la colcha y de la alfombra, de tonos rojos.

GWEN JOHN (1876 -1939)

Pintora galesa hermana del también pintor Augustus John. Hasta 1898 estudió en Londres; luego marchó a París, donde se instaló y se convirtió en amiga del escultor Auguste Rodin.

Sus retratos, caracterizados por un estilo sutil y preciso, le granjearon la admiración de artistas y coleccionistas.

La obra de su última época, en la que se incluyen muchas acuarelas y óleos de pequeño formato, se caracterizó por sutiles variaciones de tonos y por presentar formas más abstractas, aunque nunca dejó la figuración.

Únicamente realizó una exposición individual en su vida. Pero su arte contó con un pequeño círculo de apasionados admiradores, entre los que estaba su hermano Augustus, quien la describió como “la artista más grande de su época y, según mi opinión, de cualquier otra”.

La Convaleciente 1923/1924

Se ve la imagen de una mujer morena sentada en una butaca leyendo; su espalda está apoyada en una especie de cojín, posiblemente para no hacerse daño con el respaldo de la silla, que parece de mimbre. A su lado una mesa de madera cubierta por un tapete con una tetera y una taza.

Por la expresión de la cara se puede deducir que está emocionalmente triste o disgustada. Por la disposición de los brazos, caídos, parece cansada.

El conjunto –postura, expresión y objetos que la rodean- explican el título de la obra, La Convaleciente.

En la mano tiene un libro. Está concentrada en el acto de leer. La lectura nos acompaña en los malos momentos, sean éstos de tipo físico o emocional. Aquí el libro ayuda y acompaña anímicamente tanto como el té.

GABRIELE MÜNTER (1877 – 1962)

La Lectora, 1927

GABRIELE MÜNTER (1877 – 1962)

Desde una edad precoz intentó estudiar arte, si bien su condición de mujer dificultó sus deseos.

Ingresó en la Escuela de Arte Phalanx. Uno de los profesores fue Kandinsky, con el que mantuvo un romance.

Münter y Kandisnsky llegaron a exponer juntos, en 1911. Tras la Primera Guerra Mundial, rompieron su relación.

Aunque vivió tras la sombra del pintor Kandisnky, como solía suceder a las artistas femeninas en aquellos tiempos, su obra fue reconocida. Así, en 1956 le otorgaron el premio de Cultura de la ciudad de Munich. Al museo de esta ciudad cedió sus obras.

¿Qué vemos?

Vemos una mujer, sentada, con una postura totalmente concentrada en una acción: la lectura de una carta o un folio.

Está inclinada hacia delante; concentrada. Las piernas abiertas de una forma exagerada. Lo que menos le importa es guardar las formas. No es muy femenina, al uso, la postura que tiene la lectora.

¿Por qué?

Pues por que lo que realmente le parece interesar es el contenido del escrito en el que tiene depositado toda su atención y energía.

Está reflejando una situación íntima de una mujer leyendo algo que le implica directamente y que como es algo íntimo no le importa para nada la postura y los cánones establecidos.

Me gusta la naturalidad captada. No son necesarios los colores para expresar la acción. Todos en algún momento hemos prestado atención como lo hace la protagonista.

Nacida como Vanessa Stephen en 1879 en Londres. Fue educada en casa por sus padres en idiomas, Matemáticas e Historia. Tomó clases de dibujo y acudió a la Escuela de Arte de Sir Arthur Cook. A partir de 1901 estudió pintura en la Royal Academy.

Al morir sus padres se mudó al barrio londinense de Bloomsbury. Allí entró en contacto con artistas y escritores e intelectuales que conformarían el Círculo de Bloomsbury. Hizo murales, retratos, paisajes, composiciones figurativas y abstractas.

VANESSA BELL (1879 – 1961)

Amaryllis y Henrietta, 1952

¿Qué vemos? Dos niñas están sentadas en un cómodo sofá enfrascadas en sus lecturas. Las niñas están pendientes de sus libros porque aunque junto a ellas hay unas muñecas, no las hacen caso; parece ser que el libro las interesa más.La niña pequeña supongo que está leyendo un cuento y la otra un libro más acorde con su edad.La postura es de comodidad.Ambas niñas van vestidas con ropas propias de su edad. La pequeña lleva un vestido y la otra un pantalón, prenda más típica entre los adolescentes.

Utiliza unos colores vivos en el ropaje de las niñas y sin embargo en el fondo utiliza un color grisáceo, así llama más la atención sobre las niñas y no sobre lo que les rodea.

Natalia Goncharova. Tula 1881 – 1962 París.

Estudió pintura en la Academia de Arte de Moscú. Fue inspirada por los aspectos primitivos del arte floclórico ruso e intentó reflejarlo en su propia obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas.

Se hizo famosa en Rusia por su obra futurista. También se dedicó al diseño gráfico, habiendo escrito e ilustrado un libro en estilo futurista.

Se trasladó a París en 1921 donde diseñó varios decorados para los Ballets Russes de Sergei Diaghilev.

Murió en París en 1962

Natalia Goncharova.

Interior. Principios s. XX

Lo que veo me sugiere un lugar de soledad, concentración, una casa antigua.

Una mujer está concentrada en una obra que le gusta. Puede estar esperando lo que les sucederá a los protagonistas, quizás sean una pareja de enamorados.

La postura en la que ha sido captada sugiere que

le gusta la obra La autora ha querido representar mediante colores tranquilos la luz idónea para la lectura. Quizás ha querido representar a una persona enfrascada en la lectura para estimularnos a leer ya que esta obra estimula a la lectura, la hace apetecible, acogedora. Natalia nos pudo querer transmitir la tranquilidad que te puede aportar la lectura y que la gente tenga más interés por ella.

Natalia Goncharova

Los cuatro evangelistas

En gris verde azul rojo

SONIA TERK (DELAUNAY)

Proyecto de Cortina Poema.

Texto de Philippe Soupault. 1922.

Guass sobre papel. Biblioteca Nacional de

Francia

SONIA TERK (DELAUNAY)

Pintora y diseñadora francesa de origen ruso casada con el pintor Robert Delaunay.

Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Gauguin y van Gogh entre otros, desarrolló a partir de 1910, un estilo basado en la yuxtaposición o contraste simultáneo de colores puros rotos en prismas.

Expuso pinturas, telas y encuadernaciones y diseñó vestuarios para teatro.

En la década de 1920 se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil.

Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo

En 1964 el Museo de Arte Moderno de parís recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo.

Patrón para el vestido de Vera Goudeikine con

poema de Iliard. 1922. Caligrafía

acuarela sobre papel.

Biblioteca Nacional de Francia.

Nos sugiere una rebeldía contra las normas establecidas. La autora parece estar sintiendo cierta soledad y melancolía por el poema que hay estampado.

Los colores empleados son suaves, demostrando que su rebeldía no es agresiva.

Al estar haciendo la obra puede que piense también en música, debido a que hay instrumentos musicales estampados.

TAMARA DE LEMPICKA (1898 – 1980)

Fue una pintora de estilo art decó nacida en Varsovia, Polonia, en 1898.

En 1918 pinta su primer trabajo y expuso sus obras en varias galerías de París.

Sus obras se basan en retratos femeninos.

Esta obra se llama Kizette en rose. Fue pintada en 1926 – 1927 y se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Nantes, Francia.

Se ve a una chica sentada y leyendo un libro, que podría ser de cualquier tema. Tiene expresión de soledad.

Al fondo se ve una ciudad y agua de un río o mar. Los colores que predominan son el blanco, el negro y los grises, que dan sensación de soledad y un poco de tristeza.

Llave y mano. 1941

Colección privada

Es una representación de objetos que contrastan por su significado y por su color.

Una llave, un revólver, un lazo que cuelga aparentemente con una nota. Sobre la mesa, un libro abierto blanco sobre el que descansa un guante blanco que parece una mano.

El libro, la mano y la nota que pende del lazo destacan por su blancura

¿Qué mensaje nos quiere dar?

¿Es un libro por escribir?

FRIDA KAHLO

México, 1907 - 1954

En 1922 se matricula en la Escuela Preparatoria donde solo había 32 mujeres. En 1925 sufre un grave accidente que la marcó profundamente y desde entonces comienza a pintar siendo ella, su vida y sus emociones los temas de sus obras.

Se casó con el pintor Diego Rivera. No pudo tener hijos, y sus abortos figuran en sus cuadros.

La Segunda Guerra Mundial la acercó más a las tesis comunistas.

Murió el 13 de Julio de 1954 recibiendo honores en el Palacio de Bellas Artes.

Nos trasmite la espera de la llegada de su pareja sentimental. Nos inspira la tranquilidad propia de personas que están esperando la llegada de su anhelado amor.

Sostiene una carta donde se lee “Para León Trotsky con todo cariño, dedico esta pintura, el día 7 de noviembre de 1937”

El lugar está vacío, falto de objetos. La postura en la que ha sido plasmada nos sugiere que estaba frente a un espejo, pintándose a si misma o que tenía una foto en esa misma posición.

Los colores son apagados y nos pueden indicar el estado emocional en el que se encontraba en ese momento.

El rosa, las flores, la carta de amor, la postura de las manos pueden señalar que está esperando a su amor.

¿Fue Trotsky el auténtico amor de su vida? Repasa las obras de Frida.

Autorretrato dedicado a León Trotski o Between the Curtains, 1937.

Washington: The National Museum for Women in the Arts

El marxismo dará luz a los enfermos. h. 1954 Museo Frida Kahlo

“Frida conjuró aquí la concepción utópica de que la creencia política podría liberarla de todo sufrimiento. Se representó de nuevo con su corsé de piel ante un paisaje dividido en dos, la parte pacífica de la tierra y la amenazada por la destrucción. En lo alto la paloma de la paz. Enormes manos que encarnan el comunismo la sujetan y liberan de sus muletas.”

¿Qué significado puede tener el libro que lleva en la mano ?

REMEDIOS VARO. Girona, 1908 – 1963, México.

Nace el 16 de diciembre en Anglés, Girona. En 1924 se asientan en Madrid y su padre le estimula para que ingrese en la Academia de San Fernando, convirtiéndose en una de las primeras mujeres que estudian arte. Será compañera de Dalí. Es una de las protagonistas del surrealismo en España.

En 1930 termina sus estudios. Se casa con el artista Gregorio Lizarraga, del que se separa en 1932. Con la Guerra Civil se va a París.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial hace que huya a México igual que otros intelectuales.. En 1953 se une sentimentalmente a Walter Gruen que le dará estabilidad en todos los ámbitos.

Su pintura desarrolla los grandes temas, desde la infancia hasta la madurez. Ella y su mundo es la protagonista. Su obra refleja la unidad cósmica y la relación de los diferentes planos de la realidad como son la materia y el espíritu o los mundos animal, vegetal y mineral. Pintó “el revés del mundo”

CREACIÓN DE LAS AVES (1957): Nos sugiere tranquilidad por la sensación de calma que provoca la naturaleza que se representa. Al dibujar a los pájaros éstos cobran vida por la luz de las estrellas y su canto proviene de un instrumento del corazón del búho. El color predominante es el verde. El mensaje que nos transmite es que los seres vivos y las cosas se pueden crear de manera sencilla

ARMONÍA (1956): Nos sugiere desorden al estar todo revuelto. La idea central es la representación de la creación de la música que está en “armonía” con el arte. Hay contraste entre la oscuridad del exterior y la claridad del interior.

En ambas obras, el papel, la tinta, la protagonista crean, lo que luego serán historias, de música, de letra, de vida.

Nos sugiere la creación de la Tierra, del manto terrestre que la protegerá. El maestro fabrica los hilos para que las trabajadoras tejan el manto. Mientras, con un libro en la mano, nos recuerda la lectura que realizaban hasta bien entrado el s. XX los lectores de encargo.

Detrás del maestro hay una trabajadora que se esconde ya

que ha tejido una trampa. Alrededor de la torres hay pueblos asentados en la corteza terrestre, por los que el manto, a medida que se va tejiendo, los va arropando. Los colores son los azules, verdes y anaranjados, tan característicos de Varo.

El mensaje es cómo se ha creado el manto y la traición de una trabajadora.

Mª HELENA VIERA DA SILVA. Biblioteca. 1949. Centro Georges Pompidou.

HELENA VIEIRA DA SILVA

Lisboa 1908 – París 1992. Llega a París para realizar cursos de escultura pero los cambia por la pintura. Estudia con Léger y de Bissière. Refugiándose de la guerra va a Brasil y descubre la obra de Torres García.

En su hacer artístico alterna la abstracción y la figuración. Investiga el espacio y el movimiento.

En general, su obra se lee como abstracta, pero si miramos detenidamente un rato podemos imaginarnos edificios, pasarelas, vías … vistas desde lo alto.

En 1991 fue nombrada en París Officier de la Légion d´Honneur, como reconocimiento a toda su carrera.

Esta obra nos sugiere estrés porque no hay un orden fijo y no hay ningún espacio por donde dirigirte y poder coger un libro.

Nos sugiere movimiento porque hay muchas líneas aparentemente sin orden lógico cruzadas entre sí que no dan lugar a ninguna forma definida

El color de la obra nos hace sentir alegría por la variedad de colores vivos que nos trasmiten la felicidad que nos aporta la lectura

A la hora de hacer esta obra podría estar pensando en transmitir a las demás personas su pasión por la lectura ya que ha empleado colores alegres al pintar los libros. Si hubiese empleado colores apagados nos habría transmitido cierto odio a la lectura.

Nos inspira cierta desorientación ya que los libros están desordenados y no hay ningún espacio que nos lleve hacia la salida.

Los colores cálidos empleados nos inspiran el nuevo renacer de sus creencias religiosas.

ÁNGELES SANTOS. Tertulia (el cabaret), Valladolid, 1929

ÁNGELES SANTOS

Nace en Portbou en 1911. Al trabajar su padre en aduanas, recorrió toda la península y permaneció en Valladolid. Allí tuvo éxito en la exposición de jóvenes artistas y se le propuso hacerlo en el Ateneo.

En 1930 expone de nuevo en Madrid en el Círculo de Bellas Artes.

A principios de los años 30 la familia se traslada a San Sebastián. En 1935 expone en la Galería Syra y se encuentra con el pintor Emili Grau Sala, con el que se casa en 1936.

Sus exposiciones se suceden y son un éxito hasta el día de hoy.

Lo que vemos es a cuatro mujeres que sin mostrar diálogo ni miradas las unas con las otras. La de la izquierda parece estar leyendo algo triste que le trae recuerdos melancólicos y de ahí esa mueca de angustia en el rostro. Otra mira al frente; otra fuma y la última, con unas hojas en la mano, mira hacia arriba.

Están en un lugar pequeño, estrecho agobiante. Pocos muebles: sólo se aprecia un sofá y un taburete sostenido por muelles.

Los colores son tonos oscuros que nos hacen pensar en un lugar cerrado. Hay luz en las caras de las mujeres por lo que deducimos que es importante su expresión, sus sentimientos a través del rostro.

El mensaje que quiere trasmitir es que antes las mujeres no tenían libertad para reunirse pero así y todo había algunas que se reunían para discutir y hablar.

BARBARA KRUGER

1945. Nueva Jersey. Vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles.

Después de la universidad completa sus estudios en la Parsons School of Design. Recibe influencias de fotógrafos, diseñadores. Trabaja en una revista de moda. Le impresionan los murales textiles de M. Abakanowicz. Fue profesora de universidades y escuelas de arte.

Los medios de comunicación nos presentan mensajes e imágenes que nos determinan a la hora de pensar. Se preocupa sobre todo por los temas de la violencia, el poder y la sexualidad.

Su obra intenta cuestionar la manipulación y la falta de conciencia que tenemos en la sociedad consumista.

Power Pleasure Desire Disgust (1997). Instalación multimedia . Deitch projects (Nueva York, USA)

A partir de los años 80 realizó campañas de carteles y pósters de gran tamaño. Así, diseñó bolsas de compra con el lema “Compro, luego existo” o los autobuses de NY que llevaban en la parte trasera luces que gritaban “No seas estúpido”.

Tampoco el arte escapa a su crítica. “Cuando oigo la palabra cultura, saco el talonario de cheques”.

En sus instalaciones emplea las paredes, los techos y los suelos. Es imposible escapar de su obra, de su mensaje.

En los años 90, combinó su trabajo de artista con el interés por el cine. Así presentó proyecciones en Detch Pojects.

En esta obra es imposible escapar del mensaje. Al ver la obra el espectador se introduce en ella. La palabra es arte.

JENNY HOLZER

1950. Ohio. USA. Vive y trabaja en Nueva York

Es una artista conceptual. Originariamente abstracta. Al trasladarse a Nueva York comenzó a trabajar con textos.

Su obra se centra en el uso de ideas en espacios públicos. Principalmente pósters, aunque también ha usado otros medios como letreros luminosos, pegatinas …

Esta obra fue el proyecto que presentó para conmemorar el décimo aniversario del Museo Guggenheim en el que se pretendía integrar aún más el puente en el recinto museístico. Se leerían en series de columnas LEDs fragmentos de poemas de poetas vascos, españoles e internacionales

Estas obras intentan acercarse y hacer reflexionar al observador. Muchos de los mensajes que forman parte de sus obras están inspirados en citas de Hitler, Lenin, … Es decir, dictadores.

Los colores que aplica en sus obras son muy llamativos ya que persiguen captar la atención de la gente. Y de una forma habitual son mensajes en movimiento.

SIRHIN NESHAT1957. Vive y trabaja en Nueva

York

Rebellious Silence

Sin título (Woman of Allah)

Stories of Martyrdom

Su padre aceptó las ideologías occidentales y estimuló a sus hijas a que fueran “ un individuo, tomar riesgos, aprender y ver el mundo”.

Ella aceptó el feminismo occidental.

Es conocida por su trabajo en películas, vídeos y fotografía.

En las tres obras se observan signos de violencia o silencio contra la mujer: la mano que impide hablar o las dos manos extendidas, que comunican con el texto escrito pero que el fusil que descansa sobre sus muñecas las vence.

La utilización de colores oscuros o sombríos expresan la soledad a la que están sometidas las mujeres musulmanas.

Los mensajes que componen las obras cubren la cara y las manos de la mujer. Esto se puede asimilar con el burka, el cual oculta a la mujer. Las discrimina en la medida en que no vemos los rasgos que las individualizan como seres humanos, sin poder saber su expresión, sentimientos o rasgos.

TRACEY EMIN 1963. Londres. Vive y trabaja en Londres

Dejó la escuela sin acabar los estudios. Realizó trabajos de dudosa índole. Llevó una vida sexual desenfrenada, con los consiguientes traumas.

El arte de Emin es una explotación despiadada de su biografía que, con aparente franqueza exhibicionista, puede parecer realmente chocante.

En la obra de Emin se entrelazan continuamente las esferas individual y universal, íntima y pública.

Emin consigue crear un discurso persuasivo sobre afectos y deseos que lleva al espectador con sus anhelos hacia un mundo de arte, que se basa precisamente en este aspecto político

TRACEY EMIN

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Helter Fucking Skelter, 2001 Appliqué blauket.

La obra sugiere que necesitaba expresar sus sentimientos, sus propios problemas.

Emin puede estar sintiendo rabia, odio, rencor e ira debido a su vida desenfrenada.

Quizás piense que la vida ha sido cruel con ella y lo expresa de forma muy clara en todas sus obras.

La obra está en una pared; sus colores son variados y mal combinados. Predominan el negro y blanco.

La obra transmite pesimismo por medio de los mensajes hallados en ella. Son una crítica a la sociedad.

BIBLIOGRAFÍA:

BOLLMANN, Stefan: Las mujeres, que leen, son peligrosas, Maeva, 2006

CABIECES, V. GONZÁLEZ, E., RUBIO, E. HERNÁNDEZ, T.: María Blanchard y otras mujeres artistas, Consejería de Educación de Cantabria, 2005

COMBALÍA, Victoria: Amazonas con pincel, Destino, 2006.

DELAUNAY, R. i S.: Catálogo de la exposición organizada con el Museo de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, Ayuntamiento de Barcelona, 2001

NÉRET, Gilles: Lempicka, Taschen, 2001

GENIOS DEL ARTE: Frida Kahlo, Susaeta, 2004

VARIOS: Women Artists. Mujeres artistas de los siglos XX y XXI, Taschen GmbH, 2001

VARIOS: Women Artists. Mujeres artistas de los siglos XX y XXI, Taschen GmbH, 2003

Muchacho leyendo

María Blanchard