PROYECTO PINTORES FRANCESES

TAREA: REPRODUCCIÓN DE SUS CUADROS MÁS

FAMOSOS.

EDGAR DEGAS � CLASE DE DANZA: Degas acudía con asiduidad a la Ópera de París, como espectador, pero también

entre bastidores, a la sala de la danza, donde lo introdujo un amigo músico de orquesta. En dicha época todavía se trataba del edificio de la calle Le Peletier, y no de la Ópera diseñada por Garnier, que pronto la sustituirá. A partir de comienzos de los años 1870 y hasta su muerte, las bailarinas ejerciendo durante los ensayos o en reposo, se convierten en el tema de predilección de Degas, incansablemente recuperado con numerosas variaciones en las poses y los gestos. Más que el escenario y las luces de candilejas, es el trabajo previo que le interesa: en entrenamiento. Aquí, la sesión se acaba: los alumnos están agotados, se estiran, se contorsionan para rascarse la espalda, arreglan su peinado o su ropa, un pendiente, un lazo, poco atentas al inflexible profesor, retrato de Jules Perrot, antiguo maestro de ballet. Degas ha observado con atención los gestos más espontáneos, naturales y anodinos, momentos de pausa, cuando la concentración se afloja y el cuerpo se relaja, tras el esfuerzo de un aprendizaje extenuante y de un rigor implacable.

EDGAR DEGAS � MUJER CON CRISANTEMOS: Existen dudas sobre si Degas realizó en primer lugar el florero y después añadió a

la mujer o por el contrario, mostró una escena que el artista contempló en la casa de un amigo. Bien es cierto que el pintor no solía realizar bodegones, aunque eran una de las numerosas muestras del realismo en el arte, continuando la tradición del Barroco Holandés. Incluso el propio Delacroix, cuyo cromatismo asimiló perfectamente Degas, trabajó en obras de este tipo. La figura de la mujer aparece en una esquina de la composición, rompiendo con la asimetría tradicional de estas imágenes, considerándose por consiguiente un añadido posterior. Lo que es indudable es la influencia de la fotografía, una de las características presentes en la mayor parte de las obras de Degas. Lo más llamativo de la obra es el colorido de las flores, jugando con los contrastes de tonos oscuros y claros. La iluminación empleada acentúa aun más esos coloridos vivos, diferenciándose claramente de los que le rodean: sienas, negros o verdes. La agobiante pared del fondo nos trae el jarrón a primer plano, situándose la mesa a la altura del espectador para integrarlo en la escena. Incluso la jarra de agua y el paño sobre la mesa otorgan mayor realismo al conjunto. La mirada de la dama, perdida, ausente, muestra la facilidad del joven pintor para los retratos, como ya demostró con la Familia Bellelli.

EDOUARD MANET ARGENTEUIL

Los meses del verano de 1874 los pasó la familia Manet en Genevilliers, frente a Argenteuil. Monet y Renoir frecuentaban esta zona por lo que se produjo un interesante contacto entre los tres pintores, motivando el acercamiento de Manet al Impresionismo. Realizó algunas obras en las que se aprecia claramente un avance en su pintura, como es el caso de Argenteuil o Claude Monet con su esposa. Ambas figuras se sitúan sobre una barca, bajo la luz del sol veraniego, luz del atardecer de un momento determinado. Ésta sería la filosofía impresionista, que el pintor ha intentado llevar a su extremo; por eso ha pintado los brazos y los rostros de los modelos con tonalidades naranjas y marrones, producto de la luz. El colorido es mucho más variado que en escenas anteriores, apareciendo amarillos, azules o rojos.. Sin embargo, Manet es un pintor del Salón y para este lugar ha realizado su obra. Esto se aprecia en la perfecta y estudiada composición, organizada a través de líneas horizontales y verticales - los mástiles, las chimeneas del fondo o las rayas de la ropa de los modelos - que aparentan un aspecto de espontaneidad. Las medidas del lienzo, mayores que las de los impresionistas, hacen pensar que estamos ante una obra acabada en el estudio, en lugar de realizarla al aire libre como imponían las ideas impresionistas. Presentada en el Salón de 1875, recibió las consabidas críticas y sólo alguna alabanza.

CLAUDE MONET TERRAZA EN SAINTE-ADRESSE

Durante el verano de 1867 Monet estuvo trabajando duramente en Sainte-Adresse, surgiendo maravillosas escenas como la Playa de Sainte-Adresse o esta terraza, tomadas ambas del natural a pesar de emplear diferentes iluminaciones para reforzar la teoría impresionista de que la luz y el color dependen de cada momento. El artista nos ofrece una visión en alto de una terraza ocupada por miembros de la burguesía - las mujeres con las sombrillas o los hombres con sus sombreros - para mostrarnos al fondo el mar plagado de barcos de vapor y de vela. Las líneas verticales de los mástiles rompen con la horizontalidad del mar y del horizonte. Las sombras coloreadas - siguiendo a Delacroix - y los contrastes entre las diferentes tonalidades muestran la frescura que tendrán las obras impresionistas. Como es ya tradicional en las obras de Monet, la pincelada es aplicada a través de pequeños toques en forma de coma que se convierten en manchas cuando el espectador se acerca.

PIERRE AUGUSTE RENOIR ALMUERZO DE REMEROS

Renoir también sintió una especial atracción hacia las escenas de la vida cotidiana como le Moulin de la Galette, los Paraguas o este Almuerzo de remeros, escenas cargadas de alegría y vitalidad. La composición fue realizada en el restaurante de Fournaise, posando sus amigos Aline Charigot -la mujer de la izquierda con el perrito-, el pintor Caillebotte -sentado a horcajadas en primer plano- o la modelo Angèle mirando al pintor. Lhote, Lestringuez y otros conocidos del artista también se distribuyen por el lienzo de manera acertada. Un perfecto bodegón de botellas, frutas, platos y copas preside la composición, demostrando Renoir su facilidad para ese género. Las figuras se sitúan bajo un toldo que evita la entrada de la luz solar, provocando sombras coloreadas típicas del Impresionismo. La factura es cuidadosa, destacando el perfecto dibujo de las figuras con el que resalta su volumen, mientras que el fondo está más abocetado. La luz tomada directamente del natural, la disposición de las figuras en la escena, los rostros de los personajes muy realistas y la sensación de vida que se respira en el conjunto hacen de esta obra una de las más atractivas del pintor.

PAUL CEZANNE MAR EN L’ESTAQUE

Una de las primeras veces que Cézanne estuvo en L´Estaque, pueblo de pescadores cercano a Marsella, fue con motivo del estallido de la Guerra Franco-Prusiana en 1870 ya que allí buscó refugio, en compañía de Hortense Fiquet, para evitar ser llamado a filas. Sobre sus impresiones en este pueblo escribió a Pissarro: "Aquí todo es como un naipe. Tejados rojos sobre el mar azul. El sol es tan fuerte que tengo la impresión de que todos los objetos destacan como siluetas, y no sólo en blanco y negro, sino también en azul, rojo marrón y violeta. Puedo equivocarme, pero creo que es diametralmente opuesto al modelado". En primer plano observamos dos árboles que encuadran la composición. A continuación se encabalgan las casas del pueblo con sus tejados rojos y una elevada chimenea que deja paso al mar, amplia extensión azul que nos conduce al cielo que cierra la escena. La aplicación del color se realiza a través de cortas pinceladas que estructuran el espacio, siguiendo el estilo impresionista que aprendió con Pissarro en Pontoise. Una fuerte luz resalta las diferentes tonalidades empleadas por el maestro. Las edificaciones adquieren una singular autonomía que servirá como claro antecedente del cubismo. Braque y el propio Picasso se desplazarán a L´Estaque para buscar la misma inspiración que el maestro de Aix.