POSTIMPRESIONISMO

La denominación postimpresionismo es un gran saco en el entrar toda una serie de pintores que renuevan de diferentes formas las aportaciones del impresionismo, desarrollando o superando algunas de sus características. No es por lo tanto un estilo homogéneo sino que cada uno de los pintores que incluimos aquí tiene una técnica y unos objetivos bastante diferentes entre sí.

1. TOULOUSSELAUTREC. (18641901)

No muestra ningún interés por la pintura al aire libre ni por los paisajes, sus temas preferidos son escenas de circo, cabaret, bares de París, burdeles ... reflejo del bullicio y de la vida bohemia. En muchos casos se trata de simples dibujos con lápices de color, en los realiza bocetos de esas escenas de vida nocturna, pero siempre con un toque critico o melancólico ante la sordidez del mundo representado. También realiza carteles publicitarios para los espectáculos del FolliesBerges o el Moulin Rouge, Encajaría incluso en la corriente modernista o Art Nouveau. su estilo se define por una línea sinuosa, por la tintas planas y la simplificación del dibujo con un diseño bidimensional. En “La toilet” demuestra la importancia que concede al dibujo, de líneas ágiles y rápidas, innovando en la búsqueda de encuadres y composición más novedosas, en este la muchacha esta vista desde arriba de espaldas al espectador.

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2. PAUL CÉZZANE (18391906)

Va a ser uno de los pintores más influyentes de todo el Arte Contemporáneo y en su estilo podemos rastrear el origen de movimientos tan importantes como el cubismo. Sigue más de cerca las aportaciones del impresionismo, pero de una forma fiel, sino que investiga en sus logros y los lleva a sus últimas consecuencias; esto le hace investigar sobre la estructura autentíca de los objetos y del paisaje, llegando a la conclusión de que todo está formado por tres formas geométricas básicas, el cilindro, la esfera y el cubo. Sus cuadros van a reflejan ese geometrismo y esa depuración de la forma hasta reducirla a sus elementos más básicos, adquiriendo cierto rigidez escultórica sus figuras. Abandona los matices de luz que había en los impresionistas, ya que no se adaptan a su búsqueda de la forma básica. Podemos decir de Cezzane es el padre del arte moderno. Estudia pacientemente los objetos desde todos sus ángulos, descomponiendo la perspectiva tradicional. Realiza numerosos bodegones, en los que los objetos son de los

volúmenes más simples. Ese geometrízación no sólo se aprecia en sus bodegones, sino que también la figura humana sufre ese proceso ("Bañistas", "Los jugadores de cartas") o incluso los paisajes, como en la conocida serie de la "Montaña de SainteVictoire", en los que el color contribuye a dar esa sensación, utilizándolos de forma muy personal, defendiendo la importancia del cuadro en si como elemento estético, independientemente de su tema..El tema de los jugadores de cartas fue tratado en varios cuadros, en los que se ve un proceso de

depuración de las formas y de eliminación de elementos superfluo. En Cezanne cualquier tema es capaz de alcanzar la máxima expresividad por humilde que sea. Los hombres sentados a la mesa adquieren una realidad absoluta que es transformada por la forma de ver del pintor. Las figuras se construyen con planos de color casi uniforme en una composición sumamente simétrica y geométrica. Las formas se van

haciendo cada vez más geométricas, basándose en el cubo, el rectángulo y el triangulo, y donde el color se va convirtiendo en algo secundario. En otros casos opta por emplear encuadres más atrevidos, empleando además una combinación de color bastante atrevida al unir

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azules con naranjas y amarillos, pero como en otros casos vemos la insistencia de Cezanne por las formas geométricas, de forma evidente en esta naturaleza muerta con eros En los retratos también busca la geometría que según el estaba en todos los elementos de la naturaleza, los brazos e incluso el rostro quedan reducidos a los elementos más básicos al igual que el resto de objetos que pueda acompañar el retrato, como en este retrato de Madanne Cezanne, el fondo neutro, la colocación simétrica de los brazos, la simplicidad del tratamiento del rostro y las gamas de colores fríos y terrosos nos hablan ya de los primeros pasos hacia lo que será posteriormente el cubismo.

53. VAN GOGH (18351890)

Su obra artística va a estar muy condicionada por sus personalidad inestable y cercana a la locura. Su vocación inicial es hacia la vida religiosa, ejerciendo de misionero entre los mineros belgas, pero acabará abandonando y dedicándose sólo a la pintura con varias temporadas ingresado en centros psiquiátricos. Van Gogh se deja fascinar por todo lo que conoce, y prácticamente podemos encontrar influencias de cualquier corriente en su obra: la luz y el color impresionista; el divisionismo puntillista; la sencillez de la estampa japonesa; el sintetísmo y las tintas planas de Gaugin... A todos estos elementos superpone su propia personalidad y su propia idea de la pintura, según la cual los colores tienen una capacidad expresiva en si mismos, y el pintor se sirve de ellos para expresarse de un modo intenso. Esa expresividad de sentimiento internos que quiera plasmar Van Gogh se refleja además de en el color, en el tipo de pincelada empleado, una pincelada breve, nerviosa, como una sucesión de comas, cargadas de pintura, que proporciona al cuadro un sentido táctil y matérico. Su estilo enlazará como consecuencia de estos elementos con el Expresionismo .Ya en sus primeros cuadros se ve la tendencia a expresar sentimientos, estos primeros cuadros son profundamente realistas y en ellos intenta reflejar la realidad de los mineros y de las clases populares, a través de colores muy oscuros y tenebrosos, con rostros cercanos a la caricatura y un gran patetismo ("Los comedores de patatas") Su evolución muestra su progresivo deterioro mental y su caída en la depresión que le llevará al suicidio, su estilo se va haciendo cada más nervioso y agitado. Su relación con

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Gaugin, con el que convive una temporada en el sur de Francia hace que sus cuadros se llenen de colores más brillantes y más luz, pero sin abandonar su expresividad ("El dormitorio del artista en Arles" "Arlesiana" "Girasoles"...) En sus autorretratos puede seguirse la evolución de su estilo, pero también de su enfermedad; sus últimos cuadros reflejan a un hombre sumido en la desesperación, que ve la naturaleza como algo lleno de fuerzas en tensión y amenazantes ("Noche estrellada", "Campo de trigales con cuervos". . .) Finalmente se pegará un tiro en abril de 1890, muriendo varios días después.

Sus primeros cuadros los realiza en su época de pastor protestante entre los mineros belgas, fuertemente impresionado por las condiciones de vida de los mineros y con un sentimiento de crítica social sus cuadros reflejan esa realidad en la que vive en un estilo en cierta manera cercano al de los realistas franceses, emplea tonos oscuro y terrosos, con una pincelada densa y pastosa, que poco tendrá que ver con su estilo colorista posterior. En “Los comedores de patatas” tenemos uno de los mejores ejemplos de esa etapa, representa el interior de una humilde casa de mineros que sentados alrededor de una mesa e iluminados por una triste lámpara comen de una humilde fuente de patatas, la luz tenebrista, las tonalidades oscuras y el cierto aire caricaturesco de los rostros son los propios de estos primeros cuadros de Van Gogh.. En una de las cartas a su hermano Theo le habla de este cuadro diciéndole:

“Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes que, a la luz de la lámpara, comiendo sus patatas, tomando el plato con las manos, las mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas...”

Es esa época empieza la obsesión de Van Gogh por su propio rostro, comenzando a pintar una larga serie de autorretratos que se prolongarán hasta el momento de su suicidio y de reflejan un rostro atormentado por los problemas de su mente enferma y que utiliza en cierta medida como forma de autoconocimiento.

Es como consecuencia de su viaje al sur de Francia y de sus convivencia con Gaugín cuando sus colores empiezan a clarear y a aparecer tonos más vivos. De esa época en Arlés es “La habitación del artista” uno de los cuadros más conocidos de Van Gogh, que refleja posiblemente su soledad, su alejamiento de los demás y su encierro en sí mismo:

“Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio; por lo tanto, solamente el color debe hacerlo todo...,sugerir reposo o sueño en general,En fin; la visión del cuadro debe hacer descansar la cabeza, o más bien, la imaginación... la cuadratura de los muebles debe expresar el descanso inmóvil”

Vincent a Theo, 1888

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En Arlés pinta posiblemente alguno de sus cuadros más famosos, aunque jamás consiguió vender ninguno de ellos en vida, como los “Girasoles” uno de los cuadros que más precio ha alcanzado en el mercado del arte. El amarillo brillante domina el lienzo, multiplicado en múltiples matices, la pincelada es vigorosa, casi violenta, crea el dibujo y el volumen de las flores. “Gaugin me dijo el otro día que había visto un cuadro de girasoles de Monet, en un gran jarrón japonés muy bonito, pero que le gustan más los mios”

Vincent a Theo, 1889

Con el paso del tiempo sus problemas psiquiátricos se fueron agravando teniendo que ser internado en varias ocasiones. Esta evolución personal se percibe como hemos dicho en sus cuadros, la pincelada se va haciendo más nerviosa, cortas manchas de color que componen el cuadro, la cantidad de pasta empleada es cada vez mayor adquieriendo un aspecto matérico. Es internado en un sanatorio mental en Saint-Remy en donde sigue pintando por consejo de sus médicos. Los temas se vuelven más oscuros y siniestros, se trata de la obra de un hombre atormentado por el mundo que le rodea y que no es capaz de comprender ni de comprenderse a si mismo. En “Noche estrellada” percibimos la angustia nocturna de Van Gogh, el cosmos es algo casi terrorífico, las estrellas giran sobre si mismas, los cipreses parecen temblar, y el paisaje adquiere un carácter simbólico de la situación del pintor. Los mismo podriamos decir de “Campo de trigo con vuelo de cuervos” uno de los últimos cuadros que pinta (dos días antes de suicidarse), en donde la muerte se aproxima como esos cuervos que sobrevuelan el trigal sobre un cielo tan oscuro que casi es negro. No hay dibujo, solamente unas pinceladas inconexas que forman ese paisaje, pintadas con tal violencia que casi parecen cuchilladas.

Pobre muchacho, no ha disfrutado de mucha felicidad y no le queda mucha esperanza; la soledad le pesa tanto... Me ha dicho que tú nunca has sospechado la tristeza de su vida.¡Ah! ¡Si pudiéramos darle ánimos!” Theo Van Gogh a su mujer el día antes de la muerte de Vincent

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4. PAUL GAUGIN (18481903)

Un pintor de vida agitada y novelesca que refleja un burgués que se revela contra su mundo acomodado y se refugia en la naturalidad y la espontaneidad de las sociedades primitivas. En su producción se pueden distinguir varias épocas o la pertenencia a varios movimientos. Sus comienzos están dentro del llamado "Grupo de Pont Aven" (1886) formado con otros artistas de ese momento, que se trasladan a Bretaña, buscando un lugar alejado de las modas de París para inspirarse en la sencilla vida rural, El estilo de Gaugin se forma en estos años de Bretaña, se define por una utilización del color completamente personal y arbitraria, en grandes superficies planas, sin sombras ni luces; la utilización del color es casi siempre simbólica y los encuadres empleados son insólitos y los acontecimientos narrados están a medio camino de la realidad y la ensoñación. Esos colores puros se hallan compartirmentados y encerrados en una sólida línea, el estilo de los esmaltes. ("Visión después del sermón")

Después de este periodo en Bretaña se marcha Tahití y allí realiza su mejor pintura, en un intento de volver a los origines de la civilización, en una relación directa entre hombre y naturaleza. Continua con la utilización de colores puros, encerrando a las figuras en sus contornos esenciales y abandonando el modelado de las figuras (“Dos Tahitianas", "Nafea Faaipoipo" Tata te miti"...)

Este estilo de Gaugin va a tener mucha influencia no sólo en los pintores contemporáneos sino también posteriores, y podemos considerarle como el antecedente tanto del Fauvismo, como de parte del movimiento simbolista. Dentro de esta tendencia a marcar estilo está la formación del grupo de "Los Nabis" con Bonnard y Vuillard, un movimiento entre el simbolismo y el Art Novou, con escenas de interior, dedicándose también a la decoración y al diseño de muebles y trajes

En “Visión desde del sermón” nos encontramos ante una de las obras más interesantes de las que realizó Gauguin durante su estancia en Pont-Aven en 1888. Siempre se considera como una de las primeras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar desde ahora. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó .En primer plano vemos a una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, en actitud de rezar, mientras al fondo coloca la supuesta visión que tienen las devotas bretonas tras el sermón donde vemos a Jacob luchando con el ángel, siendo esta escena la parte simbólica,aunque el artista represente ambas escenas de manera simultánea.Gauguin utiliza, como en obras anteriores,la influencia de la estampa japonesa ya

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que rehusa a utilizar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas.Los colores también han experimentado un cambio importante al utilizar colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. Los contornos de las figuras empiezan a estar muy delimitados, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado "cloisonnisme",inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos de colores muy vivos.Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras "muy rústicas y supersticiosas" como él mismo escribe a Van Gogh.

“El Cristo Amarillo” es una de las obras más famosas de Gauguin realizada durante el otoño de 1889 en Le Pouldu (Bretaña) donde se había trasladado porque Pont-Aven ya era demasiado turístico.El pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, realizada por un escultor local, que encontró en la iglesia de Trémalo, cerca de Pont-Aven. El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas, siguiendo la técnica del "cloissone" inspirada en los esmaltes y vidrieras. Junto a Cristo aparecen tres mujeres

bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante una nueva visión provocada por la fuerte devoción de las mujeres, igual que en "La visión después del sermón".Al fondo vemos una valla que es saltada por una figura que puede sugerir el deseo de evasión , continuamente presente en el ánimo del artista .Lo primitivo, con las mujeres, y lo simbólico, intentando transmitir un mensaje, están presentes en la escena, al igual que lo real y lo imaginario.El colorido es el típico del otoño bretón, con unos maravillosos colores amarillos mezclados con naranjas y verdes, en clara similitud con al Cristo.

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EL FAUVISMO.

Lo que hoy conocemos como grupo fauvista no fue realmente un grupo organizado, ni sus miembros firmaron ningún manifiesto, ni se presentaron como un movimiento artístico con entidad propia. El propio nombre de fauves (fieras en francés) responde a la opinión de un critico sobre una exposición de estos pintores. La mayor parte de la crítica y del público reaccionó muy en contra de su obra, lo que consiguió que ellos reafirmaron aun más su posición. El núcleo más importante del grupo es el formado por E. Matisse, a. Deraín y M. VIamick, La procedencia y la formación de los pintores es muy diversa, aunque mantienen algunas relaciones desde 1890 su formación como corriente artística se produce a partir de la exposición de 1905

La duración de esta experiencia fue lógicamente muy efímera y cada uno evolucionó de una manera muy distinta. El elemento que los puso de acuerdo fue un uso no descriptivo del color, es decir, el color ya no tenía nada que ver con lo visible del motivo, sino que respondía al puro arbitrio del artista. En ocasiones nos encontramos con el color es usado simplemente como una elemento decorativo y que el cuadro no pretende nada más que crear una composición basada en los contrastes y en las gamas de color.

1 , HENRY MATISSE (18691954)

Matisse hizo de la liberación del color un proceso de depuración estructural y armoniosa del cuadro en su conjunto en el que el color se podía utilizar puro. Su objetivo es hacer algo armonioso, estable, controlado. Es pintor que encabeza el movimiento fauvista, y el que lo sigue de forma más característica, con grandes masas de colores vivos y luminosos, con formas muy sencillas y un acentuado carácter decorativo. En su cuadro "La Danza" de 1906 se combinan todos los elementos más primitivos, con figuras danzando y contorsionándose de forma salvaje con violentos contrastes de color, de tintas puras y planas, empleando tan sólo tres colores, posiblemente uno de los elementos más geniales de este cuadro este en su gran sencillez, que sabe transmitir una sensación de movimiento vertiginoso que está a punto de salirse de los márgenes del cuadro. Matisse reúnen las experiencias de Van Gogh y de Gaugin en el uso del color y las lleva a sus últimas consecuencias. A lo largo de su vida permaneció siempre fiel al fauvismo, aunque no renunció completamente a incorporar algunos elementos novedosos tomados por ejemplo del cubismo. Toda su producción estuvo dedicada al estudio del color y a la búsqueda de las combinaciones más logradas armonizando colores primarios con secundarios, en “El mantel, armonía en rojo” el rojo es el color dominante pero es equilibrado por la importancia de los azules y del amarillo, y los verdes del paisaje que se ve por la ventana, el color ya no hace referencia a la realidad sino que son simplemente el motivo que compone el cuadro; al mismo tiempo en este caso percibimos la influencia de otros movimientos artísticos, como el modernismo en los ritmos curvos y vegetales o el gusto de Matisse por el arte islámico.

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Otras de las obras de Matisse son "La mujer de la raya verde". "La Dama del sombrero" 'Bodegón de los peces rejos"... En sus últimos cuadros la reducción de elementos es aun mayor, las figuras son reducidas a siluetas de color plano, de tonos primarios, siendo un buen ejemplo de estos cuadros la serie “jazz” a la que pertenece este “Icaro”, o la decoración de la iglesia de Vence en Francia.

2. DERAIN.(18801954)

Se va a dedicar sobre todo a vistas ciudadanas, o paisajes en los que los colores forman armonías y disonancias bien coordinadas, aunque su relación con Picasso años más tarde hace que se vea ínfluenciado por el cubismo, aunque siempre se mantuvo fiel a los principios básicos del fauvismo.

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LA ESCUELA DE PARÍS.

La vía abierta por el Fauvismo convirtió definitivamente a París en el centro artístico europeo, en la ciudad más abierta cualquier innovación estética, y foco mundial de las vanguardias. A París llegan desde todas las partes de Europa pintores que intentan triunfar y hacerse un huevo entre los grandes del momento. Algunos de ellos se integraron en los movimientos de vanguardia que triunfaran en ese momento, otros en cambio desarrollaron una obra completamente personal al margen de las modas, formando un grupos completamente heterogéneo, sin ningún vínculo en común que el desarrollar en París su obra rodeados del ambiente vanguardista que se geste en esos años. Dentro de este grupo incluimos a Chagall, Mogliani, o el escultor Brancusi. El italiano Amadeo Modigliani (1884-1920) se instala en París en 1906 con la intención de dedicarse a la escultura, aunque se débil salud le obliga a dedicarse casi exclusivamente a la pintura, dando lugar a una de las obras mas personales y delicadas de todo el siglo; su tema central es la figura humana, en forma de retrato o de desnudo femenino, tomada como base para el desarrollo de una plástica basada en la línea sinuosa, sensual, con figuras de gran esbeltez y expresión melancólica, figuras femeninas con un erotismo delicado que las coloca entre el ideal de belleza clásico y el cuerpo tangible. El ruso Marc Chagall (1887-1985) es una de las figuras clave de la Escuela de Paris,

aunque estuvo en contacto permanente con los pintores de vanguardia y participó activamente en la vida cultural de París, ningún movimiento le atrae lo suficiente como para subordinarse a su estética, basada en la alegría, el optimismo y la libertad de prejucios; para él el arte es más interesante cuanto más libre y mas ilógico, en cuadros de cierto ingenuismo y que rozan lo que será el

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