1

INDICE Hipótesis…………………………………………………………………………………………… 1 Introducción…………………………………………………………………………………… 2

Bendfeldt Stephanie

46948 coneja_b@hotmai.com

TRABAJO PRÁCTICO

FINAL

Representaciones de Apolo según su Mitología en los Tres Períodos de la Escultura Griega

Taller de Reflexión Artística II

Carla Ferrari

Diseño Textil y de Indumentaria

5-8-2009

1544903760

2

Apolo………………………………………………………………………………………………... 3 Escultura Griega………………………………………………………………………………. 4 Periodo Arcaico………………………………………………………………………………... 5 Periodo Clásico………………………………………………………………………………… 7 Periodo Helenístico………………………………………………………………………….. 9 Conclusión……………………………………………………………………………………… 11 Bibliografía……………………………………………………………………………………… 13 Anexo……………………………………………………………………………………………….. 14 Hipótesis

3

Representaciones de Apolo según su mitología en los tres períodos de la escultura griega. Introducción Apolo se considera uno de los más importantes y multifacéticos dioses olímpicos. Se ha reconocido variadamente como dios de la luz y el sol, la verdad y la profecía, la medicina y la curación, la música y las artes. Es hijo de Zeus y Leto, hermano gemelo de Artemisa, a la cual se le considera diosa de la caza. Algunos relatos pintan a Apolo como despiadado y cruel otros lo pintan como héroe y divinidad. Según la Iliada de Homero, Apolo respondió a las oraciones de sacerdote Crises para obtener la liberación de su hija del general griego Agamenón arrojando flechas ardientes y cargadas de pestilencia en el ejército griego. Tal vez a causa de su belleza física, Apolo era representado en la iconografía artística antigua con mayor frecuencia que cualquier otra deidad. Pero ¿En que período de la escultura Griega fue Apolo mejor representado? La escultura Griega alcanzó lo que varias personas lo llaman la belleza artística más elevada que pudo haber sido lograda por un ser humano. Aunque Grecia floreció en todas las Bellas Artes, ninguna se puede comprar con el maravilloso trabajo que fue logrado a través de la escultura. Los escultores griegos

4

trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por lo tanto, a los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que insinuaban la anatomía humana. Se trató de representar la belleza idealizadamente sin defectos y exteriorizar estados de ánimo. Desde la impasibilidad de las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuara de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, dolor y desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobro todo en la helenística.

La división de la escultura se basa en tres períodos de bastantes comparaciones y representaciones. Estos son el período arcaico, período clásico y el helenístico. El período arcaico se extiende desde el siglo VII al VI A.C... En este se demostraron esculturas con ausencia de movimiento. Las figuras eran auténticos bloques influidas por la plástica egipcia. Era notable el frontalísimo, la geometrización del cuerpo humano y la falta de expresividad. Las primeras manifestaciones de esto fueron los kurós y las korés. En el período clásico que se extiende desde la segunda mitas del siglo V al siglo IV vemos una evolución de la anatomía y la introducción de un canon de representación que se basó de 7 a 7 cabezas u media. En este tiempo era notable el logro de simetría y dominación de proporciones. Se consigue plasmar movimiento y acabar la ley de frontalidad. Y por último en el período helenístico es donde podemos observar la escultura en su más alto concepto de realidad. Se reflejo al ser humano tal como era, sin tratar de esconder sus defectos. Se apreciaban hermosos cuerpos juveniles al mismo tiempo que figuras de niños y ancianos. A si mismo aparecen también figuras grotescas que nos enseñan seres deformes, enfermos y obesos. Además se dio una inclinación a representar gestos y actitudes de desesperación y dramatismo. Uno de los doce dioses olímpicos: Apolo

Cuando Hera descubrió que Leto estaba embarazada y que Zeus era el padre, prohibió que ella diera a luz en tierra firme, o en continente, o cualquier isla del mar. Leto encontró la recién creada isla flotante de Delos, que no era el continente ni una isla real y dio luz allí. Apolo nació el 7º día de Targelión según la tradición delia o en el mes de Bisio según la tradición délfica. La isla estaba rodeada de cisnes y está sirvió como asilo para ese parto de la amada de Zeus, a la que perseguían los rencores de Hera.

Junto Apolo nació Artemisa su hermana gemela. Luminosos, resplandecientemente rubios, ágiles y montaraces. Se dice que Apolo era un hermoso mancebo sin barba con cabello rubio, suelto y rizado. En la frente llevaba una corona de laurel. Esta indicaba sacrificio expiatorio y también sirvió para elaborar la corona de victoria en los Juegos Píticos, que se celebraban en su honor cada cuatro años en Delfos. Los atributos más comunes de Apolo era el arco y las flechas, aludiendo a los rayos del sol, y en la izquierda una lira de siete cuerdas, emblema de los siete planetas cuya celeste armonía conserva. Sus flechas causan la enfermedad cuando él hiere de lejos con tino perfecto blandiendo su luminoso arco de plata. El arco es un símbolo de su poder distante, pero certero, silencioso.La palmera también le estaba consagrada porque había nacido bajo una de ellas en Delfos. Entre los animales que le estaban consagrados se incluían los lobos, los delfines y los corzos, los cisnes y cigarras (simbolizando la música), halcones, cornejas, cuervos y serpientes (en alusión a sus funciones como dios de la profecía), los ratones y los grifos, míticos híbridos de águila y león de origen oriental.

Apolo era un dios que camina a grandes zancadas y se aparece en lugares diversos. Es el patrón de las colonizaciones a lo largo del Mediterráneo. Desde su santuario de Delfos, en los repliegues del Parnaso, el dios ofrece su bendición a las empresas audaces de los navegantes y colonos que van a fundar nuevas ciudades. Es el dios de la profecía, el patrón de las artes, el caudillo de las Musas. Delfos era el lugar venerado como su cuna, su santuario más famoso según la antigua creencia. Desde allí se difunde el enorme prestigioso de sus oráculos, revelados por la Pitia, la pitonisa que, sentada sobre el trípode, transmite las indicaciones del dios.

Muchas historias se saben sobre las aventuras y los mitos de Apolo. Nadie sabe con certeza si cada una es representada de la manera correcta o no pero Apolo era el protector de la sabiduría tradicional y de la civilización. Es su templo de Delfos estaban grabadas las sentencias de los Siete Sabios: «conócete a ti mismo», «nada en demasía» y «lo mejor es la medida ».

5

Escultura griega

Tres periodos podemos distinguir en la evolución de la escultura griega:

a) Arcaico: s. VI hasta principios del S. V. (batalla de Salamina). b) Clásico: hasta el 313 a.n.e. (muerte de Alejandro). c) Helenístico: hasta el 146 a.n.e. (dominación romana).

Aunque han llegado a nuestros días muestra originales, la gran mayoría de las obras las conocemos por las copias romanas. La escultura fue un arte rudimentario pero lleno de vida y movimiento. Reflejaba lo que los griegos pensaban de la belleza. Esta era perfección, armonía, equilibrio y proporción. La perfección la consiguieron reproduciendo perfectamente la anatomía del cuerpo humano. Equilibrio a través del contraposto. La proporción con una medida de las partes del cuerpo, 7 a 7 cabezas y media de medida. Y la armonía con una perfecta relación entre un cuerpo perfecto y una mente equilibrada. Su función estaba destinada a los templos, al culto de los dioses o como ex votos y a las tumbas. Los materiales utilizados fueron diversos, terracotas, sobre todo el la época arcaica. Entre otros está caliza, mármol, el cual fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores ejemplos de estatuaria griega. Bronce, oro y marfil. Las características principales se basaron en:

- El escultor griego realizó sus obras por placer estético, buscando la belleza ideal, al margen de su significado religioso.

- La figura humana fue considerada la expresión de esa bellaza ideal, física y espiritual,

especialmente el cuerpo masculino desnudo.

- Naturalismo idealizado en las esculturas, ya que se trata de representar al Hombre sin defectos, verdaderos arquetipos.

- Buscan la perfección formal a través de la medida y de la proporción. Para ello fijan un canon o

sistema de relaciones matemáticas entre todas las partes de cuerpo.

- Búsqueda de los cuatro puntos de belleza según los griegos.

- Estudio de la anatomía en tensión y del movimiento.

- Tema preferido fue la mitología y también atletas. PERÍODO ARCAICO

Éste período se caracterizó por esculturas rígidas, carecientes de movimiento, ley de frontalidad e inexpresivas. Fueron figuras claramente influidas por la plástica egipcia.

6

Los pocos tipos que se adoptaron se repitieron una y otra vez. El principal era el de un joven en pie llamado Kouros. Este era estrictamente frontal, con el pie izquierdo ligeramente avanzado, los brazos generalmente muy pegados a los costados, a veces doblados por los codos y las manos cerradas. Se realizaban en piedra y su sobrante en el interior no se tallaba, no tenían un pilar de soporte en la parte posterior y se representaban completamente desnudos.

Una variante de los kouros son las representaciones de los devotos que portan como ofrenda un animal, como el Moscóforo, portador de un ternero, obra del escultor Rombos. Son también frecuentes esculturas de animales como por ejemplo los leones de Delfos o seres míticos como esfinges. Temas importados de Egipto.

La Koré por su lado fue una mujer vestida con una túnica y velo denominado peplo dórico. Estas se envuelven en lienzos prácticamente sin pliegues. Los pies están firmemente clavados en el suelo, sus dedos son largos, a menudo inclinados hacia abajo, con las puntas decrecientes, formando una curva continua. Se consideraba una escultura compacta, sólida, en la que se remarcaba lo esencial, generalizándolo mediante trazos expresivos. De ese modo se conseguía impartirle un carácter monumental que apenas se distinguía del de la escultura egipcia.

La mayoría de estas esculturas siguieron un modelo parecido que pone de manifiesto su proximidad al bloque de piedra cuadrangular. La cabeza es cúbica, con los rasgos estilizados, tallados en bajorrelieve. El cuerpo tiene cuatro lados. La columna vertebral es casi completamente recta. La parte más saliente de la espalda está más arriba que la del pecho. El antebrazo está vuelto hacia arriba mientras que el puño, cerrado, se gira hacia el cuerpo. Surcos, protuberancias y abultamientos sirven para indicar los detalles anatómicos en la superficie del bloque. Siguiendo la ley de frontalidad, el cuerpo está realizado para ser contemplado exclusivamente de frente y dividido en dos mitades exactamente iguales por un plano que pasaría por la nariz-ombligo; exige el reparto del peso del cuerpo por igual entre ambas piernas.

En conclusión las características principales de este período se pueden describir en las siguientes:

- Figuras desnudas en pie en actitud de marcha, adelantando un pie

- Brazos pegados al cuerpo, dando sensación de bloque

- Marcan la frontalidad

- Sin rasgos personales

- Musculatura muy marcada pero muy geometrizada

- Ojos prominentes, grandes y salientes y orejas muy grandes.

- Pelo largo y que cae por la espalda y a veces también por delante del pecho formando tirabuzones también muy geometrizados

- Boca lineal ligeramente curvada hacia arriba intentando una sonrisa, es llamada sonrisa arcaica

7

PERÍODO CLÁSICO

El segundo cuarto del siglo V marca el comienzo de la llamada época clásica. Tras un esfuerzo sostenido durante más de un siglo el escultor griego había alcanzado pleno conocimiento de la compleja estructura de la figura humana y era capaz de representarla como un todo coordinado. El paso siguiente fue emplear este nuevo conocimiento a varias direcciones. La representación de la acción y el sentimiento, en el tratamiento del drapeado y en la composición. El escultor alcanzó gradualmente formas naturalistas, también es cierto que dio a sus figuras un carácter, tal vez pueda decirse una serenidad, que las separaba del realismo absoluto. En esta época puede notarse también un nuevo interés en reflejar la emoción no sólo en la actitud de las figuras sino también en el rostro.

La producción artística del periodo clásico se caracteriza por la idealización (tipo humano ideal, según las ideas de Pláton), el equilibrio, la dignidad en el tratamiento de las divinidades, aspectos que resumen los ideales de la escultura. Se busco el canon de belleza. Los tres grandes escultores de este periodo son mirón, Policleto y Fidias cuya producción coincide con el control de Pericles sobre la polis ateniense. Atenas fue el principal centro artístico Griego.

Si hablamos cronológicamente el primer escultor del clasicismo fue Mirón. Su obra tiene un cierto tono arcaico. Mirón era broncista y trabajó en la primera mitad del S. V. Le interesó sobre todo el estudio del cuerpo humano en movimiento, por lo que no dudó en situar a las figuras en posturas violentas, como en el Grupo de “Atenea y Marsias” y espacialmente en su obra más conocida y copiada “El Discóbolo”. Este representa a un atleta en el momento previo al lanzamiento del disco, inclinando hacia delante, en un equilibrio inestable y apoyando sólo en la planta del pie derecho y los dedos del pie izquierdo. Sin embargo su estudio de la anatomía humano no estaba plenamente conseguido debido a que sus músculos aún eran planos, y su rostro es inexpresivo. El cabello sigo con un tratamiento arcaico.

8

Por el otro lado Policleto pensaba el cuerpo humano es cálculo y proporción. Cada parte del cuerpo debía tener las dimensiones adecuadas, en la relación con las demás. Escribió un tratado en el que explicaba el Canon, o sistema de proporciones que se había desarrollado en sus esculturas: el canon de 7 cabezas, en el que la proporción del cuerpo humano debía contener 7 veces la de la cabeza. Otra novedad es el modo de mover la figura con un contraposto. El bronce facilita que la fogura se apoye en un solo pié. El brazo izquierdo está doblado, y así la figura gana en profundidad. El brazo derecho cae verticalmente. Adelanta la pierna izquierda y la figura se apoya en la derecha. La cabeza desvía hacia la izquierda del espectador.

Sin embargo el escultor del clasicismo más importante fue Fidias. Sus obras culminan los intentos anteriores de conseguir el equilibrio ideal tanto anatómico como expresivo. Fidias jugará un papel de influencia muy importante en el arte griego durante un largo periodo. Encontró la manera de decorar los vértices bajos de los frontones, hizo girar los cuerpos de tal manera que el movimiento fuera observable desde diferentes puntos de vista. Pero fue en el tratamiento de los ropajes donde Fidias reveló la fecundidad y exquisitez de su imaginación plástica. Los abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo como paños mojados no impidieron hacer al artista un estudio de la anatomía. Fidias estuvo encargado de los trabajos del Partenón así como varias esculturas de bulto para la Acrópolis.

El periodo clásico fue el que nos alimento más con los avances del arte en cuanto a la anatomía del cuerpo humano y los detalles de la belleza. Sus características principales fueron las siguientes:

- Figura humana como tema central

- Las estatuas dejan de ser estáticas

- Se busca movimiento y contraposto

- Mayor complejidad en la composición

- Mayor riqueza a través del equilibrio y la armonía

- Grandes escultores llevan al máximo esplendo la escultura.

- Búsqueda del canon de representación

- Las esculturas eran jóvenes atletas

9

PERIODO HELENISTICO

Se le llamo periodo helenístico a aquel que tendía al aumento del realismo tanto en el modelado como en el movimiento, la expresión y el carácter de los temas tratados. La máxima ambición del artista consistía en ser capaz de representar la multiplicidad de planos del cuerpo humano, sus movimientos en direcciones opuestas, el material y los múltiples pliegues del drapeado y el carácter y la emoción humanos, reproduciéndolos con el mayor naturalismo posible. Asimismo este profundo interés en el realismo se hizo evidente en los temas escogidos. La vejez, la infancia, la deformidad, la ira la desesperación, la embriaguez, las diferencias raciales, todos ellos temas que en épocas anteriores se representaron solo esporádicamente, se estudian ahora con nueva percepción.

Se pueden distinguir varios estilos uno de ellos es llamado sfumato, de modelado delicado, transiciones suaves entre los diversos plano y expresiones serenas. Otro estilo, más vigoroso, muestra contrastes más agudos entre los planos, acción vigorosa, frecuentes contorsiones y expresiones de gran emoción. El estilo llamado tradicional es característico de la Grecia continental, en el se observa una inclinación pictórica que se manifiesta, por ejemplo, en la introducción del paisaje.

Si se comparan estatuas del periodo helenístico con otro se notara una gran comparación en cuando a la serenidad anterior ahora reemplazada por una animación, a veces ligeramente teatral. Este contraste es más marcado todavía en las composiciones de mayor tamaño, especialmente cuando representan la tensión de la lucha o el sufrimiento. Escultores como Escopas y Lisipo influenciaron en la manera de poder proyectar con mayor precisión la anatomía del cuerpo humano, no solamente desnuda si no que tapada en paños que simulaban estar tan aferrados al cuerpo que parecían parte de él. La elección del mármol para estas esculturas hacía la perfección de los pliegues y volúmenes. Aún más exactas que estas fueron las esculturas de bronce.

Todas las esculturas, o en su mayoría, fueron creadas para ser observadas desde distintos ángulos y poseen un peso y vigor peculiares y propios. Igualmente las características principales de esta época fueron:

- Acentuación de las formas, que nos lleva a un barroquismo que se deja ver en la manifestación de los sentimientos

- Mayor movimiento y gran variedad de actitudes

- Abundancia de representaciones de ancianos, niños, Venus y mitología

- No siempre se conocen los autores y muchas obras se conservan por copias romanas

- Escopas y Lisipo influenciaron a partir de todo el helenismo

- Cuando es escultura en relieve, la figura se enmarca en un paisaje

- Búsqueda de volumen

- Búsqueda de diferentes puntos de vista

10

CONCLUSION

Según su mito se dice que Apolo era un hombre luminoso, resplandeciente y ágil. Llevaba el cabello rubio, suelto y rezado. Una corona de laurel adornaba su cabeza, y el arco y las flechas eran sus atributos más comunes.

Cuando se observa la representación que tuvo Apolo en el periodo arcaico se hecha a peder la

magia que hay detrás de este dios griego. Una persona tan luminosa y resplandeciente, como se solía describir, se desvaneció en la ley de la frontalidad. Su aspecto tan rígido hace pensar que es una persona fuerte pero sin movimiento. Este no presenta ninguna agilidad. La forma en la que el cabello parece estar únicamente puesto sobre la cabeza, y los rizos tan perfectos y calculados, lo hace ver como una peluca o

11

imitación a una corona Egipcia. Los rasgos faciales, siguiendo la sonrisa arcaica, son muy estructurados por lo cual no se da a conocer la realmente belleza física que se dice que Apolo tenía. Es evidente que en esta época los griegos tenían una influencia muy grande del arte antiguo de Egipto. Debido a esto Apolo perdió su esencia de ser un dios tan alabado por su belleza y deidad.

En cuanto al periodo clásico se observa claramente una gran evolución en cuanto a la figura humana y su representación. El avance en el estilismo se notó visiblemente en la forma tan refinada, no solo anatómicamente si no que también la forma en la que posicionaron el cuerpo. Siguiendo el canon de 7 cabezas y el contraposto, Apolo se pudo observar de una manera más ágil y sensual. Su expresión facial notó un refinamiento en nariz y ojos, haciendo ver la belleza que realmente tenía el. Su cabello parece ser natural y con movimiento y se presencia una corona de Laurel colocada sobre la cabeza. Fueron capaces de representarlo con armonía de movimiento y de anatomía. El cuerpo mantiene un recorrido suave y tonificado que resalta notoriamente lo atlético que era este dios griego. La idealización tuvo un salto muy notorio desde la época arcaica hasta la clásica en donde por primera vez podemos saber y observar lo que verdaderamente era un dios. En el periodo Helenístico es evidente que se observó el auge de la belleza y modelado de la escultura griega. Apolo lo representaron no solo como una deidad si no que también como alguien con una presencia y autoría propia. El movimiento del cuerpo se refleja a través de las poses logradas en este periodo. La proporción del cuerpo y el equilibrio del mismo reflejan los tantos estudios elaborados durante tanto tiempo. La manera en la que parece estar dando pasos avanzando por todo el territorio proclamando palabras de poder, refleja lo que la mitología griega cuenta es sus relatos. Es una de las pocas veces que se observa a Apolo con uno de sus atributos más importantes lo que son las flechas y el arco. El tratamiento del drapeado que se le dio a la capa hace asimilar un paño derritiéndose y recorriendo su cuerpo tonificado. Físicamente la cara tuvo aun más refinamiento que en periodo clásico. La nariz se torno aun más pequeña y la mirada mas profunda. Su cabello, suelto y rizado recorre toda su cabeza con un aire de libertad cayendo sobre el cuello. Al analizar cada uno de los periodos y las representaciones que tuvo Apolo durante todos los periodos de la escultura griega, se llega a la conclusión que en el periodo Helenístico fue en donde su mitología se reflejo con mayor precisión. Se respetaron aspectos de los cuales se creían que eran claves de su identidad y se reflejo como un dios con autoria y poder. Un dios con belleza y agilidad.

12

BIBLIOGRAFIA

- Monografía

Garcia Gual, Carlos. Introducción a la mitología griega, Editorial Alianza

Colección Olimpo. Dioses y Héroes de la Mitología. Editorial: Edicomunicación, S.A.

Robertson, Martin. El arte Griego. Editorial: Alianza reforma

Richter, Gisela M.A.. El arte griego. Editorial: Ediciones destino

Pedley, John. Greek Art and Archaeology. Editorial: Gripiths

- Documentos Electrónicos

El arte griego; http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artegr.htm

Escultura de la Antigua Grecia: http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Grecia

Arte griego: http://www.arteespana.com/esculturagriega.htm

La escultura griega: http://www.uned.es/ca-campo-de-gibraltar/Temas/ARQUEOLOGiA/ARQUEOLOGiAGRIEGA/LA_ESCULTURA_GRIEGA.htm

Apolo: http://es.wikipedia.org/wiki/Apolo

Escultura Griega Arcaica: http://www.arteespana.com/esculturaarcaica.htm

Escultura Griega clásica: http://www.arteespana.com/esculturagriega.htm

13

Unidad 3, Arte Clásico: http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/clasico/escultura_griega.htm

ANEXO

Periodo Arcaico

14

Apolo de Tenea

Período Clásico

15

Apolo Sauróctono

Período Helenístico

16

Apolo de Belvedere