Palabra de Blues No 1

AÑO 0 No. 1 Mayo de 2009 Ciudad de México

www.amblues.org.mx - [email protected]

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CRÓNICAS, REPORTAJES, ANÉCDOTAS, RECOMENDACIONES

DE CD´S, DVD´S, LIBROS, PROGRAMAS DE RADIO, EVENTOS

Y MÁS DE

BLUES! BLUES! BLUES!



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DIRECTORIO

AMblues

PRESIDENTE: Jorge García Ledesma

SECRETARIO: Gilberto Casillas Pérez

TESORERO: Eduardo Jaimes Velázquez

REPRESENTANTE: José Alfredo Reyes Palacios

VOCALES: Mario Martínez Valdéz, Francisco López

Velázquez, David Pedraza

PALABRA DE BLUES

EDITOR: (1) José Luis García Fernández

COLABORADORES en este número: (2) Francisco

López Velázquez, (3) Juan Ávila, (4) Alfredo “Freddy”

Reyes (5) Jorge García Ledesma, (6) Victorio Montes

Silva, (7) Arturo Olvera Hernández, (8) Mario Compañet,

(9) María Luisa Méndez, (10) Roberto Dueñas, (11) Juan

Hernández Reyes.

DISEÑO DE LOGO Y APOYO TÉCNICO:

José Luis García Vázquez: [email protected]

CONTENIDO

1 PORTADA

2 DIRECTORIO – CONTENIDO – LA PORTADA (1)

3 EDITORIAL un estilo de vida … para leer (1)

4 ANÉCDOTAS (2)

6 ZONA MÁGICA (3)

9 ESTACIÓN METROBLUES (4)

10 BLUES DEL SUR (5)

12 ENTRE LA CELDA 2 Y 3 DE UNA ARMÓNICA (6)

14 MANISH BOY (7)

16 EN OPINIÓN DE … MARIO COMPAÑET (8)

17 LIBROS DE BLUES (1)

18 EL REPORTAJE AZUL!!! (9)

20 LAS FOTOS DE ROBERTO (10)

21 ESPECIAL (6)

22 LAS RECOMENDACIONES cd´s.(1)

23 LAS RECOMENDACIONES dvd´s.(1)

24 LA BANDA DEL MES (11)

26 BLUES EN EL RADIO (1)

26 EVENTOS DEL MES (1)

Todos y cada uno de los artículos son responsabilidad de quién los firma.

La opinión del editor y los colaboradores no refleja necesariamente la

opinión de todos los miembros la AMblues como tal.

Envíe sus comentarios a: [email protected]

Registro de Derechos de autor ante el INDAUTOR en trámite.

MUDDY WATERS (foto: www.muddywaters.com)

Muddy Waters (4 de abril de 1915 – 30 de abril de 1983), su verdadero nombre fue McKinley Morganfield, nació en Rolling Fork, Mississippi. Fue el heredero por excelencia de los legendarios cantantes-guitarristas itinerantes del delta de los años 30´s como: Son House, Willie Brown y Robert Johnson, trasladó al contexto urbano toda esta tradición rural. Fue uno de los máximos exponentes del slide, en 1941 Alan Lomax lo encuentra y graba por vez primera, en 1943 arriba a Chicago donde trabaja como obrero. Es en este lugar donde forma su banda generalmente con excelentes músicos: Little Walter, Otis Spann, Jimmy Rogers, Junior Wells, Smokey Smothers y “Big” Walter Horton, entre otros. Muddy dejó para la posteridad la frase: “El blues tuvo un hijo y lo llamaron rock and roll”

http://es.wikipedia.org/wiki/1992

http://es.wikipedia.org/wiki/Misisipi_(estado)



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Editorial

Un estilo de vida … para leer Imagina a toda la gente

viviendo la vida en paz ...

Puedes decir que soy un soñador

pero no soy el único …

John Lennon

¡Hola a todos!

Ha sido un mes intenso lleno de situaciones, actividades y por supuesto de mucho blues, la

respuesta al boletín ha superado las expectativas por lo que agradezco a todos los colaboradores,

y a quiénes se han interesado dando su opinión a la misma.

Entre las diversas situaciones quiero mencionar una que se dio con motivo del Tercer Encuentro

de Blues y del Ciclo de Jazz y Blues en el Centro Cultural José Martí, ya que en estos eventos nos

presentamos algunas bandas asociadas, otras independientes y de las identificadas con los

amigos del colectivo blues mexicano, todas caminando los senderos del blues hecho en México,

pero cada quién por su lado, ojalá algún día lo hagamos juntos y logremos esa unión tan necesaria

para hacer las cosas mejor. En fin dicen que soñar no cuesta nada, pero que también los sueños

se hacen realidad y así ha sido para mí: escribiendo para este boletín, tocando el blues con las

bandas, grabando disco, componiendo y arreglando rolas, etc. etc; con mucha actividad como les

digo.

Pero bueno hablemos del contenido para este número de mayo que tendrá las columnas de Jorge

García, “Blues del Sur”, ahora con el tema “Los Encuentros de Blues Hecho en México”, “Freddy”

Reyes con su “Estación Metroblues” que nos presenta “Anita” de Serpiente Elástica, “En

Opinión de Mario Compañet” escribe una breve semblanza de George “Harmonica” Smith, Paco

López se estrena con: “Anécdotas” de los apodos de las guitarras de los famosos, en otro

estreno Juan Ávila en su “Zona Mágica” plasma una interesante investigación en “El Blues de la

Serotonina”, Arturo Olvera el “Manish Boy” nos dice: que “Alex Dixon, nieto de Willie estrena

disco y además nos habla del “Aniversario luctuoso y de nacimiento de Muddy Waters”, el espacio

de “La Banda del Mes” será en esta ocasión para “Juan Hernández y su Banda de Blues”, las

colaboraciones siempre interesantes de Victorio Montes Silva con la segunda parte del Especial, y

su columna Entre la Celda 2 y 3 de Una Armónica con el tema La Prehistoria del Blues de

Armónica 1ª parte, “El Reportaje Azul” de María Luisa Méndez nos entrega sendas entrevistas

con integrantes de los grupos participantes en las tocadas del Ciclo de Jazz y Blues en el Martí:

Callejón Azul y La Rambla, no faltan las “Fotos de Roberto” y como complemento esencial las

“Recomendaciones de Libros, Cd´s y Dvd´s”.

Reciban un abrazo y hasta el próximo número que estará de nuevo lleno de sorpresas, en verdad

se los digo … Palabra de Blues.

José Luis García Fernández

1° de mayo de 2009



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ANÉCDOTAS de Paco López

Francisco López Velázquez, miembro fundador de la

AMblues, guitarrista, cantante y líder de La Tregua

[email protected]

Atrás de un gran hombre siempre hay una gran

mujer,

Atrás de una gran guitarra siempre hay un gran

apodo.

Hablar de guitarras es evocar el canto de diosas y mujeres

divinas quienes deambulan en la tierra con la nostalgia de

encontrar un hombre que pueda comprender el secreto de sus

almas. Son contados los varones cuyo corazón ha podido

abrazar el diálogo de esas deidades que en cada nota musical

sugieren un mundo espiritual posible y terreno. Hablemos de

ellas a través de sus nombres.

Lucille.

Riley King, conocido como B.B. King, ha estado con ella desde

1949. Lucille es una guitarra Gibson modelo ES-355. El

guitarrista ha contado la historia de su musa muchas veces.

Una noche fría del año 1949 dos hombres iniciaron una pelea

cerca de un bote con queroseno en llamas, cayeron encima

del recipiente que de inmediato se regó por todos los rincones

del lugar, como un río de lava ardiente.

Todos los allí presentes, incluyendo a B.B., corrieron hacia la

puerta de salida. Una vez afuera del lugar, Riley se dio cuenta

que había olvidado su guitarra, una Gibson acústica, adentro

en el infierno.

Regresó al recinto que estaba a punto de colapsarse para

salvar a su instrumento, el músico estuvo a punto de perder la

vida durante el rescate. A la mañana siguiente, B.B. se enteró

que aquellos dos hombres peleaban por una mujer de nombre

Lucille a quien él nunca conoció. Decidió bautizar a su Gibson

acústica con el apelativo de Lucille y a todas las guitarras que

ha tenido desde aquella noche para que siempre le

recordaran su acción y que nunca la volviera a repetir.

Lucy.

Albert King nació el 25 de abril de 1923 en Indianola,

Mississippi. En esta misma localidad nació Riley King y aunque

no tuvieron ninguna relación de parentesco, él solía decir que

B.B. King era su medio hermano. Albert aprendió a tocar sin la

ayuda de un maestro. Desarrollo una técnica personal al tocar

la guitarra al revés, es decir la sexta cuerda abajo y la primera

arriba, ya que era zurdo natural, además rasgaba las cuerdas

con su dedo pulgar izquierdo en lugar de utilizar una plumilla.

En 1956 emigró a St. Louis, ciudad donde la escena del blues

se desarrolló gracias a la estancia del Rey Alberto. Aquí

conoció a la amante de toda su vida, una guitarra Gibson,

modelo Flying V que sería bautizada con el nombre de Lucy.

Number one (número uno) también llamada first wife

(primera esposa).

Number one es la mezcla del cuerpo de una guitarra Fender

Stratocaster modelo 1959 con un diapasón Stratocaster

modelo 1962.

Stevie Ray Vaughan la recibió a cambio, en 1973, por la

primera Fender Stratocaster modelo 1963 que había

comprado en 1969.



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Stevie vio a la deidad en “Ray Henning´ Heart of Texas Music”

en Austin donde sintió que una mirada fue suficiente para

saber que era la compañera ideal para él, en otras palabras

fue amor a primera vista.

De acuerdo con las palabras del guitarrista y cantante:

number one era la guitarra mestiza Stratocaster que todos

conocemos y amamos. El mestizaje nace de la unión de los

modelos 1959 y 1962, color tobacco-sunburst (traducido al

español: una belleza de piel morena).

Existe un rumor de que number one fue enterrada junto con

Stevie en el Laurel Land Cemetery cerca de Dallas, Texas.

Lenny.

Guitarra Fender Stratocaster modelo 1963 o 1964, color

naranja-café con diapasón de maple. Stevie Ray Vaughan la

bautizó con el mismo sobrenombre de su entonces novia y

después esposa, Lenny (Leonora).

La leyenda dice que Stevie la encontró en una tienda de

empeño “Oak Cliff” pero no tenía dinero suficiente para

comprarla.

Byron Barr, un asistente de SRV en ese tiempo, finalmente

compró la guitarra. Éste junto con Lenny obsequió el

instrumento musical a Stevie durante la celebración de uno de

sus cumpleaños. La novia prometió que reembolsaría el

dinero a Byron. Inició una serie de quinielas entre sus

amistades para recabar fondos pero nunca reunió lo

suficiente. Finalmente, Stevie liquidó el préstamo dando

dinero en efectivo y una chamarra de cuero a su amigo. Así

concluyó la deuda, pagando su propio regalo.

Blackie.

Fue el apodo afectivo que Eric Clapton dio a su guitarra

favorita: una Fender Stratocaster color negra.

En 1970 Clapton dejó de utilizar guitarras Gibson para tocar

con Stratocasters, influido por Jimi Hendrix y Steve Winwood.

Su primera compañera recibió el apelativo de “Brownie”

(morenita) debido a su acabado color bronceado, quemado

por el sol. Durante el mismo año, Eric fundo el taller de

guitarras Sho-Bud en Nashville, Tennessee.

El afamado guitarrista compró 6 guitarras Stratocaster usadas

que costaron $100,00 dólares cada pieza; obsequió una a

George Harrison, una a Pete Townshend, y otra a Steve

Winwood. Clapton desarmó las tres restantes, modelos 1956

y 1957, para tomar las partes que más le gustaron y así

ensambló a Blackie, el color negro de su piel tersa le valió tal

nombre. El querido instrumento apareció por primera vez

frente a una audiencia en el Rainbow Concert del 13 de enero

de 1973.

Clapton tocaría con Blackie durante muchos años adentro y

fuera del escenario hasta que en una gira de conciertos, en la

localidad de Hartford, año 1985, quedó jubilada debido a

problemas en el mástil. La última actuación de Blackie está

fechada el año 1991 en los conciertos del Royal Albert Hall

donde fue invitada a participar en una canción.

En el año 2004, Blackie fue vendida por la cantidad de

$959,500.00 dólares en la subasta Christie´s para recabar

fondos, destinados al proyecto Crossroads Center. Centro de

rehabilitación fundado por Clapton donde atienden a víctimas

de las drogas y el alcohol.

Saludos a ritmo de Sweet Home Chilango: PACO LOPEZ



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Zona Mágica por Juan

Ávila [email protected]

Juan Ávila es un incansable promotor del blues en México, líder, guitarrista y cantante de la banda Omniblues.

EL BLUES DE LA SEROTONINA!!!

LA EXPLICACIÓN DE QUE EL BLUES, UNA MÚSICA TRISTE Y DESGARRADORA, SURGE DE LAS CONDICIONES TAN LAMENTABLES EN LAS QUE VIVÍAN, LOS ESCLAVOS DEL SUR DE LOS ESTADOS UNIDOS DE NORTE-AMÉRICA, PARECE TENER MUCHO SENTIDO. SIN EMBARGO, VEAMOS EL SIGUIENTE ENFOQUE:

ES DE ESPERARSE QUE UNA PERSONA TRISTE Y DEPRIMIDA GENERE PENSAMIENTOS TRISTES. GENERALMENTE ASÍ ES, UNA PERSONA TRISTE, TIENE UNA PERCEPCIÓN DISTORSIONADA DE LA REALIDAD, LO QUE LE GENERA, PENSAMIENTOS NEGATIVOS Y TRISTES, LO QUE PRODUCE BAJA AUTO-ESTIMA, QUE A SU VEZ LE GENERA DEPRESIÓN Y ESTE ESTADO EMOCIONAL DA COMO RESULTADO UNA BAJA PRODUCTIVIDAD, EN TODOS LOS SENTIDOS; FISICAMENTE, MENTALMENTE, CREATIVAMENTE, LO QUE GENERA MAS PRESIÓN Y A SU VEZ CIERRA UN CÍRCULO VICIOSO. LA MAYORÍA DE LOS ESPECIALISTAS EN LA MATERIA, ESTÁN DE ACUERDO EN QUE LA DEPRESIÓN GENERA UNA BAJA ENERGÉTICA Y UNA CAPACIDAD DE REACCIÓN Y DE CREATIVIDAD ESCASA.LO CUÁL HACE QUE EL INDIVIDUO SE VEA INMERSO EN UN CÍRCULO VICIOSO, DEL QUE ES MUY DIFÍCIL DE LIBRARSE. EL ESTRES Y LA DEPRESIÓN SE RETROALIMENTAN Y HACEN QUE EL INDIVIDUO CONSUMA GRANDES CANTIDADES DE ENERGÍA, AL GRADO DE QUEDAR EXAUSTO, CON CONSECUENCIAS LETALES Y NEFASTAS, YA QUE ESTA PERSONA QUEDA TOTALMENTE INCAPACITADA PARA PENSAR, SOBRE TODO PENSAR POSITIVAMENTE, CREAR, CONSTRUIR, CONCENTRARSE ETC. LA DEPRESIÓN PUEDE DEFINIRSE COMO UN ESTADO EMOCIONAL ACOMPAÑADO DE TRISTEZA Y AISLAMIENTO QUE SE PRESENTAN POR PERIODOS PROLONGADOS. ENTONCES, SI LA DEPRESIÓN BLOQUEA LA CAPACIDAD DE CREACIÓN, ENTRE OTRAS COSAS; ¿POR QUÉ ESTOS ESCLAVOS DEL SUR DE LOS ESTADOS UNIDOS, QUE VIVÍAN EN CONDICIONES LAMENTABLES, OPRESIVAS Y GENERADORAS DE UNA ALTA DEPRESIÓN, CREARON LA

MÚSICA QUE ES LA RAÍZ DE GRAN PARTE DE LA MÚSICA QUE SE ESCUCHA HOY EN DÍA? ¿POR QUE CREARON CIENTAS, SINO ES QUE MILES DE CANCIONES LLENAS DE TANTA FUERZA Y ENERGÍA? ¿POR QUE SU MÚSICA SIRVE DE SOPORTE, INFLUENCIA Y MOTOR PARA GENERAR EL JAZZ, EL ROCK, EL SOUL, EL FUNKY, ENTRE MUCHAS OTRAS CORRIENTES? LA EXPLICACIÓN DE QUE; "EL BLUES ES TRISTE, POR QUE PROVIENE DE GENTE TRISTE Y OPRIMIDA", PARECE NO ENCONTRAR MUCHO SENTIDO EN ESTE CONTEXTO. INSISTO, ¿POR QUÉ GENTE QUE VIVÍA EN CONDICIONES DEPLORABLES, INFRAHUMANAS, OPRESIVAS Y MISERABLES FUERON TAN CREATIVAS? REITERO QUE LA EXPLICACIÓN DE QUE, "SU CREATIVIDAD PROVIENE DE SU PROPIA TRISTEZA" SUENA POETICA Y HERÓICA, PERO NO ENCUENTRA SENTIDO DESDE UNA PERSPECTIVA MAS TÉCNICA Ó CIENTIFICA. POR LO QUE SE REQUIERE BUSCAR UNA EXPLICACIÓN CAPAZ DE RESISTIR UN ANÁLISIS MAS ESTRICTO. LOS NIVELES DE SEROTONINA EN LA FISIOLOGÍA DE ESTOS INDIVIDUOS PODRÍAN DAR UNA EXPLICACIÓN MÁS SÓLIDA A SU AMPLIA Y PROLÍFICA CAPACIDAD CREATIVA Y DE SUPER-VIVENCIA.

LA SEROTONINA ES UNA MONOAMINA NEUROTRANSMISORA -LO QUE NO NOS DICE MUCHO-PERO VEAMOS SUS FUNCIONES: En el sistema nervioso central, se cree que la serotonina representa un papel importante como neurotransmisor, en la inhibición del enojo, la agresión, la temperatura corporal, el humor, el sueño y el apetito. (wikipedia). ADEMÁS; La serotonina es la única neurohormona que puede impedir o interrumpir el aumento de la formación de las hormonas del estrés, cortisol, adrenalina, y noradrenalina, que se conoce como la temida “cascada de estrés”.



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A la serotonina se le relaciona con la plena función de aspectos mentales y corporales importantes como por ejemplo la capacidad de carga, control de sueño y estado despierto, control de temperatura y del dolor, creatividad, control de impulsos, aumento del grado de concentración, atención, disponibilidad para esfuerzos físicos y mentales y capacidad de memoria y aprendizaje. La serotonina modula a través de sus receptores repartidos en todas las zonas del cerebro la formación de otras hormonas como la “hormona de la memoria” acetilcolina, la “hormona de la felicidad” dopamina, hormonas sexuales como estrógeno y testosterona y la hormona “de amor o relacional” oxitocina. La serotonina, se forma en el organismo de los aminoácidos L – triptófanos. (Dr. Rüdiger Dahlke). SIGUIENDO ESTE ORDEN DE IDEAS PODRÍAMOS ESPECULAR QUE ÉSTOS INDIVIDUOS, LOS ESCLAVOS, TENÍAN CANTIDADES "ÓPTIMAS" DE SEROTONINA EN SU ORGANISMO, MUY PROBABLEMENTE PROVENIENTE DE LA DIETA QUE TENÍAN Y QUE LOS HACÍA ENTRE OTRAS COSAS RESISTENTES AL DOLOR Y A LA VEZ ALTAMENTE CREATIVOS. VEAMOS:

Varios estudios han demostrado que la concentración de serotonina en el cerebro es directamente proporcional a la concentración del triptófano en el plasma y el cerebro. La ingesta dietética de triptófano influye directamente en la cantidad de serotonina en el plasma, el cerebro y los niveles en todo el cuerpo. Los pacientes pirolúricos que tienen deficiencia de zinc o de vitamina B-6 frecuentemente experimentan severa tensión interna, ansiedad y fobias. Estos pacientes mejoran mucho con los complementos de triptófano.

El triptófano es el nutriente más estudiado en la comunidad psiquiátrica orientada a la investigación en nuestros días. Se han encontrado niveles bajos séricos de triptófano frecuentemente en los pacientes anoréxicos. Se ha iniciado un nuevo uso del triptófano en la reducción del dolor. El triptófano es especialmente efectivo en la depresión agitada. Algunos estudios sugieren que el triptófano y la serotonina pueden inhibir el comportamiento agresivo en animales y humanos (Dr. Héctor E. Solórzano del Río). Fuentes de triptófano. El triptófano es un aminoácido esencial o sea que sólo se obtiene a través de la alimentación. Abunda en los huevos, la leche y los cereales integrales. La comida de los esclavos, estaba compuesta básicamente por; tasajo, plátanos machos grandes, maíz (Manuel Moreno Fraginal). El cereal integral es la porción completa de cualquier cereal, ya sea maíz, trigo, arroz, avena u otros. En el cereal integral están integradas todas las partes del grano. La mayoría de los granos que son procesados para utilizarse en productos alimenticios, tienen una parte que es removida durante la molienda o el proceso de refinación. Cuando los cereales son molidos o refinados, el salvado o fibra (la cubierta externa) y el germen (la parte interna), son removidos, dejando sólo el endospermo (la capa intermedia). Desafortunadamente, al ser procesados, el mayor valor nutricional del grano también desaparece, debido a que cada parte del cereal integral contiene sus propias características nutrimentales, pero es la combinación de las tres lo que le da un verdadero valor en nutrientes, lo que la fibra por sí sola no le puede dar. Los beneficios a la salud que provienen del cereal integral, están en el “paquete del grano entero” completo, no solo de la fibra y sus nutrimentos individuales. Las diferentes partes proveen nutrimentos distintos.



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Los granos están constituidos por tres capas: 1. La capa de salvado o fibra (externa) contiene cantidades concentradas de fibra, vitamina B, (tiamina, niacina, riboflavina, piridoxina y ácido pantoténico), minerales (hierro, zinc y cobre), proteínas y fitonutrimentos. 2. La capa de endospermo (intermedia) concentra el 80% del cereal integral y contiene carbohidratos, proteínas y pequeñas cantidades de vitamina B. 3. La capa de germen o núcleo (centro), contiene un gran suministro de nutrimentos incluyendo minerales, vitamina B, vitamina E y fitonutrimentos. Además de ser una rica fuente de fibra, el cereal integral también contiene antioxidantes, vitaminas, minerales (incluyendo hierro, zinc y cobre), carbohidratos complejos y fitonutrimentos, los cuáles actúan juntos para ayudar a proteger al cuerpo de enfermedades. Investigaciones recientes sugieren que la fibra por sí sola no ofrece todo el potencial del grano ya que no proporciona todos los nutrimentos que se encuentran en el cereal integral. Esto confirma que es “el paquete entero del grano” (incluyendo sus otros componentes, antioxidantes, vitaminas, minerales, carbohidratos complejos y fitonutrimentos), lo que puede contribuir a proteger al cuerpo de varias enfermedades. (Hill & Knowlton México/). ES ACEPTABLE PENSAR QUE LOS ESCLAVOS NO CONSUMÍAN CEREALES PROCESADOS, SINO ENTEROS!!!

En la actualidad, comer cereales no procesados, sino enteros, es considerada una práctica saludable, pero en esa época, muy probablemente era considerada una práctica "poco refinada", ad-hoc para esclavos.

CONCLUSIÓN: ¿QUIÉNES ERAN REALMENTE LOS ESCLAVOS? ¿LOS BLANCOS QUE VIVÍAN DOMINADOS POR SUS PASIONES, POR LA SED DE PODER Y RIQUEZA O LOS NEGROS QUE FINGÍAN SUMISIÓN Y OBEDIENCIA, PERO QUE EN EL FONDO ERAN MÁS LIBRES QUE SUS VERDUGOS? TENÍAN LIBERTAD DE PENSAMIENTO Y CREATIVIDAD QUE DIO COMO RESULTADO UNA FUENTE INAGOTABLE DE INSPIRACIÓN MÚSICAL!!! “EL PRÍNCIPE CHI, ERA PARIENTE DEL TIRANO, MOTIVO POR EL CUÁL NO LE ERA POSIBLE RETIRARSE DE LA CORTE, DE MODO QUE OCULTÓ SU DISPOSICIÓN BONDADOSA Y SIMULÓ LOCURA. ASÍ SE MANTUVO COMO ESCLAVO, SIN QUE LAS ADVERSIDADES EXTERIORES LOGRARÁN DESVIARLO DE SUS CONVICCIONES” (I CHING).



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por: Alfredo “Freddy” Reyes [email protected]

ANITA

L y M David Pedraza

Ella estaba saliendo

De la primaria Xc

Con su mochila de lado

Y su faldita café.

Cada semana celebro el día mundial del “vive sin estréss”, es decir acostumbro dejar el auto o la motocicleta en casa y abordar un autobús que por la fabulosa cantidad de dos pesitos me conduce sin sobresaltos hasta el trabajo, llevo el I-pod con algo de música recién cargada y de repente se provoca un flash en mi mente, está sonando la canción “Anita” de mis amigos de Serpiente Elástica cuando reparo en la cantidad de fotocopias pegadas en el camión, que al estilo del viejo oeste preguntan: ¿le has visto?, caras, muchas caras de gente que aunque haya visto estoy seguro que no reconocería en las calles.

La lluvia que le golpeaba

Fue la que la empujó

A dar la mano

A aquél extraño

Qué lejos se la llevó.

Llego a la oficina y por pura curiosidad entro al portal electrónico de la PGJDF y cuál va a ser mi sorpresa cuando lo primero que salta a mi vista son fotos, infinidad de fotos (tan sólo en el primer trimestre de éste año más de 569 casos) de personas, como tú y como yo que están técnicamente “desaparecidas, extraviadas o ausentes”, de inmediato me remito a otras páginas y encuentro esta perla:

La trata de personas es el tercer negocio más lucrativo para la delincuencia organizada a escala mundial -sólo superado por el tráfico de drogas y el de armas-, ya que produce ganancias anuales por unos 9 mil 500 millones de dólares.

De acuerdo con cifras de la Organización de Naciones Unidas, al menos 27 millones de personas en todo el mundo han sido víctimas de explotación laboral, sexual o comercial en los últimos 25 años

Alfredo Méndez, La Jornada, 08 de junio de 2007

Anita, Anita…

Dime dónde estás?

Tu foto salió en la procu

Y hasta en la televisión

Tu padre sigue buscando

Tu madre se desquició.

A pesar de que la Ley Federal Para Prevenir y Sancionar la Trata de Personas, se modificó en el año de 2007 y que como consecuencia de ello se endurecieron las penas contra quien cometa éste tipo de ilícitos, la realidad es que los casos se siguen acumulando en los archivos de las procuradurías de todos los estados y no existe a ciencia cierta un dato que nos permita conocer con exactitud el porcentaje de casos resueltos.

Han pasado tres años

De soledad

Sin importarles consejos

No paran de buscar.

En México, 16 mil menores son sujetos de explotación sexual cada año y 85 mil son usados en actos de pornografía, mientras en 21 de las 32 entidades del país existe turismo sexual, según datos del Instituto Nacional de Estadística, Geografía e Informática y del Fondo Internacional para la Infancia., y ante esta oleada de cifras es verdaderamente lamentable que aún se siga dando el plazo de 72 horas para iniciar una investigación de los casos, setenta y dos horas que a buena velocidad y sin tropezones nos alejarían de la ciudad algo así como la cantidad de kilómetros para ir dos veces a Argentina, nada más!!

Que donde quiera que estés

Anita,

Que no te atrape el dolor

Que donde quiera que estés

Anita,

Que no te alcance el dolor!

De los casos de explotación laboral o comercial mejor ni hablar ya que las cifras son de dar espanto o de plano no creerse. Es tiempo ya de crear conciencia, de no cerrar los ojos ante ésta situación, hacen falta manos, muchas manos que ayuden, muchos ojos que vigilen los patios de juegos de nuestros hijos, hace falta saber que los hijos de una madre son los hijos de todas las madres, que exista justicia para quienes han sido víctimas de éstas redes de enfermos mentales, en las que lamentablemente se encuentran coludidos algo más que simples “robachicos” de película, es tiempo ya de que “no nos alcance el dolor”, como dicen mis estimados amigos elásticos.

Álbum: Resistiendo

Serpiente Negra (Puebla) 2005

Ed. Independiente, México

Estación MetroBlues……Bajaaaaan



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BLUES DEL SUR por

Jorge García Ledesma [email protected]

LOS ENCUENTROS DE BLUES

“HECHO EN MÉXICO”

El blues, no es negro y blanco,

es la verdad

Van Morrison.

El blues es la presencia musical por excelencia a nivel mundial junto con sus afluentes queridos como son el rock y el jazz, han venido configurándose desde principios del siglo XX y por añadidura lo que va de este siglo XXI. Estos tres géneros han hecho la cultura musical global, su fuerza ha permeado a toda la música hasta hoy conocida, contienen en sus notas las raíces humanas y también su historia con ese marcador no favorable a la misma especie, por eso vienen representando el derecho humano de justicia, libertad y sobre todo el disfrute musical compartido de roce sensual elemental y primordial.

Las grandes ciudades con sus fuertes y duros bloques de cemento nos dejan asombrados ante sus tremendas construcciones y calles en las alturas donde ruedan las maquinas y trenes esquivando sus propios obstáculos debido al crecimiento alocado y pernicioso de aglutinarnos como lapas, esas son nuestras ciudades atrincheradas, mentes indiferentes llenas de blues.

El Museo Universitario del Chopo de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) recibió a las primeras tribus rockeras después de los atolondrados años setentas del siglo pasado donde vino el apagón para nuestras músicas modernas libertarias, el museo abrió las puertas a su comunidad con actividades artísticas, de aprendizaje y cinematografía

Es tan importante la proyección del Museo Universitario de Chopo de la Colonia Santa María la Ribera, en la calle de Enrique González Martínez número 10, para nuestra ciudad que acunó y luego liberó al gran Tianguis del Chopo, que por más de 27 años, es el lugar de intercambio de todas las posibilidades musicales y de identidades ideológicas más diversas también. Esto es una aportación sin medida y con clemencia de su labor tan noble y comunitaria en el centro de la ciudad.

Siempre los conciertos ya sean de rock, jazz, blues, trova, tecno, pop, folklore, progresivo, fusión, dentro de este recinto, se han visto envueltos de una atmosfera especial y de acercamiento muy estrecho; danza, teatro, cine y sus talleres hacen un conjunto poderoso de formación y cultura universal.

Así, dentro de esta cascada de actividades con su comunidad, el museo permitió también dentro de sus proyectos incluir la música madre de las modernas, el Blues, que desde 1991 realiza por los meses de octubre o noviembre su ciclo dedicado al Blues Hecho en México. Son XVII encuentros a la fecha de promover la música de nuestros hermanos afroamericanos en su línea del blues, porque esta música afro es el canto de muchos países en nuestra América, con sus características especiales de los lugares donde fueron traídos esclavos en esos siglos (XVI - XIX) de vergüenza para la formación de nuestro sistema mundial económico actual de grandes desigualdades y pocas oportunidades. Los cantos buscan y se persiguen en la igualdad.

La lista de quienes han pasado por el Dinosaurio, ese multiforo querido, es muy nutrida, bandas que se inician, otras veteranas, bandas fusión, bandas amigas y bandas borrachas del blues, se han congregado para empezar a darle forma a nuestro blúss, entre las que podemos citar a: Dulce Niño de Aguamiel, Chivo Azul, Gato Callejero, Niños de Azotea, Blues del Barrio, Blues Boys, Vago, Mara, Tex Tex, Trolebus, Jorge Trujillo, Macedonio Ruiz, Rubén Varela, Betsy Pecanins, Real de Catrorce, Liran´roll, Delta Sur, Javier Bátiz, Baby Bátiz, Hot Jam & the Blues Gang, Iconoclasta, Lalo Rocker, Bluesing, Blues 40, Años Blues, Enrique Cárdenas, La Tregua, Ginebra Fría, Sebastián Hernández, Verónica Ituarte, La División del Norte, Isis, Ludella, Guillermo Briseño, Hangar Ambulante de Blues, Verónica Campos, Bostik, Mayita Campos, Nina Galindo, Rafael Catana, Julio Villegas, El Tren del Blues, Albatros, Ten Con Ten, Armando Rosas, Rock Moviloy, Vieja Estación,



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Radio Blues, Señoritas de Avignon, Solaris Blue, Penny Black, Omniblues, Callejón Azul, Red Eye, La Rambla, Alce Blues, Juan Hernández, Rosina Conde, Freddy King, Alma Blues, Rafael Catana, Follaje, Julio Revueltas, Teresa Estrada, el Club del Algodón y …

Verdaderas fiestas han sido estos encuentros, donde se comunican y acercan las bandas, en esa tristeza, queriendo acabarla, que no sea para siempre, así el blues se renueva en su música y nuestros actos terrenales harán el alimento amargo o mejor dicho agridulce de nuestros nuevos tiempos. Entonces el blues no acaba, nunca podrá ser ortodoxo, tiene la vena corriendo a flor de piel, en cambio constante, en búsqueda con el último suceso de ayer, esa imagen, la esperanza del siguiente día. Hoy nos pudieron haber dado duro y a la cabeza, mañana ya verán que Robert Johnson hará el interminable pacto y tomará el camino de los vagabundos creativos que se mantienen en movimiento, no importa que sea en zig-zag por las cervezas inspiradoras que tomaron o por el lunes tormentoso de cruda realidad que pasará con los siguientes días de trabajo también jodidos, para que el próximo sábado se pueda levantar y en la noche salir a tocar los blues de todas las formas acariciables.

Al mismo tiempo que los encuentros de blues se realizaban en el Museo Universitario del Chopo, también este, se repartió en el teatro Rafael Solana del Seguro Social, allá por la Avenida Politécnico en el norte de la ciudad. Más o menos habrán sido unos tres o cuatro años en los que el blues tuvo eco por estos lares de hospitales para curar un poco la crisis eterna del país.

Otro foro para el encuentro se logró ubicar también en la ciudad de Morelia Michoacán que por doce años se viene presentando en el recinto del León de Mecenas dirigido por el psicólogo Ernesto Ayala. Aquí tenemos que nombrar a nuestro buen amigo y carnal Micky Enríquez como un promotor del blues por aquellos lugares tanto en la radio como por conseguir este antro, donde no ha parado el blues religiosamente. Nada más esperamos que no llegue a su fin porque el presente año parece que cierra sus puertas este lugar de cultura y por lo tanto se resentirá continuar con el blues en uno de los escenarios más queridos para el blues nuestro de todos los días.

Penny Black en el Teatro Benito Juárez

El encuentro blusero pasa en estos momentos por una calma obligada debido al cierre temporal del museo por remodelación, pero aún así se ha realizado fuera de este, como en el teatro Benito Juárez en la delegación Cuauhtémoc y en el teatro Carlos Pellicer de la delegación Xochimilco, así la continuidad pausada, viene reflejando un pequeño movimiento que ha forjado otros festivales tanto en el interior del país como en la misma capital, han nacido agrupaciones para promover su difusión, hay una cierta apertura en lugares donde se toca música en vivo y por allí se va colando poco a poco el blues, gotas de esperanza aguardando y creciendo a mejores momentos de colaboración y proyección.

Este año habrá al menos dos propuestas del Encuentro de Blues Hecho en México una en el Multiforo Cultural Alicia de la avenida Cuauhtémoc y la otra en el Salón el Paraíso de la calle de Izazága y Bolívar en el Centro Histórico de la Ciudad.

Esperemos pues, estas fechas en la segunda mitad del año e ir al encuentro perdonando la redundancia, del blues mexicano o más bien a la mexicana, consolidar nuestro estilo en este nuevo paso del proceso, las creaciones originales de los grupos, las recreaciones clásicas, el palomazo obligado y el ejercicio blusero cotidiano hacia la libertad.

Buenos recuerdos de un trabajo en conjunto, Museo Universitario del Chopo y Blues Hecho en México, una memoria musical que se escribe con el transcurrir de los años y las experiencias. El blues es más sencillo cuando extiendes la mano, cuando estrechas la mano y cuando acabas la noche en el mismo camino.



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ENTRE LA CELDA 2 Y 3 DE UNA

ARMÓNICA por Victorio Montes Silva

[email protected]

LA PREHISTORIA DEL BLUES DE

ARMÓNICA 1ª PARTE

Algunos personajes y sus grabaciones.

Como vimos en la entrega pasada, la armónica ha acompañado a los músicos de Blues por poco más de cien años, y en la actualidad son muchos los ejecutantes, el instrumento se toca en todo el mundo y en los géneros más diversos, no obstante, es el Blues quien se lleva las palmas en cuanto a que es el estilo más interpretado con la armónica; el camino ha sido largo, y estoy convencido de que es menester mirar hacia atrás, ver, escuchar, y entender el origen de lo que los grandes armonicistas de hoy en día hacen; músicos ha habido muchos, viendo en retrospectiva podemos entrever distintas etapas en la evolución del instrumento dentro del Blues, fases en las que han destacado algunos hombres al aportar nuevas técnicas de ejecución, aplicaciones de la teoría musical, el uso particular de algún elemento tecnológico como lo son los micrófonos y los amplificadores, por citar sólo algunos aspectos. Así pues hablemos de algunas grabaciones que en mi opinión personal constituyen la prehistoria del Blues de armónica. La armónica fue adoptada rápidamente por las grandes masas debido a su bajo costo, de esta forma se conjugaron los ingredientes para que las clases oprimidas execraran sus más profundas y reprimidas emociones, mucha gente descubrió la nobleza y la expresividad sin par de la armónica, dando inicio a grandes leyendas. No se sabe a ciencia cierta (al menos yo no lo sé de cierto) cuando se empezó a tocar Blues en armónica, pero en base a los datos históricos, los cuales son generalmente indirectos, se puede inferir que dicho género se empezó a interpretar en el periodo de transición del siglo XIX al XX, fechas en las que la armónica ya estaba más que establecida en el continente americano, el problema de precisar o datar grabaciones de Blues se agudiza también por la simple y sencilla razón de que la gente que lo interpretaba no tenía acceso a estos recursos, pues se trataba de una

comunidad oprimida, para quienes la abolición de la esclavitud era más un bello sueño escrito en papel que una realidad; cierto es que existen grabaciones muy antiguas, pero suelen ser de artistas blancos, lo cual es una verdadera lástima, pues sin duda que se han perdido en forma irremisible verdaderos tesoros sonoros, y a decir verdad no existía pretexto (con excepción de la cerrazón humana) para que no se grabara la música de la gente de color, puesto que por esas fechas ya existía el autofonógrafo de Leon Scott, el fonógrafo de Edison, y el Gramófono de Emile Berliner que opacaría rápidamente la creación de Edison. Pero no todo está perdido, las grabaciones son más que raras, pero existen, Pat Missin refiere que el primer afro-americano en grabar una pieza con armónica fue Pete Hampton, este personaje nació en Kentucky en el año de 1871, la primer pieza que el grabó se titula “Dat Mouth Organ Coon”, y fue grabada usando un cilindro de Edison en el año de 1904, la pieza cae más en el estilo vodevil, y los elementos de Blues son casi nulos, pero no por ello deja de tener valor histórico, no obstante se pueden escuchar algunos elementos que se convertirían algunos años más tarde en algo así como el santo y seña de los armonicistas, cosas como la imitación de la cacería del zorro por ejemplo, esta grabación se ha reeditado en la antología titulada “The Navvy's Motor Ride: A Glance Back At Music Hall On Phonograph Cylinders” de Old Bean Music Records. Pat Missin también comenta que Pete Hampton realizó grabaciones hasta el año de 1911, fecha en que los mexicanos menos agraciados estaban partiéndose el alma contra los “pelones”, y la armónica ya llevaba su rato en nuestras tierras por supuesto, pero eso es otra historia y ya habrá ocasión para hablar de ello.

Pete Hampton y su esposa



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Otro personaje interesante es alguien a quien se le conocía como “Professor Dickens”, quien grabó en dos cilindros de Edison en el año de 1908, las dos piezas son dos Medley’s, o lo que en México llamamos “Popurrí”, las dos tomas aparecen en un disco que acompaña a un libro titulado "A Band In A Waistcoat Pocket" escrito por Ray Grieve, el CD fue editado por Larrikin Records, aunque hasta donde sé ya no se edita más. En el periodo que va de 1900 a 1930 también aparece un hombre llamado Arthur Turelly, quien fue bastante popular en su tiempo, en 1925 aparece un artículo periodístico donde lo describen como “el único músico de armónica mandado a comparecer ante la Realeza Británica. Subsisten cuatro grabaciones que hizo para Columbia Records en el año de 1915, "Imitation Der Wiener Burghwach Parade", "Tiroler Holzhackerbaum Marsch", "Toreador Marsch" e "Irish Tango". Columbia editó estas dos últimas piezas con títulos en inglés, “Jolly Lumber Jack” y “Toreador March”, en Jolly Lumber Jack, Turelly usa dos tonos de armónica distintos, una en tono de Fa en primera posición para las partes inicial y final y una en Si bemol en segunda posición para la parte central. En Toreador March Arthur hace uso de los mismos tonos de armónica, pero realiza un juego muy interesante, en algunas secciones de la melodía la tonalidad pasa a ser Sol menor, y Turelly usa aquí la armónica en Si bemol, lo cual constituye un ejemplo muy temprano del uso de la cuarta posición. Hubo un silencio de varios años en lo referente a grabaciones, aunque dicho silencio es casi seguro que se deba más que nada a que se hayan perdido los medios físicos que albergaban las grabaciones, más que a un efectivo cese de grabaciones; el salto en el tiempo nos hace aterrizar en 1923, año en que Henry Whitter graba varios temas para el sello Okeh, y la primera toma se titula “Rain Crow Bill Blues”, tema que además tiene un valor histórico adicional, pues se trata de la primera grabación usando la llamada “segunda posición”, un dato curioso es que este personaje era blanco, algunas piezas de Whitter se pueden encontrar en "G.B Grayson and Henry Whitter: Early Classics Vol. 1 & 2" editado por Hold Homestead Records, en el especial de este mismo número de Palabra de Blues encontraran datos adicionales de Henry Whitter. Otro músico de quien también se tiene poca información es W. W. MacBeth, un texano que en los años 20 aparecía regularmente en la radio de la región, grabó para Okeh en 1925, Vocalion en 1928 y

Brunswick en 1929 y 1930, y es en 1930 cuando aparecen los temas “Dixie Medley” y “Southern Melodies”; en la primera pieza, MacBeth usa una armónica cromática en tono de La, en la segunda melodía se escucha algo extraño para la época, y es que se puede apreciar una armónica afinada en tono menor, aunque dichas afinaciones ya aparecían en los catálogos de la época es difícil precisar si se trata de una diatónica afinada en tono menor o de una cromática donde un juego de lengüetas era en afinación mayor y el segundo juego estaba afinado en el relativo menor. Pat Missin proporciona un dato curioso, en 1925 aparece en The Daily Ardmoreite un artículo titulado “Texas vs Oklahoma”, se trataba de un concurso de armónica organizado por la WBAP Star-Telegram, donde MacBeth se enfrentaba a un tal C.H. Wright quien era gerente de la maderera Madill, y aparentemente Wright fue el ganador. Hasta aquí dejamos nuestro recorrido, en la próxima entrega terminaremos el recuento de esta increíble e interesante prehistoria del Blues de armónica, la segunda parte se solapa ya con la etapa conocida como “Blues de la Pre-Guerra”, la cual tiene su apogeo en los años 20 y 30, por las fechas que se mencionan se deriva que por pre-guerra se entiende “antes de la Segunda Guerra Mundial”.

Que el bending los acompañe, suerte y hasta la próxima.

NOTA: La información procede de varias fuentes entre quiénes destaca el señor Pat Missin.

Pat Missin



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MANISH BOY Por Arturo Olvera

Hernández [email protected]

“El blues para mí significa la vida, no he

hecho otra cosa”: Muddy Waters. Se

cumplen 26 años de su deceso y 94 de

su nacimiento.

Foto: Portada de la revista Acústica

Abril es un mes de regocijo y a la vez fatídico para los

apasionados por el blues, pues el 4 de abril de 1915, en

Rolling Fork, Mississippi, en una plantación de algodón y maíz,

nació McKinley Morganfield.

Y el mismo mes, el día 30 de 1983, falleció en Westmont,

IIIinois, cerca de Chicago, fue piedra angular de la música

popular actual, cuando contaba ya con el reconocimiento

universal por su aportación a la cultura contemporánea.

A 26 años de su muerte y a 94 de su nacimiento, quizá pocos

se acordarán de él, incluso los que se hicieron millonarios en

buena medida a sus costillas, como los Rolling Stones, si

Muddy les hubiera cobrado en todo lo que valían sus regalías

sólo por haber tomado su nombre de una de sus rolas, y luego

de todas las que le grabaron, sin duda hubiera muerto

millonario hace más de un cuarto de siglo.

En tanto los Stones se hacían miembros de la realeza, Muddy

cargaba sólo con el orgullo de su raza negra.

Sin embargo su legado musical quedó ahí, en los discos de las

más grandes bandas de rock como McKinley Morganfield.

Fue, sin duda, el heredero por excelencia de los legendarios

cantantes-guitarristas itinerantes del delta en aquella época

de 1930, cuyos nombres fueron Son House, y Robert Johnson.

Sus biógrafos señalan que de niño gustaba retozar en los

charcos y el fango, de ahí su alias de Aguas Lodosas.

Muddy de chaval se inició tocando la armónica, pero a los 15

adoptó la guitarra, de la cual ya no se separó jamás, logrando

un perfecto amasiato de asombrosa productividad y

originalidad.

Waters trasladó al contexto urbano toda esta tradición rural y

posteriormente la electrifica. Él es quizá, con Elmore James

que murió casi 20 años antes de Waters, el máximo

exponente del bottleneck o cuello de botella, también

conocido como slide, tubito que utilizaban en uno de sus

dedos, deslizándolo sobre las cuerdas para distorsionar los

sonidos de su guitarra y lo que a la larga le otorgara su estilo

característico.

En 1941, y de manera fortuita, el investigador y folklorista

Alan Lomax lo localiza y graba, cuando su forma de tocar e

interpretar el blues era netamente rural.

Waters arribó a Chicago en 1943, donde trabajó como obrero

en una fábrica de papel y luego chofer de un camión en una

fábrica de persianas en el día y como músico por las noches

en los más sórdidos bares de Chicago, donde había que

desgañitarse ante un público bronco, desmadroso y hasta

delictuoso.

En ese tiempo fue impulsado por otra leyenda del blues, Big

Bill Broonzy, de quien tomó el ejemplo de abrir las puertas a

los jóvenes en busca de oportunidades de grabar, y uno de

ellos fue nada más que el mismísimo Chuck Berry.

McKinley se rodeó de excelentes músicos para formar sus

bandas de excepcional factura, de esta manera pasaron por su

grupo gente de la talla de Little Walter, Otis Spann, Jimmy

Rogers, Junior Wells, Smokey Smothers y “Big” Walter Horton,

entre tantos otros, estos hicieron en buena medida la banda

de Muddy, la más poderosa de todo Chicago.

Fue en 1953 cuando empezó a despuntar con fuerza su

talento y da a conocer temas como “I’m your hoochie coochie

man” y “Manish boy”, piezas de impactante fraseo y lirismo

arrebatador que de inmediato conmociona al escucha.



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Muddy recorrió buena parte del mundo, dejando a su paso

constancia de su enorme calidad vocal e instrumental. En

1958 realizó su primera gira por Gran Bretaña, donde es casi

estudiado con microscopio por Cyril Davis y Alexis Corner, los

principales cultivadores del blues británico. En 1959 actuó por

primera vez en el Carnegie Hall de Nueva York, donde logró el

reconocimiento del público blanco y al año siguiente participa

en el Newport Jazz Festival.

Desde 1963 actuó en el American Folk Blues Festival que se

realizó durante varios años en Europa, al lado de los más

renombrados maestros del género, Muddy fue quien logró la

mayor influencia en los más espectaculares grupos ingleses

como The Rolling Stones, quienes incluso adoptan su nombre

gracias a un tema de él.

Waters logró varios Grammys entre 1977 y 1979, año este

último en que se presentó por primera y única vez en el

Segundo Festival de Blues en México, durante los días 1, 3 y 4

de noviembre, ataviado con su traje oscuro llevando su

guitarra de colores roja y blanca para entonar “Hoochie

coochie man”, “Baby please don´t go”, “They call me Muddy

Waters” con su delirante estilo slide, o “Manish boy”

acompañado por músicos como Pinetop Perkins al piano, Jerry

Portnoy en la armónica y Willie “Big Eyes” Smith en la batería,

entre otros de enorme capacidad. Los que tuvimos

oportunidad de disfrutarlo en alguna de esas fechas nos

marcó de manera instantánea y nos mostró con calidad lo que

es una real propuesta de blues sin artificios, el blues en su

forma más descarnada y natural.

Alex Dixon, nieto de Willie Dixon

presenta disco, se titula “Rising From

the Bushes”

La nueva generación de bluesmen empieza a

forjar su propia brecha, y uno de estos músicos

que trae el blues desde la médula es Alex Dixon,

nieto del genial maestro Willie Dixon.

Información que nos llega desde Los Angeles, California,

señala que este 28 de abril se hace la presentación de la ópera

prima de este músico de estirpe netamente blusera.

Alex toca el piano y para este disco se hace acompañar de

músicos de la talla del experimentado baterista James

Gadson, participa también la serbia Ana Popovic, quien se

presentó en noviembre de 2007 en el D.F. en un concierto

efectuado en la Sala Ollin Yoliztli.

Ana ha colaborado también con figuras como Eric Clapton,

también participa el bajista Albino Bennett, quien se ha

codeado con la banda de Koko Taylor.

Otro bajista participante en este proyecto es Gerald Johnson,

músico que ha tocado al lado de Greg Allman.

En la guitarra actúa Zach Prather, músico experimentado y

fogueado en las bandas de Luther Allison y Etta James.

Se dice que el lanzamiento del disco será el más importante

de la familia Dixon desde el lanzamiento en 1970 del álbum

“I Am the Blues” de su inmortal abuelo.

Lo realmente importante es que Alex continúa con la labor de

la creación y difusión del blues como lo hiciera Willie durante

décadas, esperemos sea otro ilustre embajador del género a

nivel internacional, habremos de esperar para escuchar su

propuesta musical.

“Rising From the Bushes” se ha puesto a disposición del

público interesado a partir del 28 de abril en las tiendas

virtuales de iTunes y Amazon .

La familia Dixon cuenta también entre sus filas a otra

jovencita de nombre Keisha que escuchamos en el Teatro de

la Ciudad en el Décimo Festival de Blues de la Ciudad de

México en el 2006, cuando se le brindó un homenaje a Willie

Dixon, y en esa ocasión la chica de aproximadamente 18 años

entonó Wang dang doodle, ante la admiración de su abuela

Marie, acompañada en la armónica por Billy Branch, quien

fuera parte de la banda de la Chicago Blues All Stars del

maestro Willie.

En fin que el ilustre apellido puede seguirle

brindando páginas doradas a la historia del blues.



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EN OPINIÓN DE … MARIO COMPAÑET [email protected]

UNO DE LOS GRANDES MAESTROS DE LA

ARMONICA, ME REFIERO A GEORGE

“HARMONICA” SMITH

George Allen Smith, nació el 22 de abril de 1924 en West Helena Arkansas, su familia se trasladó a El Cairo, Illinois Chicago, aprendió a tocar la armónica bajo la tutela de su madre, en 1949 se unió a la banda de Otis Rush, en 1954 graba un sencillo para RPM, Blues in the Dark, uno de sus grandes éxitos, que le abrieron las puertas para seguir grabando más éxitos: Oopin´ Doopin´ Doopin´, Telephone blues, con armónica cromática.

En esa época Little Walter que era el rey de la armónica no le quedó más remedio que reconocer a George Smith, como otro gran rey de la armónica.

George tenía influencias de Larry Adler, otro grande de la armónica pero que interpretaba, música clásica y swing, siguieron los éxitos de George, Soul Feet, Hawaian Eye, Down in New Orleans y Blue Fog, graba en Inglaterra el lp No Time for Jive producido por Mike Vernon propietario del sello Blue Horizon. Más adelante recién muerto Little Walter grabó un homenaje tributo a él para World Pacific, acompañado por la banda del jefe Muddy Waters, en 1969 graba para la marca Bluesway un lp más, en 1970 graba también en Inglaterra el lp que nunca ha sido reeditado en cd me refiero al lp Arkansas Trap producido por Mike Vernon, una superjoya, en la marca Decca y Deram. En Estados Unidos, graba también con Rod Piazza y el grupo Bacom Fat dos lp´s, que tampoco han sido reeditados en cd. En 1971 se presenta en un festival, donde aparecen: Big Mama Thornton J.B. Hutto. Muddy Waters y él, existe video y cd de éstas grabaciones. En 1982 graba lo que sería su última sesión, un lp producido por Rod Piazza uno de sus alumnos. Ese mismo año muere uno de los grandes de la cromática, el jefe George Allen “Harmonica” Smith, quién influenció a William Clarke, Kim Wilson, James Harman, entre otros.

Consulta su discografía en:

www.wirz.de/music/smitgfrm.htm



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LIBROS DE BLUES

“EL CAMINO TRISTE DE UNA MÚSICA. El Blues

en México y Otros Textos de Blues” de Jorge

García Ledesma

Informes: [email protected]

“LOS FESTIVALES DE BLUES EN MÉXICO (1978-

2008)” de Arturo Olvera Hernández

Informes: [email protected]

Children of the Blues es un libro ampliamente

recomendable, contiene una semblanza de 49 músicos

de la nueva tradición en el blues.

La lista completa es la siguiente:

Real fathers, Real children, Chicago and the South

Luther Allison, Bernard Allison, Loonie, Roonie Baker,

and Wayne Baker Brooks, Johnny “Clyde” and

Shemekia Copeland, Kenny Brown, Big Jack Johnson,

Jimmy D. Lane, Charlie Musselwhite, Kenny Neal,

Lucky Peterson, Bobby Rush, Carl Weathersby, Lil´ Ed

Williams.

Texas

Marcia Ball, Anson Funderburgh and Sam Myers,

Smokin´Joe Kubek and Bnois King, Delbert McClinton,

Sherman Robertson, Tommy Shanon, Jimmie Vaughn,

Kim Wilson.

East Coast

Rory Block, John Hammond, Taj Mahal, Bob Margolin,

Dave Maxwell, Paul Rishell, Duke Robillard, Saffire-

The Uppity Blues Women.

West Coast

Al Blake, Robert Cray, Debbie Davis, James Harman,

Fred Kaplan, Keb’ Mo’, Doug MacLeod, Coco Montoya,

Kelly Joe Phelps, Rod and Honey Piazza.

Ver más en: www.amazon.com



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EL REPORTAJE AZUL!!!

Por María Luisa Méndez F.

[email protected]

DE CALLEJÓN AZUL

BREVE ENTREVISTA A SALVADOR ARCEO BAJISTA DE

“CALLEJÓN AZUL”, EN EL MARCO DE SU PRESENTACIÓN EN EL

“CENTRO CULTURAL JOSÉ MARTÍ” DEL PASADO 11 DE MARZO

DE 2009.

¿De dónde proviene el nombre de la banda?

ESA ES UNA BUENA PREGUNTA.... ÉSTE SURGIÓ DESPUÉS DE

LA BÚSQUEDA Y EXPERIMENTACIÓN CON VARIOS NOMBRES,

PERO LO QUE SE BUSCABA ERA SINTETIZAR LO QUE ES LA

ESENCIA DE LA BANDA.... EL "CALLEJÓN" COMO UN CAMINO

ESTRECHO Y A VECES DIFÍCIL POR EL QUE NO CUALQUIERA

QUIERE PASAR Y EL "AZUL" UN ESTADO DE ÁNIMO, EXPRESAR

LO QUE SIENTES EN EL ALMA, ALGO POR LO QUE MUY POCOS

QUIEREN ATRAVESAR.... EN FIN, "CALLEJÓN AZUL" PODRÍA

SER "LA EXPRESIÓN DEL ALMA ATRAVÉS DE LA MÚSICA: EL

BLUES" (LA MÚSICA, EN ESTE PAÍS, ES UN CAMINO DIFÍCIL DE

RECORRER, SOBRE TODO CUANDO LAS CANCIONES SON

ORIGINALES.....).

¿Quiénes la integran?

ESTÁ INTEGRADA ACTUALMENTE POR: MARYCARMEN VELÁZQUEZ – VOZ, JOSÉ LUIS GONZÁLEZ – GUITARRA, JUAN GARCÍA – SAX, SALVADOR ARCEO – BAJO Y ANDRÉS COLMENERO – BATERÍA.

¿Desde cuándo aparecen en el ámbito del blues en México?

COMO "CALLEJÓN AZUL" DESDE EL 2002, PERO MARYCARMEN Y UN SERVIDOR DESDE UNOS AÑOS ANTES CUANDO FORMAMOS PARTE DE OTRAS BANDAS DE BLUES ENTRE ELLAS LA INMEDIATA ANTERIOR "AÑOS BLUES".

¿Cómo defines su estilo?

PONERLE NOMBRE ES COMO ETIQUETARNOS, PERO DEFINITIVAMENTE LAS RAÍCES E INSPIRACIÓN DE LA BANDA SON PRINCIPALMENTE EL BLUES Y EL ROCK.

¿Cuál es su material discográfico? y ¿pronto uno nuevo?

EL PRIMER MATERIAL LO EDITAMOS EN EL AÑO 2003 LLAMADO "CALLEJÓN AZUL" ESTE LO HICIMOS POR LA VÍA INDEPENDIENTE, ESPERAMOS PARA EL PRÓXIMO VERANO EDITAR EL SEGUNDO MATERIAL, TODAVÍA NO SABEMOS CÓMO SE LLAMARÁ PERO TRAERÁ 12 TEMAS QUE SEGURO LES GUSTARÁN.

¿Cuáles son sus próximas tocadas?

EL 9 DE MAYO EN XOCHITEPEC, XOCHIMILCO ÉSTO DENTRO DEL 4° FESTIVAL DE BLUES DE XOCHITEPEC, ALTERNANDO CON FOLLAJE Y TEN CON TEN BB ENTRE OTRAS BANDAS LOCALES.... Y EL 16 DE MAYO EN EL MULTIFORO CULTURAL ALICIA, EN EL D.F. ALTERNANDO CON JOSÉ CRUZ Y LOS ZÁNGANOS.

¿Algún mensaje a los blueseros mexicanos?

PUES QUE EL CAMINO ES ESTRECHO Y UN POCO DIFÍCIL, PERO HAY QUE ENTRARLE Y SEGUIR ADELANTE, Y QUE NO IMPORTA SI ERES CREADOR O SÓLO INTERPRETAS: EL BLUES ES LO QUE IMPORTA.... Y ENTRE MÁS UNIDOS ESTEMOS MEJOR NOS VA A IR " LA UNIÓN HACE LA FUERZA"... QUIERO INVITAR A TODOS LOS QUE QUIERAN A QUE SE UNAN A LA AMBLUES www.amblues.org.mx.

"BLUES Y VIDA"... SALVADOR ARCEO.

Visita: www.myspace.com/callejonazul

http://www.amblues.org.mx/



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ACERCA DE “LA RAMBLA” PRESENTO AHORA ENTREVISTA CON ARTURO MEDINA,

GUITARRISTA DE “LA RAMBLA”, DESPUÉS DE SU

PRESENTACIÓN EN EL “CENTRO CULTURAL JOSÉ MARTÍ” DEL

26 DE MARZO DE 2009.

Foto: Arturo Medina y Gilberto Casillas en el José Martí.

¿Desde cuándo nace LA RAMBLA?

LA RAMBLA INICIÓ COMO GRUPO DESDE EL AÑO DE 1998

TOCANDO ROCK, POSTERIORMENTE EL GRUPO SUFRE

CAMBIOS DE INTEGRANTES Y DESDE EL AÑO 2001 A LA FECHA

TOMA EL CAMINO DEL BLUES CON LOS INTEGRANTES

ACTUALES QUE SON: HÉCTOR FLORENTINO EN LA BATERÍA,

RAFA GARCÍA EN EL BAJO, GILBERTO CASILLAS EN LA VOZ Y

GUITARRA Y UN SERVIDOR ARTURO MEDINA EN LA GUITARRA

Y VOCES, EN EL TECLADO TENEMOS COMO COLABORADOR A

JOSÉ LUIS GARCÍA Y EN EL SAX A “RICHARD SAX” COMO

MÚSICO INVITADO, EN LA ARMÓNICA HAY VARIOS CUATES

QUE NOS HAN ECHADO LA MANO EN DIFERENTES

MOMENTOS COMO EL MAESTRO JORGE GARCÍA (FOLLAJE),

MARIO MARTÍNEZ (SOLARIS BLUE), “FREDDY KING”, ETC.

¿Qué significa para ti la banda?

ES ALGO MUY IMPORTANTE, ES MI MEDIO DE EXPRESIÓN,

PARA LIBERAR MIS EMOCIONES, MIS SENTIMIENTOS, MI

STRESS Y SOBRE TODO ES COMO PUEDO LLEVAR Y MOSTRAR

MUSICALMENTE A LA GENTE LO QUE ES EL BLUES PARA MI Y

PARA LA RAMBLA.

¿Cómo defines el estilo que a través de los años ha adquirido

la banda?

BUENO PUES YA HAN SIDO ALGUNOS AÑOS DE ANDAR POR

ESTE CAMINO Y CREO QUE CADA ETAPA HA SIDO

IMPORTANTE PARA DEFINIR EL ESTILO MUSICAL DE LA

RAMBLA, DESDE QUE TOCÁBAMOS ROCK, HASTA LA

ACTUALIDAD. YO DIRÍA QUE ES NUESTRO ESTILO MUSICAL ES

UN BLUES HECHO EN MEXICO O SEA EL BLUES CON FUSIONES

DE ROCK, JAZZ, AUNADO A LAS INFLUENCIAS MUSICALES DE

CADA UNO DE LOS INTEGRANTES , ESTO SE PUEDE NOTAR EN

LAS INTERPRETACIONES EN VIVO.

¿Cuántos discos han grabado? ¿Y para cuándo el nuevo?

LA RAMBLA TIENE DOS DISCOS GRABADOS, EL PRIMERO

TITULADO “LA RAMBLA”, EL SEGUNDO TITULADO “DEL BLUES

AL ROCK” Y HEMOS PARTICIPADO EN ALGUNOS ACOPLADOS

CON OTROS GRUPOS COMO EL DE “LAS ROLAS DEL ROL”, EL

“TRIBUTO A STATUS QUO” Y “EL TRIBUTO A B.B. KING”.

ACABAMOS DE SALIR DEL ESTUDIO DÓNDE ESTUVIMOS

GRABANDO EL TERCER DISCO CON EL CUÁL ESTAMOS

SATISFECHOS MUSICALMENTE YA QUE TIENE MUCHO BLUES,

“PUNCH” Y “FEELING”, SOLO FALTAN LIGEROS DETALLES

PARA QUE SE TERMINE AL 100% Y PODAMOS SACARLO A LA

VENTA. TODAVÍA NO TENEMOS EL TÍTULO PERO LO SABRÁN

MUY PRONTO.

¿Hacia dónde camina La Rambla?

EL CAMINO ES DIFÍCIL, TODAVÍA FALTA MUCHO TRAMO POR

RECORRER, EL CAMINO DE LA RAMBLA ES EL CAMINO DEL

BLUES, ES CONTINUAR CON LA DIFUSION DEL BLUES EN

MÉXICO, ES SEGUIR TOCANDO PUERTAS PARA ABRIR NUEVOS

ESPACIOS, Y LOS ESPACIOS EXISTENTES RETOMARLOS,

TAMBIÉN TENEMOS QUE EVOLUCIONAR MUSICALMENTE Y

HACER LAS COSAS CADA DÍA MEJOR, ES IMPORTANTE BUSCAR

ALIANZAS CON OTROS GRUPOS Y GENTES RELACIONADAS

CON EL BLUES. POR AHORA NOS VAMOS A ENFOCAR A LA

DIFUSIÓN Y PROMOCIÓN DEL NUEVO DISCO QUE EN ESTOS

MOMENTOS ES UN ASUNTO PRIORITARIO PARA LA RAMBLA.

¿Cuál es tu mensaje para los blueseros de México?

PIENSO QUE LO MÁS IMPORTANTE ES ALGO QUE

DIFÍCILMENTE SE DA EN MEXICO POR LO MENOS EN ESTE

GÉNERO, LA UNIÓN DE TODOS LOS BLUESEROS LLÁMESE

MÚSICOS, GENTE DE MEDIOS, EN GENERAL LA GENTE QUE

NOS GUSTA EL BLUES, TODOS TENEMOS QUE UNIRNOS Y

APOYARNOS PARA LOGRAR REALMENTE UN MOVIMIENTO DE

BLUES EN MEXICO, COMO SUCEDE EN OTROS PAÍSES

(ARGENTINA, ESPAÑA, ETC.) EN DONDE SI EXISTE UN

MOVIMIENTO FUERTE DE BLUES. Y FINALMENTE AL PÚBLICO

QUE ASISTE A NUESTROS CONCIERTOS LES AGRADECEMOS

INFINITAMENTE SU APOYO.

¿Quisieras agregar algún comentario a la presente entrevista?

A TODA LA GENTE QUE VISITEN LA PÁGINA DE LA RAMBLA

(www.larambla.com.mx) , QUE ESTÉN AL PENDIENTE DEL

NUEVO DISCO EL CUÁL VIENE RECARGADO DE BLUES Y QUE

ESTÁ POR SALIR, QUE HAY QUE SEGUIR APOYANDO AL BLUES

INTERPRETADO Y HECHO EN MÉXICO, Y QUE SIGA EL BLUES.

http://www.larambla.com.mx/



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LAS FOTOS DE ROBERTO

por Roberto Dueñas

“La Gran Banda de Blues” formada por un ensamble de músicos de los diferentes grupos de la AMblues se presentó un 4 de diciembre del 2007 en el Centro Nacional de las Artes, de la Ciudad de México. Ahí tuve la oportunidad de tomar éstas fotos, la alineación de la Banda en esa ocasión fue: Alfredo “Freddy” Reyes, armónica; Jorge García, armónica y voz; Mario Martínez, armónica y percusiones; Javier Tapia, bajo y percusiones; Salvador Arceo, bajo; Marycarmen Velázquez, voz; Paul Stankevic, voz; Víctor Vicke, batería, Gilberto Casillas; guitarra, Geordi Villeda, guitarra; Francisco López, guitarra; José Luis García F. Piano; José Luis García V., órgano.

JOSÉ LUIS JR, JOSÉ LUIS, SALVADOR, MARYCARMEN, VÍCTOR, JAVIER, GEORDI, FREDDY, GIL, PAUL, JORGE, PACO Y MARIO.

GEORDI, GIL, JORGE, VÍCTOR Y PACO PACO, SALVADOR Y MARIO

“FREDDY, JOSÉ LUIS, JOSÉ LUIS JR Y GEORDI GEORDI, VÍCTOR Y PACO



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ESPECIAL

ARMÓNICA, BLUES Y LOCOMOTORAS de Victorio

Montes Silva

Parte 2: Lost Train Blues de Henry Whitter, 1923

Ahora si empezaremos a revisar las imitaciones de trenes que se han grabado, dicha revisión será en orden cronológico.

Hasta ahora la grabación más remota que conozco es un tema titulado “LOST TRAIN BLUES”, tema que fue grabado por Henry Whitter en 1923, Henry Whitter nació el 6 de abril de 1892 (dato importante para mi ya que yo también naci un 6 de abril) y falleció el 17 de noviembre de 1941.

Un dato interesante es que contrario a lo que se pensaría, Whitter era blanco, y la tradición de las imitaciones de trenes viene principalmente de la gente de color, aunque cabe decir que precisamente su color es lo que seguramente le permitió grabar en fechas tan tempranas.

Whitter fue uno de los primeros músicos de country en grabar en forma comercial, y uno de sus primeros éxitos fue The Wreck of the Southern Old 97, Whitter afirmaba haber hecho grabaciones de prueba en marzo de 1923 para el sello discográfico Okeh, aunque sus primeras grabaciones oficiales fueron en diciembre del mismo año para la disquera Okeh en la ciudad de Nueva York, las tres primeras piezas de esta sesión fueron precisamente temas de armónica, dichos temas eran:

Rain Crow Bill Blues (de la cuál Sonny Terry también grabó una versión), Lost Train Blues y The Old Time Fox Chase.

Estas y otras de sus grabaciones pueden aun escucharse en "G.B Grayson and Henry Whitter: Early Classics Vol. 1 & 2" Old Homestead Records, aunque también el sello Document Records a reeditado las grabaciones completas y en orden cronológico.

Lost Train Blues y algunas otras de las grabaciones que comentaré posteriormente, son piezas muy difíciles de analizar desde una perspectiva tonal, puesto que para esas fechas la tecnología de grabación era por demás primitiva, he detectado por ejemplo, que un mismo tema, publicado en más de una recopilación, llega a tener tiempos de reproducción distintos, vaya, creo que muchos hemos tenido experiencias con tornamesas de discos de vinil, y hemos descubierto que determinada pieza se escucha a una velocidad distinta en diferentes tornamesas, y por lo general resulta que las frecuencias se alteran de forma tal que el sonido final resulta ligeramente más grave. Así que aquí surge la pregunta de ¿Cuál habrá sido el tiempo de ejecución o interpretación real de los músicos de aquéllas épocas?, para el caso de Lost Train Blues he podido entrever que la tonalidad de la armónica usada por Whitter era en Tono de B (Si), y la interpretación es en primera posición, aunque debido a los factores que mencionaba antes, cabe la posibilidad que la velocidad haya sido alterada y que la pieza haya sido interpretada originalmente con una armónica en tono de C (Do).

Si deseas un fragmento de audio de este tema “Lost Train Blues”, solicítalo a: [email protected]

Hasta la próxima!



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PUTUMAYO PRESENTS: MISSISSIPPI BLUES / VARIOS

Colección de 11 temas compilados en el 2002, que nos llevan por un viaje a través del rio Mississippi con blues clásico desde Memphis hasta Nueva Orleans participant: Luther Allison (Part time love), Junior Wells (Come on this house), Arthur “Big Boy Crudup (Mean ol´ Frisco), Artie White (The more you lie to me), Ike & Tina Turner (3 oćlock in the morning blues), Bobby Bland (St. James Infirmary), Mississippi John Hurt (Make me a pallet on your floor), Chris Thomas King (Come on my kitchen), John Lee Hooker (Baby don´t do me wrong), Memphis Minnie (I got to make a change blues) y Memphis Slim (Stewball).

JOHNNIE JOHNSON – JOHNNIE B. BAD

Un buen disco de un extraordinario pianista grabado en 1990-1991, se dijo alguna vez que con frecuencia, Johnson componía un tema musical en el piano y Chuck Berry lo transcribía para guitarra y escribía las letras. De hecho, el tema de Chuck: Johnny B. Good es un tributo a Johnson. En este álbum colaboran Al Anderson, Tom Ardolino, Eric

Clapton, Steve Ferguson, Bernard Fowler, Steve Jordan, Michael Ray, Keith Richards, Joey Spampinato y Bernie Worrel en 12 temas: Tanqueray, Hush oh hush, Johnnie b. bad, Creek mud, Fault line tremor, Stepped in what!?, Can´t you stand it, Key to the highway, Blues #572, Baby what´s wrong, Cow cow blues y Movinóut.

THE BEST OF JOHNNY WINTER

Disco de antología que presenta 16 temas con el texano guitarrista albino de blues, los nombres de las rolas: Rock and roll Hoochie Koo, I´m yours and I´m hers, Johnnie b. good, I´ll drown in my tears, Come on in my kitchen, Rollin´ and tumblin´, Highway 61 revisited, Hustled down in Texas, Mother-in-law-blues, Dallas, Miss Ann, It´s my own fault, Mean town blues, Still alive and well, Be careful with a fool y Memory pain.

B.B. KING – DEUCES WILD

Uno de los más célebres guitarristas de blues viviente, presenta este interesante álbum en 1997 de 13 temas con colaboraciones de músicos como: Van Morrison (If you love me), Tracy Chapman (The thrill is gone), Eric Clapton (Rock me

baby), Mick Hucknall (Please send me someone to love), Bonnie Raitt (Baby I love you), DÁngelo (Ain´t nobody home), Dr. John (There must be a better world somewhere), Marty Stuart (Confessin´ the blues), The Rolling Stones (Paying the cost to be the boss), Joe Cocker (Dangerous mood), Heavy D (Keep it coming), David Gilmour & Paul Carrack (Cryin´ won´t help you babe) y Willie Nelson (Night life).

THE SAVOY BROWN COLLECTION featuring KIM

SIMMONDS

De 1993 , colección de 29 temas repartidos en dos cd´s del longevo grupo de blues-rock británico lidereado por el guitarrista Kim Simmonds: Savoy Brown. Los temas:

Disco 1: I Ain't Superstitious, Shake 'Em Down, Stay With Me Baby, Mr Downchild, Train To Nowhere, Louisiana Blues (live), She's Got A Ring In His Nose And A Ring On Her Hand, Made Up My Mind, I'm Tired, Hard Way To Go, Needle And Spoon, Stay While The Night Is Young, Poor Girl, Money Can't Save Your Soul, Sunday Night y Leavin' Again.

Disco 2: Tell Mama, I Can't Get Next To You, Street Corner Talking, All I Can Do, Wang Dang Doodle, Hellbound Train, Shot In The Head, Second Try, Coming Down Your Way, Everybody Loves A Drinking Man, Stranger Blues, Walkin' And Talkin' (live) y Double Lover.



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MARTIN SCORSESE PRESENTS THE BLUES

Producida por un deseo personal

y antiguo de Martin Scorsese -que

ha demostrado en muchas

ocasiones su amor por el blues.

THE BLUES es una serie de

personales e impresionantes

películas documentales dirigidas

por algunos de los directores más

importantes de los últimos

tiempos, que capturan la esencia

de la música blues, mostrando su

influencia y su historia, desde sus

raíces africanas a su papel

inspirador de la música actual, del

rhythm and blues o el country al

rock and roll y el hip-hop.

Realizadores como el mismo

Scorsese, Clint Eastwood, Wim

Wenders o Mike Figgis han puesto

su cámara y su talento al servicio

de esta música, de su historia y de

su espíritu. En estos episodios

vemos a artistas del calibre de

John Lee Hooker, Ray Charles,

Muddy Waters, B.B. King, Van

Morrison, Lou Reed o los

mismísimos Rolling Stones,

interpretando clásicos del género.

El promedio de duración de los

videos es de una hora 40 minutos

cada uno. Scorsese tituló el suyo

Feel like going home.

No se trata de documentales

ortodoxos, sino de lecturas

personales a propósito del mundo

del blues. Los títulos de cada

video son:

1. Feel like going home

(Nostalgia del hogar) dirigido

por Martin Scorsese.

2. The Soul of a man (El Alma

del hombre) dirigido por Wim

Wenders.

3. The road to Memphis (El

camino a Memphis) dirigido

por Richard Pearce.

4. Warming by the devil´s fire

(Calentado por el fuego del

Diablo) dirigido por Charles

Burnett.

5. Godfathers and sons

(Padrinos e hijos) dirigido por

Mark Levin.

6. Red, white and blues, (Rojo,

blanco y blues) dirigido por

Mike Figgis.

7. Piano Blues (El piano de

blues) dirigido por Clint

Eastwood.

Los protagonistas:

B.B. King, Taj Mahal, Marcia Ball, Ray Charles, Dr. John, Clint Eastwood, Pinetop Perkins, Nick Cave, Lou Reed, Marc Ribot, Chris Barber, Jeff Beck, Jack Bruce, Eric Clapton, Marshall Chess, Chuck D., Bessie Smith, Dinah Washington, Chester Burnett, The Coasters, y muchos más.

john lee hooker COME AND SEE ABOUT ME / THE DEFINITIVE

DVD

Colección de 18 videos de diferentes épocas en donde se ve a John Lee Hooker interpretar sus grandes éxitos acompañado de músicos reconocidos en el terreno del blues:

Baby please don´t go (1992) con Van Morrison, Maudie (1960), Hobo blues (1965) It serves me right to suffer (1969), Crawlin´ Kingsnake (1978) con Foghat, The boogie (1980), Never get out of these blues alive (1981), Worried life blues (1981), Too many women (1984), Boom boom (1984), I´m bad like Jesse James (1986), I´m in the mood (1990) con Bonnie Raitt, Bottle up and go (1990) con John Hammond, Tupelo Blues (1993), Hobo blues (1990) con Ry Cooder, The healer (1990) con Carlos Santana, Boogie chillen´(1989) con Eric Clapton y The Rolling Stonesy I need love so bad (1994).

Además, contiene interesantes comentarios del llamado “Rey del Boogie”.

http://www.dvdgo.com/search~target~zone_search_results~search_direct~1~search_advanced~0~search_field_12~Taj%20Mahal~search_template~82.htm

http://www.dvdgo.com/search~target~zone_search_results~search_direct~1~search_advanced~0~search_field_12~Marcia%20Ball~search_template~82.htm

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LA BANDA DEL MES

JUAN HERNÁNDEZ Y SU BANDA DE BLUES

“Toda su obra es recomendable sobre todo, El Rincón de los Corazones Solitarios, El Blues del Perdido, En Rebeldía, La Tormenta, Mártires de Chiapas, entre otras, donde retrata el: ya no puedo más de la miseria humana, es un tocar fondo de alguien que de por sí ya está en el fondo del abismo, más que canción es una pintura que muestra el dolor desgarrado, es un alguien-algo, que busca una esperanza en el lugar donde se fabrica la desesperanza.”

SEMBLANZA DE UN ROCKANBLUSERO

El caso de Juan Hernández Reyes, puede ser como el de cualquier muchacho que sueña desde su niñez emular las hazañas del boxeador o futbolista de moda, pero como su capacidad física no es la adecuada, decide ser estrella de rock... guitarrista que se decide a formar su primer conjunto, El Súper Dazzle, cuyo repertorio estaba basado en ¨refritos¨ de Jethro Tull, Ten Years After, Muddy Waters, John Lee Hooker, Elmore James, y sobre todo de Jimmy Reed.

Aunque los avances de Juan Hernández como ¨fusilero¨ eran notables, él sentía que algo le faltaba, solía caminar algunos kilómetros por la cercana vía del ferrocarril mirando los lejanos volcanes iluminados por el sol de oriente, cantaba para sí mismo sus propias canciones de ritmo libre y simple siguiendo la máxima blusera, no importa mucho el ritmo si no entrar a tiempo dicho en otras palabras, sencillamente toca y canta con el alma, también acostumbraba asistir a algunas tardes a sentarse en un desvencijado puente y practicar con su flauta versiones de ¨Peregrina¨ de Palmerín y ¨María Bonita¨ de Agustín Lara, hermanando inconscientemente su blues autóctono con el de los negros norteamericanos. Luego formó ¨Vuelo Libre¨, conjunto inclinado de plano al blues, pero aún con el inconveniente de que mucho de su material lo cantaba en inglés? Como buen blusero nómada desfila acompañando a Javier Bátiz y con el último ¨Three Souls in My Mind¨, sí, aquel del ¨Fuimos, Somos y Seremos¨ donde la mayoría de las composiciones eran del tal Juan Hernández. Toda esa experiencia adquirida desemboca finalmente en la fundación de su grupo definitivo hasta la fecha, la mítica Juan Hernández y la Real Banda de Blues... Ha pasado tanto tiempo que casi había perdido la cuenta espero, ya son veinte largos años de andar rodando y cayendo en el camino del buen blues, a tal grado que Juan Hernández como guitarrista y cantante se ha institucionalizado dentro del Rock Nacional. Hurgando en mi memoria, recuerdo cómo sufrió para producir el disco ¨Vuela Libre¨ de manera independiente, el cual a través del tiempo conserva cierta pátina mágica...



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Cuando lo escuchamos, a pesar de sus limitaciones y fallas técnicas, el sonido continúa vital y fresco gracias a la sinceridad de los músicos que quisieron hacer bien las cosas. Lo mismo puedo decir de la ¨Tormenta¨ y de ¨Siguiendo el Blues¨, trabajos que capturan indudablemente otra de las virtudes de Juan Hernández, que él es el único que desarrolla su estilo tanto en el estudio de grabación como en actuaciones en vivo. ¿Acaso el sufrimiento humano es un estado de blues ? Todos lo conocen, pero muy pocos lo llevan hace poco, en el Museo del Chopo, Juan dijo -antes tocaba la música de los negros, ahora toco lo que siento en las tripas- Esa ocasión la banda de blues sonó vigorosa, metálica, convincente y blusera, Ricardo Gutiérrez al bajo, Roberto Hernández Aguilera en la batería, Juan Amadeus Hernández Aguilera en la guitarra y Siddhartha Hernández Aguilera en las percusiones, son el complemento ideal para que el guitarrista se siga sublimando en el blues como lenguaje primario y pueda interpretarlo, como forma de vida, como acto de fe, de generación en generación. Por lo que se desprende Juan Hernández y la Real Banda de Blues seguirá trabajando arduamente tratando de crear canciones que valgan la pena y el boleto.

www.juanhernandezysubandadeblues.com



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BLUES EN EL RADIO

LUNES

"EL BLUES INMORTAL" con

Mario Compañet

Radio UNAM 96.1 FM de 16:00 a

17:00 hrs.

Transmisión por internet

www.radiounam.unam.mx

LUNES Y MIÉRCOLES

“PÍNTALO DE NEGRO” con Juan

Carlos Velázquez

Radio Universidad Puerto

Vallarta, Jal. 104.3 de FM de

21:00 a 22:00 hrs.


http://www.radioudg.com.mx

VIERNES

“POR LOS SENDEROS DEL

BLUES” con Raúl de la Rosa

Horizonte 107.9 FM de 22:00 a

24:00 hrs.


www.horizonte.imer.com.mx

VIERNES

“HÁBITOS NOCTURNOS” con

Pepe Andrade, Antonio Martínez

“Chrisna” y Gonzalo Huerta.

Radio Universidad de Querétaro

de 22:30 a 24:00 hrs. 89.5 FM /

580 AM

Transmisión por internet http://148.220.8.97/ProgramacionGral.htm

SÁBADO

“BLUES, SÓLO BLUES” con

Jorge Blanco

XEKS 960 AM de Saltillo, Coah.

de 19:00 a 20:00 hrs.

SÁBADO

“TIEMPO DE BLUES” con

Gerardo Cortés

Radio Nuevo León OPUS 102 FM

de 23:00 a 24:00 hrs.


www.radionuevoleon.com.mx

CARTELERA

Palabra de Blues No 1

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