El Pop Art

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas acceden a él.

El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.

E x p r e s i ó n P o p u l a r

Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos

La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes.

Peter Blake

Richard Hamilton

Andy Warhol

El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más importante.

Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y "Todo es Pop".

C o n t e x t o

Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de masas de la época.

“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado a la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco nos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren su singular identidad y sus preferencias estéticas. El concepto de lo popular a que nos remitían aquellos críticos estaba despojado de todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar directamente con la cultura de masas de la nueva sociedad industrial, que vencida la crisis de los años treinta y aplicando a conciencia las recetas keynesianas, estaba obteniendo unos resultados espectaculares.

La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo.

Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público consumidores que crea. El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial, para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de

imágenes, como en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma ante la sociedad que representa.

La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa, coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva, cuando no directamente apologética. En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la publicidad.

Marcel Duchamp “Ready-made”

Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma. Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son sino un reflejo de la producción masiva capitalista. El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra.

Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".

El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.

Roy Lichtenstein

Robert Rauschenberg

La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.

Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad ( Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol). Cualquier cosa podía ser protagonista, elevándola a categoría de

obra de arte. Lo único que se precisaba era la novedad, al igual que la publicidad, la temática pop se aparta por completo de lo viejo, en pro de la representación de la actualidad, de lo cotidiano en la vida del artista, del espectador o del comprador contemporáneo a la obra.

LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP :

ANDY WARHOL(1928-1987).

El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la publicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa Campbell" etc...

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.

A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.

Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos. En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987), Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Jasper Johns (1930- )

Jasper Johns (1930- )

Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta. La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y encarnaban la extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de trabajo.

Silla infantil BLOW de pvc de De Pas D’Urbino Lomazzi En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta. El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.

1968. Piero Gatti

HARD EDGE

Frank Stella

Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta.

Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.

Mark Rothko

Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tuvo una gran repercusión

en Europa, aunque sin la pureza del movimiento norteamericano.

A medida que pasaba el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un planteamiento más

radical que se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo contenido formal y cromático.

Frank Stella

Kenneth Noland

Max Bill

Paul Rand

Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación.

Josef Albers

• Esta obra pictórica influyó tendencias del diseño, en colores y formas, como se ve en ciertas piezas de Ettore Sottsass, incluyendo aquellas que formaban parte del trabajo del Memphis Group.

El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.

Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera. Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuando su tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica". Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica. La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo. Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.

International Style o Movimiento moderno

Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos. Aunque los orígenes de este movimiento pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J. P. Oud y Le Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado dominadas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.

Gropius y Le Corbusier

Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples, escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura. Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, como C. F. A. Voysey y Philip Webb, se manifestaron contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta.

Art Nouveau: Casa Tassel de Victor Horta

El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson, Pirie & Scott (1899-1904). El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas vías de innovación formal con sus Prairie Houses (casas de la pradera) levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares prairie houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente moderna. Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Austria realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la simétrica casa Steiner en Viena (1910).

Casa Steiner 1910

Architect: Adolf Loos

Sankt-Veit-Gasse 10 Vienna Austria

1914-1932 La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la necesidad de reemplazar los edificios destruidos por otros alojamientos de bajo coste. Esta circunstancia propició la invención del sistema ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el arquitecto más famoso del siglo XX. Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso crear edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían las vigas en voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares. Dada la resistencia de este sistema constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la función de soporte, permitiendo por tanto aligerar su carga y abrir los vanos que se consideraran necesarios.

Charles Édouard Jeanneret - Le Corbusier Sistema Domino

Aunque el sistema “Dominó” anticipara posteriores logros, nunca se llevó a la práctica. Además, durante cierto tiempo los intereses de Le Corbusier oscilaron entre la arquitectura y la pintura, tras su traslado a París en 1917. Fundó el movimiento denominado purismo, creando bodegones en los que combinaba el carácter científico del cubismo con un sentido clásico de la armonía. El desafío para los arquitectos modernos radicaba, según él, en construir edificios de acuerdo con los nuevos modelos tecnológicos.

En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante acontecimiento: la construcción de la casa Schröder en Utrecht, obra del arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que Le Corbusier, Rietveld se asoció a los movimientos artísticos de vanguardia. Fue miembro del neoplasticismo difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg. La independencia de las formas, rectangulares y de colores primarios, es evidente en la casa Schröder. El edificio se caracteriza además por la perfecta integración entre arquitectura y detalles ornamentales, incluyendo el mobiliario.

Casa Rietveld Schröder

La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania.

Walter Gropius and the building department of the

Dessau Bauhaus, Dessau Bauhaus Building,

Germany, 1925-1926

Walter Gropius and Adolf

Meyer,

Fagus Factory at Alfed an der

Leine,

Germany, 1911-1925

Le Corbusier ideó un novedoso proyecto para el edificio de la Sociedad de Naciones en Ginebra. Su ingenio arquitectónico, aplaudido con entusiasmo por otros arquitectos de vanguardia, fue uno de los factores que provocaron la creación, en 1928, de los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM). Los CIAM, que perduraron hasta 1959, sirvieron por encima de todo para generalizar y consensuar los principios de la nueva arquitectura, a la que se habían acogido numerosos arquitectos de diferentes nacionalidades.

Un hito importante de este proceso fue la exposición de arquitectura celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aunque dominada por los principales arquitectos europeos, la muestra atrajo también a destacados arquitectos japoneses y estadounidenses. Los japoneses contaron con la presencia de Mamoru Yamada, mientras que entre los estadounidenses estaban George Howe, William Lescaze, Richard Neutra y, sobre todo Frank Lloyd Wright, quien, pese a mantenerse a distancia de la estética industrial del movimiento moderno, ejerció y recibió influencias del neoplasticismo holandés y asumió la sintaxis racionalista como nuevo lenguaje arquitectónico internacional. En la exposición de Nueva York también se dieron a conocer algunos excepcionales arquitectos escandinavos, especialmente el sueco Erick Gunnar Asplund y el finés Alvar Aalto.

1933

Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades alemanas un estilo clásico y monumental, el movimiento moderno se inclinó hacia una forma diferente de planificación urbanística. Durante el periodo de entreguerras, Le Corbusier llevó a cabo una serie de anteproyectos para la ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas a diferentes actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en rascacielos residenciales separados entre sí por extensas zonas verdes. Aunque Le Corbusier nunca pudo ver realizadas por completo sus ideas urbanísticas, su influencia fue enorme tanto en proyectos de posguerra, como la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en 1960), como en los años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de Highpoint I en Highgate (Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold Lubetkin.

Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva denominada brutalismo, que significa hormigón visto, con la que se incluye en la corriente crítica del movimiento moderno y se aleja definitivamente del International Style popularizado en Estados Unidos.

Complejo Cultural Teresa Carreño de Caracas (Venezuela)

Los últimos trabajos de Le Corbusier tuvieron una gran influencia en arquitectos como James Stirling y Alison y Peter Smithson, que desarrollaron el nuevo brutalismo en Gran Bretaña; así como en el japonés Kenzo Tange. Al mismo tiempo Philip Johnson aplicó el International Style a su propia casa (1951), un contenedor de acero y cristal conocido como la Glass House y situado en New Canaan (Connecticut).

James Stirling 22 April 1926 – 25 June 1992

Alison y Peter Smithson en Londres es el conjunto habitacional Robin Hood Gardens.

Kenzo Tange (丹下健三, Tange Kenzō;

September 4, 1913 – March 22, 2005) was a

Japanese architect, and winner of the 1987

Pritzker Prize for architecture.

La influencia de Mies van der Rohe también es evidente en los grandes bloques de oficinas construidos en Estados Unidos y Europa durante las décadas de 1950 y 1960. Ejemplos destacados fueron los realizados por Skidmore Owings & Merril, así como también la obra del propio Mies en el edificio Seagram de Nueva York, un majestuoso rascacielos de vidrio oscuro levantado en 1957.

Skidmore, Owings & Merril, mas conocido como SOM, es el estudio de

arquitectura e ingeniería mas prestigioso de Estados Unidos. Fué fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel Owings, en 1936.

The Seagram Building. Ludwig Mies van der Rohe (1886-

1969) was a German-born architect known for the design of skyscrapers in an unashamedly modernist, steel-

and-glass style.

Durante la década de 1960 una joven generación de arquitectos, entre los que destacaron los Five Architects (Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves, Charles Guathmey y Richard Meier) de Nueva York, proyectaron edificios cúbicos inspirados en la arquitectura racionalista. A partir de 1960 el movimiento moderno entró en sucesivos periodos críticos, mientras que el International Style, su corriente menos ideológica, perdía notoriedad ante las nuevas tendencias: posmodernismo, high-tech y desconstructivismo. Sin embargo, los principios del movimiento moderno continúan siendo la referencia fundamental, crítica o adepta, de la arquitectura contemporánea.

Aronoff Center for Design and Art , Universidad de Cincinnati. Arquitecto Peter Eisenman

Habitación colectiva, IBA, Berlim. Arquitecto Peter Eisenman

Wall House 2, Groningen, The Netherlands, John Hejduk, 2001

Arquitecto: John Hejduk

Portland Public Service Building, Oregon, by

Michael Graves, 1980–82.

Michael Graves 425 Fifth Avenue

Michael Graves

Iglesia de Notre Dame du Haut en Ronchamp

Le Corbusier proyectó en 1950 la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp. Es una de las mejores muestras del estilo brutalista que dominó la obra del maestro franco-suizo a partir de la II Guerra Mundial. Charles-Edouard Jeanneret Le Corbusier.

Douglas House by Richard Meier

Richard Meier - Chiesa Dives

Richard Meier - Casa Smith

HIGH – TEC

El capitalismo contemporáneo ha dado como resultado una ciudad en donde han proliferado las arquitecturas ligadas a la espectacularidad y las cuales utilizan el espacio como objeto de "performance diario" del poder de consumo y del avance tecnológico. Centro Pompidou. Francia.

Richard Rogers & Partners es símbolo de arquitectura y su obra más destacada en esa ciudad (el banco Lloyd's) figura en las guías turísticas y en las perspectivas que acompañan el recorrido peatonal al borde del río Támesis. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 constituyó un hito en la arquitectura moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría de continuarse en el todavía hoy polémico Lloyd's.

Detalle Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 Lloyds Building_stair case

El diseño de Rogers repite principios que utiliza en el Centro Pompidou en París, diseñado en conjunto

con Renzo Piano en 1978.

Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión misma del edificio. Para algunos el High tech es una mentira, debido a que no es un estilo definido, sino una forma de darle solución a determinados problemas, por medio de nuevos materiales, nuevas formas de construcción, nuevas tecnologías.

Diferentes significados

Las obras de los máximos exponentes de este movimiento de arquitectura y diseño han logrado estructurar un lenguaje arquitectónico concebido a partir de la exhibición de los componentes tecnológicos de la construcción, confiriéndole un status estético merced a una rigurosa tarea de diseño. La arquitectura High Tech es la forma en la cual se muestra la estructura del edificio olvidando por completo las paredes y las superficies pesadas estéticamente. Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de esa parafernalia en la expresión misma del edificio.

Alta tecnología, o tecnología de punta. El estilo de los high- tech abarca a todos aquellos edificios que toman como concepto estético el lucimiento de la tecnología con la que fueron realizados.

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Últimas tendencias arquitectónicas

El estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller. Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional, como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.

Norman Foster

Norman Foster

Arq Feng Shui Norman Foster

En Estados Unidos sus representantes fueron, Joseph Paul D’Urso y Ward Bennett, que trabajan con materiales industriales reciclados.

Joseph Paul D’Urso

Ward Bennett

Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente desbancado por el posmodernismo. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y Tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a partir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.

Ron Arad

Tom Dixon

La producción de elementos bajo el rótulo de Higt Tech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología transformados también a través de procesos de avanzada: troqueles que funcionan por control numérico, troquelados, doblados, remaches industriales hechos en serie, entre otros. En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la producción de un policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario hace el elemento Higt Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino más bien a un producto final reflejo de su proceso específico. Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido desarrollo como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro continente, porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos industriales no alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. “Para un alemán el Higt Tech es contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech”.