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POP ART Celia Miranda Riquero R3 A Curso 2014-2015
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POP ART
Celia Miranda Riquero
R3 A Curso 2014-2015
INDICE
1. Introducción
2. Contexto histórico-artístico
3. Características generales y obras representativas
4. Conclusión personal
5. Bibliografía
INTRODUCCION
El trabajo trata sobre uno de los movimientos modernitas del siglo XX, el llamado Pop
Art. He elegido este tema porque me llamó mucho la atención las obras de Andy Warhol
y de Roy Lichtenstein, con temas como Marilyn Monroe o comics respectivamente. La
utilización de imágenes de famosos creando variaciones cromáticas y la aplicación de
los comics en la pintura son los ejemplos que más han captado mi interés por este
movimiento. Por otro lado, después de investigar, me ha resultado impactante las
esculturas sexistas de Allen Jones, utilizando a la mujer como mueble.
CONTEXTO HISTORICO-ARTISTICO
El arte pop es un movimiento artístico que nace en el 1954 (siglo XX) en Reino Unido
(Londres principalmente) y en Estados Unidos (Nueva York principalmente),
concretamente a mediados de 1950 y a finales de 1950 respectivamente, y que surge
como reacción contraria a los dominantes ideales del Expresionismo Abstracto,
considerado como vacío y elitista. Es el reflejo de unos años turbulentos, ya que
recientemente había terminado la Segunda Guerra (Guerra Fría), una guerra ideológica
con dos maneras de percibir el mundo, de ahí a que el mundo se dividiese en dos polos:
la U.R.S.S y Estados Unidos. A partir de ese momento se refleja la deshumanización del
hombre en los movimientos que surgen posteriormente y la sensación de angustia o de
absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o
colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se
vivía (sociedad capitalista) serán los temas principales en la creación literaria y artística
de la posguerra.
El término ‘Pop Art’ fue utilizado por primera vez por Lawrence Alloway, referido al arte
popular que estaba creando la publicidad de masas y que tenía como objetivo principal
los intereses colectivos del pueblo, pasando de una producción de objetos de forma
única a producirse en serie. Es el resultado de un estilo de vida, de manifestación plástica
de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, un
arte ciudadano originario de las grandes ciudades y alienado totalmente de la
naturaleza, que usa imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una
nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
Los artistas de este movimiento artístico se mostraron reacios a la enseñanza oficial de
la Escuela de Artes Plásticas, por lo que promovieron su renovación siguiendo las nuevas
corrientes abstractas, mostrando rebeldía y sensación de absurdo ante la realidad que
estaban viviendo.
Una de las primeras obras de las que surgió
este movimiento fue en Gran Bretaña, un
collage de Richard Hamilton (1922-2011)
titulado Pero, ¿qué hace que los hogares de
hoy sean tan diferentes, tan llamativos? de
1956 en la Whitechapel Gallery de Londres.
En 1961 el arte pop tiene su primer gran impacto en el público británico en la ‘Exposición
de contemporáneos jóvenes’ que reunía obras de David Hockney (1937), Derek Boshier
(1937), Allen Jones (1937), Peter Phillips (1939) y R.B Kitaj (1932-2007) (estudiante
estadounidense), y estableció a una generación entera de artistas jóvenes. Pero ya en
1952 en Londres se fundó un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales llamado
Independent Group y formado por Hamilton y Eduardo Paolozzi (pioneros del pop art),
los arquitectos Smithson (Peter 1923-2003, Alison 1928- 1993), Banham (historiador del
arte), el crítico Alloway y algunos músicos.
Otra de las obras pioneras de este movimiento fue de
Eduardo Paolozzi (1924-2005). Presentó una lectura
utilizando una serie de collages titulado Bunk!, donde
utilizó en 1947 una imagen titulada I was a Rich Man's
Plaything.
A partir de esta presentación el grupo se enfocó en el uso de imágenes de la cultura
estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación
masivos. Como artistas del pop británico destacamos a Paolozzi, Hamilton, Allen Jones
(1937), Patrick Caulfield (1936-2005), Kitaj, Richard Smith (1931), Peter Blake (1932) y
Hockney.
En Estados Unidos, en cambio, el arte pop viene de la mano de Robert Rauschenberg
(1925-2008) y Jasper Johns (1930) (pintores cuyos trabajos de la década de 1950 son
clasificados como Neo-Dada) en el 1961, después de la muerte del artista del
expresionismo abstracto americano Jackson Pollock. Una vez implantado (que en un
primer momento no fue bien acogido por parte de la crítica americana, ya que creían
que los artistas pop despreciaban los logros conseguidos por los artistas del
Expresionismo Abstracto) se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para
hacer frente al entorno urbano americano. Como artistas del pop americano
destacamos a Andy Warhol (1928-1987) (el más representativo), Roy Lichtenstein (1923-
1997), George Segal (1924-2000), Claes Oldenburg (1929), James Rosenquist (1933),
Tom Wesselman (1931-2004) y Robert Indiana (1928), entre otros.
El arte pop también llegó, no con tanta fuerza pero sí con influencias, a diferentes países
como España, Italia, Japón y Países Bajos.
En España l estudio del arte pop se asocia con la "nueva figuración", que surgió de las
raíces de la crisis del informalismo. Entre los artistas españoles del Pop Art destacamos
a Alfredo Alcaín (1936) (considerado como el más auténtico artista pop), Eduardo Arroyo
(1937) y al Equipo Crónica, formado por Rafael Solbes (1940-1981), Manolo Valdés
(1942) y Juan Antonio Toledo (1940-1995) a finales del 1964.
En Italia, este movimiento se gestó con la cultura de 1950, con trabajos de Enrico Baj
(1924-2003) y Mimmo Rotella (1918-2006), y con algunas piezas de Piero Manzoni
(1933-1963).
En Japón, el arte pop es único e identificable como el japonés, por las materias regulares
y estilos, cuyos artistas se inspiran mayoritariamente en el anime y la cultura callejera
japonesa, destacando a Takashi Murakami (1962) por su Kakai Kiki.
En los Países Bajos no hubo un arte pop formal pero hubo un grupo de artistas
holandeses que estuvieron un tiempo en Nueva York durante sus primeros años de Pop
Art, los cuales fueron Asselbergs Gustave, Woody Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley
Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Frenken Jacques.
CARACTERISTICAS GENERALES Y OBRAS REPRESENTATIVAS
El Pop Art, como he comentado anteriormente, rechaza el Expresionismo Abstracto y el
Dadaísmo. Exploraba los mismos sujetos que el Dadaísmo pero también reemplazaba
los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos de este último. También hay influencia
del Surrealismo.
El arte pop se caracteriza por la utilización de imágenes de la cultura popular tomadas
de los medios de comunicación, como anuncios publicitarios, comic books, objetos
culturales y el mundo del cine, y también se basaba en el medio ambiente. El concepto
del Pop Art no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. Es
un intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual, con
formas fáciles y divertidas y con un contenido que se podía captar sin dificultad,
accesible al público en general. Por eso, los artistas emplean un lenguaje figurativo y
realista sobre costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo, utilizando un
estilo impersonal y repetitivo. Las obras están cargadas de ironía e irreverencia contra
una sociedad cada vez más industrializada. Los artistas tienen preferencia por los
objetos nuevos y combinan la pintura con objetos reales (Neodadaísmo) en sus
composiciones (meticulosamente realizadas), pero las formas de estos objetos las
combinan con sus cualidades abstractas, dándole un tratamiento menos tradicional. Hay
una ampliación de los motivos iconográficos, y utilizan formas planas con contornos
netos y volumen esquematizado, colores puros, brillantes y fluorescentes, serigrafía,
óleo, técnicas de la publicidad y de la producción masiva, collages, fotografías, y
poliéster, goma espuma o pintura acrílica.
El Pop Art se ve representado en la escultura y sobretodo en la pintura. Hay poca
producción arquitectónica.
Pop Art británico
Arte más académico y que se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la
cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos
fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras
mejoraban la prosperidad de la sociedad. Se considera como una serie de ideas
alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos.
ESCULTURA
Eduardo Paolozzi
Influenciado por el movimiento Dadá y el Surrealismo, en sus esculturas utiliza formas
biomórficas, formas abstractas gigantes (casi arquitectónicas) realizadas con extrañas
combinaciones de formas mecanicistas.
The Last of the Idols (El último de los ídolos) de Paolozzi, 1963
Se encuentra en el Museum Ludwig de Colonia.
Es la representación de un robot en colores primarios, hecho de
aluminio y óleo.
244 x 61 x 11 cm.
Isaac Newton de Paolozzi, 1995
Se encuentra en la Biblioteca
Nacional de Londres.
Es una versión de impresión en color
de William Blake para ilustrar cómo
las ecuaciones de Isaac Newton
hicieron cambiar nuestra visión del
mundo para ser uno determinado
por leyes matemáticas. Hecho de
bronce.
Vulcan de Paolozzi, 1998-99
Se encuentra en la Galería Nacional Escocesa de
Arte Moderno.
Es una escultura de grandes dimensiones,
concretamente de 7.3 metros de altura, hecha de
acero. Representa Vulcano, el dios romano del
fuego, herrero arquetípico y progenitor de la
escultura de metal que se muestra balanceando el
martillo y marchando a través de la Gran Sala.
Mitad hombre, mitad máquina, Vulcan encarna la
era industrial.
Allen Jones
Sus esculturas retratan la belleza femenina y usa el Art Pop para dar énfasis en la
sexualidad, realizando escenas que llaman la atención sobre un erotismo eufórico y
vacío con rasgos sadistas. En su trabajo destacan piernas y maniquíes de cuerpos
esbeltos.
Chair (Silla) de Allen Jones, 1969
Hecha de acrílico sobre fibra de vidrio y resina
con plexiglás y cuero.
Secretarias de Allen Jones, 1972
PINTURA
Richard Hamilton
“El arte pop es popular, efímero, fungible, de bajo coste, masivo, ingenioso, sexy,
efectista, glamuroso y un gran negocio”. Admira las obras de Duchamp. Sus pinturas
abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular, con
cualidades como popularidad, efemeridad, prescindibilidad, ingenio, cachondez,
atractivo y malabarismo mecánico. Trabaja a partir de imágenes emblemáticas
usándolas como espejos para criticar la saturación visual de la vida moderna. Su obra,
por tanto, es culta y de profundo contenido intelectual.
Pero, ¿qué hace que los hogares de hoy sean
tan diferentes, tan llamativos? de Hamilton,
1956
Se encuentra en la Whitechapel Gallery de
Londres.
En esta obra se ve a un atleta recortado de
una revista de culturismo, a una bailarina de
‘strip-tease’ con los pechos cubiertos de
lentejuelas y con la pantalla de una lámpara
como sombrero, un emblema de Ford, un
televisor, un cartel de cómic y de cine, una
aspiradora, un retrato de un antepasado
centenario y un enorme chupa-chups con la
palabra POP, sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un
techo que no es más que el planeta Tierra.
Interior II de Hamilton, 1964
Se encuentra en la Tate Gallery de
Londres.
Es un collage hecho de pintura al óleo,
pintura de celulosa y relieve de metal
sobre tabla.
121 x 162 cm.
The Solomon R. Guggenheim de Hamilton, 1965-
66
Con esta obra y 4 más del Guggenheim intentaba
reflejar toda la actividad de la arquitectura en los
confines de un papel de cuatro metros cuadrados.
Son una ironía entre el museo como obra de arte
y la obra de arte como museo.
My Marilyn de Hamilton, 1965
Aparece una figura famosa de
aquellos años, como es Marilyn
Monroe, y critica con burla sus
fotos y poses, de una manera en la
que sólo le gusta una foto, la única
que no llega a tachar y la cual repite
3 veces en la obra. Hecho en óleo y
collage sobre fotografía en panel, y
el color destacado es el rosado.
51,6 x 63,2 cm.
Eduardo Paolozzi
Su pintura también recibe la influencia de los movimientos de vanguardia. Utiliza
imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado, emplea
la yuxtaposición como recurso compositivo y hace referencia a la técnica serigráfica.
I was a Rich Man's Plaything de Paolozzi, 1947
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Imagen que utilizó en una serie de collages titulado Bunk!,
y en la que se usó por primera vez la palabra ‘POP!’, que
aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.
Dr. Peper de Paolozzi, 1948
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
El collage está compuesto de imágenes de revistas
americanas populares. Las imágenes de salud, gente feliz
disfrutando de la libertad que permiten las máquinas
como automóviles, bicicletas, cocinas eléctricas y los
teléfonos con la superposición de fotos de suculenta
comida en abundancia.
Mosaico de Paolozzi,
comienzos de los 80.
Este mosaico, junto con otros
más, se encuentra en la
estación de metro Tottenham
Court Road.
Allen Jones
Su obra pictórica se caracteriza por el empleo de una gama cromática muy rica y
exaltada, en la que distintas tonalidades de rojo suelen contrastar con verdes, amarillos
y azules. En su obra destaca la pintura de siluetas delgadas. Al igual que en sus
esculturas, el tema se basa en la sexualidad y fue muy odiado por las feministas.
Hombre-Mujer de Allen Jones, 1963
En esta obra vemos dos figuras humanas
fusionadas, un hombre y una mujer.
Aunque no poseen cabeza se pueden
identificar por la vestimenta: el hombre con
traje, corbata y zapatos de vestir mientras
que la mujer tiene las piernas descubiertas,
camisa abierta y zapatos de tacón, además
de usar colores diferentes para cada sexo.
Jones parece tratar sus motivos
contraponiendo pares: hombre-mujer,
opaco-brillante, sujeto-objeto.
Está hecho de óleo sobre lienzo.
213 x 183 cm.
Perfect Match de Allen Jones, 1966-67
Se encuentra en el Museum Ludwig de Colonia.
Jones ha concebido una imagen fetiche moderna. Es una
composición de tres piezas formando un tríptico vertical que
presenta la imagen del ideal femenino según el deseo masculino
en una época de transformaciones sociales y culturales. Cada una
de las partes ha sido agudizada para representar las preferencias
o psicosis individuales, de forma que podrían funcionar en
solitario. De arriba abajo, la primera pieza: boca y pechos;
segunda pieza: caderas, nalgas, pubis y muslos; tercera pieza:
pantorrillas, tobillos y pies. Además, los contornos están muy
definidos y sombreados lo que hace que se intensifique la obra
llegando a la frontera de la caricatura. Los colores lo caracterizan
como pop.
361 × 93 cm.
Peter Blake
“Siempre emprendo mis obras como un viaje en el que explorarlo todo; como Alicia en
el País de las Maravillas”. Fascinado por el coleccionismo, realiza collages (maestro) y
composiciones con postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop
contemporáneos combinándolas con formas geométricas de brillantes colores. En sus
obras aparecen, además, imágenes de escaparates de juguetes con los pins, tebeos y
posters de los ídolos de la música pop o del cine, así como también revelan una actitud
muy poco ingenua y en ellas se reúnen elementos seleccionados por su significación. Su
interés era hacer una pintura fácil, cercana a los gustos del gran público y comprensible
por todo el mundo. También trabajó el autorretrato.
Autorretrato con chapas de Blake, 1961
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Obra en la que se retrató como coleccionista y con la que
ganó en 1961 el primer premio en la galería de John Moore
en Liverpool.
The Toy Shop de Blake, 1962
Se encuentra en la Tate Gallery de
Londres.
Sargent Pepper´s de
Blake, izquierda de
1967 y derecha de
2012
Es la portada del
mítico álbum de Sgt.
Pepper’s Lonely
Hearts Club Band.
Patrick Caulfield
Él mismo se consideraba un pintor clásico de rigurosa normativa a semejanza del pintor
cubista clásico que más admiraba, Juan Gris. Incorpora elementos realistas a sus
composiciones y realiza pinturas figurativas interpretando objetos sencillos, y utilizando
tintas planas y contornos fuertes, aunque algunas obras están dominadas por una sola
tonalidad.
Cerámica de Caulfield, 1969
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Los objetos de esta obra se han representado
desde diferentes puntos de vista. Los que están en
la parte inferior están pintados como si se viesen
desde arriba, los que están cerca del centro
parecen ser vistos desde el nivel del ojo y aquellos
de la parte superior se muestran desde abajo. Con
esta manera de representar los objetos Caulfield
resalta el efecto global del apilamiento de un gran
número de objetos similares. Dice que fue una
excusa para usar un montón de colores.
Hecho de óleo sobre lienzo.
213,4 x 152,4 cm.
Les Demoiselles d’Avignon Vues de Derriere (Las
señoritas de Avignon) de Caulfield, 1999
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Es un juego de la famosa obra de Picasso (Les
Demoiselles d’Avignon), representando a las
prostitutas de Avignon, pero la diferencia es que
Caulfield las ha pintado de espaldas. Esta
reversión de la imagen es un juego de palabras
visual en el proceso de impresión.
Es una serigrafía sobre papel.
105,9 x 91,8 cm.
R.B. Kitaj
Pinturas concentradas en la figura humana. Obras alegóricas y descriptivas, tradicionales
y completamente modernistas. Sus obras tienen vínculos con el pasado a través de una
variedad de referencias a la literatura y filosofía (Kafka, Ramon Llull, entre otros), a los
acontecimientos notables (el Holocausto, el auge del fascismo, entre otros) y a los
paisajes (de Londres en las orillas del lago Erie, a Cataluña, entre otros). Impresionado
por la obra de Edgar Degas, adopta el pastel como técnica para una serie de estudios del
cuerpo humano del natural, aportando una sensualidad nueva y un claro erotismo en
sus obras. También trabajó el autorretrato.
Synchromy with F.B: general of hot
desire (Sincromía con F.B: general de
cálido deseo) de Kitaj, 1968-69
Es un díptico, hecho de óleo sobre
lienzo.
Marynka Smoking de Kitaj, 1980
En esta obra aplica la técnica del pastel que muestra sensualidad
y erotismo. Además del pastel también está hecho de carboncillo
sobre papel.
85,5 x 56,5 cm.
Richard Smith
En sus primeras obras se muestra la influencia del Expresionismo Abstracto. Gusto por
los formatos desmesurados y su tendencia a la abstracción. Interés y representación de
publicidad, revistas y productos de consumo.
Piano de Richard Smith, 1963
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Pintura al óleo sobre lienzo. Es una obra en la que
se emplea la imaginería escalonada, efecto que
produce un proyecto en tres dimensiones,
utilizando lona plegada que sobresale del cuadro.
182,6 x 277,2 x 114 cm.
David Hockney
“Me apasiona la idea de pintar algo que dura dos segundos”. Sus obras son de carácter
naturalista y realista, como sus famosas piscinas californianas, pintadas en un estilo
ingenuo y colorista. Más tarde dejara el sol y pintará bosques. Utiliza pintura acrílica, el
óleo y la técnica del fotocollage. También juega con dos formas de pintar dentro de un
mismo cuadro: una pintura lisa y pulida para algunas zonas y otra más informal o
abstracta para otras. El tema de su obra es la autobiografía. Una buena parte de su obra
está constituida por retratos dobles de amigos que aparecen en interiores. Incorpora
instrumentos, como el iPhone y el iPad, como nuevos y revolucionarios medios de
expresión.
A bigger splash de Hockney, 1967
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Esta obra nos translada a un tranquilo día soleado en
California. Hockney capta el momento exacto en el que
un personaje que acaba de lanzarse al agua, formando
un gran splash que rompe momentáneamente la
calma de la escena. Se representa el doble juego de
pintura: superficie tersa y pulida de todo el cuadro con
la mancha borrosa y pictórica del salpicón que produce la zambullida en el agua. Hecha
de óleo sobre lienzo.
242,5 x 243,9 cm.
Christopher Isherwood and Don
Bachardy de Hockney, 1968
Obra en la que Hockney hace los
retratos de sus dos amigos
Isherwood y Bachardy, en un interior.
Hecho de acrílico sobre lienzo.
83 x 119 cm.
La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire de Hockney, 2011
Evolución del paisaje a través de los largos inviernos y veranos y los cortos otoños y
primaveras. Es un óleo sobre 32 lienzos.
365,8 x 975 cm.
Pop Art estadounidense
Arte con mayor fuerza y agresividad que el arte pop británico. Los artistas de América
tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos, que se distancia del arte de
los materiales bien diseñados e inteligentes comerciales.
ESCULTURA
Jasper Johns
Ale cans de J.Johns, 1964
Se encuentra en el Museum Ludwig de
Colonia.
Esta obra son dos botes de cerveza
esculpidos en bronce.
George Segal
Adopta la técnica del molde en yeso. Para él el yeso es el medio para dar rienda suelta
a un realismo poético e introspectivo. Puede reflejar la fisonomía del hombre y plasma
su individualidad, sus estados de ánimo gracias a la adaptabilidad del material. La vida
cotidiana se refleja en sus composiciones. Lo que él llama esculturas de situación
corresponde a personas formando diferentes escenas. Hace las esculturas a partir de
cuerpos de sus amigos o de modelos.
Hombre comiendo de George Segal, 1964-66
Se encuentra en Minneapolis, Walker Art
Center.
Claes Oldenburg
Sus esculturas se basan en la representación a gran escala de objetos cotidianos,
utilizando formas universales como el círculo, el cubo o el cilindro, y también hace
versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. El humor reside en el
contraste de la monumentalidad con la banalidad del objeto. Es considerado como el
máximo exponente de la escultura del Pop Art americano, del ‘happening’ y la
‘performance’.
Floor Burguer de Oldenburg, 1962
Se encuentra en la Art Gallery of Ontorio,
Toronto en Canadá.
Está hecho de acrílico sobre lienzo lleno de cajas
de goma espuma y cartón.
132,1 x 213,4 cm.
Shuttlecocks de Oldenburg, 1994
Se encuentra en el Museo Nelson-Atkins
de Arte, Kansas City.
Está hecho de aluminio y plástico,
reforzado con fibra y pintado con esmalte
de poliuretano. Es un conjunto de cuatro
volantes situados en diferentes
posiciones sobre la base del museo.
Robert Indiana
“Pop es amor porque lo acepta todo…Pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano,
optimista, generoso e ingenuo…” Su obra está ligada a la abstracción e integra mensajes,
letras y números en superficies geométricas de color. Practicó también en sus comienzos
la técnica del ensamblaje pero actualmente sus obras están orientadas a la
tridimensionalidad en acero y otros materiales. Es famoso por su serie ‘amor’ de
esculturas, ubicadas en más de 30 lugares del mundo.
Love de Indiana
Se encuentra en la JFK Plaza, una plaza
situada en Center City, Filadelfia,
Pensilvania, con el Museo de Arte de
Filadelfia de fondo. Su representación
original en escultura fue realizada en
1970 y se encuentra en el Museo de
Arte de Indianápolis.
Está hecha de acero cortén.
PINTURA
Robert Rauschenberg
“No soy un artista con ideas. Odio las ideas. Y cuando a pesar de ello tengo alguna, me
voy a pasear para olvidarla”. Influenciado por el Dadaísmo. Realizó pinturas collage:
lienzos expresionistas libremente pintados están cubiertos con fragmentos textiles,
fotografías y recortes de periódicos rasgados, y ‘Combine Paintings’: combina pintura,
ensamblajes y collages de fotografías con objetos encontrados. También se dedicó a la
litografía y estampación por serigrafía. Rauschenberg alude también a los coches y naves
espaciales, incluso incorporando llantas y bicicletas reales: refleja su propia inquietud,
imaginación peripatética.
Coca-Cola Plan de Rauschenber, 1958
Se encuentra en el Museum of Contemporary Art en
Los Ángeles.
Es un ‘Combine Painting’.
68 x 64 x 14 cm.
Retroactive I de Rauschenberg, 1964
Se encuentra en el Wadsworth Atheneum Museum
of Art, Hartford, USA.
La fuente de inspiración para esta serigrafía sobre
lienzo fue una enorme fotografía de John F.
Kennedy hablando en una conferencia televisada
(en el centro). A esta imagen superpuso otras
serigrafías como la de un astronauta en paracaídas
(arriba a la izquierda). Con todo esto crea un
colorido comentario visual sobre una cultura
saturada. Además de la serigrafía también está
hecha en óleo.
60,8 x 23 cm.
Jasper Johns
“Cosas que se ven, pero no se miran, no se examinan”. Tenía una actitud radicalmente
opuesta a los expresionistas abstractos. Sus obras se centran en temas como dianas,
banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto, lo que le llevó a un
tratamiento de los colores y las texturas. Emplea la técnica encáustica, que consiste en
diluir los pigmentos en cera caliente para darle al cuadro una apariencia de relieve.
Pinturas con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura, que después
son más libres y sueltas. También solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas.
Tres banderas de J.Johns, 1958
Se encuentra en el Whitney Museum de
Nueva York.
Superposición de tres pabellones de
diferentes tamaños, con fondo blanco
dominado por barras y estrellas,
reforzando así la imagen y generando
un interesante efecto óptico.
Representación de un motivo banal. Es encáustica sobre lienzo.
78,4 x 115, 6 cm.
Comienzo falso de J.Johns, 1959
En esta obra Johns utiliza una plantilla para pintar
intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de
color sobre los objetos pintados. Obra llena de humor y
juegos de significados. Es un óleo sobre tabla.
171 x 137 cm.
Andy Warhol
Trabaja a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico y repeticiones de
los mismos, como por ejemplo Marilyn Monroe o Elvis Presley, haciendo una reflexión
sobre la fama, el éxito, el poder o la muerte. Su objetivo era eliminar de la obra de arte
cualquier signo de manualidad, de ahí a que la mayoría de sus obras están hechas a
partir de fotografías proyectadas sobre un lienzo. En sus obras se muestra a menudo la
falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus
compañeros. Técnica de la serigrafía y exalta la banalidad de la vida, ironiza sobre la
reproductibilidad del objeto de consumo, es decir, desmitifica la obra de arte como un
objeto único e irrepetible. Será un precursor de nuevas formas artísticas como el
videoarte.
Campbell’s Soup Cans de Warhol, 1962
Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Es un conjunto de 32 lienzos de 50,8 x 40,6 cm cada uno. Cada uno tiene la imagen de
una lata de sopa Campbell, representando en cada uno los diferentes sabores que
ofrecía esta marca y ordenados cronológicamente según la fecha de comercialización de
cada sabor. Cada lata con su color rojo y blanco y un círculo anaranjado que reproduce
la medalla de la Exposición Universal de 1900 en el medio. Es una pintura acrílica,
serigrafía sobre lienzo. Predomina la sencillez en su obra: la forma geométrica de la lata,
el uso de colores planos y puros y la disposición ordenada de las letras. Warhol dijo que
hacía serigrafías de latas porque durante 20 años ha comido una lata de sopa Campbell
y un sándwich, siempre lo mismo.
Marilyn de Warhol, 1964
Se encuentra en la Galería Leo Castelli de Nueva York.
Serigrafía sobre lienzo.
100 x 10 cm.
Roy Lichtenstein
Se inspira en los dibujos animados y envoltorios de chicle, la publicidad y la televisión
para ilustrar sus conocidos comics. Sus pinturas son de temas emotivos presentados de
un modo frío y formalista, dando la misma importancia a las cualidades abstractas y
decorativas de la pintura sin que se pueda detectar su personalidad. Tiene un interés
por las imágenes banales reproducidas.
Whaam! De Lichtenstein, 1963
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Es un díptico en el que Lichtenstein utiliza de manera sistemática la trama tipográfica de
la imprenta como base y las tiras de comic como motivo iconográfico.
170 x 400 cm.
Crying Girl de Lichtenstein, 1963
Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.
Es una litografía sobre papel vitela ligero, de
color blanquecino.
40,6 x 61 cm.
Tom Wesselmann
Recibe las influencias del Expresionismo Abstracto. En algunas obras utiliza papeles y
folletos de publicidad e incorpora elementos tridimensionales, como en los Cuartos de
baño (ensamblajes). Destacan los Grandes Desnudos, gigantescas madonas modernas a
las que adorar. A veces estos desnudos llevan a las tres dimensiones, y con telas
superpuestas en varios planos, colores lisos y formas simplificadas al máximo, hace una
imagen que resume las aspiraciones de la sociedad del consumo: gruesos labios rojos,
dientes blancos, melenas rubias, pechos enhiestos, un cigarrillo humeante, un kleenex
y una naranja redonda, jugosa, sensual y decorativa.
Collage de la bañera Nº3 de
Wesselmann, 1963
Se encuentra en el Museo
Ludwig de Colonia.
Combinación de objetos
pintados con objetos reales
(puerta, toalla, alfombra,
contenedor para ropa sucia y la
cortina de la ducha). Su intenció
con este montaje era reforzar la
sensación de ilusión. Es un óleo sobre lienzo, plástico y diversos objetos.
213 x 270 x 45 cm.
Gran desnudo americano nº98 de
Wesselmann, 1967
Está compuesto por 5 lienzos
superpuestos en 3 planos. En esta
obra se pueden ver las aspiraciones
de la sociedad del consumo.
250 x 380 x 130 cm.
James Rosenquist
“Mi pintura debe mirarse con ojos de niño, sin ninguna intencionalidad”. Influencia de
Robert Indiana. Se caracteriza por los formatos grandes de sus obras que combinan
formas figurativas, desgarros espaciales y contenidos abstractos, con imágenes
próximas al realismo fotográfico. Recoge fragmentos de la realidad y los representa a
gran escala. Su obra es colorista y barroca (recargada) y utiliza imágenes
desproporcionadas combinándolas mediante superposiciones, yuxtaponiéndolas para
crear historias visuales. También escoge objetos simples que no aportan ningún
significado simbólico y los trata en grandes formatos con un lenguaje propio de la
publicidad.
Hey! Let’s Go For a Ride de Rosenquist, 1961
Es una colección privada.
Óleo sobre lienzo.
87 x 90,8 cm.
F-111 de Rosenquist, 1964-65
Se encuentra en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York.
El nombre de la obra viene
por uno de los bombardeos
utilizados en la guerra de
Vietnam. Es una de sus obras
emblemáticas.
Óleo sobre lienzo y aluminio.
304,8 x 2621, 3 cm.
Robert Indiana
Su obra está relacionada con la abstracción, y al igual que en la escultura, integra
mensajes, letras y números en superficies geométricas de color. Influencias de los
trabajos de Kelly. Destaca la serie de lienzos ‘Love’.
Década autoportrait de Indiana, 1962
Obra donde se pueda ver la utilización de
formas geométricas en las que hay inscritas
palabras emblemáticas sacadas de textos
poéticos donde se alaba el sueño americano,
todo muy colorido.
Love de Indiana, 1964
Con esta obra Indiana alcanzó la fama, casi universal.
Este diseño era para una tarjeta de felicitación de
navidad encargada por el MoMA de Nueva york. Las
cuatro letras forman una palabra de resonancia
universal y se convirtieron en emblema de su obra,
que fue reproducida de diferentes maneras: en papel,
en esculturas y en sellos de correos.
Pop Art español
Eduardo Arroyo
Muestra interés por el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura,
los medios de comunicación que incorpora los iconos de los medios
de comunicación de masas y la historia de la pintura, y su desprecio
por casi todos los estilos artísticos establecidos.
Equipo Crónica
Cultivan la pintura figurativa. Uso de los cómics y las
imágenes de la publicidad y la simplificación de las
imágenes y composiciones fotográficas. Sus obras
también se inspiraban en obras clásicas como
el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez.
Pop Art italiano
PINTURA
Piero Manzoni
Proceso de desacralización, enlatando y vendiendo como producto de supermercado
mierda , se ríe y pone en cuestión todo el montaje que rodea el mundo del arte: el
sistema de mercado, la mitificación de la figura del artista como alguien superior y el
fetichismo de todo lo que tiene que ver con él.
Merda d’artista de Manzoni, 1961
Lata de metal
Colección particular, Venecia.
5 x 6,5 cm.
CONCLUSION PERSONAL
La conclusión que saco es que el Art Pop es un movimiento que surgió como rebeldía y
crítica hacia una sociedad capitalista, cegada por el consumo, las tecnologías, e incluso
la fama, el poder, y todo aquello que se consideraba como nuevo. Un movimiento que
consiguió llegar a todo el público tanto en obras escultóricas como en obras pictóricas.
BIBLIOGRAFIA
http://es.slideshare.net/padac/arte-pop-5996350?related=1
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
http://www.artelista.com/arte-pop.html
http://popart22.blogspot.com.es/2005/12/contexto-histrico-pop.html
https://prezi.com/rljslf4tp6rk/por-art/
http://es.slideshare.net/arelar/pop-art-en-inglaterra
http://es.slideshare.net/arelar/pop-art-en-estados-unidos
http://architecturepop.blogspot.com.es/
Medina, P: Història de l’Art. Ed. Columna. 1999
Santos García Felguera, M. Historia del Arte. El arte después de la guerra
Lucie-Smith, E. Movimientos artísticos desde 1945. Ed. Destino. 1991
Argan, J.C. El art modern. Historia o (2 vol). Ed. Akal
