Nonino Natalia Belén
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0 Lic. en Diseño CCC Nonino Natalia Belén 0099010 Investigación Medios y estrategias de comunicación 16/09/2021 La primera mirada El rol del diseño gráfico y la ilustración en las tapas de los libros
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Lic. en Diseño CCC
Nonino Natalia Belén
0099010
Investigación
Medios y estrategias de comunicación
16/09/2021
La primera mirada
El rol del diseño gráfico y la ilustración en
las tapas de los libros
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Índice Introducción.........................................................................................................................2 Capítulo 1: Los libros y la industria del diseño gráfico ............................................. 11 1.1. La historia de los libros y sus reproducciones previos a la imprenta ........................ 11 1.2. La imprenta y los cambios en los libros .................................................................... 17 1.3. Nuevas tecnologías para la reproducción e impresión ............................................. 25 Capítulo 2: El protagonismo del diseño gráfico editorial .......................................... 28
2.1. La función y el rol del diseño editorial .............................................................................. 28 2.2. Los elementos compositores de un libro .................................................................. 31 2.2.1 Las tapas ........................................................................................................... 31 2.2.2 El lomo .............................................................................................................. 33
2.2.3 Las sobrecubiertas .................................................................................... 33
2.2.4 El interior ........................................................................................................... 34 2.3. Los elementos rectores y participativos del diseño editorial .................................... 36 2.3.1 La letra y el color ............................................................................................... 36 2.3.2 La grilla .............................................................................................................. 39 2.3.3 Los blancos ........................................................................................................ 41 Capítulo 3: La ilustración, como complemento al diseño 43
3.1. El rol de la ilustración en los libros ............................................................................ 43 3.2.. Las primeras apariciones de las ilustraciones en los libros y sus métodos de reproducción .................................................................................................................... 49 3.3. Las herramientas de los ilustradores y los distintos estilos comunicativos de las ilustraciones ................................................................................................................ 55 Capítulo 4: Los cambios de las tapas ........................................................................... 59 4.1. Recolección y delimitación de los libros a trabajar ................................................... 59 4.2. Descripción de las tapas y coberturas de los libros .................................................. 63 4.3. Comparación de los elementos participativos en las tapas de los libros seleccionados .................................................................................................................. 68 Capítulo 5: Análisis del rol del diseñador gráfico en la actualidad .......................... 76 5.1. Las profesiones en el diseño de tapas ..................................................................... 78 5.2. La ilustración en las tapas ........................................................................................ 84 5.3. El mensaje comunicativo .......................................................................................... 88 Conclusiones ................................................................................................................ 92 Listas de referencia bibliográfica ................................................................................ 97
Bibliografía .................................................................................................................... 98
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Introducción
El tema de este Proyecto de Graduación es el análisis del cambio del rol del diseño
gráfico y la ilustración en las tapas de libros del género ficción en la última década, se
inscribe dentro de la categoría de investigación y de la línea temática de medios y
estrategias de comunicación.
Este tema surgió a partir de la observación del mercado de libros, particularmente
aquellos pertenecientes al género de ficción. Desde el comienzo del aislamiento en
Marzo del 2020, los libros consumidos, tantos físicos como electrónicos se encontraron
en un estado de auge debido al tiempo que las personas pueden dedicar a leerlos. Sin
embargo, se puede observar un cambio impactante años antes de que la pandemia
comience en los elementos utilizados en el diseño de las tapas de los libros. La
investigadora observó que con el pasar de los años en la última década los recursos del
diseño y de la ilustración presentes en las tapas de los libros han cambiado lentamente.
Paulatinamente se ha notado una adición en los distintos elementos que se utilizan en el
diseño de tapas, así como una modificación en la forma en que los elementos
participativos de las tapas se relacionan entre sí. Este cambio implica una evolución en la
manera de diseñar dicha parte de los libros, por ende, se observa una oportunidad de
investigación acerca del rol que los diseñadores e ilustradores cumplen al diseñar tapas y
coberturas para los libros del género ficción.
Este tema se vincula con la carrera porque el diseño editorial, en especial de tapas y
coberturas de libros y revistas entre otros, es una rama muy enseñada del diseño y es un
mercado que no decayó con los años, sino que evolucionó y cambió con las nuevas
tecnologías y técnicas desarrolladas para su diseño, por ende se deben entender los
cambios y la evolución que las nuevas tecnologías tienen sobre las profesiones, además
de comprender el cambio y la transformación que cada disciplina sufre con el transcurso
del tiempo. La pertinencia del tema está dada a partir de que lo que se busca lograr es un
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análisis e investigación aplicada al campo del diseño gráfico editorial. Tiene como
finalidad definir y buscar comprender con más detalle la función y el rol del diseñador en
la industria, además se busca entender la relación que el diseño gráfico tiene con otras
profesiones en el diseño de tapas de libros. Asimismo es relevante porque busca
establecer precedencias y consecuencias a la integración de particularmente la
ilustración en las tapas de libros, se busca definir de qué manera la comunicación y el
diseño son impactados por la adición de la ilustración a los elementos presentes en tapas
y cómo esta adición se ha modificado en la última década y de que manera cambió la
relación entre ambas disciplinas. A su vez beneficia a los profesionales debido a que
permite una mayor claridad en la comprensión de las tareas y los objetivos que se
deberán cumplir y hacia los cuales debe llegar todo profesional diseñador de libros.
Desde lo académico permitirá una mayor claridad en las herramientas que se les deben
otorgar a los estudiantes para generar profesionales propiamente formados en el ámbito
al que desean integrarse, mientras que a los profesionales ya formados en el área se les
proporcionará una mayor comprensión del rol que estos deben cumplir al momento de
desarrollar su trabajo. El proyecto de graduación se contextualiza en la Ciudad Autónoma
de Buenos Aires en la actualidad.
Para la conformación del Planteo del problema se parte del supuesto de la investigación
que consiste en el cambio del rol y del papel que juega el diseñador en el diseño de las
tapas y coberturas de los libros del género de ficción y la adición de la ilustración a la
comunicación de un mensaje. En tanto para establecer el núcleo del problema, se
considera que la adición de la ilustración y las nuevas tecnologías desarrolladas a partir
de la aparición de la imprenta afectan la manera en la que se debe vender y comunicar
en las tapas de los libros físicos del género de ficción. Aumentando el valor de ellos para
llamar aún más la atención, generando productos bellos, estéticos, con alto impacto y
comunicativos que generen un valor agregado y un interés en los compradores; esto
traería como consecuencia una nueva manera en la cual el diseñador convive con el
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ilustrador dentro de la creación y del diseño de tapas, relación que la presente
investigación busca explorar y comprender en detalle.
A partir de esto se infiere que la pregunta problema es ¿De qué manera cambió la forma
en que el diseño gráfico y la ilustración se presentan en las tapas de libros?
Por lo tanto, el objetivo general es Analizar el cambio del rol del diseño gráfico y de la
ilustración en las tapas de libros del género ficción en la última década.
Asimismo, los objetivos específicos son: Indagar acerca de la industria de los libros, la
opinión social que se tenía de ellos en distintas épocas de su historia y el impacto que la
imprenta y las nuevas tecnologías de reproducción tuvieron en los libros y las
herramientas de los diseñadores. En segundo lugar se procura explicar la función y
aporte del diseño gráfico y editorial en los libros, comprender los distintos elementos que
el profesional debe diseñar a la hora de generar una pieza así como las variadas
herramientas que posee para trabajarlo. En tercer lugar la investigación describe el rol de
la ilustración, el aporte que genera a la comunicación y la trayectoria de su aparición en
las tapas de los libros. En cuarto lugar se identifica, en los libros seleccionados, los
distintos elementos presentes en las tapas de los libros, compararlos entre sí para
generar una clara diferenciación y una trayectoria de los variados cambios.
Para dar cuenta del estado de la cuestión se realiza un relevamiento de antecedentes
entre los Proyectos de Graduación (PG) de los alumnos y artículos de publicaciones de la
Facultad de Diseño y Comunicación, de la Universidad de Palermo.
Allen, M. (2015). El diseñador editorial como significador estético de una obra literaria, La
conformación del mensaje del libro. Proyecto de graduación. Tiene como objetivo mostrar
como a través del diseño gráfico el significado de un libro puede variar. Se vincula con
este trabajo ya que se investigará de qué manera el diseño, sumado a la ilustración
genera un mensaje en conjunto.
Argüelles, V. (2019). La esencia del diseño editorial, la resignificación de los elementos
gráficos en la revista digital. Proyecto de graduación. Tiene como objetivo analizar cómo
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se manejan los distintos elementos gráficos (tipografías, imágenes, color, misceláneas,
blancos y grilla) en las revistas de moda analógicas y digitales. Se vincula con este
trabajo porque analiza los elementos gráficos que participan en una puesta en página.
Candelarezi, A. (2015). Ilustrar el mensaje, Caperucita y la ilustración publicitaria.
Proyecto de graduación. Tiene como objetivo la creación de una herramienta que sirva
como catálogo personal y de exploración de las relaciones entre la ilustración, el público
objetivo y el mensaje. Se relaciona con mi trabajo ya que se intenta explorar la relación
entre el diseño gráfico y la ilustración como disciplinas que trabajan en conjunto.
Candelarezi, B. (2019). El libro ilustrado para adultos, Rediseño de Historia de Cronopios
y de Famas. Proyecto de graduación. Tiene como objetivo analizar de la historia de las
publicaciones ilustradas y la relación entre texto e imagen. Tiene relación con mi trabajo
ya que se analizará también la historia tanto del diseño editorial como de la ilustración,
buscando puntos en común y sus principales diferencias.
Haddad Pérez, N. (2011). La ilustración como recurso creativo. Proyecto de graduación.
Tiene como objetivo plantear la importancia de la utilización de la ilustración como
recurso creativo. Se vincula con este trabajo ya que analiza el rol y la función que ha
tenido la ilustración desde su historia.
Kusnier, C. (2019). La evolución del diseño editorial mediante las nuevas tecnologías en
la comunicación social y publicitaria. Proyecto de Graduación. Tiene como objetivo
entender de qué forma están dados los avances tecnológicos que influyen en el
desarrollo del diseño editorial como se implementa el mismo a través de la comunicación
digital. Se vincula a este trabajo ya que desde la aparición y crecimiento en la popularidad
de los libros electrónicos, la industria de libros físicos cambió y ese cambio afecta al rol
del diseñador dentro de la industria.
Monteiro, P. (2016). Ilustración en Diseño Editorial, La imagen como ampliadora de
significado. Proyecto de graduación. Tiene como objetivo comprender el uso de la
ilustración en el diseño de la pieza comunicacional como un todo. Se vincula con este
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trabajo porque al tratar de analizar a las tapas de los libros como piezas de
comunicación.
Raggetti, Carolina P. (2019). El diseño editorial en libros con ilustraciones, Elementos
distintivos para el público infantil y adulto. Proyecto de graduación. Tiene como objetivo
desarrollar las diferencias de diseño editorial y de ilustración, en los libros con
ilustraciones, que se dirigen a dos públicos distintos; el adulto y el infantil. Se vincula con
este trabajo ya que se trabajarían las diferencias entre el diseño y la ilustración así como
sus similitudes pero aplicado solo a las tapas de los libros del género de ficción.
Rodríguez Saavedra, M. (2017). El poder del diseño editorial, Rediseño de libro Cuentos
de amor de locuras y de muerte. Proyecto de graduación. Tiene por objetivo rediseñar el
libro de Horacio Quiroga para que pueda adquirir una nueva identidad. Se vincula con
este trabajo ya que tratamos sobre las identidades y lo que comunican los libros, más
específicamente sus tapas y coberturas.
Valeiras, E. (2019). Realidad de revistas 3.0. Proyecto de graduación. Tiene como
objetivo analizar las condiciones que hay que tener para armar una revista interactiva, se
descubrirá el origen y significado que tiene el papel en la sociedad, se descifrará cuál es
el rol de los diseñadores en el mundo editorial y se indagarán las conductas de los
individuos en el momento de elegir piezas editoriales. Se vincula con mi trabajo ya que
específica e indaga acerca del rol del diseñador editorial dentro de las revistas y el
comportamiento de las personas al comprar.
De la lectura de los textos se pueden apreciar algunos conceptos de gran importancia
que van a orientar el sentido general del trabajo y van a conformar el marco teórico.
En el capítulo 1 se desarrollará la temática de los libros y su industria, focalizándose
inicialmente en una breve trayectoria por distintos puntos de la historia de los libros,
incluyendo sus antecedentes y los puntos de vista que la sociedad tenían sobre el objeto
hasta el momento. Además se procura detallar los avances tecnológicos que nacieran a
partir de la llegada de la imprenta, las herramientas y facilidades que estos le otorgan a
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los diseñadores para realizar sus objetivos y tareas, y por sobretodo se busca indagar
acerca del impacto que la imprenta desarrolló en el diseño gráfico y la producción de
libros, detallando los nuevos procesos y técnicas que estas nuevas máquinas para
imprimir han dejado a disposición de los diseñadores e ilustradores.
Para detallar estos temas se trabajará con el autor Gertrude Burford Rawlings quién
detalla acerca de la historia de los libros y la mirada de la sociedad en torno a ellos. El
autor Philips Meggs junto Harris y Ambrose fueron quienes describen mejor la
problemática general porque nos dan contexto sobre la imprenta. Además del autor Hugo
Santarsiero quién informa acerca de las nuevas tecnologías, maquinarias y métodos de
impresión existentes hasta la actualidad.
En el capítulo 2, por otro lado se desarrollará la temática del diseño gráfico editorial. Se
procura desarrollar el rol del diseño gráfico editorial, definiendo las funciones que este
debe cumplir y los objetivos que definen a la profesión. Se buscara también resaltar la
importancia de cumplir dichas funciones y objetivos correctamente. Así mismo se busca
describir detalladamente las distintas partes de los libros, explicando a profundidad los
distintos componentes que en su sumatoria generan al objeto de estudio, demostrando
especial detalle y análisis en aquellas partes que forman las tapas y coberturas de los
libros, formando así el objeto de la investigación. Se tomarán los avances tecnológicos
que mejoraron y evolucionaron al diseño gráfico, para definir cuáles son las herramientas
que posee el diseño editorial para la creación de estas piezas.
Para tratar todos estos temas se utilizarán las ideas del autor de Buen, Jorge que sirven
para describir mejor la problemática general porque en su libro se detalla sobre todos los
elementos que el diseño gráfico editorial tiene a su disposición. Detallando maneras de
uso y características así como los efectos que genera en el público, espectador y
consumidor. Zappaterra, otro autor utilizado para el desarrollo del capítulo dos destaca
las distintas funciones del diseño editorial, proporcionando información de la disciplina y
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profesión, generando una mejor comprensión de las tareas que los diseñadores cumplen
en el desarrollo de su trabajo.
En el capítulo 3 se desarrollará la temática de la ilustración, se procura desarrollar a
profundidad los objetivos que tiene como profesión, resaltando las diferencias existentes
con el diseño, explicando las funciones específicas y los objetivos que todo ilustrador
debe cumplir con sus creaciones. Además en el desarrollo de este capítulo se busca
marcar el rol de la ilustración en los libros y el cambio que este tuvo a lo largo de la
historia según los cambios en la tecnología que afectaron al diseño. Particularmente, la
ilustración se vio afectada por los cambios en las impresiones y la reproducción de piezas
en forma masiva, se procura observar la manera en la que dichas tecnologías permiten
un desarrollo importante en la ilustración y la manera en la que los profesionales se
adaptaron a los cambios tecnológicos. Para comprender el rol de la ilustración en los
libros se recurre al autor Joseph Penell, quien elabora acerca de variados aspectos de la
ilustración, entre los cuales destaca su objetivo desde variados puntos de vista así como
variados medios que los ilustradores tienen a su disposición. Lawrence Zeegen, otro
autor utilizado para desarrollar este capítulo detalla a lo largo de una serie de libros
información acerca de las distintas técnicas que los ilustradores tienen a su disposición,
destacando la manera en la que cada técnica comunica distintos mensajes. Además el
autor detalla también acerca del uso de distintos medios y soportes para las ilustraciones
y las consecuencias que estos traen en la transición del mensaje. Finalmente, en el
desarrollo de este capítulo se trata acerca del uso de la ilustración como complemento al
diseño.
En el capítulo 4 se desarrollará la corroboración empírica de la propuesta mediante la
aplicación de técnicas de investigación. Se comenzará con la realización de una serie de
análisis y observaciones de las distintas tapas y de las coberturas de los libros
seleccionados a trabajar. De esto libros se procura generar una serie de observaciones
de los participativos en cada tapa, se genera la distinción de como los elementos se
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comportan en las distintas tapas, buscando destacar las distintas relaciones que los
elementos poseen, analizando el impacto que la tapa tiene en su totalidad y la facilidad
de lectura que estas muestran. Además se realizarán comparaciones entre los elementos
pertinentes desde el punto de vista comunicativo y desde el mensaje que buscan
transmitir en cada tapa.
En el capítulo 5 se definirá si realmente se puede observar un cambio en la función y el
rol de las disciplinas mencionadas anteriormente. Se definirán las tendencias del diseño,
es decir que elementos se encuentran en común a lo largo de todas las tapas y se
definirá si hay procesos específicos o métodos de impresión específicos que se repiten
en ellos. Y por sobretodo, se confirmará si se han percibido cambios en las disciplinas del
diseño y de la ilustración de las tapas de los libros del género ficción en la última década,
procurando generar la trayectoria que el diseño de tapas ha transcurrido en los últimos 10
años.
Para resolver la problemática y desarrollar la propuesta se recurre a una metodología que
consta de diferentes técnicas exploratorias: relevamiento de bibliografía especializada,
una serie de observaciones a cada tapa seleccionada para trabajar y se aplica una
encuesta a modo de trabajo de campo para comprobar empíricamente la percepción de
la sociedad de los cambios observados en las tapas. También se aplican técnicas
descriptivas: registro, análisis e interpretación de datos obtenidos en la investigación y
comparaciones de todos los datos recolectados.
En este último tramo de la introducción al proyecto de graduación, y antes de profundizar
en el trabajo, es necesario destacar que el autor considera que el texto realiza un
destacado aporte al conocimiento de esta disciplina porque contempla el cambio y la
diferente manera en la que el diseño gráfico utiliza sus herramientas para el desarrollo de
tapas impactantes y de directa comunicación analizando las tendencias del diseño
actuales de tapas específicas al género de ficción. Se comprende por medio de la
investigación la forma en la que el diseño convive con otras profesiones que se
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desarrollan con ella, específicamente la ilustración. De esta manera la presente
investigación aporta el conocimiento la comprensión de la correcta manera de diseñar
tapas de libros siguiendo las tendencias actuales del mercado, destacando a estudiantes
y profesionales que desarrollan la profesión una mayor comprensión de la manera de
desarrollar sus actividades.
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Capítulo 1: Los libros y la industria del diseño gráfico
A lo largo de este primer capítulo, se busca realizar una primera aproximación e indagar
acerca de uno de los elementos sobre los que se tratarán en esta investigación, los libros,
más explícitamente sus tapas y coberturas. En este primer acercamiento se busca
comprender y realizar un recorrido a través de la historia de los libros, desde sus
primeras apariciones. Se buscará generar un hincapié especial en la posición que los
libros poseen en la sociedad, detallando la posición que tienen estos objetos para los
dueños y la percepción que se posee en general acerca de ellos.
Junto a los libros también se definirán hechos impactantes en la historia de la imprenta,
específicamente se detallarán y enumerarán aquellos cambios en los métodos de
impresión que afectaron a la producción de libros o afectaron a alguna de las dos
disciplinas con las que se trabajará. Específicamente se indagará acerca de las nuevas
tecnologías que fueron desarrolladas, entre ellas los nuevos métodos de impresión, las
nuevas máquinas inventadas y también se detallarán los distintos métodos de impresión
que se pueden encontrar hoy en día a disponibilidad de los diseñadores y los efectos que
estos generan sobre los productos.
1.1. La historia de los libros y sus reproducciones previos a la imprenta
En este primer apartado se busca definir la historia de los libros. Se procura generar un
rápido y superficial listado y trayectoria por las distintas épocas de la historia,
mencionando la existencia y las particularidades de los libros y su percepción social en
los distintos periodos de la historia.
Para hacer esto, la autora recurrirá a Gertrude Burford Rawlings, quién en su libro The
Story of Books o La historia de los libros, escrito en 2010, plantea una línea de tiempo,
explicando características de cómo cada periodo en la historia trata a los libros y la
mirada social que se tiene sobre ellos.
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Comenzando en la Roma y Grecia literaria, Rawlings explica cómo de la poca
información que existe de la época se puede concluir que los libros estaban separados
del ámbito comercial y Rawlings detalla lo siguiente:
En esos días, cuando un autor deseaba hacer conocido su trabajo, lo leería en voz alta a un grupo de amigos invitados (…) Luego, estas conferencias privadas se transformaron en conferencias públicas. Este tipo de conferencias se volvieron muy frecuentes en Roma, y nos dicen que era visto como un tipo de festival cuando un autor anunciaba una conferencia (Rawlings , 2010, p. 22)
La primera impresión dejada por la autora citada, detalla la mirada que la sociedad
poseía acerca de los libros y de la escritura en esta época. Al considerar a los libros
como un medio de entretenimiento por sobretodo se separa al objeto del plano del
comercio y de lo lucrativo. Además en este periodo solamente aquellos en posiciones
altas de la pirámide social, es decir aquellos que pertenecían a las clases altas, y solo
aquellos con riquezas eran quienes podían acceder a la educación suficiente para
aprender a leer y mucho más dificultoso era aprender a escribir. De esta manera cada
libro escrito, anunciado, y publicado era motivo para celebrar.
Los ejemplares de libros de esta época eran pocos y muy limitados, debido a la falta de
maneras de reproducir las distintas obras literarias y los distintos manuscritos, cada libro
y cada ejemplar era una muestra de poder adquisitivo. Los libros, por ende eran
considerados un objeto de lujo que solo aquellos seres más educados podían acceder y
disfrutar.
En la era medieval, sin embargo, se puede observar una sutil diferencia en la opinión que
se tenía socialmente de los libros ya que estos eran tratados con una importancia e
impacto distinto al periodo anterior. En esta época, se estudiaba la ornamentación de las
letras y de las hojas, dando especial importancia a las letras capitales del inicio de los
párrafos, capítulos y libros para generar manuscritos bellos. Priorizando la belleza y la
estética de dichas letras y caligrafía por sobre la legibilidad.
Rawlings (2010) detalla que dada la rareza con la que se generaban los libros o los
manuscritos, estos eran apreciados con un trato casi sagrado y venerados. En su etapa
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de creación, se detalla con especial cuidado la ornamentación de las páginas y de la
caligrafía. Debido a este trato que recibían, socialmente se percibía a la creación de un
manuscrito con una responsabilidad única de generar un buen libro, con un contenido
relevante e importante, y además era el deber del creador hacerlo estéticamente
hermoso y un objeto comparable a una obra de arte.
En este periodo podemos observar que la ornamentación y el detalle de las páginas y de
las letras eran casi más importantes que el contenido mismo. Esta ornamentación es una
forma casi primitiva del diseño, una de las primeras formas de ilustración aplicadas a
manuscritos. La implementación de ornamentaciones hechas manualmente por los
mismos escritores formó la base que dio lugar a la aplicación de ilustraciones en los libros
que se pueden observar a partir de esta época.
Por otro lado, cabe destacar que estas ornamentaciones que se encontraban en todo
libro y manuscrito de la época, determinan las influencias que los distintos pueblos y
ciudades tenían. Rawlings (2010) detalla que la costumbre de adornar los libros con
múltiples dibujos deriva de los egipcios por los griegos y de los griegos por los romanos.
Sin embargo, esta influencia no es la única que se podía observar. En Irlanda se
descubrieron manuscritos que datan del siglo VII en adelante en los cuales se pueden
percibir y apreciar ornamentaciones de origen celta, aún sin saber específicamente donde
nació el arte.
De esta manera, distintas culturas y sociedades ornamentan sus manuscritos y sus libros
de maneras únicas y pertenecientes a sus raíces, permitiendo así una clara distinción
entre los distintos libros, las distintas sociedades y sus raíces.
Así mismo, en esta época se comienza también a catalogar los distintos manuscritos,
separándolos según el año de creación o preproducción, según su lugar de creación y
publicación. De esta manera se crean los primeros establecimientos que en el futuro
serán llamados librerías.
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Además, al catalogar los libros en lugares designados específicamente para la
preservación de dichos objetos, se procura preservar sus características únicas y
diferenciales, permitiendo de esta manera generar una distinción y a su vez un recorrido
entre las distintas regiones de las cuales dichos libros provienen y los distintos autores
que los crearon. Al mismo tiempo se permite preservar los libros de las distintas
condiciones climáticas, entre otros efectos dañinos. Protegiendo a los manuscritos de
todo causa que podría degradar su integridad, preservando de esta manera el valor
cultural y social que cada libro y cada manuscrito ha ofrecido a través de la historia y
preservándolos para las futuras generaciones.
Se puede observar hasta ese momento que toda producción de libros y manuscritos así
como la reproducción de los mismos constaba principal y masivamente en la copia y
replica de libros, manuscritos y panfletos de servicios religiosos como biblias y sermones.
Las iglesias y los monasterios constaban con cuartos de lectura y con cuartos de
escritura dentro de sus instalaciones. Es decir que dentro de estas instituciones existían
habitaciones y cuartos específicos cuyo único propósito y destino estaba dedicado a la
copia y reproducción de dichos manuscritos y libros religiosos.
En estas habitaciones, monjes y eclesiásticos se formaban principalmente como padres y
cumplían con sus roles evangélicos, sin embargo una gran cantidad de dicho personal
seleccionaba como carrera o trabajo secundaria dentro de la institución religiosa la de
escritores, quienes eran luego destinados a la reproducción de toda biblia, salterio, libros
de servicios, patrísticas, entre otras.
Cabe destacar también que dentro de estos manuscritos y en estas formas de
reproducción manual se puede percibir y encontrar los primeros usos y apariciones de
tintas de colores especiales. Particularmente en esta época se puede apreciar el uso de
tintas doradas, plateadas y cobres particularmente presentes en los manuscritos
religiosos. Este uso de tintas especiales era característico de la cultura continental y se
han esparcido a otras culturas con el pasar del tiempo. De esta manera Rawlings (2010)
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explica en sus publicaciones que a estos manuscritos se les coloca un valor agregado,
dando una extravagancia y una distinción a los libros y a los manuscritos en los cuales
estas tintas eran utilizadas.
Sin embargo, según Rawlings (2010) los monasterios no eran lugares solo dedicados a la
reproducción de libros religiosos, sino que también recompilaban historias de la cultura,
personas de importancia, bellos ejemplares de artes también eran replicados con
especial detalle en estas habitaciones e instituciones. Además de escribir y reproducir
libros, en estos edificios se organizaban momentos dedicados a la lecturas de todo tipo
de textos, desde libros religiosos hasta cuentos clásicos a modo de educación cultural
general. Esta acción era promovida aún más dependiendo de quién estuviera al poder ya
que ciertos reyes insistían con la lectura seguida y la educación del ciudadano promedio.
De esta manera, se pueden apreciar las primeras propagaciones de los libros. El
contenido de los mismos comienza a ser parte de la población promedia. Se comienza a
estandarizar un nivel básico de aprendizaje y conocimiento del ciudadano promedio.
Ciertas instituciones inclusive permitían el prestado de sus libros a la población, similar a
un sistema de renta de la actualidad.
En esta época, los editores y aún más importante las empresas editoriales tales como las
conocemos en la actualidad no existían. Por ende, los mismos vendedores, lectores y
publicadores tendían a ser también los escritores. De esta manera se generaba una
multiplicidad de tareas que realizaba una misma persona. Por un lado, típicamente quién
escribía era quien publicaba su propio libro y al mismo tiempo buscaba activamente
generar todas las posibilidades de venta. Por otro lado, también se encontraba con
facilidad a aquellos vendedores que empleaban escritores para poder comerciar los libros
o mínimamente verificar y corroborar la calidad de los materiales de escritura que
vendían.
Si bien la mayoría de las reproducciones se realizaban en los monasterios mencionados
anteriormente, Rawlings (2010) identifica la existencia de distintas sociedad y diferentes
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grupos de escritores profesionales que comienzan a formarse, siguiendo la profesión
desde tempranos tiempos. Estos eran empleados por los monasterios para ayudar en la
transcripción, reproducción y en la restauración de libros, además de por abogados para
quienes escribían los documentos legales. Al mismo tiempo, estas sociedades comienzan
a encargarse de las versiones tempranas de lo que hoy en día son derechos de autores.
Se comienza a generar un cuidado por la propiedad intelectual, y socialmente se busca
cuidar a los autores. Este cuidado se realiza al reportar copias falsas de los libros y por
las medidas que socialmente se toman para castigar eso.
En esta época medieval también se pueden encontrar las primeras apariciones de
librerías, ya no eran solo los coleccionistas o las iglesias quienes recopilaban manuscritos
sino que comienza la aparición de edificios enteros destinados al cuidado y a la colección
de manuscritos, libros y publicaciones de todo tipo. Sin embargo, debido a la dificultad
que mostraba escribir y sobretodo reproducir los libros y al tiempo debido a la importancia
que se le dedicaba, en la época, a generar un libro de alta calidad que merezca ser
publicado, reproducido y vendido en el mercado no existían muchas publicaciones.
Rawlings (2010) explica que algunos autores pasaban más de la mitad de su vida
dedicándose a la escritura de un solo manuscrito o libro.
De esta manera, se puede comprender que a los libros se les otorgaba en la sociedad
una posición de suma importancia, destacando así que estos objetos pertenecían a la
clase alta y cuya compra y cuidado era la principal prioridad de aquellas personas e
instituciones que podían costear tal compra.
Así mismo se puede concluir que desde el inicio de la historia las distintas sociedades
han considerado a los libros como objetos pertenecientes a los intelectuales, a aquellos
con alto nivel adquisitivo así como objetos de representación cultural, por los cuales se
representan los ancestros arquitectónicos, ilustrativos y aquellas raíces de las distintas
sociedades.
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Sin embargo, con el pasar del tiempo se estandarizó un cierto nivel de aprendizaje
mínimo que removió el mensaje elitista que se tenía al momento acerca de la posesión
de libros.
1.2. La imprenta y los cambios en los libros. // La historia de la impresión.
La reproducción de libros y manuscritos continuó siendo realizada de manera manual por
profesionales hasta el último siglo de la edad media. La llegada de los primeros métodos
de reproducción industriales han generados cambios irreversibles y han marcado un
antes y un después en la historia de los libros, estos cambios han afectado a todo tipo de
profesiones, desde diseñadores, ilustradores a inclusive reportero y escritores.
En este capítulo se desarrollará detalladamente información acerca de los distintos
avances tecnológicos que ayudaron a generar este cambio histórico. Para la realización
de este capítulo se recurre al autor llamado Hugo Santarsiero, quién en su libro llamado
La producción gráfica detalla aquellos antecedentes históricos a los sistemas de
impresión que conocemos en la actualidad así como los cambios que estas nuevas
tecnologías generaron para la sociedad y para la impresión.
“Hay Información que hace mil años a.C. , los chinos producían un sistema de impresión,
que consistía en tallar en relieve un taco de madera (…) que luego de entintadas (…) se
presionaban sobre papel” (Santarsiero, 2008, p. 14). Estos sistemas de reproducción
puesto en práctica inicialmente en los países orientales, formaron la base de los sistemas
de impresiones que se asentarán en el occidente y serán la base de todos los avances
tecnológicos en la imprenta desde entonces.
En estas épocas, al mismo tiempo se comenzaba a utilizar un método de impresión
llamado xilográfico
Que constaba en escribir con una pluma sobre una hoja y estando aún la tinta fresca, se presionaba a ésta sobre la madera, calcando los dibujos o textos del revés. Se procedía luego al tallado en relieve, para finalmente imprimir quedando la lectura nuevamente al derecho. (Santarsiero, 2008, p. 14)
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Es decir que las bases de la mayoría de los sistemas de impresión se basan en dejar en
un grabado en relieve lo que será entintado y por ende lo que será impreso. Distintas
variantes de los métodos mencionados surgen a lo largo de la historia, según los distintos
avances tecnológicos disponibles. Sin embargo, se menciona la xilografía en primer lugar
ya que ella da lugar al invento de los Tipos Móviles hecho por Gutenberg.
Juan Gutenberg, de origen alemán inventa un sistema, basado en la xilografía de Tipos
Móviles para la impresión. Según Hurgo Santarsiero, el sistema de tipos móviles es “un
sistema de caracteres móviles que permitía trabajarlos por separado” (Santarsiero, 2008,
p.17)
En sus inicios orientales los tallados se realizaban en una sola pieza de madera donde se
generaba un tallado por hoja a imprimir, es decir que para la correcta impresión de un
libro de 25 páginas o de 50 carillas en las cuales todas tengan texto se generaban al 50
tallados en relieve del texto, una correspondiente a cada carilla a imprimir.
A partir de este sistema antiguo y oriental, Gutenberg crea sus propios tallados. Estos
tipos móviles eran creados con madera, donde individualmente se tallaba en un espacio
definido cada letra y cada símbolo del abecedario, por medio de un grabado individual
que genera un tipo móvil por letra o símbolo a utilizar en la impresión. Luego, estos
tallados son agrupados para formar palabras, oraciones y párrafos. Sin embargo, debido
al material con el cual eran hechos, estos tipos móviles de madera presentaban un
problema con su prolongado uso. Esto es que debido a las propiedades de la madera,
que luego de prolongada presión perdían el relieve del grabado realizada en las piezas,
dejándolos inútiles para cualquier otro uso.
Debido a esto, Gutemberg diseñó un sistema que replicaba al de madera, pero creado de
una mezcla de metales, generando así el primer set de tipo móviles metálicos. Utilizando
una aleación de plomo y estaño, se consigue obtener y utilizar el mismo sistema de
grabado en relieve utilizado con madera pero con mayor duración de cada tipo móvil.
Esta materialidad metálica de los nuevos tipos móviles consiguen anular la debilidad
19
presente en los tipos móviles de madera, es decir que con su repetido uso no muestran
pérdida del relieve tallado inicialmente Este sistema de tipo móviles metálicos fue puesto
en uso a partir del año 1450.
En 1456 se imprime por primera vez con los tipos móviles metálicos un ejemplar de la
biblia de cuarenta y dos líneas. A partir de ese entonces, el sistema de tipos móviles fue
regularmente implementado para la impresión de todo tipo de piezas y han afectado la
manera en la que distintas industrias .
Sin embargo, Santarsiero (2008) destaca que Gutemberg no fue la persona quién inventó
la imprenta pero si fue quién le dio renombre mundialmente y quién fue responsable por
la difusión al procedimiento que revolucionó la manera en la que se replicaban los textos
y se imprimía hasta entonces.
Este conjunto de formas de imprimir forma parte de un sistema de impresión que
actualmente es llamado tipográfico y que a pesar del tiempo que tiene desde su creación
y de los avances tecnológicos que existen sigue en uso. En la actualidad imprimir con las
máquinas y las técnicas antiguas es utilizado como un método específico de
comunicación por los efectos que estos sistemas dejan en los soportes en los cuales
imprimen.
De hecho, Santarsiero (2008) detalla que luego de la creación e instalación de la
impresión por tipos móviles metálicos y en base de la implementación de los tipos
móviles se creó una máquina impresora que automatiza una parte del proceso manual
del trabajo con este sistema de impresión.
Así mismo Santarsiero (2008) menciona la existencia de otro antecedente a los sistemas
de impresión actuales al cuál se debe mencionar junto al invento de Gutemberg, y el
primero de estos es el de la impresión por medio de la serigrafía.
Este es un sistema antiguo que se destaca en su uso antiguo para la decoración de telas
y porcelanas, entre otros, por medio de la implementación de matrices recortadas. Este
sistema funciona a partir de sus distintas matrices, por las cuales cada tinta de color es
20
pasada por su respectiva matriz, que tendrá en ella recortada la zona que deberá ser
entintada, e impresa en el soporte.
Por ende, para generar impresiones con más de una tinta cada una de estas deberá
tener su respectiva matriz creada. Variaciones de este sistema existen en la actualidad,
reemplazando las matrices de telas por variados materiales y el método por el cuál son
empleados, sin embargo la esencia y los orígenes del sistema de impresión se
mantienen.
Cabe destacar también que a raíz de la creación de Gutenberg y debido a su popularidad
y estandarización dentro de la profesión de la impresión se han generado distintas
herramientas y técnicas que permiten una correcta implementación y utilización de los
tipos móviles. Por ende, en la actualidad para utilizarlos de la manera más efectiva se
requiere la implementación de otros elementos y objetos para una optimización del
tiempo y de distintos recursos. El primero de estas técnicas o elementos a mencionar son
las composiciones de cajas.
Este último Santarsiero (2008) explica que consta en primer lugar con el lugar donde se
almacenarán los tipos móviles mencionados anteriormente. Por cada tipografía, por cada
familia y por cada tamaño se debió crear un sistema de tipos móviles. Es decir que para
una misma familia, se debían crear los distintos tipos móviles de acuerdo a los distintos
cuerpos, generando así colecciones de tipos móviles que representaban los distintos
tamaños que se podrían necesitar en una puesta en página o en una impresión.
En segundo lugar, las composiciones de caja entonces están formadas por las distintas
colecciones y grupo de tipos móviles ordenados en dos categorías, las de caja alta y las
de caja baja. Cada una de estas posee su propio espacio de guardado para mantener el
orden y no mezclar distintas familias en un mismo espacio de guardado. La primer
categoría mencionada está compuesta por los tipos móviles que poseen en su relieve a
las letras mayúsculas. Mientras que la caja baja están compuestas por aquellos tipos
móviles en minúscula.
21
Los componedores de caja, por otro lado, según el autor Santarsiero (2008) forman parte
de la primera herramienta que se necesita para trabajar óptima y correcta. Componer en
caja significa utilizar una caja para acomodar los distintos tipos móviles en las distintas
oraciones. Por ende, la implementación de componer por caja permite ordenar el texto de
una manera precisa, culminando en la impresión de textos en el correcto orden,
alineación y espaciado. Este sistema de caja es utilizado para trabajar con cuerpos hasta
el tamaño 12, ya que los tipos móviles de esos tamaños resultan ser pequeños y es más
dificultoso manipularlos y trabajar con ellos.
A raíz de este sistema de trabajo compositivo en caja, la tecnología desarrolla máquinas
para facilitar y acelerar los distintos tiempos de utilización y producción con ellos. La
composición mecánica linotipo nace a partir de este sistema.
Ottman Mergenthaler, detalla Santarsiero (2008), crea una máquina que obtiene
composiciones llamadas linotipo. Estas toman el concepto base de trabajar con tipos
móviles, pero al mismo tiempo agilizan los métodos de trabajo ya que consta de fundir y
moldear líneas enteras de texto, en lugar de trabajar con las letras individuales.
De esta manera se reutilizan los mismos materiales para las distintas impresiones. Según
Santarsiero (2008) este sistema busca fundir y grabar líneas de texto enteras,
permitiendo su uso único a esa impresión pero reutilizando de manera rápida y eficiente
los bloques y líneas de texto según los distintos pedidos de impresiones. Al fundir el
material utilizado en otra línea de texto vieja se puede imprimir la nueva, evitando el
desperdicio y el degradado de los materiales base de trabajo. Esta nueva tecnología
soporta trabajar con cuerpos que varían desde el 6 hasta el 36, permitiendo así una
mayor versatilidad a la hora de trabajar.
Por otro lado, se encuentra la máquina que imprime por monotipo. Esta es creada a partir
de la del linotipo y se opera de manera similar. Esta nueva tecnología se diferencia con la
mencionada anteriormente ya que permite trabajar con cuerpos de tamaño 14 al 84,
permitiendo una mayor variedad de opciones con las cuales trabajar.
22
Sin embargo, a diferencias de otras máquinas, la monotipo es usada en conjunto con su
predecesor. Integrando distintas máquinas y técnicas para generar un único impreso.
Además Santarsiero detalla en su libro que las operaciones realizadas en el monotipo
son típicamente utilizadas “para títulos y subtítulos que acompañan a los textos de los
linotipos” (Santarsiero, 2008, p. 24).
Todas las técnicas y las tecnologías mencionadas anteriormente dan lugar a nuevos
cambios y nuevas máquinas que son utilizadas en la edad moderna, extendiendo su
periodo de uso inclusive hasta la actualidad. En la historia de la impresión se puede
observar el progreso y la mejora de técnicas pasadas y antiguas que dan lugar a nuevas
formas de trabajo que presentan facilidades en aspectos que sus predecesores no
presentaban.
Estas nuevas tecnologías comienzan con la maquina llamada Minerva, que funciona por
un “sistema de planos contra plano” (Santarisero, 2008, p. 70) y utilizan un movimiento
mecánico, a partir de válvulas que se abren y cierran se permite la manipulación del
papel para la impresión. Al abrirse, al mismo tiempo que el impresor manipula y cambia el
papel a imprimir, unos rodillos pasan la tinta sobre la matriz que posee en relieve lo que
se debe imprimir.
Esta primera máquina utilizada permite imprimir piezas individuales, no es posible
imprimir repetidas piezas al mismo tiempo. Además muestra un efecto en la impresión
particular, si bien en el momento donde se creó fue revolucionario el cambio que implicó
en la imprenta, en la actualidad este modo de impresión sigue siendo utilizado como un
estilo comunicativo específico. La manera en la que las piezas imprentas luces, así como
el efecto de la tinta y del rodillo es percibido en la impresión final, deja un efecto que
según el diseño en el que sea utilizado, permite una oportunidad de comunicación única.
Existe también el método de impresión tipográfico planocilíndrico, Santarsiero (2008)
describe que este sistema consta de un mecanismo en el cuál; una superficie plana
llamada plantina, lleva la forma que contiene el grabado del contenido a imprimir en
23
relieve y se desplaza con un movimiento de ida y vuelta en el cuál en un sentido se
entinta la matriz y en el otro sentido se imprime sobre el papel. Este método de impresión
planocilíndrico es utilizado para impresos de importante tamaño e importante cantidad,
debido a la superficie que permite imprimir y la manera en que puede ser utilizada.
Además de este sistema de impresión tipográfico, consistente de todo lo mencionado
anteriormente, existe el sistema de impresión offset, el cual posee características
similares al tipográfico debido a que los orígenes que ambos comparten son el mismo
concepto. Pero cabe destacar que si bien las raíces son las mismas los sistemas de
impresión en sí presentan variadas utilidades, aplicaciones y formas de uso.
Según el autor mencionado anteriormente, el sistema offset toma por base de concepto la
“incompatibilidad de las tintas grasas y la humedad” (Santarsiero, 2008, p. 71) como su
concepto principal pero este trabaja con delgadas planchas de aluminio que forman parte
del sistema de impresión indirecto, en el cual por medio de distintos cilindros de
impresión la tinta es transportada y espejada tres veces antes de acabar en el papel y
soporte final de manera correcta.
Este sistema tiene como fuerte una gran adaptabilidad a diversas superficies debido al
material del cual el cilindro está compuesto ya que “el cilindro de telagoma o mantilla es
de un caucho flexible de aproximadamente 3mm de espesor y bastante acolchado.”
(Santarsiero, 2008, p.71).
Cabe destacar que este sistema offset presenta la posibilidad de impresión con tintas
especiales, como por ejemplo los dorados o plateados, además de barnizados o lacas
sectorizadas. Esta posibilidad de aplicar acabados especiales en las impresiones es un
beneficio que no se presentan en otros sistemas de impresión ni en otras máquinas.
La generación de piezas finales se obtiene en la actualidad generalmente por una
combinación en la utilización de los distintos sistemas de impresión. Generalmente, en el
presente se combinan típicamente los métodos de impresión tipográficos para generar la
24
base de la pieza y se aplica lo que es coloquialmente denominado como acabado
especial.
Los acabados especiales, es decir los relieves aplicados, las lacas sectorizadas o
barnizados específicos además de tintas especiales son procesos de impresión utilizados
principalmente con fines decorativos que procuran dar una finalización distintiva al
producto final. En la actualidad, estos acabados son utilizados casi regularmente en el
diseño de productos, en la impresión de papelería, tanto empresarial como personal y
está presente también en el diseño de packaging para aportar una distinción frente a
otros productos o impresiones. Además aporta significativamente a la imagen de marca,
logrando así como elevar el status y la percepción que se tiene del producto o de la pieza
impresa. Otro efecto que genera la utilización de los acabados especiales es el de llamar
la atención de los espectadores. Al ser un agregado extra que normalmente no estaría en
las impresiones se captura la atención del espectador de manera rápida, generando un
mayor impacto en él.
Existen distintas categorías y formas de impresión dentro del sistema offset, cada una
con su propia máquina y técnica de aplicación así como un uso específico y un efecto
distinto que genera en la impresión final.
Por un lado, el sistema de offset seco que es un proceso indirecto, al igual que el offset
convencional, se caracteriza por no utilizar el sistema mojador de agua, Santarsiero
explica que “la plancha de polímero es solamente entintada en su relieve” (2008, p. 75)
esto significa que en comparación a otros sistemas de impresión se logra economizar
grandes cantidades de tintas.
Este método de impresión también permite la impresión de piezas y la impresión en
soportes en los cuáles el método convencional de la impresión con agua podría generar
una corrida de tintas, es decir que se borronee la impresión o inclusive podría afectar
negativamente al soporte en el cual se busca imprimir. Este sistema de impresión es
25
típicamente utilizado en la impresión de envases plásticos de alimentos, cosméticas y
productos de consumo.
Por otro lado, Santarsiero (2008) destaca la existencia del sistema de impresión offset en
poliestireno de alto impacto, que tiene por característica principal acorde a las palabras
del autor el acolchado de sus cilindros impresiones, aceptando de esta manera
impresiones sobre superficies rígidas y tolerando altos impactos.
El último tipo de impresión offset que será mencionado es el offset para metales,
generalmente esta impresión es conocida como litografía y es un medio que tiene como
característica la excelente calidad de reproducción. Generalmente se utiliza este sistema
para la impresión de hojalata y aluminio utilizado en latas de todo tipo.
Además, por otro lado existe el sistema de impresión llamado flexografía y
huecograbado. El autor explica que “Este sistema imprime típicamente papeles, tales
como envases para yerba mate, imprime también papel aluminio, tales como las tapas de
yogures, además de cartón, poliéster, celofan, nylon, etc.” (Santarsiero, 2008, p.76).
Sin embargo debido al uso de este sistema de impresión y debido a la limitada utilidad
que tiene para la impresión de libros, no se desarrollará en detalle este sistema ya que no
es usado en el objeto de análisis de esta investigación.
1.3. Nuevas tecnologías para la reproducción e impresión.
Las nuevas máquinas de impresión, así como las nuevas técnicas que se desarrollaron a
partir de ellas, permitieron la generación de técnicas únicas y especiales por las cuales
se habilitó la utilización de variados soportes nuevos a la hora de imprimir, que antes no
eran posibles y, al mismo tiempo se genera un valor agregado a las impresiones y piezas
finales en los cuales se usan.
La impresión en seco, por ejemplo es una de estas nuevas técnicas que surgieron. Según
Santarsiero (2008), esta consta de seguir los mismos pasos de las distintas impresiones
26
pero sin la utilización de tinta, generando de esta manera por medio de la presión un
relieve en el soporte, deformando el papel y generando un relieve del frente del soporte.
Esta forma de impresión y este efecto de relieve son generalmente utilizados en los
logotipos de las tarjetas comerciales. Sin embargo se puede encontrar este efecto en las
coberturas de los libros de tapas duras, en los cuales generalmente se resaltan los títulos
de las obras o los autores según tenga más relevancia comercial. Este relieve generado
por la técnica permite una diferenciación sensorial entre los distintos libros y soportes,
que sirve para atraer y mantener la vista de las personas.
El timbrado es otra técnica que nace a partir de la utilización de nuevas tecnologías. Esta,
así mismo, combina el efecto de impresión en seco con la utilización de tinta, para
obtener una impresión entintada y en relieve. En primer lugar, Santarsiero (2008) destaca
que se imprime la pieza plana con tinta, luego, en una segunda impresión sin tinta se
genera el relieve de los lugares designados, generando un relieve con tinta en los
distintos soportes.
Este método de timbrado no posee la sutileza que presenta la impresión en seco y el
detalle es más visible y llamativo, sin embargo ambos son comúnmente usados en la
impresión de libros, además de papelería empresarial como tarjetas y carpetas.
La termografía, por otro lado “consiste en imprimir utilizando una tinta densa. Cuando la
tinta aún está fresca por la reciente impresión se la espolvorea con una resina plástica en
polvo que se adhiere a las zonas impresas” (Santarsiero, 2008, p. 89). De esta manera,
por medio de calor se funde la resina, generando finalmente un relieve hecho con la
misma tinta. Sin embargo, a diferencia de otras técnicas, cuando la termografía se aplica
a las impresiones el soporte no recibe ninguna deformación ni en el frente ni en su dorso.
El hot stamping, otra de las técnicas que surgen a partir de las nuevas tecnologías,
Santarsiero explica que “consiste en transferir por calor cualquier motivo al papel a partir
de una bobina metalizada y un clisé” (Santarsiero, 2008, p. 89). Es decir, que por medio
de un clisé el cual constantemente es calentado, de esta manera, a través del calor se
27
transfiere la tinta especial de un papel metalizado al soporte final. Cabe destacar que el
hot stamping se distingue de utilizar la tinta por el brillo que tiene. Existen tintas
especiales como los dorados, plateados y cobres sin embargo el hot stamping usa un
proceso distinto al de imprimir con dichas tintas.
Por otro lado, separándose de lo que son los distintos sistemas de impresión existe el uso
de las distintas tintas mencionadas una multitud de veces a lo largo del desarrollo de la
investigación.
28
Cápitulo 2: El diseño gráfico editorial.
En este segundo capítulo de la investigación se desarrollará un recorrido a través de las
funciones del diseño editorial, se explicará en detalle el rol que posee el diseño en la
actualidad y dentro las distintas piezas editoriales, particularmente centralizando la
atención en el diseño de tapas y coberturas de libros. Se detallarán los distintos
elementos que componen dicho objeto, detallando la manera en la que afecta como el
diseñador desarrolla su trabajo.
A lo largo de su historia aparecieron distintos elementos que marcaron la manera en la
que el diseño editorial trabaja. La posición en la que se observan los distintos elementos
del diseño de cualquier pieza no es dejada a lo aleatorio, sino que a todo diseñador y
profesional se le proporcionan una serie de herramientas que le funcionarán como guías
y parte de su trabajo. En el desarrollo de este capítulo se analizarán cuáles son los
distintos elementos y herramientas con las que cuenta el diseñador para realizar sus
distintos trabajos editoriales y la importancia de manipularlos correctamente.
2.1 La función y el rol del diseño editorial
Resulta dificultoso comenzar a indagar acerca de la trayectoria y la evolución del diseño
editorial sin antes definirlo. Para eso se utilizarán una serie de autores que tratan el tema
en variada profundidad y se procurará desarrollar un simple recorrido a través de la
evolución que sufrió el diseño editorial a través de los cuales se desarrollaron las
herramientas con las que el diseñador cuenta para trabajar en la actualidad.
Una manera simple de definir al diseño editorial según Yolanda Zappaterra (2014) es
como periodismo visual. El diseño editorial cuenta con una serie de herramientas que
permite manipular la manera en la que se presenta la información de acuerdo a la
intención con la que se quiere contar algo. En su inicio toda pieza editorial brinda una
información específica acerca de un tema. El diseño gráfico editorial toma como función y
29
objetivo primario el de mostrar esa información de una forma ordenada, y simple de
consumir, resaltando con claridad la información relevante.
Este autor, además describe al diseño editorial “como una rama del diseño en la que
cada publicación y cada pieza creada debe entretener, informar, instruir, comunicar,
educar o una combinación de todos estos factores” (Zappaterra, 2014, p.8). No es inusual
encontrar variadas opiniones a lo largo de los distintos medios masivos de comunicación
tales como la televisión, los diarios, revistas o diarios, sin embargo el diseño editorial
interviene específicamente en aquellas piezas editoriales que son impresas. Una misma
publicación puede contar con distintos enfoques en los distintos medios en los cuales son
publicadas, esto es porque el diseño funciona y sirve para brindar atención a ciertos
aspectos que permiten demostrar la visión de las distintas empresas y entidades que lo
publican. Esto se puede observar principalmente en los distintos diarios y las empresas
que los publican, cada una de estas posee sus ciertos y distintivos puntos de vista, que el
diseño busca amplificar y relevar la información y las historias que quiere publicar desde
esta visión empresarial.
Aquí es donde se destaca la primera función del diseño gráfico en general, pero que no
deja de afecta al diseño editorial, y este es el de comunicar un mensaje por medio del
manejo de sus herramientas y características, resaltando a simple vista lo que el
espectador y lector debe prestar especial atención. Esto es confirmado por Zappaterra
(2014) quien comenta que la mayoría del diseño editorial tiene como objetivo principal la
idea de comunicar idea o historia por medio de la organización y la presentación de
palabras y elementos visuales. Cada uno de estos elementos posee distintas funciones
que se adaptan según el medio en el que serán representados. En las revistas, los
encabezados y títulos son demostrados y resaltados de una manera específica, mientras
que en un diario o en un libro estos elementos son representados en las hojas o en su
soporte de otra manera.
30
De esta manera se puede distinguir que el diseño editorial tiene por función el de dar
expresión o personalidad al contenido de las distintas publicaciones, atrayendo y
reteniendo a los lectores así como estructurando el material de manera clara y concisa. El
diseñador debe trabajar estas funciones de manera tal que todo el contenido de una
publicación coexista y trabaje en unísono para la comunicación del mensaje o de la
información a mostrar.
Sin embargo Zappaterra (2014) destaca otro aspecto del diseño editorial, que si bien no
es una de las funciones primarias que posee esta rama del diseño, si surge a
consecuencia de la manera en la que esta disciplina es utilizada. La autora comenta que
el diseño editorial actúa como una serie de capturas culturales de la era en la cual fue
producida. Con esto, ella se refiere a que la manera en la que los elementos son
colocados en las distintas piezas, el protagonismo que se le ofrece a cada elemento y la
manera en la que estos son presentados finalmente en la composición es distinguible y
diferenciado según el momento temporal en la que el diseñador se encuentra cuando
crea esa pieza editorial.
A su vez, esta característica destacada del diseño editorial permite general un paso a
través del tiempo del diseño editorial. Utilizando piezas diseñadas uno puede marcar las
diferencias entre los distintos años, décadas e inclusive entre los distintos movimientos
sociales y artísticos, debido a la influencia que estos dejaban en la sociedad y como eso
afectaba a la profesión del diseñador. De esta manera se comprueba la necesidad y
característica principal del diseño gráfico editorial de expresar un mensaje de la manera
óptima para que este sea recibido y percibido correctamente por mayoría de la sociedad
a quién está destinada tal publicación. Destacando y haciendo usos de las herramientas
que este posee para componer dichas publicaciones pero también adoptando ciertos
símbolos históricos, sociales, temporales y culturales que generen un entendimiento
inmediato del mensaje a transmitir.
31
Resulta especialmente importante para los diseñadores realizar la trasmisión del mensaje
correctamente, ya que las distintas interpretaciones podrán general malentendidos en
respecto al contenido del mensaje. Por ejemplo, resulta de vital importancia para un
diseñador de señalética expresar correctamente los caminos a la salida de emergencia
en caso de un incendio. De una manera similar si un diseñador editorial no expresa
correctamente el mensaje en una puesta en página como podría ser el diseño de una
nota editorial para un diario, este dejará a la posibilidad que los lectores malinterpreten el
contenido de la nota, trastornando los hechos y el orden en el que los acontecimientos
sucedieron. En caso de que suceda algo de esta magnitud se podrá demostrar que el
error surgió debido a una mala composición de los elementos en página y a un fallo
desde las tareas del diseñador de la pieza.
2.2. Los elementos compositores de un libro
Sin embargo, en el diseño de tapas la información que se buscará compartir se distingue
de aquella que se puede observar en una noticia de un diario. Por ende, en segundo
lugar y en este apartado del capítulo, se estudiarán las distintas partes que un libro
posee. Se detallarán cuáles son los elementos principales y esenciales que componen a
un libro. Los componentes principales de todo libro, según De Buen Jorge (2000) son los
exteriores, los pliegos preliminares, los textos del contenido, también conocido como
cuerpo de la obra, y las páginas finales. Tomando las palabras de De Buen, Jorge se
detallarán a continuación las funciones de cada parte del libro.
2.2.1 Tapas
Por un lado, De Buen Jorge (2000), articula que se puede observar como componente
inicial de libros a los exteriores, también conocidos coloquialmente como Tapas. Este
primer elemento integrador de los libros se detallará en especial profundidad ya que es el
punto focal de la investigación.
32
Las tapas o exteriores tienen como objetivo fundamental y funcional proteger al contenido
del mismo. Estas tapas siempre han sido históricamente hechas de un cartón grueso
forrado con algún tipo de papel, con alguna tela, piel o una combinación de ambos que
busca mantener las hojas del centro protegidas y cuidadas. Este estilo de tapas y
coberturas conocido como tapas duras surgen de la necesidad de los bibliotecarios de
proteger, ordenar y conservar en buen estado los valiosos manuscritos originales hechos
a lo largo de la historia.
Las tapas y los exteriores, si bien son el primer contacto que el consumidor tiene con el
libro, son en realidad la última pieza integrada al objeto en el armado del mismo. Una vez
que un libro y sus contenidos son cocidos y una vez que son desbarbados en un único y
uniforme bloque de hojas es cuando se coloca la tapa, dejando una ceja, es decir un
borde extra de espacio que rodea al contenido para proteger los bordes de las hojas.
Existen distintos tipos de cubiertas que se pueden colocar sobre un libro, cada una de
estas tiene su impacto en el precio y en el valor que se le atribuye al libro. Cubiertas de
tapas duras, cubiertas de tapas blandas o las cubiertas rústicas son los tres tipos básicos
de tapas con las que se puede rodear al cuerpo del libro.
Las tapas duras, como bien mencionamos antes están formadas por un cartón
comúnmente recubierto de papel o tela. Este método de cubrir al libro es el que ofrece
mayor protección hacia al contenido, desde la ceja que protegen los bordes de las hojas
hasta el exterior duro que evita el quiebre o doblado de tanto las tapas como el contenido.
Las tapas blandas están hechas con un papel de alto gramaje, es decir por un papel cuyo
grosor es considerablemente más espeso o alto en comparación con el papel que es
usado en su contenido.
Por otro lado también se encuentran las cubiertas rústicas que son un recubierto barato
que se le realiza a los libros. Este recuento está compuesto por cartulinas delgadas,
protegidas con una fina capa de un plástico translucido encoladas al canto del contenido.
Estos libros con tapas blandas o cubiertas rústicas además son caracterizados por el
33
hecho de que, a diferencia de los libros con tapa dura, no poseen la ceja que su
contraparte cara si posee. Es decir que los libros de tapa blanda y cubiertas rusticas
llevan corte recto, al mismo nivel que el resto del bloque de contenido, dejando vulnerable
los bordes de las hojas.
2.2.2 El lomo
El lomo es otra de las partes que componen al exterior de los libros. Está ubicado en el
lado opuesto al corte de las hojas, cubriendo el peine de encuadernación, es decir que
protege y cubre el lugar por el cual se cosen y se unen los distintos cuadernillos,
compuestos por las hojas que hacen al contenido del libro en sí.
El lomo tiene una función en particular, y esa es que cuando está ubicada verticalmente
en la estantería debe informar de sus contenidos. Por ende todo lomo tiene en él al
nombre del autor, el título de la obra, el nombre o sello de la editorial y en caso de ser
parte de una colección o saga el número de tomo. En las encuadernaciones clásicas
también se encontraba presente en el lomo todo tipo de misceláneas, filetes y otros
motivos de decoración que sirven de manera comunicativa para aludir al contenido del
libro o simplemente llamar la atención del comprador con sus detalles.
2.2.3 Las sobrecubiertas
Las sobrecubiertas, también llamadas por funda, son una banda de papel con las que se
envuelve el libro en su totalidad. De Buen, Jorge explica que generalmente se usan a las
sobrecubiertas para resaltar las características de la edición de una manera fastuosa. La
sobrecubierta o funda posee dos propósitos, proteger la tapa y llamar la atención.
En estas sobrecubiertas también es donde el diseñador puede volcar todos sus talentos y
esfuerzos ya que desde el diseño como disciplina, las sobrecubiertas son diseñadas de
una manera independiente. Es decir que su diseño no se encuentra sujeto a las reglas y
las normas con las que se trabajan en el diseño de las otras partes del libro:
El diseño de la sobrecubierta no suele estar sujeto a las convenciones que se siguen en las tapas y otras piezas del libro, sino que en él se puede volcar todo el talento del diseñador en su empeño por acaparar el interés del público. (De Buen Jorge, 2000, p. 357)
34
Dentro de estas sobrecubiertas se encuentran las solapas, que son los extremos de las
cubiertas o extensiones de las tapas. Estas solapas, cuando son parte de la
sobrecubierta buscando sostenerla en el lugar, ubicándose por un lado entre la tapa y la
página de guarda o cubierta, y por su contraparte se ubica entre la última hoja y la
contracubierta. Es común que en estas solapas también el lector se encuentre con
contenido, por un lado se ofrece típicamente alguna información sobre el autor, sobre los
contenidos con los que la persona se encontrará dentro del libro, o mismo una publicidad
sobre la editorial o la colección a la que pertenezca la pieza.
Todos los elementos mencionados anteriormente forman parte de lo que De Buen Jorge
categoriza como el exterior de los libros. A estos, se les ha dado una distinción debido al
enfoque de la investigación que se busca realizar.
2.2.4 El interior
Sin embargo, estos elementos no son los únicos existentes en los libros. Existen otras
piezas y partes que componen al libro que no serán mencionados en esta investigación
debido a que eso llevaría a adentrarnos al interior del libro, del cual solo se destacarán
dos componentes.
En primer lugar se encuentra la portadilla, también conocida como anteportada o falsa
portada y en segundo lugar se puede encontrar a la portada misma. Se destacan estos
debido a la participación que juega el Diseño desde la posibilidad de comunicación en
ambos elementos.
La portadilla, también conocida como falsa portada o anteportada, en esta investigación
utilizaremos esta última nomenclatura, es la primera página impresa de un libro. En la
mayoría de los casos, está página contiene simplemente el título de la obra, el autor de la
misma y la editorial. Esta página es utilizada para generar una pequeña introducción a lo
que será la portada. En la anteportada, los textos poseen cuerpo de letra pequeños, es
decir que el tamaño es reducido cuando comparado con su portada. Además esta página
35
es impar, y no lleva folio numérico impreso, aunque sí cuenta para el número final de
páginas del libro.
La portada, de manera similar a la anteportada, contiene el título de la obra, el autor de la
misma, la editorial. Además se le agrega el subtítulo de la obra, si es que la misma
cuenta con uno, el número de edición, el número del tomo, el nombre de la casa editorial
y el año de la edición. Sin embargo los primeros tres elementos mencionados son los
elementos cuya aparición es obligatoria en la portada. Similarmente a la anteportada, la
portada es impresa en la hoja impar. La portada también es conocida como fachada o
frontispicio, especialmente si posee ornamentos en los bordes.
Existen así mismo un gran número de elementos que conforman el interior de los libros.
Todos ellos forman parte del diseño de la pieza final. Es decir que cada uno de los
elementos es utilizado y planeado de manera tal que agregue al total de las piezas
diseñadas. Esto implica que una vez terminado el diseño tanto del interior como del
exterior todo es visualizado y considerado una única unidad. Permitiendo así una mayor
riqueza en el diseño y en la comunicación que se puede expresar tanto en los elementos
individuales como en la pieza final en su totalidad.
2.3 Los elementos rectores y participativos del diseño editorial.
Una vez clarificados y establecidos los elementos principales de los libros que serán
analizados en esta investigación, se pretende establecer aquellos elementos del diseño
editorial que participan en ellos.
Los elementos editoriales que se detallarán a lo largo de este subcapítulo son algunas de
las herramientas más importantes que el diseñador debe no solo comprender sino
entender la manera de utilizarlas para lograr un óptimo uso de todo potencial la
comunicación que poseen las distintas piezas y componentes.
36
2.3.1 La tipografía y el color
Uno de esos elementos es la tipografía misma, coloquial y erróneamente referida como
sinónimo a fuente según Harris (2009). Sin embargo, su significado es distinto y es
esencial poder diferenciarlas
El autor mencionado anteriormente ejemplifica y crea una analogía que deja en claro la
diferencia y la similitud entre ambos términos. Ambrose Harris (2009) escribe que la
fuente es como el molde para hacer galletas y el tipo es la galleta producida, que tiende a
ser agrupadas junto a las otras galletas que compartan las mismas características.
De esta manera podemos comprender que la fuente ‘’Es el medio físico utilizado para
crear una letra” (Ambrose, 2009, p. 56) sin importar cuál sea. Desde una máquina de
escribir, hasta las matrices de una imprenta o los códigos de escritura digitales. Todos
aquellos medios por los cuales se crea la letra son llamados fuente.
El tipo de letra sin embargo son los conjuntos caracteres, letras, símbolos, etc. Que
comparten características similares en su diseño (Ambrose, 2009, p.56). A este término
se le agrega el de familia. Las familias son todas aquellas tipografías que en sus
características compartidas hay similitudes que generan su asociación en un único grupo.
Asimismo las letras pueden ser separadas y categorizadas según su estilo tipográfico. Es
decir, así como llamamos de tipo a los signos con características similares, estos son
agrupados aún más específicamente en categorías dependiendo de los rasgos distintivos
que muestren en sus distintas partes.
Las letras pueden disecadas o separadas en sus distintos componentes, cada uno de
ellos con su nomenclatura particular. Gaitto (1998) demuestra esto claramente y describe
como distintas características que los signos muestren en sus remates, en sus bastones
y en sus vértices, alturas x, y cartelas, así como en sus ascendentes y descendentes
generan una ramificación y agrupación de estilos de tipo.
Existen dos estilos de tipo que se destacarán en la investigación por sobre el resto. En
primer lugar se encuentran las tipografías sans serif, conocidas coloquialmente como
37
tipografías de palo seco. Este grupo está formado por aquellas fuentes que no presentan
remate alguno al final de los bastones o terminaciones. Existen subcategorías dentro de
la misma, y se puede subdividir la categoría de sans serif en otras aún más específicas,
como por ejemplo las sans serif humanistas, las sans serif geométricas y las sans serif
grotescas. Cada una de ellas pertenece y tienen sus primeras apariciones en distintos
momentos, comenzando en principios del siglo XIX (Gaitto, 1998, p.9).
Las Garaldas, también conocidas coloquialmente como serif o romanas. Son tipografías
que en oposición a las sans serif, sí muestran rasgos distintivos en sus terminaciones.
Típicamente definidos con barras horizontales en los remates. Las tipografías serifs
pueden ser dividas en cinco sub categorías. Las tipografías bloque serif, las neotrasición
serif, las didone, aquellas de transición, que muestran un híbrido entre las características
de las romanas modernas y las antiguas y las humanistas.
Se destacan estas dos familias de tipos ya que son las que presentan las mejores
condiciones de lectura. Esto quiere decir que estas familias son las que preferentemente
deberían ser usadas al momento de tener textos largos de lectura ya que sus forma y
contra formas permiten un buen balances de blancos, permitiendo una lectura sostenida y
simple que no genera agobio a los ojos de los usuarios.
Toda letra posee una forma y una contra forma. Es importante reconocer y aprender a
distinguir ambas parte de las letras, por un lado se encuentra la forma, es decir el signo
mismo que es reconocido y significado como la letra o caracter. Mientras que también se
debe entender y saber reconocer la contra forma, es decir el espacio no ocupado por el
caracter. La contra forma “Es el espacio blanco (…) a menudo contenido por los trazos de
la forma” (Kane, 2012, p. 57). Este espacio es de vital importancia ya que el ojo no solo
lee el carácter en sí sino que también contempla la contra forma del mismo. Es vital
comprender el rol y este aspecto presente en todos los caracteres ya que lleva a
comprender lo que es denominado legibilidad.
38
En el armado de libros, particularmente lo que es considerado el cuerpo del libro, es decir
el contenido del mismo. Un diseñador debe procurar encontrar la mejor calidad de lectura
del contenido, para luego pensar en los atributos comunicativos de la misma. Sin
embargo, el uso y la función de la pieza deben ser considerados la prioridad al momento
de generar una búsqueda tipográfica.
Todo texto cuyo objetivo es ser leído en grandes extensiones lleva la nomenclatura de
mancha tipográfica en el universo del diseño editorial. Existe un largo predeterminado
para la óptima legibilidad de estos textos extensos. Existe un espacio ideal para la
distancia entre las líneas de texto. Existe un cuerpo ideal para la lectura de la letra y
caracteres. Estos aspectos deben ser considerados extensivamente al momento de
seleccionar la familia y estilo de la tipografía con la cual desarrollará el diseño.
El cuerpo de la tipografía, debe ser lo suficientemente grande como para que a la
distancia del brazo extendido se pueda leer cómodamente el texto escrito en él. El
espacio que se debe dejar entre las líneas de texto varía según la familia tipográfica con
la que se desea trabajar. Sin embargo, cabe mencionar que si se el espacio dejado entre
líneas es muy reducido se fomenta inconscientemente el movimiento vertical de los ojos,
haciendo así que el lector pierda fácilmente la línea en la que se encuentra. En
contraparte, si el espacio que se deja entre las líneas de texto es demasiado amplio, se
genera una disociación entre ellas, causando de esta manera que el lector se distraiga
del contenido que es objeto de lectura.
En cuanto al largo de la línea la regla es un poco amplia, especificando que el soporte en
el que se encuentre definirá el largo que tendrá el texto. Sin embargo Kane John destaca
que es importante saber detectar cuándo una longitud de línea es demasiado larga o
demasiado corta pues dificulta la lectura. De esta manera se genera una regla, dejando
por escrito que las líneas de texto idealmente se encuentran entre los 35 a 70 caracteres
o entre 7 a 10 palabras.
39
Por otro lado, el color es otra de las herramientas con las que los diseñadores desarrollan
sus variadas actividades. Eva Heller (2008), en su libro de la psicología del color detalla
que los diseñadores no son los únicos que trabajan con el color los artistas de todo tipo,
los terapeutas, diseñadores gráficos y aquellos que desarrollan productos industriales son
solo algunos de los que trabajan con el color, sin embargo, a pesar de la variedad de
profesiones el efecto que el color posee en sus lectores se mantiene universal. Es decir
que sin importar la tarea que el color desarrolle, la interpretación del mismo se mantiene
unificada entre las distintas profesiones y forma de consumirlo.
Heller (2008) destaca en su libro que los colores son comúnmente emparejados con
variadas emociones, y destaca que en repetidas ocasiones un mismo color representa
opuestos sentimientos, ejemplificando esto con el color rojo, que comúnmente es
atribuido tanto a lo erótico y apasionante como a lo brutal y violento, demostrando la
dualidad de la interpretación que el color posee.
De esta manera se debe destacar que la interpretación que el espectador realice del color
utilizado en una pieza dependerá del contexto bajo el cual los colores sean empleados.
“El contexto es el criterio para determinar si un color resulta agradable y correcto o falso y
carente de gusto” (Heller, 2008, p.18). Al presentar variadas interpretaciones resulte de
especial importancia la correcta implementación del color en toda pieza gráfica diseñada,
y además cada color empleado debe presentar el contexto adecuado para la correcta
lectura del mismo, destacando así como el color, al igual que la tipografía forman
herramientas de especial impacto e importancia en cuanto al correcto manejo que todo
profesional debe tener de ellas, especialmente los diseñadores gráficos que buscan por
medio de su uso una concreta y correcta comunicación.
2.3.2 La grilla
Existe un elemento, destinado a la moderación y al orden de la mancha tipográfica y de
cualquier otro elemento que participe en la composición de la página llamado Grilla. La
grilla es una retícula configurada y creada manualmente que sirve para sistematizar y
40
regularizar los elementos que participan en toda composición y diseño editorial. Existen
distintos tipos de grillas para distintos elementos.
Por un lado se encuentra la grilla tipográfica, aquella que es empleada por los tipógrafos.
Esta grilla sistematiza y unifica una familia tipográfica, otorgando los mismos grosores de
los bastones y definiendo las características únicas de dicha familia. Marcando y
unificando grosores, largos y peculiaridades de las tipografías. Es decir que la grilla
genera un sistema al cual los diseños son adaptados, respetando el orden que proponen.
Por otro lado, existe la grilla editorial. Esta grilla es utilizada por tipógrafos, diseñadores
gráficos, diseñadores editoriales, etc. Esta retícula consta de una división en partes
equitativas e iguales de la superficie en la que se trabajarán y diseñarán piezas
editoriales. Brockman define a la grilla como “La división en rejilla de las superficies y
espacios el diseñador tiene la oportunidad de ordenar los textos, las fotografías, las
representaciones gráficas, etc., según criterios objetivos y funcionales.” (Muller-
Brockman, 2012, p. 13)
La grilla consta de una división en rejilla de las superficies y espacios en el cuál el
diseñador debe trabajar. Esta división es exacta y siempre dependerá del soporte en el
que se trabajará, del tamaño de la tipografía que se utilizará como texto principal de
lectura, es decir como mancha tipográfica y dependerá también de las necesidades que
demande la pieza a crear.
Las grillas sirven para generar sistemas y para ordenar los elementos dentro de la
composición. Es decir que la posición de los elementos en la página y la posición de las
imágenes, textos, elementos decorativos, etc. No son colocados aleatoriamente dentro de
la grilla. Esto significa que la grilla es utilizada para también predefinir la posición de
algunos objetos, manteniendo así la concordancia entre extensas colecciones y números
de diseños.
La utilización de la grilla, si bien no es imprescindible para la realización de diseños, es
decir que se puede realizar un diseño en su totalidad sin la utilización de la grilla o
41
retícula. Sin embargo, si genera una amplia diferencia en la continuación o serialización
de los diseños.
2.3.3 El blanco
Otro de los elementos que son impactantes e imprescindibles en el diseño editorial es el
correcto uso del blanco. Existen distintos tipos de blancos. Por un lado se trabaja con el
blanco tipográfico. Mientras que en su contraparte también existe el blanco de la
composición, presente en el diseño y en la pieza en sí.
El primer tipo de blanco, es el blanco tipográfico. Este blanco es el espacio que se
encuentra presente entre las letras, entre las palabras y entre las líneas de texto. Los
blancos tipográficos datan y comienzan desde la vieja imprenta, en donde por medio de
tipos móviles se armaban palabra por palabra, frase por frase. Existían, de esta manera
tipos móviles sin relieve cuyo contenido era blanco o vacío, que servían para regular el
espacio que entre caracteres y el espacio entre líneas. Estos tipos móviles se
denominaban cuadratines y tienen distintos tamaños según la tipografía y el tamaño que
se maneje de la misma. De buen Jorge explica lo siguiente:
Los espacios se medían de acuerdo con una unidad llamada cuadrado o cuadratín (…) En las letras normales el cuadratín es un espacio de espesor igual al cuerpo. Por lo tanto, en un cuerpo de 24 puntos, es el que tiene 24 puntos de anchura. (De Buen, Jorge. 2000, p. 69)
Estos cuadratines se adecúan también a las tipografías condensadas o extendidas,
igualando los anchos y espesores que estas variables posee.
Regularizar el blanco interno, es decir el blanco tipográfico resulta de vital importancia, ya
que de esta manera el diseñador encuentra el balance entre los espacios, generando así
una lectura simple y fluida, sin molestias para los ojos del lector o consumidor.
En caso de no regular correctamente los espacios entre palabras, letras o líneas de
textos se genera una incomodidad al lector o consumidor del mismo. Si cada línea del
texto están muy separadas entre sí se genera una división inconsciente del texto, donde
al párrafo no se lo identifica como una unidad. Por lo contrario, si las líneas de textos
42
están muy unidas, se genera un conflicto con las ascendentes y las descendentes de las
palabras, generando una dificultad al reconocimiento de los signos, letras y caracteres.
Por otro lado, se encuentra el blanco de la página. Es decir el blanco en la composición,
entender como diseñar con este elemento es de alta complejidad, pero se debe
comprender el uso y la función que cumple para elevar el nivel y la calidad de los
trabajos.
El blanco es un elemento que siempre está presente en todo diseño aun cuando el
espectador no está consciente del mismo. Sin embargo es el elemento más difícil de
reconocer, ver y entender. Por ende resulta ser el elemento que presenta una mayor
dificultad al momento de comprender la manera correcta y eficaz de utilizarlo.
El blanco tiene distintas funciones, por un lado se encarga de que los elementos en el
diseño tengan su espacio. Esto tiene ciertas repercusiones, el blanco se utiliza para
separar los elementos del diseño, pero al mismo tiempo se lo puede utilizar para enlazar
y relacionarlos.
Similarmente a como ocurre con las líneas de texto de un párrafo, cuando a los distintos
elementos de un diseño se les otorga espacio extendido o exagerado entre ellos, se
genera una disociación entre la relación de los elementos. Esto causa que cada
componente sea percibido como una unidad individual y no como parte integra del
diseño.
Por otro lado, el blanco en el diseño permite que la composición tenga impacto, es decir,
se enfatiza o destaca la importancia y la impresión de los elementos en el diseño.
43
Capítulo 3: La ilustración, como complemento al diseño.
Este tercer capítulo tiene como objetivo indagar acerca de la ilustración, comenzando por
un análisis y recorrido acerca de sus apariciones en los distintos libros y manuscritos, y
un breve análisis del rol que estos cumplían en sus soportes. Así mismo se busca
generar una definición del rol actual que posee la ilustración en toda impresión donde
aparezca.
Se indagará acerca de la reproducción de ilustraciones y cómo los distintos métodos de
impresión afectan la manera en la que los ilustradores deben trabajar y presentar los
proyectos. Así mismo, se detallará la forma en la que distintos estilos de ilustración con
sus características únicas comunican una estética y un mensaje distinto justo a las
distintas herramientas que todo profesional posee al momento de trabajar con la
ilustración.
3.1 El rol de la ilustración en los libros.
Resulta difícil realizar y comprender la historia de la ilustración sin antes definirla y
comprenderla como profesión. Por ende, en este primer apartado del capítulo se procura
definir y comprender las responsabilidades y objetivos de la ilustración como profesión en
sí. Además se busca comprender las herramientas con la que todo ilustrador cuenta para
trabajar, definiendo la utilidad de cada una de ellas así como la manera de usarlas.
Así mismo, para poder completar estos objetivos mencionados se precisa comenzar con
la definición del concepto de ilustración. Lawrence Zeegen (2009), en su libro What is
illustration, detalla lo complicado que resulta definir o clasificar al término. Así mismo, el
autor destaca como la ilustración se diferencia del arte y se diferencia del diseño ya que
se refiere a la ilustración como una disciplina la ilustración es una especia de término
medio entre el arte y el diseño gráfico, destaca el autor. Debido a esta clasificación
existen ilustradores y profesionales que definen a la ilustración como un arte gráfica.
44
Por otro lado, Joseph Pennell (2016), en su libro titulado La ilustración de libros, define
que toda ilustración debería ser una obra de arte. Sin embargo, el autor también destaca
que desde el sentido artístico, una ilustración es un diseño con la intensión de dar la idea
de un incidente, un episodio, un momento, etc. Así mismo, el autor destaca que un
ilustrador es quién hace las imágenes y dibujos por las cuales se ilustran o explican
dichos incidentes y episodios.
De esta manera, se obtiene una primer e inicial definición de lo que es la ilustración. Sin
embargo, Pennell (2016) compara, y agrega que al igual que toda ilustración, toda arte
gráfica debe explicar o comunicar alguna historia, sentimiento emoción o efecto. Debido a
esta similitud, el autor destaca que resulta dificultoso distinguir donde el arte deja de ser
ilustrativa. Al mismo tiempo, esta necesidad de comunicar es una similitud que la
ilustración tiene con el diseño, dificultando aún más la diferencia entre las distintas
profesiones y disciplinas.
Por otro lado, según Lawrence Zeegen (2009) las ilustraciones son generalmente
comparadas o referidas como arte comercial. El autor destaca de esta manera como las
ilustración son generalmente creadas para clientes en acorde a un brief, ya esa comercial
o publicitario. Es así como se puede identificar el punto en común de la ilustración y el
diseño.
La ilustración, si bien es una disciplina y profesión individual que sobrevive y prospera
como arte por sí misma, en el desarrollo de esta investigación se la tomará y analizará
como complemento del diseño gráfico. Ambas disciplinas muestran objetivos distintos
pero con sinergia entre sí. Mientras el diseño busca comunicar un mensaje en específico,
la ilustración busca la expresión de algo de manera netamente visual. De esta manera, la
ilustración es utilizada como un refuerzo, como un agregado y complemento a la
comunicación del diseño gráfico.
A partir de estas definiciones iniciales que se mencionaron anteriormente se puede
concluir que el objetivo principal de la ilustración es el de expresar algo por medio de la
45
implementación de distintas herramientas y estilos artísticos de dibujo que permitan la
transmisión de un mensaje o emoción en el soporte. Sin embargo, el uso de la ilustración
que será analizado a lo largo de esta investigación es de la ilustración como diseño
creado con el propósito de ser publicado en un libro, específicamente tratando acerca de
las ilustraciones para las tapas y las coberturas de las mismas.
Zeegen (2009) destaca que la ilustración es una de las formas más directas de comunicar
visualmente. Así mismo, la ilustración está constantemente cruzando los límites entre las
distintas disciplinas al complementarse con ellas. De esta manera, se puede encontrar a
la ilustración siendo utilizada en una amplia variedad de soportes y medios, desde
revistas, hasta gigantografías en la ruta, la ilustración está presente en acompañamiento
al diseño, de esta manera se lo encuentra frecuentemente ilustrando las tapas y
coberturas, así como los interiores de los libros.
De esta manera se confirma que la ilustración, como disciplina no es atribuida a una
única manera de utilizarla o a un único soporte en el cuál se encuentra, sino que
usualmente la ilustración se presenta en todo soporte como complemento comunicativo.
De la misma manera en la que resulta dificultosa definir a la ilustración como disciplina,
se ve complicado de entender que es un ilustrador. Zeegen (2009) explica que los
ilustradores raramente son solo eso, sino que generalmente se encuentran habitando
entre los artistas, los diseñadores, publicistas e inclusive escritores, entre otros.
Así como el ilustrador no es solo ilustrador, la ilustración no es solamente el arte de
dibujar algo. Mientras que el dibujo es una parte íntegra de la ilustración, esta se ha
convertido simplemente en uno de los componentes con los que cuenta la disciplina. A
medida que la ilustración se ha complementado de otras disciplinas, se observan
cambios en la profesión. Otros de los componentes que varían en la ilustración actual van
desde la fotografía, el collage, tipografía diseñada y dibujada a mano, stencils, patrones e
incluso las ornamentaciones son añadidas a las habilidades que los ilustradores poseen
en la actualidad.
46
De esta manera, Zeegen (2009) aclara como generalmente los clientes que comisionan
ilustraciones de os profesionales son generalmente diseñadores, entre los cuales se
destaca al diseño gráfico, o directores de arte. Demostrando claramente la interrelación
existente entre las disciplinas mencionadas anteriormente.
La ilustración, como profesión, como habilidad y como disciplina se desarrolla a lo largo
de toda la vida del profesional. Los cambios que la persona sufre a lo largo de su vida
generalmente se pueden encontrar reflejados en el tipo de ilustración que desarrolla. A
diferencia de otras ciencias duras como las matemáticas, la ilustración se maneja por
medio de instintos y corazonadas, además Zeegen (2009) explica que generalmente los
ilustradores no entienden los trasfondos intelectuales por los cuales seleccionan las
imágenes sino más bien es una corazonada que los lleva a instintivamente elegir la
imagen que comunique el mensaje correcto.
Este instinto que los ilustradores poseen y desarrollan conforme más se internen en la
disciplina tiene un antecedente proveniente desde la niñez de los humanos. Zeegen
(2009) desarrolla en su libro What is illustration? que los humanos aprenden a decodificar
imágenes desde una temprana edad con libros infantiles, que poseen una multitud de
imágenes en su interior que funcionan para formar la educación visual de todos los niños.
Este condicionamiento inicial que se recibe a lo largo de la niñez resulta en la base de la
interpretación de imágenes que se encuentra en los adultos. Al mismo tiempo, a medida
que un niño comienza a dibujar crudamente se comienzan a generar asociaciones en la
mente del niño, estas unen las formas y general las asociaciones visuales mencionadas
anteriormente.
Zeegen (2009) destaca de esta manera que en la ilustración, los signos son construidos
de los íconos y de los símbolos dentro de una imagen. Así mismo un ícono es una
representación gráfica que se parece al objeto que busca representar mientras que un
símbolo es una representación gráfica que busca sugerir algo a través del uso de otra
cosa por medio de la asociación o convención.
47
La distinción entre estos conceptos es imprescindible para el uso dentro de las
ilustraciones y el diseño. De esta misma manera, las interpretaciones de los símbolos,
íconos y signos dependen del contexto cultural, social y temporal en el cual una persona
creció ya que distintas culturas apropian símbolos similares pero con connotaciones
diferentes y variadas, según el contexto en el cuál dichos elementos se vean utilizados.
Sin embargo estos elementos son solo algunos de la gran cantidad de factores que
influencian como los espectadores perciben las imágenes. Otros elementos como el
color, la composición, la escala y la metáfora son importantes. Sin embargo cabe
destacar que estos últimos elementos mencionados toman el rol de herramienta y todo
ilustrador puede manipularlas y aprender a controlarlas para que los espectadores
perciban lo que el ilustrador quiere transmitir.
Zeegen (2009) destaca que ilustrar se trata acerca de comunicar un mensaje, la manera
en la que ese mensaje es transmitido es crucial. Así mismo se aclara que cada artista
comunica ese mensaje que desea transmitir de manera única de acuerdo a su estilo de
ilustración. Desarrollar un estilo único de lenguaje visual es una hazaña que toma años
de experimentación para desarrollarlo, y aún más tiempo para perfeccionarla destaca
Zeegen (2009). Aun así, una gran cantidad de ilustradores son contratados por agencias
y diseñadores debido a ese estilo único de ilustrar que cada profesional desarrolla.
Sin embargo, para poder desarrollar el estilo artístico distintivo, cada artista debe
experimentar a lo largo de su formación con las distintas herramientas existentes y los
distintos métodos de ilustrar para encontrar la estilización preferida del mismo.
La ilustración sin embargo se comporta distinta cuando trata de convivir en un libro.
Cuando un elemento debe convivir en un soporte con otros, estos se complementan entre
sí y son consumidos como una unidad única por ende, todo ilustrador debe entender la
manera en la que su arte se complementa a los elementos para que el diseño en su
totalidad comunique debidamente el mensaje que busca expresar.
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Pennell (2016) explica que hay tres requisitos específicos que son indispensables para
todo artista que busca convertirse en un ilustrador. En primer lugar se destaca que todo
estudiante debe tener una base sólida de conocimiento sobre el arte del dibujo y si es
posible tener una base de conocimiento sobre el color aportará generosamente a la
calidad de la ilustración.
En segundo lugar Pennell (2016) destaca que un estuante debe comprender
detalladamente el uso de distintos medios tales como óleos, acuarelas, tintas y plumas,
tiza, entre otros. Al experimentar con los distintos medios un estudiante puede
seleccionar su preferido al momento de generar y crear su estilo propio. Sin embargo, por
otro lado, entender la manera de ilustrar en los distintos medios permite al ilustrador
seleccionar el medio adecuado según lo que está intentando expresar por medio del
dibujo. Siguiendo este principio, el autor destaca como el ilustrador debe comprender las
distintas técnicas de reproducción debido a que él es responsable de la calidad con la
cual sus ilustraciones son reproducidas.
En tercer y último lugar, Pennell (2016) destaca que para la inclusión de la ilustración en
los libros, resulta de suma importancia y vital para todo ilustrador poder reconocer el
motivo detrás de cada trabajo de los autores, para luego poder expresarlo en las
coberturas y las tapas de los libros.
Los artistas, ilustradores y diseñadores, entre otros, debes complacer los pedidos de los
autores y los pedidos de las agencias en donde estos trabajan. Esto resulta una tarea
dificultosa, sobre todo si al ilustrador se le encarga generar la carga visual del contenido
del libro, como suele suceder en el interior de los libros infantiles. En este último caso, a
los ilustradores se les demanda detallado conocimiento acerca de la historia que están
ilustrando, así como un entendimiento y simpatía con la intención que el autor demostró
al momento de la escritura de esa pieza.
En contraposición, cuando el ilustrador debe trabajar en el diseño de la tapa de los libros,
o en su defecto en el diseño de la cobertura de los libros de ediciones de tapas duras,
49
éstos deben trabajar en unísono con los diseñadores que se encargan de la composición
de los mismos. En este último caso, los ilustradores se ven forzados a representar no
sólo las intenciones de los autores o editores del libro sino que también la ilustración
debe convivir con los deseos del diseñador que le ha comisionado la pieza.
Por ende, la ilustración si bien es un elemento clave y prioritario del diseño de tapas de
libros, y a pesar del protagonismo que posee en los mismos, la ilustración se encuentra
generalmente consumida junto con los otros elementos participativos en las tapas, como
tal su correcto diseño y aplicación es esencial para una comunicación concreta y
eficiente.
3.2. Las primeras apariciones de las ilustraciones en los libros y sus métodos de
reproducción.
La ilustración como tal tiene sus primeras apariciones incluso antes de que el ser humano
conciba sus primeras palabras. Las pinturas rupestres por las cuales toda persona debe
escabullirse por túneles pequeños para entrar a distintas cavernas llevan a las primeras
ilustraciones generadas por los humanos, incluso antes de ser denominadas como tal.
Esta disciplina solo evoluciona desde entonces, adaptándose a los distintos medios de
reproducciones, con sus inicios previos a la existencia de los distintos métodos de
reproducción que se encuentran en la actualidad. Pennell (2016) detalla en su libro que
todo ilustrador debe tener una base de conocimiento sobre los distintos sistemas de
impresión y reproducción de las obras para poder preparar sus ilustraciones de manera
tal que la reproducción de la misma sea perfecta e idéntica al original.
Previamente a la creación de la imprenta como método principal de reproducción de
manuscritos, libros, entre otras, la única manera de reproducir ilustraciones era
dependiente d la voluntad de los artistas de redibujar, recrear y reproducir toda arte
hecha. De esta manera cada ejemplar tenía un valor monetario y de importancia mayores
frente a otros objetos debido a la limitada disponibilidad.
50
Sin embargo a fines del siglo 14 y los principis del siglo 15 la existencia y propagación de
los distintos medios de impresión facilitaron la reproducción de textos e imágenes en una
combinación que resulta vital para la articulación de variados conceptos y esta
reproducción y propagación de impresiones permite una disponibilidad y democratización
de la cultura ya que las ideas y la información circula a través de la sociedad, el espacio y
el tiempo sin limitaciones algunas, explica Susan Doyle (2018) en su libro The history of
illustration.
De la misma manera en la que la imprenta permite la lectura y disponibilidad de
información para toda la sociedad sin barreras sociales, la ilustración ha permitido el
acceso de los textos y de la información para aquellos miembros de la sociedad que no
tenían la disponibilidad a la educación para aprender a leer. Así es como la ilustración
que acompaña al texto se vuelve igual que vital que su acompañante. Al mismo tiempo, la
reproducción de imágenes que solía ser un proceso arduo, con la implementación de la
imprenta e inclusive con la implementación de la xilografía los ilustradores se vieron
forzados a adaptar un nuevo estilo de grabado en madera, donde se deja solo lo que será
cubierto por tinta e impreso en relieve, que alivió a la presión de generar múltiples copias
de las ilustraciones. Este alivio se vio trasladado también a texto simple, no solo
imágenes, generando de esta manera en Europa la adopción del método de impresión
asiático.
Este medio de impresión sin embargo no permitía el diseño de detalles en sus
reproducciones por ende, si bien formó la base de la impresión no será implementada
como el método preferido de reproducción por los ilustradores.
Doyle (2018) explica que los libros impresos antes del año 1501 se llaman incunabula,
término proveniente del latin, y al mismo tiempo estos son divididos en dos categorías.
Por un lado se encuentran los libros tipográficos, estos son aquellos impresos con los
tipos móviles mencionados en el capítulo 1. Por otro lado, se encuentran los blockbooks
51
también llamados libros de bloque. Estos últimos son impresos al tallar en un único
bloque de madera tanto el texto como la imagen.
Sin embargo, si bien este sistema de impresión por bloque presenta sus beneficios al
momento de imprimir libros que contengan ilustraciones en sus páginas, también
presenta sus dificultades. Este sistema de impresión permitía únicamente la impresión en
una tinta. Es decir solo se podía imprimir el bloque entero de un único color. Por ende, los
ilustradores y artistas debían pintar con los colores adecuados los interiores de las
ilustraciones junto a todo detalle que debía ser realizado en color.
La impresión y la aparición de los variados sistemas de reproducción de libros e
ilustraciones animó y resucitó un interés en las novelas clásicas, escolares y textos
humanistas, así como desarrolló y promovió la escritura y literatura.
A medida que la industria y las nuevas tecnologías de impresión se propagaron por toda
Europa, las ilustraciones se encontraban generalmente siendo reusadas en las distintas
ediciones y reimpresiones de libros. Con cada nuevo invento tecnológico se permitía
reproducir tipografía con mayor detalle y de esta manera muchos libros populares, tales
como libros y manuscritos religiosos así como los clásicos de la literatura se encontraron
impresos repetidas veces. Estas nuevas ediciones buscaban abaratar costos al reutilizar
los bloques de las impresiones más antiguas para ahorrar el coste de los nuevos bloques
y de los tallados.
Por ende, la ilustración se encontró adaptada al método de impresión por metalurgia, en
donde en lugar de tallar en bloques de madera se generaban los tallados en relieve por
medio de la fundición de metales que mostraban una duración distinta a los bloques de
madera. Por ende para la reproducción de ilustraciones se necesita el ilustrador que
diseñe la pieza, un tallador de madera para preparar el molde que luego un metalúrgico
deberá generar el molde final metálico que será destinado a la impresión en serie. De
esta manera no bastará solo con el ilustrador para correctamente replicar una obra, se
necesitan de otras tres profesiones para la reproducción de toda pieza editorial. Es a
52
partir de este momento en la historia donde los ilustradores buscan aprender a tallar
madera, para independientemente poder reproducir sus obras.
A partir de esta dualidad en profesiones que los ilustradores acostumbraron a aprender,
se lleva al límite del detalle al tallado de madera. Doyle (2018) detalla que Alberch Dürer,
un ilustrador y tallador de madera alemán fue una de las primeras personas en
desarrollar la dualidad de profesiones por ende desarrolló un detalle en los grabados de
la madera que otros talladores no podían replicar.
A partir de mediados del siglo 16 el mercado de la reproducción, tallado y copias de arte
se expandió por toda Europa, incluso propagándose más allá de los confines del
continente. Estas profesiones, particularmente la mezcla de ambas, tanto la ilustración
como el grabado o tallado, en la segunda mitad del siglo 16 y principios del siglo 17 los
artistas desarrollaron ingeniosamente nuevas tramas y formas de grabado para por las
cuales poder representar curvilíneas y sistemas complejos de trazados que se
superponen. Además, según Doyle (2018) en estas décadas surgen también sistemas y
técnicas de impresión que por medio de tramas imitan diferentes todos y grisados.
Estas nuevas técnicas permiten a los artistas comenzar a desarrollar profundidad en sus
obras. La luz, es un elemento de suma importancia que comienza a aparecer en las
distintas ilustraciones, con ellas se bifurca el estilo ilustrativo. Por un lado se encuentran
aquellos que buscan innovar la disciplina y por el otro se pueden observar aquellos que
procuran buscar la expresión en sus ilustraciones, generando un dramatismo intenso en
la representaciones visuales de mitos, ilustraciones religiosas, entre otras.
A pesar de todo Doyle (2018) destaca que debido a la ardua labor que resulta grabar e
imprimir por estos métodos los artistas, también formados en el tallado de madera
procuraron encontrar alternativas que aceleren el proceso y permitan una flexibilidad
creativa que el tallado en madera no ofrecía. La más común de las técnicas desarrolladas
fue llamada etching, este es un proceso por el cual los ilustradores graban y dibujan a
53
mano alzada, con distintos ácidos sobre las placas metálicas que son usadas para
imprimir.
Con el pasar de los años la ilustración se ve sometida a distintos periodos de
perfeccionamiento, donde según las limitaciones del periodo los distintos artistas
encontraron formas de perfeccionar su profesión, llevar al límite las posibilidades de
expresión dentro de las distintas herramientas con las que contaban para realizar sus
artesanías. De esta manera los mismos ideaban herramientas para ayudar tanto en el
tallado de la madera como el grabado en las placas de metales. Cada herramienta
contaba con su uso ideal, algunas acudían a generar líneas delgadas, curvadas y detalles
que otras herramientas no permitían, mientras que otras eran usadas específicamente
para generar las distintas sobras y profundidades en las obras.
Además, distintos movimientos artísticos como el neoclasicismo y el romanticismo han
afectado a la ilustración, además de otras artes. Desde la ilustración el estilo con el que
se generaban las distintas curvas y trazos dependerá del movimiento en el cuál el
ilustrador se base. Usualmente, los temas que estos buscaban plasmar en sus tallados e
impresiones son similares a los que los distintos artistas buscaban desesperadamente
representar en sus pinturas. Fue así como la ilustración se vió influenciada por los
distintos periodos y movimientos artísticos. Estos movimientos en definitiva no afectaron
a los procesos de impresión, pero sí han afectado al arte ilustrativa que acompaña a los
distintos textos, ya que distintos libros se han visto impresos con las técnicas e impresión
de tipos móviles, pero con las ilustraciones acorde a los movimientos rigentes del periodo
en el cual fue impreso.
En los primeros años del siglo 19, político e inventor Charles of Stanhope revolucionó,
según Doyle (2018) la manera en la que se imprimía hasta el momento al crear la presa
de hierro, que permitía en mejores y variados tamaños de soporte la impresión de hasta
250 hojas por hora, incluyendo en ellas una combinación de texto e ilustraciones, esto
generó que para la ilustración de libros el método de reproducción sea más acelerado de
54
lo que sus precedentes permitían hasta el momento. Además el inventor, en lugar de
patentar su invención la publicó abiertamente, permitiendo su compra por módicos
precios y así permitió también la reproducción, compra y consumo por toda persona de
los contenidos de libros y diarios impresos por este medio, aumentando de esta manera
el nivel de educación de toda la población.
Entre los años 1820 y 1850, Doyle (2018) detalla que se ha creado y mejorado de
manera continua la Jobbing Press. Este instrumento estaba compuesto por dos partes
individuales, por un lado se encontraba la forme que constaba de una placa de metal del
tamaño del soporte total, en la cual el impresor debe acomodar todo grabado para la
impresión. Por otro lado se encuentra el platen que es la placa de presión que se encarga
de presionar el soporte a la forme e imprimir todo el contenido que este tenía en su
interior. Este sistema, a diferencia de otros permitía imprimir texto e ilustración unidos en
un mismo soporte, agilizando la producción masivamente.
Es a partir del siglo 19 fue cuando la ilustración se asemeja y comienza a mostrar
similitudes de lo que actualmente se asocia como ilustración. Doyle (2018) destaca que
fue durante este siglo que comienzan a hacer sus apariciones las primeras formas
baratas de la impresión a color. Lo que en un principio eran impresiones coloreadas, las
cuales solo podían ser consumidas por la clase alta se volvieron pertenencias comunes,
es decir que podían ser consumidas por virtualmente todos. La barrera social de la
consumición de impresiones a color fue erradicada y toda persona podía conseguir
acceso a impresiones a color, tanto para realizarlas como para consumirlas.
Sin embargo, en sus principios este método no mostraba ser de la mejor calidad por ende
seguía siendo común la impresión en negro para luego pintarla manualmente con colores
realistas, vibrantes y detallados.
Con el pasar de los años esta última técnica de reproducción fue perfeccionada,
asemejándose al sistema de impresión y reproducción actuales.
55
3.3. Las herramientas de los ilustradores y los distintos estilos comunicativos de
las ilustraciones.
A lo largo de este subcapítulo, se procura distinguir, identificar y destacar cuáles son las
herramientas con las que cuenta el ilustrador, especificando los distintos usos que estos
tienen, la manera correcta en la que todo ilustrador las debe usar, entre otros. Además se
busca describir el uso de distintos materiales como soporte y el efecto que estos tienen
en la comunicación del lenguaje, detallando específicamente el lugar que éstos tienen en
el diseño editorial, tanto de portadas, tapas y sobrecoberturas.
Como se ha demostrado anteriormente, la ilustración tiene una larga historia, con
variaciones y manifestaciones en todo tipo de medio, desde títulos para diarios y revistas,
hasta retratos de personajes políticos y de interés. La ilustración también se observó el
las tapas de los libros, interviniendo en los títulos y el texto de la tapa. Sin embargo, la
ilustración demostró en cada medio tener sus características específicas que las
diferenciaban de las ilustraciones en otros medios. En este subcapítulo se busca delimitar
el motivo de esas diferencias, entre otras.
Zeegen (2013) destaca que a partir del año 2000 surge una nueva ola de ilustradores
debido a que las generaciones anteriores habían perfeccionado distintas técnicas. Estas
técnicas perfeccionadas dieron luz una nueva serie de técnicas y estilos que surgieron a
partir de ahí. El autor explica además que las nuevas generaciones mostraban cansancio
por tener que complacer a los empresarios que los contratan, es así como estas nuevas
generaciones buscan experimentar con medios y materiales para generar piezas e
ilustraciones más expresivas.
Una de las primeras herramientas que todo ilustrador debe comprender y manipular a la
perfección es el lápiz:
Al igual que el diseñador reivindica la tipografía como propia, el ilustrador tiene en sus manos el poder del lápiz. El lápiz, y con él la capacidad de dibujar en su sentido más amplio, es lo que define la práctica de la ilustración actualmente. (Zeegen, 2013, p. 31)
56
De esta manera comprendemos una vital diferencia entre el diseño gráfico y la ilustración,
siendo el primero quien toma como propiedad principal a la tipografía, mientras que todo
ilustrador domina variadas técnicas de dibujo. Sin embargo, es común encontrar una
variedad de ilustradores que conozcan los principios de la tipografía al punto tal de que
perfeccionan ellos mismos las distintas técnicas para poder dibujar con detalle distintas
letras.
Al igual que todo diseño y todo tipo de arte, la ilustración se ve influenciada por las
distintas modas y movimientos artísticos y de diseño que siguen la sociedad. Estas
modas, también afectan la manera en la que distintos profesores y mentores enseñan la
profesión, explica Zeegen (2013).
Así mismo el autor especifica una diferencia importante, explicando que los artistas
trabajan a su antojo, mientras que los ilustradores parten de un pedido, un encargo y
generalmente de un brief que contiene las especificaciones del cliente. “El artista crea
obras que serán en sí mismas la pieza final, mientras que el ilustrador produce un trabajo
que se emplazará en un contexto más amplio” (Zeegen, 2013, p.32). Cuando el autor
menciona que las ilustraciones se emplean en otro contexto, eso refiere a que a
diferencia de obras de arte, la ilustración rara vez es consumida por sí sola, generalmente
se encuentra en alguna pieza editorial, como una revista o la cubierta de un libro o un
poster, entre otros. De esta manera, el autor destaca que el dibujo es una característica y
disciplina que los ilustradores deben perfeccionar al mejor de sus habilidades.
Sin embargo, no es suficiente sólo saber dibujar para ser un ilustrador. Conocer la
disciplina y habilidad del dibujo sólo forma una pequeña parte del repertorio de
habilidades que los ilustradores deben conocer. Zeegen (2013) explica que además de
dibujar, todo profesional en la ilustración debe conocer los distintos materiales con los
que puede expresarse. Todo nuevo medio con el que el ilustrador pueda trabajar implica
que estos profesionales deben conocer el contexto, la historia y las correctas técnicas
57
para la efectiva manipulación del medio con el cual tratar. Esto lleva a una nueva
responsabilidad de conocer en detalle su comercio.
Comprender la manera en la que cada medio y cada material expresa, entender los
mensajes connotados y denotados que se pueden comunicar a partir de cada elemento
permite a los ilustradores desarrollar una mayor independencia por ellos mismos, cada
uno de éstos podrá realizar los objetivos comunicacionales que se le encargan con mayor
facilidad por un lado, pero de la misma manera, será también de mayor efectividad la
comunicación. Zeegen (2013) detalla lo siguiente acerca del tema:
La ilustración no es una disciplina limitada al uso de unos medios específicos y el ilustrador siempre ha sido libre para explorar una gran variedad de medios, creando imágenes a partir de cualquier cosa o sobre cualquier material que pueda parecer apropiado. (Zeegen, 2013, p.42)
Al comprender las distintas comunicaciones y los distintos medios todo ilustrador podrá
combinar los distintos aspectos comunicacionales de cada estilo de dibujo, medio y
materialidad para comunicar de manera efectiva y única, cumpliendo así los pedidos de
artistas, diseñadores y agencias que contraten sus servicios.
Además, existe otro elemento, una tecnología que ha revolucionado el trabajo de todo
diseñador y cuya influencia ha afectado a todo ilustrador al mismo tiempo, esa nueva
tecnología son los ordenadores, también llamados computadoras. La creación de las
computadoras y ordenadores “ha abierto un sinfín de puertas para la ilustración” (Zeegen,
2013, p.46). Sin embargo, a diferencia de otros medios, la ejecución y el uso correcto y
de mayor provecho de todos los medios digitales depende específicamente de cada
ilustrador, debido a la amplia opción de oportunidades e independencia que este brinda a
los profesionales.
Es así como generalmente la ilustración se encuentra usada dentro del ámbito editorial.
Sin embargo, no se utiliza únicamente en un medio, sino que la ilustración posee un lugar
e importancia en todo tipo de pieza editorial, obteniendo apariciones en diarios, revistas e
inclusive libros, además de posters o panfletos promocionales. Zeegen (2013) detalla que
a diferencia de la fotografía, que se utiliza para mostrar los hechos verosímiles y realistas,
58
la ilustración puede aplicarse a presentar una idea, un punto de vista personal o inclusive
una abstracción específica de un hecho contado.
En los libros específicamente, la ilustración tiene una mayor importancia en la tapa, en la
contratapa y en la sobrecubierta. En la actualidad distintos estilos de ilustración se
pueden observar siendo digitalizados para una fácil reproducción con los sistemas de
impresiones actuales.
De esta manera, uno puede encontrar en el diseño de un libro de tapa blanda o en la
cobertura de un libro de tapa dura, ilustraciones realizadas con acuarela o pintura, por
ejemplo, sin embargo son simplemente una reproducción digital preparado para la
impresión masiva en serie de tapas y no el dibujo en acuarela en sí.
De esta manera uno puede obtener el estilo y efecto comunicativo de cada medio
ilustrativo, pero con su debida adaptación para la impresión en serie según los métodos y
tecnologías actuales.
59
Capítulo 4
En este cuarto apartado del proyecto de graduación, se procura generar una observación
detallada y análisis profundo acerca de las tapas y coberturas de ciertos libros
específicos del género de ficción, se seleccionó una muestra de libros de los últimos 10
años en los cuales se puede observar una diferencia en la convivencia de los elementos
desarrollados a lo largo del trabajo poseen. Además se busca realizar una encuesta al
público promedio, abarcando a aquellos que ávidamente leen y los que no, para
comparar la apreciación que el espectador tiene acerca del diseño de tapas.
4.1. Recolección y delimitación de los libros a trabajar.
En el primer subcapítulo de este apartado se procura delimitar el material que será
analizado. Se ha mencionado y especificado anteriormente que la presente investigación
toma por objetivo de estudio al diseño de tapas de libros, de esta manera se define con
mayor especificación que los libros con los que se trabajarán pertenecen al género de
ficción, así mismo son libros cuya fecha de lanzamiento se encuentra en los últimos 10
años.
Además, en la totalidad del capítulo se procura generar una trayectoria en el tiempo que
busca marcar y detallar la manera en la que los distintos cambios parcialmente se
implementaron en el mercado, en la profesión y en las responsabilidades y objetivos de
los diseñadores. Para correctamente realizar dicha trayectoria inicialmente se busca
analizar y observar aquellas tapas de libros lanzados en los comienzos de la década
anterior. De esta manera se trabajará con libros lanzados en el año 2011 y 2012, para
luego analizar tapas más recientes, es decir algunas lanzadas en los años 2020 y 2021.
Para lograr los objetivos mencionados anteriormente se procura en este apartado inicial
especificar de manera general la base de la historia que relata cada libro, esto es
60
realizado para poder describir, entender y analizar el diseño de la tapa según la relación
que posee con el contenido.
En primer lugar se trabajará con la tapa de Inheritance escrita por el autor Christopher
Paolini. Inheritance es el cuarto libro de la saga The inheritance cycle escrita por el
mismo autor. En español, este libro es conocido como el legado. Esta cuarta publicación
es la última y la que cierra a la saga entera de libros publicados por Christopher Paolini.
Este cuarto libro, tiene la particularidad de que no estaba planeada su escritura, el autor
originalmente había planeado una trilogía de libros, sin embargo debido a la complejidad
de la historia y del mundo que el autor creó, este sintió necesario el desarrollo de un
cuarto libro que funciona a modo de cierre de la historia.
La misma sigue la historia de Eragon, un niño quien comienza la historia teniendo
alrededor de 15 años, Eragon encuentra un huevo de dragon y se une a la próxima
generación de Jinetes de Dragones para pelear en contra del rey quién ha aniquilado a
las previas generaciones de Jinetes y quién busca mantener total control y gobierno
sobre el mundo.
De esta manera, este primer libro con el que se busca a trabajar es una obra del género
de ficción, más específicamente se desarrolla dentro del género de fantasía debido al
contexto en el que transcurre y debido a las temáticas que todo lector encuentra dentro
de sus páginas. Así mismo, esta primera obra que se busca analizar data del año 2011,
demostrando específicas características comúnmente encontradas en todas las tapas
lanzadas al mercado dentro del género ficción en esos años.
En segundo lugar, el libro con el que se trabajará es titulado A dance with dragons escrito
por George R.R. Martin, también llamado Danza de dragones en español, este libro es el
quinto de la saga de ficción y fantasía escrita por el autor titulada una Canción de Hielo y
Fuego, además fue lanzado al mercado en 2011 al igual que el libro mencionado
anteriormente. Al ser la quinta publicación de la saga este libro continúa la historia y los
sucesos planteados en las publicaciones anteriores, particularmente retoma los hechos
61
con los que finaliza el libro anterior en la saga llamado Tormenta de espadas y detalla
sucesos simultáneos a los detallados en libros previos. De esta manera Danza de
dragones detalla y continua la historia de aquellos que activamente están intentando
ganar la lucha por el Trono de Hierro, describiendo las dificultades que los variados
pretendientes del trono sufren y aclarando la situación de lo que el lector podrá encontrar
en los próximos libros a publicar.
El tercer y cuarto libro con los que se trabajarán juntos debido a que ambos forman parte
de la misma trilogía de libros y ambos fueron escritos por la misma autora. Estos libros
son Linger y Forever escritos por Maggie Stiefvater y ambos forman parte de la saga The
wolves of Mercy Falls, también llamado Los lobos de Mercy Falls en español. Esta saga
salió al mercado con su primer libro titulado Shiver en 2009, seguido por linger lanzado
en 2010 y forever en 2011. Esta saga de libros, perteneciente al igual que las
publicaciones mencionadas anteriormente al género de ficción sin embargo, mientras que
los libros anteriores se basaban principalmente en el género de fantasía, Linger y Forever
toman su base en el género de romance y fantasía ya que en su historia y a lo largo de
toda su saga se relata la historia de amor y de la relación entre Grace Brisbane y Samuel
K “Sam” Roth y las dificultades por la que pasa su relación en un mundo fantástico donde
los hombre lobos existen y viven en la sociedad entre los humanos.
En quinto lugar, el libro con el que se trabajará y analizará es Siege and Storm, también
conocido como Asedio y Tormenta, este libro tiene como autora a Leigh Bardugo y fue
publicado por primera vez el año 2013 y subsecuentemente varias publicaciones y
reediciones en los años siguientes. Siege and Storm forma parte de la trilogía llamada
Shadow and Bone, también conocida como Sombra y Hueso en español, además fans y
seguidores de la autora han apodado a la saga como la trilogía Grisha. Siege and storm
al ser el segundo libro de la trilogía continúa los relatos del libro publicado previamente
llamado Sombra y hueso bajo el cual se titula la trilogía entera.
62
Esta trilogía y serie de libros siguen la historia de Alina Starkov, una adolescente
huérfana que vive en la tierra de fantasía llamada Ravka quién intentando salvar a su
mejor amigo, descubre su potencia y una serie de súper poderes que la lanzan al mundo
y categoría de personas élite llamados, en este mundo fantasioso como, Grishas. De esta
manera la historia relata el crecimiento y la madurez, además de las dificultades que
pasan estos personajes en su intento de sobrevivir en este mundo fantástico.
Finalmente, el último y sexto libro con el se trabajará el análisis de la tapa es un libro
llamado Ghost Wook Song, escrito por Erica Waters y publicado en el año 2020. Este
libro es una de las publicaciones más recientes cuya tapa ejemplifica todos los aspectos
que han cambiado con el trascurso del tiempo y demuestra de manera explícita el cambio
que se procura analizar en la presente investigación.
Este libro, al igual que los presentados anteriormente existe dentro de la categoría de
libros de ficción, sin embargo menciona en su contenido elementos de fantasía. La
historia sigue la vida de Shady Grove, quién ha heredado los poderes del padre de
invocar a los espíritus de los muertos cuando toca el violín, además el personaje siempre
ha evitado utilizar su poder debido a las consecuencias que este trae en los vivos. Sin
embargo, cuando su hermano es acusado como el principal sospechoso de un asesinato,
depende de Shady encontrar el verdadero malhechor para limpiar el honor y proteger la
vida de su familiar.
Tiene especial importancia comprender de manera superficial en principio los variados
temas y las diferentes historia que todo libro narra en su interior ya que estos afectan la
apariencia de sus distintas tapas. Las tapas, debido a sus funciones deben presentar a
los consumidores y lectores un indicio del contenido en su interior, de esta manera
comprender el contenido de los libros con los que se desea trabajar permite tener una
mejor mirada analítica al momento de descomponer y describir los distintos elementos
que conformar cada una de las tapas con las que se trabajará.
63
4.2. Descripción de las tapas y coberturas de los libros.
En este este segundo subcapítulo de la investigación se procura destallar por medio de
observaciones no guiadas las distintas características de cada tapa, describiendo
específicamente aquellos elementos que las conforman y realizando un mapa a través
del tiempo con los distintos cambios que definen y marcan el mercado de libros del
género de ficción en la última década.
En primer lugar se busca analizar el aspecto del primer libro con el que se decide
trabajar, Inheritance escrito por Christopher Paolini.
En la figura 1 (Cuerpo C, p. 2) se puede observar dicha tapa con la que se busca trabajar.
El diseño de la cobertura y de la tapa de la saga fue realizada por John Jude Palencar.
Palencar es un artista e ilustrador americano que se especializa en trabajos de fantasía,
ciencia ficción, horror entre otros. El diseño de Inheritance al ser el cuarto libro en su
saga, sigue la misma rama y características de los otros libros pertenecientes a la serie y
así mismo, sigue también la característica principal que se pueda observar en todas las
tapas del año, la separación o la falta de integración entre la ilustración o fotografía y el
diseño tipográfico editorial.
En esta primera tapa uno se encuentra con una ilustración de un dragón cubriendo su
superficie, el mismo es de color verde en un recuadro centrado en la parte superior de la
tapa. Esta ilustración presenta un fondo simple de un degradado contrastando las
sombras con la figura del dragón, generando un efecto de profundidad en la sección
ilustrada, y llevando la vista del espectador a la figura. La figura ilustrada, coloreada con
variantes tonos del color verde se encuentra en una pose 3/4 por la cual se observa al
espectador.
Por debajo del recuadro de la ilustración se encuentran los distintos elementos
pertenecientes a la rama del diseño gráfico que todo libro posee. Es decir que por debajo
de la ilustración uno se encuentra con la titulación de la obra, que cuenta con un diseño
64
de la tipografía que alude al género fantástico al que la obra pertenece y el nombre del
autor por debajo del mismo.
Toda tapa cuenta con un título de obra, el autor y una ilustración. El legado no es
excepción a esto, la ilustración del dragón adorna la tapa casi en su totalidad, recortada
en un espacio definido donde las sombras que poseen de fondo separan a la ilustración
del dragón del verde principal de la tapa. Este fondo así mismo funciona a modo de
marco, delimitando fuertemente la superficie destinada al desarrollo de la ilustración.
Por otro lado, la tipografía que se encuentra en la tapa muestra características de
tipografía que fue diseñada manualmente para remitir al género fantástico bajo el cual el
libro se desarrolla. Estas letras están diseñadas de un color amarillo que busca tener
parecido al dorado, sin ser dorado. Mientras que el autor está plasmado en la tapa con
una tipografía serif calado en blanco bajo el fondo verde.
La segunda tapa a analizar es la del libro titulado A dance with dragons (Cuerpo C, figura
2, p.3), escrito por George R.R. Martin, también llamado Danza de dragones en su
traducción oficial al idioma español.
A diferencia de la tapa anterior, Danza de dragones posee una ilustración que se
extiende por toda la superficie de la tapa, funcionando a modo de fondo sobre el cual la
tipografía y los distintos elementos del diseño editorial se desarrollan. La textura de fondo
no es lo único que compone a la ilustración de la tapa, en el centro de la superficie se
puede observar un elemento ilustrativo que muestra referencia a la historia de la que trata
el libro.
Los elementos editoriales por otro lado, se encuentran por encima de la ilustración,
superponiéndose a la misma en específicas secciones. La tipografía utilizada en la
cobertura y la tapa es una familia con serif, y se presenta en caja alta, es decir solamente
en mayúsculas. Además se puede apreciar la información en dos bloques separados. Por
un lado en la parte superior uno puede observar el nombre del autor, con colores fríos y
azules. Mientras que, por debajo, en la parte inferior de la tapa se encuentra el título del
65
libro, en tamaño de igual importancia al autor, en un tono de color amarillo, color que
posee relación y conexión a la ilustración que se presenta en la tapa. Además cabe
destacar que toda tipografía posee dos efectos, uno de sombreado por detrás de la
tipografía que sirve a modo de relieve artificial y plano en la imagen, y otra sombra que
funciona a modo de sombra interior que busca darte una impresión 3D a la tipografía
generando picos de luz y un efecto de resalte a la tipografía.
En el año 2009, sale el primer libro de una saga de la escritora Maggie Stiefvater. Sin
embargo el punto focal será en el segundo y tercer libro de la trilogía que se llama The
wolves of Mercy Falls, también conocida como Los lobos de Mercy Falls en español. En
el diseño de las tapas del segundo y tercer libro (Cuerpo C, figura 3 y 4, p. 4) que salieron
en el 2010 y 2011 respectivamente se puede comenzar a observar un fenómeno de suma
importancia para el diseño de tapas como se lo conoce actualmente.
Cada tapa de la trilogía presenta su distintiva paleta monocromática el primer libro en la
saga presenta una paleta de colores fríos rondando los azules y celestes. El segundo
libro, linger, muestra una paleta cromática que se trabaja con colores de variadas
tonalidades de verde, mientras que en el tercer libro se utiliza una paleta cromática cálida
de los colores rojos. En todas las tapas se utiliza una ilustración que acompasa a la
superficie entera de la misma, y presenta un efecto de profundidad y superposiciones de
las distintas figuras que se encuentran ilustradas en ella. El efecto de profundidad que
presenta la ilustración se desarrolla de manera bidimensional, utilizando diferentes
tonalidades de un mismo color, según la paleta de colores utilizada en cada libro. Al
colocar un tono del color tendiendo al negro por delante se genera un efecto de
profundidad y distinción frente a los otros colores. Además el estilo de ilustración
bidimensional permite la adaptación de un mismo estilo a lo largo de todas las partes de
la trilogía de la saga. Permitiendo de esta manera también destacar con importancia el
título y el nombre del autor del libro.
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Estas tapas presentan un estilo de ilustración específico que se mantiene a lo largo de
toda la trilogía, como fue mencionado anteriormente. Sin embargo el efecto único que se
desea destacar está presente específicamente en la tapa del tercer libro. Este efecto
lentamente comenzó a observarse con mayor frecuencia en las distintas publicaciones a
lo largo de distintos géneros. Específicamente, Forever es un libro que une la paleta de
colores de la ilustración con aquellos colores que son utilizados en la titulación y el autor
del libros. Es decir que hay una unión de la cromía que se maneja tanto en la ilustración
como en el diseño gráfico. Además en la ilustración se ve contemplada la introducción e
inclusión del título y del nombre del autor, esto significa que la los elementos presentes
en la ilustración de las tapas fueron ideados y dibujados para otorgar un lugar
determinado en el cuál los distintos elementos del diseño se desarrollarán.
El quinto libro con el que se busca trabajar es titulado Siege and storm escrito por Leigh
Bardugo (Cuerpo C, figura 5, p.5). Este es un libro que efectivamente demuestra un
cambio en el estilo de diseño de tapas y coberturas hasta la época.
Lanzado en 2013, este libro evidentemente demuestra una mejor convivencia y relación
entre los elementos en tapa, por ende se consume de manera homogénea y única el
mensaje que la tapa procura transmitir. Es a partir de este año también que el mercado
muestra un avance y un cambio siguiendo las particularidades que la tapa de Siege and
Storm muestran.
La primera impresión con la que todo espectador se encuentra al ver la tapa y cobertura
de este libro por primera vez y de manera similar a las tapas de Linger y Forever, Storm
and Siege muestra una impactante ilustración que cubre toda la superficie de la tapa a
diseñar. Sin embargo, esta ilustración se desarrolla en un estilo ilustrativo con
importantes diferencias, en la tapa de Siege and Storm se puede apreciar un efecto de
profundidad que se genera a partir de la implementación de un diseño en el fondo. Este
dibujo procura guiar los ojos del espectador en la manera que se debe consumir la
información de la tapa.
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En el fondo, se pueden observar líneas que se expanden de manera radial, con su centro
ubicado en la parte inferior central de la tapa, por detrás del dibujo de las edificaciones de
tonalidades rojas que se pueden encontrar por debajo del título. Estas líneas tienen por
función la de guiar la vista del lector, haciendo que este pase por el título, la ilustración
ubicada por debajo y entrelazada al mismo y por ultimo deposita la mirada del
consumidor en el nombre del autor.
El título por otro lado se muestra como elemento principal de atención, la ilustración
enlazándose al mismo pero tomando un papel secundario. Sobre su cabeza se encuentra
la figura ilustrada de un dragón cuyo cuerpo se enreda, enlaza y relaciona con la
tipografía de orígenes y cualidades gótica que caracteriza al título de la obra.
Además cabe destacar de la ilustración que existen una serie de elementos en el fondo
entre los cuales se destacan nubes, los destellos radiales mencionados anteriormente,
siluetas de edificaciones de color negro, así como un elemento ornamental que se
encuentra por el frente y flanqueando por ambos lados al autor de la obra. Todos estos
elementos mencionados tienen como función anclar la mirada del espectadores en los
elementos importantes, como lo son el título y el nombre de la autora de la obra literaria.
Por otro lado, esos mismos elementos mencionados anteriormente procuran distinguir y
brindar profundidad a la ilustración, además de insinuar sutilmente y hacer referencia al
contenido con el cual el consumidor se encontrará en el libro.
Finalmente, el sexto libro que se busca analizar y observar se titula Ghost Wood Song y
fue escrito por Erica Waters en 2020 (Cuerpo C, figura 6, p.6). La portada de este libro
muestra una completa y total inclusión entre los elementos ilustrativos y los elementos
editoriales gráficos. En el diseño de la tapa el espectador se encuentra con el título que
forma farte de la ilustración de la misma manera que la ilustración aporta y se relaciona
con el título. En este caso específico se representa en la tapa a la tipografía como si
fueran ramas o madera que sostiene y de la cuál se desprenden las flores rojas que
ilustran los bordes de la totalidad del soporte de la tapa.
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Si bien todo espectador que presencia esta tapa y cobertura por primera vez consume
inicialmente el título ilustrado que cubre la mayoría de la superficie del diseño, sin
embargo la ilustración que lo acompaña es consumida al mismo tiempo y al mismo nivel
que uno observa el título debido a la relación de aspecto y diseño que ambos poseen.
Si bien, este libro resulta ser un claro ejemplo de la culminación de la lenta trayectoria y
cambio de las tapas se presenta como estándar para el diseño de libros actual, uno aún
así puede seguir observando espacio para el cambio. Aún con el cambio de calidad en el
diseño y en la relación de los distintos elementos de la tapa, los autores y aquellos
comentarios extra que se presentan en la tapa, que pueden ser desde una apreciación
del libro, a un slogan de la historia misma o inclusive en las tapas uno puede
frecuentemente encontrar el posicionamiento del libro o autor en listas de rankings de
publicaciones pasadas, no se encuentran correctamente o efectivamente relacionados
con los distintos elementos ilustrativos y decorativos que acompañan al título desde la
ilustración, sin embargo demuestran una unión cromática con la ilustración al utilizar
colores que se relacionen y provengan de la ilustración principal.
Es aquí donde culmina el diseño y la ilustración de tapas y coberturas de libros, buscando
generar una relación igualitaria entre todos los elementos participantes del diseño de
tapas, generando una dependencia de ambas disciplinas por igual, elevando la
importancia de ambas y resaltando el efecto único que la correcta y efectiva inclusión y
combinación de ambas profesiones tendrá al momento de comunicar un mensaje en una
misma superficie.
4.3. Comparación de los elementos participativos en las tapas de los libros
seleccionados.
En este apartado del capítulo 4 se procura generar un análisis entre las distintas tapas,
comparando específicamente la relación entre los distintos elementos participativos de
las tapas, para luego generar una segunda comparación y una línea temporal evolutiva
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acerca del uso, del protagonismo, de la relación y la integración entre los distintos
elementos participativos en el diseño de tapas y coberturas de libros de ficción en la
última década.
Comenzando con el primer libro, uno se encuentra que como se mencionó en la
descripción de la tapa, cada elemento participativo en ella existe dentro de un plano y
superficie destinado a ese elemento en particular. Eso significa que la relación que posee
la ilustración y el diseño gráfico en los componentes de las tapas es nula.
Cabe destacar específicamente que a pesar de que todos los elementos imprescindibles
de toda tapa están presentes en la tapa de este libro, uno también puede encontrar que
existe una ausencia de relación entre los distintos elementos. Esto demuestra ser una
característica distintiva del diseño editorial de las tapas de libros durante principios del
2010 en adelante. Inclusive, la superficie de la tapa muestra una selección específica del
espacio en la cual la ilustración se desarrolla, mientras que el resto del espacio está
destinado a la implementación de los distintos elementos de diseño editorial tales como el
título, la editorial y el autor.
Se destaca específicamente entonces al principio de la década el desarrollo
independiente de cada disciplina que participa en el diseño de tapa, remarcando la
separación de los elementos inclusive dentro de una misma disciplina.
En el segundo libro que se trabaja, a pesar de ser del mismo año de publicación que el
libro anterior, ya se puede observar una diferencia particularmente en el tratamiento de la
ilustración debido a que esta está integrada y ocupa el plano entero de la superficie de la
tapa. Sin embargo, a pesar de presentar una mejor integración de la ilustración a la
superficie de la tapa se sigue observando una falta de integración entre los distintos
elementos ilustrativos y los elementos editoriales. La ilustración se desarrolla por
separado en comparación al desarrollo del diseño gráfico. Los elementos que maneja
cada profesión existen en un mismo soporte pero no muestran convivencia alguna ni
relación entre los distintos aspectos comunicacionales de cada uno. Si bien se
70
complementan en la transmisión de un mensaje y de un estilo, se diferencian en la
manera que cada uno se desarrolla, implícitamente limitando la comunicación que
emplean al desarrollarse individualmente.
Por otro lado, se destaca la observación de un cambio importante que se desarrolla
paulatina y lentamente en el diseño de las tapas. A partir de estos años también, en otra
categoría de libros que se encuentra englobada en la categoría de ficción se puede
observar lentamente la aparición de un fenómeno que se vio evolucionando y afectando
irrevocablemente la manera en la que se diseñan las tapas de los libros.
Los inicios de este cambio y cambio se pueden evidenciar en el tercer y cuarto libro con
el cual se busca trabajar. En estas tapas se puede observar una cruda e inicial
contemplación de una disciplina a la otra. Esto significa que en el diseño y dibujo de la
ilustración, que nuevamente toma la superficie de la tapa completa, se contempla el
espacio que será futuramente ocupado por el diseño tipográfico y la implementación de
los elementos del diseño editorial. Esto implica que de esta manera en el diseño de tapas
se puede observar un primer enlace entre las diferentes profesiones y una primera
contemplación de una profesión a la otra, en donde se diseña pensando en la ilustración
que lo acompañará y se ilustra pensando en el rol y el espacio que el diseño ocupará.
Esta característica que comienza a ser observada esporádicamente a partir del 2011
sufre distintas evoluciones al transcurrir los años y lentamente se puede observar a lo
largo de distintas tapas una lenta inclusión de los aspectos del diseño gráfico editorial,
como el manejo de la tipografía entre otros, en la ilustración. Esta contemplación
mencionada significa que al momento en que un ilustrador es pedido un diseño de tapa,
este lo realiza de manera tal en la que entiende donde se colocará el título y el autor de la
obra, entre otros posibles elementos del diseño gráfico que participen en ella.
Paulatinamente, se puede observar en el mercado la aparición y el asentamiento de este
nuevo estilo de diseño de tapas que busca establecer como estándar la integración de
ambas disciplinas, o por lo menos busca contemplar la relación interdisciplinar que existe
71
a efectos de comunicar eficientemente por medio del diseño de tapas. Y se puede
observar el asentamiento de un nuevo estándar de calidad de diseño de libros en el cuál
la ilustración sucede en el mismo espacio donde se desarrolla el diseño gráfico y a partir
de estos años no se encuentran más libros en las estanterías que no integren ambas
disciplinas.
Lentamente sin embargo, la relación entre la ilustración y el diseño gráfico evoluciona
pasando los límites vistos hasta el momento. Hacia mediados del 2013 La ilustración
busca activamente relacionarse con el diseño, procurando integrarse al texto por medio
de elementos decorativos pero que sin embargo se apegan al lenguaje gráfico con el cuál
se comunica en la tapa. La ilustración pasa de esta manera a ser no solo un
complemento del diseño tipográfico sino que toma igual o mayor importancia y
protagonismo en la participación en las tapas.
En el quinto libro que se describió y analizó existe una aparente unión entre la tipografía
utilizada para el diseño del título y la ilustración que funciona a modo comunicativo y de
fondo. La ilustración activamente se une al diseño tipográfico del título, elevando el
impacto y la importancia de estos dos elementos.
Hasta el momento, en la historia del diseño gráfico editorial, más específicamente en el
diseño de tapas y coberturas de los libros, la ilustración existía en un plano distinto del
cuál se desarrollaba los distintos elementos que maneja el diseño gráfico, no se pensaba
desde las distintas profesiones en la manera de relacionarse y el impacto que esto
tendría en la comunicación. Sin embargo, con el transcurso del tiempo la forma en la que
los diseñadores se aproximan al diseño de tapas es unida a la manera en la que el
ilustrador se aproxima al mismo objetivo. El cambio que el mercado experimentó con el
transcurso del tiempo que culminó en el diseño de tapas como se lo conoce actualmente
y al mismo tiempo transformo la relación existente entre las distintas disciplinas y el
diseño.
72
De esta manera, el sexto libro con el cual se trabajó demuestra exactamente el fenómeno
descripto anteriormente. En esta última tapa analizada uno se puede encontrar con que la
ilustración está estrechamente unida a la ilustración, al punto donde un espectador no
formado en las profesiones no podrá distinguir donde comienza una y termina la otra. La
separación entre las distintas disciplinas es inexistente, ambas comunican de manera
unida y ambas procuran transmitir un mismo y único mensaje.
Así es como se establece una nueva tendencia en la manera en que se diseñan libros,
específicamente las tapas y las coberturas de estos. Al generar tapas de alto impacto y
alta relación entre las distintas disciplinas que participan en su diseño todo comprador
puede consumir una tapa compleja en su desarrollo, pertinente en su mensaje y relación
con el contenido del libro y finalmente impactante en su imagen final. De esta manera
también se define la forma en la que los profesionales deben desarrollar sus tareas
individuales para obtener un diseño que cumpla los requisitos mencionados
anteriormente.
Cabe mencionar también que no es solo la mirada de un profesional quién puede
determinar y encontrar la anomalía que se estudia en el desarrollo de esta investigación.
Al realizar una encuesta a más de 150 personas cuyo público varía en edades, géneros y
niveles socioeconómicos uno se encuentra con que tanto los profesionales como el
consumidor promedio encuentran una diferencia en la manera en la que se diseña. Al
emplear como método investigativo y de recolección de datos a la encuesta se procura
generar un acercamiento específico a la mente de aquellas personas que son ávidos
lectores y de los que no lo son. Al acercarse y comprender al consumidor promedio como
diseñador se podrá generar una comprensión profunda acerca de las cualidades de la
persona a quienes se comunica. Esto logra entender la mente del consumidor, y permite
al diseñador comprender la manera que muestra mayor efectividad al momento de
comunicar un mensaje en las tapas.
73
En primer lugar se buscó determinar cuál es el porcentaje de aquellos que
frecuentemente consumen libros de todo tipo, sorprendentemente el porcentaje fue casi
igualado en la mitad, con un 49,4% admitiendo que no leen frecuentemente y un 50,6%
detallando que si disfrutan de una frecuente lectura de libros (Cuerpo C, Figura 8, p. 7),
se detalla explícitamente de esta manera que casi la mitad de la población argentina no
disfruta de la lectura como pasatiempo.
De toda la muestra se distingue que el 80,9% disfruta de los libros del género ficción, es
decir del género en el cual se elaboró el análisis y a presente investigación es consumido
por una amplia cantidad de espectadores, consumidores y lectores. Por ende, aquellas
respuestas que se obtuvieron en las preguntas específicas de las distintas tapas fueron
respondidas por frecuentes y ávidos consumidores del género.
En la encuesta se procura diferenciar el estilo de diseño de tapas en tres ejemplos
específicos. En primer lugar se pregunta a los encuestados sus opiniones y un breve
análisis de la primera tapa y libro trabajo llamado Inheritance. Acerca de este libro se
destaca que la atención del 94,4% de los encuestados (Cuerpo C, Figura 13, p. 10) fue
en primer lugar dirigida para la ilustración y el consenso indicó que la mayoría de los
encuestados no encontraron o no estaban seguros de la relación gráfica entre la
ilustración y los elementos gráficos como el título y el autor. De esta manera se confirma
las observaciones realizadas por la autora de la investigación en la cual se afirma que en
el diseño de tapas al principio de la década no se encuentra una relación entre los
elementos participativos de tapas.
Sin embargo a partir del año 2013 se evidencia el cambio mencionado en el subcapítulo
4.2 y en el presente apartado del capítulo en los cuales se detalla que paulatinamente se
comienzan a integrar las distintas profesiones. Con la muestra de la tapa del libro Siege
and Storm de Leigh Bardugo, en la encuesta se confirma el primer cambio, con un 69,7%
de los encuestados admitiendo que el título llamó su atención primero y que fue seguido
de la ilustración (Cuerpo C, Figura 16, p. 11) y un 62,9% describiendo que la ilustración
74
se percibe como unida al título sin embargo distinguiendo al mismo tiempo que la
ilustración se percibe por una mayoría del 69,7% (Cuerpo C, Figura 18, p. 12) a la
ilustración como igual de importante que el título. Sin embargo todavía se presenta la
distinción que solo un 62,9% de los encuestados encontraron una relación entre el título y
la ilustración con un 28,1% (Cuerpo C, Figura 17, p.12) que respondieron a la misma
pregunta que no estaban seguros de dicha relación. De esta manera se destaca y se
confirma como lentamente el cambio se asienta en el mercado, específicamente se
demuestra el espacio disponible para evolucionar dentro del mercado y dentro de las
profesiones.
Esta capacidad y evolución se puede confirmar a partir de las respuestas de la encuesta
que tratan acerca de la tercer tapa incluida en ella, en este caso se hacen preguntas
acerca del libro lanzado en el 2020 llamado Ghost Wood Song, escrito por Erica Waters.
Si bien se puede observar una dualidad entre el punto focal de atención inicial divido
entre la ilustración y el título, con un 60,7% (Cuerpo C, Figura 19, p.12) de los
encuestados respondiendo que vieron al título antes de la ilustración, mientras que un
38,2% (Cuerpo C, Figura 19, p.12) observó primero a la ilustración.
Sin embargo la mayor diferencia y el punto más importante a destacar fue el resultado a
la relación de entre la ilustración y el título que los encuestados observaron en esta última
tapa. Un 79,8% (Cuerpo C, Figura 20, p.13) ha respondido que sí sintió que estos
elementos estaban unidos, porcentaje más alto obtenido en toda la encuesta. Esta
respuestá se encuentra unida a la de la Figura 21 (Cuerpo C, p. 14) que demuestra que
un 71,9% de los encuestados encuentra ambos elementos, es decir tanto a la ilustración
como al título de la obra, como objetos de igual importancia. Esta observación cabe
mencionarla porque distingue que el consumidor está observando al mismo tiempo tanto
la ilustración como al título, es decir que dos elementos de disciplinas variadas son
observados en conjunto, distinguiendo así una lectura única que es llevada a cabo
paralelamente. De esta manera se explica demuestra también que aquellas tapas que
75
logran una relación interdisciplinar muestran capacidades mayores para la comunicación
de un mensaje más poderoso.
Es justamente así que la Figura 23 (Cuerpo C, p. 24) comprueba al mismo tiempo que
aquellas tapas que logran la unificación de la ilustración y del título son aquellas que
poseen mayor impacto en los consumidores. Casi la totalidad de los encuestados ha
encontrado una diferencia en las tapas, comprobando así que no solo los diseñadores e
ilustradores o todo aquel con los ojos entrenados de manera profesional encuentra una
diferencia a través del tiempo en el diseño de tapas, sino que el consumidor promedio
puede observar a simple vista un cambio en el mercado y una mejora en la calidad y la
relación de los elementos en tapa.
Al unir los distintos componentes en una única composición se podrá generar un diseño
que deje en sus observadores y consumidores una mayor impresión, de esta manera
mostrando mayor efectividad en la comunicación y al mismo tiempo se puede
comprender los factores necesarios para atraer la atención de los potenciales
consumidores. En la figura 11 (Cuerpo C, p. 9) se comprende que un 91% de los
encuestados han alguna vez en su vida mostrado interés en un libro sola y puramente por
el diseño que este poseía en su tapa, y si bien una gran cantidad de estos libros no son
comprados eso se debe a la temática del contenido o simple falta de interés.
Sin embargo, cabe destacar que el diseño en su composición logra habitual y
frecuentemente, por medio de la implementación óptima y unida de ambas disciplinas en
su diseño y composición de tapa, capturar la atención de todo potencial comprador. Así
mismo compartiendo y comunicando un mensaje específico que podrá ser factor decisivo
en la compra del objeto, interviniendo directamente en el mercado de libros y teniendo un
efecto de disparados al momento de comprar o buscar libros del género ficción.
76
Capítulo 5.
El presente capítulo tiene por objetivo resolver la problemática de la investigación, en
este caso se procura confirmar y definir si el diseño gráfico ha sufrido o no un cambio o
alteración en el rol que debe cumplir al diseñar tapas y coberturas para libros del género
de ficción, particularmente se busca definir los cambios que se observaron en varias
tapas lanzadas al mercado a lo largo de la última década. Así mismo, para correctamente
resolver la problemática uno debe comprender en primer lugar el rol que el diseñador
posee en el diseño de tapas. En segundo lugar se debe delimitar el rol que cumple la
ilustración en el diseño de tapas y finalmente también se necesita comprender como
ambas profesiones operan en conjunto para generar una comunicación única de un
mensaje específico.
En el desarrollo de la presente investigación se procura en primer lugar comprender los
objetivos de cada profesión individualmente para analizar sus funciones en conjunto.
Luego de la comprensión de los objetivos y tareas de cada rol, se realiza un analisis y
una detallada comparación entre las distintas tapas lanzadas al mercado a lo largo de la
última década. Es en la comparación realizada en el capítulo 4 que se logra comprender
y definir las alteraciones que ambas disciplinas han sufrido en el diseño de tapas de libros
del género ficción en el transcurso de los últimos 10 años y se define de esta manera
como el diseño y la ilustración son aplicadas a las tapas de los libros que futuramente
serán lanzados al mercado.
El libro es un objeto que cuenta con una extensa historia por la cual pasa y sobrevive
hitos históricos, estos sucesos causaron que el libro como objeto en sí evolucione
lentamente hasta formar el elemento libro como es conocido en la actualidad, con sus
particulares componentes, como las tapas y sobrecubiertas, las páginas preliminares, el
cuerpo del libro acompañado de su lomo y contratapa según lo define De Buen Jorge
77
(2000). Sin embargo sus componentes no fueron el único cambio que los libros sufrieron,
la percepción de ellos también se alteró conforme transcurrió la historia.
En sus comienzos el libro representaba un objeto de únicos números y ejemplares debido
a que su reproducción era dificultosa y lenta. De esta manera, la sociedad percibía al libro
como un objeto de puro lujo que unos pocos pueden costear y aún menos pueden
consumir, así los dueños de los libros frecuentemente realizaban sesiones de lectura
donde aquellos de la alta sociedad y la elite realizaban lecturas en voz alta de los libros
que tenían bajo su posesión a modo de muestra de poder, cultura, educación y para
demostrar la diferencia entre las distintas clases sociales. Paulatinamente sin embargo, la
colección de ejemplares disponibles para la sociedad y la población promedia aumentó,
con ciertos reyes y religiones acercando el contenido de los manuscritos y objetos a la
población promedio que normalmente no podría leerlos. De esta manera con el transcurrir
de los años y la evolución de la sociedad, tecnologías de reproducción y el humano en el
tiempo, el libro como objeto perdió lentamente la asociación a la élite de la sociedad y el
lujo al cual era asociado, acercándose al ciudadano promedio y permitiendo su
consumición por la población general.
Es así como el libro, objeto de consumo universal en la actualidad, se encuentra en una
época donde la reproducción y consumición del mismo es realizado por todos los
escalones de la sociedad, de manera pública y abierta, volviéndolo así un objeto de
completa normalidad despojándolo completamente de todo lujo previamente asociado
con él.
Sin embargo, cabe destacar que no es solo el rol que tiene en la sociedad el objeto lo que
cambia, sino que el estilo visual con el cual se trata al libro sufre modificaciones que
surgen a partir de los distintos avances tecnológicos y del momento social que la
humanidad transita, hasta lentamente evolucionar en el objeto como es conocido en la
actualidad, con su tapa, lomo y contratapa formando el exterior del libro, y así mismo
formando el objeto de estudio de esta investigación.
78
5.1 Las profesiones en el diseño de tapas
En este primer apartado del capítulo 5 se busca definir específicamente la manera en la
que el diseño gráfico cambió en el diseño de tapas de libros y la forma en la que el
manejo de sus distintos elementos y herramientas sufrieron modificaciones con el
transcurso del tiempo. Para comprender específicamente estos cambios se debe tener
una base del conocimiento de las herramientas con las que el diseño gráfico,
específicamente el diseño editorial, trabaja en el mercado. Por otro lado se busca
comprender el rol de la ilustración dentro de las tapas y como este es utilizado de manera
complementaria junto al diseño en la comunicación.
En primer lugar, se debe enumerar que la composición final y total de la tapa es trabajo y
responsabilidad del diseñador a cargo de la misma. Generalmente éste no trabaja a solas
sino que en conjunto con un equipo. A su vez para realizar el trabajo de la manera que
muestre ser más efectiva, el diseñador cuenta con distintas herramientas con las que
trabaja, entre ellas se destacan el color y la tipografía, particularmente la cualidad
comunicativa que estos tienen.
Toda tipografía tiene una carga comunicativa de la cual es imposible despojarla, diversos
elementos en su forma, grosor y características tiene la función de dotar a la fuente de
características específicas que aportan a la comunicación de sentimientos y mensajes
determinados. Todo diseñador procura en el desarrollo de su carrera comprender las
diferencias entre las variadas características que toda tipografía posee, comprendiendo el
efecto que estas poseen en sus espectadores y la mejor aplicación para generar una
comunicación efectiva por la correcta implementación de las variadas tipografías
existentes.
Así mismo, se genera una mención especial al color, debido a que este elemento también
es dotado de variados efectos en la persona, sin embargo, a diferencia de la tipografía, el
color implica una rama que afecta a variadas profesiones entre las cuales se encuentra la
ilustración y el diseño sin embargo también se puede encontrar otros como los
79
decoradores de interiores, pintores, productores industriales, psicólogos, etc. El color
produce variados efectos en las personas, este remite a emociones, sensaciones y
variados sentimientos. Eva Heller en su libro titulado la psicología del color (2008)
especifica además que las variadas asociaciones entre el color y los sentimientos no son
accidentales sino que estas son marcadas por una variada serie de elementos entre los
cuales se destaca la cultura, la tradición y variadas experiencias universales que están
relacionadas con las personas desde su niñez. Comprender específicamente como los
consumidores y espectadores reaccionan a los distintos colores es fundamental para
comprender la manera en la que los diseñadores deberán utilizarlos en sus variados
diseños y por ende la manera correcta y efectiva de comunicar a través de ellos.
El diseño gráfico editorial busca principalmente comunicar e informar al lector de manera
visual, claramente destacando aquellos aspectos importantes para que el mensaje final
que el espectador consiga sea interpretado de una única y específica manera.
Comprender las distintas herramientas que todo diseñador posee a su disposición a la
hora de trabajar resulta imprescindible para lograr una efectiva comunicación. Si un
mensaje de una pieza diseñada por un profesional en el área deja espacio para obtener
múltiples interpretaciones de su diseño eso significa que como diseñador se ha fallado en
la comunicación y por ende no se han manipulado correctamente las herramientas que
todo profesional tiene a su disposición.
Zapaterra (2014) menciona que el diseño gráfico editorial funciona por medio de sus
composiciones como capturas culturales y temporales, esto se refiere a que el diseñador
trabaja y elabora sus piezas según las tendencias sociales y culturales del momento. Por
eso mismo, al ver diseños de distintos años y de variadas épocas uno puede
específicamente comprender una parte de los aspectos que marcaron la época en la que
ese diseño y composición fueron publicados y lanzados al mercado. Este aspecto
también afecta al diseño de libros y es evidenciado específicamente cuando se comparan
80
diseños del inicio de la década como lo son los libros de Inheritance y de A dance with
dragons y son comparados a diseños actuales como el de la tapa Ghost Wood Song.
Al principio de la década uno puede observar una completa separación entre los distintos
elementos de la composición de cada tapa, inclusive aquellos pertinentes a una misma
profesión. Esto significa que incluso dentro de la misma área de especialización una
persona podría encontrarse con elementos que en su totalidad eran consumidos, leídos e
interpretados como elementos separados e individuales, aquellos elementos como el
autor, el título y la editorial se desarrollaban cada uno de manera individual, dificultando
una comunicación unida y fluida en su composición. Estos aspectos se encontraban aún
más individualizados y apartados de la ilustración y frecuentemente la ilustración se
llevaba a cabo en un plano distinto del cual se desarrollaba el diseño generando una
dualidad y distanciamiento entre todos los elementos presentes en las tapas de los libros
del género ficción a principios del 2010.
Sin embargo este aspecto cambia fuertemente cuando es comparado con los diseños de
la actualidad. Las tapas lanzadas al mercado a principio del 2020 y 2021, es decir las
tapas actuales, son tapas que muestran una unión entre los variados elementos
presentes en ella. Las líneas divisorias entre profesiones se encuentran confusas y
frecuentemente el diseñador es el ilustrador y viceversa, además en aquellos casos
donde cada profesional se encargue de una parte y tarea individual, ambos la realizan
con frecuentes canales de comunicación que se encuentran abiertos para desarrollar una
obra final que sea fluida y relacionada entre sí, mostrando la conexión característica que
se destaca de los diseños actuales de los libros.
Este aspecto presente en la actualidad no es fenómeno que solo los diseñadores y
profesionales en área reconozcan, sino que el consumidor de libros promedio puede
distinguir e inclusive estos aspectos son diferenciados por todo miembro de la sociedad,
sea frecuente lector de libros o no. Esto último mencionado queda en específica
evidencia por medio de la encuesta en la cual se comprueba que en la primera tapa
81
seleccionada con la que se trabajó que fue publicada en el 2010 un 48,3% (Cuerpo C,
Figura 14, p.10) de los encuestados no está seguro de si existe relación entre la
ilustración y el título, a este porcentaje cercano a la mitad de la muestra se agrega el
31,5% (Cuerpo C, Figura 14, p.10) que respondió que no encuentran relación alguna
entre los distintos elementos que aparecen en tapa. De esta manera podemos definir que
independientemente de la formación en el área del diseño una persona posea, todo
consumidor encuentra diferencia entre la unión que los elementos presentes en las tapas
de los libros seleccionados.
Por el contrario, estos datos muestran una extrema diferencia con lo preguntado en
referencia a la tercera tapa seleccionada para analizar, en la cual un 79,8% percibió a la
ilustración como unida o relacionada al título (Cuerpo C, Figura 20, p.13). Así mismo en la
encuesta se han realizado preguntas de cierre en las cuales se destaca que aquellas
tapa cuyos elementos se encuentran relacionados y unidos, es decir tapas en las cuales
la ilustración se une al diseño gráfico y la comunicación es realizada a la par, son
consideradas más impactantes y llamativas de atención, capturando el ojo del espectador
y posible consumidor de manera inmediata en comparación a aquellas tapas cuyos
elementos no se encuentran unidos en la transmisión del mensaje.
Para correctamente generar tapas con impacto y composición todo diseñador debe
comprender como utilizar las herramientas a su disposición correctamente.
Particularmente en el diseño de tapas y coberturas de libros uno encuentra que como
herramienta principal tiene a la tipografía, a la grilla y al blanco.
En primer lugar se encuentra la tipografía que como fue mencionado anteriormente
consta como elemento principal que todo diseñador a lo largo de su carrera busca
manipular con eficacia. Al mismo tiempo la tipografía es la herramienta con mayor
visibilidad que aparece en las tapas, este elemento también es el que muestra una mayor
capacidad comunicativa al momento de participar en la puesta compositiva con objetivo
comunicativo.
82
La tipografía, definido como conjuntos de caracteres, letras, símbolos, etc. que comparten
ciertas similitudes entre sus distintos signos (Ambrose, 2009, p.56), forman las distintas
familias tipográficas que conocen los profesionales en el rubro del diseño gráfico. Estas
variadas familias poseen distintas características entre sí, de esta manera afectando
como cada carácter y palabra luce. Esta diferencia en aspecto significa así mismo una
diferencia en comunicación, es decir que las distintas fuentes con sus distintos aspectos
comunican por medio de sus distintas características un mensaje en específico y aluden
así con su forma a cierto público o estilo comunicacional.
El blanco es una segunda herramienta con la que cuenta todo diseñador al momento de
crear todo tipo de composiciones y piezas específicas, dentro de las cuales se centra el
análisis en el libro. Sin embargo, el blanco es de los elementos menos visibles y casi la
totalidad de sus consumidores no son conscientes de la existencia del mismo. El blanco
permite, por un lado, que los elementos de la composición tengan su espacio, que estos
puedan existir y desarrollarse dentro de su superficie específica, según De Buen Jorge
(2000). Por otro lado, el blanco permite que toda composición tenga su propio impacto, es
decir que se utiliza para enfatizar los distintos elementos que se encuentran en tapa. El
manejo de blanco resulta imprescindible para comunicar efectivamente un mensaje.
Finalmente existe también la grilla, la tercera herramienta que todo diseñador posee para
diseñar tapas, Este, al igual que el blanco se muestra de manera invisible a los ojos del
consumidor, sin embargo resulta especialmente importante para guiar al diseñador en la
superficie sobre la que debe trabajar. Si bien suele ser usada especialmente en el interior
de los libros y revistas, cuando es aplicada a la tapa se utiliza de guía para colocar los
elementos de importante lectura con los que trabaja el diseño gráfico, tales como el título,
el autor y la editorial principalmente. Al colocar estos elementos dentro de l grilla el
diseñador se asegura que sin importar las dificultades o errores en el corte y armado de
los libros y tapas, todos los elementos de vital importancia de lectura están protegidos
dentro de su superficie.
83
Al controlar correctamente todas las herramientas mencionadas en este apartado, los
diseñadores podrán utilizar todos sus recursos para generar una pieza expresiva que
comunique en su tapa de manera impactante y buscando específicamente que capture la
atención de los consumidores y de todo espectador. Sin embargo los elementos del
diseño gráfico no son los únicos que conviven en la tapa, el diseño gráfico debe tener
contemplación de la ilustración al momento de diagramar y generar la tapa de un libro.
Por otro lado existe también la ilustración, que forma parte intrínseca en el diseño de
tapas por ende en el desarrollo de la investigación se procura en primer lugar comprender
a la ilustración como profesión individual, para luego, en segundo lugar entenderla como
complemento al diseño gráfico, particularmente para la generación de un mensaje de
única interpretación.
Si bien se reconoce que la ilustración se emplea como su propia y única profesión
generalmente toda persona la puede encontrar siendo empleada como complemento a
otras profesiones, en este caso, para el desarrollo de este proyecto de graduación se
observa e indaga acerca de la ilustración como complemento al diseño gráfico editorial
debido a que el objeto de estudio con el que se desea trabajar son las tapas y coberturas
de los libros del género ficción diseñados en la última década.
En los comienzos de la historia de los libros la ilustración se presentaba en ella
únicamente como elemento decorativo en los márgenes de las páginas o en alguna letra
capital específicamente diseñada para obtener la atención del espectador. Sin embargo,
con el pasar de los años el protagonismo que esta disciplina emplea en el diseño de
libros ha evolucionado hasta formar parte imprescindible e irremplazable del diseño de
tapas.
Zeegen (2009) especifica que la ilustración es una profesión que resulta difícil de definir
debido a las variables tareas que emplea. Sin embargo, existe un punto en común incluso
en sus distintas aplicaciones. Pennell (2016) detalla que toda ilustración, sin importar el
estilo artístico que opta por tener, debe tener por objetivo comunicar algo a través de ella.
84
Esta cualidad comunicativa es la que potencia al diseño gráfico y es debido a esto que
los ilustradores frecuentemente se encuentran trabajando junto a diseñadores que
buscan comunicar por medio de sus composiciones y si bien ambas profesiones pueden
desarrollarse independientemente de la otra, es cuando ambas trabajan en conjunto que
se puede generar puestas en páginas, composiciones y diseños impactantes para la
sociedad y llamadoras de atención de posibles consumidores en el mercado.
Al tomar a la ilustración como una de las formas más directas de comunicar visualmente
un aspecto en específico según Zeegen (2009), el diseño se encuentra con un mensaje
potenciado debido a que la ilustración puede ser visual y claramente guiar la
interpretación del espectador que acompañado a un buen uso de las herramientas de los
diseñadores se utiliza para anclar un mensaje y comunicar efectivamente en su
composición.
Ambas profesiones, sufrieron cambios en su uso con el desarrollo de nuevas tecnologías,
así como una implementación de nuevas herramientas que todo profesional puede
utilizar. De esta manera, las posibilidades de comunicación aumentaron y se vuelve
global la utilización de ilustraciones para generar una comunicación específica con un
mensaje puntual. Así mismo, es con el objetivo de la comunicación de un mensaje único
que variadas profesiones se desarrollan en conjunto al generar distintas piezas y
composiciones comunicativas.
.
5.2 El avance en los libros
En sus comienzos, los libros simplemente constaban de tapas cuyo único propósito era el
de proteger el contenido del libro, paulatinamente junto al desarrollo de nuevas
tecnologías la función de las tapas evoluciona y estas son utilizadas como medio de
comunicación acerca del contenido del interior además de activamente proteger las hojas
de su interior. Esta función mencionada es la descipción del trabajo actual que toda tapa
posee, es decir que toda tapa procura no solo proteger a las páginas de su interior sino
85
que también quiere comunicar un concepto, idea o mensaje que se relacione al contenido
que todo espectador encontrará en su interior, además de activamente llamar la atención
y generar pregnancia y curiosidad en todo espectador que la vea en las distintas
góndolas y repisas de los puntos de venta, sin embargo todas estos requerimientos para
la tapa fueron evolucionando. Por ende, lentamente junto al desarrollo de nuevas
teconologías para las distintas profesiones de diseño e ilustración se ha modificado a la
par la responsabilidad y los objetivos que toda tapa cumple, hasta evolucional al objeto
como es conocido en la actualidad, uno que funciona de manera comunicativa en todos
sus distintos aspectos.
En el comienzo, los libros constaban simplemente de las tapas contenedoras y
protectoras y su páginas de contenido, además debido a su dificultosa reproducción
inicial y limitadas materialidades, la información que se mostraba en la tapa de los libros
resulta ser la indispensable para reconocer el título y el autor. Con la aparición de la
imprenta, más específicamente la aparición de los tipo móviles, según Santarsiero (2008)
brindó incontable libertad para la reproducción de libros. Numerosos procesos que
previamente solían realizarse de manera manual lograron ser aumatizados, acelerando la
producción, aumentando la venta, disponibilidad y consumición de libros. De esta
manera, al aumentar la disponibilidad de los mismos, variados autores comienzan a
reproducir y lanzar sus obras al mercado de manera accesible para la población,
mediante este cambio en el mercado se observa un aumento en la consumición de libros
por ende existe un deseo mayor por parte de autores e imprentas para generar ganancias
y lanzar una cantidad aumentada de productos al mercado.
Si bien los cambios en el mercado fueron los mencionados anteriormente, existe otro
cambio que se realiza a la par. De esta manera, las nuevas tecnologías revolucionan la
manera en la que los diseñadores trabajaban, generando en muchos casos el deseo de
una gran cantidad de profesionales a especializarse en la rama del diseño que
actualmente es conocida como editorial. Por otro lado, los ilustradores también se vieron
86
afectados por estos cambios en la imprenta, debido a que con ellos, estos profesionales
descubren nuevas maneras de reproducir su trabajo y venderlo en el mercado. Es debido
a esta facilidad de reproducción que se comienza a aplicar lentamente a las tapas de los
libros, donde encontramos a la ilustración lentamente incluyéndose en variados aspectos
de los libros y es así como la imprenta comienza la evolución de las tapas hacia el objeto
por el cual se lo conoce en la actualidad, incluyendo la necesidad que este posee por
comunicar tanto información como un mensaje o idea del contenido del libro.
Los libros presentan una extensa historia que podría ser detallada y desarrollada a
sorprendente profundidad con el material de lectura existente, sin embargo el interés de
la presente investigación se focaliza no solo en los el análisis del diseño y la ilustración
de la última década, sino que busca aplicarlo específicamente a las tapas de los libros del
género ficción que han sido lanzados al mercado en la última década.
A principio del año 2010 y 2011 la principal característica principal que se puede observar
presente en las tapas del género de ficción en el mercado es la falta de la unión entre los
distintos elementos participativos en tapa. En la primera tapa seleccionada con la que se
trabajó se demuestra el punto mencionado con ejemplar claridad (Cuerpo C, Figura 1, p.
2). La tapa claramente demuestra una dualidad y separación entre los elementos gráficos
y los elementos ilustrativos. Esto se evidencia principalmente en la división de los
distintos planos en los cuales se desarrolla cada disciplina. Por un lado, la ilustración se
encuentra recuadrada por un marco con un cambio del color del fondo separándola de los
elementos gráficos, mientras que estos últimos se desarrollan con variados colores para
el nombre de la obra y para el nombre del autor, además ambos se diferencian del color
del color del fondo verde.
Esta diferencia de planos no presenta una dificultad en la comprensión de los elementos
pero si presenta inconvenientes en la relación de los mismos, al tener una separación
visible entre los campos en los cuales se desarrolla cada profesión los lectores y
consumidores no encontrarán relación entre los variados elementos, de esta manera la
87
lectura de los mismos se realiza de manera individual y al presentarse dos lecturas
diferentes existe una diferencia en el mensaje que cada consumidor puede obtener de la
tapa. De esta manera se comprueba por medio de la observación (Cuerpo C, Figura 24,
p. 15) que la lectura separada de los elementos genera una doble comprensión y eso
aumenta la dificultad al transmitir un único mensaje y así mismo resta la pregnancia y el
impacto que la tapa posee.
Sin embargo, por otro lado en la Figura 5 (Cuerpo C, p.5) se presenta la quinta tapa
seleccionada para analizar en la cual se comprueba el acelerado cambio que
paulatinamente se observa en el mercado. En esta tapa el título se encuentra con una
tipografía en la cual la ilustración se desprende directamente del título por medio de
elongaciones de los bastones y de las terminaciones de cada letra, a su vez esta
ilustración que desciende del título ubicado en su margen superior se entrelaza y
relaciona con la ilustración que desciende y se ubica por detrás y debajo del título. Así
mismo la ilustración en esta tapa es utilizada para guiar la vista del lector y del
consumidos hacia el resto de la superficie, generando una lectura unida de elementos
que no están completamente relacionados.
En esta tapa y ejemplo se demuestra como una inicial unión entre los distintos elementos
gráficos e ilustrativos elevan la presencia que la tapa posee en la biblioteca y en el
mercado y comprueban que la parcial unión de ambas profesiones generan una lectura
fluida de los elementos en tapa.
Finalmente, como ejemplo del diseño de tapas actual se analiza la tapa del libro llamado
Ghost Wood Song, escrito por Erica Waters (Cuerpo C, Figura 6, p. 6) en la cual culmina
la completa unión entre los variados elementos ilustrativos y los elementos gráficos. En
esta tapa, lanzada al mercado en el año 2020 se demuestra la tendencia observada en el
mercado de libros del género ficción en la última década. Al unir completamente los
variados elementos de cada profesión, el diseñador a cargo de la tapa logra una única
lectura de todos los elementos en tapa. En este caso en particular se realiza
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simultáneamente la lectura del título y la lectura de la ilustración en conjunto, generando
así un único mensaje transmitido y consumido de manera simultánea, causando una
mayor pregnancia y un mayor impacto en la mente de los consumidores.
5.3 El mensaje comunicativo
Los libros han sido un objeto con peso social importante, en sus comienzos, eran
utilizados como objetos de lujo que representaban el poder adquisitivo de aquellos en la
alta sociedad y separaba aún más a aquellos miembros de la elite que conseguían
leerlos. Esta opinión lentamente fue cambiando, evolucionando y perdiendo el dote de
opulencia que los libros poseían, con los distintos reyes e iglesias que permitían la
educación de la clase media y baja. Así mismo junto a este cambio de opinión social en
las tapas de todo libro se comienza a observar la adición de los elementos que aportan al
cambio de objetivo de las tapas, en las cuales de ser protectoras se las comienza a ver
como soporte comunicativo.
Todo diseño y toda ilustración, entre otras profesiones, tiene como objetivo el de la
comunicación de un mensaje en específico. Si bien ambas disciplinas demuestran su
aspecto comunicativo de manera individual y diferente entre sí mismas, lo que resulta en
un mensaje que puede ser generado de variadas maneras, ambas mantienen la
definición de objetivo final como el de la comunicación de un mensaje o idea.
Cada profesión tiene su forma particular de trabajar con sus herramientas individuales
para la generación de la comunicación deseada, en la ilustración se destaca el color entre
otras, mientras que en el diseño específicamente se busca comprender la utilización de la
tipografía como elemento comunicativo no solo por sus palabras sino por su forma y
color. Sin embargo, generar en una misma pieza de diseño variados mensajes resulta ser
conflictivo al momento de que los consumidores y espectadores consuman la pieza
diseñada.
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Resulta ser importante realizar esta distinción porque destaca el objetivo de las
disciplinas con las que se trabajan, en esta investigación se presta específica atención a
la Ilustración y al Diseño Gráfico, ambas tienen por objetivo elemental comunicar un
mensaje único y específico en sus diseños, ilustraciones y piezas realizadas. Sin
embargo, cabe destacar así mismo que el alcance y las herramientas específicas de una
sola profesión resultan, si bien efectivas al comunicar en su mercado individual,
potenciadas en su comunicación al utilizarlas en conjunto, de esta manera se enfatiza la
especial importancia que posee el trabajo en equipo para el diseño. Es decir que tanto el
diseño como la ilustración por sí mismas pueden efectivamente cumplir sus objetivos
comunicacionales de manera individual, pero cuando ambas son empleadas en conjunto,
los mensajes que comunican también se ven potenciados en sus cualidades de impacto,
lectura, interés e interpretación.
Por ende, para generar un impacto mayor en los consumidores, aquellos diseños que
logren correctamente incorporar los rasgos característicos de cada disciplina individual de
manera cohesiva generan un interés mayor en los espectadores y consumidores,
mientras que aquellas piezas que no logren la incorporación deseada pierden eficacia e
impacto al momento de ser consumidas. De este modo, todo libro, en su tapa tiene por
objetivo comprar al lector con el impacto y la comunicación que posee.
Además se presentan en estas tapas de libros físicos detalles realizados post impresión
que realzan y destacan ciertos aspectos con sus variados procesos. Por un lado es
común encontrar que el título de la obra presenta un relieve en su materialidad o la
utilización de una tinta especial como un dorado en su impresión además se puede
encontrar en las tapas la aplicación de una laca sectorizada que brinda un brillo especial
en las zonas donde se aplica.
Todos estos detalles implican el uso de ciertas máquinas de impresión que según
Santarsiero (2008) permiten la aplicación de técnicas únicas no vistas hasta su momento
de creación. Todo detalle agregado a los libros tienen variadas funciones, bajo a
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categoría de terminaciones ya que son agregadas luego de su primaria impresión a toda
tapa se le puede agregar diferentes efectos como el hot stamping que tiene una
connotación de extravagancia, decorando el libro con tintas especiales no
frecuentemente vistas en el mercado, entre los cuales se encuentran los dorados,
plateados o bronces. La laca sectorizada, por otro lado, permite destacar con una sutileza
específica detalles del diseño de la tapa que se parecían a contraluz. El timbrado por el
contrario, permite imprimir con tinta y relieve al mismo tiempo, proporcionando una
diferenciación física en sus partes aplicadas resaltando no solo visualmente sino que
también se destaca el tacto de la tapa. Al igual que la impresión en seco que
simplemente suministra en relieve detalles que solo se aprecian con la implementación
de otro sentido, en este caso el tacto.
La aplicación de estas terminaciones ayuda a remitir y resaltar distintas partes de la tapa
que el diseñador busca destacar por encima del resto de la pieza. La aplicación de las
distintas terminaciones no son elementos empleados de manera aleatoria, cada uno es
colocado en la tapa con cuidado para enfatizar en mensaje y la idea que las distintas
tapas quieren transmitir, cumpliendo de manera eficiente la lectura simple y directa de la
composición logrando así diseñar y comunicar efectivamente.
Luego del análisis de estos aspectos mencionados anteriormente se puede definir que si
bien el objetivo final del diseñador gráfico al momento de crear tapas no ha sufrido
ninguna modificación, y se mantiene como objetivo final el de generar una comunicación
clara, concisa y definida, el rol del diseñador gráfico ha definitivamente sufrido cambios
en la convivencia de los elementos que demuestra.
Al principio de la década los elementos en tapa se mostraban de manera independientes
entre sí, en el diseño de tapas actuales se confirma que al convivir los elementos gráficos
y los ilustrativos en una única comunicación y en un único soporte ambas disciplinas no
trabajan de manera individual sino que los esfuerzos se llevan a cabo en conjunto para
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obtener un impacto mayor en el lector y consumidor de cada libro y por ende en el género
ficción en la última década se pueden observar en las tapas de los nuevos libros
lanzados al mercado un estilo único de diseño de tapas que busca la total inclusión de los
elementos en un único mensaje para lograr una tapa impactante en cada ejemplar.
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Conclusiones
El diseño gráfico es una disciplina y profesión que se encuentra en constante proceso de
evolución y avance, desde avances tecnológicos que permiten la creación e
implementación de nuevas técnicas como lo fue la aparición de la imprenta con sus
variadas máquinas que permitieron la aplicación de terminaciones de manera mecánica
en lugar de manual, evidenciado y detallado en el desarrollo del capítulo uno de la
presente investigación, hasta avances en la sociedad que afectaron la forma en la que se
desarrollan las actividades de diseño.
De esta última mención nace la investigación realizada, debido a una tendencia en el
diseño de tapas del género ficción que se observó en el mercado, es así como la
estudiante se planteó la siguiente pregunta problema que se encuentra en la introducción:
¿De qué manera cambió la forma en que el diseño gráfico y la ilustración se presentan en
las tapas de libros?, que a su vez es acompañada del objetivo general del proyecto de
graduación que menciona el deseo de analizar el cambio del rol del diseño gráfico y de la
ilustración en las tapas de libros del género ficción en la última década.
Las temáticas relacionadas al objeto de investigación fueron estudiadas en el desarrollo
del cuerpo principal del escrito, detallando y explicando en variado detalle acerca de los
libros y las distintas disciplinas que se encuentran aplicadas en las tapas de los libros, la
ilustración y el diseño gráfico. Es por medio de este estudio del material realizado a lo
largo de los capítulos uno a cuatro que finalmente tanto la pregunta problema como el
objetivo general fueron respondidos en el capítulo cinco, y se confirma a lo largo de su
desarrollo que si bien el objetivo final comunicacional de las disciplinas trabajadas se
mantiene sin ningún cambio, es diferente la forma en la que las variadas profesiones se
aplican al diseño de tapas.
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Por un lado, la ilustración que se mostraba inicialmente en su historia como elemento
puramente decorativo, se utiliza en la actualidad como complemento a la comunicación y
forma parte vital de la composición que los diseñadores planean y generan.
Por otro lado, el diseño gráfico que en su comienzo solo trabajaba con los elementos
tipográficos genera una relación estrecha con la composición que se aprecia en las tapas,
y si bien su rol de comunicar no cambia, la habilidad con la que maneja sus diversas
herramientas permite incluir y tomar a la ilustración como otro elemento más con el cual
podrá componer impactantes tapas comunicativas.
Para definitivamente confirmar el objetivo general y responder la pregunta problema se
ha seleccionado una serie de tapas del género ficción que han sido publicadas entre los
años 2010 a 2020. Al seleccionar una serie de libros que transcurren en este periodo se
demuestra en el análisis del capítulo cuatro el avance del diseño de tapas y se
comprueba de manera visual las diferencias entre el estilo del diseño de tapas al principio
de la década en comparación al diseño de tapas actuales.
En su comienzo, los elementos participativos de las tapas de ambas profesiones se
desarrollaban con una mínima conexión entre sí, evidenciado en el análisis de las tapas
lanzadas al mercado en esa época. Lentamente se observa un cambio en este aspecto
resaltado, y paulatinamente se evidencia en las tapas analizadas de los años 2010, 2011
y 2014 la integración de variados elementos gráficos con los elementos ilustrativos que
figuraban en tapa. En su comienzo ambas se desarrollaban por separado, luego
comenzaron a desarrollarse por separado pero considerando el espacio que los demás
elementos necesitarán, por ejemplo, la ilustración demuestra una comprensión del
espacio que el título y el autor utilizarán en la tapa, designando un área en sí misma para
la inclusión de estos elementos. Para evolucionar en la aparición de un leve enlace
ilustrativo entre el ‘título o el autor y la ilustración, esto es claramente evidenciado en el
libro publicado en el 2014 por Leigh Bardugo, donde específicos bastonces y
terminaciones de las letras del títulos son enlazados con elementos miscelaneos de la
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ilustración. Finalmente esta evolución culmina en la completa integración de los variados
elementos participativos del diseño de tapas. En la tapa publicada en el año 2020
llamado Ghost Wood Song, escrito por Erica Waters se evidencia la total inclusión de los
variados elementos gráficos en la ilustración y viceversa, la ilustración se relaciona en su
totalidad con el título, generando una única lectura de sus distintos elementos, además
de proporcionar un espacio para la inclusión del nombre del autor de la obra, incluyéndolo
a la única lectura de la tapa al integrarlo con la paleta de colores que la ilustración y el
título utilizan.
En el caso particular del diseño de tapas de libros, el diseño gráfico comparte superficie
de trabajo con la ilustración, de tal manera que ambas deben utilizar sus herramientas
para la generación de un único mensaje comunicativo que le sea simple de comprender
para el espectador y lector. Al comienzo de la década uno se encuentra con libros que
demostraban separación entre sus variados elementos, debido a que la ilustración y el
diseño gráfico desarrollaban sus actividades por separado aún dentro de un mismo
soporte. Todo lector encuentra una lectura de la tapa dividida, en la cual por un lado se
consumía la ilustración y por otro los variados elementos del diseño gráfico. En
contraposición, los libros lanzados al mercado en la actualidad, es decir aquellos que
fueron publicados en los últimos dos años, demuestran una unión completa entre sus
variados elemento inclusive aquellos de profesiones separadas, permitiendo una única
lectura en conjunto de todos los elementos presentes en tapas aun siendo de diferentes
disciplinas y profesiones.
Al comprender esta dicotomía en el desarrollo y diseño de tapas de los años 2010 y 2011
en comparación con las tapas lanzadas al mercado en el 2020 y 2021, se puede entender
exactamente la forma en la que evolucionan aquellos aspectos resaltados a lo largo del
capítulo cuatro y cinco de la presente investigación. Así mismo, por medio de la
implementación de una encuesta realizada a la sociedad se comprueba que estos
cambios son percibidos por la persona promedio, es decir que aquellos diseñadores y
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aquellos que no han sido formados en la disciplina observan y comprenden las
diferencias entre los distintos diseños y frente a la comparación de las variadas tapas de
las distintas publicaciones aquellas personas sin formación académica en la ilustración y
en el diseño han observado a simple vista y expresado en sus respuestas la preferencia
por los diseño actuales que se muestran unificados en sus distintas profesiones y
elementos, mostrando un único mensaje en su comunicación y un mayor impacto en la
composición de la tapa.
Así mismo se debe comprender que si bien se ha realizado un concreto análisis de las
tendencias actuales del diseño de libros, no se ha logrado una predicción hacia las
posibles tendencias futuras a las cuales el diseño podrá dirigirse. Es así como la presente
investigación demuestra una comprensión del rol actual del diseñador, logrando cumplir
su objetivo. Sin embargo de esta misma manera el rol futuro de los diseñadores sigue
siendo un misterio, por ende en el desarrollo de este proyecto queda inconclusa la
predicción futura del rol que los diseñadores deberán cumplir en el diseño de tapas de
libros del género ficción aunque queda en concreta comprensión el rol que los mismos
deben cumplir en la actualidad.
Se propone así un futuro estudio que beneficiará a los diseñadores que se desarrollen en
el área del diseño editorial, particularmente en el diseño de tapas de libro, en el cual el
investigador podrá, tomando como base el análisis realizado en esta investigación,
ahondar acerca del futuro rol que el diseñador deberá cumplir en los diseños de tapas,
analizando con mayor fluidez y profundidad la evolución del rol que el diseñador cumple
en la actualidad, en contraposición con el rol que el mismo cumplirá en los diseños de
tapas futuras.
De esta manera se puede observar que esta investigación ofrece la innovación y un
aporte incremental a la disciplina, a los estudiantes y practicantes de la profesión debido
al análisis de la tendencia que presenta el mercado de libros en la actualidad. Se
comprende en profundidad los cambios que ha sufrido el diseño gráfico en relación al
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diseño de tapas y se comprende así mismo la forma en la que el diseño evoluciona e
interactúa la disciplina de la ilustración. Por ende, se logra tener una comprensión del
futuro cercano que le espera todos los diseñadores de tapas de los libros del género
ficción en cuanto a las funciones que deberán cumplir y el rol que deberán desarrollar en
el diseño de libros.
Así mismo, esta investigación genera un aporte en relación a la realización de productos,
debido a que se genera una nueva comprensión de la forma en la que los diseñadores
deben desarrollar sus actividades para generar una tapa final de elevado impacto y
pregnancia en los consumidores que a su vez comunique concretamente un mensaje,
potenciado por la correcta aplicación de sus herramientas y la integración de la
ilustración.
Finalmente se puede concluir con la confirmación de que el rol del diseñador ha
evolucionado en las tareas que debe realizar al momento de diseñar una tapa para un
libro del género ficción. Si bien su objetivo final de comunicar se mantiene intacto, se ve
afectado la forma en la que el diseño realiza dicha comunicación, modificando no solo las
herramientas que puede aplicar, sino que la relación que el diseño gráfico posee con
variadas profesiones que también participan del diseño de tapas, en específico la
ilustración también afecta el rol del diseño gráfico. Cabe destacar además que las
observaciones generadas en esta investigación en relación a los libros del género de
ficción en particular pueden ser aplicadas a otros géneros de libros y al diseño de
variadas piezas comunicativas.
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